Nosolofreak

Nº 12 - Septiembre 2012

Los espías más castizos:

Mortadelo y Filemón Transformers El Cómic

r e si

sJames o D

especial

Studio Ghibli

Bond

Todo lo que tienes que saber sobre 007

DIRECCIÓN Daniel Ferrer

SUBDIRECCIÓN Toni Camacho

MAQUETACIÓN, EDICIÓN & REDACCIÓN Toni Camacho Daniel Ferrer Maria Gracia Galán Molina

ENCARGADA DE RELATOS Andrea Peña

REDACCIÓN

Aída Albiar Andrea Peña Antonio Alcaide Beatriz Pulido(Miki Weasley Croft) David Blázquez Pérez Emilio Sanchís Eulària Febrer Coll.

Ismael Torres Javier Sánchez Roquero Jesús Javier Cagigós José Lopez Juan Dougnac Kyros Ylmaster Luis Jesús Zapico Quiñones Maica Herena (Neko Mai) María Gracia Galán Miriam Grado Salvador Vargas Toni Camacho

LA TETA ENROSCADA

Luis Borja Fuentes Galán Marta Fuentes Galán Marina Rodriguez Contacto: marketing@nosolofreak.com http://www.facebook.com/Nosolofreak http://twitter.com/#!/Nosolofreak http://www.fusion-freak.com/ Nosolofreak es un producto de Fusion-Freak

FRIKITORIAL

Porque no podíamos faltar en la vuelta al cole, porque nos gusta Bond y había que hacerle un homenaje como Dios manda, porque os echábamos de menos, por todo esto y mucho más, Nosolofreak Septiembre 2012 ya está aquí como hace un año, cuando surgió esta maravillosa idea que tantas alegrías nos ha dado y horas de sueño ha secuestrado.

Volvemos algo evolucionados, intentando hacerlo mejor, siempre desde la perspectiva amateur, de fans como vosotros y entregándonos a vuestra humilde crítica.

Hemos elegido dos temas primordiales para este primer número. Honrar como se merece al mejor agente británico con, seguramente, el dossier más completo que se puede hacer sobre 007, y dando un pequeño recorrido a las mejores películas del maravilloso estudio Ghibli.

Pero no podemos olvidarnos de tocar otras ramas: anime veraniego, los juegos de rol de espías, los cómics de Mortadelo y Filemón, Nick Furia o un impresionante especial de Transformer, también os traemos sexo, en una muy especial sección que promete emociones fuertes, todo esto y muchísimo más en este primer número de nuestra segunda temporada.

Os damos la bienvenida, de nuevo, a Nosolofreak, pasaremos lista así que no faltéis ninguno, y además ¡queremos nuevos lectores!.

Lucharemos por ello y esperamos que mientras lo paséis lo mejor posible mientras nos leeis.

Mientras tanto os preparamos un combinado de Martini de frikismo con un toque de Vodka de diversión , mezclado, no agitado.

Daniel Ferrer León, Director Nosolofreak

INDICE:

Al Servicio de su Majestad PAG 7 Mi Nombres es Bond, James Bond PAG 9 Una vez quise ser Bond: Los Candidatos PAG 23 La Banda Sonora de Nosolofreak PAG 32 Las Chicas Bond PAG 36 Sección Q: Gadgets y Vehículos PAG 44 El Mundo nunca es Suficiente: villanos y Esbirros PAG 48 Monstruos de Cine: Tiburon PAG 54 Skyfall PAG 56 The Bourne PAG 58 El superagente 86 PAG 62 Agente 006,5 Licencia para Explotar PAG 66 Mission Impossible PAG 76 Un Cine Servido en Plato Frio PAG 80 10 Títulos Controvertidos de la Historia del Cine PAG 84 Igor Orolov Un Espía de Verdad PAG 88 Mortadelo y Filemón Agentes de la T.I.A. PAG 92 El Misterioso Hombre de Parche PAG 100 Transformers PAG 108 Crónicas Crepusculares PAG 124 Nosolofreak Cosplay PAG 128 Especial Studios Ghibli PAG 150 Natsu Anime (I) PAG 180 Homeland PAG 188 24 Con B de Bauer PAG 190 Alias PAG 192 Activación Terrestre No Programada: Enemigo Mio PAG 196 La Teta Enroscada PAG 200 Tras la Pantalla de Master: Una de Espías PAG 208 Visitando el Capus Potter 2012 PAG 220 Reseña El Rey Trasgo 224 Entrevista a Cristina Roswell PAG 226 Juego de Tronos PAG 232 Nexus Q y Nexus 7 PAG 236 Agentes Secretos y la Filosofía PAG 238

AL SERVICIO DE relato basado

La avioneta sobrevoló el desierto, a los mandos había un hombre joven, apuesto, a su lado uno de mediana edad, cuyos ojos brillantes y negros observaban la arena bajo la sombra negra.

-Me dejaré caer a un par de kilómetros del palacio, tú da la vuelta y espera órdenes-su voz autoritaria no dejaba lugar a réplicas, pero aún así, el hombre mayor las recibió.

-Pero, señor Bond….

-No, Michael, hoy no es el día.

Se movió por la cabina y se dirigió hacia la puerta trasera. El traje chaqueta que llevaba dificultaba sus movimientos, pero aún así logró ponerse el paracaídas, abrir la puerta y hacer equilibrios cuando una turbulencia agitó el aparato.

Bajo sus pies solo había arena amarilla, aunque a lo lejos se podía observar una de las últimas maravillas del mundo, que, todavía estaba oculta a la mayoría de ojos de la humanidad. Desde allí arriba el palacio cuyas cúpulas estaban pintadas con oro, brillaban bajo la luz del sol, mientras que sus muros blancos, podían confundirse con la sustancia que había bajo sus pies.

A su alrededor, una hectárea de jardín rodeada por los meandros de un río que entraba y salía de una montaña y que pasaba por debajo de un puente que unía los dos torreones de la entrada de la fortaleza.

Era la octava maravilla del mundo, tenía más de 1000 años de antigüedad y hasta entonces la habían logrado mantenerla oculta.

Michael le hizo un signo con el dedo para que saltase y Bond obedeció sin dudarlo. Extendió los brazos a ambos lados del cuerpo y observó como debajo de él la tierra, antes lejana, ahora se abría ante él como un inmenso monstruo dispuesto a devorarle. Tiró de la cuerda y el paracaídas, de color arenoso, se abrió al primer intento, arrastrándolo hacia su destino, empujado por una corriente de aire cortante y asfixiante que, por unos instantes, le arrebató el aliento de sus pulmones.

Aterrizó a un kilómetro de la ciudad, se quitó el paracaídas y lo dejó allí, su color permitió que se confundiera con el desierto. Avanzó sin dudar, bajo el sol abrasador, con la cabeza agachada, tratando de no pensar en el astro, que se aferraba a su cabeza como un hierro incandescente.

Se quedó ante el muro sur, a la sombra. Era una

mole de granito que se reía de su torpeza, solo le faltaba entrar, pasar aquella construcción de miles de años de antigüedad sin dejar rastro ni daño en ella. O al menos, que el daño fuera mínimo.

Sacó una pistola y disparó.

Un gancho seguido de una cuerda salió volando de ella, se clavó en la parte superior. Tiró de la cuerda para ver si estaba afianzada y cuando se aseguró comenzó a trepar. Una vez en la parte superior sacó su pistola con el silenciador puesto y se agachó para asegurarse de que nadie le había visto, pero todos los hombres estaban más pendientes de la puerta que de él.

Avanzó hasta quedarse tras un barril y miró los pocos guardias que había en los muros. Cuando estuvo seguro, se asomó y miró hacia la fortaleza.

De cerca era todavía más impresionante, sus paredes de mármol estaban cinceladas con numerosos dibujos de escenas de combate, de dioses perdidos años antes. Estaban impregnados de una antigüedad que resaltaba en cualquier lugar donde mirase.

Bajó unas escaleras y cubriéndose tras unas cajas volvió a mirar hacia la puerta, los dos guardias esperaban impacientes a cualquier acción que pudiese proceder de él o de cualquier enemigo que tras aquellos muros pudiera llegar. Sacó la pistola y se acercó todavía más, hasta quedarse a una distancia de unos cinco metros, entonces disparó.

EenSU MAJEstad el agente 007

algún día tengamos la piedad suficiente para matarlos a todos. ¡Decid esto a los vuestros! ¡Se acabó el petróleo para el norte!

Unos pasos se dirigieron hacia la puerta, presto Bond se dirigió hacia una de las habitaciones que había a un lado, se introdujo y miró su pistola, debía recoger al diplomático, debía rescatar la energía para su pueblo. Se asomó por la rendija y miró al sirviente que cruzaba el pasillo dejando entreabierta la puerta.

Miró y descubrió a todos sentados en un sillón lejos de la madera, la empujó suavemente, levantó la pistola y disparó cuatro veces.

El silenciador devoró las dos explosiones, y sus cráneos aceptaron las dos balas en una silenciosa muerte. Se aproximó todavía en cuclillas y los ocultó tras las cajas cuando creía que no le veía nadie. Solo entonces se ajustó la pajarita, abrió la puerta y entró.

Por dentro el aspecto era un poco más descuidado, o más bien abandonado. Caminó por un pasillo vacío rodeado por muebles cubiertos por sábanas, solo los cuadros le observaban desde las paredes y desde los suelos, al igual que el cadáver que se encontró a medio camino y que le hizo casi La avioneta volvía a volar. Bond miraba ahora caer. el edificio que se alejaba, sin atreverse a mirar al diplomático por si este le juzgaba, ni tampoco a su compañero que no sabía por qué tenía aquel aspecto alicaído.

-No hay suficiente energía para todo occidentesusurró el inglés-¿verdad?

-No- respondió el diplomático en un hilo de vozsolo para un país del tamaño de ese.

Señaló la gran construcción que estaba en medio del desierto, las grúas todavía estaban allí y llenaban todo el firmamento. Había miles de casas de reciente construcción, rodeadas por el meandro de dos ríos y por invernaderos, que soportaban el calor infernal de aquel lugar.

-No se puede conseguir más.-dijo Bond en un hilo de voz.

Bond lo esquivó y continuó caminando hasta la -No, la inventó un científico iraquí que fue asesinado puerta que cerraba el salón, de donde llegaban en la guerra por esta fuente de energía. Lo siento Selas voces de varias personas. Apoyó la oreja y es- ñor Bond. Solo será suficiente para alimentar durante muchos años a Gran Bretaña, el resto, tendrán que cuchó: -Ya la tenemos, la energía que salvará al mundo de sobrevivir con las migajas que queden de nuestra la muerte del petróleo. Nada ni nadie podrá ahora sociedad. reírse de los países árabes, dejaremos que occiAndrea Peña dente se muera por todos los crímenes cometidos contra el sur durante años.

Alguien respondió, pero la voz era lejana y débil.

-Dejaremos que vuelvan a la Edad Media esos asesinos sin escrúpulos que se han estado alimentando de la pobreza de la mayoría.

Bond se separó de la puerta y suspiró, agachó la pistola y apretó los dientes -Se arrepentirán en su propio infierno cuando se maten entre ellos, de lo que han hecho. Y quizás

Mi nombre es Bond, James Bond por Antonio Alcaide

En 1953 se publicaba en Londres una novela de espionaje titulada Casino Royale, su autor Ian Fleming, un tipo reservado, que aprovechaba sus conocimientos de campo como asistente del departamento naval británico de inteligencia, para poner en marcha tales argumentos.

tándolas o lo que es peor, retorciendo tanto el texto original hasta hacerlo irreconocible.

En cualquier caso no es mi intención denostar la saga Bond, pertenecen a grán parte de los mejores recuerdos de mi infancia, para nuestra generación es un icono imborrable e insustituible, su influencia en la cultura El protagonista de dicha novela era James Bond, agente popular es infinita, pese a sus imperfecciones forsecreto doble cero con licencia para matar, poco podía males, resulta evidente que su imagen y su contenido pensar Fleming la dimensión que el personaje alcan- van más allá de cualquier consideración negativa. zaría en apenas unos años gracias a su relación con el Séptimo Arte.

Seis son los actores que han puesto rostro a 007 y 11 los directores, siempre con la exigencia de no contraHay que destacar que la personalidad de Bond se tar en estos ámbitos a nadie que no fuera de origen transformó en elegancia en su paso a la grán pantalla, británico o al menos de ascendencia colonial equivaen las novelas de Fleming es un tipo mucho menos lente, como es el caso de el neozelandés Lee Tamahori, concesivo y casi brutal, 007 inició su andadura en cine director de “Muere otro día”, o el australiano George a principios de los 60, evidentemente en la sociedad Lazenby, actor de “Al servicio secreto de su majestad”. imperaba un machismo generalizado, pero se suavizó el tono para acercarle a un ideal que ambos sexos El cine pertenece a los realizadores, al menos es mi pudieran compartir, tanto para hombres como para punto de vista, sin embargo, en este caso concreto, es mujeres era un símbolo al que seguir como patrón de imposible esquivar a los interpretes, tienen tanta imcomportamiento, para ellos porque tenía esa clase de portancia o más que aquellos, son la imagen reconovida peligrosa y llena de aventuras que todos fantasea- cible del producto y basarse en ellos es la forma mas mos, y para ellas porque representaba un estilo varonil cómoda y factible de presentar los filmes, en las resede ensueño, dominante, pero sin caer en el exceso. ñas a los mismos, iré desmenuzando los detalles más significativos de la saga.

Volviendo a las novelas, Fleming solo llegó a escribir 12 completas, muchas de las historias adaptadas a ce- - SEAN CONNERY: luloide pertenecen a un libro de cuentos publicado en 1960 y del que se pueden extraer títulos como “Solo Su posterior trayectoria como actor es todo un logro, para sus Ojos” o “Panorama para matar”, es curioso poder superar el estigma del personaje no fue fácil, el que una bibliografía tan limitada haya dado para 22 es el Bond original, accedió al papel gracias a la fama películas, - ya casi 23 - sin duda que el éxito del per- lograda por su participación en el certamen de Mr. sonaje en los últimos 50 años, ha motivado, por parte Universo en los años 50, para muchos, entre los que de los productores, el intentar sacar petróleo argu- me incluyo, jamás habrá otro igual, su toque cínico y mental de donde fuere posible, a veces incluso inven-

su magnética presencia son sus señas de identidad, es cierto que tiene la suerte de ser el actor primigenio y eso siempre ayuda, pero más cierto es que suyas son las mejores películas de 007, casi todas adaptaciones fieles de las novelas de Fleming y lo que es más importante aún, realizadas en el periodo de guerra fría, cuando mayor dimensión y coherencia tiene la figura de un agente secreto.

Películas de la etapa Connery: - “Agente 007 contra el Dr. No” de Terence Young (1962).

El primer film de la saga, basado en la quinta novela escrita por Fleming, vista hoy se ve bastante anticuada, pero ya sienta las bases de lo que supondría la primera etapa del personaje, es una adaptación bastante fiel y Ursula Andress es una chica Bond inolvidable, su bikini blanco es uno de los símbolos más recordados de la iconografía del personaje, Dr No también es un buen villano, es lo bastante desagradable y retorcido como para quedarse en la retina.

El vaticano emitió un comunicado cuestionando la moralidad del film, cuestión que vista hoy día, parece cosa de risa.

Ian Fleming quería que su primo, el actor Cristopher Lee, - no es broma - interpretara al Dr No, finalmente no fue escogido para el papel y tuvo que esperar varios años para aparecer como villano en la saga, concretamente hasta 1974 que interpretó a Francisco Scaramanga en “El hombre de la pistola de oro”.

- “Desde Rusia con amor” de Terence Young (1963) El enorme éxito de su antecesora le sirvió para presentarse con un acabado más sólido, posiblemente sea el mejor film Bond, - con permiso de Goldfinger - tiene 2 villanos de altura - Robert Shaw, el Quint de “Tiburón” está enorme en todos los sentidos - y la historia es acorde a los tiempos en los que Fleming pensó al personaje, no quiero dejar pasar el detalle de la BSO, John Barry, magistral compositor, el mismo de “Memorias de África”, es a quien debemos la sintonía musical reconocible y reconocida.

Una curiosidad, Ian Fleming aparece en la escena del tren, otra, Sean Connery lo pasó mal en la famosa escena del helicóptero, el piloto pasó demasiado cerca en más de una ocasión, poniendo en peligro la integridad física del actor escocés.

“Bond. James Bond.”

Agente 007 contra el Dr. No

Por primera vez aparece al final el subtítulo “James Bond regresará....” y el título de la siguiente película, otra de las marcas de estilo reconocibles de la saga.

- “Goldfinger” de Guy Hamilton (1964) Turno para Maurice Binder y sus míticos títulos de crédito iniciales, Harry Saltzman y Albert R. Broccoli, productores originales de la saga son los responsables, le contrataron para Dr. No, y el estilo gustó tanto que ya se quedo para siempre, en Goldfinger ya comienzan a despuntar, sobre el film, es uno de los más entretenidos, quizá pierda un poco con su antecesora, pero como divertimento de primera calidad no tiene precio, hay que tener en cuenta que el cine de acción no existía en esa época, esto es lo más parecido que se puede encontrar, imaginad el entusiasmo del público y el enorme éxito que suponían las películas de Bond.

El secuaz de Goldfinger, Odd Job y su sombrero cuchilla, una gozada, además tenemos la escena del rayo laser, ese que está a punto de dejar sin atributos a 007, ambos sin duda, momentos imborrables de la saga.

Shirley Bassey pone la voz al primer tema digno de mención, escrito por Barry de acuerdo con la estructura musical del tema principal, las canciones representan otro de los tesoros de valor incalculable dentro de los films.

- “Operación Trueno” de Terence Young (1965) Publicitada como la mayor película jamás rodada bajo agua, signo del poderío económico de Saltzman y Broccoli, hay que reconocer que es un título del todo espectacular para la época en la que fué filmada, argumentalmente se hace algo aburrida y comienza a mostrar signos de agotamiento en Connery, si os fijais, trabajaban a un ritmo de película por año y con una exigencia bastante alta, dado el éxito del producto.

Impagable la voz de Tom Jones buceando los títulos de Binder, al que por cierto también debemos el magnifico efecto llamado “Gunbarrel”, ese que aparece al inicio de todo film Bond, donde 007 dispara a cámara a través de un tubo estriado y la pantalla se torna en sangre, momento legendario y sello inconfundible de la saga.

- “Solo se vive 2 veces” de Lewis Gilbert (1967) La más exótica y entrañable de las aventuras de 007, cambio de director trás el monopolio de Young y

Hamilton, Gilbert cumple, pero queda por debajo en intensidad formal, un Sean Connery exhausto abandona al personaje para no volver,al menos en un principio.

La locura por el rodaje de la cinta en Japón llevó a Lewis Gilbert a un rodaje de pesadilla, en algunas secuencias tuvo que esconder las cámaras para minimizar la atención sobre unos fans histéricos ante la presencia de Connery.

Nancy Sinatra espectacular, la “otra voz” en una de las mejores canciones de la saga.

George Lazenby: Los productores de la franquicia pensaron que buscando un actor similar a Sean Connery solucionarían el problema a la espantada del escoces, un actor y modelo desconocido llamado George Lazenby tiene la desgracia de figurar como una pausa incomoda en la saga, evidentemente no funcionó pese a los esfuerzos por venderlo como una versión mejorada del agente secreto, el público tenía demasiado asimilado a Connery, de Lazenby no se volvió a saber más tras su primer y único film.

Películas de la etapa Lazenby: - “007 al servicio secreto de su majestad” de Peter Hunt (1969).

De los memorables títulos iniciales, con la sublime música orquestral de Barry, porque curiosamente, ésta es la única cinta Bond donde no hay canción, pasamos a un título bastante soso y olvidable, de metraje extenso y plomizo discurso, el público tampoco perdonó que 007 contrajese matrimonio en el film, es uno de los detalles que menos gusta recordar a los adeptos al personaje.

Lo mejor, Telly Savallas como Blofeld, uno de los villanos más característicos de la saga.

Inevitablemente debemos volver a Sean Connery, aún hoy día es un misterio lo que los productores pagaron al actor para que regresara al personaje en ésta, su última aventura oficial.

- “Diamantes para la eternidad” de Guy Hamilton (1971).

Uno de los mayores fracasos de la franquicia, ni recu-

perar a Connery ni poner a un experto como Hamiton de nuevo trás la cámara sirvieron para salvar la situación, sinceramente el film da bastantes muestras de agotamiento, pero contiene elementos de lo más interesantes en su metraje, como esos asesinos homosexuales del todo perversos y absolutamente geniales.

Shirley Bassey repite canción trás Goldfinger, no iguala la potencia de aquella pero cumple sobradamente.

Roger Moore: Para mucho el mejor Bond, su estrella es sin duda el haber ocupado ininterrumpidamente una década que en realidad son 2 (1973-1983), y que sus películas sean practicamente el único referente al cine de puro entretenimiento durante ese período, Moore el el 007 socarrón, aporta un cinismo al personaje diametralmente opuesto al de Connery, su caracter es burlón, lo que le vale para conectar muy bien con el público, en este caso el relevo fué acertado, además el actor venía de triunfar en tv con la serie “El santo”, asi que no era un desconocido para las masas, es el intérprete que más tiempo se ha perpetuado en la saga, - si no contamos la versión no oficial rodada por Connery - incluso cuando personalmente se encontró fuera de lugar por la edad, los productores y los fans consiguieron convencerle para alargar su relación en al menos 2 títulos más, todo un logro.

Películas de la etapa Moore:

- “Vive y deja morir” de Guy Hamilton (1973) La franquicia toma un nuevo rumbo de rabiosa modernidad, el cambio de rol se nota en casi todos los ámbitos, para bien o para mal, yo acuso personalmente que las historias se vuelvan demasiado excesivas en su desarrollo, la que nos ocupa mantiene un tono desenfadado que resulta más entretenido que sus antecesoras, pero que también es menos consistente, las libertades que se toma, en lo general, provocan un resultado final más frívolo.

Temazo de Paul McCartney con el mismo título que el film, uno de los mejores, sino el mejor, de los compuestos para un film de 007.

- “El hombre de la pistola de oro” de Guy Hamilton (1974) Para los que conocen la historia original escrita por Fleming, este film resulta una aberración, se toma excesivas libertades y elimina de un plumazo todos los elementos de la trama original, un argumento por cierto, el literario, del todo recomendable. En su defensa, que tiene a un Cristopher Lee impagable como Scaramanga, uno de los mejores villanos de la saga.

Lulú pone su voz a otro tema mítico.

- “La espía que me amó” de Lewis Gilbert (1977) El primer guión totalmente original de la franquicia Bond, las novelas de Fleming comenzaban a terminarse y había que perpetuar al per-

“Un mart vodka. Re no agita

tini con evuelto, ado. “

sonaje en pantalla, curiosamente es un buen film, Hamilton se había acomodado demasiado trás la cámara y Gilbert reacciona bien a pesar de que hacía 10 años de su anterior y primer trabajo como realizador, un film exótico y bien planificado que contiene la curiosa virtud de contar con diseños del mismísimo Stanley Kubrick, su hija, Catherine, había sido contratada para dar forma a la dirección artística del film, pero incapaz de proponer un diseño adecuado para el palacio marino del villano, recurrió a su padre que si convenció con su visión, no es para menos, en ese terreno el maestro era insuperable.

original en un film, que prefiere descaradamente copiar la anterior entrega, apenas cambiando el océano por la estratosféra, Richard Kiel se enfunda por segunda y última vez, la memorable mandíbula metálica de Tiburón, lástima que hasta su personaje acabe siendo una parodia de “La espía que me amó”.

No se puede pasar por alto a Tiburón, interpretado por el actor Richard Kiel, posiblemente el villano-secuaz más recordado de la saga, a pesar de solo haber participado en 2 películas, la que nos ocupa y Moonraker.

Comienzo de la etapa de John Glen como director que se prolonga en 5 títulos consecutivos, el realizador con más filmes Bond a sus espaldas, - Guy Hamilton le sigue con 4, y Lewis Gilbert y Terence Young con 3 cada uno - y que busca con acierto aparcar progresivamente los excesos de filmes pasados y reconducir al personaje a una imagen más seria y acorde con los nuevos tiempos, son los 80 y el nivel de exigencia del público es evidentemente superior, curioso que en el caso de los cinco films rodados por Glen, todos este basados en historias cortas escritas por Fleming, funciona bien desarrollar un guión desde ese punto de partida, “Solo para sus ojos” es una de las mejores películas con Roger Moore como actor, es entretenida y más sólida y formal en su exposición argumental, sobre todo si la comparamos con los antecedentes más próximos.

Mención especial también para Barbara Bach, todo es discutible, pero posiblemente sea le mejor chica Bond de todos los tiempos, su pavorosa belleza y su presencia son incontestables.

Carly Simon pone su voz a “Nobody Does It Better”, tema principal del film, compuesto junto a la BSO por Marvin Hamlish.

- “Moonraker” de Lewis Gilbert (1979) Posiblemente la peor película de la saga Bond, su tramo final en el espacio resulta de lo más bochornoso, en este caso si existe novela de Fleming que adaptar, pero es una versión tan libre, que poco se puede encontrar del texto

Otra despedida, Shirley Bassey pone la voz con la canción del mismo título al film, en su tercera y última colaboración de la saga.

- “Solo para sus ojos” de John Glen (1981)

Un apunte más, la mirada de medusa de Carol Bouquet, la chica Bond del film, hace sobrada justicia al título.

PANORAMA PARA Sheena Easton pone voz al tema del mismo nombre del film, compuesto en esta ocasión, al igual que la BSO, por Bill Conti.

- “Octopussy” de John Glen (1983) Para muchos uno de los mejores títulos y más recordados de la era Moore, personalmente la considero un paso atrás en el trabajo de Glen como director, aún resulta concesiva a esos golpes de humor que para mi gusto estan fuera de lugar, pese a todo, hay parte de ese esfuerzo por reconducir al personaje al terreno al que pertenece, el film se divide en 2 partes bien diferenciadas, la de la India resulta bastante floja, la cinta remonta en interés cuando 007 llega a Berlín.

Rita Coolidge sube el nivel con una canción memorable titulada “All Time High”, compuesta como no, por el maestro Barry.

- “Panorama para matar” de John Glen (1985) Lo que más llama la atención de el último film protagonizado por Roger Moore, es lo terriblemente envejecido que se ve al actor, como comentaba anteriormente, hubo que convencerle para rodar sus 2 últimos trabajos como Bond, la película es una digna despedida, se beneficia de un villano, Max Zorin, interpretado con la vena psicopata de un actorazo de la talla de Cristopher Walken, bien combinado con la presencia siempre ambigua de su secuaz en la cinta, la actriz Grace Jones.

