Diseño japonés tras la posguerra by PATRI SINO

DISEÑO JAPONÉS

TRAS LA POSGUERRA LINAR MARTÍN ANDUEZA PATRICIA SINOBAS PASCUAL

DISEÑO E IDENTIDAD

DISEÑO JAPONÉS TRAS LA POSGUERRA LINAR MARTÍN ANDUEZA PATRICIA SINOBAS PASCUAL ESTÉTICA E HISTORIA DEL DISEÑO Prof: NIEVES FERNANDEZ VILLALOBOS Curso 2012/13

ÍNDICE Contexto Sociopolítico

Entendiendo el diseño Japonés

AUTORES Charlotte Perriand Tokio Chaise Lounge Silla Silla Mesa Petalo

12 13 14 15 16

Shiro Kuramata Mueble con formas Irregulares Miss Blanche How High The Moon

20 21 22 24

Isamu Noguchi Coffe Table Akari Light Sculptures Dinning Table

28 29 30 32

Sori Yanagui Recipiente Para Soja Butterfly Stool Elephant Stool

36 37 38 40

Bibliogrfía y Recursos Gráficos

CONTEXTO

SOCIOPOLÍTICO Hasta 1867 Japón vivía en una sociedad casi feudal, donde el poder residía en el Shogun (primer comandante del ejército,) y en el Emperador, aunque su poder fuese tan solo nominal. Hasta ese momento Japón tenía la monarquía más antigua del mundo con más de 2000 años de gobierno ininterrumpido. En 1868 comienza a abrirse al mundo gracias a la presión de ciertos países y al nuevo Emperador Meiji, que permite la adopción de las modernas técnicas de occidente para su desarrollo industrial, militar, educativo y también para su sistema político consolidándose cómo democracia. Esto permitió que Japón empezara un proceso de industrialización a gran escala, superando en poco tiempo a grandes como EEUU, Inglaterra y Alemania. Debido a este suceso y la necesidad de materia prima para seguir creciendo, vieron necesaria una expansión a otros territorios. Así inicia el proceso de militarización en la década de 1920, hacia territorio de la nueva U.R.S.S. y posteriormente hacia China. Durante esta contienda, se declara la Segunda Guerra Mundial y a su vez estalla el conflicto entre Japón y EEUU, que veía peligrar su poder. Con éste último tuvieron varios enfrentamientos pero sin posibilidades de ganar lo que

acabó con la capitulación de Japón en el verano de 1945. El país estaba en ruinas y la guerra había quitado la vida a millones de civiles y soldados. El ejército había sido desmovilizado tras el intento de golpe de estado llevado a cabo por quienes que creían que el país debería seguir luchando a pesar de la masacre en Hiroshima y Nagasaki con las bombas nucleares. Frente a este panorama Japón decide asumir la ocupación de Norteamérica, que duro siete largos años y que se caracterizó por ser un régimen muy severo pero constructivo y por contar con reducidos efectivos militares. El Emperador, en todo momento, colaboró con EEUU para que se llevaran a cabo las reformas, a pesar de que suponían la pérdida de su poder y parte de su fortuna, en un proceso de democratización del país que se hizo efectivo en la constitución, elaborada por EEUU, en 1947. La nueva Constitución declaraba a Japón como una Monarquía Constitucional con un gobierno parlamentario y un primer ministro elegido por el Congreso, e incluía innovadoras medidas como el estado aconfesional, la descentralización del poder, la igualdad de género o el sufragio universal para mayores de 20 años. 7

A nivel económico hay que hablar de una recuperación relativamente rápida que comenzó con la mejora de la producción industrial gracias a la existencia de una mano de obra numerosa y bien formada. Y en sector de la agricultura, la modernización de los procedimientos, la supresión de los antiguos latifundios y el reparto más igualitario del campo permitieron una radical mejora de la producción consiguiendo en 1955 recuperar el nivel anterior a la guerra. Este conjunto de reformas tuvo éxito a pesar de que, entre 1945 y 1955 la confrontación política y social era muy fuerte. Pero la mayoría de los cambios que sufrió Japón en este periodo habrían sido irrealizables sin la existencia de unas solidas tradiciones comunitarias previas. La generalización de la educación, la

eficacia de la administración, los hábitos de trabajo y de cooperación fueron factores fundamentales en este proceso. Esta nueva situación en Japón produjo cambios sociales. Surge el rechazo hacia el nacionalismo de otros tiempos y el deseo de un pacifismo idealista que también contrastaba con el pasado. Los japoneses convirtieron a los tres órganos de prensa en protagonistas en la vida social y política. Y el cine japonés se convirtió, durante los años 50, en una importante vía de expresión creativa y cultural. Al mismo tiempo progresó de forma muy rápida la urbanización, surgiendo grandes ciudades como Tokio en los años 60. Y crece progresivamente la admiración que por el mundo occidental que llevará a muchos de sus artistas a emigrar.

