+ Especial Alberto Durero
DIRECCIÓN DE ARTE PATRIZIA PRATO C.I.V-23.497.976
PROFESOR Lcdo. Rydberg Fernández
FUENTES DIGITALES wikipedia.com http://www.biografiasyvidas.com/
DISEÑO GRÁFICO Y EDICIÓN PATRIZIA PRATO W W W. B E H A N C E . N E T / B O C E TO S
CONTENIDO Dibujo Técnico
página 05-06
Dibujo Artístico
página 07-08
Perspectiva
página 09-10
Técnicas de Grabado
página 14-16
+ Alberto Durero
página 17-18
DIBUJO TÉCNICO El dibujo técnico es un sistema de representación gráfica de diversos tipos de objetos, con el propósito de proporcionar información suficiente para facilitar su análisis, ayudar a elaborar su diseño y posibilitar su futura construcción y mantenimiento. Suele realizarse con el auxilio de medios informatizados o, directamente, sobre el papel u otros soportes planos. La representación gráfica se basa en la geometría descriptiva y utiliza las proyecciones ortogonales para dibujar las distintas vistas de un objeto. CARACTERÍSTICAS Formas de expresión El dibujo técnico engloba trabajos como bosquejo y/o croquis, esquemas, diagramas, planos eléctricos y electrónicos, representaciones de todo tipo de elementos mecánicos, planos de arquitectura, urbanismo, etc, resueltos mediante el auxilio de conceptos geométricos, donde son aplicadas las matemáticas, la geometría euclidiana, diversos tipos de perspectivas, escalas, etc. Medios y soportes El dibujo puede ser plasmado en una gran variedad de materiales, como son diversos tipos de papel, lienzo o acetato (mylar); también puede proyectarse en pantalla, mostrarse en monitor, recrear animaciones gráficas de sus volúmenes, etc. Útiles e instrumentos Para realizar el dibujo técnico se emplean diversos útiles o instrumentos: reglas de varios tipos, compases, lápices, escuadras, cartabón, tiralíneas, rotuladores, etc.
TIPOS DE DIBUJO TÉCNICO Con el desarrollo industrial y los avances tecnológicos el dibujo ha aumentado su campo de acción, por eso las representaciones técnicas deberían estar orientadas en distintos espacios de trabajo y con distintos recursos para fortalecer los conocimientos técnicos. Los principales son: - Dibujo arquitectónico. - Dibujo mecánico. - Dibujo eléctrico. - Dibujo geológico. - Dibujo topográfico. - Dibujo urbanístico. - Dibujo técnico de las instalaciones sanitarias. - Dibujo técnico electrónico. - Dibujo técnico de construcciones metálicas. - Dibujo técnico cartográfico. Actualmente, se utiliza con preferencia la informática, en su vertiente de diseño asistido mediante programas (CAD, 3D, vectorial, etcétera) con resultados óptimos y en continuo proceso de mejora.
DIBUJO ARTÍSTICO El dibujo artístico es la disciplina del trazado y delineado de cualquier figura, abstracta o que represente algún objeto real, una forma de expresión gráfica. El dibujo artístico es un lenguaje alternativo de ámbito universal que permite la transmisión de información de toda índole: ideas, descripciones y sentimientos. - Dibujante: Aquel que tiene un propósito estético, el de transmitir una idea o sentimiento surgido de la subjetividad del autor. - Dibujo: Es la representación gráfica de lo que se ve, percibe, recuerda o se imagina. - Dibujo Lineal: Es la representación de algo ya sea real o imaginario con distintas técnicas para plasmarlo. La característica principal es que se realiza con trazos o un delineado, no tiene color ni valoración tonal, es decir no está "sombreado". El dibujo lineal podría ser muy sugerido o bien detallado, pero no posee efecto de volumen. - Psicología del dibujo artístico: El artístico dibuja lo que no puede expresar con palabras: "tele transporta su imaginación y pensamientos" a un lienzo que puede ser de papel u otro material. Todos los trazos hechos sobre el lienzo, en conjunto representan la idea del dibujante, la cual alcanza bastante aceptación si todo el delineado fue trazado con técnica, soltura y originalidad. Dicho delineado implica el saber manejar tanto el instrumento de trazo con que se está trabajando, como los trazos que se pretenden realizar, pues un buen dibujo se caracteriza por sus trazos seguros y sueltos. No existe un procedimiento establecido para aprender a dibujar, cada dibujante perfecciona su dibujo a su forma de pensar, pero el arte del dibujo a mano alzada solo se consigue con práctica y dedicación.
