REGIA MAG #31 by maria pia vivo

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ISSN 2314-2839

N.31 AÃ&#x2018;O 8 JUN. 2016 ARGENTINA $70

Yung Beef John McCam Pato Lange Andrea Carballo 1

EDITORIAL

REGIA MAG

Llegamos a la mitad del año, y aunque falten seis meses para despedirlo, ya estamos cansados, con mil cosas encima, estrés por todos lados e incertidumbres de todo tipo. En apenas un semestre se fue Bowie, se fue Prince, los noticieros no pararon de entristecernos, y ni hablemos de política. Se siente casi como si estuviésemos en noviembre. Sin embargo, está el frío, muy muy presente, y eso nos ubica un poco. Para combatirlo, les traemos REGIA 31, que además de tener varias producciones soleadas (poco abrigo), está lleno de hemisferio norte, donde acaban de recibir al verano. Juan Ortelli se une a nuestro equipo con una gran nota de tapa a Yung Beef, gitano rapero (trapero, perdón) que desde Barcelona conquista el mundo con lengua y ritmo hirvientes. También en Barcelona, Andrea Carballo suelta anzuelos y amarras, mientras Micaela McLucas nos da un respiro playero. Y si hablamos de playa, hablamos un poco de Miami, donde está Benjamin Plant, líder de Miami Horror. Acá en Argentina, Pato Lange supera desafíos, recordamos el REGIA FASHION CREW POP UP de Rosario, y hablamos con John McCam y Delta Venus. Hay más cosas aún, claro, pero el espacio en esta página es tirano. Tal vez este número no les sirva de abrigo, pero no saben cómo calienta.

REGIA MAG ISSUE N.31 JUN. 2016 BUENOS AIRES Editado en REGIA HOUSE Paraná 921, Recoleta (C1019ABU) C.A.B.A.

REGIA es una publicación de Grupo Regia S.A (DNDA) 5079704 -ISSN Nro 2314-2839.

N.31

JUN. 2016

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INDICE

TAJOS DEL ITINERARIO

VELVET VELVET VELVET

por Ezequiel Siddig ph Maxi Guterman

INFO@REGIAMAG.COM

Milos Nasio

24 REGIA FASHION CREW ROSARIO ph

Cecilia Santoni y Juan Fallia

28 BON VIVART María Paula Fernández

por

facebook. regiamag youtube. regiamag instagram. regiamag twitter. regiamag

REGIAMAG.COM

BUENOS AIRES

40 FFYR 10 AÑOS

NOTA DE TAPA

Ezequiel Churba

32 YUNG BEEF por Juan Ortelli ph Dr. Sepian

42 52

48 DELTA VENUS por Estefanía Kröl ph Milena Lebenglik

FEAT. MICAELA MCLUCAS por

Ash Moros

INDO TEENS por

Leandro Quintero

62 58

ANDREA CARBALLO por Eliana Giménez ph Fausto Elizalde

JOHN MCCAM por Lara Molina ph Miguel Marino

REGIA MAG

N.31

REGIA MAG es una publicación de Grupo Regia S.A. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta publicación si no se cita la fuente. El editor no se responsabiliza por las opiniones vertidas por los colaboradores, entrevistados, las notas firmadas y el contenido de los anuncios publicitarios que se incluyan en esta edición. Registro de la Propiedad Intelectual en trámite Nro:11024066. REGIA MAG se imprime en Galt S.A Ayolas 4949, La Boca Bs.As. Distribuye en Capital Federal y Gran Buenos Aires Enrique Fernandez. Prohibida su venta a menores de 18 años.

68 GUSTAVO LAMAS

JUN. 2016

INTO THE WOODS ph

Manu Antelo

por Damian Levensohn ph Maxi Guterman

82 LES FEMMES REBELLES ph

Candelaria GIl

MIAMI HORROR Julián Doyle Scottie Cameron & Dylan Reyes

por

REGIAMAG.COM

REGIA DOCUMENTAL

AGRADECIMIENTOS Nicolás Mitre Fortin Mariana Bogado Daniel Rios Andrés Ridois Pablo Bernard Ezequiel de San Pablo Javier Vergara Santi Durini Nicolás Dangelo Ramiro Tejeda Nicolas Braun Mauricio Waddle Mariano Maldonado Pato Lange Javier Berro German Bardo Juan José Calarota Alejandro Laborde Benjamín Helbig Juan Manuel Lanati Ana Luz Vismara John Mc Cam Sigfrido Orlandini Leo Rietti Nuria Quintela Carlos Entenza La Despensa Eliseo Canton Martín Rietti Mariano Calarota Diego Romero Julieta Troncoso Lucas Lanat Nicolás Parodi Juan Guapo Javier Berro Max Ortiz Eliseo Canton Tomás Bartolomei Lucía Mospan Lucio Can Fran Ferlin Peggy Fox

total look casa honduras

REGIA MAG EDITORIAL/MODA

Fotografía

Milos Nasio Estilismo

Sebastián Kell Pelo y maquillaje

Lucía Scarselletta Modelos

Predo Puig (Dhr Models) Nicolás Lorenzón (Spirit Of Fashion) Santiago Tomas (Universe Management) Agradecimientos

Hotel Alvear, Hope Coarse & Chantal Holjevac.

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REGIA MAG ENTREVISTA/MÚSICA

por Ezequiel Siddig

fotos Maxi Guterman

“¡Pato Lange!” dijo Carlos Alberto García LANGE, Charly García, cuando invocó al guitarrista de 18 años que hacía un rato lo había acompañado en escena. Para Pato fue como un bautismo. Era el año 2000, y en el camarín del Roxy también estaba Pipo Cipolatti. “¿Ves? Acá tenés a mis discípulos”, le dijo Charly a Pipo señalando a Pato y a Martín Farina, los músicos de Setnova, una banda de zona oeste que estaba en ascenso y se presentaba esa noche, justo cuando Charly cayó por sorpresa y copó el escenario. Dieciséis años después, el frío otoñal se cuela en el añoso vestidor de La Confitería, mansión porteña de Colegiales devenida multiespacio que Pato comparte con un grupo de fotógrafos. Rodeado de percheros repletos de la distinguida ropa que usa para los shootings que produce como coordinador editorial de la revista GQ Latinoamérica, Pato (33, casi 34) habla de su primer disco solista, Ahora, que acaba de lanzar por el sello S-Music y que presentará el 2 de julio en el Teatro Sony. El disco es una colección de canciones maduradas a lo largo de diez años o más, entre aquellas noches del Roxy y –justamente– ahora. Apenas diez de setenta tracks que tiene en carpeta, en los que conviven fábulas sonoras, aires de jazz, bossa, ska, folklore, rock steady, reggae, pop, Iggy Pop, rock nacional de antes, rock conurbano de ahora. Un viaje de más de una década y media que atraviesa un via crucis de paisajes emocionales que van desde su Liverpool bonaerense –Castelar– hasta el Río de la Plata, parábola geográfica que funciona como íntima biografía. PL En 2010 me mudé a Capital. Desde entonces y hasta 2015 estuve en una etapa de meterme mucho en la vida de la ciudad. Empecé a tocar con Militta Bora de a dos, en barcitos, y a publicar notas como periodista en medios como Mavirock, Soho, Rolling Stone, GQ, Vogue y Regia. Fui interactuando con muchos artistas en reuniones, en zapadas, en shows, y comencé a tocar con Joaquín Levinton. A la par, lentamente, empecé a gestar mi disco solista. Por eso el nombre, Ahora. Pato Lange pertenece al Oeste, toda vez que el Oeste es una pertenencia. Desde sus primeros años adolescentes labró su identidad en bares como Mocambo, de Haedo, donde tocaban Ataque 77 y Ricardo Mollo. Del Oeste (Morón, Hurlingham, El Palomar) también eran Los Caballeros de la Quema, Los Piojos y Divididos. A los 12 años Pato empezó a estudiar en el Conservatorio de Música de Morón Alberto Ginastera, y a aprender guitarra con el maes-

tro Goyi Alzaibar. Seis meses después improvisó una banda que le duraría toda la secundaria (Falsa Estrella, 1995-99), y con la que grabaría un demo de tres canciones propias, una balada y dos rocanroles con un sonido –según cuenta– “del pop de fines de los años 50 y el rock más tradicional, un poco a lo Buddy Holly, a lo RitchieValens”. PL A mis 8 o 9 años había llegado a casa una enciclopedia de música muy buena, importada, que había sacado La Nación. Empecé a escuchar las influencias que tuvieron los Beatles, a quienes conocí a los 5 años cuando mi viejo me regaló un Grandes éxitos 1962-1965, la época de la beatlemanía. Entonces escuché a Bill Halley & His Comets, a Fats Domino, a Elvis Presley, a Eddie Cochran, a Roy Orbison. A todos los rocanroleros blancos de la década del 50. Después, cuando descubrí a los Rolling, empecé a escuchar más a los negros, como Chuck Berry. De ahí fue que me llegó eso de la moda. De hecho, con la primera plata del primer show de Falsa Estrella, que fue en La Biblioteca Bar en 1995, fuimos a comprar ropa a la Bond Street para vestirnos "como se tenían que vestir los rockeros". Ahora fue grabado en el sótano de Jorge Barilari, en San Antonio de Padua, donde Pato grabó también cuando era un aprendiz. Empieza con “Coraza”, que actúa como un blend propiciatorio, una síntesis de las peripecias del camino de la vida recorrido por el cantante. Lo primero que se escucha es una guitarra que remite al folk californiano de los 60, tipo Neil Young; luego aparenta dialogar con las bandas indie contemporáneas; más tarde parece atrapar un reflejo argentino de los años 80. A partir del track 5, “Farmacia”, un ska jugado al pop, parece consolidarse en Pato una voz que evade la incertidumbre de versos como “Sé que no es fácil morir por mano propia” (del tercer tema, “Poeta”). Ya en “Domingo”, con un aire como de reggae, es como si el cantante pasara a la toma de su propia Bastilla, como si emergiera fortalecido. “Música Vuela” –el único título que tiene

más de una palabra en todo el álbum– pareciera representar la coronación luego del esfuerzo (“A través de mi ventana/veo los jardines”); los coros de La Nube Mágica son la reunión con los amigos que vienen a ahuyentar las amarguras del destierro. En “Escaleras”,la última canción, se respira una felicidad indie, pedestre, posible, una alegría que reconoce la piel ajada, los tajos que legó el itinerario. Pato tiene puestas unas botas de cuero negras con un taco de cinco centímetros, hechas a mano porTerrible Enfant. Es una bota estilo Anello & Davide, la clásica bota beatle que usaban George, John, Paul y Ringo en los años del Swinging London. Lleva puestos también un pantalón bombilla de riguroso negro y cinturón a tono de A.Y. Not Dead. Sweater de Duck Head y remera de Giesso, “la marca de moda más antigua de Argentina: 132 años”, dice Lange con erudición. Cuelga de una percha su warm coat de tweed gris, “estilo Brian Jones”, todo hecho en Argentina. En su casa sobreviven, fotocopiados, varios libros de moda descatalogados. PL La moda a mí me entra por el rock, desde chiquito; mis referentes son los Rolling Stones. Al principio todos usaban trajecitos, una moda de caballeros. Después, más o menos a partir del ’67, empezaron a parecerse a unos tigres; eso fue porque Keith Richards usaba la ropa de la novia, que era modelo. Dejaron los sacos de tweed, los zapatos, las corbatas, y empezaron a ponerse más psicodélicos. Mi referencia infantil es sin embargo la de los Beatles y los Rolling vestidos de traje, como salían a tocar. De hecho, apenas arrancaron hacían producciones de moda en Vogue. Este disco llega cuando Lange ya se ha convertido en periodista, editor, galerista, productor de moda, pequeño empresario. En Ahora participan sus amigos del conservatorio: el compositor y cantante Juanito el Cantor –productor de Gustavo Cordera y Miss Bolivia, integrante de La Nube Mágica–, el pianista Jorge Barilari –productor del disco, también de La Nube– y el guitarrista Gabriel Santamaría. También participan Gonzalo Aloras, Marcelo Von Schultz, Checho Flá, Martín Soravito y el bajista de Los Ratones Paranoicos, Pablo Memi. Fue masterizado por Max Scenna, quien trabajó con Soda Stereo, Shakira y Living Colour. PL El disco se llama Ahora porque podría haber salido diez años atrás pero en un momento suspendí la cosa, no quise grabar más. Me puse mal cuando tardé en sacar ese disco de 2005, y sentí un patadón en la cara.Todos estos años que pasaron fueron de simplemente ponerme un poco en suspenso para tomar envión. Ahora es salir a contar y a

mostrar que para mí el arte es multidisciplinario. es ¿En qué sentido? PL Las vanguardias artísticas son multidisciplinarias. Hay que volver a integrar a los músicos, a los periodistas, a los pintores, a los fotógrafos, a las modelos, a los diseñadores de moda, a los videastas, a los cineastas. No creo en su separación. De ahí viene mi fanatismo por los Rolling Stones, el Swinging London: era una escena en la que estaban completamente mezclados el arte plástico, la fotografía, la moda, la realeza con la clase trabajadora. Los Beatles y Los Rolling Stones se juntaban con aristócratas. De Los Beatles creo que ninguno, salvo George, había terminado la escuela. Y sin embargo ellos se juntaban con Tara Browne, que era el heredero de la fortuna Guinness, un magnate; con Robert Flaser que era un galerista de muy buen pasar; con Marianne Faithfull, que era hija de una familia aristocrática, heredera de un título de baronesa. Toda gente de mucho talento, en muchas disciplinas, relacionada con mecenas. Hay que revalorizar hoy la figura del mecenas. ¿Para qué querés tanta plata, man? Loco, ponela en el arte. Es como que hoy por hoy hacer música de calidad es para ricos o hijos mantenidos. No hay apoyo y todo termina siendo autogestionado, lo que hace que veces se pierdan un montón de proyectos valiosos en el camino. Sueños del artista: Pato aspira a ser un cantor popular; quiere recorrer América Latina, cantarle al continente incorporando las músicas folklóricas al rock, a la canción popular. Anhela poder emular a los artistas que le gustan (Bob Dylan, Fito Páez, Charly García, Caetano Veloso, los Rolling Stones).