ENTENDER

EL DISEÑO JAPONÉS Históricamente el diseño industrial llegó a Japón a finales del siglo XVIII y principios del XIX. En un primer momento copiaban y fabricaban productos americanos y europeos para después exportarlos, pero cuando el mercado se saturó de estas mercancías los japoneses comenzaron a explorar otros niveles, y se centraron en la innovación tecnológica. Se crearon empresas como Nikon, Olympus, Sony, Sharp, Nissan, Toyota, o Toshiba dedicadas a la automoción y a los aparatos eléctricos de consumo. Pronto los japoneses se colocaron a la cabeza del desarrollo de nuevas tecnologías, y fueron los primeros en reconocer y explotar la informática aplicada al proceso de diseño. En la actualidad son líderes del mercado en áreas como la óptica, la electrónica o el motociclismo gracias a su facilidad para asimilar las novedades, hacerlas suyas y mejorarlas.

Cabe destacar también la exposición de Tokio de 1965, organizada por el Consejo Japonés de Diseño Industrial y la exposición del ICSDI ( Consejo Internacional de Sociedades de Diseño Industrial) celebrada en Kioto en 1972. En ambas los diseñadores japoneses contemplaron los productos de Braun y asimilaron su estética Bauhaus, llevándola más allá y mezclándola a su vez con los rasgos culturales y tradicionales de su país.

En la etapa postmodernista es cuando se difunde al gran público un diseño japonés que muestras sus señas de identidad. Aparecen productos simplificados, sobrios y cercanos a tradiciones niponas como la religión y la espiritualidad. El término minimalismo es el que se usará para definir esta estética japonesa, caracterizada por una depuración formal, elegantes acabados y sobriedad cromática. 9

Para poder entender y acercarnos a las características de la estética japonesas hay que hacer referencia principalmente a dos costumbres de su tradición: L A

C E R E M O N I A

D E L

TÉ

Esta tradición se remonta al siglo IX y es una seña de identidad muy profunda de la cultura nipona. Algo tan sencillo como hacer y servir una taza de té, ha influido durante siglos en diferentes disciplinas artísticas. Ya que es un acto en el cuál los asistentes han de tener conocimientos de cerámica, arte floral, jardinería, caligrafía o arquitectura entre otras muchas disciplinas, y han de estar en armonía con las personas y la naturaleza. El conocimiento de esta ceremonia ha sido traducido al diseño industrial como el gusto por la sencillez, la reducción de elementos, la economía de recursos y sobre todo por la importancia de los detalles y a los acabados.

E L

WABI

SABI

El Wabi-Sabi, cuya traducción más acertada es “rústico” (en el sentido de simpleza y de belleza sin artificios), define los principios en los cuales se basa la estética japonesa y que podría equipararse a los ideales griegos de belleza y perfección. En el diseño industrial japonés, este concepto se puede ver reflejado en el uso de la naturaleza como continua fuente de inspiración, utilizando materiales naturales y toscos, como la madera, y aplicando formas suaves y orgánicas. Estas dos influencias, además de otras muchas de la cultura japonesa se traducen en el gusto por los detalles, la búsqueda de simplicidad formal, la calidad de las texturas y acabados, el cromatismo limitado y austeridad en el uso de los colores para dar mayor relevancia a la calidad del material y en la armonía de los productos de uso cotidiano con su entorno y las personas. Es importante destacar que esta concepción estética no está reñida con el avance de las nuevas tecnologías ni con el uso de nuevos materiales, sino al contrario, el diseño japonés se caracteriza por saber aplicar esa maestría artesanal a versiones actualizadas.

