Meyerowitz

Joel Meyerowitz Street Photography Joel Meyerowitz (75 ans) est une légende et l’un des maîtres vivants de la photographie de rue. Il a photographié avec d'autres comme Garry Winogrand , Tony Ray-Jones , et même Henri CartierBresson.

Il est intéressant de savoir comment il est devenu l'un des photographes qui a révolutionné la photographie de rue et la photographie couleur. Quand il a commencé à déclencher dans les rues de New York avec Garry Winogrand , il était comme un boxeur avec son Leica. Il travaillait avec un film noir et blanc, poussé à 1200 asa - ce qui lui permettait de shooter au 1/1000ème de seconde, la vitesse maximum de l'obturateur d'un Leica.

Cependant, il était curieux de savoir ce que donnerait la couleur, et souvent il avait deux Leica, un en noir et blanc et l'autre avec un film couleur.

Il découvre alors qu'il aime la prise de vue en couleur, à 25 asa, ce qui est relativement lent pour l'époque, il a alors été plus attentif et plus réfléchi dans son travail, prenant aussi un peu de recul, afin d’essayer de combiner plusieurs éléments dans ses compositions et introduire de l'action dans ses cadrages.

Meyerowitz (photographe depuis plus de 50 ans) a également expérimenté outre le 35mm, le 8 × 10. Son travail dans Cape Cod l'a aidé à gagner l'attention du grand public avant de se concentrer sur les couleurs et la lumière.

Meyerowitz est très éloquent quand il s'agit de parler de la photographie de rue et son enthousiasme, sa passion respire jusque dans son corps.

1. Expérimenter avec différents appareils Meyerowitz a photographié avec un 35mm Leica pendant une longtemps, puis il a décidé d'expérimenter différents formats, aini que le film couleurs. Il a trouvé que le 25 asa sur 35 mm était trop lent, il a donc expérimenter le moyen format.

Il a également trouvé que c'était un très lent processus : Pourquoi ne pas passer directement “à la chambre” et prendre les choses vraiment plus lentement? (Pour ceux d'entre vous qui ne connaissent pas, un 8 × 10 est un appareil de la vieille école que vous pourriez avoir vu en utilisation chez Ansel Adams. Il vous oblige à le trimballer sur un énorme trépied. L'avantage d'un appareil photo grand format est que les négatifs sont énormes, et ont des quantités importantes de détails sont restituées.

Quand il est interrogé sur la différence qu’il y a de travailler “à la chambre” par rapport à un Leica : "la chambre transforme votre façon de regarder le monde. Tout d'abord, l’image est à l'envers dans la visée, ce qui est une toute autre manière de se rapporter aux choses, et une merveilleuse façon d’appréhender le contexte au-delà du sujet de l’image - Ce n'est pas que de la composition mais plus globalement il s'agit de la façon que vous avez de déclencher ou pas.

Alors qu'avec le Leica on est dans l'immédiateté, le sentiment que quelque chose se passe réellement en ce moment, vous faites partie de ce moment et il disparaît instantanément. C'est le seul instrument qui empêche les choses de disparaître. Vous pouvez les enregistrer de cette façon.

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J'ai tout appris en utilisant un Leica dans les rues. J’ai compris la nature humaine, prévoir, anticiper même les petites sortes de choses qui pourraient se produire. Le leica a aiguisé ma curiosité avec le monde et donné un sens au monde. Il a vraiment été un instrument de mon éducation et de mon développement d'artiste. C'est un outil puissant. " Meyerowitz parle aussi sur la façon dont la prise de vue avec un 8 x 10 lui a appris à ralentir et à devenir plus méditatif, concentré lors du de ses prises de vues : "Le 8 x 10 m'a appris le respect, la patience, et la méditation. Il ajoute une autre dimension à la scène, et les images sont le produit de deux conditions ; la sensibilité et le temps d’exposition. J'ai dû modifier pas mal de chose depuis mon début en 8x10. Le processus de croissance de chaque artiste, consiste à donner quelque chose pour obtenir quelque chose d'autre. Vous abandonnez vos préjugés et vos idées préconçues, et si vous refusez cet abandon, alors vous n'avez pas grandir.