“Si yo pudiera hacer 30 o 40 discos de acá a que me muera, sería mi sueño”, dice y llora. Llora emocionado. es ¿Por qué estás canciones tardaron tanto tiempo en ver la luz? PL En algún momento tuve una herida y protegí las canciones, no las quería sacar. Para mí el arte es una herida abierta, es mostrar esa herida.Yo no hago una canción para hacerme el canchero. Ni quiero hacer una obra para la posteridad. Quiero hacer una obra para estar en contacto con la gente de mi tiempo, contarle cosas a alguien que veo todos los días. Quiero cantarle a mi época..

zapatillas Vans

"Quiero cantarle a mi ĂŠpoca."

make up Brenda Wagner

UP P PO ROSARIO FOTOGRAFÍA

Cecilia Santoni y Juan Fallia

UP P PO ROSARIO

La primera edición de REGIA FASHION CREW, en 2015, fue una locura inimaginable que superó todo lo que nos esperábamos que fuera. Como nos pasa siempre, no nos quedamos satisfechos con una vez; quisimos expandir los horizontes y llevar la propuesta a más lugares y a más gente. Partimos entonces a Rosario, donde el REGIA FASHION CREW – POP UP tuvo lugar el 15 de abril. El evento fue declarado Proyecto de interés por el Concejo Municipal de Rosario (Decreto n° 44.767, si quieren buscarlo), y quedó registrado en las fotos de Juan Fa, Cecilia Santoni y Bárbara Sandoz, y en el video que hizo Anoche Producciones. Repitiendo el formato de la primera edición, hubo cuatro bloques distintos, con exposiciones como la de TRAë, que exhibió muebles y objetos de diseño; la de Bike Connection con sus bicis y accesorios; y la estación de free nailart por Make My Day. FASHION, dice el título, y no es un

dato menor: una de las mayores atracciones fue la seguidilla de 11 desfiles de diseño de indumentaria, de los que participaron marcas rosarinas de diseño independiente como Lila Grace,Wanderlust, Hierro, Chica Indumentaria, Romulina, Pólvora, La Conga Blicoti, Mi ropa es tu ropa, Hombre galo y The It Dress. En la vorágine del backstage trabajaron sin parar 25 modelos de Portfolio Group, la gente de Make My Day en make up, y los peluqueros de Croma Peluquería. Blackmamba coronó el segmento con Belén Chavanne, chica

UP P PO ROSARIO

de tapa de nuestro número anterior de REGIA, presentando en vivo su nueva colección y musicalizando el desfile. Además de Belén Chavanne sonaron los beats de DJ Fer Mariño y hubo show acústico en vivo de Gonzalo Aloras, gran músico rosarino. Apoyando el evento y desde lo musical, estuviero presentes nuestros media partners, Sonorama Radio y Vorterix. A cargo de la bebida estuvo Grolsch, como siempre. El hogar de este REGIA FASHION CREW – POP UP fue el icónico Hotel Esplendor Savoy Rosario: un lugar increíble, diseñado y ambientado con vanguardia y modernidad que se ve y siente en todos sus rincones; un hotel de 1910, con techos altísimos y vistas privilegiadas; espacio ideal para transmitir a la ciudad de Rosario el espíritu y la identidad de REGIA. En REGIA nos gustan la moda, el diseño y la música, y también nos gusta dar buenas fiestas. El After Party del REGIA FASHION CREW se llenó de gente. El espectacular Basquiat Street Pub fue el lugar elegido para bailar al ritmo de DJ Fake en el warm up y DJ Fer Mariño después, quien nos acompañó todo el día. Llegamos a las 22, nos fuimos a las 4:30 de la mañana. En total, entre el REGIA FASHION CREW y el After RFC, nos cruzamos con 750 personas que nos piden que volvamos, todos, las 60 personas del staff. Y vamos a volver. Vamos a volver seguro..

REGIA MAG ARTE

n v o i var b t fotos Cortesía de Sammlung Hoffmann / Cortesía de Sammlung Boros

situación sentimental: en concubinato con mi colección de arte María Paula Fernández

En Berlin hay dos hogares muy especiales, dentro de dos singulares edificios restaurados. En ellos conviven personas con sus colecciones de arte, compuestas por obras sorprendentes de los más reconocidos artistas. La capital alemana ha experimentado un renacimiento en las últimas dos décadas, cual fénix de sus propias cenizas, gracias a una comunidad artística que no paró de demostrar que Berlín es un verdadero epicentro creativo, y a un extenso trabajo de obras públicas del gobierno y empresas decididas a invertir en cultura. Muchos podrán decir que la ciudad ha perdido la esencia que supo tener en los gloriosos tiempos del Berlín del Oeste, cuando Bowie creaba su icónica trilogía mientras convivía con Iggy Pop en el barrio de Schöneberg, y cuando la alianza del reinante Nick Cave con Blixa Bargeld generó una de las más intensas bandas de los 80, Nick Cave & The Bad Seeds. Pues bien, la realidad es que, mal que les pese, la transformación de Berlín en una urbe más organizada y restaurada responde a la evolución natural de cualquier ciudad. Hoy Berlín está plagada de museos, galerías de arte, centros culturales y más. Hay opciones para todos los gustos y en todas las disciplinas artísticas. Entre tanta variedad, dos singularísimos lugares que escapan al conocimiento del turista promedio son mejores que cualquier museo de brillantes curadores.

En la casa/ex-bunker de los Boros y en el hogar/ex-fábrica de los Hoffmann, las familias curan sus propias colecciones y unos pocos días cada semana abren las puertas al público, que arremete ávido por descubrir cómo se convive con Basquiat,Warhol, Ai Weiwei y Anish Kapoor.

una visita al bunker: sammlung boros Este espacio de arte privado captura a la perfección la verdadera escencia de la ciudad: el renacimiento. Parece un bunker contra ataques aereos, porque en efecto lo es. Construido en 1942 para proteger a varios cientos de ciudadanos de los ataques de la Segunda Guerra Mundial, el bunker fue invadido en 1945 por el Ejército Rojo; luego se convirtió en un depósito textil y más tarde fue utilizado para almacenar frutas y verduras. En los albores de los 90 se convirtió en un Fetish &Techno Club, que tuvo un gran impacto en la cultura electrónica y la vida nocturna de la ciudad –de hecho, algunos de los clubbers más veteranos todavía pueden contarte un par de historias del Bunker en sus años salvajes– y después albergó varias exposiciones de arte. Fue durante aquella época que este gran bloque de hormigón gris conquistó a Christian Boros. Ejecutivo publicitario (tiene una de las agencias más exitosas de Alemania), Boros es un ávido coleccionista que conoció a su mujer gracias a que ella es art dealer; juntos decidieron comprar el lugar en 2003. Siguieron cuatro años de refacciones que no fueron fáciles debido a que había que perforar el hormigón armado de alto impacto del bunker para generar espacios de exhibicion, tarea obviamente salomónica y costosísima por el obvio hecho de que los bunkers justamente

1. Bunker 2. Liubov Popova, "Kostüm", 1922 / Olga Chernysheva, "Trashman", 2010 / Varvara Stepanova, "Kostüme", 1923.

3. William Engelen, "Falten für Perkussion", 2013.

fueron concebidos como refugios casi indestructibles. Arriba del bunker se encuentra el penthouse de los Boros: un hogar increíble, decorado con gusto exquisito, en el que la pareja y su hijo chiquito viven el día a día. La Colección Boros (Sammlung Boros en alemán), abrió al público expectante en 2007 con su primera exhibición, simplemente llamada #1. Hoy en día ya se puede ver la exhibición #2, que expone obras de comienzos de los años 90 junto con adquisiciones recientes. Las piezas han sido instaladas personalmente por los artistas y preparadas para complementar los diferentes espacios dentro del bunker. Hay para todas las inclinaciones: instalaciones, pinturas, esculturas, y mucho más. Los artistas que exponen actualmente son Ai Weiwei, Awst & Walther, Dirk Bell, Cosima von Bonin, Marieta Chirulescu, Thea Djordjadze, Olafur Eliasson, Alicja Kwade, Klara Lidén, Florian Meisenberg, Roman Ondák, Stephen G. Rhodes, Thomas Ruff, Michael Sailstorfer, Tomás Saraceno (tucumano, creador de las Ciudades Aéreas), Thomas Scheibitz, Wolfgang Tillmans, Rirkrit Tiravanija, Danh Vo, Cerith Wyn Evans y Thomas Zipp.

Con todos estos grandes künstlers (artistas) bajo un mismo techo, la oferta es tan interesante que no se la puede dejar pasar. Para poder visitarla y apreciarla uno debe tener en cuenta las palabras de Christian Boros: “Esto no es un museo, ni una institución; es nuestra sala de hobbies”. La única manera de presenciar esta afición por demás costosa es reservar la visita con anticipación. ¡Hay una lista de espera de meses! La visita guiada, que puede hacerse en inglés o en alemán, es excelente y ampliamente explicativa. Sea cual fuera tu interés, sea la historia, el arte, la arquitectura, o si simplemente sos cholulo y querés ver dónde y cómo vive esta familia singular, la Colección Boros tiene que estar en los primeros lugares de tu lista. (Aviso: el penthouse no es visitable, así que no te ilusiones con tomarte un cafecito con la señora Boros; ¡concentrate en el arte!)

4. Fachada desde el jardín / Lawrence Weiner, "Milk and honey taken far far away", 1994.

Sammlung Boros Bunker, Reinhardtstr. 20 10117 Berlin-Mitte

5. Mike Kelley, "Figure/Ground (two parts)", 1990 / Albert Oehlen, "FN 29", 1990.

El arte coexistiendo con la vida cotidiana: sammlung hoffmann Erika Hoffmann y su difunto esposo Rolf comenzaron a coleccionar piezas de arte por interés personal. La primera pieza de su colección, hoy albergada por un edificio fabril reciclado en el barrio de Mitte, fue adquirida en 1968 para ser exhibida en la boutique de Erika, quien se encontraba profundamente influenciada por sus estudios en historia del arte y la escena de Düsseldorf. La Sra. Hoffmann fue alguna vez diseñadora de indumentaria, y nada más ni nada menos que Andy Warhol desfiló una vez por su pasarela.

estos nuevos habitantes de Berlin del Este como un símbolo del colonialismo capitalista; la comunidad artística internacional, en cambio, los recibió con los brazos abiertos. Con la muerte de Rolf, Erika Hoffmann se hizo cargo de llevar adelante la colección. Todos los años, en julio, reorganiza todo, poniendo nuevas obras en exposición, otras en depósito (sería ideal que los Boros o Erika Hoffmann abrieran al público esos depósitos también, a juzgar por el volumen de obras que tienen), y mueve algunas a cuartos diferentes; es que cuando uno camina por la colección pasa por varias habitaciones de la casa de Erika: el estudio de la hija, el ballroom, el recibidor, y uno de los mejores livings que se hayan visto –Erika hizo que algunas obras fueran directamente pintadas sobre las paredes.

En los años 80 la pareja comenzó a coleccionar conscientemente y de manera anónima. Luego de la caída del muro, los Hoffmann se mudaron a Berlín con el objetivo de contribuir positivamente a este nuevo comienzo para el país. En 1994 compraron el edificio y decidieron vivir y trabajar conviviendo con las obras expuestas en las paredes de su casa; la primera colección fue inaugurada en 1997.

Otro dato interesante: las obras no tienen carteles explicativos, y el tour guiado no da lecciones de arte sino que promueve discutir y compartir las diferentes sensaciones que uno tiene al mirar; ante una pregunta, sin embargo, la guía está capacitada y dispuesta por demás a responder. El objetivo de Erika Hoffmann es demostrar cómo se vive con el arte a diario.

En un principio hubo rechazo por parte de sus vecinos, quienes veían a

Luego de la visita, la Sra. Hoffmann te espera antes de que dejes los hauschuhe que te hacen poner (pantuflas alemanas

para andar por la casa y no arruinar el piso); te recibe, saluda y te convida un vaso de agua, antes de despedirte. Es una señora súper calida y cool que no tiene ningún problema en conocer tu opinión. Una experiencia completa. Sammlung Hoffmann incluye obras de artistas de varias generaciones y nacionalidades.Gracias a la influencia de Düsseldorf, la pareja primero estuvo inclinada hacia las ideas del grupo alemán ZERO (Günther Uecker, Heinz Mack, Otto Piene). Luego agregaron obras de los norteamericanos Frank Stella, Bruce Nauman, Mike Kelley, Fred Sandback. Cuando se mudaron a Berlín comenzaron a interesarse por el arte de Europa del Este y Asia, incorporando piezas de Olga Chernysheva, Fang Lijun, Katarzyna Kozyra y Hiroshi Sugimoto. Otros artistas que tienen su lugar en este hogar de Mitte son Jean-Michel Basquiat, Bill Beckley, Marcel Broodthaers, Felix Droese, Günher Förg, Isa Genzken, Nan Goldin, Felix Gonzalez-Torres, Nicola de Maria, François Morellet, Arnulf Rainer, Gerhard Richter, y Andy Warhol..

Sammlung Hoffmann Sophie-Gips-Höfe, Aufgang C Sophienstraße 21 10178 Berlin-Mitte sammlung-hoffmann.de

6. Boros

REGIA MAG NOTA DE TAPA

N U Y

G BE E

FOTOS DR. SEPIAN STYLING LOLI ZAZOU 32

POR JUAN ORTELLI

Antes era el primo gitano que el rap español prefería ocultar. Ahora es lo mejor de la música de España con su grupo Pxxr Gvng, un dios para los millennials criados en la calle y un ícono improbable de la moda europea. Trap, oro y la parábola exquisita de un pobre que soñó con ser rico. Yung Beef nunca se imaginó que esto le iba a pasar. "Y a la vez sí. No sé, es raro primo", dice. "La vida es como un sueño en verdad". Dos, tres años atrás como mucho, Yung Beef era un marginado del rap español, no calificaba, no estaba en los planes; era el gitanillo de los dientes medio podridos, despreciado por todo el mundo. Hoy es el creador de un nuevo idioma, la cara del spanish trap y lo mejor del Sónar y el Primavera Sound con su banda, Pxxr Gvng. Tirado en un sillón del nuevo estudio del grupo, en El Raval, Yung Beef se ríe. Tiene millones de likes, views y reproducciones en todas las redes sociales, y se lo considera un ícono de la música actual y también de la moda. Acaba de recordar la primera vez que a él y a sus compañeros los invitaron a un desfile, en el Fashion Week de Barcelona: "Fue muy gracioso. Cuando entramos todo el mundo estaba flipando, porque somos unos gitanos y no pegábamos allí y estábamos en el front row, donde están todos los famosos y toda la mierda", dice. "Fuimos, estuvimos ahí tonteando con las modelos… las cosas típicas, tú sabes”. No muy lejos del Raval, ahora él reina. Podés verlo en el video de la canción "Beef Boy", uno de los singles de su último mixtape,

A.D.R.O.M.I.C.F.M.S. 2, meciéndose sobre un airboard en la plaza seca del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona), rodeado de amigos. "Eso es real, ¡qué va, me la suda la música!/Pero yo hago una llamada y se agita la industria", rapea con total seguridad desde el centro de la escena. "Tu pa’ hacer ruido tienes que hablar de Yung Beef/Pero pa’ hacer billetes tienes que hablar con Yung Beef". En ese track, un beat que Southside de 808 Mafia –quien ha hecho instrumentales para Future y otros héroes del trap americano– le cedió, Yung Beef finalmente parece orgulloso de todos sus logros: "Ellos son historia/ Yo, histórico", dice. "Mi mama llorando al ver mi cara en el periódico". Nadie se lo imaginaba realmente, pero, a los 26 años, Yung Beef se ha quedado con todo. "Es una locura", dice esta tarde en el estudio. Últimamente le da por pensar en esto cada vez que apoya su cabeza en la almohada. "Yo cuando me acuesto por las noches me río", dice. "Me río de todo y digo: ‘Mira, mira qué a gusto estoy primo’". ××× La primera vez que nos vimos fue en noviembre de 2014. Chateamos por Facebook y quedamos en encontrarnos en la puerta del Razzmatazz, un antro clásico de Barcelona; eran las 11 de la mañana. Pxxr Gvng había montado su estudio en una oficina que su mánager de aquella época tenía en el Razzmataz, y subían temas gratis y videos a la web todas las semanas, a un ritmo frenético, dentro de un circuito –el del rap español– acostumbrado a que los discos y videos salieran cada muerte de obispo. Entre todos esos tracks que sacaban sin parar, juntos y como solistas, a comienzos de aquel año Yung Beef se había presentado al mundo como la versión definitiva de sí mismo con la “Intro” del primer volumen de A.D.R.O.M.I.C.F.M.S, un mixtape que había editado en la navidad de 2013. El video estaba colgado en YouTube desde mayo de 2014: fumando bajo un bucket hat negro, sentado frente a la cámara en un plano americano sencillo, con una campera de estampado tipo Versace de los 80 y una cadenita de oro colgando del cuello, Yung Beef parecía un gitano que se había escapado de Snatch. Ya en la primera línea tenía algo para contarle al mundo: “Me puso la tijera en el cuello/

