don brown by Marion Pillet

DON p.8-9

YOKO p.14-15

TWINS p.50-51

Donald Brown est né le 21 Septembre 1963, dans une ville appelée Dudley dans les West Midlands de l'Angleterre, près de Birmingham. Il a passé les vingt-six premières années de sa vie à Wolverhampton, à environ six miles de Dudley. Il n'y avait que deux enfants dans sa famille, lui et un frère aîné. Son père, Abram Brown, était un ouvrier de fonderie qui faisait des bains d'émail. Sa mère, Mildred Maud (Kelly) Brown, était une infirmière auxiliaire de l'hôpital local. Don Brown est avant tout un sculpteur mais il à été aussi été cteur comique avec un duo indépendant, 1980-1996; professeur d'art, 1990-1996; modèle photo, Manchester Model Agency et Agence de modèle Rêves, 1991-1996. Donald Brown a émergé pour devenir l'un des sculpteurs de premier plan de ces dernières années, surtout connu pour sa capacité à faire les portraits de personnes réelles en buste. Son succès intègre les influences européennes de sa jeunesse et la prise en compte de son ascendance africaine. Le style de Brown jouit d'une réputation internationale d'excellence, il est plus connu pour sa sculpture évocatrice, un génie avec quatre maîtres MA, qui dépeint le Mahatma Gandhi, Marcus Garvey, le révérend Martin Luther King, Jr., Malcolm X, et Nelson Mandela. Son travail de sculpteur comprend : des bustes du président sud-africain Nelson Mandela, de l'écrivain Maya Angelou, et du gouverneur du New Jersey Christine Todd Whitman, et une série de figurines commandées par l'acteur John Amos. Parmi les propriétaires de ses œuvres, on trouve : Whitney Houston, Gladys Knight, le général Colin Powell, John Amos, Wynton Marsalis, les parents de Tiger Woods, et la mère de Michael Jordan. Les pièces de Brown sont également au siège de Baltimore NAACP, dans les bureaux de National Black Theatre Festival, et ceux de National Black Arts Festival à Atlanta. Quand il avait onze ans, il a découvert son talent pour la sculpture dans une classe de menuiserie. Son professeur avait alors dit aux élèves de prendre un morceau de bois et de faire ce qu'ils voulaient avec. Brown s’est passionné pour cet exercice. «Je l'ai glissé dans ma poche pour l’emporter à la maison", se souvient-il dans une interview à CBB. "Je l’ai poli et façonné jusqu’à ce qu'il devienne rond et lisse, [et] qu’il se mette à briller. J'étais un peu nerveux parce que je pensais que j'allais avoir des

ennuis pour l’avoir emporté à la maison. Mais au lieu de cela, j'ai eu une attention du professeur que je n’attendais pas. Il a ensuite montré mon travail à d’autres personnes .... Obtenir si jeune l'approbation de l'autorité et de mon groupe de pairs a été pour moi une indication que j’étais bon à quelque chose. " Une autre découverte est survenue à 13 ans, lorsque Brown a coupé accidentellement la tête d'un homme qu'il était en train de tailler. Après la déception initiale, il a vu la sculpture d’une toute nouvelle façon, comme un morceau abstrait réaliste, avec toutes les veines et les stries mis à nu. Il laissa son travail tel qu'il était, utilisant l'accident comme un moyen de favoriser la signification de son travail. "Cela m'a vraiment mis sur la voie pour être reconnu comme un sculpteur de qualité au sein de l'école», a t-il dit. Au moment où Brown avait 14 ans un portrait de lui en résine était apparu à la télévision nationale dans le cadre de l'exposition des enfants Cadbury Arts et beaucoup dirent qu'il était un prodige. Il a étudié pour son baccalauréat en beaux-arts à l'Université de Wolverhampton et a reçu le diplôme avec les honneurs quand il avait vingt ans, au début de 1989. De 1990 à 1996 il a enseigné l'art dans les écoles de Birmingham, Wolverhampton, Manchester et Bristol. En dépit de son enthousiasme personnel pour son art, Brown n'a pas, d’abord, reçu le soutien de sa famille. Sa mère s'inquiétait de son choix professionnel, qui ne lui semblait pas économiquement viable. Selon Brown, sa mère voulait qu'il aille au ministère, qu’il soit prédicateur, enseignant ou médecin. "Je suis allé au collège ministère pour vérifier et pour passer un week-end", se rappelait Brown au CBB. "J'ai été choqué qu'il n'y ait pas un studio d'art, et j’ai immédiatement pensé que ce n'était pas pour moi. J'ai senti que j'avais une capacité à créer le genre de travail qui serait en soi un Ministère pour les gens, mais d'une manière différente. Et maintenant que je rencontre le succès, ma mère accepte pleinement ce que je fais. " Alors qu'il était encore à l'école, Brown créa, dans l’argile, un buste d'un homme dans un centre commercial à Oldham, dans le cadre d'une résidence, et appris à travailler et à parler aux passants en même temps. Après son diplôme, il décida qu'il ne voulait pas être artiste en lutte ou un artiste qui réussirait seulement après sa mort. Il se donna donc lui même un cours intensif dans les affaires, en travaillant d'abord dans le département des finances