Vous restez où vous êtes ".

Dans une autre interview Meyerowitz développe ce concept un peu plus: "Je pense que [la photo avec le 8x10] m'a changé, en mieux. J'ai remarqué au fil des années que beaucoup de gens me disent, en réponse à la vue de l'image, “vous êtes boudhsite?” si je donne une conférence publique, quelqu'un va venir me voir après et dire: «êtes-vous un bouddhiste pratiquant?" et je me rends compte, à certains égards, de ce qui m’est arrivé grâce à cette chambre, sa lenteur, l'étude scrupuleuse, la qualité de réflexion de qu’elle demande, tout cela m'a calmé. " Je pense qu'il est important d'expérimenter différents formats, des films, et des appareils photo. La plupart des photographes de l'époque de Meyerowitz partirent avec un Leica film noir et blanc en 35mm) pour travailler dans les rues. Ensuite, comme beaucoup a commencé à essayer un nouveau médium en couleurs, et avec des appareils plus gros et les plus encombrant (comme le 8 × 10). Àujourd'hui, je pense que la plupart d'entre nous commence avec des appareils numériques (principalement DSLR). Personnellement j'ai commencé avec un reflex numérique (Canon Rebel XT, puis Canon 5D) principalement en noir et blanc, puis j’ai commencé à passer en film noir et blanc, et maintenant le film couleur. Je dirais que l'expérimentation avec le numérique, le cinéma, film en noir et blanc, et couleur film a vraiment ouvert mon monde et les modes de prise de vue.

Je pense que l'expérimentation est une des choses les plus excitantes. Si vous trouvez que la prise de vue avec un reflex numérique ne vous convient pas, essayez un micro 4/3rds, un compact, iPhone.

Si le numérique ne vous convient pas, essayez l'utilisation de films argentiques. Si vous n'aimez pas les petits appareils photo, essayez d’autres formats, un moyen format ou même un appareil photo grand format.

Je pense qu'il est très important d'expérimenter, mais ne passez pas trop de votre temps à expérimenter sinon vous n’allez jamais rien faire.

2. Mettre l'accent sur la prise de vues Je pense que l'une des choses les plus difficiles dans la photographie de rue est de “sentir” “de voir” les choses qui arrivent sous nos yeux et combien il est difficile de saisir une bonne image. Souvent, les rues sont encombrées, et nous pouvons être victime d’une «paralysie par l'analyse» - nous réfléchissons trop, et nous oublions juste prendre la photo.

Quand Meyerowitz il a commencé à shooter dans les rues en 1962, la première question qu'il se 2

posait, était: "Comment puis-je choisir les choses à photographier?"

"J'ai été submergé. Les rues, la circulation intense des personnes, le changement de lumière, l'appareil photo pas assez rapide. Tout me paralysait. J'ai dû apprendre à identifier exactement les événements même si ma réponse n'était pas la bonne. La seule façon de faire est de prendre des photos, les imprimer, avoir un regard dur sur elles et les montrer à d'autres personnes, afin d’en discuter ".

Mais Meyerowitz dit ; c'est que même s'il y avait tellement d'action et de l'agitation dans les rues - il fallait juste prendre des photos et réfléchir sur l’exploitation plus tard.

Je suis d'accord avec cette mentalité, quand vous voyez quelque chose dans les rues, ne pas trop réfléchir. Juste essayer de saisir l'instant. Puis, quand vous rentrez chez vous et jetez un oeil à vos photos, alors vous pouvez vous critiquer, modifier vos mauvaises photos et demander l'opinion de vos collègues et d'autres photographes en qui vous avez confiance.