Duran Duran y John Barry juntos, ¿alguno pensó que no iba a funcionar?, el resultado, “A view to a kill”, uno de los temazos más míticos de la saga.

Timothy Dalton: Curioso lo de este actor, con apenas 2 películas en la saga es para muchos el Bond que mejor se acerca a la imagen pensada por Ian Fleming para el personaje, el propio Sean Connery ha reconocido que su Bond favorito es Timothy Dalton, mucha de la culpa la tiene John Glen, que vió un filón en Dalton, aprovechó el

MATAR cambio de ciclo para endurecer a 007, la mirada fría del interprete Británico tambien ayuda lo suyo, una etapa breve pero intensa, los productores intentaron por todos los medios que el actor continuase en la saga trás “Licencia para matar”, pero se negó por miedo a encasillarse en el personaje, el dia que Pierce Brosnan ocupó su lugar en “Goldeneye”, el solvente Glen abandonó la franquicia para siempre.

Películas de la etapa Dalton: - “007 Alta tensión” de John Glen (1987)

Michael Kamen se hace cargo de la BSO y Gladys Knight pone voz al tema del mismo título que el film.

Se produce un parón en la continuidad de la saga debido a los problemas entre productoras, la de siempre, La United Artist está en quiebra y la MGM se debe hacer cargo de la nueva situación, diversos contingentes legales con la EON, propietaria de los derechos, atrasan la llegada de un nuevo film, para ansiedad de sus más acérrimos fans.

Pierce Brosnan:

Nuevo actor y nueva dinámica, el cine de acción ya tiene forma, no es necesario ofrecer espectaculos de pirotécnia y Bond se vuelve al telón de acero, recupera sobriedad y tono de espionaje adecuados a su figura, para muchos esta es la mejor pelicula de la saga, tiene consistencia no cabe duda, como curiosidad, comienza el Gibraltar, con 007 de practicas por el peñón.

A Pierce Brosnan le paso lo mismo que a Roger Moore, ya se le veía en el papel desde mucho antes de que cayera en sus manos, su participación en la exitosa serie de TV “Remington Steele” le había creado un perfil ideal para encarnar a 007, no resultó por tanto ninguna sorpresa verle en el papel, la suya es una fase con excesivos altibajos, vuelven las fantasmadas injustificadas, excesos que no son facilmente perdonables, Los guiones sigue nutriendose de historias cortas de todo luce más espectacular que nunca, lo cual está Fleming para subsistir, en este caso, del mismo título bien si se sabe desconectar, tambien existen elemenque el original. tos apreciables, por primera vez vemos a Bond Sufrir tortura, o ejecutar una venganza contra una mujer que le ha traicionado, con la frialdad que se requiere del A-ha pone voz al tema “The Living Daylights”, es el personaje. último de los compuestos por el maestro Barry.

- “Licencia para matar” de Jonh Glen (1988) Los tiempos cambian y los argumentos con elllos, el villano del film es un traficante de drogas y la acción se traslada a las zonas más calidas de centroamérica, exótismo, que tampoco es un elemento nuevo en la saga, lo que si interesa es el tratamiento serio de Glen con el personaje, en este su último film como realizador, contenido y nada excesivo, al menos si lo comparamos con la etapa de Roger Moore.

Todos los films interpretados por Brosnan son guiones totalmente originales para cine.

Películas de la etapa Brosnan: - “Goldeneye” de Martin Campbell (1995)

Mal comienzo para tan esperado regreso, el film se deja ver, pero se aleja demasiado de la linea marcada por las películas protagonizadas por Dalton para acercarse erroneamente al cine de acción más convencional. Sean Bean compone un buen villano, un ex agente 00 pasado al bando contrario, lo mejor de la Fué mi primera película de la saga en cine, me escapé película junto a la espectacular - y también malvada de casa y la vi solo con apenas 8 años, desde entonces, - Famke Jansen. siempre he sido fiel a mi cita con 007 en la grán pantalla.

Una curiosidad, Goldeneye es el nombre de la finca que Ian Fleming poseía en Jamaica.

Eric Serra se hace cargo de la BSO y Tina Turner pone voz al temazo con el mismo nombre del film, escrito por Bono, lider de U2, ahí es nada.

- “El mañana nunca muere” de Roger Spottiswoode (1997) Mi favorita de la etapa Brosnan, más por su habilidad en su planteamiento que por su contenido, Jon-

athan Pryce interpreta a un Magnate de los medios de comunicación demente, que quiere provocar una guerra entre Gran Bretaña y China para así mejorar las audiencias, todo muy veraz y muy adecuado a nuestros tiempos, además su secuaz, el actor alemán Gotz Otto, recuerda a los mejores villanos de antaño, con su amenazadora presencia física.

David Arnold se hace cargo de la BSO, competencia que le pertenece desde este film hasta la actualidad.

Sheryl Crow es la elegida para poner voz a la canción del mismo título que la película.

- “El mundo nunca es suficiente” de Michael Apted (1999) El guión más endeble de las cintas protagonizadas por Brosnan, es la menos espectacular de sus 4 films y la química con Denise Richards, la chica Bond, es practicamente nula, lo mejor del film Robert Carlyle, compone un villano temible, con una bala alojada en el cerebro que le hace insensible al dolor.

Garbage pone voz al tema del mismo nombre que el film.

- “Muere otro dia” de Lee Tamahori (2002)

La despedida de Brosnan como 007 es un homenaje al personaje en su 40 aniversario, tiene detalles estimables para los fans del agente secreto, pero en esencia, el film es una calamidad, una fantasmada imperdonable con escenas que son una auténtica pesadilla digital, suerte que Halle Berry está soberbia, le roba todo el protagonismo a Bond, verla salir del agua, con gesto y bikini similares al Ursula Andress en Dr. No, es uno de los momentazos de la saga.

Madonna pone voz a “Die Another Day”, título original de la cinta, interpreta además un papel secundario como instructora de esgrima.

Daniel Craig: El Bond actual, su elección estuvo llena de polémica, muchos despreciaban al actor , a veces por cosas tan ridículas como su color de pelo, parecían olvidar que no era el primer 007 rubio, Roger Moore tuvo ese privilegio. Su implicación con el personaje es total, llegando a lesionarse en las escenas de riesgo por querer hacerlas el mismo, su rostro pétreo y su frialdad encajan a la perfección con el Bond soñado por Fleming, - solo Timothy Dalton ha tenido una consideración similar - gracias al nuevo enfoque que aporta su interpretración, incluso los no adeptos han reconocido la enorme mejoría en la calidad del producto.

Películas de la etapa Craig:

- “Casino Royale” de Martin Campbell (2006) La primera novela de Ian Fleming ha tardado la friolera de 44 años en verse reflejada en la saga, como se suele decir, la espera mereció la pena, si había que renovar al personaje y alejarse de la linea - fantasma - anterior, era ideal volver a los orígenes y empezar desde cero.

Martin Campbell, director de Goldeneye, mejora sustancialmente su concurso trás la cámara en esta, su segunda cinta como realizador Bond, a la que solo se le puede reprochar la parte inicial, que nada tiene que ver con lo escrito por Fleming, el resto es una adaptación bastante fiel, cosa que se hace notar y se agradece.

Chris Cornell pone voz a “You Know my name”, título revelador y uno de los mejores temas compuesto para un film de 007.

- “Quantum of Solace” de Marc Foster (2008) Un guión totalmente original planteado como una secuela de Casino Royale, la idea no es del todo mala, pero el film se resiente un poco, a todas luces es inferior a su antecesora, aunque es de justicia agradecer que Bond se mantenga en un deseado hilo conductor de seriedad formal, aplicando esta sencilla norma de sobriedad, el futuro de la saga esta garantizado.

Alicia Keys pone voz a “Another Way to die”, escrito por David Arnold.

Hasta aquí el repaso a toda la filmografía Bond, a la

espera del estreno de “Skyfall” en octubre, con Daniel Craig en su tercera incursión en el personaje y un director de la talla de Sam Mendes trás la cámara, con un reparto de lujo y un villano patrio, interpretado por nuestro Javier Bardém.

Actores destacados y personajes: Bernard Lee es el primer actor en interpretar al mítico “M”, jefe responsable del MI6, servicio de inteligencia británico, Lee interpretó al personaje en los primeros 11 filmes de la saga, desde “Dr No” hasta “Moonraker”, falleció en 1981 de cáncer preparando el papel de “Solo para sus ojos”, por respeto, nadie le sustuyó en el film.

asumido la tarea de ponerle rostro.

Peter Burton lo interpretó primero en “Dr No”, pero es sin duda Llewelyn el que merece el honor de ser asociado a un personaje al que dió rostro practicamente toda la saga, falleció en 1999, semanas despues de terminar el rodaje de su último film Bond.

“Q” es el responsable de todos los ingenios que aparecen en las películas de 007, artilugios inspirados en su mayoría, en diseños reales, relojes magnéticos con láser incorporado, modificaciones para vehículos, cámaras espía, todo muy secreto, como es de esperar en un espía de la talla de James Bond, estos “Gadgets” son de los elementos más sorprendentes, divertidos y reconocibles de la saga.

En el siguiente título, Robert Brown recogió el testigo, ya le habiamos visto como almirante en “La espía que Felix Later es un agente de la CIA que colabora con me amó”, fue “M” desde “Octopussy” hasta “Licencia 007 en algunas de sus aventuras, sobre todo cuando el para matar”. personaje viaja a EEUU, siempre ha estado interpretado por actores diferentes, le vimos desde el principio El cambio de dirección y de productora trajo a Judi pues ya en “Dr No” tiene protagonismo, en otros títuDench, amiga personal de Bernard Lee, característica los como “Licencia para matar”, funciona como cataliesta que le hizó convencerse para aceptar el papel, ha zador del argumento, cuando el villano el film le arsido “M” desde “Goldeneye” hasta la actualidad, de ranca las piernas y Bond clama venganza. hecho pronto la veremos en “Skyfall”, se ha ganado a pulso el papel a pesar de las retiscencias de muchos Lois Maxwell es la actriz que dio vida a otro personaje por ver a una mujer asumir un rol de marcado caracfundamental en la saga, fué la señorita Monneypenny ter masculino, su mejor frase “gracias a que no tengo desde “Dr No” hasta “Panorama para matar”, 14 pelícupelotas no estoy siempre pensando con ellas”, con arlas que se dice bien pronto, la secretaria de “M” y eterna gumentos asi se convence cualquiera. enamorada de 007, es un personaje entrañable, Caroline Bliss la interpretó en las 2 películas de Timothy Desmond Llewelyn es el actor más veterano y con más Dalton y Samantha Bond -curioso apellido- en las de títulos Bond a sus espaldas, fué “Q” desde que lo inPierce Brosnan, en la etapa Craig no tenemos noticias terpretó en “Desde Rusia con amor” hasta “El mundo de ella. nunca es suficiente”, 17 películas nada menos, ya en la última, deja el testigo a John Cleese, que solo contaría Del Aston Martin al BMW y ya de paso, sirvame una con 2 apariciones, en el Bond de Daniel Craig nadie ha copa mientras practico algun juego de azar:

“Un martini con vodka, mezclado, no agitado”, frase legendaria del universo Bond, es la bebida favorita de 007 a lo largo de toda su andadura, no es la única, recuerdo que en “Solo se vive 2 veces” disfruta de una buena copa de Sake japonés a la temperatura ideal mientras su anfitrión nipón le felicita: “Para ser occidental, es usted extremadamente culto señor Bond”.

Los juegos de azar, en particular los de cartas, son otra de las características mas reconocibles en la saga, su dominio de los mismos es casi insultante, habitual es verle enfrentarse al villano de turno y ganarse su enemistad trás derrotarle, yo particularmente me quedo con su duelo con Goldfinger, en este caso el golf y las reglas entre caballeros pactadas previamente, son la clave de la victoria de 007.

oficiales, la primera en 1967, los derechos de “Casino Royale” debieron traspapelarse y acabaron en manos de Columbia Pictures que llevó a cabo una parodia del personaje, con varios directores, entre los que destaca el maestro John Houston, y un reparto espectacular, con Peter Sellers y William Holden entre otros, donde David Niven era 007 y Woody Allen el villano del film, la existencia de este título puede explicar las décadas de retraso en llevarlo a la pantalla de forma oficial.

La otra versión apócrifa corre a cargo de la Warner Bros. “Nunca digas nunca jamás” de Irving Kershner (1983), es un remake de “Operación Trueno”, lo más curioso del film es ver a Sean Connery de nuevo a cargo del personaje, al mismo tiempo que Roger Moore estrenaba “Octopussy”, ambos andaban bastante mayores ya para interpretar a Bond, pero curiosamente el público respondió al reto que suponía verles El vehículo favorito de Bond es sin duda el coche, de- por separado, y el resultado fué un interesante duelo portivo evidentemente o al menos de línea sofisticada, en taquilla que acabó bastante igualado, de la película como es el caso de los primeros modelos, de todos ellos sobresale poderosa la figura del Aston Martin, el original de las primeras cintas interpretadas por Sean Connery, con Roger Moore y Timothy Dalton no parece prestarse mucho interés sobre el tema, basta con ver a 007 en vehículos de lo más despampanantes, la llegada de Brosnan trae consigo cierta vuelta al clasicismo, cuando el BMW toma el control de la situación, con Daniel Craig, al igual que con Moore y Dalton, tampoco resulta un elemento fundamental, quizá haya que firmar aún un buen acuerdo comercial con la casa concesionaria de turno para recuperarlo.

En cualquier caso hemos visto al personaje pilotar toda suerte de vehículos, lanchas, avionetas, helicópteros, incluso naves espaciales, no hay panel de mandos que se resista al bueno de 007.

Versiones apócrifas: La saga original descansa en las manos de los productores Harry Saltzman y Albert R. Broccoli y sus herederos, pero en 2 ocasiones James Bond vió la luz más allá de ellos, en versiones no

mencionar que no está nada mal, para mi gusto su- aparición de SPECTRA en el cine, Max Von Sydow pera la primera adaptación, tan asimilada está para el pone voz, que no rostro, al personaje de Blofeld. público, que muchos piensan que forma parte de la saga.

Epílogo: SPECTRA: “Mi nombre es Bond, James Bond”, la frase más mítica Si existe una organización contraria al MI6, esa es para el final, 52 años en el cine es mucho tiempo, sobre Spectra, y su lider, el “Número 1”, Ernst Stavros Blofeld, todo si tenemos en cuenta que es el arte más moderno con su inconfundible gato faldero, el némesis de Bond, de los existentes, la consideración final es más bien desde Dr No hay constancia de la organización, pero una reflexión desde el cariño, ¿es posible que un espía es en “Desde Rusia con Amor” donde se menciona se presente siempre con su nombre original a todo el como una asociación jerarquizada, donde la villana mundo?, villanos incluidos, eso es tener seguridad en del film Rosa Kleb, es la número 3. uno mismo, lo que si es evidente es que la andadura de 007 en el cine pertenece al mundo de la fantasía, al Es en “Solo para sus ojos” donde se da muerte a Blofeld menos en lineas generales. en el prámbulo del film, como justa venganza de Bond, trás la muerte de su esposa en “Al servicio secreto de su El cine es ilusión, parte de esa realidad se cumple en majestad”, dandose por tanto por finalizada también la la saga, quien no sea capaz de verlo así no podrá disrelación con la organización criminal, al menos en lo frutar de las aventuras del que, por derecho propio es, que a la saga oficial se refiere. el agente secreto por excelencia en cualquier ambito popular y cultural que se precie.

En “Nunca digas nunca jamás” podemos ver la última

UNA VEZ QUISE SER BOND: LOS CANDIDATOS Por Salvador Vargas Muchos son los nombres que han pasado a lo largo de estos 50 años por los diferentes castings que se han producido para vestir el ansiado smoking. En una saga que consta de 23 películas y que ha tenido seis actores diferentes interpretando al espía con licencia para matar, una infinidad de nombres a cual más curioso quedaron por el camino.

Algunos llegaron a tener contratos firmados, otros eran los elegidos por el gran público o la prensa, otros los promocionados por anteriores Bond, pero hasta la fecha sólo Connery, Lazenby, Moore, Dalton, Brosnan y Craig han tenido el placer de dar vida al agente británico más famoso de la historia.

Curiosamente tres de ellos parecían estar predestinados, como veremos a continuación muchas fueron las ocasiones en que tanto Moore, Dalton y Brosnan estuvieron a punto de conseguirlo antes de ser oficialmente James Bond.

rie para la cadena. Tras quedar el proyecto en nada, el director ruso Gregory Ratoff los vuelve a comprar para otro proyecto algo extravagante: quería convertir a Bond en mujer. Evidentemente tal despropósito no llegó a buen puerto, pero actrices de la talla de Susan Hayward fueron tentadas.

La primera posibilidad seria llegó en el 58 de la mano de Kevin McGlory. El co-escritor de Thunderball ya llevó a cabo su primer intento de adaptar la novela al cine. Para aquella ocasión tuvo en mente actores de la talla de Stanley Baker, Peter Cushing o un joven Peter O´Toole. También tuvo en consideración estrellas norteamericanas como Montgomery Clift, James Gardner y William Holden. Finalmente el proyecto no se llevó a cabo y comenzó entonces la dilatada lucha por parte de McGlory por llevar Thunderball al cine, incluyendo demandas judiciales contra los productores oficiales de la saga hasta que en 1983 produjera Nunca digas nunca jamás, la película no oficial para la que Connery retomó el papel.

Todo comienza en 1953, nueve años antes de la primera película oficial de la saga, Ian Fleming publica Ca- En los posteriores años otros proyectos surgieron sin sino Royale y al año siguiente vende los derechos a concluir en nada, para aquellos sonaron nombres CBS que tanteó a Barry Nelson para realizar una se- como James Mason, Trevor Howard, Dirck Bogarde,

Susan Hayward

Richard Harris, Ingemar Johansson, James Stewart, Peter Finch, Stephen Boyd o David Niven. Curiosamente Niven era uno de los favoritos de Fleming, incluso en las novelas le hace varias referencias y terminó protagonizando la parodia de Casino Royale de 1967.

tregas y Baker tampoco aceptaba comprometerse por tres películas como exigían Saltzman y Broccoli.

Además de los rechazos los actores pasaban de los 50 años y se antojaban demasiado mayores para llevar a cabo el papel.

Patrick McGoohan estuvo muy cerca del papel, pero su amor por su familia hizo que finalmente no aceptara. El actor que por aquel entonces tenía 34 años habría sido, en opinión de Broccoli, un gran Bond y por ello se llegó a insistir hasta en dos veces.

El año 1961 fue trascendental en la historia de la franquicia oficial, Harry Saltzman paga 50.000 dólares a Ian Fleming comprando una opción de seis meses por los derechos cinematográficos de James Bond al completo. A su vez, Albert R. Broccoli, también se interesa por los derechos pero al adelantarse Saltzman deciden Otro de los galanes de la época, Rod Taylor, rechazó el unir fuerzas y formar la compañía EON Productions. papel al considerarlo por debajo de su estatus y avocada al fracaso. Años más tarde reconoció en una enDe este modo se dio el punto de partida para la prolí- trevista ser uno de los mayores errores de su carrera fica saga que hoy en día conocemos. Curiosamente el y haberse reído más de una vez con Cubby Broccoli. primer elegido de Broccoli fue Roger Moore, pero en ese momento tuvo que rechazar porque se encontraba En vistas de que ninguna “estrella” aceptaría el papel en pleno apogeo de su serie El Santo. de Bond, los productores Saltzman y Broccoli decidieron buscar entre actores poco conocidos. De esta También Fleming propuso a George Baker, pero como forma el director John Frankenheimer fue una de las el propio escritor dijo: ‘Lo siento, pero cuando un es- opciones de aquella época como él mismo reconoció critor propone a un actor nunca le hacen caso’. Aún así años más tarde. esta mención le valió a Baker para involucrarse en la franquicia y participar en “Sólo se vive dos veces”, “Al A través de la prensa se realizó un concurso para enservicio secreto de Su Majestad” y “La espía que me contrar al hombre perfecto para dar vida al espía. De amó”. entre 1000 candidatos se escogieron seis finalistas a los que se les realizó un test de pantalla. Peter Anthony El proceso para encontrar al Bond perfecto fue todo fue el elegido pero se descartó finalmente al carecer de un calvario, pese a que ambos productores tenían am- la técnica interpretativa necesaria. plia experiencia en el mundo del cine todos los actores a los que consultaban con cierto renombre rechazaban Fue entonces cuando apareció Sean Connery, Saltzporque no querían ser partícipes de una saga que por man y su esposa cenaban en el Polish club de Lonaquel entonces estaban mal vistas. dres con el productor Benjamin Fisz y el editor Peter Hunt. Fisz mencionó que Connery, quien aparecía en Algunos de los considerados fueron Cary Grant, la película “Operación Snafu”, (“On The Fiddle”, 1961), James Mason, David Niven, Trevor Howard y Stanley que Hunt editaba en ese momento, podría encajar.

Baker. Grant pese a ser padrino de boda de Broccoli Mientras tanto, en los Estados Unidos, Broccoli tamsólo aceptaba realizar una única película, Mason pese bién pensaba en Connery, quien le había sido presena calificar la idea de tontería aceptaba realizar dos en- tado por Lana Turner. Así que solicitó ver su última

película. Dana Broccoli, la esposa del productor, recuerda: “Una tarde, en California, me llamó desde los estudios Goldwyn. Me dijo: ‘ven en seguida, por favor, quiero que veas a un actor’. La película era ‘Darby O’Gill and the Little People’ (1959) y el actor era Sean Connery. Cuando terminó, me preguntó: ‘¿Qué opinas de él?’ Y yo le dije: ‘¡Creo que es fantástico!’”.

de nuevo su vinculación con El Santo lo apartaron del papel. Pero tras varios intentos con actores de cierto renombre, los productores volvieron a probar con actores desconocidos. Tras probar varios candidatos llegó la hora de George Lazenby, con 28 años era una cara conocida ya que anunciaba en televisión las populares barras de chocolate Big Fry.

De esta forma en Octubre de 1961 Connery se entrevistó con los productores Saltzman y Broccoli. Sean dio vida al primer Bond de la franquicia más longeva de la historia del cine y marcando las pautas a seguir para cada uno de los actores que vendrían tras él.

Durante el rodaje de Sólo se vive dos veces, Connery empezó a mostrar señales de cansancio del personaje.

Más aún tras el acoso de la prensa. Los productores vieron que sería imposible convencer a Sean y comenzaron la búsqueda de un actor que continuara con la serie en Al Servicio Secreto de su Majestad.

Durante cuatro meses Lazenby realizó varias pruebas de pantalla. En algunas de ellas se pudo ver a George nadando, cabalgando y saltando vallas en la hacienda de Saltzman. Finalmente se realizaron tres pruebas en Pinewood que incluían un diálogo en la oficina de Draco, una escena de amor y una escena de lucha correspondiente a la secuencia del hotel. Además, Broccoli también estaba probando el atractivo sexual del actor sin que él se diera c u e nt a : c am inab a con él ante las secretarias de la EON. Según Broccoli “las secretarias se caían de sus sillas” cuando veían al actor.

El primer considerado fue Oliver Reed, según una encuesta de la revista Showtime era el idóneo. Pero como Broccoli reconoció, mantuvieron conversaciones con él pero su imagen ya forjada por otros papeles realizados sería difícil de romper y moldear al estilo Bond.

Despues vinieron pruebas con las candidatas para interpretar a Tracy: Agneta Eckmeyer, France Anglade y Diana Rigg. Pero fue la prueba de pelea, en la cual Lazenby rompió la nariz al especialista y antiguo luchador Yuri Borionko, la que le consiguió el papel.

Tom Jones, quien ya trabajó para la franquicia como interprete del tema de Operación Trueno, fue otra de las alternativas. Pero encontraban el mismo inconveniente que con Reed, ya que la imagen de Jones como cantante era muy conocida.

Sin embargo, United Artists no estaba convencida. En septiembre de 1968, el ejecutivo David Pecker intentó convencer a Connery una vez más. En octubre, United Artists y los productores todavía seguían indecisos y discutían otros candidatos. Pero fue finalmente, el director Peter Hunt quien estalló: “Por el amor del cielo.

Por aquel entonces Timothy Dalton fue considerado Seamos valientes. Seamos audaces. Vamos con él”. al ser uno de los mejores actores teatrales del panorama británico, pero su poco bagaje en cine y televisión Hasta dos semanas antes del rodaje Lazenby no tuvo la además de su temprana edad hicieron que el propio confirmación, así en octubre de 1968 a Lazenby se le actor desechara la oportunidad. ofreció un contrato por catorce años y siete películas Bond el cual rechazó. Pese a que siempre se ha dicho Roger Moore volvió a ser uno de los objetivos, pero que firmó por una única película, realmente su con-

trato final estipulaba siete años y cuatro películas, con una expresa Declaración de Intenciones (“Letter of Intent”) según la cual interpretaría a James Bond 007 en la siguiente “Diamantes para la eternidad”.

Pero tras el estreno el propio Lazenby no estaba conforme con su contrato y pensó que tras lucir el smoking se le abrirían las puertas de Hollywood, esto unido a que el actor se subió a la parra solicitando un incremento de su salario hasta cantidades astronómicas hizo que los productores volvieran una vez más a comenzar la búsqueda de un nuevo Bond.

también Sean. Simplemente te pegaremos una peluca’. ‘Pero Cubby, ¡tengo una dentadura terrible! Mis dientes son como los de un caballo’. ‘No importa. Te llevaremos a Harley Street... tendrás una sonrisa perfecta para el viernes’. ‘Pero Cubby, mi forma física es terrible. ¡Tengo tetas como una mujer!’ ‘No importa.

También Sean. Solíamos vendarle con bolsas de hielo antes de cada escena de amor’. En cualquier caso, Cubby habló durante un rato y eventualmente estuve completamente convencido de que tenía el papel. Bajé saltando las escaleras sólo para encontrar a otros 19 actores que también iban a la audición”.

La primera intención era americanizar la saga, por ello uno de los actores que entró en la terna de candidatos fue Adam West. Recordado por su mítica y casposa serie de Batman, pero el actor consideraba que el papel debía recaer en un británico además de no querer embarcarse en un proyecto que le atara por tantas películas.

Pero el verdadero deseo de Saltzman volvía a ser Roger Moore, quien en ese momento se encontraba bajo contrato con la serie Los Persuasores hecho definitivo una vez más para que pospusiera su entrada en la saga. También Timothy Dalton volvió a ser tentado y una vez más el propio actor desechó la oferta al sentirse demasiado joven y opinar que Connery era

Robert Wagner fue otro que también tuvo su tentativa, aunque finalmente rechazó el papel terminó haciendo años más tarde de “Número Dos” en la saga paródica de Bond, Austin Powers. Incluso Clint Eastwood tuvo su opción pero al igual que Wagner y West, consideraba que el papel debía ser interpretado por un actor británico además de que no sentía que fuera su estilo de personaje.

