amqueretaro.com Miércoles 31 de julio de 2013 / Querétaro, Querétaro
Coordinadora Alejandra Uhthoff tel 291-9900
Sección C
CONÉCTATE
Revisa las Recomendación de libro, música y película para que incluyas la tuya! ›PÁG. 4 ARTE MASIVO
Creatividad ASÍ DE delSENCILLO: siglo XX ¿Nos definimos por la música que escuchamos o escogemos la música por quienes somos? ›PÁG. 3
DE
ARTE Y TECNOLOGÍA
›› La creatividad y sus paradigmas actuales han incluido a la ciencia
Alan Estefan Torres a.estefan@siithinktank.org
de la técnica como parte de su discurso
IDEALES
El arte se ha caracterizado por ser un reflejo de la sociedad que la produce. Es ingenuo pensar que algo tan libre como la creación tiene que estar atado a paradigmas que dejaron de ser reales hace mucho tiempo. Los ideales que existen en la actualidad no están relacionados a los que se tuvieron hace
›› Sin tradición, el arte es una manada de ovejas sin un pastor. Sin innovación, es un cadáver ‹‹ Winston Churchill , ex primer ministro inglés
200 años. La inclusión de la tecnología en el arte responde una necesidad de los creadores actuales para expandir la forma en que entregan sus mensajes; y aunque Marshall McLuhan se revuelque en su tumba, muchas veces el medio no tiene porque alterar el producto final. En esta entrega de El Faro, se trata de hacer una reflexión acerca de las nuevas formas de expresión artística que van desde la música a la cinematografía. Hay que recordar que en un mundo cambiante, el individuo que permanece estancado está destinado al olvido.
CINE LA CREACIÓN NO HA MUERTO
Exponentes contemporáneos
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Michelangelo Antonioni La historia y cinematografía del director italiano muestra su obra como la precursora del neorrealismo, ya que sus filmes retratan al proletariado de la posguerra.
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C.2 ❱ EL FARO
amqueretaro.com / Miércoles 31 de julio de 2013 / AM
El arte no ha muerto
››Muchos creen que el valor de lo artístico se ve reducido con la ››DesdeelsigloXXhanexistidocreadorescomoMarcel Duchamp
tecnología, pero grandes artistas demuestran lo contrario Alan Estefan Torres a.estefan@siithinktank.org
VANGUARDIA
Ya mencionaba Zygmunt Bauman en su libro los tiempos líquidos que vivimos en una sociedad que se encuentra en constante cambio, en la que ya no existen los absolutos; en la
que todo puede cambiar de un momento a otro. En un mundo en donde el gobierno, la cultura, la economía y Dios son cambiantes; el arte no tiene por qué quedarse atrás. Desde la ruptura de las vanguardias artísticas del siglo XX, artistas como Marcel Duchamp trataron de romper las estructuras que definían al arte. Ya se vislumbraba que después de haber bautizado esa bacinica como “La Fuente”
que trataron de romper el paradigma que definía el arte
(1917), el paradigma artístico y su devenir iban a cambiar por completo. Desde principios de la década de los 60’ se instauraron grupos como EAT (Experimentos en arte y tecnología por sus siglas en inglés) que trataban de mezclar y adoptar la tecnología como parte de la creación artística. A la fecha existe todavía un gran debate entre las nuevas formas de creación. En gran parte existen dificultades
con su comercialización y exhibición, ya que en la mayoría de los casos son piezas efímeras que requieren de un medio para poder reproducirse. No obstante, el valor de la creación artística no cambia y la aproximación a él muchas veces es similar al de las bellas artes. Para el crítico de arte Clement Greenberg, el arte puro es aquel que no podía existir más allá de su medio. Es por esto que a manera de ejercicio se decidió
mencionar a tres grandes artistas contemporáneos que han utilizado la tecnología como parte de su obra; que ayudan a generar un diálogo para la reflexión acerca de las nuevas formas de creación y el acercamiento que se tiene con ellas. Disfruta a de The Reflecting Pool ahora escanea este código amqueretaro.com
Ve el video de 25 wood worms, wood, microphone, sound system en este momento escanea este código amqueretaro.com
Escucha una canción del álbum Endless Summer justo ahora escanea este código amqueretaro.com
BILL VIOLA Nació en Nueva York en 1951. Es uno de los artistas más representativos del video arte a nivel mundial. Sus trabajos se caracterizan por construcciones temporales complejas y el extenso uso del simbolismo a través de la narrativa. Es considerado como uno de los creadores más famosos de nuestro tiempo y su trabajo ha sido expuesto a todo lo largo del mundo. La tecnología es de vital importancia en sus obras, ya que en su mayoría utiliza proyecciones, televisores, bocinas o video cámaras para la transmisión de sus mensajes.