Proceso en el dibujo artístico - Apunte: es el dibujo rápido que se usa para captar y recordar las características de lo que se va a dibujar. Es útil cuando se dibujan exteriores o figuras en movimiento. - Boceto: es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se incluyen… - Encajado: son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran después) que sirven como base del dibujo. - Línea: es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle. - Valorización: para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar. - Color: un dibujo puede llevar color, en especial si está destinado a ser una ilustración (dibujo que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador... El color puede ser plano (homogéneo) o con textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica, etc.). - Correcciones: los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores. Un modo de dibujo a mano alzada es el realizado sobre la marcha, sin correcciones, por viajeros, exploradores, científicos. A este tipo de dibujos se les conoce como cuadernos de campo. Se pueden citar al colombiano Juan José Gutiérrez, al alemán Wilhelm Filchner y al español Julio Caro Baroja. - Proporción: la proporción en el dibujo es muy importante, ya que dará al objeto representado la armonía necesaria al relacionar todos los elementos. Un consejo útil y práctico al momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocarlo frente a un espejo, de esta manera se descubrirá si la obra se encuentra bien proporcionada y si guarda la simetría; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y en retratos. En ocasiones nuestro ojo suele "engañarnos" al momento de dibujar y resulta que al terminar un trabajo, desde nuestra mirada puede parecernos correcto y bien encajado, más al colocarlo frente al espejo se descubren errores de proporción y, es conveniente no olvidar que es así como lo verá el espectador. Esto se corrige con la práctica constante y recordando que es muy importante la observación para que podamos relacionar todos los elementos del objeto a dibujar y lograr así una representación correcta.
PERSPECTIVA La perspectiva, palabra proveniente del Latín perspectiva, es el arte de dibujar para recrear la profundidad y la posición relativa de los objetos comunes. En un dibujo, la perspectiva simula la profundidad y los efectos de reducción. Ya en pinturas egipcias se concebía una dimensional de la superficie a pintar, sin sugerir estrictamente una idea de concepción espacial. Disponían los personajes en mayor tamaño, cuanto mayor importancia tuvieran, Es lo que los historiadores del arte denominan perspectiva jerárquica o teológica. Posteriormente y hasta llegar al final de la Baja Edad Media, los intentos de conseguir una cierta idea de perspectiva se encuentran en la perspectiva caballera, donde los objetos más alejados se sitúan en la parte superior de la composición y los más cercanos, en la inferior. La codificación de la perspectiva humanista europea se desarrolla en Umbría, a mediados del siglo XV, bajo la influencia de la obra de Piero della Francesca: de la mera intuición y los medios técnicos, la perspectiva se hace teoría matemática. Leon Battista Alberti, en su tratado De Pictura (1436) (De la pintura) teoriza sobre las imágenes que se inscriben en el interior de una "ventana" de un cubo abierto por un lado y hace alabanzas sobre "los caras que en las pinturas dan la impresión de salir del cuadro, como si estuviesen esculpidas". Para ello, "a un pintor se le debe instruir, en la medida de lo posible, en todas las artes liberales, pero sobre todo, en la geometría", definiendo así las premisas de una teoría de la perspectiva. A finales del siglo XV y XVI se perfecciona la perspectiva bajo la aportación de Leonardo da Vinci en su Tratado de la pintura (1680) con la perspectiva del color, donde los colores se difuminan según va aumentando la distancia y la perspectiva menguante, donde los objetos o figuras van perdiendo nitidez con la distancia.