de l'Université de Wolverhampton, puis en travaillant pour plusieurs entreprises de vente , vendant de tout, des téléviseurs aux matériaux de garage. Le but ultime de Brown était d'apprendre à promouvoir lui-même son travail comme un produit, sans avoir à passer par un agent. «Pour autant que les agents et les galeries puissent réussir», a t-il expliqué. «Très souvent, vous devez respecter certaines règles ou un certain type de style. Et pour le moment, je veux m'assurer que je maintiens ma fraîcheur, ma capacité à créer la quantité que je veux et quand je veux, sans avoir de restrictions." Initialement Brown ne visait qu’à créer une sculpture qui ressemblait à quelqu'un, mais maintenant, il essaie de mettre dans son travail du sens, du symbolisme, et de la profondeur aussi. On peut citer en exemple sa sculpture de bronze personnelle : Un génie avec quatre MA Masters. Dans celle-ci, Marcus Garvey et le Mahatma Gandhi sont représentés grands par rapport au fond tandis que le premier plan de chaque côté de Malcolm X et du révérend Martin Luther King, Jr. Est fait de barreaux pour que Nelson Mandela puisse sortir en liberté. «C'est presque comme essayer de créer une sculpture qui est comme un récit, comme une histoire, qui est éducative et informative", a déclaré M. Brown. «Il y a une raison pour laquelle Martin Luther King et Malcolm X brisent ces barreaux d'une prison ouverte. Il y a une raison a ces verrous, sans clés, parce qu'ils sont eux-mêmes les clés. Il y a une raison pour que les cinq têtes soient liées d'une certaine manière, qui est symbolique des cinq cercles olympiques, qui est un signe d'unité mondiale. " Brown a aussi dit au journal The News and Observer de Raleigh, Caroline du Nord, "Ces hommes étaient tous des maîtres dans leur domaine." Comme Brown l'explique, leurs noms ont tous les lettres MA et une maîtrise est considérée comme un signe d'excellence. Au début, l'influence de Brown est venue de ses études des sculptures de maîtres européens comme Michel-Ange, Rodin, et Bernini. Mais après avoir visité l'Amérique, il est devenu conscient de son histoire de l'Afrique, dont il n’avait pas pris conscience en Grande-Bretagne, et cette prise de conscience a eu un impact sur son travail. Cependant, il n’a pas voulu se limiter à un style ou l'autre. "Je peux créer un style européen", a t-il commenté au CBB. "Je peux créer un style afro-américain. Beaucoup

de gens disent:« Votre travail est-il européen ? Ou vos travaux sont ils américains africains ou africanisées ? Je voudrais être capable de produire à partir des conventions d'une nationalité particulière. " Les critiques ont loué Brown pour le détail et la ressemblance de ses portraits en buste. En outre, "Les critiques ont très prompts à dire que je suis l'artiste du moment ou un artiste qui est sur le point d'exploser ou d'un artiste qui est un art au secret bien gardé", a t-il dit. «Ils admirent le fait qu'un artiste puisse travailler en public et passer de la sculpture à la conversation." L'exposition a donné lieu à une demande croissante pour plusieurs de ses œuvres originales. » Actuellement, l'artiste travaille sur «une sculpture pleine d'action avec un message profondément enracinée pour beaucoup d'Afro-Américains" à propos du Passage Moyen, le voyage des navires négriers de l'Afrique à travers l'Atlantique vers l'Amérique et l'Angleterre. «Je me concentre sur les atrocités qui ont eu lieu lors de ce passage, être à l'étroit dans de petits espaces, de nombreux malades et mourants jetés par dessus bord, littéralement des millions", a t-il dit. «Je suis en train de créer une pièce qui attire l'attention sur ce moment-là ne l'oublions pas." La sculpture est prévue pour être coulée à partir d'argile en bronze. Brown est également en train de commencer un nouveau travail qui est l'équivalent féminin d' « un génie avec quatre maîtres ». "Il va célébrer les héroïnes qui ont contribué énormément à notre histoire." En plus de la sculpture, Brown a réussi à exceller dans la piste et sur la pelouse comme coureur de haies et comme sauteur en longueur, et il a aussi une autre carrière comme auteur-compositeur gospel. Montant un talent sans limite, il travaille aussi comme : acteur, mannequin et humoriste. Artiste britannique qui excelle dans la maîtrise de la sculpture blanche acrylique, a de fortes chances de créer l’événement tant ses personnages ont déjà fasciné les habitués des foires internationales. Entre tradition de la statuaire (égyptienne ou grecque) et un naturalisme avéré (il s’agit chaque fois de Yoko, sa propre femme), Don Brown se joue de l’échelle pour donner à ses œuvres des allures de petite femme mi-fashion (frange, petite culotte et plateforme shoes), mi-mutante (corps filiforme aseptisé). La sculpture de Don Brown ne conduit que vers une seule voie, sans artifices et sans ambages. Cette