Loco, no tengo ni tres eurillos…”, rimaba. “(…) Hermano, eso último ‘taba to’ malo/Ahora qué hacemos, ¿nos matamos?” Era la crónica de un mundo en ruinas a través de los ojos de un veinteañero del sur de Europa. “Cosas que han pasado que ya no hay marcha atrás, es por eso que estoy haciendo trap/Fumando en el parque con la 9 detrás, ¿qué polla habláis de trap si vivís con la mamá?”. En la expresividad de su voz y su acento podías ver los avisos de desahucio, sentir la desesperación de una vida destinada a trabajos de salario mínimo. “Llorando por dentro, fregando platos”, cantaba. “(…) Me dicen: ‘Pa’ ser una rata tiene buen vocabulario’”. “Yo cuando me acuesto por las noches me río”, dice. “Me río de todo y digo: ‘Mira, mira qué a gusto estoy primo’" Ese día le pregunté por la campera del video. “La semana pasada se la vendí a un chorrillo por 50 euros”, dijo. En el Razzmatazz también estaban D. Gómez y Khaled, los otros cantantes de Pxxr Gvng, todos nacidos en 1990; faltaba Steve Lean, el beatmaker del grupo, un uruguayo que había festejado sus 18 la noche anterior y al que le decían “el niño prodigio”. Habían empezado a firmar con el nombre de Pxxr Gvng (la caligrafía trap para escribir “Poor Gang”) a finales de 2013, después de que Yung Beef, quien venía de Kefta Boyz, viera un show de D. Gómez tocando con Corredores del Bloque en el Razzmatazz, en abril de ese año. “Estamos deseando salir”, dijo Yung Beef durante la entrevista “Yo he vuelto por la música… Si no yo no estaría en España”. Entonces contó cómo había sido su llegada a Barcelona. “Soy de Granada, pero estaba en Marsella y me fui a Londres”, dijo. “Estaba trabajando en cocinas de restaurantes y me volví, vine a Barcelona y este chaval estaba dando un concierto”. Señaló a D. Gómez. “Yo había venido con unos colegas, y vimos el show, nos conocimos, y después salimos por ahí. Y dije: ‘Me voy a venir a Barna’. Ya estaba hasta la polla de fregar.” El año que había iniciado con shows de 200 euros estaba terminando con mánager y estudio donde grabar. “Nosotros nos hemos visto enmallado, buscando todos los

días pa’ comer, y cuando teníamos un ratito grabábamos”, decía D. Gómez. “Ahora tenemos un sitio para grabar, y para comer tenemos, ¿me entiendes?”. Por momentos daba la sensación de que hablaban otro idioma, usando una jerga con palabras como “flush” (dinero), “flex” (presumir) o “ratchet” (groupie), el slang castellanizado del trap, un género creado en los suburbios del sur de Estados Unidos, cada vez más popular desde 2010, que con kick drums e instrumentales oscuras de melodías tristes se convirtió en la música de fiesta de una generación de millennials criados en la calle y en los puntos de venta de drogas. Los Pxxr Gvng se juntaban todos los días en la plaza del MACBA. “Vamos ahí a fumar unos porrillos”, decían. “Ahora somos chicos del Centro”. Después de un show en septiembre en el BAM, dentro de las Fiestas de la Mercè, Sony había empezado a coquetear con ellos, y estaban a punto de confirmarlos en el cartel del Sónar 2015 sin que tuvieran un disco editado todavía. Su manáger, quien intervenía bastante durante la entrevista, decía: “Representan una forma distinta de hacer las cosas. Los raperos de España no llaman la atención del Sónar”. Ya habían intentado formar parte de la escena rap, pero no había estado bien para ninguna de las partes. Le habían dado unos cachetazos a N-Wise de MDE Click, el grupo de gangsta-rap español más hypeado de ese momento, y decían que H Roto, Pimp Flaco y otros que, junto a ellos, estaban dándole forma a lo que se convertiría en el movimiento “spanish trap”, bueno… que no eran trap. “Es que esos no son gangsters, primo. Trap Montana, ese chaval si es gangster”, explicaban ellos esa mañana. “[El grupo de rumba flamenca] Los Chichos son trap. Ese es el trap de España”. En un momento de la entrevista Yung Beef, quien con el tiempo patentaría su singular uso del auto-tune, un efecto de voz muy usado en el género (“Yo no uso el auto-tune para arreglar la voz, lo uso para deformarla”, decía), empezó a mostrarme en YouTube películas del Pirri, una estrella adolescente de los 80 que interpretaba personajes marginales del cine español y murió de sobredosis a los 23. Esas eran sus influencias: se sentían más cerca del Pirri,

Los Chichos o Los Chunguitos que de Violadores del Verso o cualquier grupo del rap español. “La crisis es lo mejor que le ha pasado a la música de España”, decía Yung Beef, que lo estaba viendo con sus propios ojos: los grupos y artistas clásicos del rap español no tenían canciones nuevas para mostrar y ya no llenaban “ni la mitad”; además, internet había equiparado las cosas. “Ahora, como es la vida, las cosas han cambiado”, decía. “Internet ha cambiado todo, da igual quién seas: importa lo que hagas”. Eran hijos de gitanos que escuchaban rock, Pata Negra y Jimi Hendrix, y la idea que tenían sobre hacer música era muy diferente, revolucionaria en este contexto de rap clásico español: “Nosotros no hacemos shows”, decían, “hacemos fiestas en las que cantamos”. Antes de irnos a almorzar pusieron un track, “L.M.D.A.”, una canción nueva que semanas más tarde iba a dar origen a una de las varias bandas paralelas del Pxxr Gvng, el grupo de “reggaetón-indie” La Mafia del Amor. “Es porno sexy”, dijo D. Gómez. “Nosotros somos de la gente que menos prejuicios tiene. Ya no sobre la música, sobre todo. Te lo puedo asegurar.” “Desde hace un mes les pasan cosas mejores, la lirica está más rosa. No tan negra”, apuntó el manager. Acababan de llegarles sus primeras remeras, todas blancas, con el nombre de la banda y el logo: dos manos recibiendo unas monedas que caen de arriba. El primer merchandising de la historia del grupo formaba una montaña sobre una mesa. “Hace unos días fuimos a un restaurante a celebrar”, continuó el mánager con tono dramático, “y nunca habían ido a un lugar así”. Ellos se miraron y se le rieron en la cara: “Sí habíamos ido… ¡A trabajar!”. En ese momento estaba claro que la “Intro” de Yung Beef había sido un antes y un después de algo, aunque todavía no pudieran ver bien de qué. En medio del track Yung Beef suelta un quejido flamenco, y en el video titila la luna creciente y la estrella: un detalle de su orgullo de clase que definió a la canción y también a él para siempre. “Ese quejido Steve lo quitó”, contó ese día Yung Beef. “Y yo le dije: “Hermano, eso no lo borres”.

“Es súper rápido”, dice Steve Lean. “Tarda a lo mejor 15 minutos en hacerse una letra, mientras otros tardan meses. Tiene un talento que es indudable” “Ese tema le gusta a todo el mundo”, lo interrumpió D. Gómez. Estaba claro que la canción de su compañero tenía algo que le daba un alcance distinto. “Ese tema lo escucha mi padre y le gusta”. Yung Beef se quedó pensando un poco, y recordó que la letra estaba basada en hechos reales: cuando era chico lo habían querido atacar con una tijera. Seguimos hablando de otros temas, mientras juntábamos nuestras cosas para irnos a comer, pero en un momento volví sobre lo mismo y dijo: “Te lo juro, en verdad yo no sé por qué ese tema se ha pegado tanto, porque hay temas que yo me he currado de verdad y no se han pegado nada”. ××× Casi dos años después, Yung Beef no puede precisar el momento en que su grupo y él se volvieron conocidos; “se pegaron”, como dicen en España. “Ni siquiera ahora puedo decir que estamos pegados”, dice. “Puedo decir que puedo vivir de esto, pero no sé…”. Algo que podría servir como indicador es cómo pasó de ser el marginado del rap español a ser su artista fetiche, con los valencianos Cookin’ Soul –los beatmakers más hot de esa escena– haciendo beats para él. Ya han sacado tres singles tenaces de lo que será un mixtape que anuncian como Los papasitos. “Ellos quieren fama yo quiero ser rico/Ellos quieren ser pobres yo quiero ser rico”, insiste en el último adelanto, “Cocinando filete”, por las playas de Valencia con un cadenón de oro colgando del cuello. “Yo soy ejemplo de que se puede: del barrio a millonario como Carlitos Tévez”, canta mientras lo enfocan con un drone y se pide una paella para él y una amiga. “Comprando Prada en Marsella, hoteles cinco estrellas”, enumera. “Putas, paella… Cabrones, mi vida es bella”. Hace dos años, difícilmente los Cookin’ Soul iban a proponerle una colaboración. Cuando se lo hago notar, dice: “Es que estamos adelantados para nuestro tiempo, primo”. La historia de Yung Beef empieza con los Kefta Boyz. “Kefta Boyz éramos

amigos”, dice él ahora. “No era música ni nada, la música vino mucho después.” Los Kefta eran menores de Granada que paraban por Calle Elvira y La Alpujarra, una montaña de la zona donde se cocina MDMA al estilo Breaking Bad. “Hay una locura grande ahí”, sigue. Él y sus amigos conocían a los holandeses y los americanos que tenían sus laboratorios en la montaña, y conseguían todo muy, muy, muy barato. “Muy cheap”, dice. Tomaban MDMA, claro, pero consumirlo no les gustaba tanto como hacer dinero vendiéndolo. “Estábamos enganchadicos a eso. El business nos gustaba a todos. Era lo normal pa’ nosotros. Eramos a lo mejor como 20 chavales y era nuestra vida; nos juntábamos todos los días pa’ eso. Pa’ ver qué hacíamos, primo”. Había aprendido todo sobre ese mundo cuanto todavía era un borrego. “Mismo mi familia vendía”, recuerda. Sus padres se separaron cuando tenía un año y él se crió con su madre y el novio de su madre, el Fale, quien fue el primero en hacerle escuchar discos de rap: Eddie D, Vico C, Kid Frost... “Él es un máquina, yo lo quiero como a mi padre”, dice. El Fale vendía hachís y ahora está preso en Marruecos. A los 14 se encontraba “mate-

rial tirado, porque Granada está pegado a Marruecos”; a los 16 ya tenía punto y vendía con los Kefta en El Albaicín, su barrio. “Y apenas hemos tenido pasaporte hemos empezado a movernos ya más duro”, dice. “Con 18 fue la primera vez que viajamos a Marruecos”. Los Kefta empezaron a traficar cada vez más cantidades de lo que fuera, de África a Europa. En esa época, como una organización, trabajaron en Italia, Londres y Francia. “Es que hemos hecho de todo, primo, era ese mundo en verdad”, dice. “Maleanteo sureuropeo. Camorra”. Cuando le pregunto qué pasó con los Kefta Boyz entonces, me dice sin dar vueltas: “Kefta Boyz eran delincuentes todos. La mitad ya se han quedado locos, la otra mitad ricos, la otra mitad presos… [Ríe]. Un show, los Kefta Boyz eran un show”. Fue en ese mundo donde Yung Beef empezó a hacer música. Se llama Fernando Gálvez Gómez, pero sus amigos le decían Seco o Seco Boy; todo su grupo escuchaba el trap americano que empezaba a surgir, pero lo que más escuchaban era el trap del barrio: “Reggaetón, salsita, flamenco”, dice. En esa época comenzó a firmar como Seco los temas que grababa en la casa de otro Kefta, el Largo: Eseig Saint Lauren.

Khaled, quien lo conoce desde que eran niños y también estaba en Kefta Boyz, recuerda la impresión que le causó escuchar rapear a su amigo por primera vez: “La primera vez que lo escuché lo que noté ahí fue quejío, sufrimiento, ¿sabes lo que te digo? Verdad”, dice. “Porque era la verdad. Yo escuchaba eso y me sentía identificado, porque hablaba de lo que estábamos viviendo en ese momento”. Hay un track de 2012 donde Yung Beef, por entonces todavía el Seco, rapea sobre un beat de Southside que se había bajado de internet. El tema está en YouTube como “KEFTV VXYZ RIP SECX 1990-1999” y tiene un video casero que registra un viaje con otros Kefta a El Rif, otra montaña en Marruecos donde se hace el hachís que ellos traficaban. Es como un documental de lo que era su vida en ese momento, cruzando fronteras en autos, cada uno con una cantidad encima. En un momento sus amigos hacen trompos a toda velocidad alrededor suyo en un baldío mientras la canción dice: “Esto que grabamos se paga vendiendo gramos”. Con ese track cristalizó aquella época, y después mató a Seco y lo enterró. Era el track del que me estaba hablando la primera vez que nos vimos.

“Ese tema, por ejemplo, a mí me gustaba más que la ‘Intro’", dice ahora sobre el tema con el que empieza A.D.R.O.M.I.D.F.M.S., sigla de "All Diz Ratchets On Me I Can't Feel My Soul". “Lo que me gusta es que el beat es de Southside y yo lo usé antes de siquiera imaginarme que iba a conocer a esos negros, que íbamos a trabajar juntos, que íbamos a estar en esto. Era rollo lo que nos gustaba de verdad. Ahora hasta Drake está así, ¿sabes primo?”. ××× Steve Lean vio el video de “RIP SECX” y otro más, donde el futuro Yung Beef rapeaba arriba de un remix de Waka Flocka Flame con French Montana, algo demasiado underground para España en 2012, y se sintió convocado. “Nosotros empezamos a hablar porque él hacia música y yo también, él necesitaba bases y yo necesitaba dinero”, dice Steve. “Al principio todo podría haber quedado en un simple cliente que quería un beat, pero escuche su música y me sentí tan identificado con todo lo que hacía que automáticamente tuve ganas de currar con él sin importar el dinero”. “Me gusta todo lo que significa una prenda. Muchas tienen historias y me interesan. Hay muchas maneras de ver la ropa, en verdad. Lo puedes ver como un trapito, lo puedes ver como algo más también… Como todo, como la música” A Yung Beef también le habían llamado la atención los beats de este uruguayo de 16 años que vivía en Barcelona y hacía esas instrumentales lentas y tensas. “En el tiempo en que él se fijó en mí y mi estilo, ninguna otra persona lo hizo”, sigue Steve. “Eran beats que si te ponés a escuchar lo último de Drake y Future suena exactamente igual”. Todavía estaba en Londres cuando empezaron a chatear. Se las había arreglado para seguir subiendo tracks y mixtapes mientras lavaba platos en Londres, donde dice que aprendió de cocina; había estado en París y Marsella “viendo mundo”, y después de presenciar un show de D. Gómez en Barcelona había decidido que se iba para allá. En ese momento, el padre de Steve estaba preso por narco-

tráfico (sigue preso); su casa no era un sitio muy estable para un adolescente. “Desde el primer día en que nos vimos nos pusimos a trabajar”, recuerda. Mientras se preparaba el terreno para que surgiera Pxxr Gvng, todo estaba pasando al mismo tiempo. Con una laptop prestada que tenía Frooty Loops y una tarjeta de memoria empezaron a grabar lo que se convertiría en A.D.R.O.M.I.C.F.M.S. “Yo no tenía ni idea de grabar, no tenía idea de nada. Solamente de producir”, dice Steve. “Ese mixtape salió con mucho arte, mucho sentimiento, porque nos sentíamos así. Representaba lo que estábamos pasando y cómo era nuestra vida, currando día y noche con la música”. Durante esas sesiones, mientras grababan la “Intro”, Steve sacó un quejido gitano que había metido Yung Beef pero que a él le parecía que rompía el clima del track. “No me gustaba cómo quedaba”, dice. “Y como él es muy cabezón lo volví a poner”. Steve, que ha grabado y producido la inmensa mayoría de tracks de Pxxr Gvng, es la persona que más ha trabajado con Yung Beef, el que más lo conoce en un estudio. “Es un tío al que le salen las movidas a la primera, esa es su característica, lo que lo diferencia del resto”, dice. “Le sale natural porque él es tal como habla en los temas”.