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4 25 wood worms, wood, microphone, sound system (2009). 5 361 prepared dcmotors, filler wire 1.0mm (2010). 6 30’000 plastic bags, 16 ventilators (2010).
The Reflecting Pool (1977 – 1979). 2 The Messenger (1996). 3 Emergence (2002)
ZIMOUN Berna, Suiza 1977. Su arte se caracteriza por la realización de instalaciones, instalaciones sonoras e intervenciones arquitectónicas. En ellas utiliza materiales como el cartón, el metal, el plástico y el hilo los cuales son controlados (en gran parte de las ocasiones) por motores dc, aire, ventiladores que logran mover o hacer sonar a esos objetos. Su obra ha trascendido a pesar de nunca haber contado con educación artística formal. El trabajo de Zimoun además de utilizar la tecnología, genera una reflexión acerca de cómo ésta afecta nuestra vida diaria.
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CHRISTIAN FENNESZ Christian Fennesz es un músico nacido en Viena, Austria el 25 de Diciembre de 1962. Su obra se caracteriza por generar mezclas de sonido con múltiples capas que utilizan de glitches irregulares, ruido blanco e instrumentos convencionales como la guitarra eléctrica. La utilización de la tecnología es vital para la composición de Fennesz, ya que toda su obra está basada en la utilización de software como Max MSP para generar sus piezas. Es reconocido a nivel mundial como compositor de música electrónica y ha colaborado con artistas como Ryuchi Sakamoto en el álbum Cendre (2007).
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Endless Summer (2001). 8 Venice (2004). 9 Szampler (2010)
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Empoderamiento de la audiencia ›› La tecnología cinematográfica ha labrado un camino a través del cual la retransmisión ha transformado al espectador en generador de contenido
Rafael Denis
CREACIÓN
El lenguaje cinematográfico y el progreso del mismo ha estado permanentemente ligado a las innovaciones tecnológicas desarrolladas para crearlo y reproducirlo, desde el cinematógrafo de los hermanos Lumier y el Kinetoscopio de Edison a finales del siglo XIX, las tecnologías cinematográficas nunca han dejado de evolucionar: la variedad de formatos en celuloide (70mm, 35mm, 16mm, 8mm), la inclusión del sonido a finales de la década de los 20’s y el color más adelante,el desarrollo de lentes y ópticas especializadas como el cinemascope, el nacimiento del video en los 60´s, el sonido multicanal (THX) en los 70’ s, los videojuegos en los 80’ s hasta las recientes tecnologías de video de alta definición con sus cámaras ultra compactas. La pantalla cinematográfica o televisiva (aun la platónica en aquella mítica caverna) eran en principio instrumentos de soporte, de retransmisión, donde el espectador tenía qué ver/recibir y a partir de las sombras proyectadas analizar y construir, tanto las imágenes presentadas y cómo éstas afectaban el mundo exterior y a él mismo. La distancia entre la producción y los consumidores era suficiente para asegurar audiencias gigantescas y creadores de mensajes contados. La evolución que ha sufrido la pantalla como entidad deja ver poco a poco cómo las audiencias, al igual que el medio cinematográfico, se transforman con ella. La primera encarnación de la pantalla fue una tela blanca de varios metros de extensión sobre la que se proyectaba a cientos de personas, esa pantalla de sombras de los Lumiere aún existe pero su audiencia, pasiva, no. La pantalla se convirtió en los 50’s en electrónica: un tubo catódico de algunas pulgadas al que se trasmitía a cada familia en su hogar, en los 80’s nace el compañero inseparable de la TV y la primera encarnación de la ‘elección’, el control remoto; el zapping de canales mata al cine puro, opina Peter Greenaway. El control en los noventas tomó la forma del teclado, de ratón, y la pantalla, por primera vez, hacía lo que el usuario le indicaba, capaz de crear y editar imágenes, sonidos y texto por sí misma. La encarnación más reciente es la pantalla de cristal líquido, de bolsillo, táctil e interconectada manipulada totalmente por su usuario. Hoy las pantallas son la ventana, el lienzo, el espacio a través del cual las audiencias consumen, participan y crean los medios de comunicación. La pantalla, al igual que la audiencia, pasó de la pasividad a la actividad; los avances tecnológicos
han cambiado el paradigma: en la actualidad el espectador tiene nuevas capacidades.