ESTUDIO

POR AUTORES

CHARLOTTE PERRIAND

TOKIO CHAISE LOUNGE

1903-1999

AÑ O

N AC I O N AL I DAD

: Francia

FAB RI CAN TE

BI O G R AF Í A

Nació en parís en 1903 estudio en la “Ëcole de L¨Union Centrale des Art Décoratifs” una de sus inquietudes artísticas fue centrarse en la incorporación de nuevos materiales a sus diseños, estos materiales fueron materiales como el acero, cristal y aluminio. Seguidora de las teorías de Le Corbusier, se ofreció a trabajar con él pero se encontrón un cierto rechazo a causa de su condición de mujer. Perriand diseño sus primeros muebles para resolver las necesidades humanas, este requisito fue exigido por Le Corbusier en su taller. Cabe destacar que algunos de los diseños de Charlotte Perriand fueron producidos por Thonet. Pero es en 1940 cuando Charlotte Perriand se traslada a Japón como asesora en el departamento de diseño industrial del Ministerio de Industria y Comercio, la invitación a este cargo le llegó por medio de Junzo Sakakura , con quien trabajó en el estudio de Le Corbusier. Durante su estancia en Japón Perriand dio una serie de conferencias sobre las artes decorativas, realizo una exposición y visitó talleres y escuelas. Su estancia en Japón se vio inter-

: 1940

rumpida tras el estallido de la segunda guerra mundial, lo que la obligo a refugiarse en Vietnam durante cuatro años. Se puede apreciar su influencia en el diseño japonés tras la segunda guerra mundial, especialmente en las obras de Sori Yanagi, Daisaku Choh o Kazuo Shinohara. Ya en Francia colaboro en distintos proyectos, en 1998 fue homenajeada en el Museo del Diseño de Londres por su carrera profesional. Un año más tarde en 1999, falleció.

: Cassina

CARACTE RÍ STI CAS

TÉ CN I CAS

La Tokio Chaise Lounge se compone de 12 tiras de madera curvada. Los elementos de unión que conectan las tiras a las barras siguientes son pernos de latón de satén. D I M E N SI ON E S : M ATE RI AL E S

1500 x 550x650

Teca, madera de haya o de bambú AN ÁL I SI S

CRÍ TI CO

La Tokio Chaise Lounge presenta una forma orgánica, sinuosa y atractiva. Esta silla es una reinterpretación de la Chaise Lounge de 1928, más conocida como LC4, realizada en metal y diseñada en el periodo de colaboración con Le Corbusier. Está destinada a su uso en exteriores, por lo que los materiales y técnicas de construcción empleados en este objeto intenta proporcionar resistencia a los fenómenos atmosféricos. Incorpora un colchón para una mayor comodidad, que puede encontarse en varios colores.

Chaise Longue LC4 Tokio Chaise Lounge

SILLA A Ñ O

: 1954

FA BR I C AN T E

: Cassina

CA R AC T E R Í S T I C A S

TÉ C N I C A S

Silla realiza en madera a partir de una única pieza la cual se moldeada mediante sistemas de presión. Esta silla se fabrica con dos acabados de madera; natural o pintado en negro. Estas sillas pueden ser apilables. DIM E N S I O N E S :

670 x  450 x 510

MAT ER I AL E S

Madera laminada

A N Á L I S I S

C R Í T I CO

Esta silla de aspecto ligero y simétrico respecto del eje central de la silla, está inspirada en la tradición Japonesa. En esta silla la madera es tratada como un papel, al cual se le da forma mediante pliegues partiendo de una única pieza, origami (antiguo

arte japonés de doblar papel). Podemos observar esto en la silla, como la madera esta curvada como si de un folio de papel se tratase y de cómo adopta una forma ligera, sencilla y elegante.

SILLA AÑ O

: 1953

FAB RI CAN TE

: Cassina

CARACTE RÍ STI CAS

TÉ CN I CAS

Los cojines no están fijos a la estructura, están acolchados en poliuretano y recubiertos con poliéster. 650 x  700 x 820 altura del asiento 410 mm

D I M E N SI O N E S:

M ATE RI AL E S

Estructura de acero cromado pulido y cogines de poliuretano AN ÁL I SI S

CRÍ TI CO

La estructura del soporte de esta silla le da un aspecto de ligereza, los pliegues que realiza al final de cada pata proporcionan un aspecto ingrávido recordando a la tradición china del Origami. Los cojines tienen un aspecto más robusto que contrasta con la ligereza de la estructura. Con estos cojines tan grandes y robustos se pretende esconder la estructura interna de la silla, lo que proporciona un aspecto elegante y sobrio a la composición de la estructura inferior de las patas junto con los cojines que forman el asiento.