××× Mientras Pxxr Gvng grababa su disco debut, Los pobres, conocieron a su mánager Waka Flocka Flame: habían convencido a su manager de esa época de que lo trajera a Barcelona, y el artista americano llegó

Esa canción empieza con el nombre de dos diseñadores: “Maison Margiela, Roberto Piqueras…” Con una ski-mask de colores diseñada por Piqueras que le tapa la cara, Yung Beef flota sobre su airboard de luces resplandecientes y rima esos nombres con este eslógan: “Soy de favela, ahora juego en primera”. Tiene un interés genuino por los diseñadores y la ropa de diseño. “Pues tú sabes cómo es el barrio hermano, a nosotros nos gusta frontiar”, dice. “Nosotros tenemos relación con mucha gente de la moda porque en verdad tiene mucho que ver. Es otro arte”. Desde siempre, le gusta saber las historias detrás de las prendas. “Me gusta todo lo que significa una prenda. Muchas tienen historias y me interesan. Hay muchas maneras de ver la ropa, en verdad. Lo puedes ver como un trapito, lo puedes ver como algo más también… Como todo, como la música”. Desde Londres, el talentoso Piqueras, quien vistió a Kanye West en 2008 y dirigió un clip de Pxxr Gvng (“Mojo Jojo”), escribe sobre su amigo YungBeef: “Es un artista, y a todo lo que toca le da una identidad muy personal pero a la vez muy accesible para una gran cantidad de gente”. Piqueras, que se hizo conocido por crear líneas masculinas y femeninas sin sexualizar las prendas, no tiene duda de por qué Yung Beef llamó la atención del mundo de la moda. “Él es auténtico y en el mundo de la moda hay mucho lameculos”, dice. “Aporta realidad y cultura honesta”. ××× En la tapa de A.D.R.O.M.I.C.F.M.S. 2 Yung Beef está clavado en la cruz del cuadro “La crucifixión”, de Pedro Orrente. Cuando salió este nuevo mixtape, a fines de 2015, le escribí para preguntarle cómo se le había ocurrido esa idea para la tapa. Me respondió: “Porque me estoy sacrificando por todos, como 2Pac”.

N U Y

G BE E

En una sesión, Steve dice que Yung Beef no tarda nada en escribir una letra. “Es súper rápido”, dice. “Tarda a lo mejor 15 minutos en hacerse una letra, mientras otros tardan meses. Tiene un talento que es indudable”. Según Steve, Yung Beef también se mete en los beats, aportando ideas y conceptos, “y pone de su parte”. “Muchas veces yo insisto con alguna cosa y él me lleva la contraria, pero en el 97 por ciento de las veces lleva razón en lo que discutimos”, reconoce, “así que ya de por si le hago caso [se ríe]. No tiene un pelo de tonto, Fernando”.

con Southside, el CEO de 808 Mafia, quien durante esos días trabajó en unos pendientes para Future (terminó “Fuck Up Some Commas” en el estudio de Pxxr Gvng) y se sumó a la grabación de Los pobres de manera espontánea. Tiempo después de ese encuentro, Steve y Yung Beef usaron un beat con Metro Booming que Southside les había dado en esas sesiones y surgió “Beef Boy”.

Ahora Pxxr Gvng es el grupo más

importante de la música de España, desde la primera vez que nos vimos a Yung Beef le han pasado muchas cosas. Demasiadas. “Casi me quedo loco, primo. Demasiadas cosas juntas”, dice esta tarde en el estudio. “Mucho tiempo aburrido y de repente en un año muchas cosas. Pero bien, de momento la estamos llevando. Todavía no me he quedado loco, no me han ingresado”. El disco de Pxxr Gvng y A.D.R.O.M.I.C.F.M.S. 2 hicieron un ruido internacional; trabajó con Southside; comenzaron a llamarlo de todas las marcas, de todos los festivales, de muchos países (el año pasado fueron a México y ahora están cerrando conciertos para sus primeros shows en Argentina y Chile), y en el medio de todo eso tuvo a su primer hijo, Romeo, con la Zowie, una chica que conoce de Granada, quien también estaba en Kefta Boys y con quien sale desde hace diez años. La Zowie es una it girl al estilo Pxxr Gvng: tiene su propia carrera musical (buscá“Baby Come N’ Get it”) y cuando estaba embarazada aparecieron juntos – ella vestida de novia– en la tapa de la revista Número. Esta tarde en el estudio también está Khaled, que dice que escuchar a su amigo grabar fue lo que realmente lo impulsó a hacer música: el ejemplo de que se podía. “Lo que me causaba a mí al final era motivación”, dice. “Para mí, Fernando es lo mejor que hay ahora mismo en España. Y alrededores también”. Cuando habla, Yung Beef –que dice todo lo que siente en sus canciones– esquiva frecuentemente los detalles agregando un “tú sabes”, una muletilla para cuando las palabras sobran. Por ejemplo, cuando le pregunto sobre su método para componer: “Pues en mi casa me voy a mi cuarto, escucho beats, me coloco con lo que tenga y escribo. Tú sabes…”. Sobre tener un hijo: “Muy bonito hermano, lo mejor que me ha pasao, primo. Tú sabes…”. Sobre la monogamia: “Somos trap niggas, hermano, es otra movie Todas nuestras letras son de verdad, hermano, sabemos llevarlo. Tú sabes…”. Sobre la ropa: “Nos gusta la ropa y sobre todo conseguirla barato,

tú sabes…”. Y la moda: “La moda en verdad no existe, existen los gustos. Tú sabes…”. Sobre el trap español que está de moda: “Si, ahora tol’ mundo ta’ trappin. A mí me gusta que esto esté pasando, pero te juro que algunos se pasan de oportunistas. Tú sabes…”. El fin de semana tocaron en el Primavera Sound junto a Los Chichos, sus ídolos, y ahora están en el estudio trabajando en dos EPs. Hay seis canciones nuevas de Pxxr Gvng que saldrán en algún momento; “seis temones”, dice él, “sólo trap shit. También 808 Mafia, Steve Lean, cosas duras”. Y otros seis tracks de La Mafia del Amor que van a subir a YouTube ahora, apenas terminen. Ahí Yung Beef usa su alias reggaetonero: Fernandito Kit Kat. En 2015, él y los demás Pxxr Gvng crearon unas fiestas de reggaetón y música urbana que se llaman Perreo 69, que se llenaron desde el comienzo. " (...) yo soy el puppet master, yo soy el titiritero hermano. Trabajan para mí todos”. Ese fue el momento en el que claramente empezó a irles mejor y se notó en un detalle importante: la ropa. Con desprejuicio extremo, Yung Beef le dio la vuelta entera al rap y algo en el universo parece haberse compuesto para él. “Ves, yo ahora estoy sacando rap y lo entiende mejor la gente”, dice. Se ríe de la estela de imitadores que está dejando con su música tanto en el trap como en el rap. “Me rio y funny”, sigue. “A mí eso me viene bien, hermano. Eso existe en América, eso existe en todos lados. Pero yo soy el puppet master, yo soy el titiritero hermano. Trabajan para mí todos”. En un momento vuelvo sobre el tema del rap español, y me dice: “A mí no me gusta hacer rap, hermano, me cansa, me sueno antiguo ahí, sabes, no me llena. Pero lo hago pa’ reírme, porque me río”. Cuando insisto sobre cómo lo marginaban antes y cómo ahora todo es distinto, se mete más profundo: “A ver, yo me he sentido despreciado en trabajos,

me he sentido despreciado en la calle, me he sentido despreciado siempre… Pero la cultura del hip-hop me come la polla, no era algo que me importara. Claro que me marginaban, por así decirlo. Está claro porque no era algo que fuera para ellos. Yo represento todo lo que ellos odian, ¿me entiendes? Por lo menos en España, para los raperos de España. Pero a mí me la come eso, yo tengo problemas de verdad. Para mí la música no es un problema, para mí la música es algo bueno, ¿me entiendes? No es un problema”. Su problema de verdad era un juicio por una macroestafa del que acaba de quedar sobreseído: formaba parte de una red de falsificación y estafa. El video está en YouTube, un canal de noticias de Granada filmó la sesión, y aunque no lo reconocieron los del noticiero, sí lo hizo la cuenta Kebab Amigo. “Son unos palomos, yo ya sabía que me estaban filmando, pero no podía liarla allí porque estábamos en el juicio”, dice. “Estuve a punto de liarla, pero es que… tú sabes”. Ahora Yung Beef quiere vivir de la música. “Eso de ganar sin trabajar no existe, sabes”, sigue. “Yo cada día me levanto y vengo al estudio y trabajo. Me acuesto a las seis de la mañana escribiendo, tengo que trabajar. Esto es un trabajo más, y encima es un trabajo que por mucho que trabajes como no tengas cosas que contar o inspiración o algo, tampoco sirve”. Este estudio también es la factoría de La Vendición, un sello que parece ser la nueva pasión de Yung Beef. “La Vendición la hemos hecho pa’ poder dejar grabar a gente de la calle que hace música sin que la roben, para que gane su propio dinero. Abrir un mercado de verdad, hermano. Sin label, sin Sony, sin maricones, ladrones; que es que son estafadores, hermano”, dice. “Te lo digo y ponlo aquí grande: QUE SON ESTAFADORES. Hacen la estafa de la estampica a chavales, a chavales que son humildes y sin medios, ¿me entiendes?”. Ha empezado a manejar a Los Sugus, cuatro menores del MACBA que quieren ser como Pxxr Gvng (tienen 16 y llaman a Yung Beef y a los demás “los mayores”). Ya están grabando su disco, Noisey les hizo un documental y tocaron en Colombia. “Yo sé que todo tiene un

final”, dice Yung Beef. “Por eso hago mi sello y cosas con gente más joven. Yo no quiero vivir toda la vida así ni dar pena. Hay un momento en el que se me quitarán las ganas o no tendré tanta energía y hay que asumirlo. Pero me gustaría trabajar en la música siempre, aunque yo no sea el cantante”.

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××× “Esta difícil ser real, pero debería ser muy fácil en realidad”, canta Yung Beef en un pasaje de “Ready pa’ morir”, la canción de A.D.R.O.M.I.C.F.M.S. 2 que más se parece a la “Intro” del volumen anterior. El video está en YouTube con otro título, “27”, la edad de Kurt Cobain, Jim Morrison y otras estrellas de rock que murieron jóvenes. En este video, Yung Beef camina a través de los cimientos de un edificio en ruinas mientras canta “me estoy cayendo pa’ rriba, mami dame la bendición, que aunque no consiga nada tuve mucha ambición”.

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En cámara lenta, como si estuviera adentro de uno de sus sueños, Yung Beef avanza mientras la letra dice cosas como “cuando nos muramos se verá quién ha ganado, quién estaba en la right y quién estaba equivocado”. Al final del video, se encuentra con el Seco, su yo del pasado, que apunta con el dedo a la cara de Yung Beef y gatilla. “Yo no le temía a nada, y ahora le temo a perderlo todo”, se escucha, y lo último que vemos es que Yung Beef cae de rodillas. Esa no fue su idea, “fue de los que hicieron el video”, dice. Como sea, no es casual que haya aceptado hacerlo. Sabe que cada noche, cuando se va a dormir y apoya la cabeza en la almohada, primero se sonríe, piensa cuan gusto está ahora, pero al final siempre lo asalta otra idea que no lo deja dormir. “Me da miedo”, dice. “Me da miedo de cuando vengan a cobrarme".

×××

REGIA MAG FFYR 10 AÑOS

Fight For Your Right (FFYR, para entendidos) cumple una década, y su fundador Ezequiel Churba la celebra trabajando, como lo hace la gente creativa y talentosa. Marca insignia de gorras de diseño en el país, FFYR apuesta desde hace tiempo a los nuevos accesorios, a las nuevas paletas de colores, y a cambiar de rumbo constantemente para explorar territorios sin perder la identidad de la que tantos seguidores buscan ser parte. REGIA estuvo festejando y hablando con Ezequiel sobre el camino recorrido y las cosas por venir.

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Ph: Guido Adler

¿Por qué decidiste llamar a la marca Fight For Your Right?

¿Qué cosas te inspiran para armar las colecciones?

Me parecía genial que además de crear tendencia pudiésemos entregar un mensaje. “Luchá por tu derecho” es una invitación a reflexionar sobre cómo queremos vivir y a ser consecuentes con esos ideales.

El arte, la música, el cine, los viajes... si estás atento al universo, todo es una inspiración.

Contanos un poco sobre los orígenes de la marca.

Difícil, aunque la industria textil siempre es complicada. Las nuevas generaciones tienen la suerte de contar con nuevos métodos de producción como las impresoras 3D y nuevas plataformas de venta como Instragram; deben estar muy atentos a todas las innovaciones, porque las formas tradicionales son inviables para un emprendedor.

El primer local de Fight lo abrimos en la calle Thames. Se llamaba Casa Fight, y era un punto de encuentro de muchos diseñadores, músicos y creativos de Palermo. Siempre pasaba algo; fueron cinco años de súper acción, periodo al final del cual decidimos dar el salto y abrir locales en varios centros comerciales. La despedida de la casa estuvo a cargo de REGIA y fue una fiesta épica; recuerdo que en un momento me alejé y miré la casa desde enfrente, pensando en todo lo que habíamos vivido y crecido en esa casa; los amigos de REGIA nos ayudaron a dar un final feliz a esa hermosa etapa.

¿Cómo perfila la industria textil para este año?

¿Cómo ves a FFYR en 10 años? Con muchos más países habiéndose sumado al Fight Army. Estoy seguro de que esta hermosa aventura va a seguir creciendo.

REGIA MAG FEAT.

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M M c ica Lu el ca a s 42

s.co m

Feat.