Dans une autre interview, "Une des premières choses que j'ai apprise dans la rue, c'est quand le moment arrive, vous prenez une photo de l'instant et souvent le cadrage n'est pas parfait. Ce n'est pas comme Cartier-Bresson qui organisait son cadrage de façon classique. Il a aussi un autre type d'énergie dans une image qui est maladroite, elle est plus audacieuse, c’est la force de la spontanéité , c’est aussi votre regard d’artiste. "

Meyerowitz, un moment intéressant dans les rues: «Je réfléchissais , quelle attitude adopter sur le moment? être proche des personnes?, quelle signification puis-je donner à la photo? Parfois, devant les gens, il faut faire une blague, un mot d'esprit, ou parfois même une réflexion philosophique."

A la fin, Meyerowitz se voit moins comme un artiste et plus comme un observateur qui documente des expériences: «Je ne pense pas que mes photos soient des œuvres d'art, je les vois comme une fraction de seconde où ma compréhension du monde est unifié, formant un tout dans la rue. Cela nous permet d'avoir une sorte d'expérience à partager avec quiconque regarde la photo. Ce n'est donc pas scrupuleusement analytique, mais plus empirique.”

Lorsque vous prenez des photos dans les rues bondées et animées, la foule peut être assez écrasante.

Votre travail est de ne pas être submergé mais essayer de donner un sens au chaos que vous ressentez.

Conseil pratique de Meyerowitz , ne pas vous soucier de faire de parfaits cadrages mais simplement capturer les moments et les expériences que vous voyez dans les rues. Puis après, nous pouvons revenir dessus et travailler nos images.

Charlie Kirk dit: ". En cas de doute, cliquez!" Il y a beaucoup de moments où j’hésite à prendre une photo, parce que je ne suis pas certain que ce soit intéressant, où je m'inquiète à propos de la façon dont mon sujet sera perçu.

3. Historique du document 3

Meyerowitz est surtout connu pour ses photographies de rue et son travail de grand format à Cape Cod, il a été sollicité pour documenter les attentats terroristes de 11 Septembre.

La quantité de travail était incroyable. Quand il a commencé à shooter, le 23 Septembre 2001 - la terre était si chaude qu'elle faisait fondre les semelles des bottes.

"J'ai photographié 14 heures par jour:. Les équipes de démolition, les équipes de recherche , les équipes de premiers secours, les équipes d'enlèvement des débris, l'équipe des services secrets. Les gars de la sécurité ont essayé de me garder hors du site" L'archive est un travail de témoignage qui n’entrera pas seulement dans l'histoire de la photographie, mais l'histoire tout court ».

Bien que la plupart d'entre nous n'ont pas le même genre d'occasion que Meyerowitz, en photographiant le 11/9 après les attaques terroristes, nous devons nous rappeler que notre devoir envers la société, est de documenter par nos photos l’histoire de notre temps.

Beaucoup d'entre nous ont tendance à idéaliser le passé. Je me souviens avoir pensé, "je souhaite devenir un photographe comme Henri Cartier-Bresson dans les années 1920, tout était tellement plus intéressant à l'époque."

Mais honnêtement, les gens dans les années 1920 ne pensaient probablement pas que leur monde ou la vie, étaient très intéressants. Les gens des années 1920 était probablement très romantiques des années 1800.

Toutes les photographies que nous prenons aujourd'hui, seront intrinsèquement intéressantes dans 50 ans. Même si vous prenez des photos de personnes avec leur iPhone (cela peut sembler des clichés et ennuyeux), mais 50 ans après ils pourront dire: "et gars, ils avaient des iPhones à l'époque?"

Je connais beaucoup de photographes de rue qui prennet des photos dans leurs propres quartiers, il y a quelques décennies, comme un amusement d’amateurs. Mais maintenant, quand je regarde leur travail, ils ont capturé tant de scènes importantes, les bâtiments, les gens, et les moments qui sont désormais à jamais disparu.

Donc, ne pas idéaliser le passé, se rendre compte que vous vivez dans le moment le plus intéressant.

Créer l'histoire en préservant pour les générations futures l’instant à regarder, à admirer.

4. Questionnez-vous constamment Beaucoup d'entre nous se remettent souvent en question. Je ne connais pas de photographes (peu importe combien) qui n'ont jamais eu de doute. On peut se demander pourquoi nous nous photographions, y-a-t-il un sens, ou si nous sommes tout bon?