voie, c’est Yoko sa femme, l’unique modèle de l’artiste, sa muse, son égérie, son objet de désir. Mais une fois évacuée la question du sujet, Don Brown plonge son travail dans un questionnement autrement plus vaste. Celui de la représentation. Don Brown s’amuse des attitudes de son modèle, bien qu’attachés à une vérité de la représentation, ses objets s’éloignent de la réalité en refusant d’entrer dans un rapport mimétique d’échelle et de coloris. Ses plâtres blancs ou noirs ont la délicatesse de la peau mais n’en ont pas la saveur. De la même manière, si il fait de ses sculptures un instantané suspendu dans le temps, chacune de ses oeuvres forme au contraire le résultat d’un travail patient et minutieux. Yoko est donc un ovni dans le champ de la sculpture et l’occasion pour Don Brown de braver tous les attendus du genre. Depuis la fixation de l’instant, le mimétisme forcené des modèles et, bien entendu, jusqu’au sempiternel mythe de la muse... Yoko XIV, une sculpture en résine blanche, longue et fine du sculpteur Don Brown (45 ans), défendu depuis une dizaine d’années par l’importante galerie londonienne Sadie Coles et dont on a pu apercevoir cette magnétique pièce sur l’espace de la galerie Almine Rech. Etourdissante de réalisme étrange dans sa mise à nu immaculée, cette sculpture/femme plus que menue (118 x 32 x 27) ne porte qu’une petite culotte et des talons compensés. En appui sur la jambe droite, elle croise les bras sur ses petits seins, cheveux coupés à la garçonne, regard assuré et si fragile à la fois. Nous sommes attiré, littéralement happé… Oui, cela fait bien longtemps que nous n’avions pu été confronté à une émotion pareille. Entre tradition statuaire (notamment égyptienne et grecque), belle maîtrise du naturalisme (façon John De Andrea et Duane Hanson), traitement de l’échelle bouleversant quelque peu repère et hiérarchie (façon Ron Mueck), ce travail magnifique sur le corps, il se sert uniquement de sa femme comme modèle. Brown tente de ré-imaginer sa femme comme une Femme Multiple. Yoko a été présentée déshabillée sous des aspects divers : Enceinte, sur le bord d’un bol, se reposant dans une chaise et en version argentée. Les sculptures idolâtrent son physique modèle et sa petitesse comme une silhouette particulièrement moderne, évoquant les formes de Dieu du style gréco-romain dans la sculpture dans le 21ème siècle avec un regard plus naturaliste.

