FRAMES
EDGAR WRIGHT
Precio: $50
Año 1. Número 1. Octubre 2017.
Una ventana al séptimo arte
El maestro de la comedia visual
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CARTA EDITORIAL
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RAMES inició como una idea entre amigos cinéfilos. Creemos que cualquier forma de arte debe de llevarnos lejos, hacernos pensar en cosas diferentes a las que la realidad nos ofrece. Seguimos teniendo rupturas amorosas, deudas, vemos tragedia en las noticias de nuestro país y del mundo, catástrofes naturales, gente tonta haciéndose famosa, autoridades incompetentes, delincuencia y un sinfín de problemas tanto individuales como sociales; el arte nos puede hacer olvidar todo eso por un rato, lo curioso de todo esto es que nos dejamos absorber por historias sobre magos, superhéroes, aventuras de borracheras, romances, monstruos espaciales, gángsters, héroes contra villanos, pero al final éstas solo son versiones conceptualizadas y filmadas de nuestros problemas colectivos y personales, con elementos que lo hacen tan adictivamente entretenido, que olvidamos que todas tienen algo de verdad inherente. El cine es realidad reinterpretada. Nos fascina ver las cosas a través de una pantalla, sentados en una butaca de cine o el sillón de nuestra sala, estando seguros, resguardados de todo peligro o situación que veamos en ella. El séptimo arte es un conjunto de las mejores cosas de la vida: literatura en forma de guiones, música, fotografía y sobre todo, planeación, trabajo y a veces obsesión por realizar algo majestuoso (o al menos así debería de ser para todo cineasta). Todos quienes colaboramos en esta revista somos fieles creyentes de la cinematografía, los efectos casi curativos que puede tener en nosotros y el gran trabajo que han hecho, hacen y harán quienes trabajan en esta industria.
En este primer número, en el auge de la cinta Baby Driver, dedicamos la portada y el artículo principal a su creador, uno de nuestros directores favoritos: Edgar Wright, haciendo un repaso por sus filmes y analizando porqué funcionan tan bien en su mayoría. Wright es un cineasta que comenzó su carrera prácticamente a los 14 años, siendo un geek de la música, el terror, la comedia, el cine y el arte en general, igual que nosotros (y esperamos, ustedes lectores), lo cual lo hace un clavado al momento de realizar sus películas. Su obsesión por hacer transiciones originales y chistosas entre escenas, guiones fuera de lo común, soundtracks impresionantemente bien seleccionados y demás factores que lo hacen tan reconocible, son las razones por las que no podemos dejar de hablar de él y de su más reciente obra. Esperamos que si no la han visto, lo hagan y la disfruten, y si no conocen el resto de la filmografía de este cineasta inglés de 43 años, es altamente recomendable que dejen de ver episodios repetidos de How I Met Your Mother y pongan la trilogía Cornetto mientras comen el helado al que hace referencia. También hablamos sobre la composición simétrica que usan directores tan icónicos como Kubrick y Wes Anderson; así como un ranking de las mejores adaptaciones al cine de las novelas del maestro del terror Stephen King; un análisis de los tintes filosóficos de la serie de animada más popular de los últimos años, Rick and Morty y recordamos el entrañable filme debut de Quentin Tarantino: Reservoir Dogs. Esperamos encuentren tanto placer en leer sobre cine como nosotros escribiendo sobre él.
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DIRECTORIO
FRAMES Una ventana al séptimo arte
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DIRECCIÓN ADMINISTRATIVA:
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Luis Enrique González Paula Ramón Mariano García Karla Pacheco Gastón Romero
COLABORADORES: Jazmín Amaro, Walter Benjamin, Jorge Pinto, Antonio Suárez, Andrea Tamayo, Laura González, Oscar Díaz, Sergio Neri, Fabiola Rojas, Domingo Contreras, Gustavo Chávez, Ana Scott.