RECONFIGURACIÓN DE AUDIENCIAS A PARTIR DE LA SOCIEDAD DEL CONOCIMIENTO
Las transformaciones que en los últimos diez años han sufrido las audiencias, con respecto a los diferentes medios de comunicación e información, han sido significativas. El rol de la audiencia ha pasado de ser pasivo/receptivo a activo/generativo, este contraste causa innumerables fenómenos en diferentes medios desde la música y el cine, hasta la educación y la ciencia. Mientras los investigadores sociales intentan hacer esta reformulación teórica de la que habla Pineda, en el ciberespacio hay ejemplos factuales de la participación de las audiencias y de
cómo han asumido y practican día a día este cambio en el papel que juegan en la sociedad del conocimiento.
del conocimiento esta constantemente seleccionando.
LA AUDIENCIA COMO CURADORA
La crítica a partir de la audiencia no necesariamente depende del conocimiento de un tema o forma artística en particular, depende más del peso que a la opinión le dan los seguidores de dicho usuario. La credibilidad aquí se puede ganar de muchas formas; sin embargo, el juicio que se hace sobre cuestiones políticas, sociales, artísticas etc. ya no necesariamente queda en ámbito individual, basta con hacer un ‘tweet’ sobre la situación económica, o actualizar un estatus sobre el último capítulo de una serie de televisión para pasar de una opinión personal a un juicio público sobre cualquier tema. El usuario ya no sólo selecciona, justifica sus selecciones y ayuda a seleccionar a otros.
A diferencia del pasado donde la audiencia pasivamente recibía lo que era transmitido en la radio o la tv, en este mundo hipermediatizado la audiencia elige, son los usuarios los que hacen la búsqueda, seleccionan y comparten los contenidos que se ajustan a su gusto particular. Este clasificación la ejercemos todos en la sociedad del conocimiento, de una manera u otra nuestro comportamiento en las redes de información es libre, podemos parar los videos, cerrar las ventanas, agregar a nuestros favoritos o guardar en nuestro disco duro lo que necesitemos. El usuario en la sociedad
LA AUDIENCIA COMO CRÍTICA
LA AUDIENCIA COMO PRODUCTORA
Uno de los cambios más atemorizantes para la industria es el cambio de la audiencia como mero consumidor final de un producto terminado, a financiador de un producto en desarrollo, pues aquí la elección y participación es mucho más profunda. El ‘crowdfounding’ o financiamiento de masas consiste en un grupo de creativos que presentan un proyecto en una plataforma en internet y una audiencia elige donar dinero para su producción a cambio generalmente de recompensas planteadas por los mismos creativos, que puede ir desde un agradecimiento en los créditos hasta el producto en cuestión. Aquí hay una profunda ruptura con el paradigma común de la audiencia, pues ahora la audiencia se convierte en productora de cosas que le interesan intensificando la idea de comunidad y construyendo un sistema alternativo a las instituciones de todo tipo.
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La audiencia se convierte en productora de cosas que le interesan intensificando la idea de comunidad y construyendo un sistema alternativo a las instituciones./foto: Especial
La audiencia como creadora El cambio más radical es el de la audiencia como creadora, este siempre ha existido, a excepción de los pioneros que crearon el lenguaje, Edison y los Lumiere en el cine por ejemplo; todos los creadores inician siendo audiencia, Goddard y Herzog primero vieron cine antes de hacer cine. Pero la distancia entre
estar en la butaca y atrás de la cámara era complicada para las audiencias antes de la sociedad del conocimiento. Hoy las audiencias, gracias a la convergencia tecnológica en diferentes grados, se asumen como generadores de contenido, desde álbumes fotográficos personales para las redes sociales o blogs en video,
hasta directores de películas o músicos electrónicos. Es gracias a la tecnología que esto es posible. Crear audio, video y texto nunca fue tan sencillo, pues a veces estas tres capacidades se encuentran en un solo aparato (el celular por ejemplo) y no se limitan a habilidad de captura sino también generan y editan.