Il serait intéressant d’évaluer les réactions à ce spectacle fondées sur le sexe. Ses sculptures ne semblent pas être directement conçu pour « titiller », et pourtant, il vous supplie de regarder et de scruter le corps nu de sa femme dans un rendu net et précis, juxtaposé à des images traditionnelles de la beauté dans l’art. Dans le livre de Brown, Yoko, est écrite à la troisième personne, l’artiste décrit Yoko comme un personnage de « Lolita » et des comparaisons avec la Petite danseuse de Degas ne contribuent guère à dissiper cette idée. Cependant il semble qu’il y est une autre question en jeu ici ce qui rend le travail de Brown presque inquiétant - ses sculptures sont tirées à la moitié ou à un tiers de la taille de Yoko et sont conçues avec des détails obsessionnels. Cela semble mettre en évidence l’intensité de la relation entre la muse et l’artiste, qui connaît chaque pouce de son corps assez bien pour dessiner à l’échelle - un trait qui semble paradoxalement romantique dans une relation extra-conjugale comme Andrew Wyeth et Helga - mais qui dans une relation de mariage semble autoritaire et possessif. Depuis le «masque mortuaire» de la couverture de l’album Spiritualized à ses nouvelles œuvres, Yoko apparaît comme un partenaire passif et silencieux, plus objet que femme sur un piédestal particulièrement vertigineux. Son acceptation à être objectivé et son aisance avec son corps sont des objectifs niés par Brown, qui n’a pas créé une Femme Multiple, mais une déesse Il ya des touches d’humanité dans ces images -. Les poses maladroites de Yoko, son sens original du style et de son jumeau tendre, main sur sa hanche - mais les sculptures semblent encore impersonnelle et manquent de chaleur. Fait intéressant, Yoko était présente à la soirée d’ouverture, comme une femme élégante, belle et vibrante, jeune, facilement reconnaissable comme la source d’adulation de Brown, mais je sentais qu’il y avait seulement une petite partie de sa personnalité dans son travail. Peut-être il est un hommage plus approprié à elle, que Brown a encore à faire.

DON

Don Brown s’est tout d’abord choisi lui-même comme le modèle de ses sculptures. Invariablement intitulées « Don », elles firent l’objet de sa première exposition personnelle chez Sadie Coles en 1997 et déjà étaient de moitié plus petite que nature. Don s’y représentait dans sa banalité parfaitement non héroïque d’un homme du XXème siècle, loin des modèles triomphants de la statuaire antique qu’on a parfois convoqué à son sujet. Puis il a entrepris, il y a presque dix ans, de ne plus représenter que son épouse. Comme les sculptures dont il était le sujet, celle consacrées à Yoko sont plus petites que le sujet lui même, de moitié ou de trois quart. L’effet est immédiat : on a envie de protéger ces figurines que l’on toise, et qui semblent comme pétrifiées dans la blancheur immaculée qu’elles arborent généralement — celle d’une fine résine acrylique, qui restitue à la perfection la précision maniaque avec laquelle elles sont sculptées. Car comme le laisse percevoir leur petite taille, elles ne peuvent avoir été moulées sur l’original, et ne peuvent donc être que le fruit d’un patient travail : en cela encore réside leur singularité dans le paysage manufacturé de l’art de notre époque. Comme les statues égyptiennes dont la longueur d’une robe, la forme d’une coiffure ou la manière de représenter les yeux permettent la datation, ce ne sont que quelques accessoires qui inscrivent Yoko dans une éventuelle temporalité : la forme d’un bikini, une paire de plateform-shoes, une coiffure, une robe. Yoko IX (2004), hiératique, frontale, dans une longue robe qui lui colle au corps, un bras plié vers le haut, ressemble d’ailleurs à une image générique de ces statues égyptiennes tandis que, juchée sur des talons aiguille, les bras le long du corps et la cassure de la taille marquée par un léger déhanchement, Yoko II (2002) évoque les Large Nudes de Helmut Newton. Réduit à un seul personnage, à une seule couleur et à peu d’accessoires, chaque décisions, chaque variation de la pose, chaque détail prend une signification dramatique : Yoko évolue devant nous dans un ralenti absolu. Et c’est aussi dans une certaine manière que Don Brown semble vouloir les produire, quelques sculptures chaque année, tout au plus, dans un laborieux processus d’enregistrement du temps qui passe. » Pour autant qu’elles représentent la figure humaine, les sculptures de Don Brown sont sans équivalent dans l’histoire de l’art contemporain. Blanches, celles