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bio

Al describir su infancia, McLucas nos cuenta que creció "literalmente en las nubes”, viajando entre Los Ángeles, donde nació ella, y Buenos Aires, donde nació su madre. Nunca echó raíces fuertes en ninguna de las dos ciudades, pero ambas han dejado una influencia muy marcada y un significado grandioso y extremadamente visible en de su fotografía y estética personal. Siendo dos ciudades situadas en extremos opuestos, todos los viajes, las idas y vueltas, los numerosos atardeceres en el cielo lograron romantizar los recuerdos de su infancia; efectiPor: Ash Moros

vamente, se crió en las nubes. Esta crianza le generó insaciables ganas de encontrarse dentro del mundo, porque se da cuenta de lo grande que es. Al no haber formado lazos en Estados Unidos, cuando Micaela decidió ser artista se fue a París por dos años, y luego a Londres, donde vive ahora. Por medio de su trabajo Micaela ha podido entender que el mundo es enteramente lo que uno percibe de él y nada mas. Su trabajo explora y explota su percepción del universo y de ella misma, por lo que busca crear imágenes fantasiosas que generen drama visual y den cuenta de una perspectiva subjetiva de la realidad objetiva y cotidiana. Su estética realmente se ha convertido en su mundo propio, mundo de fantasía en el cual ella es un hada.

Lo v 20 ele 16 ss

Micaela McLucas nos hace recordar a Campanita, el mejor personaje de Peter Pan, la que recorre los cielos volando alto, titilando, chispas y brillos amarillos como su cabello dorado.

el m undo es lo qu e un o perc ibe d e él y na da m ás 45

REGIA MAG ENTREVISTA/MÚSICA

por EstefanĂa KrĂśl

fotos Milena Lebenglik

En un momento de esta entrevista el propio vocalista y guitarrista de Delta Venus, Diego Barreiro, dice lo siguiente: “Delta Venus es una de las mejores bandas que existen en la actualidad o la peor basura”. El grupo caracterizado por su pop/rock especial con tintes psicodélicos estrenó en mayo “El prócer”, corte que se desprende de su segundo disco de estudio –del que aún desconocemos nombre y fecha de lanzamiento. Cuenta con la producción de Will Berman, batero de MGMT, quien ya trabajó en el primer álbum y no solo como productor sino también como encargado de grabar algunas baterías y otros instrumentos. En lo que va de su carrera -no más de tres años- Delta Venus se ha codeado con reconocidas figuras a nivel mundial, de la talla de Yoko Ono y Sean Lennon, con quien tocaron el tema "Bajan" (Luis Alberto Spinetta) usando el mítico Rhodes blanco que John Lennon solía usar con The Beatles. Sin duda les gusta recorrer sitios icónicos, y también son un poco cholulos. Compartieron escenario tanto con la banda liderada por Andre Vanwyngarden en Chile y Perú como conTame Impala e Imagine Dragons en Argentina y The Drums en Perú, entre otros. ¿Dónde escucharlos? Pueden buscarlos en Bandcamp o simplemente agregarlos a su lista de Spotify. Integrantes de Delta Venus: Diego Barreiro (vocales y guitarra), Vladimir Favrot (guitarra), Stefano Mascardi (teclados y coros), Menech Marino (batería) y Tomás Goycochea (bajo). EK Estrenaron un nuevo single llamado “El prócer”. ¿Con qué prócer (a nivel mundial) podrían comparar a Delta Venus? DV Con ninguno. No podemos tomarnos demasiado en serio, como tampoco al personaje de nuestra canción que viene a representar lo que quedó del rock nacional: sabiduría berreta y zapatillas de lona.

“NOS SENTIMOS MUY AGRADECIDOS Y AFORTUNADOS DE METER UNA CANCIÓN EN EL DÍA DE ALGUIEN, Y DE QUE HAYA PIBES QUE SUBEN VÍDEOS TOCANDO EL TEMA CON SU GUITARRA. NOS GUSTARÍA TOCAR PARA TODAS ESAS PERSONAS EN VIVO.” EK “El prócer” es un adelanto del nuevo disco. ¿Ya hay título y fecha de lanzamiento? DV Tiene nombre y es sobre el viaje interno/externo que dio lugar al disco. Preferimos que se enteren cuando ya puedan escuchar las canciones. No sabemos cuándo ni cómo va a salir el nuevo disco, pero seguramente pronto y en todos los formatos. EK ¿Qué es "Stefanolandia"? DV Es la parte de la casa de Stefano que alberga los 120 tomos de la Enciclopedia Británica y a nosotros y a todos nuestros artefactos musicales. EK Allí grabaron el álbum, que cuenta con la producción de Will Berman; ¿vino al país o trabajaron a distancia? DV Para el primer disco vino al país y lo grabamos a la vieja usanza, en una semana y en distintas locaciones, incluyendo el estudio Unísono, de Cerati, donde metimos las baterías. El nuevo single lo grabamos enteramente en Stefanolandia y lo mezclamos y produjimos junto a Will a la distancia, a través de 40 e-mails. Luego Will se juntó con Greg Calbi en Sterling Sound a masterizarlo. Un tipo que hizo discos de Dylan, Lennon, Bowie,The Ramones yTame Impala. EK ¿Cómo fue la experiencia? DV ¡Genial! De mucho aprendizaje.

EK ¿Cómo recibió su público el single?

EK ¿Cómo conocieron a Will y por qué creen que se interesó en Delta Venus?

DV El tema lo escribimos en 2010 con mi hermano Damián, y en el momento de la grabación del primer disco decidimos no incluirlo porque no tenía que ver conceptualmente con lo que estábamos haciendo. Igual lo veníamos tocando en los shows y la gente siempre nos reclamaba que no se podía escuchar en ningún lado. Así que podemos decir que lo estaban esperando. La canción fue mutando y evolucionando en todo este tiempo, y sin duda esta es su mejor versión.

DV Lo conocimos a través de una amiga en común que terminó siendo nuestra manager. Cuando vinieron los MGMT a tocar la primera vez Mariel los llevó a la disquería Exiles en busca de vinilos y se llevaron de Soda Stereo, de Charly y de Spinetta. Entonces Will se copó con el rock local y particularmente con el disco Artaud. Más adelante Mariel le mandó los demos de dos o tres temas de Delta Venus; le gustaron y se entusiasmó con la idea de venir a Buenos Aires a grabar.

EK ¿Qué sienten cuando abren Spotify y ven que sus canciones cada día tienen más reproducciones?

EK Tocaron junto a MGMT y The Drums. ¿Algún highlight del show?

DV Muy agradecidos y afortunados de meter una canción en el día de alguien, y de que haya pibes que suben vídeos tocando el tema con su guitarra. Nos gustaría tocar para todas esas personas en vivo.

DV Cuando fuimos a mezclar el primer disco a Nueva York,Will en su auto tenía el disco de Pescado Rabioso en repeat. Una madrugada terminamos zapando "Bajan" con Sean Lennon en su sala de ensayo, con

“NO NOS CONSIDERAMOS UNA BANDA PSICODÉLICA, Y DEFINIR A LA BANDA EN ALGÚN PUNTO SERÍA LIMITARLA. PREFERIMOS SENTIRNOS LIBRES DE HACER LO QUE SEA.”

el Rhodes blanco de John. Un año después viajamos invitados por MGMT para abrir sus shows en Chile y Perú, y tocamos ese tema con Will en vivo. Ese fue el highlight, full circle.

"Delta Venus"; y se pregunta qué es... ¿ustedes qué responden?

EK ¿Llevan la bandera de la psicodelia argenta?

DV Delta Venus es una de las mejores bandas que existen en la actualidad o la peor basura. Y hay una sola manera de averiguarlo.

DV No nos consideramos una banda psicodélica, y definir a la banda en algún punto sería limitarla. Preferimos sentirnos libres de hacer lo que sea.

EK Si tuvieran que representar a Delta Venus con un elemento: ¿qué comida?, ¿qué color?, ¿qué ítem de vestuario eligirían?

EK ¿Qué es para ustedes ser indie?

DV Pizza / Púrpura / Ninja

DV No sé qué es ser indie hoy. En los 80 y los 90 el indie era contracultura. De a poco se fue perdiendo ese espíritu punk y contestatario y lo que quedó es una suerte de subgénero amplio y difuso a donde van a parar todas las bandas que no suenan en las FM de moda. Los Delta Venus podemos decir que somos independientes por la forma de producir nuestra música y elegir nuestra propia aventura. No tenemos un sello grande detrás que ponga la guita ni que nos diga qué hacer o qué no hacer; eso no quita que mañana podamos ponernos de acuerdo con un sello y usar sus medios. Así y todo, mezclamos nuestro primer LP en NY y lo produjo Will Berman de MGMT.Y si bien no sonamos en rotación permanente en la radios, en internet tenemos más plays en un tema que la banda más mainstream de la Argentina. Pudimos darnos el lujo de editar nuestro primer disco en vinilo a través de un sello como Exiles Records, cuyo dueño Paco es un melómano y un romántico en una cruzada por salvar el espíritu del rock and roll que bueno, se copó con nosotros.

EK ¿Qué otras bandas argentinas escuchan? DV L.E.M.A.N.S. "Son baquetas, pero elegantes. Son extraños, pero altruistas". EK No solo se codean con MGMT, sino que también tienen una gran anécdota para contar sobre Yoko Ono... DV Por empezar, Yoko es de otro planeta, una criatura sagrada o algo por estilo. Hace un baile hipnótico que te deja volado por varios días. Si tuviese que elegir una anécdota sería la de cuando le mostramos "Vuelo" a Sean. Estábamos en el cuarto donde originalmente dormían John yYoko, y él tira: "esto es mi onda"y se pone a tocar el piano encima. Fue increíble. EK Además del lanzamiento del nuevo disco, ¿cuáles son sus siguientes pasos? DV Tocar mucho y volver a girar.

EK Si alguien ve un cartel en la calle que solo dice

REGIA MAG EDITORIAL/MODA

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Por: Lara Molina Fotos: Miguel Marino

REGIA MAG ENTREVISTA/ARTE

El arte nómade Naciste en Mar del Plata, una ciudad muy dinámica, de un movimiento turístico importante en verano y mucha tranquilidad en invierno. ¿Sentís que eso influyó de alguna manera en tus obras? Yo siempre tuve una relación de amor-odio con Mar del Plata. La ciudad en verano es muy cargada y en invierno el frío la vuelve cruda. No creo que haya influido pictóricamente, pero en un plano inconsciente es probable que algo se filtre. Mis primeras obras eran mucho más gestuales, por ejemplo, y tardé muchos años en terminar de ajustar esos detalles. A los veinte me sumergí de lleno en la pintura, y me costó mucho. No encontraba

un circuito de arte al cual apuntar ni instituciones a las que recurrir, y me terminé yendo a vivir a Capital. Volví a Mar del Plata hace un año y me sorprendí de encontrar una movida de artistas jóvenes, muchos incluso compañeros de estudio de la escuela de arte. Empezamos a generar clínicas informales entre nosotros, comentamos el trabajo y damos nuestra opinión, es un espacio nuevo y muy llevadero. Aprendo mucho de esas experiencias. Creo que Mar del Plata es una ciudad muy linda, pero culturalmente muy atrasada a escala institucional. El Museo MAR es nuevo. Sí, es lindísimo, tiene un

infraestructura hermosa, pero solamente se usa para exhibir piezas a nivel provincial, bajo una agenda que en su momento estaba muy politizada. No sé ahora con el cambio de gobierno. El contraste sigue siendo enorme. Capital está lleno de museos. Me acuerdo de haberme maravillado en un principio porque podía ir todas las tardes a conocer un museo o una galería distinta. Concentra además un círculo importante de artistas. ¿Con vos, que venías de otro lado, ese círculo fue cerrado? Después de muchos años creo que puedo decir que sí, fue cerrado. En esta etapa de mi vida los artistas

me están conociendo y les gusta lo que hago, pero en su momento fue muy difícil. No tuve el aval de galerías, por ejemplo, pero por otro lado sí vendí al asociarme con art dealers que se encargan de la venta y confían en mi trabajo. El circuito de Capital es muy snob, muy elitista, muy a dedo; no es fácil para un outsider. Aunque quizás, pensándolo, mi obra tampoco estaba preparada para eso. Tengo 32: esta es la edad justa, llevo muchos años de experiencia y cuando me enfrento a lo que estoy pintando es más puro, hay una continuidad en el trabajo. Hay cierta madurez, pero soy joven. Lo que quiero decir es que voy conociéndome, encontrándome con la obra. ¿Creés que un artista marplatense, viviendo allá, puede llegar a tener el mismo nivel de reconocimiento que uno de Capital?

Casi todos generan un polo acá, pero no dejan de ir a Capital por una cuestión de aval. Es un problema. Uno de los premios más importantes, el del salón nacional, recién hace tres años cambió sus reglas para permitir la recepción de obras por mail. Antes había que llevarlas: eso es un impedimento para cualquier artista. Yo vivo a 400 kilómetros, pero, ¿un artista de Santa Cruz? Siempre la concentración se da en Capital; es lógico que así sea porque sucede en todas partes, pero cuesta. Por suerte en Mar del Plata se fueron generando lugares, hay agendas, hay tres o cuatro galerías gestionadas por artistas

que exhiben obras de otros jóvenes. Creo que es un trabajo interesante. Hace poco fue ArteBA, que tiene un matiz comercial importante, y hoy en día más que nada hay mucho énfasis en el lado comercial de las obras. ¿Cómo te llevás con esa tensión entre tener que vender y al mismo tiempo crear algo que satisfaga tu necesidad como artista? En mi caso no me planteé mucho esa cuestión porque sucede que hago una pintura que considero tiene un canal mucho más amplio. Quizás si fuera a dedicarme a instalaciones me lo plantearía, pero no es el caso. Me parece que un cuadro es más fácil de vender. Yo me considero pintor y me manejo en ese soporte, con el lienzo. No pienso en el comprador ni hago mis obras en función de ellos: yo solo pinto y trato de utilizar todos mis recursos para poder generar un estilo propio sin preponderancia en lo

comercial. Arruinaría mi objeto. Las instalaciones son más complejas de vender, si no las compra un museo o una galería es difícil imaginar un comprador individual para ese tipo de obras. Con respecto a las instalaciones, hay una concepción instaurada de que 'cualquiera' puede hacer arte contemporáneo, por lo fácil. ¿Cómo te llevás con eso? Esa crítica la considero una característica más del arte contemporáneo, que ocurre en forma cíclica. Se da una contradicción muy interesante: mucha gente critica los nuevos soportes, pero al mismo tiempo este tipo de obras están muy avaladas

a nivel mundial. Siempre nos va a pasar. Los grandes maestros de pintura también fueron criticados: Matisse hoy por hoy no se discute, pero cuando pintaba decían que era aberrante; a Picasso le pasó lo mismo, incluso pintores contemporáneos a él lo criticaban, lo tachaban de inmundo. Es algo cíclico, pero en la medida en que los soportes se mantienen en el tiempo, se termina aceptando. También hay que entender que el arte no es para todos. No me pasa a mí, pero lo veo igualmente con otros artistas. Lo entiendo como lo que es: a veces la gente no comprende lo que ve y la primera reacción es criticarlo. Es razonable. Después de eso me parece que juega un papel importante el propio artista, su continuidad y el lineamiento de sus obras, si sigue sosteniendo ese estilo o no. La carrera avala un poco el medio. Ahí está, para mí, la justificación. Y va a seguir pasando: el día de

mañana va a llegar otro soporte que sea criticado y la instalación va a ser lo común. Estamos avanzando constantemente. ¿Hay ladris? Sí, ladris hay. Pero los ladris caen solos cuando no hay un lineamiento atrás. No se puede hacer tres cosas y pensarse artista, hay que lograr cierta continuidad en el tiempo. Yo me levanto, estoy ocho o nueve horas en el taller pintando. Creo que eso otorga algún tipo de reconocimiento en el medio: no es lo mismo tener una producción de cincuenta cuadros mensuales que pintar un cuadro de la nada, sin ningún tipo de justificación.