❱❱ Hoy las pantallas son la ventana, el lienzo, el espacio a través del cual las audiencias consumen, participan y crean los medios de comunicación. La pantalla y la audiencia pasaron de la pasividad a la actividad.
❱❱ Yo creo que el futuro
del cine recae en a, liberarlo de la costos ria gigantesca maquina a ❰❰ tiv ra ist tecno-admin “Kultura” AndreiTarkovsky en 17 p. 52, 51nr 1979
Obra de Felipe Ruiz en la cual busca transmitir el pensamiento de Walter Benjanim./foto: Especial
EL ARTE intervenido por la técnica Javier González
AUTENTICIDAD
La técnica constituye un complejo mosaico cuyo carácter eminentemente práctico ha repercutido de manera decisiva en el mundo contemporáneo. El arte no ha sido la excepción y en el transcurso del siglo XX hemos visto cómo la tecnología ha transformado la manera de hacer arte y los medios para acceder a éste. Disciplinas artísticas como el cine o la fotografía no hubieran sido posibles sin el pujante desarrollo tecnológico que se gestaba ya desde el siglo XIX en Europa. Asimismo podemos pensar en los medios de comunicación modernos, como la radio o la televisión, como plataforma para difundir el arte en sus múltiples manifestaciones. Sin embargo, la tecnología trajo consigo otros cambios que pusieron en cuestión la legitimidad del arte mismo. Según el filósofo alemán Walter Benjamin (1892-1940), no fue sino con la aparición de la ciencia técnica y de su capacidad reproductible que la obra de arte se convierte en un objeto susceptible de ser explotado indefinidamente. De tal suerte que la difusión y la reproducción masiva del arte termina por socavar su misma autenticidad. Paralelamente a la pérdida de unicidad, debido al progreso de la técFRASES nica reproductiva, para Benjamin también desaparece HISTÓRICAS el momento de afirmación individual del propio artista. Si antes la realización de una determinada pieza recaía completamente en las manos del artista, el arte contemporáneo se ve en la necesidad de recurrir a muchos intermediarios para concretarse. Para ejemplificar lo anterior podríamos mencionar el caso del artista plástico y cineasta estadounidense Andy Warhol (1928-1987). ❱❱ En el futuro todo el A través de la producción en masa de sus pinturas y mundo será famoso dude sus serigrafías, Warhol rante quince minutos. pone en entredicho la contodo el mundo debería cepción clásica de la obra de tener derecho a quince arte como una pieza única e irrepetible. Warhol tenía minutos de gloria❰❰ que valerse de un séquito Andy Warhol que lo ayudara a mantener la producción industrial de su obra, delegando tareas y supervisando proyectos: el artista pierde un contacto directo con su obra, mientras que se enfoca en su explotación indefinida. Todo esto ha sido gracias a las posibilidades reproductibles de obra de arte a través de la tecnología. Pero en lugar de contraponer a Benjamin y a Warhol podemos verlos como críticos de la cultura de consumo. De cierto modo podríamos pensar que Warhol retoma los postulados de Benjamin para ironizar respecto a la necesidad de descubrir y poseer cada misterio que guarda la obra de arte. Tal como menciona el filósofo alemán en su corto, pero muy significativo trabajo titulado “La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica” (Taurus, 1989): “Acercar espacial y humanamente las cosas es una aspiración de las masas actuales tan apasionada como su tendencia a superar la singularidad de cada dato acogiendo su reproducción. Cada día cobra una vigencia más irrecusable la necesidad de adueñarse de los objetos en la más próxima de las cercanías, en la imagen, más bien en la copia, en la reproducción”.