de Georges Segal étaient à échelle humaine et réalisées dans un plâtre rudimentaire très éloigné de la qualité de détails que restituent celles de Don Brown. Minutieuses elles aussi, celles de Duane Hanson étaient aussi à l’échelle naturelle, et renvoyaient de par leur accoutrement une vision bariolée de l’univers Pop qui les avait vu naître, au tournant des années 70. Affranchies du vêtement, et présentant des corps à l’échelle humaine dans une parfaite nudité, les sculptures hyperréalistes de l’Américain John de Andrea, elles aussi apparues dans les 70’s, fascinaient pour leur pouvoir d’imitation des qualités plastiques de la peau. Figées dans la légèreté fragile et immaculée de leur production en résine blanche**, celles de Don Brown n’ont que l’extravagance de leur précision et de leur taille réduite pour affronter le regard. Les codes de la sculpture classique, distribués avec une parcimonie, rappellent combien il s’agit d’un exercice : un socle sur lequel se tient le modèle, dans Yoko X, 2004 : de petits piedestaux sur lesquels, Yoko est parfois surélevée par des talons compensés, redoublant le procédé de mise à distance avec le sol. En contrepoint de ces codes, l’attitude est étonnamment naturelle : une femme contemporaine, les mains sur les hanches, assise, droite, dans une forme de simplicité et d’évidence que ne connaît plus la photographie de mode — et de fait, la dimension photographique de ces sculptures frappe immédiatement. Brown tente de ré-imaginer sa femme comme une Femme Multiple. Yoko a été présentée déshabillée sous des aspects divers : Enceinte, sur le bord d’un bol, se reposant dans une chaise et en version argentée. Les sculptures idolâtrent son physique modèle et sa petitesse comme une silhouette particulièrement moderne, évoquant les formes de Dieu du style gréco-romain dans la sculpture dans le 21ème siècle avec un regard plus naturaliste. Il serait intéressant d’évaluer les réactions à ce spectacle fondées sur le sexe. Ses sculptures ne semblent pas être directement conçu pour « titiller », et pourtant, il vous supplie de regarder et de scruter le corps nu de sa femme dans un rendu net et précis, juxtaposé à des images traditionnelles de la beauté dans l’art. Dans le livre de Brown, Yoko, est écrite à la troisième personne, l’artiste décrit Yoko comme un personnage de « Lolita » et des comparaisons avec la Petite danseuse de Degas ne contribuent guère à dissiper cette idée.

Cependant il semble qu’il y est une autre question en jeu ici ce qui rend le travail de Brown presque inquiétant - ses sculptures sont tirées à la moitié ou à un tiers de la taille de Yoko et sont conçues avec des détails obsessionnels. Cela semble mettre en évidence l’intensité de la relation entre la muse et l’artiste, qui connaît chaque pouce de son corps assez bien pour dessiner à l’échelle - un trait qui semble paradoxalement romantique dans une relation extra-conjugale comme Andrew Wyeth et Helga - mais qui dans une relation de mariage semble autoritaire et possessif. Depuis le «masque mortuaire» de la couverture de l’album Spiritualized à ses nouvelles œuvres, Yoko apparaît comme un partenaire passif et silencieux, plus objet que femme sur un piédestal particulièrement vertigineux. Son acceptation à être objectivé et son aisance avec son corps sont des objectifs niés par Brown, qui n’a pas créé une Femme Multiple, mais une déesse Il ya des touches d’humanité dans ces images -. Les poses maladroites de Yoko, son sens original du style et de son jumeau tendre, main sur sa hanche - mais les sculptures semblent encore impersonnelle et manquent de chaleur. Fait intéressant, Yoko était présente à la soirée d’ouverture, comme une femme élégante, belle et vibrante, jeune, facilement reconnaissable comme la source d’adulation de Brown, mais je sentais qu’il y avait seulement une petite partie de sa personnalité dans son travail. Peut-être il est un hommage plus approprié à elle, que Brown a encore à faire. Le but ultime de Brown était d’apprendre à promouvoir lui-même son travail comme un produit, sans avoir à passer par un agent. «Pour autant que les agents et les galeries puissent réussir», a t-il expliqué. «Très souvent, vous devez respecter certaines règles ou un certain type de style. Et pour le moment, je veux m’assurer que je maintiens ma fraîcheur, ma capacité à créer la quantité que je veux et quand je veux, sans avoir de restrictions.» Initialement Brown ne visait qu’à créer une sculpture qui ressemblait à quelqu’un, mais maintenant, il essaie de mettre dans son travail du sens, du symbolisme, et de la profondeur aussi. Au début, l’influence de Brown est venue de ses études des sculptures de maîtres européens comme MichelAnge, Rodin, et Bernini. Mais après avoir visité l’Amérique, il est devenu conscient de son histoire