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TEXTOS:
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CONSEJO EDITORIAL:
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FOTOGRAFÍA:
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VENTAS Y PUBLICIDAD:
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FRAMES número 1, octubre 2017. Revista de publicación mensual. Editora responsable: Paulina Chávez. Número de reserva otorgado por el Instituto Nacional de Derechos de Autor: 04-2017-10036355811289100-104 Número de certificado de licitud de título: 14037 Travesías Editores S.A. de C.V., Amatlán 37, col. Condesa México D.F., del. Cuahutémoc, C.P. 06140 Impresión: Vida y Placer Impresiones, Xochiquetzal 17 Esq. Arroyo Tlaloc Iztapalapa, C.P. 09820 Distribución: Ibermex Distribuidora, S.A. de C.V., T. 5347-1165/ Alfesa Comercializadora y Logística, S.A. de C.V. T. 60409-7791. Los artículos, la publicidad pagada y anuncios son responsabilidad exclusiva de sus autores o representantes legales y no necesariamente reflejan las opiniones y juicios de Travesías Media. Los interesados en reproducir algún contenido publicado en esta revista deben enviar su solicitud a contacto@travesiasmedia.com o llamar al 5211 06665
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CONTENIDO
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CINE COMO ARTE
Composición: Simetría 10
TOP 5
Adaptaciones de Stephen King 12
DIRECTOR DEL MES
Edgar Wright 18
TELEVISIÓN
Rick & Morty 20
RECORDANDO
Reservoir Dogs 22
RESEÑA
Mother!
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LA FALTA DE SENTIDO DE LA VIDA FUERZA AL HOMBRE A CREAR SU PROPIO SENTIDO. SI PUEDE SER ESCRITO O PENSADO, PUEDE SER FILMADO. STANLEY KUBRICK (1928-1999)
DIRECTOR DE CINE, GUIONISTA, PRODUCTOR Y FOTÓGRAFO ESTADOUNIDENSE.
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CINE COMO ARTE
COMPOSICIÓN:
Simetría 2001: Space Odyssey, Stanley Kubrick
La composición de la imagen es un aspecto fundamental no sólo para la fotografía, sino para el cine. Pensar en cada plano como si de una imagen fija se tratara es la clave para lograr una estética y una ambientación específica que puede darle un gran valor a una película. 8
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n un plano de cine nada es al azar, lo que vemos en cámara está ahí por una razón específica y lo que más llama nuestra atención fue destacado mediante la elección del encuadre. Keaton, Anderson y Kubrick son los más importantes exponentes de la imagen simétrica, que no siempre transmite lo mismo. En el caso de Keaton, precursor de esta corriente, la simetría obedece a la comicidad de las situaciones, se fortalece el absurdo, mientras que Kubrick logra inquietar con el mismo recurso, esto responde a una razón muy primaria: en la naturaleza y la mente humana, cuando se rompe la simetría, sabemos que “algo” anda mal, es un anuncio del caos.
Moonrise Kigdom, Wes Anderson
Por su parte, Wes Anderson es considerado actualmente uno de los cineastas con la estética más reconocible. Aunque es también un gran exponente de la simetría, sus resultados son totalmente diferentes a los de Keaton o Kubrick; la composición simétrica de su cine ayuda a exaltar la extravagancia de sus historias, transmite algo más parecido a la paz y remite a situaciones mágicas o poco realistas. El cine de Kubrick, Anderson y Keaton podría considerarse diametralmente opuesto y resulta muy revelador analizar que los tres son grandes exponentes del mismo tipo de composición.
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TOP 5
TOP 5:
Adaptaciones de
Stephen King
Cuando tienes una obra con tanta profundidad y licencia ridículamente expansiva, es entendible que la cantidad triunfe sobre la calidad. Sin embargo, cuando un cineasta logra conectar con el trabajo de King, suele evocar algo icónico y magistral.
5. Carrie
(1976)
La película del legendario Brian De Palma incluye dos actuaciones nominadas al Oscar: Sissy Spacek como la colegiala vulnerable con poderes telequinéticos Carrie y Piper Laurie como su demente madre. Un clásico de horror sangriento que toca temas como el bullying, la transición de niña a mujer y el fanatismo religioso, hace de esta obra una joya fílmica.