Michael Gambon (Albus Dumbledore) pasó por innumerables pruebas sin ni siquiera saber que eran para el papel de James Bond. Como el mismo confesó “me ofrecieron café y bagels en aquella casa en Mayfair, y tuve una agradable charla con Cubby. Me pidió que hiciera varias escenas y después de cada una decía ‘sé más romántico’, ‘sé más asertivo’ o lo que fuera. Finalmente dije: ‘Sabes Cubby, ayudaría si supiera para que papel estoy haciendo la prueba’. Cubby pareció estupefacto y dijo: ‘Bond, por supuesto’. No podía creerlo.

Era ridículo. ‘Pero Cubby. ¡Soy calvo!’ ‘No importa,

demasiado difícil de reemplazar.

Tal vez cansados de buscar, los productores se fueron a Estados Unidos y allí contrataron a John Gavin, actor americano que destacó como el novio de la chica asesinada en Psicosi. Además Gavin había realizado un papel similar a Bond en No hay flores para OSS 117, un superagente elegante y mujeriego. Pero cuando todo estaba listo para presentarle apareció la exacción Eady, que consistía en separar una parte del precio de las entradas de cine. La mitad de esa parte era devuelta a los exhibidores mediante desgravación de impuestos y la otra mitad se repartía solo entre los filmes británicos en proporción a su recaudación, sin obligación de invertir en otra producción. Así, parte de la recaudación de las películas no inglesas revertía hacia las inglesas. Esta política fiscal incentivó un flujo de productores estadounidenses al Reino Unido, incluido Cubby Broccoli.

trato fue para una única película, los productores intentaron convencerlo para que repitiese en Vive y deja morir con una cifra similar a Diamantes para la Eternidad, pero el galés dijo: “En la vida solo he querido dos cosas: un campo de golf y mi propio banco. Ya tengo el campo de golf y lo del banco está en marcha.

No vuelvo”. Comenzaba una vez más la búsqueda de un nuevo Bond.

Los ya tanteados John Gavin y Timothy Dalton volvieron a aparecer en escena pero como en anteriores ocasiones no llegaron a concretarse. United Artist por su cuenta promovió la idea de contratar a Robert Redford o Paul Newman, pero nunca quedó claro si fue real o se trató de trucos de marketing.

El director Guy Hamilton tenía como predilecto a Burt Reynolds, el actor se encontraba en pleno apogeo de su carrera y era todo un sex symbol de la época.

Pero ni los productores ni el propio actor lo veían Dicha normativa les animó a hacer una oferta irrechaz- claro llegando a comentar este último: “Un americano able de nuevo a Connery. Broccoli y Saltzman usaron no puede interpretar a James Bond. Simplemente no a Ursula Andrews como mediadora, y tras unas sema- puede hacerse”. nas este confirmó su vuelta ya que necesitaba dinero p ar a u na f u nd a c ión de ar t ist as e s c o c es es.

Un actor que también fue tanteado es Julian Glover.

Curiosamente terminó encarnando al villano KristaJohn Gavin por el contrario se resignó y muy caballe- tos en Sólo para sus ojos además de participar en otras roso renunció a cobrar un solo céntimo de su contra- grandes sagas como Star Wars o Indiana Jones. Otro to, lo cual agradeció Cubby pero insistió en que cobrar actor que terminaría trabajando en la franquicia fue su salario por completo. De esta forma Sean Connery Joe Don Baker como Brad Whitaker en 007 Alta Tenvolvía a la franquicia tras una película de ausencia por sión y Jack Wade en Goldeneye y El mañana nunca la indecente cantidad de 6 millones de dólares. muere. Fue el mismo quien intentó conseguir el papel pero no lo logró.

Tras el estreno Connery afirmó que “nunca jamás” volvería a ser James Bond, pero como todos sabemos Pero el favorito de todos era Roger Moore. Su éxito “Nunca digas nunca jamás”. con la serie El Santo llegó a altísimos niveles de audiencia tanto en Europa como en América. Tal era A pesar de la declaración de Connery y que su con- la asociación que se la hacía con el personaje que en

or… Harry me llamó un día. ‘Cubby cree que necesitas perder un poco de peso’, dijo. OK, pensé. Así que inicié una dieta estricta. El teléfono sonó de nuevo. ‘Cubby piensa que estás un poco fuera de forma’, dijo Harry.

Así que inicié un duro régimen de fitness. El teléfono sonó de nuevo. Esta vez era Cubby. ‘Harry piensa que tu pelo es demasiado largo’. ‘¿Por qué en primer lugar no contratáis a un tipo delgado, en forma y calvo y me evitáis pasar un infierno?’ repliqué”. “Mirando los filmes de Sean me doy cuenta de lo bueno que era. No puedo creer que tuviera el ego, cuando tomé el personaje, de pensar que podía reemplazarlo. Sean sentía que se estaba poniendo viejo para el personaje, Yo era, de hecho, mayor que Sean cuando empecé en la saga.

Pero me veía más joven”.

De esta forma Moore inició su carrera como Bond en 1973 con Vive y deja morir, cuya recaudación superó a Diamantes para la eternidad lo cual confirmaba la

1963 ya se publicó en el diario inglés Daily Mail un apuesta de los productores. Comenzaba así una andaversión de la novela Al servicio secreto de su Majestad dura de siete películas en las cuales la taquilla siempre y el ilustrador Andrew Robb usó su imagen como acompañó al inglés. modelo para Bond.

El contrato del inglés sólo era por tres películas, pero Moore cuenta en su auto-biografía como fue el mo- una vez terminado el rodaje de La espía que me amó y mento en que le llamaron: “Estaba en Pinewood fil- visto el rotundo éxito se negoció un nuevo contrato no mando ‘Los Persuasores’ y veía mucho a Harry y Cubby. sin que los productores tuvieran sus ases en la manga Cuando Sean dejó la franquicia, supe que el papel estaba por si Moore rechazaba. disponible y decliné la oferta de Lew Grade para hacer una segunda temporada de ‘Los Persuasores’. Tan Entre los nuevos candidatos se encontraban Martin pronto como lo hice, mi teléfono sonó. Era Harry. Shaw (Los profesionales), Oliver Tobias (Arturo de ‘Roger -dijo-. Cubby y yo hemos decidido que te que- Bretaña) y algún que otro actor muy desconocido y sin remos como el siguiente James Bond’. Yo estaba, natu- nada reseñable en cine. Finalmente no hubo ningún ralmente, extasiado. Me reuní con Cubby, Harry y su imprevisto y Roger rodó Moonraker. director, Guy Hamilton. Era Guy el único que mostraba nerviosismo sobre mí interpretando a Bond. Estaba La cinta que aprovechaba el tirón de Star Wars fue un ansioso porque no tuviera frases que fueran asociadas éxito mayor que su predecesora y todo estaba listo con Sean. Me había dado la buena vida el año anteri- para rodar Sólo para sus ojos, pero entonces Moore en

una rueda de prensa afirmó que no quería continuar con el actor pero su juventud y su compromiso con interpretando a Bond. Ante esto Broccoli intentó con- la serie Remington Steele le apartaron del camino de vencer a su estrella pero por si acaso comenzó a buscar momento. un reemplazo.

Pero en esa época si hubo un actor que rozó el papel John Glen debutaría en Sólo para sus ojos como direc- con los dedos fue James Brolin (Falcon Crest), padre tor y su primer trabajo fue planificar la escena pre- de Josh Brolin. El esposo de Barbara Streisand realizó créditos de tal forma que sirviera a modo de presen- varias prueba de pantalla que se pueden encontrar en tación de un nuevo 007. En esa escena Bond llevaba los extras de la película, uno de llos fue la secuencia de flores a la tumba de su esposa (Tracy) antes de ser Desde Rusia con amor donde Bond conoce a Tatiana, amenazado por un hombre calvo con un gato blanco, otra pertenecía a Octopussy y era el encuentro entre el Ernst Stavro Blofeld. espía y el tenista hindú Vijay Amritraj, la tercera fue una escena de lucha. Sin duda Brolin era el favorito Entre los posibles candidatos encontramos a David de Broccoli pero el golpe de efecto de Kevin McClory Warbeck, Ian Ogilvy (El Santo), Lewis Collins (Los le hizo cambiar de idea.

Profesionales), David Robb, Nicholas Clay y Michael Jayston. Una vez más a Timothy Dalton le fue ofrecido McClory tras varios años de lucha por los derechos de el papel pero esta vez tampoco estuvo disponible. Fi- Thunderball conseguiría llevar al cine ese mismo año nalmente Broccoli y Moore se sentaron, y “don dine- Nunca digas nunca jamás, dirigida por Irvin Kershner ro” solucionó todos los males. Pero esto daba pie a una y con la vuelta de Sean Connery al papel de Bond. Era nueva forma de contrato para Moore, con cada nueva demasiado riesgo para Broccoli enfrentar a un nuevo película se debía negociar las cantidades por tanto si actor contra Connery, por tanto volvió a apostar por el incremento en taquilla seguía en línea ascendente Moore con la no despreciable cantidad de 6 millones a cada nuevo film el actor se embolsaría más dinero. de dólares. La inversión vio recompensa cuando Octopussy ganó la denominada “guerra de los Bond”.

Por tanto una vez estrenada Sólo para sus ojos era el momento de negociar para Ocotpussy, Moore se Con 55 años empezaba a verse demasiado mayor para subió de nuevo a la parra y Broccoli no perdió el papel de esta forma antes del rodaje de Panorama el tiempo buscándole sustituto. Algunos actores para matar actores como Tom Selleck, Jeremy Irons, como Lewis Collins o de nuevo Michael Billington Anthony Andrews o los eternos Dalton y Brosnan serían considerados pero dos nuevos actores entraban fueron tanteados pero finalmense te volvió a apostar en la terna con mucha fuerza. por Moore con su pertinente incremento salarial.

Pierce Brosnan tuvo aquí su primera oportunidad, gracias a que su esposa Cassandra Harris trabajó en el rodaje de Sólo para sus ojos (Condesa Lisl) conoció a Albert R. Broccoli el cual quedó impresionado

Finalmente Roger Moore abandonó la saga tras Panorama para matar, su séptima película, y aquí comenzaba de nuevo la búsqueda del que esta vez sí sería el nuevo Bond.

Muchos fueron los candidatos, entre ellos Charles Dance, Lambert Wilson (Matrix), Christopher Lambert (Los Inmortales), Sean Bean (El señor de los anillos, Goldeneye), John James (Vacaciones en el mar), Michael Nader (Dinastía), Michael Praed (Dinastía), Ben Cross (Carros de fuego), Bryan Brown (El pájaro espino), Tom Selleck (Magnun) o Sam Neill (Parque Jurásico).

Pero el favorito de Broccoli era Timothy Dalton, con quien se reunió pero en ese preciso instante tuvo que rechazar el papel al encontrarse comprometido con la película Brenda Starr. Entonces su punto de mira se volvió a poner en Pierce Brosnan quien aún seguía con Remington Steele pero la serie estaba en compás

de espera por los bajos índices de audiencia. El contrato de Brosnan incluía una cláusula de 60 días de espera antes de poder firmar por otro proyecto, cuando los rumores de su vinculación con Bond eran mayores los productores de la serie aprovecharon el filón para arrancar la quinta temporada y de esta forma atar a Brosnan de nuevo. Los productores propusieron a Broccoli compartir al actor pero este se negó en rotundo afirmando: “James Bond no será Remington Steele y Remington Steele no será James Bond”.

Todo este retraso produjo que Dalton terminara su rodaje y estuviera disponible para por fin enfundarse el smoking. De esta forma el 6 de Agosto de 1986 Timothy Dalton fue anunciado públicamente como James Bond.

El contrato de Dalton era por tres películas de las cuales llegó a rodar Alta Tensión y 007 Licencia para matar, la tercera debió ser Propiedad de una dama, pero las disputas legales sobre la propiedad de James Bond retrasaron seis años la nueva película. Este hecho causó que Dalton terminara abandonando la franquicia y comenzara la búsqueda de un nuevo Bond que la devolviera a la actualidad del panorama cinematográfico.

El candidato número uno siempre fue Pierce Brosnan, pero como hemos podido ver anteriormente la productora tuvo en mente una infinidad de nombres.

Los más destacables fueron Liam Neeson (La lista de Schindler), Mel Gibson (Arma letal), Hugh Grant (Cuatro bodas y un funeral), Ralph Fiennes (El dragón rojo, Harry Potter), Alan Rickman (Jungla de Cristal, Harry Potter), Nathaniel Parker (El Guardaespaldas),

Lambert Wilson (Matrix) o James Purefoy (Solomon Kane).

Pero el 7 de Junio de 1994, Pierce Brosnan, fue anunciado como el nuevo agente 007. Firmó un contrato por tres películas con opción a una cuarta. El salario base de Brosnan para “GoldenEye” fue de un millón de dólares, aunque, según su contrato, recibió tres millones más debido a la gran recaudación de la película. Por “El mañana nunca muere” recibiría un total de 8.200.000 dólares, por “El mundo nunca es suficiente” un total de 12.400.000 dólares, y por “Muere otro día” un total de 16.500.000 dólares.

El éxito de Brosnan como Bond fue rotundo pero antes del rodaje de Muere otro día surgieron rumores del abandono por parte del actor de la franquicia y como no volvieron a ponerse multitud de nombres en el candelero. Greg Wise, Robbie Williams, Rupert Everett, Ioan Gruffudd, Russell Crowe, Colin Firth, Cuba Gooding Jr., Martin Kemp, Gerard Butler y…

Catherine Zeta-Jones, fueron muchos de los nombres sugeridos para sustituir al irlandés pero este terminó rodando la que sería película número 20 de la saga y que conmemoraba el 40 aniversario.

El 17 de noviembre de 2002, en la víspera de la première en el Royal Albert Hall, Brosnan confirmaba para la BBC que haría una quinta: “Se me pidió que volviera para una quinta antes de que comenzaramos ‘Muere otro día’. La respuesta es sí”. Y el mismo día del estreno, el 20 de noviembre, Brosnan dijo a la BBC: “Para un actor es un papel como ningún otro. Ciertamente ahora conozco el camino. Para mí interpretar a Bond es un camino muy recorrido, pero eso no significa que esté aburrido de él porque tienes una enorme responsabilidad cada vez que lo haces”. Pero EON Productions en 1999 había adquirido por fin los derechos de Casino Royale, por tanto los planes de la franquicia cambiaban y tenían que buscar un Bond más joven para poder contar los inicios del personaje.

El propio Brosnan entendió la decisión y el mismo afirmó: “Siento que Roger Moore hizo un Bond de más y quiero apartarme mientras todavía esté considerado a la altura de Sean Connery”.

Comenzó entonces el castina para encontrar el sexto Bond de la franquicia. Entre las curiosidades de Casino Royale encontramos el ofrecimiento de Quentin Tarantino para realizarla con Brosnan como protagonista. No habría que olvidar que otro gran director como Steven Spielberg estuvo muchas veces a punto

de rodar alguna de las 22 películas.

En una época de pleno apogeo de internet, con miles de blogs, revistas digitales y demás noticieros online los rumores de nombres saltaban a la palestra de una forma desmesurada. Si a esto le unimos que los anteriores Bond proponían su propio sucesor la lista de nombres podría ser interminable.

De los más destacados aparecen Daniel Radcliffe (Harry Potter), Sean Bean (Goldeneye), Hrithik Roshan (una estrella en Bollywood), Jonathan RhysMeyers (Misión Imposible III), Hugh Jackman (XMen), Dougray Scott (Mision Imposible II), Iain Glen (Tomb Raider), Clive Owen (Hijos de los hombres), Jeremy Northam (La Red), Jude Law (Sherlock Holmes), Ewan McGregor (Star Wars), Christian Bale (Batman), Geoffrey Moore (hijo de Roger Moore), Julian McMahon (Nip/Tuck, Los 4 fantásticos), Karl Urban (Dredd, Star Trek), Heath Ledger (The Dark Knight), Adrian Paul (Los inmortales), Orlando Bloom (El señor de los Anillos, Piratas del Caribe), Eric Bana (Hulk, Troya), Matthew Goode (Watchmen), Luke Mably (El príncipe y yo), Dominic West (The Wire), Colin Farrell (Minority Report), James Purefoy (Solomon Kane) o Hugh Grant (Love Actually). Todos ellos engordaban una gran lista que nunca se pudo asegurar si eran reales o simples rumores.

Oficialmente, durante el mes de Septiembre de 2005 se realizaron en Londres test de pantalla a cuatro actores: Henry Cavill (Man of Steel), Daniel Craig (Camino a la perdición), Alex O’Loughlin (Moonlight) y Sam Worthington (Avatar).

El mundo supo que Craig había conseguido el papel gracias a que la madre del actor se lo contó a unos vecinos, y uno de ellos lo contó a su vez a la prensa local. La señora Craig dijo: “Estamos emocionados. Él ha trabajado extremadamente duro toda su vida y este será su papel más popular. Le cambiará la vida.”

El 14 de octubre de 2005 Daniel Craig era anunciado oficialmente como el sexto hombre que sería James Bond en las producciones EON. A partir de entonces se levantó una gran polémica. El resultado de “Casino Royale” confirmó a Craig como un Bond, a decir de muchos, a la altura de Connery.

Aunque no hay visos a un cambio inmediato de actor, seguro que un futuro asistiremos a más rumores sobre actores que se ofrecen o son probados para vestir el deseado smoking.

La Banda Sonora Original de...

Por Eulària Febrer Coll.

Sí, nuestro auténtico Bond puede que no sea el de los últimos tiempos, pero como ya sabeis no vamos juzgar a nuestro más reciente 007, sinó a la música que lo rodea en su última entrega y en cómo nos sorprende todavía después de tanto tiempo.

La banda sonora de David Arnold no hace otra cosa que jugar con nuestro conocimiento sobre el agente secreto más efectivo del Reino Unido y los más explosivos efectos artificiales a su alcance. ¿Qué sería una película de acción sin explosiones, persecuciones y la música adecuada para compactarlo en un único bloque? Hablemos, pues, de esta música totalmente integrada, que apenas oímos al estar totalmente inmersos en la trama, que sólo supone un telón de fondo como lo son los desiertos y las casas lujosas... pero aun así, totalmente imprescindible para crearnos el interés cegador al que nos referimos.

El compositor juega muy hábilmente con tres elementos fundamentales: los sonidos percusivos, tanto orquestrales como sólo rítmicos -¡qué delicia cuando la percusión la crea el sonido escénico!-, la melodía que todos identificamos claramente con Bond –una y otra vez camuflada- y, el más importante de todos, el silencio.

Parece menospreciable, pero sin duda es el más importante creador de tensión durante las peleas y los tiroteos hollywoodienses que se nos ofrecen.

Un momento de silencio cuando el protagonista queda colgando de una sola mano sobre un vacío de varios metros, o cuando lo atrapan

entre la espada y la pared, nos crea una tensión tan gratificante al resolverse, que nos engancha enseguida a la trama y queremos más, queremos que Bond se haga con la victoria. De la misma forma, las escenas a las que se quiere dotar de un realismo cotidiano y sin pulir, más próximas a la vida del espectador, sólo son acunadas por las voces de los actores, sin más ruido de fondo que el que pudiera ser ambiental. El silencio es, sin dudarlo, el mejor aliado de la tensión, pero eso no significa que no pueda utilizarse como creador de ambiente, al igual que pueden hacerlo unas leves notas sostenidas en el tiempo, pianissimo.

Por otra parte, algunos de los recursos utilizados son comunes a la mayoría de films. Dejando a parte la percutividad de las escenas de acción y el carácter que se da a cada una de ellas dependiendo de quién sea el perseguido y quién el perseguidor, vemos algunos claros creadores de impresión para el espectador. Por ejemplo, al aparecer la exótica actriz Olga Kurylenko por primera vez – en el papel de Camille- nos vemos embargados por el sensual sonido de una guitarra española, que nos cuenta muchas cosas en un solo momento y nos pone en situación: primero, vamos a enamorarnos de esta chica, que aparenta ser más de lo que muestra. Otro ejemplo lo encontramos en la llegada del agente británico a Haití, cuando empiezan a sonar laúdes pinzados con púa y ligeros timbales –una música pseudoétnica que parece que podría enmarcar cualquier país que querramos considerar exótico... aunque reconozco que funciona bien. Podríamos seguir y seguir, es un recurso totalmente cinematográfico que nos orienta y nos guía a través de la acción, pero creo que no es necesario.

Muy bien diréis, ¿y eso es todo lo que nos puede ofrecer este Bond? Pues no, señores, aún hay más, porque la mejor secuencia de escenas, musicalmente hablando, es la que en mi opinión da un toque de énfasis a la obra: la transcurrida

durante la maravillosa ópera de Puccini, Tosca, que no sólo ofrece una escenografía increíble en el escenario dentro del film, sinó que también desenvuelve la pequeña pero increíble persecución que transcurre a la par. Mientras suena un delicioso coro y una ária, Bond huye de sus perseguidores y les da caza. El sonido de los disparos se funde con el sonido escénico de la interpretación operística, y nada más nos revela el sonido ambiental de la trifulca. Los golpes, situados a la vez que tienen lugar en el escenario, hacen que entendamos la invisibilidad de los actos que vemos a los ojos de los asistentes al concierto, y a la vez nos aportan un dramatismo digno de cualquier James Bond.

Sin duda, un recurso nada menospreciable y utilizado con maestría.

Y si hasta aquí no nos había impresionado musicalmente, veamos la última escena, en que realmente finaliza una trama que empezó en la anterior entrega, la venganza de uno de los amores de Bond, uno de los que parecían verdaderos. Una escena enmedio del silencio y alguna que otra nota larga tendida de fondo, un collar al suelo sin más que una breve melodía melancólica... y el tema Bond de clausura acto seguido. No será nuestro Bond, James Bond, pero la música está a la altura.

Nos ganamos la lotería, señores y señoras.

LAS CHICAS BOND por Salvador Vargas Exuberantes, exóticas, sensuales, atractivas, espectaculares, elegantes, sofisticadas, luchadoras, independientes, sexys, bellas,…. Y un sinfín de adjetivos más podríamos usar para calificar a las famosas Chicas Bond. Un selecto club de mujeres que podrán presumir de haber participado en la franquicia más longeva de la historia del cine.

Aunque muchas de ellas no tenían ninguna experiencia previa en cine y simplemente fueron seleccionadas por pertenecer al mundo de la moda o las mises, todas pasaran a la historia por formar parte del “harén” particular de James Bond. Un hombre capaz de salvar al mundo y conquistar a más de una mujer por película sin apenas ensuciar su delicado smoking.

Una saga muchas veces tildada de machista, que en sus inicios usaba a estas chicas como simple objeto de placer para su protagonista y auténticas mujer florero, fue evolucionando con los años y la liberación de la mujer en la historia para dar a paso a chicas bond más sofisticadas e independientes, capaces de en muchas ocasiones salvar la vida a 007 e incluso ser vitales para la resolución de la misión.

Ursula Andress se convirtió gracias a Dr. No en 1962 en todo un mito erótico de los 60. Su imagen saliendo del agua con aquel bikini blanco es ya un icono de la franquicia y de la historia del cine. Aunque interpretaba a la agente Honey Rider, su papel se terminó basando en la típica damisela en apuros que tantas veces repetiría la saga en los años posteriores.

Daniela Bianchi (Miss Universo 1960) tenía el difícil papel de ser la segunda chica bond de la saga tras la deslumbrante Andress. La actriz italiana además se enamoró perdidamente de Sean Connery lo cual dificultó mucho el rodaje de las escenas de amor entre

ambos por el nerviosismo de la actriz. Su papel de Tatiana Romanova se convertiría en uno de los pilares de la saga, siendo utilizada en multitud de ocasiones la escena en la que ella y Bond se conocen para los posteriores casting de cada película.

Si bien en cada película aparecían, además de la compañera de Bond, otras chicas con escenas breves, en Goldfinger cabe destacar a Shirley Eaton que dio vida a Jill Masterson. Otra de las figuras icónicas de la saga por su escena en la que muere bañada en oro a manos de los esbirros del villano. Pero la verdadera chica bond de la cinta sería Honor Blackman, la protagonista de Los Vengadores daría vida a Pussy Galore (traducido al castellano como Chochito Abundancia). Su papel era el de una mujer dura, siendo ella la que realmente vence al villano.

En Operación Trueno se nos mostraba un nuevo tipo de chica Bond, Domino Derval interpretada por Claudine Auger se asociaba con 007 para vengar la muerte de su hermano a manos de Emilio Largo el villano y marido de ésta. Este recurso se utilizaría repetidas veces en la franquicia.

Sólo se vive dos veces fue el salto de la franquicia a tierras asiáticas. Su rodaje en Japón incluía un acuerdo con las autoridades del país para incluir a actrices del país en la producción, de esta forma Akiko Wakabayashi se convertiría en Suki, una agente del Servicio Secreto Japonés que mezclaría trabajo y placer con 007. Además también encontramos a Mie Hanna dando vida a Kissy, la chica con la que Bond deberá fingir una boda para infiltrarse en el pueblo pesquero donde SPECTRA actúa.

Con el primer cambio de actor para Bond llegó una de las chicas Bond más icónicas de la saga. Diana Rigg dio vida a Tracy di Vicenzo en Al servicio secreto de su Majestad, con-

virtiéndose en la única esposa de James Bond en la historia de la saga y el primer golpe trágico sufrido por el agente al ser asesinada tras la boda.

Diamantes para la eternidad suponía el regreso de Bond y el acercamiento de la franquicia a Hollywood al rodarse en tierras americanas. Para ello se contó con Jill St. John, una actriz norteamericana que dio vida a Tiffany Case. La contrabandista de diamantes en principio es rival de Bond pero termina aliándose con él. En la vida real ambos actores mantuvieron un affair bastante sonado en la época.

Cuando finalmente Connery se desvinculó de la saga, Roger Moore comenzaba su andadura como James Bond. Vive y deja morir era por tanto un cambio radical en la franquicia, y para ello se pensó en que la compañera de 007 fuera afroamericana pero se terminó por contratar a Jane Seymour para dar vida a Solitaire, una bella vidente a la que Bond debe enamorar para llegar al traficante Kananga.

Britt Ekland daría vida Mary Goodnight, un tipo de chica Bond bastante usual en la franquicia. Más que un apoyo para el espía se convierte casi en un estorbo, además de ver como este seduce a otras chicas en su propia presencia. Además de Britt, también podemos destacar la primera aparición de Maud Adams como Andrea Anders, la actriz es la única que ha repetido hasta en tres películas Bond interpretando diferentes papeles.