MESA PÉTALO A Ñ O

A NÁLISIS

: 1951

FA B R I C AN T E

: Cassina

C A R AC T E R Í S T I C A S

TÉ C N I C A S

Conjunto de mesas triangulares con bordes redondeados, realizadas en madera y lacadas en diferentes colores. Presentan una estructura continua de hierro pintado en negro, que recorre los laterales de las mesas y en las esquinas realiza un pliegue en forma de “U” a modo de pata. Estos pliegues llevan cada uno un refuerzo en la parte superior para evitar que se deformen al ejercer presión sobre ellos. M AT E R I AL E S : DI M E N S I O N E S :

Hierro y madera lacada ver planos (1)

CRÍTICO

(1)

Esta obra refleja el entusiasmo de Charlotte Perriand hacia el colorido. Este juego de mesas ocasionales se caracterizada por la diferencia de tamaño entre sus mesas, ya sea de área como de altura. A cada tamaño de mesa le corresponde un color distinto, la disposición es libre, pero colocando todas sus esquinas hacia un mismo lado cada mesa parece un pétalo de una flor que forma todo el conjunto. Los diferentes colores de estas mesas son: rojo, amarillo, verde y azul. Este conjunto de mesas se puede relacionar con las mesas diseñadas por Breuer (2), las cuales presentan una misma estructura continúa de hierro que forma el soporte de la mesa, con la diferencia de que no necesitan refuerzos para el peso gracias a su geometría.

(2) Mesa diseñada por Breuer

SHIRO KURAMATA

MUEBLE CON FORMAS IRREGULARES (side 2)

1934-1991 N AC I O N AL I DAD

: Japón

AÑ O

BI O G R AF Í A

Shiro Kuramata fue un audaz inventor de formas en los áreas del diseño de mobiliario e interiores. Su carrera es más internacional que puramente japonesa, y se basa en la utilización de materiales industriales( como acero….)para obtener efectos conceptuales y poéticos. Estudia Arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Tokio especializándose en vidrio. Después se forma como ebanista en el Instituto Kuwasawa de Diseño de Tokio y en 1957 comienza a trabajar, primero para San-Ai, y en 1964, en la revista de arquitectura Matsuya, logrando abrir en 1965 su propio estudio. A partir de ese momento crea muebles con formas atrevidas y poco habituales así como interiores con un carácter muy experimental y tan novedoso como sus muebles que fomentan su reputación como diseñador. “Kuramata no hablaba mucho, pero le gustaba hacer reír a la gente. Quería sorprender y subvertir el “sentido común”. Para él, la función no tiene que definir la forma de los muebles, ni la utilidad de un objeto que necesariamente se derivan de su función racional” (2). Kuramata es considerados como “uno de los maestros en el uso del metal en el (1) DORMER, Peter. El diseño desde 1945. Barcelona, DESTINO 1993 (2) www.designophy.com/designpedia/article. php?UIN=1000000220&sec=product

diseño de muebles, asegurando además que revitalizó la cuestión del diseño de muebles al comunicar no sólo por medio de su diseño, sino por medio de la calidad de su artesanía, la importancia del oficio que había sido ignorada en los experimentos europeos” (1). Por todo ello, consigue en 1981 hacerse con el premio al fomento de la cultura del diseño japonés.

: 1970

: Fujiko, Cappellini y Arosio

FAB RI CAN TE

CARACTE RÍ STI CAS

TÉ CN I CAS

cómoda con dieciocho cajones con ruedas. Junto a dicha cómoda, encontramos el modelo Step 1 que se curva a lo largo de su profundidad. D I M E N SI ON E S: M ATE RI AL E S

 170 x  61 x52.7

mantiene sobre cuadro ruedas de aluminio. Es posible que la morfología de la curva curvas se inspire en la forma de la columna vertebral, algo que tendría mucha relación con la apariencia de movimiento. Al principio, la fabricación del mueble se realizó durante un breve período por Fujiko en Tokio. Posteriormente, Capellini retomó su fabricación. Para entonces, estas formas aparentemente irracionales e individuales de expresión ya eran ampliamente aceptadas en la sociedad postmoderna y Kuramata era una estrella en ascenso en el mundo del diseño de muebles e interiores por sus conceptuales e incluso poéticas creaciones.