4. Misery
(1990)
Antes de Misery, Kathy Bates era conocida por los fieles al teatro de Nueva York como una muy alabada actriz de Broadway, después el mundo entero la conoció como la psicótica fan literaria Annie Wilkes, papel que la hizo ganadora de un Oscar. Aparece como su contaparte James Caan, como el escritor Paul Sheldon, quien sufre un accidente automovilístico del cual su “fan número uno” rescata, para posterioremente llevarlo a su casa, donde el escritor se da cuenta que esto solo es el inicio de su pesadilla.
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3. The Greeen Mile
2. Stand By Me
(1999)
(1986)
La historia de una penitenciaría del sur de Estados Unidos en los años 30, con Tom Hanks y demás actores de primer nivel como los guardias de ésta; narra cómo sus vidas se ven afectadas por la presencia de un hombre sentenciado a la silla eléctrica por un terrible crimen, quien posee poderes sobrenaturales, interpretado por el fallecido Michael Clarke Duncan. Es una película conmovedora y emocionante que toca temas como racismo, prejucicios y compasión. Fue nominada a cuatro premios Oscar, tristemente no ganó ninguno.
Historia ubicada en los años 50, un reparto infantil increíble que incluye a River Phoenix, Corey Feldman y Kiefer Sutherland. Nominada al Oscar por mejor guión adaptado. Una historia de cuatro amigos que en el verano se enteran que el cuerpo de un niño del pueblo que había desaparecido se encuentra en el bosque, cerca de donde viven y emprenden un viaje para buscarlo. Una película de aventura que habla sobre amistad, a pérdida de ésta, crecer y cómo un evento puede cambiarte para siempre.
1. The Shawshank Redemption (1994) Película nominada a siete premios Oscar, con Tim Robins como protagonista y Morgan Freeman como su amigo Red. Un banquero exitoso es condenado a cadena perpetua por el asesinato de su esposa, la historia se centra en estancia en la cárcel. The Shawshank Redemption trata sobre perseverancia y esperanza. Merece ser la número uno en la lista por sus perfectas actuaciones, excelente guión, pulcra fotografía y bella musicalización.
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EDGAR WRIGHT El maestro de la comedia visual
Ante la llegada de Baby Driver vale la pena repasar y pensar la filmografía del director. Su ingenio a la hora de crear comedias que mezclan otros géneros y que contienen un trabajo de edición y fotografía detallado, lo convierten en un cineasta a seguir en cada uno de sus pasos.
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DIRECTOR DEL MES
los 21 años, el inglés Edgar Wright (43) ya había filmado su primera película A Fistful of Fingers (1995), una comedia del género western que le permitió empezar a trabajar para la BBC. Pero Wright no se sentía satisfecho con su ópera prima. El cineasta tenía una práctica para aliviar su disgusto. Con una copia en casete del álbum Orange (1994) de la banda estadounidense de rock The Jon Spencer Blues Explosion, Edgar cerraba los ojos
e imaginaba una escena de persecución de autos sincronizada al son de la canción que abre el disco: Bellbottoms. Veintidós años después de ese ejercicio mental y ya convertido en un realizador innovador en la industria del cine inglés y estadounidense, Wright plasmó su imaginación en su nueva película: Baby Driver. A continuación haremos un repaso de la filmografía de este notable director, hasta llegar a su más reciente y aclamada obra.
Shaun of the Dead (2004)
Fue la película que puso a Edgar Wright en el mapa de la industria cinematográfica. Sigue las hazañas de Shaun (Simon Pegg), un vendedor de electrónicos sin objetivos en la vida y su mejor amigo (Nick Frost) durante una pendemia de muertos vivientes. Mezcla numerosos géneros fílmicos y estilos; puede ser vista como comedia, como una parodia por sus referencias a muchas películas de zombies desde los años 70 a los tempranos 2000s; los fans del cine de terror y gore también reciben bien esta fórmula, ya que Wright no escatima en el uso de sangre falsa; también hay una simple historia de amor, que funciona como el pegamento emocional del filme como un todo. Esta película inauguró la trilogía Cornetto del director, un título que recibieron
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tres de sus filmes en los que se repiten actores, y la aparición del helado de la marca de origen italiano. La película es menos impresionante que el resto de la trilogía, porque salió a flote con un presupuesto más corto. También, a diferencia de las dos siguientes Cornetto, el personaje de Pegg se siente real, no un producto ficticio cinematográficamente exagerado. Shaun es un tipo común y corriente y esta sensación hace que todo el humor chiflado parezca mucho más divertido en contraste.