Même les plus grands maîtres (comme Meyerowitz) se sont remis en question dans leur photographie. Mais je pense que c'est cette auto-examen critique qui nous conduit à une certaine direction, dans la vérité. «je me suis demandé: 'est-ce intéressant ce milieu? Et quel intérêt pour moi? Et, soit dit en passant, ne vais-je pas me faire baiser? " Même Meyerowitz a dit qu'il n'a pas trouvé de réponse définitive : «Non, pas encore [sourire], et le temps m’est compté. Mais j'y arriverai. " Si vous avez des doutes sur votre photographie, ne vous inquiétez pas. Je pense que c'est un bon 4

signe et vous vous lancez un défi dans votre travail, et pourquoi vous le faites.

Même Joel Meyerowitz c’est posé la question «pourquoi» durant ces 50 dernières années. Et il essait encore de comprendre les choses. Qui sait, nous ne pourrons peut-être jamais comprendre pourquoi nous photographions.

5. Sur la prise de vue en couleur Meyerowitz a photographié avec Garry Winogrand dans les rues de New York, en noir et blanc, poussant son film à ISO 1200 lui permettant de capturer la vie à 1/1000e de seconde.

Alors, pourquoi est-il passé à la couleur, avec un iso poussif à 25?

Meyerowitz dit ses raisons de shooter en couleurs Interviewer: Pourquoi utilisez-vous la couleur?

Meyerowitz: Parce que cela décrit plus de choses.

Interviewer: Que voulez-vous dire par description?

Meyerowitz: Quand je dis description, je ne veux pas seulement dire il fait froid et intégrer un maximum de détails dans le cadre. Je veux dire vraiment la sensation que je reçois des choses, leur surface et leur couleur tel que ma mémoire les retient ainsi que leurs qualités connotatives. La couleur a une gamme qui reflètent les sentiments sur plusieurs longueurs d'onde, plus d'éclat, plus de sensation. Je voulais soi de plus en plus de l'expérience des sentiments d'une photo, et je voulais des images plus grandes qui décrire les choses plus en détail, avec plus de cohésion. Film de couleur à vitesse lente en est la condition sinae quoi non.

Meyerowitz développe sur la capacité d'un film de couleur pour capturer un sens plus large d'expériences dans la «vraie vie»: "Le fait est que la pellicule couleur semble être sensible que le noir et blanc qui agit sur une longueur d'onde très étroite. Cela est très stimulant, chaque matière de couleur à un ensemble différent de réponses. la couleur vous permet de faire revivre des sentiments, pour resentir de nouveaux les émotions qui ont été pendant l'enfance, la chaleur et la couleur rose de la poitrine de votre mère, le brun du chiot, et le jaune amical de votre pudding. La couleur faot toujours partie de l'expérience. L'herbe est verte, pas grise; chair est de couleur, pas grise. Le boir et blanc est une réponse très cultivé. "

Nous voyons le monde en couleur, il est ce qui est naturel pour nous. Le noir et blanc est plus une abstraction - personne ne voit littéralement le monde en noir et blanc.

De même, lorsque vous prenez en noir et blanc, il y a moins de description dans la photographie. La couleur a souvent des significations précises et quand vous shootez en noir et blanc, vous les dépouiller d’une partie de leur sens.

Personnellement, j’ai l'habitude de shooter exclusivement en noir et blanc et il m'a fait voir le monde d'une manière différente. J'ai vu le monde autour de moi comme des abstractions-en noir et blanc. Je suis plus attiré par les formes, les formes, les lignes, les réflexions et le contraste de la 5

lumière.

Par exemple, si vous photographiez une belle femme dans une robe rouge (en noir et blanc) vous voyez seulement une belle femme dans une robe. Mais si vous lui tirez en couleur, vous avez le sens supplémentaire du rouge: le rouge est souvent la couleur de la luxure, danger, passion qui rend à la photo encore plus de profondeur, de sens et d'émotion.