Madera laca y aluminio AN ÁL I SI S

CRÍ TI CO

La cómoda es una de las obras más conocidas y copiadas de Kuramata. A pesar de que en este trabajo estamos estudiando el diseño japonés, la cómoda forma parte de una colección experimental de muebles con cajones que tienen su origen en la década de 1960 y que fueron diseñados en Italia. Con este mueble, Kuramata redefine la idea de cajonera convencional. Él mismo se pregunta: ¿Debemos suponer que los cajones deben ser siempre rectangulares?. Kuramata utilizando las curvas ondulantes, toma uno de los muebles aparentemente más impasibles y le dota de vida abandona la geometría esperada y consiguiendo que el mueble parezca bailar. Este hecho se acentúa debido a que en vez de pies, la cómoda se

Step 1

Step 2

MISS BLANCHE A Ñ O

El asombro y la paradoja de la vida.

: 1988

FA B R I C AN T E

: Ishimaru Co., Ltd

C A R AC T E R Í S T I C A S

TÉ C N I C A S

905 x  625 x 600, altura del asiento 455 mm

DI M E N S I O N E S :

M AT E R I AL E S

Patas de tubo de aluminiocon acabado en alumita manchada Cuerpo de resina acrílica con flores artificiales incrustadas. A N Á L I S I S

C R Í TI CO

La Silla Miss Blanche está adornado con rosas rojas, al igual que el personaje que le da nombre: Blanche Dubois, la heroína de la película de Tennessee Williams Un tranvía llamado deseo.

El proceso de fabricación de esta silla comienza con el vertido de la resina acrílica líquida y las rosas artificiales en un molde que puede ser procesado a temperatura ambiente. La pieza se seca lentamente y se procede a la succión de las burbujas de aire que se generan alrededor de las rosas, un proceso muy costoso. El resultado es una pieza única donde la disposición de las flores es totalmente aleatoria e irrepetible. Una silla transparente y aparentemente ingrávida, algo que contrasta bastante con la realidad, ya que su peso ronda los 32 Kg. Este tipo de efectos es muy común en las obras de Kuramata cuya maestría en el manejo de los materiales trasciende aparentemente las leyes de la gravedad y la función. La silla Miss Blanche

Esta silla introduce una nueva era en el diseño de Kuramata relacionado con su descubrimiento de las potencialidades estéticas del acrílico y la exploración de la combinación del mismo con otros materiales, especialmente con aluminio. La Miss Blanche encarna maravillosamente el carácter poético de la obra de Kuramata donde el ornamento deja de ser puramente superficial para convertirse en mensaje. Las flores rojas sepultadas en acrílico simbolizan el amor y la eternidad, y nos recuerdan tanto el paso del tiempo como su constancia. A su vez, generan sensaciones contrapuestas entre inaccesibilidad y presencia, 25

SILLÓN HOW HIGH THE MOON A Ñ O

: 1986

FA B R I C AN T E

: Vitra AG, Basilea

DI M E N S I O N E S :

altura del asiento 360 M AT E R I AL E S

 730 x  950

Malla de acero niquelado. A N Á L I S I S

C R Í TI CO

Shiro Kuramata analizó las posibilidades de los materiales más modernos e inusuales como el plexiglás o malla de costilla aplicados al diseño de muebles. Trazó la capacidad expresiva de estos materiales, y, tocando el efecto psicológico que podrían tener, creó objetos que extendían la frontera entre la función y la sugestión. En la cátedra titulada “How High The Moon”, el nombre de una pieza de jazz de Duke Ellington, habla de cómo una superficie reluciente evoca a la luz de la luna pálida y la ingravidez.

En este sillón, Kuramata ha reducido la parte posterior, apoyabrazos y asiento a formas simples, cúbicas que se sueldan entre sí para formar una silla sorprendentemente ligera llegando a parecer frágil. Este efecto pone en duda su resistencia y produce una tensión entre la forma y la función del objeto. El sillón carece de marco o soporte interior, y el diseño proporciona el contorno de una silla tradicional pero sin que ninguna estructura lo defina. Las proporciones generosas y la elasticidad de la malla de costilla garantizan el confort necesario al estar sentado. Un símbolo importante que se traduce en el lenguaje de la estética posmoderna como un teletransporte desde el salón hacia el universo. Podemos encontrar este diseño en forma de sillón o sofá (1) . Está relacionado con otra obra de Kuramata diseñada un año antes : La silla Sing Sing también realizada en maya de costilla, pero en este caso, mucho más simple y con patas y apoyabrazos de tubo de acero (2).