DIRECTOR DEL MES
Hot Fuzz
(2007)
Después de revolucionar el subgénero de apocalipsis zombie, Wright puso su mirada en el thriller de acción de un-solo-hombre-contra-todo-el-mundo. Pegg interpreta a Nicholas Angel, un policía de excelente reputación que es trasladado de Londres a un pequeño pueblo inglés. Una vez allí, Angel descubre que detrás de la aparente gentileza de los lugareños se esconde una conspiración criminal. Hot Fuzz, la segunda película de la trilogía Cornetto, es el trabajo más divertido de Wright. Parece que hay una broma cada par de segundos, pero porque el humor se deriva naturalmente de las circunstancias, las risas se sienten honestas, ganadas y nunca se cansan. Con un final totalmente extravagante, de acción pesada que cuenta con una salpicadura saludable de sangre, asegura que el filme sea interesante hasta el último cuadro.
Scott Pilgrim Vs. The World
(2010)
Estilísticamente, es definitivamente su película más única y podría también ser la más creativamente dirigida. Basada en una historia del autor canadiense Bryan Lee O’Malley, Scott Pilgrim vs. The World sigue a Scott, un tímido e incómodo veinteañero que busca desesperadamente el amor de Ramona Flowers, pero debe derrotar a sus siete exnovios malvados para ganar su corazón. Como historia de amor es simple y algo predecible, pero la película está hecha de manera tan vibrante, energética y consistentemente sorpresiva, que su estilo va más allá del ritmo cliché de la historia en sí. Puesto de manera simple, la película se ve y suena como un videojuego retro y este estilo original, a la par de personajes que no parecen pertubados por todas las cosas locas que pasan alrededor suyo, es una manera inteligente de realzar el factor comedia. Tristemente, el filme fue considerado un fracaso en la taquilla estadounidense pero Wright elaboró la mejor película de videojuegos jamás realizada.
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DIRECTOR DEL MES
The World’s End
(2013)
El cierre de la trilogía Cornetto amplía el elenco principal con la incorporación de los actores Paddy Considine, Martin Freeman y Eddie Marsan. Pegg es un alcohólico de 41 años que busca desesperadamente revivir sus días de gloria, mientras Frost es un formal hombre de negocios que ha abandonado las imprudencias infundidas de cerveza que Pegg no puede dejar de lado. El par, junto a otros tres amigos regresan a su ciudad natal Newton Heaven en un intento de completar el recorrido por 12 pubs, tomando una pinta de cerveza en cada estable-
cimiento; pero en el camino descubren que el pueblo ha sido invadido por una raza de aliens ladrones de cuerpos. La especialidad de Wright de tomar fórmulas relativamente normales y ya hechas y darles un giro tornándolas en algo sin precedentes funciona también en esta película: transforma la comedia de alcohol en una invasión extraterrestre en un parpadeo, pero la transición no es para nada discorde, sino que funciona completamente y de manera muy graciosa.
Baby Driver
(2017)
Baby Driver es la aclamada sexta película de Edgar Wright y en el clima cultural de la actualidad representa una anomalía de las más extrañas: es una película exitosa con la audiencia y con la crítica que no está basada en ninguna propiedad intelectual existente. En una era donde la gran mayoría de la oferta cinematográfica está basada en universos compartidos, personajes de cómics, caricaturas o juguetes y franquicias con historias extensas, Baby Driver desarrolla un universo donde el hilo conductor es una lista de canciones increíbles cuidadosamente seleccionadas por Wright, quien no sólo dirigió y escribió la película, sino también diseñó todo el concepto alrededor de la música,
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que es una de las primeras cosas que te enseñan a no hacer cuando haces una película. Pero en el mundo de Baby, las reglas están hechas para romperse, al igual que los límites de velocidad y cada escena pulsa perfectamente con la acción implacable que observas en pantalla.