La prise de vue en couleurs ne fait pas de vous un photographe "mieux" par rapport à la prise de vue en noir et blanc. Les deux ont leurs forces et leurs faiblesses. Mais je vous encourage, si vous ne photographier en couleurs à réfléchir sur le sens supplémentaire que la couleur apporte à vos images.

6. Capturez vos sentiments La photographie est une forme d'art visuel dans lequel nous saisissons des éléments du monde réel et les mettons dans un cadre. Je pense que de nos jours la tendance dans la photographie de rue est d'essayer de se concentrer sur des compositions complexes et des couches, mais parfois, ces images sont dépourvues d'émotions et de sentiments. Même si la photo est parfaitement constituée et géométriquement bien équilibrée, beaucoup de photographes sont plus sur la composition (et moins sur l'émotion).

"Que faisons-nous tous? essayons de réaliser de quelque chose? Nous essayons d'obtenir ces choses pour nous-mêmes. Ce que je veux, c'est plus de sentiments et moins de pensée. Je tiens à être clair. Je vois la photographie comme une petite partie de l'expérience elle-même : ce n'est pas un commentaire sur le monde. Dans une photo vous ne cherchez pas, vous regardez! Elle doit être le plus proche de la chose elle-même. C'est comme une excitation. L’expérience sensible doit se voir, fixée par la chimie et de la lumière pour être réexaminé. Je veux un outil technologie qui puisse porter mes sentiments d'une manière vraie, claire et simple. " Je pense que ce qui fait une photographie significative et mémorable, est le sens de l'émotion, le sentiment, que nous pouvons ressentir. Les meilleures photos de rue ne sont pas celles qui ont des compositions de fantaisie ou de cadrage, mais des images qui nous touchent en plein cœur. Et bien sûr, les émotions ne sont pas toujours ce qu’il y a de plus beau, mais touchent souvent les parties les plus sombres de la vie.

Aujourd'hui, quand je regarde mes images, je ne fais les juge pas en termes de contenu ou dont elles sont composées (forme). Au contraire, je mets l'accent sur l'émotion que mes images font ressortir.

7. Photographie r des choses ordinaires Je pense que l'une des choses qui nous attire tous dans la rue, est de pouvoir faire des photos facilement. La photographie de rue est l'une des formes les plus démocratiques de la photographie, comme n'importe qui, avec n'importe quel appareil photo. Et ce sont souvent les moments ordinaires qui ont le plus de charme.

Meyerowitz est un champion des circonstances ordinaires dans la rue : "Pourquoi est-ce que la poésie émerge de circonstances les plus ordinaires? Vous n'avez pas besoin d'avoir une extrême beauté pour bien écrire. Vous n'avez besoind’avoir des choses extraordinaires Je n'ai pas besoin du Parthénon. Ce petit bungalow là est mon Parthénon. Il a une 6

dimension; il a une couleur; il a présence; il est vrai: je ne cherche pas à travailler avec emphase. Je travaille avec la banalité. J'essaie de trouver des choses ordinaires.

Je pense que l'une des frustrations que la plupart d'entre nous avons, c'est que nous ne vivons pas tous dans des endroits "intéressants" (comme New York, Tokyo, Paris, Londres ou). Toutefois, et c’est assez drôle, tous les gens que je connais qui vivent dans ces villes, ne les trouvent pas intéressante (mes amis de New York aimeraient plutôt être à Londres, mes amis de Londres plutôt à Paris, et mes amis de Paris plutôt à New York).

L'herbe est toujours plus verte ailleurs. Peu importe le lieu où vous vivez (même si vous vivez dans une banlieue, vous pouvez faire de belles images).

Prenez Lee Friedlander par exemple. Il a pris des tonnes de photos dans des endroits assez ennuyeux et sordides. William Eggleston a vécu toute sa vie dans sa ville (à ce que je sais, elle est assez ennuyeuse) - et il a capturé de belles couleurs de splendides lumières, et des moments intenses.

Alors embrasser la banalité du monde autour de vous et essayer de faire de l’extraordinaire.