La evolución de la mujer en la historia hacía que la franquicia se replantease su utilización en la saga, de esta manera el personaje de Anya Amasova (Barbara Bach) sería el de una chica independiente y capaz de defenderse por sí sola. Se la presenta como una agente Triple X rusa al mismo nivel intelectual, de coraje y autosuficiencia que 007. La actriz además era esposa del Beattle Ringo Star.

En Moonraker volvíamos a encontrar una fórmula similar a la anterior. Holly Goodhead (Louis Chiles) era una agente de la CIA infiltrada en Industrias Drax con la tapadera de una científica. Además de estar a un nivel similar al del espía inglés, se da el curioso caso de utilizar a este como aventura de una noche lo cual hasta el momento era una tónica habitual del agente. La actriz desechó en su momento interpretar a Anya Amasova en la anterior película.

En Sólo para sus ojos se repetiría la fórmula de la chica que se une a Bond para llevar a cabo una venganza.

La bellísima Carole Bouquet dio vida a Melina Havelock, hija de un submarinista asesinado por el villano Kristatos se une a Bond para obtener su venganza. Es curioso que durante toda la cinta no comparte ninguna escena romántica con el agente salvo al final, otra fórmula que se emplearía más adelante en la franquicia.

La franquicia volvería al manido estereotipo de la damisela en apuros en Panorama para matar. La última película de Moore evidenciaba en demasía la diferencia de edad entre el inglés y las chicas que se ponían a su servicio, más aún si estas eran totalmente dependientes del agente. Es el caso de Stacey Sutton (Tanya Roberts, una geóloga cuya única misión en la cinta es ser rescatada por Bond. Maud Adams realiComo hemos dicho antes Maud Adams tiene el privi- za un cameo en la película durante su rodaje en San legio de haber sido la única chica que participó en tres Francisco. películas de la franquicia. Dio vida a Octopussy en la película del mismo nombre, es la propietaria de un Maryam d´Abo sería la actriz que acompañaría a circo itinerante y vive rodeada de un ejército de gim- Timothy Dalton en su estreno como James Bond. Su nastas femeninas, todo un harén para el espía. personaje de la chelista Kara Milovy era un compendio de casi todo lo visto hasta la fecha en las chicas Bond. Una forma de llegar hasta el villano, a veces útil en la misión y otras un estorbo. Por momentos demasiado inocente y a ratos excesivamente agresiva es una de las chicas Bond más criticadas de la saga.

Tal vez la crítica a Maryam d´Abo fue decisiva para la personalidad de Pam Bouvier. Carey Lowell le dio vida en 007 Licencia para matar, una vez más una agente de la CIA aliada con Bond y cuyos recursos sacan de más de un atolladero al agente 007 en su venganza contra el traficante Sanchez. También cabe destacar a Lupe Lamora (Talisa Soto) muy en la línea de Domino de Operación Trueno, es la novia de Sanchez harta de sus maltratos y ve en Bond el aliado perfecto para deshacerse

de él.

Tras varios años de ausencia de la franquicia por problemas legales, la saga continuaría con Pierce Brosnan dando vida a James Bond. En Goldeneye encontramos dos de las chicas Bond más importantes de la saga. Por un lado la alianza de Bond sería la programadora Natalya Simonova (Izabella Scorupco), independiente, valiente y cínica es indispensable para el espía en su misión de desactivar el arma. Por otro lado una de las villanas más destacables de la saga, Xenia Onatopp genialmente interpretada por Famke Janssen.

Además de una belleza espectacular su habilidad para asesinar mediante el sadomasoquismo la ha convertido en todo un icono de la saga.

Con Muere otro día se conmemoraban los 40 años de la saga y toda la película está llena de guiños. En esta ocasión se contó con la primera actriz que se contrataba estando en posesión del Oscar, Halle Berry daría vida a Jinx una agente de la NSA que se alía con Bond.

Se podría considerar como una versión en femenino del propio James. Queda para la posteridad su guiño a Ursulla Andress imitando su salida del agua 40 años antes en Dr.No. Durante un tiempo se rumoreó con otorgarle un spin-off propio al personaje.

Con la obtención por parte de los productores de los derechos para adaptar la primera novela de Fleming, Casino Royale, se abría una nueva época en el universo Bond. Daniel Craig tomaba el personaje para contar sus inicios y Eva Green daba vida a Vesper Lynd.

Tal vez una de las chicas Bond mejor valoradas por su actuación, además de estar acompañada por una de las historias más sobrias y elaboradas de la saga.

Su personaje constituye el primer gran amor y desengaño del agente, lo cual marcará su actitud hacia las mujeres.

El mañana nunca muere recuperaba a la agente aliada de Bond. Wai Lin (Michelle Yeoh) es una agente perteneciente a las Fuerzas de Seguridad de la República Popular China que se alía con 007 para evitar los planes de Elliot Carver. Espectacular su demostración para las escenas de acción al ser una de las actrices más taquilleras del cine oriental. Además Teri Hatcher tuvo un pequeño papel como la esposa del villano y antiguo romane de Bond, nos regala una de las esca- Con Quantum of Solace era la primera vez que se sas escenas en las que 007 demuestra sentimientos al continuaba una historia en la franquicia, siguiendo lamentar durante un instante su fallecimiento. los pasos donde de Bond donde quedaron en Casino Royale para descubrir la organización Quantum El mundo nunca es suficiente nos daría una de cal y tropezará con Camille (Olga Kurylenko), una mujer una de arena. Sophie Marceau dejó para la posteri- que busca venganza contra un dictador aliado con el dad una de las mejores interpretaciones en lo que a villano Dominic Greene. Camille y Bond unirán fuerchica Bond refiere. Su actuación como Electra King zas, es la primera chica Bond que no sucumbe a los es soberbia, durante gran parte de la cinta es la típi- encantos del espía. ca conquista de Bond para pasar a ser el villano real de la cinta. Pero el punto negativo lo pondría Denise Como hemos podido ver todo tipo de actrices han Richards, en su papel de la doctora en física atómica dado vida a muchos tipos de chicas Bond. La gran Christmas Jones demuestra que su validez para la ac- mayoría de ellas fueron elegidas por su belleza más tuación es nula y que su única baza es su escultural que por su valía como actriz, lo cual fue en detrimento cuerpo y haber estado casada con Charlie Sheen. del resultado final. Su aparición sirvió para muchas

como trampolín en su carrera cinematográfica.

En cierto modo dentro de este selecto grupo se podría encuadrar a un personaje muy recurrente en la saga como es Moneypenny. La ‘eterna’ secretaria de M y la única conquista inacabada de James. Durante toda la saga, en sus apariciones siempre ha existido una tensión sexual no resuelta que ha desembocado en momentos muy cómicos de la franquicia, dando lugar a una evolución notable del personaje pasando de ser ella quien suspiraba por obtener una cita con el agente a en los últimos films ser Bond quien la persigue sin descanso. Tres son las actrices que le han dado vida hasta la fecha: Lois Maxwell (19621985), Caroline Bliss (1987-1989) y Samantha Bond (1995- 2002).

Cada nueva cinta de Bond genera una expectación muy especial en conocer a las codiciadas Chicas Bond. Este año disfrutaremos de la belleza de Naomi Harris y Berenice Marlohe como las elegidas para la película número 23 y conmemorativa del 50 aniversario de la franquicia, Skyfall.21.

SECCIÓN Q: GADGETS Y VEHÍCULOS por Salvador Vargas

¿Qué habría sido de Bond en muchas de sus misiones sin los gadgets proporcionados por Q? Esta pregunta sería trasladable al contexto de la saga, muchos de estos inventos han servido para dejar a los espectadores y fans, dentro del contexto de su tiempo, con la boca abierta. Esa pizca de fantasía ha hecho que el personaje sea único y en ocasiones se hayan convertido en iconos cinematográficos.

haciendo una despedida bastante significativa y emotiva, justo meses después de la película fallecía en un accidente de tráfico. Desde ese momento no se ha vuelto a utilizar su personaje en la saga hasta Skyfall donde Ben Wishaw dará vida a un joven Q. Son memorables sus conversaciones irónicas con Bond, en las que se aprecia cierto recelo por parte del inventor hacia el desprecio con que el espía trata sus inventos. Pese a todo siempre se ha podido relacionar al inventor como parte de la “familia” de Bond, llegando a acompañarle en muchas de sus misiones.

Muchos de los gadgets utilizados por el agente han servido de inspiración para inventores que basándose en las creaciones de la sección perteneciente al MI6. En la actualidad la gran mayoría de recursos empleados por el espía son viables incluso se comercializan al público en general.

Aunque muchas de las películas han sido tachadas de fantasiosas por el extremado uso de estos Pero nada de esto tendría sentido sin el hombre gadgets, cada estreno ha estado marcado por la tras la letra Q, el Mayor Geoffrey Boothroyd. Siempre en la sombra abasteciendo a James Bond con todo tipo de recursos que el guión se encargaba de dar utilidad a lo largo de sus misiones. Desmond Llewelyn actor galés que siempre será recordado como Q, el actor con más apariciones en la saga ya que estuvo presente en 17 de las 22 películas oficiales. Sus únicas ausencias fueron en Agente 007 contra el Dr. No, donde el personaje aparece fugazmente como un simple armero, y Vive y deja morir donde el actor no estuvo disponible para acompañar a Moore en su debut como Bond.

Como si de una premonición se tratase en su último film El mundo nunca es suficiente aparece presentando a su sustituto antes de su “jubilación”

expectativa sobre las novedades en este aspecto de cada entrega. Desde novedosos vehículos con el armamento necesario para afrontar sin despeinarse cualquier misión, pasando por las diferentes armas para dar uso a su licencia para matar, hasta los más inverosímiles artículos de uso diario modificados para resolver más de una situación embarazosa.

Lotus, incluido el conocido como Húmeda Nelli que pudimos ver en La espía que me amó. Todos ellos con los extras habituales que todo buen espía necesita para su ajetreada vida: lanzacohetes, humo disuasor, ametralladoras, sillones eyectables, teléfono en el vehículo (en épocas en las que no existía la tecnología aún), camuflaje, y todo lo que vuestra imaginación pueda recrear.

Hagamos un repaso a los más significativos inventos salidos del taller de Q. Seguro que se nos quedará alguno en el tintero pero intentaremos brindar el homenaje que merecen aquellos que marcaron cada uno de los films.

Además de coches Bond ha hecho gala de ser un excelente piloto como pudimos apreciar en Sólo se vive dos veces, sin duda el gadget más conocido de la cinta es la Pequeña Nelli el mini-helicóptero portátil que 007 usa para infiltrarse en el volcán.

También le hemos visto pilotar cazas de guerra, submarinos, tanques, motocicletas (incluso a dos manos con Wai Lin en El Mañana nunca muere), violonchelos por la nieve, góndolas adaptadas para todo buen espía, cocodrilos submarinos, globos, zepelines, ala delta, helicópteros, autobuses, lanchas y un sinfín de vehículos improvisados.

El coche más clásico del personaje es su Aston Martin DB5, pero en muchas de sus películas le hemos podido ver con otros automóviles. Muchas veces el cambio de marca o modelo se debe al marketing de la cinta, en muchas ocasiones las películas de Bond se han financiado gracias a la innumerable publicidad encubierta que rodeaba al film. Por eso hemos podido ver a Bond conducir además de otros modelos de la marca inglesa como el DBS de los años 70 o el actual con el que hemos podido ver a Craig, el V12 Vanquish o el modelo Volante con el que pudimos ver a Dalton, varios modelos de Bentley, BMW, Ford o de

Además del armamento habitual de los vehículos todo buen agente debe poseer un arma característica. Sin duda la de Bond es la Walter PPK, pero no siempre ha sido así. En un principio 007 era devoto de la Beretta pero tras atascársele en una misión Q le recomienda que cambie a su tradi-

cional arma. Le hemos podido ver empuñando más destacable. Diamantes para la eternidad fue todo tipo de rifles, ametralladoras, escopetas e in- la película más cómica de Connery, en ella destaca cluso alguna que otra pistola laser. el simulador de voces de Blofeld. Vive y deja morir era la carta de presentación de Moore y con él daba Los relojes también han sido marca de la casa, y comienzo a la época de mayor fantasía en la saga, hablando de marcas Bond a vestido las más lu- tal vez lo más destacable sea el reloj Rolex que luce josas. Desde su inconfundible Omega(una de las Bond. El hombre de la pistola de oro a pesar de marcas más arraigadas a la saga como el champan sus malas críticas será recordada por la pistola de Bollinger), pasando por la era digital de los Seiko, oro de Scaramanga (Christopher Lee). La espía el carísimo Breitling o los famosos Rolex. Todos que me amó tiene su mayor referente además de ellos equipados con variopintos accesorios como la dentadura del esbirro Tiburón en el Lotus Spirit laser, pantalla, contador geiger, cuerda estrangu- sumergible también conocido como Húmeda Nelladora, campo magnético, explosivos, gancho y li. Moonraker es sin duda una de las más fantasiosas algún que otro “obsequio” de Q para que dar la en este sentido, innumerables gadgets entre los que hora no sea la única función. destaca por curioso la mini cámara de Bond con el logo de 007 inscrito en ella. Sólo para sus ojos Además cada película ha estado marcada por al- posee uno de esos inventos que en la época eran gún gadget que en cierto momento de la trama muy espectaculares y hoy en día dañan la visa, se han sido fundamentales o simplemente han que- trata del identígrafo visual que Bond y Q utilidado para el recuerdo de los fans. Una de las que zan para identificar a Locque. Octopussy vuelve a menos artilugios tendría sería Dr. No donde bond destacar por los gadgets del esbirro, como ocurrihace uso de un contador geiger. Desde Rusia con era con Oddjob las sierra que utiliza Gobinda y su amor puede ser recordada por el maletín que Q “regala” a Bond y que denomina el equipo de campo standard de todo agente 00, también es remarcable la máquina Lektor usada como cebo por SPECTRA para dar caza a 007. Goldfinger será recordada por el bombín de Oddjob, equipado con un borde de acero capaz de cortar estatuas.

En Operación Trueno vimos uno de los iconos de la saga como es el jetpack, homenajeado en otras muchas películas. Sólo se vive dos veces se caracterizó por la antes mencionada Pequeña Nelli. Al servicio secreto de su Majestad trató de ser más seria que sus predecesoras pero aún así la máquina descodificadora de cajas fuertes es lo

pericia con ellas son otro sello de la saga. Panorama para matar era el final de la etapa Moore y del desenfreno de fantasía y comedia, pero dejó para el recuerdo el submarino iceberg del teaser con la bandera de Inglaterra en la compuerta. Alta tensión era el debut de Dalton y la apuesta por un Bond algo más serio, destacable el uso del violonchelo como medio de transporte por la nieve y que los técnicos de efectos tuvieron que adaptar con unos esquís para poder ser conducido. 007 Licencia para matar es una de las películas más duras de la saga y por ello no tiene una gran carga de gadgets, pero aún así el disfraz de manta que Bond utiliza para despistar a los submarinistas de Krest es bastante curioso. Goldeneye era el regreso de la saga tras un parón y el debut de Brosnan, sin demasiados gadgets el cinturón con cuerda para rapel o el reloj Omega con laser son lo más destacable. El mañana nunca muere será recordada por el BMW que Bond conduce a través de su móvil Sony Ericsson. El mundo nunca es suficiente destaca por el abrigo inflable con el que Bond y Elektra escapan en la nieve y más de un hombre querría las gafas con rayos x que 007 utiliza en el casino. Muere otro día era todo un homenaje a los 40 años que cumplía la saga por ello estaba llena de guiños, además de mostrarnos en el laborato-

rio de Q varios de los gadgets más emblemáticos de la saga, entre las novedades más significativas destaca el camuflaje del Aston Martin V12 Vanquish producido por las diminutas cámaras que rodean el vehículo y reflejan la imagen exterior.

Con la entrada de Craig y el reinicio de la saga en Casino Royale se ha optado por un Bond más serio y prácticamente no hace uso de gadgets salvo por el desfibrilador con el que está equipado el Aston Martin DBS. En Quantum of Solace la ausencia de gadgets sería total si no tomamos en cuenta le mesa/pantalla táctil que utiliza M en el MI6.

Con el estreno de Skyfall parece que la saga volverá a recuperar algunos de sus iconos más clásicos como la vuelta del Aston Martin DB5 (que vimos de forma fugaz en Casino Royale) o la de un Q en sus orígenes que proporcionará a Bond de nuevo más gadgets para su misión.

EL MUNDO NUNCA ES SUFICIENTE: VILLANOS Y ESBIRROS por Salvador Vargas Los villanos de Bond son una especie única, malvados empecinados en dominar el mundo pero ocultos tras una pose refinada. Los planes más enrevesados y diabólicos al servicio de la elegancia y el glamour. Encuentros para la historia entre el espía, siempre desafiante, y sus enemigos. Peleas ya míticas de la historia del cine en lugares de los más ansiados por todo buen viajero. Bases secretas de lo más exótico, harenes con las mujeres más bellas, esbirros de lo más particular y siniestros, todo al servicio de los villanos más laureados de la historia del cine.

En 1962 Joseph Wiseman era el elegido para dar vida al enigmático Dr. No. Sería el primer villano Bond y el genial actor inglés sentó las bases para que posteriores actores siguieran su senda. Un asesino despiadado pero a la par elegante y sofisticado anfitrión, capaz de asesinar sin impunidad y mantener una cordial conversación con su enemigo. Es curioso como durante todo el metraje su presencia domina toda la película sin que su aspecto sea revelado hasta el último tercio.

De entre sus esbirros caben destacar los tres ratones ciegos, estos asesinos a sueldo ciegos son además los protagonistas de los títulos de inicio. Interpretados por habitantes de Jamaica donde se llevó a cabo el rodaje.

En Desde Rusia con Amor se presentaba al gran villano del universo Bond, Ernst Stavro Blofeld, el cerebro de la organización criminal SPECTRA. Es destacable que en su primera aparición sólo se ven sus manos acariciando un gato blanco, lo cual sería homenajeado hasta la saciedad. Sus esbirros serían los verdaderos villanos de la trama.

Rosa Klebb, a quien dio vida Lotte Lenya, es la agente número tres de SPECTRA. Una mujer sin sentido del humor y bastante masculina, incluso por momentos se deja entrever su posible homosexualidad (algo poco común en la saga). Memorables sus zapatos con un cuchillo envenenado.

Pero el verdadero villano de la segunda película de Bond era Red Grant, pese a ser el esbirro de Rosa

Klebb, el actor Robert Shaw dejó una muestra de lo que debe ser un esbirro físico de la saga. El actor al que recordaremos por su papel como Quint en Tiburón, realiza una actuación brillante dotando al personaje de la dualidad necesaria tanto como el locuaz y amigable Nash o el asesino despiadado Grant.

Goldfinger dejó una de las parejas de villanos más memorables de la saga, Auric Goldfinger y sus secuaz Oddjob. El actor alemán Gert Fröbe obtuvo el papel gracias a su representante que mintió al decir que Fröbe hablaba perfectamente inglés, en todas sus escenas el actor interpretaba en alemán mientras sus compañeros de reparto no entendían sus diálogos. Dejó para el recuerdo una de las escenas más memorables de la saga, es aquella en la que Bond está atado a una camilla mientras un rayo laser está a punto de matar al espía. La conversación entre ambos es mítica, Bond le pregunta a Goldfinger: ¿Espera usted qué hable?, Auric responde: No señor Bond, espero que muera.

Harold Sakata también protagonizó otro curioso casting para lograr su papel, estuvo a punto de organizar una pelea con su oponente de casting para ver quien se quedaba con el codiciado papel. Su imagen ha sido un emblema de la franquicia, utilizado en infinidad de anuncios y videojuegos. Sakata asumió el apodo de Oddjob en el resto de su carrera cinematográfica apareciendo en los títulos de crédito como Harold Oddjob Sakata.

Emilio Largo, el villano de Operación Trueno, era el contrapunto perfecto de Bond. Un millonario playboy, encantador y educado a la vez que un asesino despiadado. El italiano Adolfo Celi sentó las bases para otro tipo de villano tantas veces reiterado en la franquicia, sus conversaciones tan sociales a la par que irónicas con el espía inglés sentaron precedente para posteriores películas.

Ernst Stavro Blofeld hace su primera aparición en Sólo se vive dos veces, tras ver partes de su cuerpo en Desde Rusia con amor y Operación Trueno, era la primera vez que veíamos la cara del villano más em-

blemático de la saga Bond. Hasta la fecha Anthony Dawson se había encargado de ceder sus manos para dar vida al villano, pero sería Donald Plasence quién pondría cara al cerebro de SPECTRA. Su calva y cicatriz en el ojo quedaron para el recuerdo inmortalizados, así como su temperamento inquebrantable a pesar de ver sus planes frustrados.

El Sr. Osato sería el esbirro elegido por Blofeld para llevar a cabo sus malévolos planes en esta aventura oriental. El actor asiático Teru Shimada dio vida al propietario de Osato Chemicals and Engineering.

Telly Savalas sería el encargado de prestar su físico para dar vida Blofeld en 007: Al servicio secreto de su Majestad. Manteniendo su refinamiento y personalidad encantadora, dio al personaje más presencia en las escenas de acción.

Para la única película de Lazenby como 007 se volvió a usar la figura del esbirro femenino muy en la línea de Rosa Klebb en Desde Rusia con amor, Irma Bunt (Ilse Steppart). Quedó inmortalizada para todos los fans como la asesina de la esposa de Bond, Tracy.

Con el regreso de Connery a la saga y el comienzo de la década de los 70 el cariz de la aventura de Bond en Diamantes para la eternidad tomó un aspecto más cómico a la vez que americano. Por ello se volvió a cambiar al actor que diera vida a Blofeld, recayendo esta vez en Charles Gray (quién ya apareciera en Sólo se vive dos veces como aliado de Bond). Su interpretación es la menos valorada por los fans ya que hizo de Blofeld un enemigo más cómico que aterrador.

Tal vez sean más destacables los dos esbirros que utiliza para sus maquiavélicos planes, la pareja compuesta por Kidd y Wint. Estos dos asesinos de sangra fría y un macabro sentido del humor son los únicos personajes homosexuales claramente reconocidos dentro de una franquicia con tintes excesivamente masculinos.

Vive y deja morir sería la primera película de Roger Moore como James Bond y para ello se buscó actualizar la saga. Con el Black Power en plena efervescencia el villano tenía que ser afroamericano, para ello se creó a Kananga. Yaphet Kotto (Alien, Pesadila Final: La muerte de Freddy) fue el encargado de darle vida a un tipo de villano ya visto con anterioridad pero que esconde su verdadero yo casi hasta la parte final de la cinta.

Debemos destacar a dos de sus esbirros, Baron Samedi y Tee Hee. El primero se hizo famoso por su aterradora sonrisa que fue utilizada en multitud de anuncios.

Tee Hee es de los esbirros más recordados de la saga por su imponente estatura y su brazo de acero con pinzas.

El hombre de la pistola de oro supone un bache en la saga en cuanto a la calidad del film y su taquilla, pero tiene el honor de poseer uno de los villanos más míticos brillantemente interpretado por el inmortal Christopher Lee. Decir que Francisco Scaramanga es el único aliciente de este film no es nada descabellado, la interpretación de Lee es memorable y a la altura de su brillante carrera. Es el actor que atesora el mayor número de producciones a sus espaldas como así lo refrenda el record Guinnes que posee, además de poder presumir de haber participado en las sagas más emblemáticas del cine: Bond, Star Wars y El señor de los anillos. Su personaje es el clásico villano refinado, millonario y mujeriego, todo un lado oscuro de Bond.

El arma que emplea, la codiciada pistola de oro, es otro símbolo de la saga utilizado en innumerables ocasiones.

Otro aspecto destacable era su esbirro, Nick Nack, al que dio vida el pequeño actor Herve Villechaize que se hizo bastante popular en nuestro país por su enorme parecido con el presidente del gobierno Felipe Gonzalez.

La espía que me amó supuso el relanzamiento de la saga tras el relativo fracaso de su anterior film.

Se recurrió al villano clásico en la imagen de Karl Stromberg, un billonario con las clásicas ambiciones. Tal vez se pretendió buscar un parecido con Blofeld al tratarse de un villano que no se implicaba en la acción y hacía prevalecer sus malévolos planes usando a sus secuaces.

Y entre estos destacaba sin duda Tiburón, tal vez el esbirro por excelencia de la saga. El gigante Richard Kiel quedaría inmortalizado para los restos como este torpe esbirro, fácilmente reconocible por su mandíbula la cual fue creada por la hija de Stanley Kubrick. Es el único esbirro que aparece en dos filmes de la saga, ya que pese a que en el montaje original estaba prevista su muerte, Cubby Broccoli decidió darle una segunda oportunidad en Moonraker viendo que tendría un gran carisma. Curiosamente también es el único que termina aliándose con Bond justamente en la película más espacial de la saga.

Puestos a hablar de Moonraker mencionemos a su villano, Hugo Drax. El actor francés Michael Lonsdale (El nombre de la rosa) se encargó de dar vida al clásico villano de la saga, es decir un multimillonario

con pretensión de dominar el mundo (en su caso el espacio) apoyado siempre en una legión de esbirros y un plan de los más enrevesado.

En Sólo para sus ojos pudimos ver el final de Blofeld, pese a que no se utiliza su nombre por la lucha legal con Kevin McGlory. Se produce en el teaser de la cinta y el encargado de darle vida por última vez fue John Hollis pese a que en ningún momento muestra su cara.

Pero el villano central del film sería Aris Kristatos. Julian Glover sería el encargado darle vida, otro actor que puede presumir de haber participado en Bond, Star Wars e Indiana Jones. Significó la primera vez que el villano comenzaba como aliado de Bond para revelar su verdadera orientación criminal en un giro de guión, más tarde se utilizaría en Alta tensión y Goldeneye.

Locque era su secuaz más despiadado, un esbirro sin una sola línea de guión pero muy recurrente durante toda la cinta por sus numerosos asesinatos.

Octopussy volvió a recurrir al villano refinado y a las conversaciones desafiantes pero educadas entre él y Bond. Kamal Khan es un snob aristocrático con refinados modales pero con oscuras intenciones.

Su secuaz Gobinda también recurre a los clásicos de la saga, poco hablador pero de imponente físico y métodos poco sutiles.

Panorama para matar, la última película Moore, es otro de los fiascos importantes de la saga. El evidente desgaste del actor además de su extremada edad para el personaje lastraron una cinta que por el contrario cuenta con uno de los mejores villanos de la saga.