DIRECTOR DEL MES
La película cuenta la historia de Baby, un chofer de pocas palabras que utiliza la música de su iPod para minimizar el zumbido en el oído que lo acompaña todo el tiempo. Este filme es probablemente la primera carta de amor al extinto iPod en el cine y es un musical al más puro estilo de American Graffitti de George Lucas: sus protagonistas no interrumpen la acción para bailar y cantar, sino que se trata de algo diegético: la música que progresa en la historia proviene de elementos orgánicos en la película, particularmente el iPod.
Tanto Baby como Wright ruedan con cambios de velocidad, pedales a fondo y melodías potentes. Baby es un pastiche pop por excelencia, lleno de acción cubista; personajes rudos y bonachones (interpretados por actores seductores como Jamie Foxx, Jon Hamm, Eiza González y Lily James); así como una enciclopedia de alusiones cinematográficas. A veces, todo el filme parece desenvolverse como un álbum tributo, una colección de versiones nuevas de calidad variable: charlas en restaurantes baratos
estilo Quentin Tarantino y explosiones de color estilo Godard. Cuando funciona, las alusiones te colocan en un viaje de felicidad, como cuando un amigo pone una de tus películas favoritas. Pero, en otras, el placer que transmite Wright se convierte en autosatisfacción y todo ese amor resulta sofocante, casi acosador, como cinefilia entre colegas en su máxima potencia. Cargada de diálogos ingeniosos y un inteligente sentido del humor, Edgar Wright nos demuestra que, en cierta manera, se puede tener (casi) todo: escenas emocionantes y cargadas de acción y personajes exagerados y casi paródicos, todo ello sin asumir que el espectador no es inteligente y sabiendo que no hace falta retorcerlo todo para tratar de sorprender a la audiencia. Es la misma fórmula que garantizó el éxito de Guardians of the Galaxy (James Gunn) en 2014, pero que Edgar Wright ya había consolidado años antes. Parece que se haya quedado por el camino algo de absurdidad y originalidad y se echa en falta que la película no solo sea consciente de sí misma y de dónde viene, sino que sea capaz de transcenderlo (que le importara menos atraer al público, esa despreocupación por caer bien que sí tienen los magníficos filmes de la trilogía Cornetto).
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TELEVISIÓN
Rick & Morty A lo largo de 31 episodios lograron pasar de lo que parecía una serie hilarante y disparatada, a un programa complejo y hermoso, capaz de sobrias reflexiones sobre el amor, la mortandad y las relaciones humanas.
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reado por Justin Roiland, quien hizo la primera encarnación del programa en internet y además interpreta las voces de los dos personajes titulares y Dan Harmon, creador de la serie de culto Community y quien fue el encargado de convertir la ecuación de esta animación en algo complejo, estructurado y ambicioso. En caso de que hayas vivido bajo una roca o te hayas levantado de un coma de meses y no sepas quienes son Rick y Morty, no te preocupes, este es un espacio incluyente que no cree en la discriminación televisiva. Rick Sanchez
es un brillante científico amoral, un alcohólico auto-destructivo y un pésimo padre y abuelo que junto a su torpe nieto, Morty Smith, viaja teniendo aventuras a lo largo y ancho del multiverso, haciendo uso de una pistola interdimensional. Rick, después de una ausencia de años, regresa a la tierra para vivir en casa de su hija Beth, quien está casada con Jerry Smith (el bienintencionado pero lerdo padre de Morty y esposo de Beth) y con quien tiene otra hija, Summer, la hermana adolescente de Morty, que se la vive pegada a su celular y tiene gusto por las prendas de Marc Jacobs. Basado en el arquetipo del Doc
ciencia ficción en la televisión, sino su sinceridad cínica. "Nobody exists on purpose, nobody belongs anywhere, everybody's gonna die. Come watch TV?" (Nadie existe a propósito, nadie pertenece a ningún lado, todo mundo morirá, ¿quieres ver
Una tesis principal del programa es explorar los límites de nuestra capacidad y conocimiento y entender cómo es que en algunas veces actuamos reaccionando a partir del miedo y del dolor.
televisión?) pregunta el súbitamente iluminado Morty a su hastiada hermana Summer después de hacerle una revelación sorpresiva en "Rixty Minutes", el octavo episodio de la primera temporada, probablemente el momento más denso de ésta. Rick, a pesar de ser un genio trascendental no se encuentra libre de tomar malas decisiones que afectan a su familia. Y no es que los valores morales de Rick no están podridos.