Une astuce :, c'est d'imaginer un étranger qui visite votre quartier ou la ville. Que trouverait-il intéressant et bizarre?

8. Ayez toujours votre appareil photo avec vous (peu importe la taille) Beaucoup d'entre nous déplorent la lourdeur et l’encombrement des appareils. Je me souviens quand j'avais un DSLR, je me suis dit le jour où j'aurai un Leica. Mais aujourd'hui le Leica est un peu lourd et surtout hors de prix, et je préfère avoir à transporter un appareil photo hybride ou compact pour la plupart de mes excursions quotidiennes.

Interviewer: emportez-vous toujurs un 8 x 10 avec vous?

«Je l’emporte comme je porterais un appareil photo 35 mm. Au tout début, l’appareil était sur le siège arrière de la voiture; je suis allé me promener avec dans la rue pour visiter un voisin, je suis allé à la plage, l’appareil était sur mon épaule Peu importe où je suis allé, que l’appareil était toujours présent. Cela devanit une discipline de porter un 35mm en tout temps dans les premières années tu ne m'as jamais vus sans un appareil photo. Je ne voulais pas avoir à dire, "Oh, j'ai vu une grande chose, si seulement j'avais mon appareil photo." A cette époque, aucun photographe ne sortait sans appareil photo. Nous savions d’Henri Cartier-Bresson qu’il fallait être prêt pour «l'instant décisif», et de Robert Frank voyager partout en Amérique faisant des images des Américains qui semblent se produire dans les moments les plus inattendus. Depuis ma discipline a toujours été de transporter un appareil photo, la taille n’avait pas d’importance ".

Nous ne savons jamais quand un grand moment de photographie se présentera. Avez-vous déjà eu un cas, où vous avez vu une grande opportunité de photo, mais vous n'aviez pas votre appareil photo avec vous? Ouais, c'est un sentiment assez merdique- il est arrivé à chacun d'entre nous.

Ainsi, peu importe quel appareil vous avez l'habitude de porter, toujours votre appareil photo avec vous. Pour l'épicerie, station service, école, travail, à la bibliothèque où que ce soit. Parce que c’est souvent dans les moments les plus ordinaires que les choses les plus extraordinaires se produisent.

Il faut donc toujours être prêt, vous ne savez jamais quand "l'instant décisif" apparaît.

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9. Soyez socialement responsable Je pense que dans la rue photographes - il est important pour nous, d'avoir un sentiment un devoir d'être socialement responsable. Après tout, nous documentons les gens et la société grâce à notre objectif. Si certain humanisme et la considération sociale ne font pas partie de l'équation dans notre travail, je ne pense pas que nous pouvons vraiment nous appeler photographes de rue.

Meyerowitz : «J'ai réfléchi à ce qu’est la responsabilité d'un photographe : elle doit être sociale, elle doit être celle d’un artisan, elle doit être dans la narration du message, et cela jusqu’à l’impression. Bien que j'ai commencé en pensant avoir un impératif moral, montrer que l'Amérique était ce lieu fou qui devait être montrer et je pensai avoir une responsabilité sociale; dire tel qu'il est ce grand roman américain..., au fil des années, l'esthétique de la photographie a joué un rôle plus important, et je suis devenu moins préoccupés par les questions morales ".

"Et comme je suis un peu plus âgé, il est devenu plus important pour moi à nouveau d'être moralement conscient - de ne pas abandonner cette responsabilité, mais de dire:« Ce sont mes sentiments à ce sujet. C'est à ça que l'Amérique ressemble en ce moment. Ce sont des choses qui sont inacceptables. c’est le cours des choses qu’il faut changer. "Si vous ne sortez pas , vous ne voyez pas ce qui pourrait être nécessaire de corriger dans la société, ou ce qui peut être révolutionné, ou ce qui est vraiment mauvais. La responsabilité de l'artiste est de ne pas détourner son regard. Peut-être que vous ne pouvez pas corriger quoi que ce soit en le pointant, mais vous pouvez au moins certifier ce que vous avez vu à ce moment, et que c'était douloureux pour vous. " Meyerowitz : "Pendant une période de dix ans, j'étais tellement pris par le « Pourquoi la photo? A quoi ressemble la photographie? "Ces réflexions m’ont engourdi en quelque sorte. Ce n'est pas que je suis dégoûté par la photographie, mais par le monde. Faire des photos c'est tout. Je pense que j'ai perdu contact avec le monde extérieur. Je suis revenue dans les quatre ou cinq dernières années, avec de plus petits travaux, et un sens plus profond de contact réel et de la communauté. " Être un photographe de rue c’est d'être socialement responsable et socialement engagé avec le reste du monde. Si nous ne mettons pas l'esthétique sur le plan social et moral comme parties les plus importantes dans photographie, nous resterons coincés à faire de jolies photos qui sont dépourvues de sens.