Max Zorin estaría en el top de villanos de cualquier aficionado a Bond en gran parte por la carismática interpretación del siempre fiable Christopher Walken.

Además posee el privilegio de ser el primer actor en participar en la saga siendo poseedor de un premio

Oscar por su papel en El Cazador.

La cinta a pesar de todo también poseía otro esbirro de consideración. May Day estaba interpretada por la excéntrica Grace Jones, un papel a su altura al tratarse de la entrenadora de artes marciales y novia de Zorin.

No sabemos si el personaje fue creado a su imagen y semejanza o fue la actriz/modelo/cantante quien le dio el aspecto definitivo.

Con Timothy Dalton, Bond recuperaba rudeza y por tanto sus enemigos también sufrían cambios. En Alta Tensión el General Georgi Koskov comenzaba como aliado del espía, de hecho la misión de Bond en un principio es ayudarle pero cuando descubre sus verdaderas intenciones de enfrentar a soviéticos e ingleses se convierte en su enemigo. Tal vez un enemigo demasiado cómico por momentos que parece heredar lo peor del Bond de Moore.

007: Licencia para matar es tal vez una de las más oscuras de las 22 películas hasta el momento. Por primera vez el villano se convierte en tal por venganza en vez de por una misión, al asesinar a la esposa de su eterno amigo Felix Leiter. Franz Sanchez, interpretado por Robert Davi un actor muy prolífico a finales de los 80 y comienzos de los 90, es el perfecto cartel de la droga, escurridizo, elegante y sin compasión.

Destaca la presencia de un jovencísimo Benicio Del Toro dando vida a Darío, el implacable esbirro de Sanchez que pondrá en mil aprietos a Bond. Irreconocible su actuación para el tipo de actor en el que ha terminado consagrándose.

Tras varios años de parón obligado por motivos legales, la saga regresaba en Goldeneye con Pierce Brosnan por fin enfundado en el smoking. Y con él uno de los villanos más respetados de la franquicia. Alec Trevelyan o el agente 006, brillantemente interpretado por el solvente Sean Bean, era el fiel reflejo de Bond pero con motivaciones políticas y personales. Bean supo dotar al personaje del dualismo perfecto del mejor amigo y

compañero del agente a su mayor enemigo.

Sin duda esta película supuso un hito y no sólo por su villano, los esbirros que le acompañaron también dejaron su huella. A destacar la explosiva Xenia Onatopp (Famke Janssen) que combina su extrema belleza con su amor por el sadomasoquismo que utiliza para aniquilar a sus víctimas. Siempre acompañada por el General Ourumov, otro traidor de la Rusia emergente aliado con Trevelyan.

El manaña nunca muere recuperaba al villano clásico de la saga, Elliott Carver es sin duda el malvado tipo de la franquicia. Este magnate de la información, no duda en asesinar para obtener las noticias antes que sus competidores y provocar conflictos internacionales con el único fin de que sus noticieros tengan las primicias.

El esbirro que le acompañaba también era un homenaje al Grant de Desde Rusia con amor, Stamper reúne muchas de las características vistas en el personaje de Shaw en la segunda entrega de la saga.

El mundo nunca es suficiente cuenta a su vez con dos de los villanos más destacados también de la saga, el terrorista Renard (otro gran personaje en la carrera de Robert Carlyle) destaca por su capacidad de no sentir dolor “gracias” a la bala que tiene alojada en el cerebro y que lo está matando poco a poco. Pero sin duda el gran villano de la cinta es Elektra King, tras la brillante interpretación de Sophie Marceau se esconde una mujer capaz de utilizar a su antojo a Bond, algo poco común, y asesinar a su propio padre con tal de conseguir su objetivo.

Muere otro día era la película que conmemoraba el 40 aniversario de la franquicia y aunque toda la película está repleta de guiños a las anteriores tal vez fue en los villanos donde tiene más carencias. Primero por la irrealidad del plan del villano, el coreano Coronel Tan-Sun Moon que tras fingir su muerte cambia su aspecto por el de un occidental adinerado gracias a un

mina de diamantes conflictivos. El personaje de Gustav Graves, rol adoptado por el villano en su transformación, carece de ningún tipo de encanto al intentar ser agresivo a la par que elegante. Tal vez el esbirro sea el más intimidante, Zao con esa cara marcada por los diamantes incrustados se puede considerar la mayor amenaza de Bond.

Daniel Craig es el actual Bond, puesto al nivel de Connery por muchos de los fans de la saga comenzaba su andadura con la película que adaptaba la primera novela de Ian Fleming, Casino Royale. Un Bond inexperto y muy temperamental se enfrentaba a una organización en la sombra muy de estilo de SPECTRA, Quantum. Le Chiffre es la cabeza visible de la organización en sus primeros encuentros con el espía, interpretado por el danés Mads Mikkelsen, deja para la historia la intensidad en las partidas de poker además del interrogatorio al que somete a Bond. Pero tras Le Chiffre hay toda una organización criminal y su máximo exponente en la cinta es el Sr. White, misterioso, oscuro e intrigante.

Pena que toda la trama de Quantum se desmonte en la única continuación directa de la saga hasta el momento, Quantum of Solace arrancaba donde Casino Royale acababa con Bond persiguiendo al Sr. White para descubrir todo el entramado de la organización.

El villano empleado no está a la altura en ningún momento, Dominic Greene a quien da vida desafortunadamente el francés Mathieu Amalric no es ningún momento rival para Bond ni física ni estratégicamente.

Además de un plan de lo más ridículo, ninguno de sus secuaces consigue enmendar el desastre. Sólo destacar la aparición de Fernando Guillén Cuervo como aliado del General Medrano.

Como hemos podido comprobar a lo largo de los 50 años de la saga, Bond se ha enfrentado a todo tipo de villanos, desde millonarios elegantes a rivales de una exigencia física incontestable pasando por mujeres de armas tomar. El próximo nuestro paisano y oscarizado Javier Bardem en Skyfall, esperemos que pase a la historia de los más destacados.

Monstr cin Tiburon

por Dan

Si rozas las veintena y/o no eres fan de las películas clásicas de Bond, poco o casi nada te va a sonar el personaje del que ahora te vamos hablar, pero si por otro lado superas los 30 y eres de los que has visto peliculones del agente británico como “La espía que me amó” o “MoonRaker” seguramente te vendrán a la mente gratos recuerdos de nuestro monstruo de cine de este mes: Tiburón.

Poco imaginaría el actor de segunda, incluso de tercera, Richard Kiel, que sus veinti poco minutos de protagonismo en pantalla en dos películas de la saga Bond lo convertirían en el rival más duro y recordado que el agente británico haya tenido en todo sus films (nada que ver con el debilucho secuaz de Dominc Green en “Quantum of Solace”). Incluso su papel de sádico secuaz en la primera de las películas que os hemos mencionado estuvo a punto de darle el papel de Hulk en la famosa serie que al final protagonizó Lou Ferrigno.

Con sus 2,17 de altura y una dentadura de metal que ya había enseñado en su anterior papel en “El expreso de Chicago”, Richard Kiel, alias Tinurón, asustaba con su portentoso aspecto físico y como no por esa ristra de dientes metálicos que hacían de su boca un arma mortal y el origen de su par-

ticular nombre. Incluso, y gracias a su inmenso tamaño, Richard trabajó de portero en varios clubes nocturnos antes de su pequeño momento de gloria.

Tiburón, como todos lo conocemos (nadie sabe cual era su nombre auténtico), se las hizo pasar canutas en varios enfrentamientos al bueno de Roger Moore, que por muchas veces que lo golpeaba siempre salía indemne y creándole un nuevo quebradero de cabeza. A saber, Tiburón peleó a muerte con un escualo de los de verdad, se electrocutó a través del metal de sus dientes, cayó sin paracaídas desde una avioneta en vuelo.

Vamos un auténtico coloso que no hemos vuelto a ver en ninguna entrega posterior de las aventuras de 007.

A pesar de aparecer solamente en dos entregas de Bond, el mismo actor ironizó con su rol en la pésima adaptación de “El inspector Gadge” en imagen real para la gran pantalla y apareció en el videojuego del 2004, “Todo o nada”. Hechos que demuestran lo carismático del personaje.

Entre las principales curiosidades de Tiburón habría que decir que el elemento más característico del personajes, sus dientes metálicos, esta-

ruos de ne n (Bond)

ni Ferrer

ban realizados en una prótesis tan molesta que solo daban la posibilidad de grabar durante cinco minutos por el dolor que esta infligía al actor Richard Kiel.

Para el recuerdo quedará el enfrentamiento Moore/Tiburón en aquel majestuoso decorado en pleno desierto egipcio en “La espía que me amó” o el final de Tiburón, con un gran homenaje a “La Bella y la Bestia”, en “Moonraker.”

Desgraciadamente para Richard Kiel, nunca más volvería a tener notoriedad con ningún trabajo.

Eso sí, tuvo la suerte de traernos un enemigo

digno del mejor agente británico al servicio de su Majestad, un rival que aún hoy en día no ha vuelto a tener parangón, una bestia de dientes de aceros al que todo conocíamos como Tiburón.

Película: Skyfall.

Dirección: Sam Mendes.

Países: Reino Unido y USA. Año: 2012.

Género: Acción, thriller.

Interpretación: Daniel Craig (James Bond), Judi Dench (M), Bérénice Marlohe (Sévérine), Helen McCrory (Clair), Javier Bardem (Silva), Ralph Fiennes (Gareth Mallory), Ben Whishaw (Q), Naomie Harris (Eve), Albert Finney.

Guion: John Logan y Neal Purvis; basado en un argumento de Robert Wade; a partir de los personajes creados por Ian Fleming.

Producción: Barbara Broccoli y Michael G. Wilson.

Música: Thomas Newman.

Fotografía: Roger Deakins.

Diseño de producción: Dennis Gassner.

Vestuario: Jany Temime.

Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España.

Estreno en Reino Unido: 26 Octubre 2012.

Estreno en España: 31 Octubre 2012.

La duración de una saga cinematográfica está unida a su pérdida de calidad, el género del terror es sin duda el que más tiende a estirar el chicle de sus éxitos. Sagas como Pesadilla en Elm Street, Viernes 13, Hellraiser, Halloween o Saw han visto como se iban sucediendo secuelas tras secuelas y perdiendo la calidad en cada una de ellas. En el resto de géneros Star Wars es otra franquicia que ha visto engordado su número de entregas con las precuelas tan criticadas y poco consideradas, pero sin duda la única saga que ha sabido perdurar al paso del tiempo y mantener un mínimo de calidad es la de 007.

Basándose en el concepto de que lo más importante es el personaje y sus historias por encima de que actor le da vida ha conseguido sobrevivir al paso del tiempo. Durante 50 años nos han ido llegando entrega tras entrega, y el personaje ha llegado a ser interpretado hasta por 7 actores diferentes. Todo ello sin perder un ápice de interés y calidad, salvo excepciones muy concretas tanto taquilla como crítica han acompañado a la franquicia.

El 31 de Octubre llegará a nuestras pantallas Skyfall que se convertirá en la entrega número 23 de la saga y la tercera interpretación de Daniel Craig como James Bond. Además tiene el añadido de coincidir con el 50 aniversario del estreno de Dr. No, la primera película de la saga, lo que convierte

este estreno en algo muy especial para su productora y sus fans.

Pero el proyecto no ha estado exento de problemas.

La producción de Skyfall fue suspendida durante 2010 por causa de problemas financieros que experimentaba MGM; sin embargo, después de que la compañía fuese rescatada de la quiebra el 21 de diciembre de 2010, se reanudó la preproducción y pronto se fijó una fecha de estreno para el proyecto.

A partir de aquí comenzaron todo tipo de rumores sobre el proyecto. La tónica habitual antes de cada proyecto Bond es dudar sobre el actor que da vida a Bond, a pesar de tener firmado contrato por tres películas, a Daniel Craig (como a todos los anteriores) se le empezó buscar reemplazo por parte de la prensa y diferentes medios digitales. Propuestas tan extravagantes como que el actor de color David Haye daría vida a Bond, convirtiéndose así en el primer Bond negro de la historia.

Pero no fue el único rumor sorprendente que surgió, como tantas otras veces los puntos de interés eran conocer quien dirigiría el proyecto, el título, las chicas que acompañarían a Bond y el villano. Para la dirección se habló en un principio de Danny Boyle, algo extraño teniendo en cuenta su particular forma de rodar e independencia en sus proyectos. En el título como siempre se tiró de novelas tanto de Fleming como de otros autores posteriores, por ello se apostó por Carta Blanca (la última novela oficial aparecida sobre el personaje).

En cuanto a las chicas, mujeres como Angelina Jolie, Megan Fox o Rachel Weisz sonaron durante muchos meses. Y en el plano del villano se presentaron mu-

ban anunciando tras el registro por parte de Sony de varios dominios con este nombre. Además los productores estuvieron rodeados por Daniel Craig, Judi Dench, Sam Mendes, Naomi Harris, Berenice Marlohe y Javier Bardem. De esta forma se daba comienzo de forma oficial la producción del film.

por Salvador Vargas

chos de nombres e ideas, desde que Blofeld volvería a la saga pasando porque Anthony Hopkins sería quien le diera vida.

Pero poco a poco se fueron desvelando los detalles. El primero que Craig sería Bond por tercera vez y que además los productores le ofrecerían un contrato más largo que el actual. Que el oscarizado Sam Mendes sería el encargado de dirigirla. Y uno de los puntos más fuertes y que tuvo varios meses de dudas fue que nuestro Javier Bardem daría vida al villano de la historia.

Otros actores se fueron añadiendo al reparto,Ralph Fiennes sería el siguiente añadiendo un nuevo Oscar a la producción, Ben Wishaw también era contratado aunque en un principio se desconocía que Q sería su papel. Y por fin llegó la hora de conocer a las chicas, Naomi Harris y Berenice Marlohe fueron las afortunadas tras una larga lista de candidatas.

Una vez concretado el reparto se dudaba de los papeles de cada uno. Para muchos Fiennes sería otro villano y para otros el sustituto de M (a quién volverá a dar vida Judi Dench). El papel de Naomi Harris tampoco estaba claro, y las especulaciones apuntaban a que sería el regreso de Moneypenny a la saga. Pero como siempre los rumores fueron cayendo en saco roto conforme se iban desvelando los roles de cada uno.

Finalmente el 3 de Noviembre de 2011 tuvo lugar la rueda de prensa de presentación de la nueva película de James Bond. El Massimo Restaurant & Oyster Bar de Londres fue el lugar elegido por los productores Barbara Brocolli y Michael G. Wilson para ofrecer al mundo las primeras palabras donde se confirmaba que el título sería Skyfall, como muchos medios lleva-

Su rodaje comenzó de inmediato, llevando la producción por rincones tan exóticos como Escocia, Shanghai, Turquía y el propio Londres. De esta forma la saga volverá por tercera vez a tierras otomanas y debutará en Shanghai donde la producción tuvo diferentes problemas con las licencias. El rodaje en Escocia hace referencia a escenas donde se verá el hogar familiar de Bond y se conocerán más detalles sobre los padres del espía y su origen.

Como dato a destacar parte de la acción transcurrirá por las calles de Londres, donde el agente tiene vetado actuar por el propio MI6.

Poco se conoce aún del argumento, salvo por su sinopsis oficial. La lealtad de Bond hacia M será puesta a prueba cuando el pasado de M vuelve para atormentarla. Su vida se verá en peligro y 007 deberá localizar y eliminar la amenaza, sin importar el precio personal que tendrá que pagar.

Tampoco los tráilers vistos hasta ahora desvelan mucho más, salvo que el título de la cinta no es casual y que Skyfall será algún término de una misión o algo similar que será el eje central de la trama. Lo más destacable tal vez sea la recuperación de clásicos de la saga como el Aston Martin DB5 y la incorporación de Q, del cual ya hemos podido comprobar que lo que conoceremos son sus orígenes y que mantiene el sarcasmo habitual en sus conversaciones con 007.

Otro de los misterios que se ha mantenido hasta hace poco tiempo fue la identidad de Bardem.

Su personaje se llamará Raoul Silva y aún no se conocen más detalles de su personaje, pero por el tráiler visto se deduce que puede ser algún tipo de gangster.

Lo cierto es que todo este desconocimiento es de agradecer, en una época donde los trailers te muestran casi toda la película y sus escenas más impactantes, se pierde el misterio de descubrir en la butaca del cine lo que esconde el film. El 31 de Octubre todas nuestras dudas serán resueltas y celebraremos por todo lo alto que Bond cumple 50 años y lo hace en plena forma.

Por Javier S. Roquero.

Jason Bourne es la prueba fehaciente de que, por mucho que seas la intocable CIA, si le tocas los huevos a la persona equivocada, puedes salir escaldado.

¿Por qué está tan interesada una agencia como la CIA en un tipo como Jason Bourne? Pues porque este es un cabo suelto, un agente desahuciado que pertenece a un programa ultra secreto, llamado Treadstone, en el que los asesinos mejor preparados de toda la agencia se encargan de acabar con objetivos que pueden ser un estorbo para el país o para la propia CIA. Sabiendo todo lo que se supone que sabe Bourne, la agencia no puede permitir que ande suelto a sus anchas, de ahí que quieran acabar con él.

Creado por el novelista Robert Ludlum, supuestamente a raíz de unos archivos clasificados de la CIA, sobre un agente que operaba en Europa, atentando cada cierto tiempo, de forma aleatoria y sin ningún tipo de lógica, sembrando el caos y la confusión; Jason Bourne es un agente que trata de recordar su pasado, a causa de una amnesia traumática, que sufre tras un incidente ocurrido A medida que va descubriendo cosas y con la durante una misión. muerte de su compañera sentimental a manos de sus antiguos jefes, Bourne se propondrá hundir a Dado que la versión novelada tiene algunas Treadstone y a todos sus dirigentes, acabando con diferencias argumentales con la trilogía de todo aquel que se le ponga por delante. películas protagonizadas por Matt Damon, tomaré la historia seguida por las películas, que será la que mas conocerá el lector.

Recogido en alta mar por un pesquero, muy malherido, debido a un par de disparos en la espalda, Bourne no recuerda nada sobre su vida ni su identidad. La única pista que tiene es un número de cuenta que le es extraído de la cadera durante su rescate. A partir de este número, descubrirá una caja de seguridad que contiene dinero, varios pasaportes con diferentes nombres (entre ellos el de Jason Bourne) e, incluso, una pistola.

Mientras busca pistas en la embajada americana, el nombre de Jason Bourne salta el sistema de la CIA, que enseguida pone una orden de busca y captura contra él. Con la ayuda de una joven, llamada Marie, conseguirá escapar de allí y comenzara una huida que le llevará por diferentes países, enfrentándose con asesinos internacionales y con la CIA, mientras busca recordar su pasado.

Como veis, Jason Bourne no es el típico agente secreto, algo que supuso un soplo de aire fresco a todos aquellos que estábamos un poco hartos de cierto tipo de agente secreto, que cumple sus misiones enfundado en un traje apolillado, con muchos aparatitos inútiles y que desvela su nombre a la primera oportunidad. Bourne, debido

a su entrenamiento, domina varias técnicas de lucha, tiene una gran capacidad de observación, un alto manejo de automóviles y un sinfín de capacidades más, que hacen que, aunque este totalmente amnésico, sea uno de los tipos mas peligrosos sobre la faz de la Tierra.

Entrevistamos al sucesor de Bourne

Jeremy Renner (Aaron Cross) Por Jose Javier Arce Cid J. Javier : ¿Qué vamos a ver en el cine?

J. Javier: Carga física de las películas.

Jeremy Renner: Creo que el trailer ya hace un buen trabajo sobre esto, mucho mejor de lo que yo te pueda explicar con palabras. Pero será una auténtica y visual aventura seguro. Si eres fan de la saga de Bourne creo que vas a tener mucho de ella.

Jeremy Renner: No estaba particularmente en buena forma en Misión Imposible (la primera) y no tuve que trabajar mucho para alcanzar la forma. En las otras estaba más adaptado a lo que tenía que hacer.

J. Javier: Crossover con Matt Demon.

J. Javier: Diferencias entre Mission Imposible y Bourne.

Jeremy Renner: Por supuesto que me encantaría verlo. Me encantaría trabajar con Matt somos del Jeremy Renner: Hay muchas más diferencias mismo estilo. Y si eso es posible no sé a qué tipo que similitudes, creo. Misión imposible es más de realidad se referiría. Creo que en esta película entretenimiento espectacular como si de un aún tienen que actúar más personas que el público espectáculo se tratara. La experiencia Bourne quiere ver. Estoy totalmente abierto a hacerlo, me fue para mí más como una película de cine encantaría la idea. independiente. En misión Imposible destaca lo espectacular de la película, en este caso es una J. Javier: ¿has visto las otras películas de Bourne? película más íntima más independiente. Como ahora estamos rodando una escena en Bourne Jeremy Renner: Conocía las películas muy bien de repente en Manila, pero creo que es más una porque soy un gran fan de ellas, así que no tuve película independiente. que revisionarlas otra vez. Fue automático.

el super ag Corría 1965 y en la NBC se iba a estrenar un nuevo Show, las películas de espías se habían puesto de moda, James Bond había reventado las taquillas de medio mundo tres años antes luchando contra el Doctor No y un productor llamado Don Melmick, pensó que un grupo de malvados criminales con nombres tan rimbombantes y un agente secreto vestido de traje, que se ayudaba de pequeños gadgets como bolígrafos pistola, no debía tomarse tan en serio y que quedaban bien para una muy buena comedia satírica. Más tarde el propio Melmick declaró: “Nunca antes nadie había decidido hacer un show con un idiota como protagonista, así que decidí ser yo el primero”

había trabajado la elegida, que no seria otra que la bella Barbara Feldon. Una vez que tenia a los actores indicados, comenzaron a crear toda la iconografía de la serie tal y como la conocemos.

Si una cosa tenían claro los creadores de la serie es que 86 tenía que tener una ingente cantidad de artilugios que le ayudaran en sus aventuras, pero estos no podían ser reales ni creíbles, había que exagerarlo todo. Aquí fue cuando Brooks tuvo dos brillantes ideas, “el zapatófono” instrumento telefónico que le permitía comunicarse con la central y uno de los artilugios mas ridículos y que más juego dio durante todas las temporadas, “la cámara del silencio”. Dicha maquina básicamente El encargo de Melmick cayó en Mel Brooks, se trataba de una campana de cristal que bajaba el mayor especialista en lo referente a género paródico pero que en esa época era simplemente un cómico semidesconocido; y Buck Henry, una apuesta arriesgada ya que en esa época se trataba de dos simples guionistas de televisión y radio con un montón de ideas demenciales como por ejemplo la elección del protagonista. En un principio la compañía que había encargado la serie, la ABC quería como protagonista al actor Tom Poston, además de querer incluir a la madre y al perro de Maxwel pero Brooks había visto en una prueba a Don Adams y no quería que otra persona se encargara de su personaje así que optó por no hacer mucho caso a la ABC que se retiró del proyecto mudándose éste a la NBC. Brooks ya tenia a su protagonista pero faltaban algunas cosas más como la compañera del reparto, a la que llamarían Agente 99, para ello, Mel se fijó en la competencia, concretamente en la serie de espías (pero seria) “El agente C.I.P.O.L.” donde

gente 86 bajaba encima de los participantes de una conversación y que supuestamente impedía que nadie escuchara nada de lo que allí se decía, solo había un pequeño problema, tampoco se escuchaban entre ellos.

Ahora lo único que faltaba para tener una serie de espías como Dios manda era un malo que estuviera a la altura de las circunstancias y si la agencia de Maxwel Smart era C.O.N.T.R.O.L que sería algo así como una parodia de la CIA, aunque curiosamente casi siempre actuaban en territorio americano, cosa que la CIA tiene completamente prohibido, el malo tenía que ser otra organización rival capaz de mover agentes por todo el mundo y esta no era otra que K.A.O.S. que representaría

a la KGB. Una vez todos las piezas del puzzle estuvieron diseñadas y encajadas, era el momento de empezar a rodar y pasar la prueba del público americano.

El rodaje de todas las temporadas de la serie se realizó en los estudios centrales de la Paramount y el primer episodio se emitió el 18 de septiembre de 1965, siendo un éxito de publico casi desde el principio, consiguiendo multitud de premios, siete Emmys y dos Globos de Oro, y permaneciendo en antena durante 5 temporadas, aunque curiosamente la última temporada cambió la cadena de emisión pasando a Fox que la retiró tras solo un año en su programación.

LOS PERSONAJES Si bien ya hemos hablado de 86 que es el principal personaje de la serie y claramente la estrella, no hemos dicho que Don Adams aportó muchas cosas a su personaje que no estaban en los guiones, e incluso algunas de sus coletillas más famosas son obra del gran Adams. Una de las características del personaje es que no es, como decirlo, demasiado avispado, por no llamarlo directamente torpe, y ahí es donde entra su compañera, la Agente 99.

99 es una agente femenina de C.O.N.T.R.O.L. y compañera de Max, es atractiva, muy perspicaz y el perfecto complemento de 86 al cual en muchas ocasiones saca de algún apuro. Aunque en un principio, en el primer episodio más concretamente, Maxwell pensaba que 99 era un chico, más tarde y por el tiempo que pasan juntos, entre ellos se desarrolló una atracción que terminó en boda en la temporada 4.

Más curiosidades sobre Barbara Felldon es que solo había firmado por tres episodios pero la pareja funcionaba tan bien que se quedó como personaje protagonista en la serie y eso que jamás se llegó a saber su verdadero nombre, de hecho ni siquiera en el intento de relanzamiento de la serie en 1995 se conoció ese dato y eso que ya no era agente sino congresista de los Estados Unidos.

En el bando de los buenos también abundaban personajes recurrentes como el Agente 13, especialista en esconderse en cualquier sitio, y cuando decimos cualquier sitio, nos referimos a una boca de incendios o una lavadora pero sin duda el más recordado era el personaje interpretado por Edward Platt, que no era otro que EL JEFE. El Jefe tiene mucho cariño y simpatía por Max pero sin embargo éste le produce continuos dolores de

cabeza, pero lo que peor lleva sin ninguna duda es hablar continuamente con la cámara del silencio.

Algunos de los mejores momentos de la serie son discusiones entre 86 y el Jefe y prácticamente en cada episodio había una de ellas. Es más si no recuerdo mal, aquí tiro de memoria, en uno de los episodios se dijo que era calvo después de que se arrancara los pelos tras intentar explicarle algo a Max.

Carell, pero lo que quizás no sepáis es que no fue la primera película, ya que en los 80 el elenco original realizó una tv movie llamada Get Smart Again que dio pie al intento de relanzar televisivamente el producto.