TELEVISIÓN
Brown y Marty McFly de Back to the Future, Rick and Morty a lo largo de 31 episodios lograron pasar de lo que parecía una serie hilarante y disparatada, a un programa complejo y hermoso, capaz de sobrias reflexiones sobre el amor, la mortandad y las relaciones humanas. Su estilo de bromas sin concesiones es digno de celebrarse, pero al final son los personajes tan bien desarrollados y la relación entre ellos lo que hace único y funcional a tan extraño concepto. No son los planetas mente-colmena, los pedos multicolores que cantan como David Bowie o los parásitos del espacio que implantan memorias felices en sus anfitriones lo que diferencian a Rick and Morty del resto de la animación, la comedia y la
Hay algo extrañamente y escondidamente espiritual en todo esto y nadie esperaría que una caricatura con un abuelo que eructa constantemente podría ser mucho más sincera y abierta que algo como Seinfeld, pero aquí estamos.
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RECORDANDO
RECORDANDO:
Reservoir Dogs Cuando Reservoir Dogs se estrenó hace 25 años, la audiencia del Sundance Film Festival vio una película independiente de bajo presupuesto sobre unos hombres discutiendo en un almacén, con ninguna estrella grande y un director desconocido.
Y
aún así, el debut de Tarantino tuvo el impacto de un blockbuster de millones de dólares. Los cinéfilos de todas partes pronto debatían su cronología no lineal, su increíble soundtrack setentero, y, sobre todo, su supuesta violencia excesiva. Después de un cuarto de siglo, sigue siendo escalofriante ver al psicópata Mr. Blonde (Michael Madsen) cortando la cara de un policía y amputando su oreja, bailoteando todo el tiempo con Stuck in the Middle with You de Stealers Wheel. Pero, minuto a minuto, Reservoir Dogs es duramente violenta: tiene más que la escena de la oreja. Ni es violencia particularmente explícita. Como
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dijo Tarantino a la revista Rolling Stone, “Ve a un videocentro y 9 de 10 películas en la sección de acción-aventura son más gráficas que las mías.” Cuando Mr. Blonde le da al policía el tratamiento Vincent van Gogh, por ejemplo, la cámara se inclina, dejando que el espectador jure que vio la navaja cortando, como pasó con Psycho de Hitchcock 30 años antes, la carnicería está toda en su imaginación. Mientras que la mayoría dejan a sus protagonistas salirse con la suya después de un asesinato, en Dogs, el crimen no paga, la violencia no resuelve nada y los más machos terminan siendo payasos cobardes.
La mentalidad elevada de la película es aparente en las primeras escenas. Primero, vemos a un grupo de criminales profesionales con traje sentados alrededor de una mesa de restaurante y hablando de todo excepto del robo de diamantes que planean cometer como la discusión sobre Like a Virgin de Madonna. Después de siete minutos vemos a los criminales caminando en cámara lenta en Los Angeles, mientras Little Green Bag de The George Baker Selection pone el ambiente. Tarantino nos convence que estamos a punto de ver un atraco manejado a la perfección por los tipos más geniales. Pero todo es un truco. Pronto descubrimos que todo sale mal. Tarantino no glamouriza a sus anti-héroes, la película no pierde el tiempo en establecer que sus personajes son perdedores. El relajado Mr Blonde es tan inestable que se vuelve demente en la primera señal de problemas. El intrépido Mr Orange (Tim Roth) llora so-
bre lo asustado que está por haber sido disparado. Mr. White (Harvey Keitel), un supuesto veterano endurecido, es tan fácilmente engañado por un policía encubierto que le dice su nombre y su ciudad de origen. La inversión más inge-
Reservoir Dogs no es solamente más restringida que un thriller estándar de Hollywood, es también mucho más real. niosa es que el quejumbroso Mr. Pink (Steve Buscemi) resulta ser el más competente de todos. “¿Qué es esto, un jardín de niños?” pregunta Mr. Pink y la respuesta es sí, eso es exactamente; con sus nombres en código, su ropa igual, sus insultos infantiles y sus peleas, los perros de reserva no son más que niños grandes. Uno de los aspectos más importantes de la película es que los personajes hablan de sus películas, programas de TV y canciones favoritas. Con referencias sobre Lee Marvin, Pam Grier o Los
Cuatro Fantásticos; y hasta Mr. Blue tiene una opinión sobre Madonna. Pero mientras los muchos imitadores de Tarantino recurren a la plática casual de cultura pop porque no pueden pensar en algo más para llenar el tiempo, él la usa por una razón: para recordarnos que estamos viendo a un montón de adolescentes. Eso puede ser un factor importante para que Reservoir Dogs sea tan apreciada por nerds de la música y el cine. No es realmente una película sobre policías y ladrones, es sobre geeks.