(1)

(2)

ISAMU NOGUCHI

COFFE TABLE

1904-1988

AÑ O

N AC I O N AL I DAD

: Estados Unidos

Nacido en Los Ángeles en 1904. Era hijo de un poeta japonés y de una escritora americana. Fue a la universidad de Columbia y a la escuela de arte Leonardo Da Vinci. Tras fundar su primer estudio en 1927 obtiene la beca Guggenheim. Posteriormente se convierte durante dos años en asistente de Constantin Brancusi en Paris, cuya escultura será muy influyente en las obras de Noguchi.

: 1944

FAB RI CAN TE

BI O G R AF Í A

Su estilo escultórico está comprometido con las formas orgánicas e influye profundamente en el diseño de los años 50. Murió en New York en 1988.

: Vitra DM y Herman Miller

CARACTE RÍ STI CAS

D I M E N SI ON E S:

Realiza su primera exposición en Nueva York en 1929.

AN ÁL I SI S

A lo largo de su vida se puede apreciar su creatividad artística, posee un talento universal creando esculturas, escenografías, muebles, lámparas, interiores y jardines.

TÉ CN I CAS

La mesa Coffe está calificada como uno de los mejores diseños de este autor, este mueble recuerda a las antiguas esculturas de bronce y mármol que realizaba el autor y porque en su forma natural este mueble parece una escultura. La mesa destaca por su sencillez y composición con líneas orgánicas y puras, que vienen dadas por la influencia japonesa de este autor.

Durante este periodo estuvo en contacto con la escultura abstracta influida por los escultores Giacometti y Alexander Calder. También en estos dos años se vio influido por el surrealismo de Pablo Picasso y de Joan Miró.

Estudio la técnica de la pintura con pincel en china y trabajo con Tron para Jinmatsu Uno en Japón.

perfección en interiores de estilos modernos como de estilos más clásicos., ya que posee un rol escultórico.

M ATE RI AL E S

400 x  1280 x 930

La base es de madera maciza barnizada y se fabrica es diferente tipos de madera (fresno negro, nogal y arce). El tablero es de cristal de 19 mm y tiene los bordes redondeados. CRÍ TI CO

Sobre dos elementos idénticos colocados en ángulo recto o a 45º, se sitúa un tablero de cristal con forma orgánica y de cierto grosor. Estas dos patas idénticas están unidas por uno de sus extremos y colocadas en las posiciones inversas forman un trípode sobre el que se coloca el tablero de cristal. La sencillez y forma escultórica junto con la elegancia de las formas orgánicas de este conjunto, hace que esta mesa se combine a la

LÁMPARAS AKARI LIGHT SCULPTURES A Ñ O

: 1951

FA B R I C AN T E

: Vitra DM

C A R AC T E R Í S T I C A S

TÉ C N I C A S

Estas lámparas se fabricaban a mano sobre un molde de madera de bambú, el cual se tensaba y sobre él se colocaba el papel de shoji, esta forma de fabricación basada en la fabricación de los paraguas tradicionales japoneses, permitía que las lámparas se plegasen. Para el envío o el almacenamiento, las Akari Light Sculptures se embalan en cajas planas diseñadas exclusivamente para las lámparas(1). DI M E N S I O N E S : M AT E R I AL E S

400 x  1280 x 930

Muchas de las lámparas akari muestran la gran influencia que recibió de la obra escultórica abstracta de su maestro Brancusi (2) . Este diseño ha tenido una gran repercusión en lámparas posteriores tanto, que aun hoy podemos encontrar en el mercado lámparas prácticamente iguales a las realizadas por Noguchi aunque no están elaboradas con shoji, sino con papel.

(2)

Cuerpo en papel de Shoji, y patas y soporte de las bombillas de alambre A N Á L I S I S

C R Í TI CO

A partir de 1951 Isamu Noguchi comenzó a crear las Akari Light Scultures. El termino akari proviene de una expresión japonesa que significa claridad y luz, y que también incluye el concepto de ligereza. Estas lámparas atenúan la luz al traspasar el papel de shoji otorgando una iluminación tenue y natural, que intenta imitar a la luz solar. Son más de 100 modelos de lámparas distintas fabricadas a mano. En esta colección podemos encontrar lámparas de mesa, de pie o techo.