Para mí personalmente, El Superagente 86 es simplemente un icono de la cultura pop y una de las mejores sitcoms de la historia televisiva, con un Mel Brooks en pleno apogeo creativo y un Pero si los buenos eran imponentes no lo eran elenco de actores entrañables que nos hacían reír, menos los malos, entre los que destaco a dos que desde la maravillosa intro hasta los magníficos recuerdo con mucho cariño, Siegfried, el mayor títulos finales de cada episodio. enemigo del protagonista pero que tienen entre ellos admiración y respeto por su trabajo. Y La Por Tony Camacho Nieto.

Garra que se definía a si mismo como jefe de K.A.O.S. división oriental.

Como algunos sabéis en el 2008 se lanzo una versión cinematográfica protagonizada por Steve

AGENTE 006,5 LICENCIA PARA EXPLOTAR ¡ESTE TIPO NO ES EL BOND!

Por Jesús J. Cagigós No me pregunten porqué puñetas ocurre, pero los malditos espías siempre han tenido un éxito paquidérmico en la historia del cine, en especial desde la época dorada del pulp. A partir de entonces, infinidad de engendros de celuloide han pululado con mayor o menor desgracia por la senda de los agentes secretos: Conspiración en Berlín, La vida de los Otros, Juego de Espías, Syriana, El Topo, la saga de Bourne o la de Misión Imposible... De entre todos estos productos destaca sobremanera una figura icónica y odiosa donde las haya que ha contribuido lo suyo a todo este berenjenal: el pedante de James Bond, el agente 007 de los cojones, aquel tipo duro que les aniquila y se las jincha con la misma facilidad, que está por encima del bien y del mal y que nunca se despeina. ¡Cómo le aborrecemos por suertudo al muy joputa! Siempre al servicio de su majestad, no del Rey Juan Carlos - que ya tendría su gracia verle de cacería por Botswana -, sino de la vieja frígida y amargada de la Reina de

Inglaterra, posiblemente la figura monárquica más odiosa de todo el universo, y ya es decir mucho.

Efestiviguonder, el 007, siempre bien peinado, impecablemente vestido de esmoquin, afeitadito como las nalgas de un bebé, elegante, chulesco y putero. El personaje novelesco del tito Fleming fue uno de los primeros héroes metrosexuales de la historia desde que vio la luz, allá por 1952 en la novelita Casino Royale.

Pero no estamos aquí para alabar sus bondades y las del cine de espías serio y como Dios manda... ¡Claro que no! De eso ya se encargan sus fanáticos seguidores y, sobre todo, las chorreantes seguidoras de Bond (¡salidorras!). Estamos aquí para carcajearnos del espionaje de ficción, y sobre todo del guaperas de James Bond. Porque es cierto que tanto el séptimo arte como la caja tonta, con tanta parodia, explotación y risión del superagente de los huevos bien se encargaron de ponerle en su sitio por ridículo y sinvergüenza.

Que sí, que eso de encarnar un "doble papel" como agente encubierto tiene su miga, y poder liquidar a cualquiera con total impunidad aún más: ¿quién no ha soñado con mandar al otro barrio al chuloputas ese que te ha robado a la novia, o quizás a unos cuantos entes de esos del Congreso de los Diputados? Pero es que el tema de los cachivaches inútiles, las armas de pega, los mensajes que se autodestruyen y los disfraces irrisorios ya es de traca. Pues eso, que se cebaron

con él y merecido lo tiene. Además, Sean Connery tenía gracia, pero el carapalo del Craig tiene la misma que el primate del Bardem escribiéndole un poema de amor a la Pe de las pelotas. Amos, que me voy a tragar yo encima la última entrega con los dos juntitos... ¡Cuando las ranas críen pelo y Sánchez Gordillo se haga hombre de provecho, oigan!

conocemos, convertido entonces en un fenómeno social. Huelga decir que esta fue la década del apestoso agente 007. Cómo no van a surgir parodias del cine de espionaje, si el propio James Bond se tomaba su trabajo a guasa... Que sí malandrines, que además de la de matar, el tipo se toma la licencia de carcajearse de sí mismo: lo hizo Roger Moore en La espía que me amó.

Pues sí, que el rollo del espionaje, los agentes secretos y los servicios de Inteligencia (je,je) pueden dar mucho pero que mucho juego en el terreno de la parodia. Confusiones, persecuciones, la necesidad de camuflarse en cualquier momento... Si es que ya nos lo enseñaron los grandes de la historieta hispana: el gran Vázquez, con su maravilloso Anacleto, Agente Secreto y sus misiones con destino al desierto del Gobi, o el maestro Ibáñez con sus célebres Mortadelo y Filemón, agentes de la TIA que son vapuleados en cada viñeta... ¿Quién no se acuerda del Inspector Gadget, ese peculiar y tuneado agente secreto con la voz del fenecido Jordi Tarradella - que en paz descanse - y que de tan despistado rozaba la estupidez, habiendo de ser rescatado constantemente por su infante y dulce sobrina Sophie y su perro Sultán? ¡Rescatado por su perro, válgame! Estos ejemplos que todos recordaréis (y algunos más) nos iban preparando en nuestra infancia para lo que luego nos esperaba: el jolgorio descojonante a costa de los espías y los dobles agentes secretos de ficción y cartón piedra. O lo que es lo mismo, que ahora nos hacen reír cuando en origen pretendían ser algo "muy serio".

No obstante, los primeros hijos bastardos de Bond procedieron del otro lado de los Alpes, del país con forma de bota, cómo no. Y es que el éxito de 007 hizo que los sinvergüenzas de los italianos, ávidos de pasta y faltos de escrúpulos, probaran suerte filmando una serie de filmes de espías con presupuestos más escasos que los bolsillos de Mortadelo. Los guiones, siempre surrealistas, y los actores, de pseudónimo anglosajón, que eran doblados en su mayoría al castellano por el actor Simón Ramírez, la voz oficial de Sean Connery.

Los resultados no fueron demasiado exitosos, pero sí que les dieron sus buenos cuartos a los fetuccini.

Para empezar con la coña recordemos el ridículo y psicodélico look de Los Vengadores (aquella serie de agentes secretos elevada a categoría "de culto" por los infames gafapasta, nada que ver con la mariquita de Thor y su tropa), a aquel Superagente 86 con su zapatófono, o a Los - lúbricos - Ángeles de Charlie, series de la tele que han parodiado el cine de espías y que han tardado lo suyo en saltar a la gran pantalla, haciendo de la estridencia, el cachondeo y el desparrame sus señas de identidad. Y es que los años sesenta fueron los que desarrollaron el cine de espionaje tal y como lo

También en las cintas Super Seven chiama Cairo - Super Siete llama a El Cairo - (1965), y Gran Dragón: Espía Invencible (1967), las dos nuevamente del explotador de Lenzi, Agente 707: Intriga en los Ángeles, Agente 2/007 de Franco Prosperi (El padre del subgénero mondo con Este Perro Mundo, para que veáis que lo mismo le daba ocho que ochenta), y el más popular de todos, el agente 077, que obtuvo tres series paralelas con idéntico número pero diferente agente (no os hagáis pajas mentales: esto es un enredo de pelotas). El caso es que Ken Clark dio vida a Dick Mallol, también conocido como el agente 077 en los siguientes bodrietes: Agente 077: Misión Sangrienta (1965), Agente 077: Furia en Oriente (1965), Operación: Lady Chaplin (juas, juas, 1966), La muerte espera en Atenas (1966) y ParisEstambul : sin regreso (1967)

Ni más ni menos que casi cien películas se filmaron películas entre 1965 y 1968. Estos tipejos no ponían el más mínimo reparo en emplear cualquier estratagema con tal de atraer a más público a las salas, así que los guionistas optaron por continuar la saga de los agentes "00".

El actor John Ericson encarnaría a 003 en el filme Agente 003: Operación Atlántida (1965).

La bellísima Ingrid Schoeller sería la primera mujer espía interpretando a la agente 00 en Agente 008: Operación Exterminio (1965) del caníbal Umberto Lenzi. Por su parte, los cómicos Franco Franchi y Ciccio Ingrassa darían vida a los agentes 002 (sí, al ser dos personajes encarnaban al agente 002, manda cojones) en las parodias 002: Agente secretísimo (1964) y 002: Operazione Luna ( 1965). Al amparo del "007" nacieron espías como el Agente 777 (Agente 777: Operación Misterio; y Agente 777: Billete hacia la muerte, interpretado por Lewis Jordan; Agente 070, en las películas Agente 070: Un tango desde Rusia, y Agente Secreto 070: Thunderbay Missione Grasshopper, ambas protagonizadas por Dan Christian. Esta gente no se cortaba un pelo en imitar descaradamente los títulos de las novelas de Fleming como puede verse.

Otro hombretón de la serie B-Z, el gran Richard Harrison también encarnó al agente 077, esta vez llamado Bob Fleming (éste al menos tuvo un detalle con el padre de Bond) en las castañas de Antonio Margheriti, conocido también por sus plagios de Alien (Alien 2, je, je) y sus pelis de zombies roñosos. Fue aquel un díptico compuesto por Agente 077:Desafío a los asesinos y Espías en Beirut. Pero eso sí, la imitación más descarada fue aquella denominada Marc Matto: Agente 077 (1971), protagonizada por nada más y nada menos que el segundo James Bond oficial, George Lazemby, que interpretó al agente secreto más pedante en 007, Al Servicio de Su Majestad (1969). La cosa quedó en una sola aventura, y me da una lástima...

A pesar de todo, la idea de crear un agente totalmente nuevo, rondaba por la cabeza de los productores Europeos. De esta forma apareció un nuevo elenco de agentes secretos de pesadilla, dispuestos a afrontar el máximo número de aventuras posibles (¿qué hicimos para merecer esto?). La mayoría era clones de 007; incluso algunos consiguieron sobrevivir a más de una película, algo digno de alabanza. El agente secreto gabacho Coplan/FX18, vivió varias aventuras con diferentes directores y actores: Coplan, Agente secreto (1963), Objetivo: Matar (1965), FX18 debe morir (1965), y Coplan Save sa peau (1967). Otro

agente secreto franchute fue Stanislas Dubous, protagonista de Stanislas: Agente secreto (1963), y Matar a un espía (1965).

Haciendo de tripas corazón pasaremos una breve nómina de agentes de pacotilla que pese a todo gozaron de cierta fama en su momento, y que puesto que ya no son reconocidos ni por Cristopher nos limitaremos a nombrar: Walter Ross (3-S-3), Danny Moon (Z-55) - interpretado por el español Germán Cobos -, el agente Blacky Black (505), el agente X77, Ted Ross, el agente Howard, el agente Murphy, el agente Collins (X-1-7), el agente Mark Donen (Z-7), el agente Bond Callahan/As de Pic, o el agente 05-14. Y también el agente... y el agente... y aquel agente que... Joder, con tanto agente me he quedado gilipollas. Eso sí, el último personaje encargado de imitar a Bond tuvo cierta gracia, ya que se haría llamar "agente End". Pero qué puñetera ristra de castañas pilongas.

En fin, basta ya de imitadores de pega. Retomemos la senda del populacho avanzando un poco en el tiempo, con algunos títulos que al menos suenen de algo al personal no nerd. Una de las más descerebradas y divertidas incursiones en el cine de espías fue aquella de los Zucker y Abrahams: la desternillante Top Secret. De lo mejorcito de la parodia espolvoreada con sal gruesa, y una de las cumbres de la comedia de lo absurdo. A ritmo de Tex Avery, la cinta integra todas las claves genéricas dentro de una historia homogénea, y cuenta con megaestrellas como Peter Cushing y Omar Sharif. El superagente rockero Nick Rivers, interpretado por un pletórico Val Kilmer, se marcha a participar en un festival cultural a las Alemanias. Pero esto es tan solo parte de un plan trazado por la Germania Oriental para unificar las dos alemanias e implantar así un reinado de terror (risa maléfica). Pero terror ninguno, y risas muchas. El periódico que lee el representante de Nick Rivers en el tren de camino a Alemania lleva por título "The Royal Opressor". En su escena más recordada, dos miembros del grupo revolucionario que se quieren infiltrar en el casillo alemán se disfrazan de vaca - uno adelante y otro detrás - con las manchas pintadas a lo naif y calzando botas militares, para terminar siendo enculados por un becerro que pasaba por allí. Pero es que un espía no sería nada sin su confidente, que en el caso que nos ocupa se trata, nada más y nada menos que de un... ¡ciego! (juas, juas). Consejo: antes de verla, vaciar la vejiga por completo. Y una frase para el recuerdo: "- ¿Que bebes, Café Olé (así se llama el mercenario negro)? - ¡Gasolina!".

Este tipo de humor sería también calcado por los chinos en la parodia más descerebrada y fabulosa de oriente: Desde Pekín con Amor. El rey de la comedia de Hong Kong, el genial Stephen Chow, lo borda mucho más que el Bond de la época, el pedante de Pierce Brosnan. Y es que aquí el agente secreto más delirante y de ojos más rasgados se encargará de recuperar un esqueleto de dinosaurio que ha desaparecido, ni más ni menos.

Pero es que realmente Chow no es más que un simple carnicero (de una habilidad inhumana con los cuchillos, eso sí) que se pasa el día bebiendo martinis y soñando con ser el nuevo 007 para trincarse a la jaca jerezana de turno. No os engaño, con esta película vais a llorar de la risa. Y es que ni uno solo de los tópicos de las pelis de Bond queda a salvo en esta parodia brutal: un protagonista que es la cosa más tonta que ha parido china, un completo arsenal de gadgets de lo más inútiles, una revientabraguetas agente doble - la bellísima Anita Yuen - que intenta asesinar a nuestro héroe constantemente... no por ello renunciando a un final repleto de tanto romance como violencia exagerada, muy en la línea del cine hongkonés.

Para no perdérsela.

Otro engendro legado por los chinos al cine de espionaje y contraespionaje fue la saga Mad Mission, otra de agentes secretos que se convertiría en tetralogía. La sorpresa es que estas peliculillas no están nada mal, aunque son para mear y no echar gota. En su primera entrega, Mad Mission, una marimacho Sylvia Chang persigue junto a su amiguete Kodijak - otro trasunto calvo y cascarrabias de Kojak - a un ladrón de joyas de lo más listillo. Cuando la mafia les persiga a los tres, habrán de unirse en singular equipo dando lugar a una serie de disparatados gags de lo más surrealista, impactantes escenas de riesgo y una batalla de coches radiocontrol absolutamente lobotomizante.

En la segunda entrega, Mad Mission 2: ases del metal (que parece el título de un disco heavy), veremos a un doble de Harry el el Sucio de lo más cabrón que se dedica a perseguir al ladronzuelo de joyas de la primera parte. En éstas, el calvo y la marimacho, que han pasado por la vicaría (quién lo iba a decir), deciden ayudar al mangante de nuevo, ya que la mafia vuelve a las andadas y se le quiere trincar. Asistiremos a un duelo mítico de automóviles repletos de gadgets a lo James Bond, solo que más excesivo, y todo tipo de motos y artefactos voladores de todo a cien. La tercera parte se estrenó en la piel del toro con el evidente título de 007, Nuestro hombre de Bond Street. Habría que hacerle un monumento al lumbrera que lo pergeñó, pero aparte de esto, con ésta las carcajadas están aseguradas, aunque sean involuntarias. La más descarada de las bondplotations cuenta en su reparto con un clónico de Sean Connery (al menos han ido a elegir al mejor de los 007) y con el bestiajo de Richard Kiel, también conocido como Tiburón, y uno de los villanos más carismáticos de la saga Bond. Se hacen continuas referencias además a la clásica serie Misión Imposible de Peter Graves y encontramos más acción y humor desenfrenados que no dan tregua al espectador: vehículos imposibles que surcan tierra, mar y aire, descensos en paracaídas desde la mismísima Torre Eiffel y los consabido gadgets de rigor. La cuarta parte de la saga, titulada Nunca se muere dos veces en castellano, abandonaba definitivamente el rollo del espionaje para centrarse en las aventuras "a lo Indiana Jones". Que se pareciera el tipo a Harrison Ford ya era otra cosa.

Y llegamos al tecno-espionaje de los noventa, favorecido especialmente con la saga del siniestro Tom Cruise, que en su Misión Imposible tendría que llegar al extremo de... ¡comerse la placenta de su propia esposa tras el nacimiento del bebé! La escena resultaba verdaderamente asquerosa, y en la misma se encargaba de aliñar la enjundia con ajete y perejil... ¿Pero qué dices? ¿Que eso pasó de verdad? Anda, anda... menos lobos Caperucita.

Pero en fin, que también halló esta tendencia algunas versiones de lo más desenfadadas, por decir algo. El pesado del James Cameron, antes de que le diera por el rollo ecologista de Avatar y toda

de Val Kilmer y compañía, pero se quedó en el intento. El cargante Powers jugaba con todas las claves del género para mostrarnos su lado más chabacano, disparatado y soez. A pesar de todo, el bodrio contiene varias escenas divertidas y sirve para pasar el rato, mérito en que cual rebasa de lejos al muermazo de 007. Uno recuerda la escena en la que intentan matarle en el retrete, o cuando descubren entre sus pertenencias un... ¡alargador de pene! No obstante, pese a todo Mike Myers se hace muy cansino; al menos para compensarlo tenemos a Elizabeth Hurley, que aparece aquí más maciza que nunca.

esa mierda de color azul eléctrico, ya aportó su granito de arena y puso sobre el tapete su conocido sentido del espectáculo y los fuegos artificiales. Fue con la entretenida Mentiras Arriesgadas, toda una espectacular comedia que derrocha adrenalina y en la que el tío James metía en el ajo de nuevo a su actor fetiche, el super-gobernador Arnold Schwarzenegger, que aquí interpreta a Harry Tasker, un superespía internacional ultrasecreto que lucha contra el terrorismo nuclear y lleva una doble vida, ocultando su verdadera dedicación a su esposa Helen (la tetuda scream queen de los niños, Jamie Lee Curtis), que piensa que es un aburrido vendedor de ordenadores. Pero la tipa se pondrá todo burra cuando descubra el verdadero oficio de Chuache y decida ayudarle a salvar el mundo... otra vez. Quizás hacia el final se torne un poquito ridícula y forzada, pero es de lo mejorcito en cuanto a parodias de espionaje para acompañar a las palomitas, y la violencia resulta "tan de cómic" que uno no puede tomársela en serio del todo.

Pasados los años, y tratando de recuperar el testigo de los espías moñas, la muy también british hasta la médula saga de Austin Powers aspiraba a convertirse en sucesora humorística

Otro cómico que al menos tiene más gracia que el Austin Powers de los cojones, el histriónico Rowan Atkinson AKA Mr. Bean, encarnó la versión más subnormalizante de 007 con su Johnny English, el peor agente del MI7 británico, que junto a su ayudante y su guapísima partnenaire, Natalia Imbruglia, habrán de cazar a un malvado John Malkovich en una sucesión de gags a cada cual más disparatado y que de estúpidos que resultan

hasta tienen su chiste.

Sarah - la guapa Mary Louise Parker - encarna a una M.I.L.F que trabaja de administrativa y se encarga de hacerle llegar su pensión al tito Willis, pero que en sus ratos libres disfruta como una niña con... ¡las novelas de espías! También merece un recordatorio la disfrutable Quemar después de leer, parodia de los Cohen del cine de espionaje que no es sino una comedia negra a ratos entretenida, a ratos triste, que narra las desventuras de un ex-agente secreto que es despedido y se dedica a escribir sus memorias así como de toda la fauna que le rodea. La cinta acentúa esperpénticamente las notables dosis de simpleza de los llamados Servicios de Inteligencia. Y es que Anacleto no iba desencaminado... ¿para cuándo una adaptación cinematográfica de sus episodios, con "Trompita" de invitado estelar? Lo mejor de la película, John Malkovich (como siempre) y los gestitos de Brad Pitt.

Parodias recientes hay muchas, pero son tan asquerosas y vomitivas que no entraré en mayor detalle. Aparte de la infumable Los Vengadores, remake de la popular serie de televisión homónima británica emitida entre 1961 y 1969, las sagas de espionaje en familia Mr. y Mrs. Smith (del ente informe Brangelina) y Spy Kids (con los infames críos del Banderas) no producen sino diarrea aguda e intensas ganas de matar. Mención aparte merece la graciosa RED, con el calvorota de Bruce Willis encabezando un reparto de viejos agentes secretos que han de unir sus fuerzas en una última misión a vida o muerte. En esta ocasión uno de los “duros” por antonomasia de Hollywood se rodea de principiantes como Morgan Freeman, John Malkovich o Helen Mirren (y de algún secundario que también lo borda), consiguiendo una cinta que no pasará a la historia pero que entretiene lo suyo y constituye una inteligente parodia. Y es que Y para el final hemos reservado lo mejorcito del pastel, lo más rico de la carta, la joya de la corona de Su Majestad. Coged el Delorean, que volvemos al pasado y viajamos a la España cañí de los ochenta. Y es que hemos dejado un poquito de mierda en el tintero a propósito, ya que deseábamos, con todo este rollo de los agentes secretos y demás inmundicia, dejaros un amargo sabor de bilis hedionda en el paladar. Agarraos los genitales, que se presenta... ¡Operación Mantis: El Exterminio del Macho! ¿Que no sabéis que coño es esto?

Yo tampoco sabía nada hasta que el Viruete y sus amigos nos engañaron en la pasada Monstrua del Cine Chungo de Getafe y hubimos que ser testigos a la fuerza de semejante despropósito, y es que estaba feo marcharse antes del final. Muy sencillo. Mirad el eslogan de la pinícula en su cartel, que reza así: Una movida de agentes supersecretos, señoras estupendas, buenos, malos, acción... descubra entre carcajadas un mogollón de aúpa. ¿Os

Si metemos en la paella a actores de la talla de José Luis López Vazquez, al propio Jacinto Molina, José Sazatornil Saza, Fedra Lorente (La Bombi), Antonio Melero, etc., como resultado obtendremos una película que da absoluta vergüenza ajena.

Porque alejándose del terror que tan buenos frutos y reconocimiento le proporcionó, el bueno de Paul Naschy tan solo consigue hacer el ridículo. Y es que Naschy en esta película da verdadera lástima sacando a relucir su inédita "vis cómica", haciendo el ridículo de todas las maneras imaginables. El tipo se disfraza de cualquier cosa (emulando a los héroes de Ibáñez), recita chistes lamentables que dan ganas de llorar, pero es que incluso se atreve a cantar y hacer el mongolo vestido de punky.

Al lado de tan apocalíptica y dañina escena - la del concierto rock de Naschy, quiero decir -, ver a José Luis López Vázquez con traje de camuflaje disparando una metralleta en plan Rambo parece hasta normal.

Todo es penoso en sí mismo, pero es que el argumento no da para más. La cosa es que tras el asesinato de una poderosa mujer, una organización ultrafeminista denominada “Matriarka” (así con "k", en plan dabuti), planea el exterminio del macho, dejando tan solo a los hombres más influyentes con el único fin de perpetuar la especie humana. La crème de la crème de los superespías, encabezados por el tío Jacinto, será la encargada de poner en su sitio a tanta zorrupia descontrolada.

Visto así, podía hasta haber molado mucho, pero está todo tan mal planteado, tan mal hecho, tan mal acabado, que la película solo atina en su triste patetismo.

En resumidas cuentas, que sumando todas estas cosas y reuniendo a un grupo de amigotes y mucho alcohol, podréis disfrutar de un filme de obligado visionado para todo freak que se precie. Después de tamaña experiencia audiovisual puede que se os quiten las ganas de ver al James Bond de los cojones por mucho tiempo. Algo positivo tenía que tener.

Por : Tony Camacho.

Cuando hablamos de Misión Imposible, no podemos más que pensar en la franquicia de películas que ha protagonizado Tom Cruise, pero mucho antes que eso, M-I fue una exitosa serie televisiva emitida en dos tandas diferentes y con nueve temporadas en su haber. Una serie de televisión nacida al abrigo de la Guerra Fría en 1966 con un reparto de lujo para la época y una

música que recordaremos por siempre.

El 17 de septiembre de 1966 comenzaba en la NBC las aventuras de la fuerza Misión Imposible, una organización ultrasecreta que llegaba allá donde ni siquiera la CIA podía llegar, encabezada a partir de la segunda temporada por Jim Phelps interpretado por Peter Graves, la figura más reconocible tanto de la serie clásica como de el reboot, de bastante menos calidad que se produjo a finales de los 80.

Los capítulos de la serie en la mayoría de las ocasiones comenzaba con Jim Phelps escuchando una cinta en la que se le explicaba la misión a realizar y justo al terminar se oía la famosa frase,

que marcó una época y que ha quedado dentro de la cultura popular occidental. Más tarde elegía al equipo que le ayudaría a resolver el problema utilizando objetos de alta tecnología para la época y una sorprendente capacidad para el disfraz, las famosas máscaras.

en la serie), pero si en las aventuras clásicas todo salía bien, en la película dieron un giro de 180 grados ya que en la misión muere casi todo el equipo y se le acusa de ello a el propio Hunt que a partir de este momento se dedicará a probar su inocencia y averiguar quién les ha traicionado.

Al ser una serie coral en el que se cambiaban En general se trata de una buena película, con los protagonistas en cada episodio, por ella pasaron gran cantidad de actores, y muchas caras conocidas, por ejemplo en el primer episodio salió el boxeador Sugar Ray, pero para algunos de nosotros nos llamará más la atención que uno de los protagonistas durante 3 temporadas fue Leonard Nimoy, además de Michael Landau o Leslie Ann Warren.