10. En faisant

«Une des premières choses que chaque photographe apprend, c'est qu'il y a un cadre. Il est fixe. Et la plupart des gens font une image fixe en 35mm pour la plupart.

Alors, comment voulez-vous faire un travail différent par rapport à n'importe qui d'autre?

Votre travail est ce que vous mettez dans le cadre et ce que vous coupez pour le reste des 360 degrés sur tous les axes vues.

"Et dès le début, j'ai senti à cet égard le cadre du viseur à notre œil, le monde continue à l'extérieur de ce cadre. Donc, ce que vous mettez dans ce cadre et ce que vous laissez, détermine le 8

sens ou le potentiel de votre photo . Mais vous devez continuer à garder à l'esprit qu'il y a beaucoup de choses hors de la scène cadrée."

"Donc, l'une des choses spécial sur un Leica, c'est la fenêtre viseur très large, quand vous mettez votre appareil photo à votre œil avec un reflex, vous bloquez le monde. Mais quand vous mettez le télémètre à vos yeux, vous voyez le monde et le contexte dans le même temps. Un télémètre est un instrument plus fin qu'un reflex. Donc il faut être binoculaire afin de comprendre que le monde continue à l'extérieur du cadre, il laisse certaines choses ambiguës ou tacite. " Meyerowitz dit que la photographie de rue, ce n’est pas seulement de capturer un objet unique ou un moment, mais la création de sens en mettant les choses ensemble et sans rapport avec un contexte: Quand je pense à mes photos, je comprends que mon intérêt tout au long, n'a pas été d’ identifier une chose singulière. Mais dans la relation entre les choses . Les relations tacites, la relation-tout tacite de ces variables sont là si vous choisissez de voir de cette façon. Mais si vous choisissez de ne pas faire des objets des choses singulières, vous finirez par shooter dans le centre de la cible tout le temps, et vous obtiendrez des copies d'objets dans l'espace. " Meyerowitz développe sur l'importance des relations dans ses images: " Je ne veux pas faire des copies d'objets - Je voulais que les connexions entre les choses éphémères, étrangères qui vibrent entre elles. Mes photos suggèrent ces relations ténues. Et cette fragilité qui est si humain à leur sujet. Et je pense que c'est ce qui est dans le «romantique tradition'il est une forme d'humanisme qui dit que nous sommes tous partie de cette ensemble. Je ne suis pas juste un sélecteur d'objets ou cet objet.

Et il y a en abondance de grands photographes, mais qui ne fonctionnent que dans le Cadre de l'objet-réalité. Ils recueillent les choses. Je ne me vois pas comme un collectionneur. Voilà comment je suis différent des autres, ce n'est pas un jugement, mais un sentiment de ma propre identité. Pour moi, le jeu est toujours dans le potentiel. C'est comme le magnétisme. " En photographie, vous avez un cadre et vous décidez ce qu'il faut inclure dans le cadre et ne pas inclure dans le cadre. Et cela peut être modifié en fonction de la distance qui vous avez à votre sujet, comment vous créer votre premier plan, sous quel angle vous shootez, et comment vous orientez et structurez votre image.

Je pense qu’un élément clé,le plus important est de savoir exclure de votre cadre des choses, (plutôt que de savoir inclure).

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