RECORDANDO
Hasta insiste en que quien mata a alguien debe terminar siendo asesinado.
A los personajes les gusta verse a sí mismos como gangsters sin miedo, pero en realidad son adolescentes viviendo en el sótano de sus padres. Ninguno es maduro para lidiar con problemas de adultos. Y quizá por eso cuando Mr. Orange recita la historia sobre su dealer, su principal queja es que el teléfono seguía sonando mientras intentaba ver The Lost Boys (Los Niños Perdidos). Tarantino pudo haber escogido ese título porque es lo que son realmente los personajes. Sus perros de reserva no son sabios ni goodfellas, son niños que nunca crecieron.
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RESEÑA
Mother! Esta película de terror psicológico te va a cautivar. Quizá no entiendas todo lo que está sucediendo en pantalla, pero definitivamente vas a sentir que estás ante algo que no te puede dejar indiferente. Por Jovanny Evans
N
o recuerdo la última vez que vi una película que jugara tanto con mis emociones y con mi cordura como lo hizo Mother! Cuando salí del cine estaba confundido sobre lo que acababa de ver y estuve afectado físicamente por la siguiente hora. Me sentía ansioso por la impotencia de no poder conectar mis ideas para explicarme qué es lo que había visto. Estaba perdido en mi mente y lleno de asombro, pues, aunque no entendí qué es lo que vi, sabía que me había encantado. ¿Pero de qué se trata? Es la historia de una mujer (Jennifer Lawrence) casada con un poeta (Javier Bardem) que está pasando por un bloqueo creativo. La pareja vive en una casa vieja que la joven está restaurando mientras su esposo pasa su tiempo tratando de escribir su nueva obra. Su rutina es interrumpida cuando un fanático (Ed Harris) llega a la casa para conocer a su poeta favorito antes de morir. A pesar de las objeciones y desconfianza de su esposa, el poeta lo invita a quedarse en la casa. Poco después llega la esposa del fanático (Michelle Pfeiffer) y el resto de su familia, trayendo con ellos el caos. Pero esto es sólo la punta del iceberg de esta obra maestra de Darren Aronosfky, porque al estar
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viendo la película es obvio que se trata de mucho más, pero qué… No creo que haya una respuesta definitiva y para cada quien será algo diferente. Visualmente, la fotografía, los efectos especiales y los colores son exquisitos. La edición y el diseño de sonido son perfectos para llenarte de tensión, terror y volverte loco. La coreografía de los actores en las últimas escenas es impresionante. Y la atención a detalles pequeños como los peinados de Jennifer Lawrences son muy inspiradores. Estoy extasiado con el equipo que trabajó en este filme. Las actuaciones son espectaculares. Es impresionante el nivel de emoción que los actores logran crear sin decir una sola palabra. Bardem y Harris son excelentes, Michelle Pfeiffer es eléctrica. Pero Jennifer Lawrence es la estrella y logra la mejor interpretación de su carrera. Es muy curioso, porque como audiencia vivimos la historia desde el punto de vista de Lawrence. Pero esto es llevado a tal extremo, que ella es un avatar y sientes que estás parado en su hombro todo el tiempo. Al principio, el espectador es el único que nota que algo raro está pasando. Así como al final somos los que estamos perdiendo la razón con ella.
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