Esta serie marcó tanto a una generación que solo era cuestión de tiempo que alguien se atreviera a adaptarla al lenguaje cinematográfico y ese alguien no fue otro que Tom Cruise. El actor norteamericano era un fan incondicional de las aventuras de Jim Phelps y compañía, así que se tiró años detrás de conseguir protagonizar y llevar a buen puerto el proyecto, hasta que Brian de

unos efectos especiales muy buenos para la época y algunas de las mejores escenas de acción de la década, que consiguió auparse en la tercera posición de estrenos del año en lo que a taquilla se refiere, aunque algunos fans de la serie se sintieron un poco defraudados al tocar algunos iconos, aunque la música continuó siendo la misma que de Palma se puso a los mandos de la adaptación en en el original. la que se comenzaría una nueva etapa en la saga que rompería completamente con la serie tanto en El éxito de la película fue tal que nadie dudaba de forma como en estructura. Si bien recuperaba el la producción de una secuela o incluso el inicio personaje principal Jim Phelps interpretada por de una franquicia tipo James Bond, así que para Jon Voight que encarga una misión a un nuevo los fans del cine de acción fue una gran noticia equipo dirigido por Ethan Hunt ( Cruise ) un enterarse que el genio del cine oriental John Woo experto en infiltración y combate (personaje que se encargaría de MI2, todo eran buenos augurios recuerda vagamente al que interpretara Landau para la segunda parte, incluso Anthony Hopkins

se había apuntado pero luego llegaron las Fallas Pero en 2006 un director casi desconocido pero sevillanas en Semana Santa. que tenia en su currículum ser el creador de dos series de culto, Alias y Perdidos, se hacia con Probablemente estemos ante uno de los fallos de la dirección de la tercera parte y todo cambió. documentación más garrafales de la historia del Nos volvían a traer a un Ethan Hunt, espía, y no cine, colaba incluso que Sevilla tuviera acantilados, superhéroe cutre, con una fotografía cuidada y que los sevillanos parecieran guatemaltecos e muy cercana a Alias y un argumento interesante incluso esos decorados que parecían el patio que era lo realmente importante de la película. interior de la Catedral y que rezumaban cartón La acción, la había y de la buena, pero solo como piedra por todos los lados, pero que en Sevilla complemento a una historia bien hilada con unos mujeres vestidas de falleras quemaran santos en malos definidos y un bueno humano.

Semana Santa tirándoles arroz, eso no colaba en Ethan Hunt vive casi retirado del espionaje, se ha ningún sitio. Aparte de este error garrafal que prometido y vive feliz enseñando a futuros agentes si eras español te desconectaba del resto de la su oficio, pero un día secuestran a una de sus película, estamos ante una de las películas más alumnas y decide volver a la acción para rescatarla, aburridas, sin sentido de la historia del cine. la cagan y comienza la película, que tiene uno de Llena de escenas WTF, con algunos momentos los mejores finales de la saga y sin duda el mejor lamentables y fantasmadas por doquier, total que villano de las cuatro interpretado por Phillip la gente se dio cuenta del rollo que nos la habían Seymur Hoffman. Algunos opinan y yo estoy entre querido meter y en dos semanas de boca a oreja el ellos, que esta película no es una más de la saga, fiasco estaba asegurado, y vendió mucho las cosas sino mas bien un reboot del personaje de Ethan como son, pero ni la mitad de lo que esperaban volviendo a hacerle cercano a lo que tiene que ser recaudar. Misión Imposible estaba muerta una un superagente cinematográfico y alejándolo del vez más. fantasma con Raybans de la segunda parte que como he dicho antes es completamente ridículo.

En la cuarta película de la saga, la relativamente reciente Protocolo Fantasma es una perfecta continuación de la tercera, sigue por los mismos derroteros y nos recuerda en argumento a la primera, aquí también tienen que trabajar fuera del sistema para demostrar su inocencia. Pero creo que aunque tiene un inicio magnífico con toda la escena del Kremlin y su espectacular final, pierde la oportunidad de centrar la película en el equipo, que aunque tiene más protagonismo que en las anteriores, siguen siendo esos chicos que acompañan a Hunt y que de vez en cuando mueren. Cosas positivas, no se toma tan en serio como las anteriores, tiene momentos realmente divertidos que te producen no solo la sonrisa sino la carcajada y además continúan ofreciéndonos algunas de las mejores escenas de acción que se pueden ver en el cine. Mi momento preferido, sin duda toda la escena en el hotel de Dubai, simplemente genial.

En general yo soy más fan de las tres películas, la segunda no existe para mí, que de la serie, quizás el rollo sesentero me quede un poco lejano y no sé desconectar el cerebro para asumir la época en la que se hizo, pero he de reconocer que M-I y sobre todo su música de créditos me ha acompañado por siempre, porque, ¿Quién no ha tarareado el tiroriiiiiii, tiroriiiiiiiiii cuando iba a hacer alguna cosa difícil? Que son unas películas con escenas imposibles, pues si, ya lo dice el nombre, pero no es precisamente eso lo que buscamos cuando pagamos una entrada de la saga.

¿ QUÉ CONOCEMOS COMO LA LLAMADA representada en la película “Punto de mira “ protago“GUERRA FRÍA” ? nizada por Jeff Goldblum y que describe la historia de las marginaciones por esta caza de brujas, aunque sin Se denomina guerra fría al enfrentamiento entre los lugar a dudas la película que mejor retrata este punto dos grandes bloques mundiales, uno formado por el negro en Hollywood es “Buenas noches y buena suerte” de bloque occidental liderado por Estados Unidos y el George Clooney en la que se narra el enfrentamiento que otro el oriental-comunista liderado por la Unión So- mantuvieron el periodista de la CBS Edward R.Murrow y su viética, nunca llegaron a tomarse acciones directas de productor contra el senador McCarthy hecho que determinó un bloque contra el otro, razón por la que se denomi- el fin de la caza de brujas. no como “guerra fría”.

En la Unión Soviética la cosa no pintaba mejor, allí Las dos potencias deseaban implantar su modelo de simplemente los sospechosos de ser traidores al cogobierno en el resto del planeta, por lo que no se llegó munismo eran encerrados en Siberia o directamente a una guerra mundial pero sí hubieron bastantes roces ejecutados. que amenazaban con que se produjese.

Pero vamos a lo que nos interesa y vamos a realizar un El periodo de dicho enfrentamiento podría situarse recorrido por algunas de las películas que tratan sobre desde finales de la segunda Guerra Mundial en 1.945 el conflicto EEUU-URSS hasta el fin de la URSS, entre la caída del muro de Berlín en 1.989 y el golpe de estado en la URSS en 1.991. PELICULAS SOBRE LA GUERRA FRÍA Los enfrentamientos no solo tuvo lugar en el terreno político sino también en el social, tecnológico, in- En el cine con la “guerra fría “ de telón de fondo formativo e incluso en el deportivo. El cine no iba a ser podemos encontrar verdaderas obras maestras menos y durante este periodo encontramos películas como por ejemplo “Un, dos, tres” la comedia de que se posicionan de un u otro bando, dependiendo Billy Wilder que trata sobre un representante que de que bando sea el que lo cuente. intenta introducir desde Berlín Occidental la Coca-Cola en la URSS, Wilder consigue una de las meDurante este periodo de tiempo en las dos potencias jores comedias realizadas sobre el conflicto o una de existía un gran rechazo hacía los que creían que no las mejores películas de Stanley Kubrick “Teléfono apoyaban sus ideas, así en Estados Unidos durante rojo:Volamos hacia Moscú” en la que un general conmandato del senador Joseph McCarthy se realizó la vencido de que los comunistas están contaminando caza de brujas y se persiguió a todos los que sospe- los EEUU ordena un ataque nuclear por sorpresa conchasen relacionados con el comunismo, dejándoles tra la Unión Soviética en la que brilla por encima de inmediatamente sin trabajo y marginándoles, en la todos un genial Peter Sellers. lista negra se encontraban escritores, guionistas, directores, actores… Esta caza de bujas esta muy bien Un maestro como Hitchcock no podía dejar pasar un

momento como este para poner algo de suspense y realizó “Cortina rasgada” en el que un científico americano ( Paul Newman ) se adentra en la Alemania del Este para robar tecnología nuclear soviética. Se trata de una película interesante pero menor dentro de la gran filmografía de Hitchcock.

Mark Robson dirigió “El premio” con Paul Newman y Edward G. Robinson en la que un escritor norteamericano, llega a Estocolmo a recibir el Premio Nobel y descubre un complot soviético para secuestrar a un científico . Como podemos comprobar el argumento cambia pero la base es la misma…. Que malos son los rusos !!

También por la otra parte podemos encontrar casos, solo que aquí los “malos” son los americanos, el director ruso Mikhail Tumanishvili realizó “Soviet: La respuesta” en la que los marines soviéticos hacen fracasar una monstruosa operación preparada por la CIA, arrasando a los americanos……

Pero claro está, la mayoría de casos vienen del otro lado, o por lo menos los más conocidos, Norman Jewison dirigió la divertida “Que vienen los rusos” en la que un submarino ruso encalla en un tranquilo pueblo de la costa de los EEUU y la tripulación desembarca para pedir ayuda, creyendo los habitantes del pueblo que se trata de una invasión…. .

El gran Clint Eastwood también realizó una aproximación a la guerra fría cuando dirigió “Firefox, el arma definitiva” en la que el mismo Eastwood recibe la orden de robar un prototipo de avión que han desarrollado los soviéticos capaz de volar a gran velocidad y que posee las armas más futuristas. Sin ser una de sus mejores películas sí consigue entretener y hacer pasar un buen rato, destacando sus efectos especiales creados por el mismo que realizó los de La guerra de las galaxias.

Hay cientos de películas con la guerra fría como telón

de fondo de la acción y sobre los posibles efectos de lo que hubiera sido un ataque con bombas atómicas, la película que más se acercó a lo que sería un posible ataque fue “El día después” de Nicholas Meyer en el que se relataban los devastadores efectos de un holocausto nuclear en la vida de los habitantes de un pueblo de Kansas Actualmente se siguen realizando películas que hablan sobre este periodo, aunque ahora ya se sabe como terminó todo y le reste dramatismo, algunas han tratado de contar lo cerca que estuvimos del desastre como “Trece días” de Roger Donaldson en el que se cuenta la crisis de los misiles de Cuba, EEUU descubre que la URSS está colocando misiles en sitios estratégicos de Cuba desde donde podrían alcanzar la mayor parte de los EEUU y deciden realizar un bloqueo a Cuba. Las dos semanas que siguieron podrían haber cambiado el curso de la historia.

La multipremiada “La vida de los otros” de Von Donnersmarck también analizaba el tema del espionaje pero en la República Alemana, un oficial de la Stasi era el encargado de realizar las escuchas a gente sospechosa de ser un peligro para el régimen comunista de la RDA. El Oscar a la mejor película de habla no inglesa que ganó este año y sus grandes críticas la convirtieron en una de las películas del año 2.006. Como esas escuchas las realizasen en este país a algunos por no decir todos los políticos seguro que daría para varios programas de Tele 5….

El director de “La jungla de cristal” John McTiernan puso acción y misterio a la guerra fría con “La caza del octubre rojo” , en ella un submarino soviético pone rumbo a Estados Unidos y la CIA envía al agente Jack Ryan a averiguar si planean atacar EEUU o desertar de su país.

La guerra fría y la lucha EEUU-URSS trajo también grandes momentos para nosotros los frikys, tanto en

películas de serie B como en películas de acción en el En la ciencia ficción se han creado muchas pelícuque enemigo siempre era el mismo…… los rusos. las con claras referencias a la guerra fría o al peligro del comunismo como por ejemplo “ La invasión de Todo buen friky debe de haber visto ( yo reconozco los ultracuerpos”, “Ultimátum a la tierra”, “The Blob”, que la abre visto más de 3 veces….) “Juegos de guerra” prácticamente todas las que se rodaron por los ´50 llede John Badham con un jovencito Matthew Broderick vaban alguna referencia. dando vida a un experto informático capaz de saltarse los más avanzados sistemas de seguridad, pero La verdad es que estamos aquí para poder contarlo de involuntariamente conecta su ordenador con el De- casualidad, porque con unos líderes políticos como partamento de Defensa americano encargado del Sis- los que hemos tenido que sufrir tanto en EEUU como tema de defensa nuclear, y creyendo estar jugando a en URSS lo raro es que ninguna de las dos potencias un juego de ordenador está a punto de desencadenar se lanzase a apretar el botón. Hoy en día los enemila tercera guerra mundial cuando hace creer que la gos de EEUU ya no son los rusos, los pobres ya tienen URSS ha lanzado sus misiles. Inolvidable ( Y hoy en bastante con sacar adelante lo suyo, y ahora se decandía muy poco creíble ) su final y como consiguen evi- tan más por los países islámicos…. tar la tercera guerra mundial.. Con el tiempo se rodó una segunda parte que lo mejor que podemos hacer Al menos pudimos disfrutamos con un buen puñado por ella es no hablar de ella. de películas en el que el enemigo estaba bastante claro de donde procedía….

John Milius nos ofreció la patriótica “Amanecer Rojo” en la que un ejército de tropas soviéticas y cubanas invade una ciudad de EEUU provocando la tercera guerra mundial y unos jóvenes consiguen huir y preparar un contraataque…. Actualmente se está preparando un remake que la verdad no sé muy bien qué sentido tiene…… a bueno si hacer dinero…

En “Rocky IV” dirigida por el mismo Sylvester Stallone, también encontramos el mismo patrón, el ruso malo quiere ganarle al americano bueno, aunque el último discurso realizado por Sly intente unir lazos y además queda muy bien para el final lacrimógeno.

Un gran clásico de la serie B como Joe Dante no podía dejar pasar la ocasión y realizó “Matinee” un claro homenaje a las películas de ciencia ficción de los años 60 y al temor a una guerra nuclear, en la película John Goodman da rienda suelta a su comicidad como productor de películas de terror.

10 TiTULOS CONTROVERTIDOS DE LA HISTORIA DEL CINE por Antonio Alcaide

Resulta complicado acercarse a un tema tan inaccesible como el que intentaremos abordar en este artículo, su exposición es fácil, intentar dar explicacíon a títulos de películas que ya sea por simbólicos, o porque simplemente están en otro idioma, o hacen referencia a definiciones linguisticas obsoletas, han creado debate cinéfilo sobre su significado.

La mencionada dificultad radica en que al bucear en muchos de ellos, no se obtiene una respuesta concreta y definitiva, son varias las posibilidades, pero lejos de suponer algo frustrante, se torna como algo sumamente fascinante, a mi modo de ver, engrandence aún más la leyenda del film, además, por lo general, son grandes obras del Séptimo Arte las que contienen esta curiosa significación.

Quedan expuestas en orden cronológico: - “El Ángel exterminador” de Luis Buñuel (1962) Su título original iba a ser “Los náufragos de la calle providencia”, este curioso film de culto, sobre un grupo de aristócratas que después de una opulenta cena en una mansión descubren que, por motivos desconocidos, no pueden salir del lugar, quizá no sea de título tan complejo, la curiosidad radica más en el cambio y sobre todo en como 2 talentos de la talla de Buñuel -director- y José Bergamín -poeta y dramaturgo español- perpetraron tal hecho, Bergamín comento al realizador sobre su intención de titular una obra de teatro con “El Ángel exterminador”, Buñuel fascinado - nuestro genial realizador era un genio del símbolismo, sobre todo de caracter religioso - le pidió prestado el título para la película, a lo que el poeta respondió que no era suyo, pertenecía al Apocalipsis de la Bíblia.

- “La naranja mecánica” de Stanley Kubrick (1971)

Con un Dios del Séptimo Arte hemos topado, ya anticipo que no es mérito suyo lo del título, ya la novela en la que se basa contiene el mismo nombre, pero es innegable que todo lo que rodea a Kubrick siempre tiene un plus de misterio, en cualquier caso nunca firmo un guión propio, todo se basaba en material literario que de una manera u otra, había conseguido fascinarle.

Anthony Burgess es el novelista responsable de tan mítica denominación, su intención era definir un mecanisno de relojería aplicado a una naranja, concretamente que resultara “tan extraño como una naranja de relojería”, si lo asociamos al momento clave del film, ese en el que el protagonista es sometido al “metodo ludovico”, tenemos la respuesta mas certera, la idea era relacionar la teoría del condicionamiento de Pavlov al personaje de Alex - Malcolm McDowell -, para los que no lo sepan, Pavlov aplicó un estímulo sonoro a un perro que consistía en hacer sonar una campanilla antes de darle de comer, así cuando la campana sonaba, el perro se exaltaba esperando su alimento.

En la película, se aplica un tratamiento experimental que busca acabar con el deseo homicida y sexual de Alex, aplicando una droga que provoca malestar físico, al mismo tiempo que le obligan a visionar -”videar”- imagenes sexuales y de ultraviolencia, de modo que se espera reaccione a esas excesivas situaciones reales con esa misma sensación de molestía.

- “Alguien voló sobre el nido del cuco” de Milos Forman (1975) Otra grán película basada en una novela del mismo título, en este caso se enfrentan los defensores de la palabra escrita con los cinéfilos, porque para quienes han leido el libro, la mejor explicación al título está en una referencia al vuelo de los pájaros que hace el personaje del Jefe Indio, elemento que no se encuentra el el film.

El resto, sobre todo los amantes del cine, entre los que me incluyo, siempre hemos dado por sentado que la clave está en el ave mencionada, el cuco es un pájaro que pone sus huevos en nidos ajenos, es parasitario, es justamente así como Randle McMurphy - Jack Nicholson - irrumpe en las tranquilas vidas de los pacientes del psiquiátrico, alterándolas hasta un extremo insospechado para los responsables del mismo.

Para poner paz, lo que nadie puede discutir del film, es que es uno de los cantos a la libertad más hermosos jamás filmados, en una época en el que el mundo reclamaba mayor autonomía para decidir sobre los asuntos que más le tocaban de lleno, la lucha de McMurphy contra la severa institución que le recluye, es la lucha contra cualquier manifestación autoritária, para muestra, en España se estrenó en un momento emblemático donde los haya, 1975 es el año en el que nuestro dictador pasó a mejor vida.

- “Tron” de Steven Lisberger (1982) Un título que contiene una curiosidad bastante divertida, su director, Steven Lisberger, no supo su significado hasta bien avanzado el rodaje del film, segun sus propias palabras, le pareció un nombre adecuado porque le sonaba a algo electrónico.

La explicación es que Tron se deriva de un comando de Basic, un lenguaje de programación, concretamente de Trace-on, donde “Trace” es un modo de seguimiento de variables y “On” es activar el mismo, o al menos es lo más cercano a una explicación coherente, Lisberger también es el guionista de la cinta, así que quizá solo pensó en el título como en algo conveniente al propio desarrollo del film, uno de esos clásicos adelantados a su tiempo, con unos F/X soberbios.

- “Brazil” de Terry Gilliam (1985) Una película de culto en toda regla, el universo futurista y profundamente depresivo de Gilliam lleva un título que a priori no tiene demasiado sentido, ya que en ningún momento se menciona el país carioca, la explicación hay que buscarla en el deseo de escapismo del personaje de Sam Lowry, - Jonathan Pryce - siempre fantaseando con algo mejor, una ensoñación utópica que consiga alejarle de su aburrida vida de burocracia acoplada a la

maquinaria brutal de un estado opresor, en ese sentido, que mejor que Brasil, icono reconocible, destino ideal para la máxima relajación del cuerpo y de la mente.

Por otro lado, para los que esten más atentos, en varios momentos del film resuena una música de fondo llamada “Aquarela do Brasil”, que sirve de perfecta aliada a la idea mencionada y justifica del todo el título de la cinta.

- “Ran” de Akira Kurosawa (1985) No hay demasiado misterio en el título de la Obra Maestra del incomparable y genial director nipón Akira Kurosawa, la traducción literal a nuestro idioma es “caos, miseria”, lo cual resulta muy adecuado al film, esta preciosista historia, ambientada en el periodo feudal japonés del medievo, es una adaptación libre del “Rey Lear” de William Shakespeare, porque precisamente de lo miserable, se entiende en cualquier lengua y es fácilmente reconocible en todo momento histórico.

Del caos, solo decir que no he encontrado imágenes más hermosas que las del asalto el castillo, la violencia convertida en arte, la sangre pinta su propio lienzo, el del fotograma, nunca tales manifestaciones, la del cine y la pintura, estuvieron tan cerca, si a esto añadimos su original y preciso discurso narrativo, tenemos uno de los mejores filmes jamás realizados.

- “El almuerzo desnudo” de David Cronenberg (1991) En un momento de los Simpsons, Nelson sale del ver el film de Cronenberg y consternado se refiere a la película de esta forma: “Hay al menos 2 cosas que están mal en ese título”, evidentemente es uno de los más complejos a los que enfrentarse y bromas aparte no creo que sea posible darle coherencia del todo, el argumento es una auténtica pesadilla Kafkiana, mitad real, mitad ficción, en la que el protagonista viaja por un mundo de alucinaciones provocadas por una adicción a una nueva y demoledora sustancia estupefaciente.

El autor de la novela vuelve a ser el responsable de todo, William Burroughs intenta dar sentido al título con un discurso cercano al estado narcotizado del personaje de su libro, según Burroughs, todo tiene que ver con el momento congelado en el que somos conscientes de lo que nos llevamos a la boca, ese análisis del

almuerzo, del alimento en materia dispuesta a descomponerse en nuestro organismo, es a lo que hace alusión, lo que sería la conciencia de nuestro propio acto de consumir.

Quizá haya que drogarse para entenderlo del todo, del entusiasmo del maestro Cronenberg ante todo esto, no tengo demasiadas dudas, del film, llamarlo complicado es ser benévolo, ciertamente resulta a ratos estimulante, por saber ser diferente, cuidado por tanto al acercarse a el, no es plato de buen gusto, provoca más indigestión que placer.

- “Trainspotting” de Danny Boyle (1995) Más sobre drogas, el film de Danny Boyle fué un éxito arrollador de taquilla, su estilo innovador, su lenguaje directo y soez, conectó perfectamente con el público juvenil, identificado del todo con Max Renton - Ewan McGregor - y su pandilla.

De nuevo hay que recurrir al autor de la novela, Irvine Welsh, pero en este caso son varios los significados válidos al título, por un lado, en el libro, los personajes de Begbie y Renton están orinando en la estación de tren y un borracho les pregunta si están haciendo “trainspotting”, precisamente los trenes nos llevan a una segunda posibilidad, concretamente el observarlos, un hobby similar al de mirar aviones, denominado “planespotting”.

La tercera es mi opción favorita, al menos la más coherente con el argumento del film, en el argot escocés, y no olvidemos que la película retrata a un grupo de jóvenes de esta nacionalidad, el termino se utiliza entre los heroinómanos relativo a buscar una vena para inyectarse la droga, justamente el tipo de sustancia que altera la vida de los protagonistas.

- “Gatacca” de Andrew Niccol (1995) Film futurista, infravalorado, de esos que gana con el tiempo, en una época no tan lejana, los niños seran concebidos de manera artificial en su mayoría, a través de la selección genética, Jerome - Ethan Hawke - , es uno de los nacidos de forma natural y por esta circunstancia, tiene denegado el acceso a su grán sueño, viajar al espacio exterior, su enorme afán de superación, intentará hacer posible lo imposible.

Sobre el título, está formado por la 4 iniciales de las proteínas que componen el ADN, adeina “A”, guanina “G”, citosina “C” y timina “T”,

si se presta atención a los títulos de crédito iniciales, estas cuatro letras aparecen resaltadas en azul, también cuando el personaje de Irene - Uma Thurman - averigua la identidad real de Vincent, el resultado es la muestra de sus datos y de toda su cadena de ADN. El tema genético sale a relucir en más detalles de la cinta, en el apartamento del protagonista hay una grán escalera en espiral que simboliza las propias cadenas de ADN, y el segundo nombre de Jerome, - Jude Law - es Eugene, en clara referencia a la “Eugenesia”, aspecto de la ciencia que defiende una mejora de los rasgos hereditarios humanos a través de algún tipo de intervención medica o de mejora en los mecanismos sociales, aplicados al bienestar del individuo.

- “Ágora” de Alejandro Amenábar (2010) El hasta la fecha último film de Amenábar me deja algo frio, todo en el está cuidado, el argumento resulta de lo más interesante, pero no acabo de conectar con ella, quizá por el empeño del director en distanciar su mirada en exceso, una historia de caracter épico, casi peplum, requería, a mi modo de ver, mayor implicación, más pasión.

En cualquier caso es el título lo que nos ocupa, y no me cabe duda que muchos ya sabreis lo que significa, en realidad basta con traducirlo del griego, los antiguos helenos lo usaban para designar un grán espacio abierto, donde se encontraban los edificios públicos de mayor relevancia, y que hacía la función de plaza principal de sus ciudades estado o “polis” como ellos las llamaban.

Al ser el centro de la actividad social, cultural y política de la ciudad, centro de asambleas de los más notables, resulta evidente que el título queda del todo justificado.

Como curiosidad, el arquitecto Santiago Calatrava diseñó su propia Ágora en el interior de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia, llamandola justamente así, “Ágora de Valencia”.

Igor Orlov: Un espía de verdad

por Javier Sánchez Roquero

¿Cuántos de vosotros, al ver una película sobre espías, no se ha imaginado como uno de ellos, sonsacando información con los mas crueles métodos a los agentes enemigos, teniendo otra clase de enfrentamiento con la guapa agente doble de turno o sacando el arma, con toda la chulería, para no dejar títere con cabeza? Si no me equivoco, casi todos hemos soñado con ello. Y es que películas como las de James Bond nos han hecho tener un concepto muy equivocado del mundo del espionaje y los agentes secretos, ya que en la realidad nada es tan glamuroso ni atractivo como en el cine.

A lo largo de la historia, la figura del espía ha estado presente en todo tipo de conflictos, recabando información beneficiosa para su país, su agencia o, más recientemente, para la empresa que le paga. Pero lejos del estereotipo que nos ha dejado Hollywood, las personas usadas para este tipo de trabajo suelen ser solitarias, traicioneras, falsas y carentes de escrúpulos para hacer cualquier cosa con tal de realizar su misión.

Si hay una época en la que el espionaje ha proliferado de una forma asombrosa, esa ha sido la 2ª Guerra Mundial y, posteriormente, la Guerra Fría, con agentes de un país y de otro intentando averiguar, por todos los medios, la máxima información posible para derrocar a la potencia contraria, agentes dobles por doquier y reclutamiento de nazis por parte de los americanos, para fomentar el anticomunismo.

Estados Unidos y la Unión Soviética fueron un criadero de agentes, gracias al odio que ambas naciones se profesaban y las ganas de acabar el uno con el otro que tenían. Debido a esta lucha nacieron sus dos grandes agencias de espionaje, la CIA y el KGB, pero antes ya tenían agencias dedicadas a estos menesteres durante la guerra. Sin duda, la más efectiva y cruel de estas organizaciones era el NKVD ruso.

Todos sabemos que los rusos no son gente que se ande con tonterías y menos cuando les tocan a la madre patria. Aquí es donde entra en acción un agente legendario, de nombre Alexander Ivanovich Navratilov, que pondría en jaque a la CIA durante su consolidación, a lo largo de la Guerra Fría. Pero antes de que todo eso ocurriese, Alexander “Sasha” Navratilov (o Igor Orlov, que fue la identidad que le fue asignada para su primera misión y será como le llame a partir de ahora) tuvo un papel importante durante la 2ª Guerra Mundial.