Tu manifiesto de artista dice que buscás desarrollar objetos sin asociación simbólica con la realidad. ¿Llegás a desprenderte de tu entorno cuando pintás? Yo creo que sí. Como iniciador del objeto creo que lo logro, le doy materialidad a la idea pero despegándome del plano concreto. Lo que tiene mi pintura, más allá de que es bastante estática, es un grado de gestualidad que quizás da esa idea, pero la trabajo desde un plano inconsciente. Trato de darle preponderancia al color y a la forma, porque para mí son solamente abstracciones. Puedo dejar de lado mi cotidianeidad, digamos, y dejar que la línea me guíe. Ese trazo no va a estar condicionado por lo real, ni por el entorno. En la elección de colores trato de abstraerme en la mayor medida posible y decidir puramente por mi propio juicio estético. Estás inscripto en un marco donde constantemente se politiza lo artístico pero optás por objetos atemporales. ¿Creés que la obra logra trascender el panorama contextual, con esta mirada tan impuesta? Ese conflicto no es tanto mío sino que recae más en el espectador: inmediatamente le asocia algún significado en base a su experiencia, es imposible no hacerlo. También hay otro tipo de personas a las que les gusta la obra porque justifican el color y la forma, la asocian justamente a procesos históricos o sociales de la actualidad que piensan que me pueden haber inspirado, o buscan en mis cuadros algún referente previo. Quizás es un análisis más de crítico, pero eso también tiene que ver con que llevamos décadas y décadas de arte abstracto encima y es muy difícil no relacionarlo en un plano estético. Las dos interpretaciones son válidas y verdaderas. ¿Alentás esos significados, o preferirías que se expresara simplemente lo que vos plasmaste? Yo trato de darle preponderancia al color y que eso se refleje en el objeto, es mi única intención pictórica. Tanto la mirada entrenada como la de cualquier espectador que busque resignificar lo que está viendo es válida, pero no la confundo con la mía. Es una situación que se da una vez terminado el cuadro. Creo que esperar que todo el mundo entienda la obra sería muy pretencioso, hay que entender a priori que

hay gente a la que no le va a gustar lo que hago y no le va a encontrar una razón. Hay un juego un poco lingüístico ahí, en la necesidad permanente de tratar de encontrarle sentido a todo, aunque no lo tenga. Tiene cierto lineamiento, sí: la gente trata de resignificar todo el tiempo al significante. Como pintor también me doy cuenta de que no es lo mismo la mirada de un artista que la de un espectador casual. Se abre un abanico muy grande de interpretaciones dependiendo del público, en ese sentido creo que es un juego atractivo para analizar. Me parece interesante que la obra logre ese conflicto dentro del espectador. Te estás yendo a vivir a Berlín. Contanos un poco sobre eso. Viajé el año pasado para asesorar un restaurante, fue una colaboración con el estudio de arquitectura Ett la Benn en la imagen y armado del local, gestioné la parte artística, digamos. Fue la primera vez que trabajé con alguien internacional y fue una experiencia muy enriquecedora. También llevé obras para colecciones privadas de allá. Estuve tres meses y llegué a conocer bastante. Tiene una dualidad muy rara: es muy tranquila y a la vez se puede caminar dos cuadras y estar en una 9 de Julio; combina espacios verdes enormes con zonas llenas de rascacielos. Me enamoré de la ciudad y me gusta la idea de transitar, porque si no es ahora, ¿cuándo? Al final, tuviste una relación amorodio con Mar del Plata, pero terminaste por enamorarte de lo mismo en otro lugar. Sí. Lo mismo, pero sin mar. ¿Tuviste tiempo de conocer los circuitos de arte en Berlín? El mercado es muy bueno. Berlín es la pantalla de todo lo que sucede en Alemania, la fachada y la institución están ahí, pero el detrás de escena, los compradores y las inversiones, vienen de Munich y Hamburgo. ¿Se vende? Tuve la suerte de presenciar la Semana del Arte y me impresioné de la inversión que existe en el plano cultural. Es un mercado de muchísimo movimiento y clientes muy heterogéneos y abundantes, un poco porque hay otra mirada

sobre el arte comercial. La gente está más acostumbrada a comprar obra y no tiene la concepción quizás más argentina de que solamente la persona que tiene gusto y dinero puede adquirir arte. Allá la clase media puede comprar, y compra. La gestión es muy buena, y se organizan muchas ferias que acercan el arte a un público más amplio. El acceso no está tan restringido. Acá lo primero que se pregunta cuando decís que sos artista es “¿vendés?” y allá la pregunta es “¿Y qué hacés?”. El mercado se da por sentado. ¿Cuáles son tus planes a futuro? Ahora voy a exponer en REGIA (Jueves 29 de junio). A Berlín voy en plan de pintar y conocer la ciudad con mi familia (esposa y una hija en edad de jardín). También tengo ganas de visitar Europa. Mi idea es instalar mi estudio en Charlottenburg, cerca del centro, en una zona tranquila. El año que viene me mudo definitivamente ahí. Tengo algunas propuestas para exhibiciones, pero voy sin ningún plan definido. No me preocupa dónde viva, para mí es un flete de distancia: en este momento, viviendo en Mar del Plata, mando obras a Buenos Aires y Miami, me es indistinto. Mi trabajo es más bien nómade.

Por: Eliana GimÃ©nez

Fotos: Fausto Elizalde

REGIA MAG ENTREVISTA

Abrigo de piel: Essentiel Paris, conjunto de top y short: MGSM.

Soltar los anzuelos ¿Qué se sabe sobre Andrea Carballo? Que tiene una belleza inconfundible, sí. Que tiene una versatilidad impresionante para interpretar personajes tanto en cine como en teatro y televisión. Que es una actriz que pisa cada vez más fuerte en el mundo de la actuación. Vamos a lo que no se sabe tanto: sus próximos proyectos, su vida en España, sus experiencias, sus cambios de rumbo. Acción. Tal vez recuerden un famoso corto que en su momento hizo furor en las redes sociales. Se llamaba Ni una sola palabra de amor. A partir de mensajes encontrados en un cassette dentro de un contestador, la historia de una mujer en busca de un hombre que no responde se convirtió en cortometraje y llegó al festival de Cannes. La protagonista era Andrea Carballo. Lo que haría, otro corto protagonizado por Andrea, también se presentó en Cannes. En ambos trabajos

se puede ver cómo la actriz se mete de lleno en sus personajes y se transforma plenamente; Andrea siente lo que sienten ellas, y el espectador lo cree. Desde 2012 vive en Barcelona, siempre en busca de nuevos proyectos. El año pasado participó de la miniserie Las 13 esposas de Wilson Fernández, y este año se la pudo ver en la película Finding Sofía, proyectada en el BAFICI. Andrea divide su tiempo entre proyectos, cortos, telenovelas y películas.

Capa negra de seda: Sandro Paris y vestido de crochet: Sita Murt. Antes de pasar a la actuación estudiabas Filosofía y Letras. ¿Cuál fue el momento en el que descubriste que lo tuyo era ser actriz? Creo que lo descubrí de adolescente. Recuerdo un taller durante el colegio que daba un profesor espectacular, Rubén Dubois; enseñaba literatura y también era actor/director. Como parte del taller nos llevó a ver un montaje de Sueño de una noche de verano y quedé fascinada. Terminé llena de preguntas y con ganas de estar en escena. A la salida hablé con los actores y así descubrí que podía ser un trabajo, que se estudiaba, que existían lugares como el IUNA (hoy UNA). Cuando terminé la secundaria, empecé el ingreso a la carrera de Filosofía y, estudiando Historia del teatro universal, me terminé de dar cuenta de que este era mi camino. ¿Cómo fue estudiar en el UNA?¿Qué aprendiste? Como fue mi primer acercamiento a estudiar actuación, fue puro descubrimiento y entusiasmo. Me acuerdo de los nervios por el ingreso y de las ganas. Lo que más aprendí fue a entender que hay que trabajar y que hay que buscar un lugar de disciplina, de responsabilidad. Aprendí que es “en serio” en el buen sentido, algo así como un “juego serio”. Ingresé y estudié dos años. Luego seguí mi formación por afuera. ¿Te gusta verte en el cine y en la tele, o preferís evitarlo? Sí, pero al principio siempre paso por un estado de shock. Me cuesta, tengo que verlo varias veces para poder captarlo todo. 64

¿Con quién te gustaría trabajar? Con muchos. Sería una lista interminable. ¿Te cuento un sueño? Con David Lynch. Pasemos a España. ¿Qué hizo que eligieras irte para allá? ¿Creés que el cambio de país impactó en tu forma de actuar, de acercarte a los papeles, de interpretar personajes? Llegué por trabajo y me quedé. Es fuerte para mí pensar en esto, pero sí, lo elegí. Mi casa está ahora en Barcelona, adoro vivir cerca del mar y del gazpacho. Está buenísimo tener una tierra adoptiva. Vivir acá me modificó mucho. Tuve que adaptarme e integrarme, me dio una nueva perspectiva de mí misma y de los demás. Todo esto fue influyendo y, sin dudas, influye a la hora de interpretar. Tuviste mucho éxito en los cortometrajes que protagonizaste; varios ganaron premios y se proyectaron en distintos lugares del mundo. ¿Qué tiene el corto que no tiene una película? Creo que el cortometraje tiene el gran desafío de contarte una historia en máximo 15 minutos. Justamente eso me interesa: cómo contar, decir algo en tan pocos minutos y que se entienda, que funcione, que realmente veas una historia, un mundo. Me genera mucha admiración ver un buen corto, es muy difícil hacerlo bien. Uno de los más exitosos fue Ni una sola palabra de amor. ¿Cómo fue vivir ese éxito, ir a Cannes y ganar premios en festivales internacionales? Lo viví como un tsunami, fuerte e inesperado. Fue una alegría ver cómo un

“Está buenísimo tener una tierra adoptiva. Vivir acá me modificó mucho. Tuve que adaptarme e integrarme, me dio una nueva perspectiva de mí misma y de los demás. Todo esto fue influyendo y, sin dudas, influye a la hora de interpretar“.

Vestido con estampado floreado: Olga Macia y sandalias Guess. trabajo tan querido gustaba tanto y era tan compartido y sentido por la gente. A Cannes fui con dos cortos a la vez: Ni una sola palabra de amor del Niño Rodríguez y Lo que haría de Natural Arpajou. Fue una experiencia muy buena. La verdad que es un festival impresionante. Los premios son claramente algo muy gratificante y creo que en este caso, los digo por ambos cortos, también fueron fuerza para seguir creando; los dos cortos se hicieron totalmente a pulmón. En Europa coprotagonizaste una importante novela llamada Sin tetas no hay paraíso. ¿Cómo fue pasar por eso? ¿Qué hace a las telenovelas de allá diferentes a las de Argentina? Esa novela se filmó mitad en Buenos Aires y mitad en Roma. Nunca había filmado televisión y fue muy divertido. Me da la sensación de que en lo esencial no se diferencian tanto; los contrastes los encuentro en cómo están planteadas, en temas más estéticos y contextuales. Hablemos de tu trabajo con Ricardo Darín en Séptimo. ¿Qué te llevaste de esa experiencia? Fue muy agradable. Aunque mi participación fue pequeña, me quedé con lo cómoda que me hicieron sentir dos grandes de la actuación como Ricardo Darín y Belén Rueda. Además pude verlos trabajar y compartir con ellos un día de rodaje. Hace poco estrenaste en el BAFICI la película Finding Sofía. ¿Cómo definirías a tu personaje? ¿Qué te llamó del guion? Así es, estuvimos en competencia nacional. Adoro haber trabajado en Finding Sofia; el guion fue escrito por su director, Nicolas Casavecchia. Ya desde la primera lectura la historia me gustó, me atrapó mucho y muy rápido. Sobre todo por cómo están planteados los vínculos entre los personajes, cómo reaccionan. ¿Cómo definiría a Sofía? ¡Qué difícil! Para resumir: una chica bastante anestesiada emocionalmente. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Estoy por empezar a filmar Invisible, una comedia, opera prima de Francisco Bendomir. A fin de año me voy para la Patagonia a trabajar en el primer largometraje de Natural Arpajou. Además, en Barcelona coescribí con el director Joan Galo un cortometraje en el que también actúo. Se llama La peor mujer del mundo y es un proyecto que se hará por volúmenes. 65

Este es el primero. Lo filmamos en marzo y ya está por terminar de montarse. Contanos un poco más sobre Invisible. Invisible es una comedia sobre cuatro personajes que se terminan vinculando de una manera bastante bizarra y errática. Mi personaje se llama como yo, Andrea, y es una actriz de comedia musical que no está en su mejor momento. Me llamó la estética que le quiere dar el director, el guión y cómo los personajes se terminan encontrando. ¿Y qué podemos saber sobre el proyecto en la Patagonia? ¿Qué te gusta de trabajar con Natural Arpajou? La propuesta me llegó directamente de Natural. Con ella ya nos conocemos de trabajar juntas en Lo que haría, y eso está muy bueno; ya sabemos cómo entendernos, cómo trabajar y cómo potenciarnos. De este nuevo proyecto he leído varias versiones del guión y realmente me encanta. Es el primer largo de Natural. Cuenta la historia de una familia hippie y se desarrolla en el sur. El tono es dramático y cómico a la vez, es el estilo que tiene ella. Son tres personajes protagonistas y yo seré uno de ellos. ¡Ya no puedo contar mucho más! Habiendo actuado en cortos, telenovelas, películas y en teatro, ¿preferís alguno de estos escenarios en particular? Más que preferir un escenario en concreto, me guio por la calidad del proyecto. Para mí esa es la clave. En ese caso, disfruto en todos los formatos. Son tan diferentes que siempre hay algo nuevo que aprender y aportar. Eso me encanta. Cuando actúas, ¿sos de meterte de lleno en el personaje y estar con él las 24 horas del día o cuando salís de escena el personaje también desaparece? Para mí es muy importante respetar y definir el espacio de trabajo. Hay un gran maestro, Javier Galito Cava, que me enseño sobre esto. Él lo llama “anzuelos del personaje”. Es la vida del personaje que en ese momento vos creas y vivís. Y, justamente, eso es nada más y nada menos que el trabajo: vivir esa vida y soltarla, por supuesto

“Más que preferir un escenario en concreto, me guío por la calidad del proyecto. Para mí esa es la clave. En ese caso, disfruto en todos los formatos”.

Estilismo: Javier Ly Maquillaje & pelo: Sandra Tosca Agradecimientos: Noténom boutique notenom.com, Mad&D409 madd409.com, Civiles Management, Picky Courtois. @madamecarballo @civiles

Top y vestido estampados: N*21.