Durante la pintura manierista, ya no se intenta representar la realidad de manera naturalista, se hace más complicada, se crean perspectivas ilusorias con puntos de fuga múltiples o sacando el punto de fuga fuera de la pintura y se distorsionan deliberadamente las proporciones en un espacio desarticulado e irracional para lograr un efecto emocional y artístico. Con la pintura barroca, la forma es definida sobre todo por el color, la luz y el movimiento, con lo que las composiciones se complican, se adoptan perspectivas insólitas y los volúmenes se distribuyen de manera asimétrica. Con la perspectiva aérea se intenta representar la atmósfera, el aire que envuelve a los objetos, degradando su color a medida que se van alejando del espectador, aportando así no sólo una sensación de profundidad. El prototipo es Diego Velázquez con su obra Las meninas “Auxiliados por la geometría, podemos simular el efecto visual de la perspectiva proyectando los objetos tridimensionales sobre un plano (bidimensional) utilizando los métodos de la perspectiva cónica. Recibe este nombre por el hecho de que las líneas paralelas de proyección parten de un punto (a modo de un cono). Mediante este procedimiento se pueden obtener imágenes realistas. Sin embargo, la perspectiva cónica no puede imitar fielmente la visión estereoscópica del ser humano.”
GRABADO EN MADERA El grabado en madera es una técnica de grabado que experimentó un gran apogeo en el siglo XIX. Hay diferencias esenciales de características entre un grabado en madera y una xilografía. Mientras que una xilografía se realiza sobre una plancha de madera blanda usando gubias u otros elementos de corte, en un grabado en madera el artista realiza la "matriz" "esgrafiando" un bloque de madera con un buril en lugar de usar las mencionadas herramientas de corte, llegando a crear un dibujo muy sofisticado (dentro de lo posible), produciendo por lo general un resultado de trazo más grueso. Los grabados en madera son generalmente pequeños y alcanzan una escala de grises con gran "eclosión". Diferencia funcional con la xilografía Funcionalmente en la variedad de grabado en madera, se utiliza la impresión en relieve, en la que se aplica la tinta a la cara del bloque y se imprime usando una presión relativamente baja. Por el contrario, tanto en xilografía como en el grabado ordinario, se usa una placa como matriz y se imprime por el método de huecograbado, donde la tinta llena los "valles" del grabado, depositándose luego sobre el papel al prensarlo. Como resultado, además de conseguirse un blanco sobre negro distintivo, las impresiones hechas con grabados en madera se deterioran a una velocidad mucho menor que los hechos con xilografía o con placa de cobre. Historia La grabado en madera fue desarrollado por el artista gráfico Inglés Thomas Bewick (1753-1828). Su nueva técnica de impresión, en la que utilizaba un buril en lugar de cuchillo, sustituyó el grabado de cobre porque era mucho más simple y más barato (en este orden de importancia). Los grabados en madera constituían un clichés para su uso en la impresión en prensas gráficas. Se utilizaron principalmente para la fabricación de imágenes de divulgación científica, con sutiles tonos de gris. Ilustradores de libros populares como Gustave Doré dejaron unos dibujos de gran detalle en múltiples grabados en madera. Grabado en madera de múltiples colores Cada color se tenía que hacer en un bloque separado, que tenía que encajar con el bloque pre-existente, con gran exactitud para cada nuevo color. El famoso grabador de madera holandés Maurits Cornelio Escher trabajó con múltiples colores. También desarrolló esta técnica el magistral grabador de madera Nico Bulder en la provincia de Groningen (Holanda).