❱❱ Ganar las fuerzas de la embriaguez para el servicio de la revolución; en torno a esto gira el surrealismo, tanto en sus libros como en sus empresas ❰❰ Walter Benjamin
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ones i c a d en m o c e R n de Ala , Torres stefan jara, Alan E la a , Guad r (1989 reado C ) o ic Méx y visual Audio dia. e im Mult
PELÍCULA KISSINGON THE MOUTH (2005)
JOE SWANBERG (1981, EUA)
LIBRO RANT (2007)
He visto casi todas las películas de este director independiente. Elegí esta porque a pesar de ser su primer filme, se me hace el más honesto. Explora la relación entre una ex pareja que sigue teniendo sexo, cómo el hombre termina enamorándose nuevamente y lo difícil que es sobrellevar una separación. Es cruda y difícil, pero me ayuda a reflexionar acerca de las relaciones que he tenido en mi vida y el por qué muchas veces lo único que me ha mantenido en ellas es la parte física o la rutina.
DISCO MELANCHOLIA (2003)
CHUCKPALANHIUIK (1962, EUA)
WILLIAM BASISNSKI (1958, EUA)
En lo personal, es el mejor libro escrito por Chuck Palanhiuk. Me atrapó desde el principio. La narrativa se va formando a través de una serie de entrevistas en las que a diversos personajes se les pregunta acerca de Rant, el protagonista, quien es presentado como un ser incomprendido y enfermo en esta obra, que es una especie de biografía post mortem. La novela mezcla un realismo brutal con ciencia ficción que logró despertar profundos deseos de libertad y caos en mí.
Esté álbum es el soundtrack perfecto para mis noches de reflexión o escritura mientras bebo mi café acompañado de un buen cigarro. Es un disco que me hace anhelar, recordar y ponerme en un modo de melancolía, valga la redundancia. Cuando conocí a Basinski quedé maravillado por su música, caracterizada por la utilización de pequeños samples que loopea a veces durante más de 15 minutos. Melancholia es el disco para introducirse en su obra.
El artista italiano
de la lente
›› Desde sus obras maestras hasta sus fracasos rotundos, el cineasta dejó un legado imborrable en el mundo
Daniel Zubillaga
su primera película a color.
Blow Up CINE
Michelangelo Antonioni, pintor, escritor, productor y director de cine italiano, inició su carrera cinematográfica durante la segunda guerra mundial. El primer acercamiento al mundo de las imágenes se dio a través de un documental llamado Gente del Po. El ejercicio, que retrata la vida de un pescador pobre italiano, se realiza en 1943 pero debido a la guerra se edita hasta 1947. El cine de Antonioni, en su etapa temprana, se distingue del de sus contemporáneos y precursores del neorrealismo italiano Vitorio de Sica y Federico Fellini, ya que estos en sus filmes retratan la realidad del proletariado de la posguerra italiana, mientras Michelangelo se enfoca en contar historias de la clase media alta y alta de su nación. Posteriormente, en 1955 con su película “Las Amigas” comienza a experimentar con elementos narrativos que claramente lo separan de la construcción neorrealista. Tomas largas y la utilización de eventos sin un aparente hilo conductor lógico, son algunas muestras de ello. Su primer éxito internacional lo obtiene con “La Aventura”, al que le siguió “La Noche” y “El Eclipse”. A estos tres filmes se les conoce como “La Trilogía”, famosa, entre otras cosas, por la utilización magistral de personajes que claramente se sienten desconectados del mundo en el que habitan. El siguiente trabajo del director, “El Desierto Rosa”, es
La primera película de Antonioni en idioma ingles, Blow Up, conocida en América Latina como “Deseo de una mañana de verano”, está basada en el relato corto del escritor argentino Julio Cortazar titulado “Las babas del diablo”. El filme cuenta la historia de un fotógrafo que cree haber sido testigo de un asesinato y, por casualidad, tener la prueba de éste en una fotografía. Independientemente de la trama, es la narrativa estética que invita a la doble lectura, y en general la fotografía ya legendaria de esta obra la que le otorgó fama internacional, además de múltiples nominaciones en Cannes.
Última Etapa
Sus dos películas inmediatas fracasaron en taquilla y no fueron bien recibidas por la crítica. La primera, “Zabriskie Point”, filmada en USA, cuenta con la participación en la banda sonora de Pink Floyd, The Rolling Stones, y Grateful Dead; la segunda, “El Pasajero”, protagonizada por Jack Nicholson y Maria Schneider, aunque mejor recibida por la crítica, es también un descalabro comercial. L e s ig u e n “ E l m i s t e r io Ober wald”, basado en una obra del poeta frances Jean Cocteau e “Identificación de una mujer”. Ántonioni sufre una parálisis que lo inhabilita y le deja sin habla, sin embargo, logra filmar, en colaboración con el famoso director aleman Win Wenders, su próxima cinta nombrada “Más allá de las nubes”. La última pieza llevada al cine del legendario artista es un cor-
tometraje basado en el erotismo. El corto está incluido, junto con otros dos -uno de Wong Kar-Wai y el otro de Steven Soderberg- en una compilación titulada “Eros”. Michelangelo Antonioni falleció a los 94 años, un 30 de Julio del 2007.