REGIA MAG ENTREVISTA/MÚSICA

GUSTAVO LAMAS "EXPRESARSE SIEMPRE" ENTREVISTA POR DAMIAN LEVENSOHN, FOTOS POR Maxi guterman. No todos los artistas tienen una visión global sobre lo que pasa a su alrededor; el análisis y la comprensión de su ambiente convierten al artista en algo más. Ejemplo de lo que decimos es Gustavo Lamas, quien desde un compromiso que va más allá de lo musical supo sentar su opinión, tanto desde el costado periodístico en el arte, como desde el rol que adquirió como critico político en las redes sociales. Los orígenes junto a Leandro Fresco y Leo García, la importancia de Melero, la estrecha relación con un sello fundamental como Kompakt, el estudio de producción, Time Warp y Cromagnon, son solo algunos de los temas de la charla que mantuvimos con Gustavo en Casa REGIA.

DL—Mientras que Chicago mostró los orígenes del House y Alemania fue la cuna del techno, en Argentina durante los años 90 lo más productivo y colectivo dentro de la electrónica pasaba por lo experimental, de la mano de artistas como Leandro Fresco, Gustavo Cerati y vos mismo. ¿Cómo se llegó a eso? GL—Viene por el lado de Melero; es un referente total, alguien que venía del pop pero a la vez estaba metido con la experimentación. Creo que fue una influencia importante para muchos de nosotros. Otro hecho importante de esa época fueron los ciclos del Instituto Goethe, link directo con Alemania y la música experimental. Tuve la suerte de estar en la cocina de todo eso, era una especie de colaborador junto a Pablo Schanton; mucha gente se núcleo a partir de ahí. De hecho, era el lugar en el que Melero presentaba sus discos. Por otro lado era el mo-

mento de auge de los CDs, y se veía más fuertemente la independencia artística y los sellos autogestionados. Cuando hicimos música bailable también nos fuimos para ese lado, el de la búsqueda. Hubo una transición en la época del Morocco, todos empezamos a hacer música para la pista pero con el background de venir de lo experimental. Fue paralelo a lo que pasaba en Alemania: íbamos para ese lado, el del minimal y el dub. DL—Decís que fue paralelo a lo que pasaba en Alemania, ¿pero todavía no estaban relacionados con ellos? GL—Se dio así por las influencias en común y porque los alemanes también tienen esa cosa pop; les gusta el techno, pero también son fans de los Pet Shop Boys. Para nosotros es re natural, pero en la mayoría de los lugares no. Las primeras veces que venían a tocar los grandes exponen-

tes alemanes, como Michael Meyer o Tobias Thomas, podían poner temas que si ponían en Alemania les decían que eran unos boludos. Por decir, ponían “Conga” de Gloria Estefan y Miami Sound Machine en el medio de la noche; acá se los re festejaban y en Alemania no era tan normal. De todas formas sí, es verdad. En mi caso, por ejemplo, fui de la experimentación hacia una síntesis un poco más pop y bailable. Kraftwerk también hizo eso, empezaron haciendo ruido, eran unos hippies que hacían quilombo, y terminaron haciendo una síntesis. DL—Con el tiempo te convertiste en habitué de un sello clave a nivel internacional, como lo es Kompakt. ¿Cómo fueron los primeros acercamientos? GL—La primera conexión se dió por medio del sello Traum, porque su propietario (RRR) fue uno de los primeros internacionales de esa corriente en venir. Fue una conexión bastante directa: tocó en el Goethe, se llevó unos demos que le pasamos y editó Elektronische Musik Aus Buenos Aires, el primer disco del sello Traum, un compilado de música argentina. De ahí vino lo de Kompakt. Eran sellos vecinos, parientes. El debut en Kompakt fue con “Mañana”, allá por 2001. También sacaron música de Leandro Fresco y algunos más. DL—Durante los últimos años seguiste editando con ellos para la conocida serie “Pop Ambient” ¿Cuál es la actualidad de tu relación con ellos? GL—Ellos son de encasillar… en mi caso me tienen como “el que hace pop ambient”, pero yo hago de todo; me interesa mucha música, no me encasillo. Es difícil que les mande un tema techno y me lo quieran editar. Más allá de eso, hay buena relación, somos amigos y nos conocemos. DL—Con más de dos décadas de trabajo en el estudio, ¿cómo encaras actualmente el proceso creativo? GL—Es como la guitarra para mí. Prendo el sampler y algo tiene que salir, eso no cambió; sí la ansiedad, y que al principio era recontra prolífico, producía un montón. Ahora ocupo tiempo escuchando música, me pasa también que empecé a escuchar mucha música que me parece buenísima, antes sentía que no era así, entonces tenía que hacer yo esa buena música. Son etapas. Al principio quería hacer todo, y lo que me pasaba también era que yo tocaba todos mis temas, entonces para hacer siempre un set que sea nuevo –el público era el mismo– o cambiaba yo o la gente se aburría.

LA MÚSICA ELECTRÓNICA SIGUE SIENDO EL ÚLTIMO QUIEBRE GENERACIONAL.

Todas las semanas hacia algún tema, remix, para tener algo nuevo. DL—¿Cuál es hoy tu formato ideal para el vivo?

GL—Con Mezcla es el Live, hay toda una cosa de improvisación que surge ahí que está buenísimo. Hace mucho que no hago un set entero bailable de temas míos. Lo que hago hoy es poner algunos temas propios, dos o tres en medio de todo un set. Si tengo que tocar ambient sí hago un set 100% propio. DL—Más de la artística sos conocido también por tu faceta periodística ¿Cómo se da el nexo con esa labor?

GL—Generalmente me sentí mucho más cómodo haciendo música que opinando, pero como siempre me gustó investigar, hacer listas de recomendados y esas cosas, terminó siendo un paso natural. Siempre estuve cerca del periodismo; tengo muchos amigos del rubro. Lo primero que hice fue para Buenos Aliens, cuando me pedían hacer los rankings mensuales. Escribía sobre cada tema y como que ahí empezó una cosa más periodística. Cuando apareció el suplemento Soy, a ellos les pareció lógico pedirme material y ahí empecé a escribir notas más elaboradas. DL—¿Cuál es la actualidad del periodismo de música electrónica en nuestro país?

GL—Es lo que más falta. Noto que es un momento en el que hay mucha información, pero no tantas guías. Toda esa información que da internet hay que ordenarla de alguna manera. No es que me la crea, pero hace muchos años que escucho música y más o menos puedo opinar, como también puedo pifiar. Es un rol que está bueno llevar adelante; en el mundo hay muchos sitios, revistas online, y acá no. DL—Lo que decís, ¿aplica al periodismo de otros estilos musicales en el país? GL—Creo que se da en toda la música, porque si vas al rock, los mismos periodistas de hace muchos años siguen teniendo el canon de los Beatles, Jimi Hendrix, Rolling Stones, no cambió eso. No hay periodistas que hayan venido a decir “bueno, en realidad también existió el kraut rock”. En Argentina te diría que ni siquiera hay crítica, son todos amigos casi. Afuera si tienen que decir que el disco de un artista consagrado es una mierda lo dicen. Acá, Charly García saca un disco y por las dudas le ponen un puntaje de 4/5, porque es Charly. Cuando se habla de la escena esto es re impor-

HAY QUE SER CRÍTICO SIEMPRE.

tante. Faltan radios, revistas, sitios, falta gente inquieta.

que la electrónica es música para gente hecha mierda.

DL—¿Es uno de los factores que marca la falta de una escena real y consolidada?

DL—Difícil no pensar en Cromañón….

GL—La escena está desarmada… si te pones a investigar hay gente que hace podcasts, gente que recomienda discos, y falta unir todo eso, tendría que haber diez opciones, todos queriendo ser el mejor site del país, haciendo reportajes, coberturas y criticando. No hay de esa cosa picante. El rock en algún momento lo tuvo con la revista Revolver, que por lo menos le disputó al periodismo más viejo desde otra corriente. En la electrónica, las radios que hay están muy apuntadas a lo comercial, falta bajada de línea. Lo mismo pasa con los sellos, es difícil encontrar sellos consistentes de electrónica. Tenés ejemplos como Casa del Puente, pero es un label más amplio que también edita pop. Siempre está muy anclado a lo que pasa afuera, no sé; por ahí me pierdo de algo… DL—¿Cómo reaccionaste a los acontecimientos del festival Time Warp? GL—Cuando me desperté ese sábado tuve una inmediata sensación de que iban a hacer mierda el under. Para mí lo más sorprendente fue volver a darme cuenta de que la música electrónica sigue siendo el ultimo quiebre generacional, la última música que rompió con algo y sigue sin entenderse. Pensá que vienen los Rolling Stones y van a verlos abuelos, porque se sabe lo que es: unos tipos que tocan la guitarra y demás, es descifrable. Pero un tipo con bandejas, luces, cuatro horas bailando, la única manera que tienen de explicarlo es que la gente se droga, y es una brecha muy grande, en el medio no hay nada. Creen que no hay cultura atrás, que no hay ningún tipo de historia, no hay goce y placer. Lo que significa bailar, lo que significa ponerle el cuerpo a la música, cosas que ya tienen 30 años acá. Creo que se da asi, entre otras cosas, porque no hay medios que salgan a decir realmente de qué se trata; la información es el noticiero de las 8pm. Por ahí cuando los medios hablan de economía ya hay una cuestión matemática sobre la que es difícil decir cualquier cosa, pero con esto hay una cuestión de incomprensión absoluta, se da a entender

GL—No pude dejar de pensar en Cromañón, fue una situación en la que la música electrónica no tenía nada que ver y lo primero que se hizo fue prohibir bailar; se metieron hasta con el volumen de la música, con cosas que no tenían nada que ver con gente que había prendido fuego un lugar. En ese entonces los principales perjudicados fueron los lugares más chicos; era una situación en la que cualquier persona denunciaba ruidos molestos y ya cerraban el lugar. Lo que pasó en Time Warp tiene que ver con el libre albedrío de la gente, que puede consumir lo que quiera; de hecho, apoyo que la gente haga lo que quiera de su vida. La sociedad puede seguir intentando que eso no pase, pero va a seguir pasando, es la historia de la humanidad. Y que ahora salgan a decir que porque pasó esto hay que prohibir todos los eventos de música electrónica, no tiene nada que ver. Mi esperanza es que salga fortalecida la escena en el sentido de que se pueda volver a las bases. DL—Por último me gustaría saber cómo viviste los últimos años, en los que tuviste una posición pública bastante crítica con el gobierno pasado. GL—Son etapas; me parece que en un momento hacía falta, había mucha gente conocida, pares y amigos de toda la vida que estaban muy fanatizados con el gobierno. Cuando sacaron el 51% era como una bola imparable, y ahí fue cuando me metí. Para mí hay que ser crítico siempre, no podés cambiar porque te dan dos o tres cosas que están muy buenas a cambio de conceder otras como que te afanen en la cara, te tomen de boludo o no te respeten; eso va más allá de toda la idea política. Cuando me metí, lo que sentí fue una falta de respeto absoluta, no había un término medio. Me pareció que estaba bueno confrontarlo. Hubo gente a la que le gustó más, gente a la que menos. Es un desgaste muy grande, y salís lastimado. Y ahora me parece que lo que yo hacía lo hace mucha gente, ahora todo el mundo crítica y me parece genial, es lo que tendría que haber pasado siempre.

ES DIFÍCIL ENCONTRAR SELLOS CONSISTENTES DE ELECTRÓ-

REGIA MAG EDITORIAL/MODA

Into the woods FOTOGRAFÍA Manu Antelo ESTILISMO Sebastián Kell TOTAL LOOK JT

MODELO Julieta Hoft para Lo Management PELO & MAQUILLAJE María Bernasconi LOGÍSTICA Tomás French PRODUCCIÓN KM Estudio

REGIA MAG REVIEWS/VIDEOS

/SLAY VIDEOS Roisin Murphy TEN MILES HIGH El nuevo video de Roisin Murphy es una joyita poética y audiovisual. Como si se tratara de un recorrido por estados vibracionales, el obrero cansado de sus rutinas y su vida sin sentido decide destrozar su identidad, disolver esa realidad que lo mantiene estático y como un zombi; volar a la estratosfera, lejos de un mundo cruel, e ir donde sólo se puede esperar lo inesperado, un misterio que es mucho más encantador que la realidad gris de figuras geométricas y asfalto. Los personajes empiezan a bailar y a hacer señales con linternas, usan máscaras y atuendos que los separan de la masa inmóvil mientras nadan en una dimensión que los divide, gira, transforma, multiplica, y finalmente traga.

Metronomy OLD SKOOL Anochece en un suburbio, contexto años 70. Un matrimonio recibe a sus amigos; él está súper entusiasmado. Ella, con bajón de calmantes y la resaca del día anterior, necesita ponerse a la altura de las circunstancias. Vuelve a darse con un poco más, una pastilla prescripta, un ácido, un poco de cocaína. Besa a su único hijo y baja las escaleras. Le agarra un subidón y una mezcla de ansiedad, risa, crisis existencial, temblequeos, catarsis, torpeza, mambos, sudor, bajón. Finalmente, baile. Su rostro nunca deja de tener una mirada desesperada, una mueca de agotamiento y desencanto; quizás por eso necesita un psicoactivo que la ayude a movilizarse un poco. Pasan las horas y los invitados entran en la misma. sintonía de su anfitriona, quien después del escándalo empieza a bailar como si el mañana no existiera. Old Skool.

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beber con moderación. prohibida la venta a menor de 18 años.

SLAY VIDEOS POR JESÚS VZ //soundcloud.com/yeezas//sheezass.tumblr.com

Mai Lan TECHNIQUE Volviendo al aquí y ahora, acá tenemos un video que representa a la era de internet. La del fácil acceso a la información, a los tutoriales, a la aceleración que viene de tener un dispositivo en la mano que te brinda técnicas para hacer todo aquello que necesitás; aceleración que va en crescendo, amorío intenso y fogoso con la tecnología descripto en coreografías y cuerpos musculosos, palabras que riman entre sí, y hasta en la misma Mai devorándose un brazo. Tal es el nivel de aceleración que la cantante aconseja parar, y literalmente, hidratarse. No especifica qué área hay que hidratar; dejamos eso a la imaginación de cada uno.