GRABADO EN COBRE - Agua fuerte. Grabado en metal. Técnica que emplearon los armeros para depurar armaduras. Pueden emplearse planchas de cobre o zinc, cubierta de una delgada capa de barniz negro de humo, que se adhiere por todas partes. Sobre este barniz se traza un dibujo con una punta (buril o punzón de acero), cuando la plancha está dibujada se revisten los bordes con cera blanca o resina y se vierte sobre la superficie ácido nítrico (agua fuerte) mezclado con agua, en cantidad suficiente esparcido con pincel fino. Cuando el ácido ha hecho efecto y se ve que los trozos y líneas son bastante profundos, se retira el ácido, se limpia la plancha del barniz con un trapo mojado en esencia de trementina. El dibujo aparece grabado en hueco sobre metal. - Aguatinta Grabado en metal. Se confunde a menudo esta técnica con el de manera negra porque da resultados análogos. Se practican sin embargo de un modo diferente. El grabador principia por trazar sobre la plancha desnuda los contornos principales de la composición o la figura que quiere producir. Transporta su calco sobre el cobre, lo graba y cubre la plancha con una capa de resina o arena fina que reparte con igualdad por medio de un tamiz. En este estado se vierte el ácido con cierta abundancia. Se utiliza barniz para proteger las zonas claras. - Colografía. Grabado en metal. En la elaboración de la colografía se emplean láminas metálicas sobre las cuales el artista realiza su trabajo con resinas plásticas que al adherirse y solidificar, sirven de planchas impresoras. La impresión se realiza en la misma forma que el agua fuerte.
- Grabado en metal. La imitación por medio del grabado, del lápiz sobre el grano y accidentes del papel, permite producir dibujos y publicar en facsímil. El grabado se sirve un rodillo de acero que da vueltas sobre un eje fino. El cilindro esta cubierto de púas o dientes que muerden el cobre barnizado donde sea menester. Luego se aplica sobre el agua fuerte y después se acentúa mas o menos en el cobre desnudo con el mismo instrumento.
ALBERTO DURERO
(Albrecht Dürer; Nuremberg, actual Alemania, 1471-id., 1528) Pintor y grabador alemán. Fue sin duda la figura más importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde ejerció una enorme influencia como transmisor de las ideas y el estilo renacentistas, a través de sus grabados. Se formó en una escuela latina y recibió conocimientos sobre pintura y grabado a través de su padre, orfebre, y de Michael Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal. Como era habitual en la época, al concluir sus estudios realizó un viaje, que lo llevó a diversas ciudades de Alemania y a Venecia (1494), ciudad a la que regresaría entre 1505 y 1507 y en la cual recibiría las influencias de Mantegna y Giovanni Bellini, además de asimilar los principios del humanismo. Previamente había contraído matrimonio y abierto un taller en su Nuremberg natal, donde se dedicó a la pintura (Retablo Paumgärtner) y sobre todo al grabado. A esta época pertenecen las series de grabados El Apocalipsis, La Gran Pasión y la Vida de la Virgen, convencionales en cuanto a temática pero revolucionarios por lo que se refiere a su concepción y su complejidad técnica. Las figuras, plenas de expresividad, son esculturales y están definidas por una multitud de detalles. La minuciosidad es precisamente uno de los rasgos destacados del estilo de Durero, carácter que es probable que heredara del oficio paterno. Después de su segunda estancia en Italia, pintó algunas obras de grandes dimensiones como El martirio de los diez mil, en las que incorporó la riqueza del colorismo veneciano en composiciones de gran dinamismo y repletas de figuras. También por entonces pintó las figuras de tamaño natural de Adán y Eva, pieza clave de su creación artística. Sin embargo, son los grabados las realizaciones en que dio una muestra más cabal de su genio; destacan los de 1513-1514, sobre temas imaginativos y que permiten varios niveles interpretativos: El caballero, la muerte y el diablo, San Jerónimo en su estudio y la triste Melancolía I, su obra cumbre como grabador, que constituye una compleja alegoría sobre las dificultades con que tropieza el artista en la realización de su obra creativa. Durante los últimos años de su vida, Durero se centró en la ejecución de un retablo para su ciudad natal: Los cuatro apóstoles. Esta obra, de grandes dimensiones e intenso colorido, refleja el trabajo de toda una vida, en particular los numerosos estudios que había hecho sobre las proporciones y la monumentalidad de la figura humana. Se recuerdan también como obras de un maestro algunos de sus dibujos de plantas y animales, así como las acuarelas pintadas por puro placer a partir de paisajes que había contemplado durante sus viajes, y los dibujos de gentes y lugares de los Países Bajos, que constituyen un testimonio histórico inapreciable. Erasmo de Rotterdam le dedicó la mejor alabanza que un humanista podía hacer de un pintor, al definirlo como el «Apeles de las líneas negras».