(1)

DINING TABLE A Ñ O

: 1954

FA B R I C AN T E

: Vitra DM

DI M E N S I O N E S : M AT E R I AL E S

725 × Ø 1210 mm

Madera, hierro y acero cromado C A R AC T E R Í S T I C A S

TÉ C N I C A S

Esta mesa consta de un tablero de forma circular de madera laminada con revestimiento, y el canto esta barnizado en negro. La estructura que forma el soporte de la mesa está realizada en acero cromado. El pie de hierro fundido barnizado en negro y con forma circular está unido a la estructura de acero cromado. A N Á L I S I S

C R Í TI CO

Considerada una de las mesas de comedor más elegantes del Siglo XX, la Dining Table es una adaptación del rocking Stool (1), del que toma la estructura de la pata. Su pata de apoyo de hierro fundido en forma de anillo ofrece un soporte sin añadir una sensación óptica de robustez. La estructura de alambres entrelazados entre si y unidos a la base da un aire dinámico y desenfadado a la mesa. Por la estructura que presenta la mesa, se relaciona con las sillas realizadas por los Eames en alambre (2), ya que ambos diseños producen una sensación de elegancia dinamismo y ligereza.

(1)

(2)

SORI YANAGI

DISPENSADOR DE SOJA

1915-2011

AÑ O

N AC I O N AL I DAD

: Japón

FAB RI CAN TE

BI O G R AF Í A

Sori Yanagi , conocido también como Munemichi Yanagi, nace en Japón en 1915. Comenzó estudiando pintura y música en la Universidad de Bellas Artes de Tokio graduándose en 1940. Y comenzó a trabajar para el estudio de arquitectos Kunzo Sakakura y colaboró con la diseñadora francesa Charlotte Perriand, que en ese momento trabajaba en la Junta de Comercio japonesa. En 1947 abandona la arquitectura y comienza a estudiar diseño industrial abriendo años después su propio estudio. Justo el año siguiente: 1951, consigue el primer premio en el concurso de diseño industrial Mainichi por su radio-tocadiscos. En los años siguientes, obtuvo numerosos galardones nacionales e internacionales como la medalla de oro de la trienal de Milán de 1957. Además de muebles, Yanagi también ha diseñado iluminación, cubiertos, menaje de cocina, juguetes para niños, dos antorchas olímpicas, estaciones de metro, así como coches y motos; y ha escrito numerosas publicaciones. En 1952 participó en la fundación de la Asociación Japonesa de Diseñadores Industriales y posteriormente se unió al Comité Japonés de Diseño. También dio clases en el instituto fe-

: 1956

menino de bellas artes de Tokio y en la universidad de artes y oficios de Kanazawa. En 1977 llegó a ser director del Museo de Artesanía tradicional de Tokio fundado por su padre en 1936 y en 1981 le fue otorgada la medalla de honor por su gran contribución a la cultura japonesa. Falleció en 2011 tras una larga vida dedicada al diseño y habiendo conseguido el gran logro de la unión entre la industria y la artesanía.

Tajimi de Tokio

: Instituto de Porcelana

CARACTE RÍ STI CAS

TÉ CN I CAS

Dispensador de salsa de soja formado de una pieza única de porcelaba con dos orificios, uno para introducir la salsa y otro para añadirla a las comida. D I M E N SI ON E S: M ATE RI AL E S

 106 x Ø 67

Porcelana con esmalte brillante blanco AN ÁL I SI S

CRÍ TI CO

En la carrera de Sori Yanagi es especialmente destacada su creación de menaje del hogar, sobre todo elementos para cocinar o conservar alimentos. En este caso hemos elegido un dispensador de salsa de soja porque de entre las muchas botellas que diseñó, esta es la más radical. Se distingue por las curvas audaces de su pico y el cuerpo, dándole un perfil determinado que hace que sea fácil de sostener y usar. “La industria utiliza con frecuencia la línea recta, pero da la impresión de dureza. Yo intento evitarla y utilizo moldes sin esquinas” explica Yanagi. Como curiosidad, el recipiente tiene marcado “Yanagi” con un sistema de cifrado en la parte inferior.