❱❱ El cine de Antonioni, en su etapa temprana, se distingue del de sus contemporáneos y precursores del neorrealismo italiano Vitorio de Sica y Federico Fellini, ya que estos en sus filmes retratan la realidad del proletariado de la posguerra italiana, mientras Michelangelo se enfoca en contar historias de la clase media alta y alta de su nación.
La narrativa visual mostrada en algunas películas de Antonioni le otorgaron la etiqueta de maestro./foto: Especial
EN NÚMEROS ALQUIMISTA
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Años hace que Michelangelo Antonioni murió con casi un siglo de vida.
Escena de Blow Up, su película más conocida y aclamada del director italiano./foto: Especial
Lo nuevo en software
Thom Yorke retira su su música de Spotify El País
NEGOCIO
Thom Yorke, cantante de la banda inglesa Radiohead, ha retirado su música de Spotify. Desde ahora, quien quiera encontrar en esta plataforma musical su disco en solitario The Eraser o las canciones de su proyecto experimental Atoms of Peace junto a Michael Peter Balzary, Flea, bajista de la banda californiana Red Hot Chili Peppers, se llevará un chasco. La medida es una protesta contra las tasas impuestas a los artistas por reproducir su música. Según la versión de varios músicos el porcentaje que estos se llevarían cada vez que alguien escucha una de sus canciones varía entre los 0,003 euros y los 0,008 euros por tema, las ganancias que generan son irrisorias en comparación con el número de personas que escuchan sus canciones. La
compañía aseguró en 2010 que repartió más de 100 millones de euros en todo el mundo. Yorke y el productor Nigel Godrich han usado Twitter para expresar sus quejas y anunciar su decisión: “Los números no cuadran ni para Spotify. Pero no es eso: es cuestión de establecer un sistema que sea más valioso”. Según Yorke, hay que encontrar un modelo que permita dar oportunidades a artistas emergentes y no explotarlos. El productor ha añadido que “si hubiera existido Spotify en 1973, no se habría grabado Dark Side of the Moon”. Ambos han asegurado que este tipo de negocios son “malos para la música”. El vocalista de Radiohead respaldó las declaraciones de Dodrich en Twitter y añadió: “Estos son los de siempre de la industria tratando de hacerse con el sistema de distribución”. Kieran Hebden, más conocido en el panorama musical como Four tet se ha sumado, junto a otros artistas, a las quejas del cantante inglés y ha asegurado que no quiere ser parte de este negocio.
Redacción
SOFTWARE
Thom Yorke, vocalista de Radiohead
Spotify es un software de reproducción de música en linea que cuenta con tres formas suscripción. La gratuita, en donde puedes escuchar música desde tu computadora, esta versión contiene publicidad; la limitada, también para tu computadora y con un costo de 4.99 dólares mensuales, con lo que obtienes acceso al mismo catálogo de canciones pero sin publicidad; la modalidad premium, descargable en dispositivos móviles, en televisores con acceso a internet y en tu ordenador, el precio de esta versión es de 9.99 dólares al mes. La plataforma en todas sus versiones te permite seguir a otros usuarios y escuchar sus listas de reproducción al mismo tiempo, además de poder compartir tus listas o canciones en facebook, twitter o blogs.
Spotify cuenta también con la versión radio, en donde, de acuerdo a tus gustos musicales, el software te va ofreciendo canciones nuevas que puedes ir almacenando, creando así nuevas rutas. Otra de las ventajas es su manejo intuitivo, es decir, logras familiarizarte rápidamente con el software. Este además de los consejos personalizados, te ofrece también una barra de opciones en donde los editores de la web te dan varias y valiosas recomendaciones. Con su llegada a México en abril del presente año , el software sueco arriba en América Latina con el objetivo de incrementar sus internautas que en el mundo suman ya cerca de los 20 millones.