Garbage EMPTY Pasa algo muy curioso cuando ves este video, al menos si sos parte del público post-30, ya que funciona como un portal al pasado sin reminiscencias de olor a naftalina, sino de satisfacción por “eso que pasó en los 90”, aquellas cosas que caracterizaron a muchos de nosotros en tiempos en que internet no existía. Ibas corriendo a encender MTV para ver el nuevo video de tal o cual banda alternativa que presumía con el goth, el existencialismo, el glam, el make up, los escenarios post apocalípticos, el grunge, el rock industrial, el divismo, el post punk, mientras las mujeres como Shirley o Courtney Love desafiaban al mundo de la música machista. Grababas en aquel VHS para ver una y otra vez algún video que tus papas te prohibían ver, videos dirigidos por directores que se repetían y que manejaban estéticas dramáticas e impactantes. El paso del tiempo parece haberle pegado muy bien a Shirley Manson, y el video viene con un efecto déjà vu, de haber visto esto antes, en otro momento, en otra realidad totalmente distinta a la de hoy. 77

REGIA MAG ENTREVISTA/Mร SICA

ENTREVISTA CON BENJAMIN PLANT

Fot os: Por : Sc ott Juliรก ie C n D o Re ame yle ron ye s. &D yla n

Esta es la ciudad. Los Ángeles California. Cuatro millones de habitantes. Algunos de ellos todavía eligen jugar con los naipes que les tocaron. Demasiados de ellos no. Tarde o temprano, algún meme se enloquece y se esparce como hongo. Benjamin Plant eligió instalarse a vivir en el imaginario que supo crear desde Miami Horror con solo dos full albums y varios EPs. En esta entrevista, misterio, fans, Spotify, escapismo, la zona de confort, la colorida cultura, la melancolía, el espanto ante los directores de sus videos, escalofríos, Frank Ocean, el vacío, Google Sketch Up, un vasto y oscuro volumen de agua, Wikipedia miente, American Dream won't you listen to yourself. JD. Para los argentinos Miami significa mucho. Por un lado, la vía de escape del derrape new rich y del neoliberalismo en los 90. Por otro, es una ciudad que enfatiza el cuerpo y las siliconas, Versace y el grotesco como estilo de vida. ¿Qué significa para vos Miami como ciudad y como concepto? BP. Creo adivinar de dónde venís, pero al ser de Australia no somos totalmente conscientes de ello. Para empezar, solo contaba con mi imaginación. Para mí originalmente se suponía que representaba palmeras y colores pastel cubriendo edificios art decó. Desde que visité Miami, pienso que su historia es única y que la belleza de esas construcciones está en la influencia centroamericana. Trato de ignorar el lado grotesco. JD. El último trabajo arranca con “American Dream”, donde hacen una crítica al sueño americano. ¿Cuáles son tus sensaciones al respecto? ¿Creés que este sueño americano se ha convertido finalmente en una pesadilla? BP. Ese tema fue compuesto muy al principio, antes de haber vivido realmente en América.Viniendo de Australia, estamos acostumbrados a ser muy críticos de EE.UU., tal como lo son los europeos, pero diría que mi vida actualmente dista mucho de ser una pesadilla; si así fuera, ¿por qué estaría viviendo acá? Decididamente, el país tiene sus problemas, pero hay muchos aspectos positivos en sus sistemas e infraestructura

que no se encuentran en Australia, además de muchos lugares hermosos y gente muy inteligente. Pienso que es natural que de afuera se critique de Norteamérica su naturaleza ultra capitalista, pero hasta que vivís acá no podés verdaderamente saber de qué se trata la cosa.

que la vida ha progresado a cada paso. JD. En la última película de Paolo Sorrentino, Youth, uno de los protagonistas afirma que no cree en la inspiración sino más bien en la fermentación. ¿Cuál es tu punto de vista de esto? BP. A partir de nuestra inspiración, estamos siempre progresando, de modo que ambas ideas son correctas. JD. Wikipedia. "Benjamin Plant, líder de la banda, cuyo nombre real es Benjamin Vanguarde, comenzó el proyecto hace algunos años gracias a su obsesión por los teclados Roland" ¿Esta obsesión es real? BP. No, ni siquiera tengo uno. Es un cuento inventado por un entrevistador y desde entonces ha quedado pegado.

JD. Escuchando All Possible Futures hay un sonido general que me dispara a la cultura narco de Miami Vice, playlists para piscinas y mucho Baywatch. ¿Puede ser?

JD. ¿Cómo es un día tuyo en Los Angeles?

BP. No diría que tiene relación alguna conmigo. Incluso temas más animados, de estilo más disco, como “Love Like Mine” provienen de otra parte totalmente distinta, tienen más que ver con una cosa lofi funk de los 80 que con una influencia de la cultura narco tipo Studio 54.

BP. Para mí, el mar es un tópico interesante, tanta gente lo ama. Yo lo veo como un vasto y oscuro volumen de agua. Me hace sentir incómodo y nervioso.

JD. ¿En algún momento te dio miedo que las cosas no volvieran a ser como antes, o al contrario, lo que te daba temor era repetirte? BP. Estoy seguro de haberme sentido así en algunos momentos. No me gusta repetir cosas, creo que es siempre muy importante experimentar lo más posible sin vivir con temor. Se deben aceptar los cambios que acarrea la vida a través de la tecnología, de vínculos que se rompen, etc. Siempre hay algo más para disfrutar allá afuera, se trata de aprovechar al máximo lo que tenés y el sitio en que te encontrás. Esa es la actitud que me ha servido a mí en cada oportunidad y siento

"nos gusta mantener la melancolia"

BP. Soleado, como siempre. JD. ¿Te gusta el mar?

JD. El chef Francis Mallmann admitió que en sus ratos libres le gusta coser. ¿Cuál es tu pasatiempo cuando no estás componiendo? BP. He estado estudiando arquitectura y diseñando casas en Google Sketch Up. Espero que pronto pueda empezar a construir una. También disfrutaba de la fotografía, pero realmente nunca tuve ocasión de explorarla lo suficiente. JD. Pasaron seis años de Illumination. Siento que ya es un disco de culto. ¿Vos cómo lo ves a la distancia? BP. Ahora que ha transcurrido algún tiempo, lo siento de manera similar. Al principio estaba siempre preocupado por ciertas partes, si eran lo suficientemente interesantes, si mantenían esa buena onda. Pero con el tiempo, para mí ha

"solo parece que tenemos fama de hacer musica alegre" ción y sentimiento como para funcionar. JD. "Sometimes". Me parece una canción del orden de lo supremo. Con una letra dorada y un vídeo también perfecto. ¿Qué significó para vos el primer greatest hit de tu carrera? BP. Fue hecho en una época en que era aún inocente y mi visión de la música era fuerte. No quería componer temas acerca del amor o del individuo. Más bien se trataba del escape y de la juventud. Nos gusta mantener la melancolía… Al principio sentí escalofríos cuando empecé a escribir los acordes y supe que era especial. Eso rara vez sucede. mantenido sus cualidades, lo cual resulta satisfactorio. Una de mis intenciones principales para el álbum era hacer algo perdurable y me alegra que éste parece ser el caso, al menos para algunas personas. JD. En lo personal,Illumination me recuerda mucho a mi ex novia, lo escuchamos mucho juntos y desde que me separé no lo volví a escuchar más. ¿Cómo se hace para olvidar a alguien cuando está tan pegado a canciones para siempre? BP. En verdad, no lo sé, pasé por algo similar con algunos temas de Frank Ocean que mandé a mi ex novia cuando rompimos. Es triste pensar que algo que disfrutas podría estar manchado por una experiencia negativa. Generalmente, cuando ya estás más lejos de esa experiencia, podés empezar a sumergirte nuevamente. JD. De algún modo, la nostalgia es muy poderosa y creo que sus dos discos son muy nostálgicos. Hay una época dorada que están añorando. BP. Sí, lo son. Uso la música como un vehículo para transportar sentimientos o imágenes que vienen del pasado. Me gustaba que cuando éramos niños las cosas eran simples y con mucho color. Veo lo positivo en las cosas más simples de nuestro pasado, antes de que la

tecnología complicara más nuestras mentes. Pienso que la gente estaba más enfocada en lo que era correcto, mientras que ahora estamos siempre ligados mentalmente al vacío y con la constante necesidad de estímulos, lo cual nos priva de la ocasión de apreciar algo en su verdadera dimensión. JD. En Illumination sobrevuela un clima espacial denso y sombrío, muy logrado con "Moon Theory". ¿Cómo fue el backstage del video? BP. En realidad fue filmado sobre algunos médanos y dunas en Australia. Aunque salió bien, la visión que queríamos lograr resultó algo diferente al resultado obtenido por los directores. Personalmente, yo quería incluir más ilusiones y una vista más de época ‘holy mountain’ en lo que a colores y cinematografía se refiere. Pero es difícil esperar que se materialice tu visión con estos presupuestos y cuando no lo hacés vos mismo. En realidad todo está en manos del director.

JD. En relación al video de "Sometimes", ¿qué nos quisieron contar, que pronto nos van a invadir extraterrestres o lo que es peor, que ya nos invadieron? BP. En este caso también se basaba en una idea que tenía, pero realizada por otro. El plan original era hacer una serie de 3 videos para Moon Theory y uno más… Sería una ciudad perdida, aunque debía parecer más retro-futurista y no tan moderna. Sus temas eran el escapismo y el descubrimiento. JD. De acuerdo a lo que tardaron para sacar el segundo disco, ¿tendremos que esperar hasta 2020 para el próximo? BP. ¡Jaja! No, lo dudo. En el medio lanzamos otro álbum titulado Wunder Wunder, en el que trabajamos dos años, razón por la cual nos llevó tanto tiempo. Sólo el álbum All Possible Futures nos llevó unos dos años y medio.

JD. En relación a los videos, se nota que le dan mucha importancia. ¿Pero para vos son importantes realmente?

JD. Hacen música para los veranos, pero el invierno también tiene una mística muy fuerte. ¿Por qué ese fanatismo por el calor y los bronceados?

BP. Sí, lo son, pero reitero, aunque la mayoría de la gente los vincula a la música, en general no reflejan precisamente nuestra visión; afortunadamente transmiten suficiente emo-

BP. No creo en eso. Me gusta pensar que nuestra música también contiene mucha melancolía; sólo parece que tenemos fama de hacer música alegre...

JD. ¿Como fue tu infancia en Melbourne? BP. Fue realmente linda, no tenía mucho de qué preocuparme, nuestra colorida cultura crecía y creo que eso influyó en la música y en tener la oportunidad de hacer música. JD. Tu lado B como DJ y tu rol de frontman en la banda te llevaron a tours por todos lados. ¿Te gusta viajar o sos de padecer los viajes, de sentirte agotado y querer volver a casa? BP. Es buenísimo, pero con frecuencia preferiría quedarme en casa y crear música. Algunos conciertos son asombrosos y algunas ciudades un poco menos interesantes, pero principalmente se trata de estar fuera de tu zona de confort y eso lo hace difícil. Personalmente, siento que lo he visto casi todo, de modo que sería feliz pudiendo bajar la velocidad por el lado de las giras para pasar el tiempo desarrollando nuevas ideas dentro y fuera de la música. JD. ¿Pensás en algún momento retirarte de la música? BP. A pesar que no ocurrirá pronto, de vez en cuando me pasa por la mente. Con la música llega mucha presión de parte de los fans. Sería lindo separarte de eso y escapar por otros caminos. Me gustaría abrir un restaurant, diseñar y construir algunas casas. Tal vez volver a las películas si se presenta la oportunidad. JD. ¿Crees que Illumination y All Possible Futures funcionan como acciones artísticas de apropiación y reapropiación de estéticas y sonidos que han tenido lugar en todo el siglo veinte y especialmente en los 60/80? La sensación es de que están rebautizando una época... BP. Quizás algunos temas podrían ser tomados en ese sentido. Pero la mayor parte es inspiración, energía creativa, sonidos y colores que existieron. Diría que suena muy distinta a muchas de sus influencias. JD. Ustedes con Miami Ho-

rror entraron a jugar cuando ya el mercado de la música estaba por completo en internet. Esto es, la muerte del CD, la piratería y ahora el streaming. ¿Cuál es tu postura frente a esta liberación de los contenidos? BP. Pienso que la difusión de la música es algo bueno y estoy de acuerdo con eso, pero no creo que sea correcto robar música de un artista que ha pasado miles de horas de arduo trabajo. Cómo se podría justificar trabajar gratis durante tres ó cuatro años? Es simplemente imposible. Los fans pretenden que los artistas trabajen por amor al arte, pero lo que veo es cada vez más artistas que se marchan para encontrar algo distinto que hacer, mientras que algunos fans permanecen sentados esperando escuchar música gratis. Estas expectativas son frustrantes y frecuentemente denotan falta de respeto, motivo por lo cual actualmente trato de comprar cuanta música puedo. Si me gusta algo en Spotify, lo más seguro es que compre el álbum. JD. Entonces, ¿por dónde le entra dinero hoy a un solista o a una banda si no es por la venta de CDs? BP. A veces de la música en vivo, a veces ingresos por publicar de la TV o de la publicidad Compilados de DJ. Definitivamente hay formas de ganar dinero, pero dista mucho de lo que debiera ser. Pienso que menos del 3% de las personas que escuchan nuestra música alguna vez compran algo. Si al menos el 25% de la audiencia comprara la música que escucha, la industria estaría mejor ubicada. JD. Barthes: “la mejor arma contra el mito es mitificarlo a él mismo, producir un mito artificial: y este mito reconstruido será una verdadera mitología.” BP. Coincido. El misterio es imprescindible, y detesto ver cómo todo va en sentido contrario. ¿Necesitamos verdaderamente mirar fotos de baja resolución de un artista esperando en un aeropuerto?.

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Femmes Rebelles Candelaria Gil

PH ASSISTANT Juan Ignacio Aguilar STYLIST SofÃa Achaval STYLIST ASSISTANT Agustina Chuliver Perez & Antonella Ferrara MAKE UP Juliana Giraldo y Marianela Fidalgo para Jc Agency con productos Maybelline HAIR Pola Amengual para Jc agency con productos Alfaparf. HAIR ASSISTANT Rocio Marrodan MODELS Linda Helena, Joaquina Hintermeyer, Leila Bro & Delfina Zandstra. Look 1.

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03 02

05 03

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01/02. Belén Chavanne, Mariana Pussacq, Flor Torrente y Gerónimo Favaloro en el espacio Velvet Underground por Casa Almacén. 03/04/05. Fran Tinelli, Marcelo Tinelli, Luciano Cáceres y Esteban Lamothe en la apertura Pop-up store Ginebra Hommes en Alcorta Shopping. 06/07. Roma Renom, Mariana Arias y Carla Rodriguez entrevistando a Adolfo Dominguez en Mercedez Benz Fashion Talk Adolfo Dominguez. 08. Camila Gassiebay, Herminia Yagmourian, Sabrina Garciarena, Noelia Yagmourian y Jessica Lekerman en la presentación otoño invierno 2016 de Yagmour. 09. Agustina Casanova en la apertura del nuevo local de LAZARO en Abasto Shopping. 10. DAVID AND PRINCE IN THE SKY. 11. Agus90 en la obra "Nuestra Mujeres" invitada por Citröen. tina Cherri

13. Julieta Zylberberg pasó por el local de Justa Osadía a conocer las nuevas propuestas de la marca. 14. Luciano Cáceres pasó por Sipan a degustar su nueva carta.15. Pampita, Nequi Galotti y la modelo paraguaya Vivian Benitez presentes en la apertura de Wilson Tobal en Asunción del Paraguay. 16/17/18. Mía Flores Pirán, María Freytes y Concepción Cochrane Blaquier en el lanzamiento de la línea DENIM de NTBU. 19/20. Carolina Di Nezio junto a Nicolás Nervi y Ramiro Quesada entrevistando a Zeta Bosio en la presentación de Holy Stokes, A real life happening! de Volcom en Vorterix. 21/22/23/24/25. Dalila Weil, Narda Lepes, Lara, Máximo, Kobra Kei, Ibiza Pareo y Loló Gasparini en el ciclo 91 par 3 de Radio Cascabel.

regia

documental FRANCIA & TURQUĂ?A por: pia alive

Nevsehir, Kapadokya, Tr. 92

Gรถreme, Kapadokya, Tr. 93

Fatih, Estambul, Tr. 94

Passy, XVI distrito, París, Fr.

Place Vendöme, I distrito, París. Fr.

Nuruosmaniye, Fatih, Estambul, Tr.

Montparnasse, XIV distrito, ParĂs, Fr.

PARANÁ 923 - RECOLETA