de l’Afrique, dont il n’avait pas pris conscience en Grande-Bretagne, et cette prise de conscience a eu un impact sur son travail. Cependant, il n’a pas voulu se limiter à un style ou l’autre« Les critiques ont loué Brown pour le détail et la ressemblance de ses portraits en buste. En outre, «Les critiques ont très prompts à dire que je suis l’artiste du moment ou un artiste qui est sur le point d’exploser ou d’un artiste qui est un art au secret bien gardé», a t-il dit. «Ils admirent le fait qu’un artiste puisse travailler en public et passer de la sculpture à la conversation.» L’exposition a donné lieu à une demande croissante pour plusieurs de ses œuvres originales. » Actuellement, l’artiste travaille sur «une sculpture pleine d’action avec un message profondément enracinée pour beaucoup d’Afro-Américains» à propos du Passage Moyen, le voyage des navires négriers de l’Afrique à travers l’Atlantique vers l’Amérique et l’Angleterre. «Je me concentre sur les atrocités qui ont eu lieu lors de ce passage, être à l’étroit dans de petits espaces, de nombreux malades et mourants jetés par dessus bord, littéralement des millions», a t-il dit. «Je suis en train de créer une pièce qui attire l’attention sur ce moment-là ne l’oublions pas.» La sculpture est prévue pour être coulée à partir d’argile en bronze. Brown est également en train de commencer un nouveau travail qui est l’équivalent féminin d’ « un génie avec quatre maîtres ». «Il va célébrer les héroïnes qui ont contribué énormément à notre histoire.» En plus de la sculpture, Brown a réussi à exceller dans la piste et sur la pelouse comme coureur de haies et comme sauteur en longueur, et il a aussi une autre carrière comme auteur-compositeur gospel. Montant un talent sans limite, il travaille aussi comme : acteur, mannequin et humoriste.

YOKO

« Sa muse, son égérie, son objet de désir... »

« Ces figurines qui semblent comme pétrifiées dans la blancheur immaculée »

« Cheveux coupés à la garçonne, regard assuré et si fragile à la fois »

« Il paraît évident que le sublime est le but que Don Brown cherche à atteindre. »

« Don Brown se joue de l’échelle pour donner à ses œuvres des allures de petite femme mi-fashion,mi-mutante. »

« Entre tradition de la statuaire (égyptienne ou grecque) et un naturalisme avéré »

« Il vous supplie de regarder et de scruter le corps nu de sa femme dans un rendu net et précis.»

TWINS

1962 1983-85 1985-88

Naissance à Norfolk, UK Central School of Art, London Royal College of Art, London

Expositions seul 2012 2010 2009 2008 2007 2006 2005 2004 2000 1999 1998 1997 1996

Sadie Coles HQ, London Galleria Lorcan O’Neill, Rome Sadie Coles HQ, London Galerie Almine Rech, Paris Yoko, Le Consortium, Dijon, France Galleria Lorcan O’Neill, Rome Vacio 9, Madrid Sadie Coles HQ, London Yoko, Sadie Coles HQ, London Don : installation à Milton Keynes Art Gallery Don : installation permanente, Londres Don, Sadie Coles HQ, London Bavaria (avec Stephen Murphy), Hayward

Expositions en groupe 2011 2010 2009 2008 2007 2006 2004 2003 2002

Snap: Art au Festival Aldeburgh Crucible,Cathédrale Gloucester, Gloucester Recent British Drawings, Londres Sterling Stuff, King Palace Gallery, Londres Sculpture Garden,New York (NY) Timer 01, Triennale Bovisa, Milan, Italie Citadelle de Saint Tropez, France Serpentine Gallery, Londres Body Language, Pangolin Gallery, England UK London Institute Gallery, Londres Words, Counter, London Second Skin, Henry Moore Gallery, Leeds, UK

2001 2000 1999

1998

1997 1996

1995

1994

1993

1989 1988

Home, Douglas Hyde Gallery, Dublin Royal Academy of Arts, London Tragic Data, Lux Gallery, London Gallery Swap, Contemporary Fine Arts, Berlin Group show, Patrick Callery, New York (NY) In vitro, Galerie Zurcher, Paris From Within, Juliet, Trieste, Italie Sculpture, Flowers East, Londres Interactive, Amerada Hess, Londres Package Holiday, Workshops, Grèce Ikon Gallery, Birmingham, England Sphere of Serious Culture, ICA, London John Hansard Gallery, London Aurel Schiebler, Cologne, Germany Galleria dell’Oca, Rome Hardcore, Factual Nonsense, Londres Lisson Gallery, Londres Tell Everyone, Greene Naftali, New York (NY) Art Fair, San Francisco (CA), USA Conceptual Living, Rhizome, Amsterdam Beyond Belief, Lisson Gallery, Londres Young Artists of Britain, Londres Four Artists, 20 Dering Street, Londres Wonderful Life, Lisson Gallery, Londres Lucky Kunst, Silver Place, London Close Up, West 42nd Street, New York (NY) Artsite Gallery, Bath, UK Henry Moore Gallery, College of Art, Londres