: 1954

FA B R I C AN T E

: Tendo Mokko, Tendo o

Vitra AG. C A R AC T E R Í S T I C A S

TÉ C N I C A S

Se fabrica en dos tamaños DI M E N S I O N E S : M AT E R I AL E S

(ver imagen)

Madera contrachapada con acabado barnizado y herrajes de latón. A N Á L I S I S

C R Í TI CO

El Butterfly Stool es considerado como extraordinario por varias razones. Podemos decir que en general, la obra de los diseñadores japoneses de esta época se basaba en copiar las formas existentes occidentales. En el caso de Yanagi, la influencia de Europa es mucho mayor ya que fue discípulo durante un par de años de la diseñadora francesa Charlotte Perriand, de quien se impregnó de la modernidad clásica europea. A pesar de ello, en el taburete no encontramos dicho influjo salvo en el hecho en sí de que sea un asiento y que en la cultura japonesa no se utilizaban. Lo que sí encontramos es una fuerte influencia del diseño escandinavo, ya sea por el uso de formas orgánicas, como por la técnica utilizada. La técnica del curvado de madera fue especialmente desarrollada por el matrimonio de Charles y Ray Eames e implica el uso de madera contrachapada lacada para la fabricación industrial.

400

A Ñ O

Cabe destacar la manera en que está construido, tratándose de dos formas idénticas conectadas simétricamente por medio de dos tornillos debajo del asiento y una varilla roscada de latón que va de lado a lado. Con ello, planteaba la opción ser montado por el propio cliente. Esto crea una forma que recuerda en algunos aspectos a los Torii (puertas de los santuarios sintoístas) y es por tanto una expresión de la cultura japonesa. Al mismo tiempo, su morfología nos recuerda las alas de una mariposa que ondulan suavemente, razón de la que deriva su nombre. El Butterfly Stool es una de las obras más alabadas de Yanagi y fue con ella con la que consiguió la medalla de oro en la Trienal de Milán 1957. En la actualidad, El taburete forma parte de la colección del museo de Diseño Vitra, la misma marca que lo fabrica y comercializa en dos modelos, unos a escala 1:1 y otro en miniatura a escala 1:6

420

310

440

BUTTERFLY STOOL

455

335

ELEPHANT STOOL A Ñ O

: 1954

FA B R I C AN T E

: Habitat, Vitra AG. y Ko-

tobuki Co. C A R AC T E R Í S T I C A S

TÉ C N I C A S

Taburete de tres patas. Sólido, resitente y robusto. Sus formas permiten que sea apilable pero que a la vez soporte grandes pesos sin curvarse o romperse. Está realizado en una pieza única de plástico moldeado por inyección y puede utilizarse además de comoa siento, como mesa baja. DI M E N S I O N E S :

 370 x  510 x 465

Polipropileno teñido reforzado con fibra de vidrio.

M AT E R I AL E S

A N Á L I S I S

C R Í TI CO

El Elephant Stool es uno de los más famosos del diseño japonés de la posguerra y aún sorprende hoy en día por la clara expresión formal y una gran funcionalidad. Fue el primer taburete de plástico en la historia del diseño lo que hace de él un mueble revolucionario ideal para espacios interiores o balcones y jardines, uso para el que estaba diseñado inicialmente. En la cultura japonesa, los muebles utilizados tienden a ser ligeros y compactos, multifuncionales y portátiles, fáciles de almacenar. Tanto el butterfly Stool como el Elephant son ejemplos de un diseño funcional, pero a la vez ligero, y representantes de la estética orgánica y el diseño modernista de Yanagi. Por ello,

han resistido la prueba del tiempo y aún hoy siguen comercializandose con éxito. En contraste con el carácter artesanal a mano de moda de la mariposa, el Elephant Stool (1954) es el diseño industrial puro. A diferencia de la forma de flotación de la mariposa, el elefante parece fundada y sólida, su forma evoca el pie de un elefante. El diseño de tres patas curvas es un clásico de la visión futurista de mediados de siglo y tiene fama de ser la primera deposición sintética completa del mundo. En el Elephant Stool encontramos una fuerte influencia de la obra del matrimonio Eames: Eames Elephant (1) que aunque inicialmente estaba realizado en madera contrachapada curvada, luegó se rediseñó en polipropileno de colores. En el caso de Yanagi, la simbología con elefante está mucho más depurada, pero sigue siendo muy simbólica. El Elephant Stool también se ha añadido a la colección permanente del MoMA.

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BIBLIOGRAFÍA

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YAN AG I

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