Dado que la Unión Soviética de Stalin era la principal amenaza de Hitler en la gran contienda, debido a la potencia rusa y a su cercanía territorial, el infame líder alemán aprovecho el gran numero de exiliados y personas contrarias al régimen comunista para atraerlos a su terreno, prometiéndoles la liberación de Rusia, y crear así un ejército que luchase contra las huestes de Stalin, sin tener que desviar tantos efectivos de la Wehrmacht al frente ruso. Este hecho, por supuesto, encendió la ira de Stalin, que decidió poner fin a esa amenaza Hay que decir que muchos fueron los intentos fallidos del NKVD de infiltrar a un agente en las altas esferas del ejército antisoviético, comandado por el general Andréi Andréievich Vlásov y supervisado por el director de las actividades del contraespionaje alemán antisoviético, Reinhard Ghelen. La razón de los fracasos fue el odio hacia los rusos de Stalin, georgiano de nacimiento, que los consideraba incapaces para una misión de tal envergadura y que se dedicaba a enviar a georgianos y ucranianos haciéndose pasar por rusos para infiltrarse en el ejercito de Vlásov, siendo la mayoría descubiertos y el resto situados en unos niveles tan bajos del escalafón, que la información que podían conseguir era de muy poca ayuda. Debido a ello, el director del NKVD, Lavrenti Beria, decidió engañar a Stalin y enviar a un verdadero ruso a la misión, haciéndole pasar por ucraniano a los ojos

de Stalin. Ese hombre, elegido por Beria, era Igor Orlov. Este era capitán del NKVD, aunque fingía ser teniente novato. Orlov consiguió ganarse el respeto y la confianza de Beria al denunciar a su propio padre como anticomunista, haciendo que le enviasen a Siberia, donde moriría en 1940. Descendiente de la familia real rusa, el teniente Orlov hablaba perfectamente alemán, polaco e ingles. Era un gran actor y, debido a su atractivo, tenía buena mano con las mujeres. Su manera de operar era seducir a la mujer o la hija de algún sospechoso de ser antirrevolucionario exiliado, ganándose la confianza de ella para sacarle información. Después, las utilizaba para atraer al exiliado a casa, ya fuese por la buenas o torturándolas para conseguirlo.

Con este curriculum, Beria le eligió para acabar con los planes alemanes. Después de un duro entrenamiento, a finales de Octubre de 1943, comenzó la misión de Orlov. El primer paso era hacer pasar a Igor por un desertor. Para ello, debería saltar de un avión, que se estrellaría con dos cadáveres disparados por su arma, para reforzar su credibilidad como desertor ante los nazis. Después de la caída, la cual le supuso tres disparos en su cuerpo, debía entregarse al ejército alemán, ofreciéndoles información de gran valor con el fin de ayudar al general Vlásov a liberar Rusia. Esa información no era otra que los nombres de agentes prescindibles del NKVD en territorio alemán. Después de los fracasos anteriores, Beria decidió sacrificar algunos peones para hacer más creíble la tapadera de Orlov. Y funciono. Además, Orlov no entregaba los nombres directamente, sino que dejaba caer algún dato, como el apodo o la ciudad de origen, para trabajar estrechamente con las autoridades del ejército de Vlásov y así ganarse su confianza. De esa manera, Igor pudo hacerse con un gran número de información del ejército de Vlásov.

Orlov, poco a poco, sacrificando, torturando y entregando a sus propios colegas, fue ganándose la confianza tanto de los alemanes como de los hombres de Vlásov, lo que le permitió subir como la espuma dentro del ejercito, hasta que Gehlen le introdujo en el alto mando de la planificación de las operaciones secretas contra los soviéticos, convirtiéndose en el enlace entre el Estado Mayor alemán y la cúpula del ejército de Vlásov. Desde esta posición, Orlov pudo malmeter entre Gehlen y Vlásov, haciendo creer al general alemán que había agentes infiltrados en el alto mando del ejército del general ruso. De este modo, Hitler decidió no contar por el momento con

los contrarrevolucionarios de Vlásov, con lo que Stalin se libró del problema por el momento.

El 14 de Noviembre de 1944 se reunió el Comité para la Liberación de los Pueblos de Rusia, creado por Vlásov, para conseguir apoyos contra Stalin. Orlov, por supuesto, estaba entre los quinientos asistentes y consiguió información suficiente sobre los miembros para que el Ejército Rojo comenzase su cacería contra los considerados traidores.

En enero del 45, cuando la situación era desesperada, Himmler uso por fin al ejército de Vlásov contra el Ejército Rojo, en Checoslovaquia. Igor Orlov, enterado de ello, informo a Moscú del ataque, por lo que el sueño de Vlásov quedaba roto en una contundente derrota. Varios de sus generales se entregaron, pero Vlásov no se rindió. El 11 de Mayo fue capturado en Hannover junto a varios de sus hombres fuertes. Después de ser salvajemente interrogados por el NKVD, fueron juzgados, acusados de traición, lo que les valió una condena a muerte el 12 de Agosto de 1945.

Con este contundente éxito, Orlov se convirtió en el mejor agente del NKVD y más tarde sus habilidades serian usadas contra los estadounidenses, pero eso es una historia muy larga para contarla aquí.

David Blázquez presenta:

MORTADELO Y FILEMÓN AGENTES DE LA t.I.A.

Hola Señor Bond.

Para su nueva misión contara con la ayuda de dos agentes de la agencia española conocida como T.I.A., nosotros lo conocemos como Mort y Phil pero insisten en que sus nombres son Mortadelo y Filemón. El señor Superintendente de la T.I.A. ha tenido la cortesía de enviarnos una ficha de la trayectoria de sus dos agentes, la cual le adjuntamos a continuación: La primera historieta de Mortadelo y Filemón apareció el 20 de enero de 1958 en el número 1394 de la revista Pulgarcito con el título genérico de “Mortadelo y Filemón, agencia de información”. Era muy común que las series de historieta humorísticas tuviesen un pareado como título. Parece ser que Ibáñez, responsable de la creación de estos dos agentes y de su organización, propuso a la editorial responsable de narrar sus aventuras tres nombres diferentes, pero que finalmente fue la propia Bruguera quien inventó los definitivos.

Ibáñez había propuesto “Mr. Cloro y Mr. Yesca, agencia detectivesca”, “Ocarino y Pernales, agentes especiales” y “Lentejo y Fideíno, detectives finos”.Los nombres definitivos propuestos por Bruguera parece que hacen referencia a la mortadela (Mortadelo) y a un filete (Filemón).

En sus orígenes los protagonistas de la serie eran una parodia del doctor Watson y Sherlock Holmes (otras fuentes de referencia citadas en ocasiones son las “Novísimas aventuras de Sherlock Holmes” de Enrique Jardiel Poncela y El gordo y el flaco). La serie fue creada por Ibáñez en su totalidad, aunque la idea de

la pareja de detectives, y que uno de ellos se pudiera disfrazar, pudo ser de Manuel Vázquez Gallego (autor entre otras de Anacleto, agente secreto).

En sus orígenes Filemón es el jefe de una agencia de detectives y tiene a Mortadelo como empleado y único ayudante. Las primeras historias eran de una sola página en blanco y negro (salvo cuando ésta ocupaba la portada) con seis filas de viñetas y seguían un esquema muy sencillo: Alguien contrata los servicios de estos detectives, pero al intentar cumplir la misión, se produce algún error que desencadena su completo fracaso. El descubrimiento del error terminaba generalmente en una persecución o en alguien desmayándose. Esta estructura de presentación-equívoco-desenlace era extremadamente común en las historietas de la “escuela Bruguera” (expresión acuñada por el escritor Terenci Moix en 1968 y asumida por el resto de críticos del medio, es el nombre con el que se designa al conjunto de historietistas españoles que se dedicaron al cómic de humor en el seno de la editorial Bruguera a partir de la Posguerra española. Con unas características formales y temáticas muy reconocibles, su estilo se extendió a publicaciones de otras editoriales, como “Trampolín” (1950) o “La Risa” (1952), constituyendo una de las tres grandes escuelas historietísticas de su época en el país, junto a la Valenciana y el TBO. Ostentó, además, una honda influencia en el desarrollo de la historieta española posterior.) .

Por aquella época Filemón tenía nariz aguileña, vestía chaqueta y sombrero de felpa y fumaba en pipa (en el número 1404 de Pulgarcito llegó incluso a vestir el impermeable y sombrero a cuadros característico

Las referencias a Holmes, que ya hace tiempo han desaparecido, son sustituidas por la parodia de las historias de espías, muy frecuentes por aquel entonces.

La referencia más clara de esta época es la serie “Superagente 86”, (estrenada en España dos años antes de la publicación de El sulfato atómico. Gran Pulgarcito del 1 al 23, 27/01/ a 30/06/1969), en la que se refleja un mundo de espías incompetentes, entradas secretas y hasta “zapatófonos” (zapatos con función de teléfono) muy similar al de las aventuras de Mortadelo y Filemón. de la mayoría de las ilustraciones de Holmes). Mortadelo, por su parte, además de las habituales gafas y levita negras, llevaba bombín y paraguas del mismo color. El bombín servía además a Mortadelo para guardar los disfraces, un recurso que más tarde seria innecesario. Otra característica del Mortadelo original (y que sólo duró unas pocas historietas) eran unos ojos perpetuamente entrecerrados que le conferían un aspecto despistado.

Este aspecto fue puliéndose con el tiempo, adquiriendo pronto un aspecto similar al actual; Mortadelo mantendría su levita negra, pero desaparecerían el sombrero y el paraguas, mientras tanto Filemón fue reduciendo paulatinamente su larga nariz aguileña y su indumentaria pasó a consistir en una pajarita negra, camisa blanca, pantalones rojos y, ocasionalmente, chaqueta a juego.

En 1969 se marca el inicio de la madurez de estos agentes, con algunos cambios de gran trascendencia: Sus casos son narrados en una media de 44 páginas y habitualmente están organizadas en episodios autoconclusivos de 4 caras que suelen narrar los sucesos de un día. La razón de esta estructura era que estos episodios serían publicados semanalmente; inicialmente en la revista Gran Pulgarcito y más tarde en la propia revista Mortadelo. El hilo argumental de los casos sirve sólo como medio para estructurar los capítulos y como base para encadenar las situaciones cómicas. Aparte de la publicación en serie también son publicados de forma completa en la “Colección Olé”.

En esta nueva etapa de Mortadelo y Filemón, el humor no se basa tan sólo en el descubrimiento de un equivoco, sino que se emplean múltiples recursos humorísticos (parodias, bromas visuales, humor absurdo, enredos, juegos de palabras, etc.)

Mortadelo y Filemón forman parte de la T.I.A., una organización con claras reminiscencias de la C.I.A.

El estilo de dibujo está casi totalmente definido, así como las personalidades de los dos detectives, convertidos ahora en “agentes secretos”. Además, se incorporaron nuevos personajes a las historias: El Superintendente Vicente (El Súper), el Profesor Saturnino Bacterio y, en 1978, la Secretaria Ofelia. Otros personajes, incluyendo su peculiar galería de villanos, no llegan a ser recurrentes.

La primera historia extensa es El sulfato atómico. En esta historieta, el estilo del dibujo es inusitadamente detallista, con claras influencias de la escuela francobelga, especialmente de André Franquin (creador de Spirou y Fantasio). Este estilo se relajó, volviendo al sobrio trazo habitual en las siguientes aventuras como Contra el “gang” del chicharrón, Safari callejero, Valor y... ¡al toro!, El caso del bacalao, Chapeau el “esmirriau”, La caja de los diez cerrojos, Magín el mago, ¡A la caza del cuadro!, Los inventos del profesor Bacterio, Gatolandia 76 u Operación ¡bomba!

En estas primeras aventuras largas Ibáñez experimenta con la estructura de las viñetas, dando a las historietas un aspecto menos rígido y consiguiendo además una mayor expresividad; sin embargo pronto retorna a la estructura rígida de cinco filas de viñetas.

Una aventura modelo de esta etapa podría ser “Los diamantes de la gran duquesa” (Mortadelo, 07-1972 a 10-1972). En el primer episodio se describe el hilo

LOS PERSONAJES Mortadelo

Filem贸n Ofelia

El Super

Dr. Bacterio

argumental, mientras que en los siguientes se desarrolla la búsqueda durante diez días consecutivos de los correspondientes diamantes, cada uno de los cuales está escondido es un sitio distinto (algo que consiguen, aunque el final de cada episodio es desastroso de una u otra manera especialmente en el caso del último). Ibáñez continua realizando historietas largas como “El otro “yo” del profesor Bacterio”, “El circo”, “Concurso oposición” o “Los gamberros”, donde debuta el personaje de la oronda secretaria Ofelia.

Se puede establecer una división de la etapa madura en dos: clásica y moderna, estableciéndose diferencias entre ambas. Una de ellas es el número de filas de viñetas. Hasta “El transformador metabólico” (Mortadelo, febrero a marzo de 1979), las historias tenían cinco filas de viñetas, pero a partir de entonces se pasa a cuatro. Teniendo en cuenta que el número de páginas no varía, esto implica una disminución en el número total de viñetas por aventura. Éstas pierden, por tanto, algo de densidad, tanto en la historia como en el aspecto visual.

Otra diferencia (que no tiene por qué coincidir temporalmente de manera obligatoria con el cambio en el número de viñetas) es que las historias pasan a tener algunas referencias a la actualidad, lo que daría razones para llamar clásicas a las primeras aventuras, cuyas historias son más intemporales. Además, aumenta el uso de gags escatológicos y repetidos de otros álbumes. Algunas de ellas son “La gente de Vicente”, “Secuestro aéreo”, “En Alemania” (realizada para el público alemán donde la serie tuvo un gran éxito) o “El cacao espacial”. También en esta época empiezan a surgir las primeras historietas “apócrifas”, esto es, no realizadas por Ibáñez como “Que viene el fisco” o “El crecepelo infalible”, ya que la editorial Bruguera quería exprimir al máximo el éxito de los agentes.

Entre 1986 y 1987, Ibáñez incluso llega a perder los derechos de publicación de sus personajes, que habían sido registrados por la editorial Bruguera, estableciéndose un periodo de 5 años aproximadamente que divide en dos la etapa madura moderna, en la que además hace aparición la Señorita Irma en la aventura “¡Terroristas!” y se producen varias historietas apócrifas como “A la caza del Chotta” o “La médium Paquita”.

En 1990 Ibáñez recupera los derechos de sus agentes y comienza lo que se podría nombrar la etapa contemporánea de estos agentes, protagonizando aventuras

originales de su puño y letra. Esto también trajo consigo que el personaje de la secretaria Irma desapareciera sin dejar rastro, para no volver a aparecer jamás.

No obstante, aún después de recuperar los derechos, Ibáñez siguió apoyándose por un tiempo en colaboradores, dando lugar a varias historias apócrifas más.

En cuanto a los guiones, ahora las historias pasan no solo a tener aún más referencias a la actualidad, sino que involucran a Mortadelo y Filemón muy directamente con los acontecimientos reales que se van sucediendo, dando lugar a historietas como “El atasco de influencias” o “El nuevo cate” o bien se basan en cosas que estaban de moda en el momento de publicarse la aventura como “Dinosaurios”. En estos primeros años hay varias historietas que, aun llevando la firma de Ibáñez, podrían considerarse que no son suyas, recibiendo el nombre de “apócrifas con firma tampón”, entre ellas “El rescate botarate”, “El Inspector General” o “El gran sarao”. La editora Julia Galán cuestionó a Ibáñez el entregar material de tan mala calidad, tanto a nivel gráfico como argumental, lo que daría más tarde a una renovación de la serie.

A partir del año 1996, desaparecen las revistas y las aventuras de estos agentes son editadas directamente en formato álbum, alcanzándose su cenit en la perfección gráfica: personajes muy detallados, amplios y expresivos con una gran mejoría del color y los efectos de relleno que se vuelven completamente coherentes entre viñetas, diferenciándose claramente de los desajustes cromáticos de las publicaciones de antaño.

Progresivamente el cambio añade mejoras entre personajes y bocadillos, y las viñetas cuentan con mayor amplitud en el decorado.

La tendencia a rar la actualidad tra todavía más Los agentes son

incorpose muesevidente. partícipes

de la encefalopatía espongiforme bovina (Las vacas locas), la llegada del Euro a la Unión Europea, el boom del programa de TV Operación Triunfo o la implantación del carnet de conducir por puntos en España, dando lugar a álbumes tales como “Las vacas chaladas”, “¡Misión Triunfo!” o “¡El carnet al punto!”

Bien agente Bond, ahora que esta más informado sobre estos personajes a de saber que su lenguaje puede resultarle un tanto peculiar: Emplean palabras y expresiones de uso reducido actualmente (“colodrillo”, “beodo”, “mofa y befa”, “merluzo”, “trolebús”, etc.) son comunes ya que estos agentes se empeñan en seguir usando un lenguaje de 1958 identificado con lo que se podía oír en la calle.

Otra característica de su lenguaje es hablar de usted, aún cuando sean viejos conocidos. Algo cada vez menos usual tanto en España como en el resto de los países de habla hispana, incluso entre desconocidos o personas de diferentes estamentos en una jerarquía, pero norma sagrada durante gran parte del siglo XX. También le puede interesar su aparición fuera de las historietas de papel: Estos agentes han aparecido también como dibujos animados; Entre 1965 y 1970 se realizaron una serie de cortometrajes, 16 en total que se dividieron en dos películas, cada corto tiene una duración aproximada de 6 minutos.

La serie de televisión se realizó en 1994, obra de BRB Internacional y Antena 3 y consta de 26 episodios, divididos en dos temporadas de 13 capítulos de 20 minutos de duración cada uno.

Mortadelo y Filemón también cobraron vida en el musical “Mortadelo y Filemón, the miusical”, que se estrenó en junio de 2008 en el Teatro Campoamor de Oviedo y que en septiembre de ese mismo año se presentó en el Teatro Tívoli de Barcelona. Dirigida por Ricard Reguant y producida por Zebra Producciones y Mucho Ruido Records, “The miusical” cuenta cómo Mortadelo (Jacobo Dicenta) y Filemón (Juan Carlos Martín) se encargan de la seguridad de la obra “El Fantoche de la Opereta”, sobre la cual recae una maldición.

Además se han realizaron dos videojuegos para las plataformas de 8 bits: “Mortadelo y Filemón” (1988) y “Mortadelo y Filemón II: Safari callejero” (1990).

Existen varios videojuegos posteriores para PC sobre Mortadelo y Filemón: “Mortadelo y Filemón: Una aventura de cine”, “Mortadelo y Filemón: El Sulfato Atómico”, “Mortadelo y Filemón: La Máquina Meteoroloca”, “Mortadelo y Filemón: Dos Vaqueros Chapuceros”, “Mortadelo y Filemón: Terror, Espanto y Pavor”, “Mortadelo y Filemón: La Banda de Corvino” (formada por “Balones y Patadones” y “Mamelucos a la romana”) y “Mortadelo y Filemón: La Sexta Secta” (formada por “Operación Moscú” y “El escarabajo de Cleopatra”). Todas las aventuras fueron realizadas por Alcachofa Soft, a excepción de La Máquina Meteoroloca, que fue realizada por VEGA. Por supuesto estos agentes han hecho su aparición en la gran pantalla; a principios de los 70 fueron estrenadas varias películas de animación, siendo las dos primeras una reunión de los cortometrajes (“Festival de Mortadelo y Filemón” y “Segundo festival de Mortadelo y Filemón”) y una tercera que ya puede considerarse un largometraje propiamente dicho, “El armario del tiempo”. Todas ellas fueron dirigidas por Rafael Vara Cuervo.

Se han llevado también al cine con personajes reales en dos ocasiones; “La gran aventura de Mortadelo y Filemón” (2003) dirigida por Javier Fesser y protagonizada por Benito Pocino en el papel de Mortadelo y Pepe Viyuela en el papel de Filemón.

Su segunda película, “Mortadelo y Filemón. Misión: Salvar la Tierra”, se estrenó el 25 de enero de 2008 a modo de conmemoración del 50° aniversario de los personajes. Pepe Viyuela repite como Filemón, pero Mortadelo esta vez fue interpretado por Eduard Soto.

Para finales de 2012, se tiene pensado estrenar una tercera película de animación en 3D dirigida por Javier Fesser.20 Andese con ojo, señor Bond, pues tal vez su identidad y seguridad este en peligro junto a estos agentes poco… usuales.

Este artículo se autodestruirá al pasar la página. ¡¡

El Misterioso Hombre del Parche. por L.J. Zapico.

Hablar del Sargento Fury (o, en estas latitudes, Furia) es citar parte de la base del universo de Marvel Cómic. Todo un personaje con casi cincuenta años de historia y que desde hace unos cuantos años y sobre todo, desde el inicio de la nueva Marvel a principios del 2000. Pero Nicholas Joseph Fury es, sobretodo, un espía... quizás el mejor espía de Marvel y esa es la parte de su historial que vamos a repasar, esquivando todo el material codificado y con alto estatus de seguridad que podamos.

bajo su batuta, pasando de una misión suicida a la siguiente. Masculino y viril, ametralladora en mano y puro en la boca siempre que se pueda, atemorizaba sólo con su presencia a los soldados nazis y las pasaba canutas contra villanos como Cráneo Rojo, Barón Zemo y el Barón Strucker, enemigos típicos del Capitán América y recurrentes en posteriores etapas del universo Marvel. Precisamente coincidiría en algunas aventuras, tanto como con el citado Capitán América como con su sidekick Bucky Barnes.

Un poco de historia (...pero muy poco).

Ideados por el mágico tándem Stan The Man Lee – Jack The King Kirby pero llevado a cabo por otros autores, la colección aguantó sus buenos 120 números pero, siendo sinceros, no deja de ser el típico producto de consumo rápido, de propaganda política y de enardecimiento de la bandera americana, salvadores del mundo real y por extensión, del universo Marvel de la peligrosa amenaza nazi. Pero no todo es negativo, aparte del protagonista en la colección se presentaban personajes tan importantes y carismáticos como Dum Dum Dugan, mano derecha de Fury, bombín en ristre y frondoso bigote pelirrojo, característico de un antiguo forzudo de circo como era. Además del bueno de Dum Dum, también aparecen Gabriel Jones o Jasper Sitwell.

Rebuscando en los archivos de Marvel, encontramos que la primera aparición de Nick Fury fue en el primer número de Sgt. Fury and his Howling Commandos, con fecha de mayo de 1963, es decir, el Sargento Furia y sus Comandos Aulladores en su versión mas primitiva, aunque sus colegas de armas seguirán apareciendo durante toda la vida en cómic del personaje hasta en los tiempos mas actuales como en la reciente Guerreros secretos.

Colección perteneciente al género bélico, se dedicaba a desgranar las aventuras de Fury y sus compinches, un comando de soldados de élite Por posteriores vueltas a esta época del personaje, se dedicados a terminar con la amenaza nazi en conoce que fue en esta etapa cuando conoció a un tipo algo extraño, lleno de pelo y con acento canadiense plena Segunda Guerra Mundial. llamado Logan... pero eso es otra historia.

Nicholas pasó de ser un boxeador y acróbata a uno Pero, ¿tiene poderes? de los mejores soldados, con un comando de lujo

Atendiendo a que el bueno de Nick nació a finales de 1910 y llega hasta nuestros días, después de pasar por unas cuantas guerras, se conserva bastante bien así que algo extraño debe haber.

Durante una misión en Francia, Fury fue herido de gravedad y llevado, gravemente herido, ante el Doctor Berthold Sternberg que probó en él su Fórmula Infinito, diseñada para ralentizar el envejecimiento humano. Así es como Nick llega en tan buen estado hasta nuestros días y además, hay un inesperado efecto secundario: debido a la continua exposición a la sangre de Fury, sus colegas Aulladores también envejecen menos de lo que deberían. En Marvel, como podéis comprobar, todo es posible...

Si, si pero... ¿no es un espía?

Sin duda, el aspecto mas interesante del personaje no es otro que su faceta como el espía definitivo del Universo Marvel. Y hablar de Fury como espía de hablar de Steranko, Jim Steranko.

Antes de hablar sobre Steranko, hay que poner al personaje en situación. Nick había vuelto de la Segunda Guerra Mundial y comenzó a trabajar para la Oficina de Servicios Especiales (O.S.S.) y después de varias misiones con éxito y algún que otro problemilla con la Fórmula Infinito (necesitaba dosis extra para evitar envejecer de golpe y fue víctima de extorsión por ello), pasó a trabajar en la C.I.A. y luego pasa a SHIELD, siglas de distinto significado con el tiempo pero que vamos a tomar como estándar el significado en castellano “Servicio Homologado Internacional de Espionaje, Logística y Defensa”. En cómics estamos hablando de la serie Strange Tales y en concreto a partir del número 135 de agosto de 1965. Poco después, en 1966, Steranko comienza a trabajar con el personaje y cambia su estatus para siempre.

El Fury de Steranko.

Jim Steranko (Pensilvania, 5 de noviembre de 1938) llegó a Marvel en 1966 presentando su trabajo a los responsables de la editorial, los que le decidieron dar una oportunidad en alguna colección. Steranko eligió Strange tales donde Fury ejercía como un espía demasiado “Bond” y de ventas discretas y comenzó entintando los lápices del gran Jack Kirby. Pocos números después, pasa a ser el dibujante principal... y ahí comienza la revolución.

Steranko es un auténtico revolucionario de los cómics, tanto en estilo como en forma. Nada de las cuadriculadas viñetas o de los férreos diseños de página, Steranko se basa en el cine, en la forma de narrar del cine y coloca viñetas verticales, páginas dobles, personajes que se mueven por las viñetas, que se acercan al espectador. E incluso va un paso mas allá, influenciado por las tendencias culturales de la época, incluyendo fotos, planos, fotomontajes, etc. Una delicia con toques de

psicodelia, de Dalí, de Warhol.

Además, le da a Fury su toque definitivo: lo aleja de los trajes tipo Bond que lucía para darle su característica vestimenta: primero con un traje de cuero negro que va evolucionando hacia el traje blanco y azul.

Recordar que Steranko es responsable tanto del dibujo como del guión así que los números que van desde el Strange tales 153 al 167 nos encontramos con un Fury que acompañado por algunos Aulladores y de algunos personajes del Universo Marvel, debe enfrentarse a diferentes amenazas: al Barón Strucker, a HYDRA, Garra amarilla, IMA y en último término, al Doctor Muerte. Junto a Fury también aparecerá el Capitán América junto con algunos gadgets espectaculares como el coche invisible...tremendo.

Pero lo mejor estaba aún por llegar...

El 1968 y después de una serie de medidas empresariales, Marvel ya no tiene limitaciones en número de series en el mercado y Strange tales deja de existir como tal, obteniendo una serie propia los dos personajes que se complementaban cada mes bajo esa cabecera: Doctor Extraño y Nick Fury, agente de SHIELD. Por supuesto Steranko iba a estar al mando del título de Fury y pretendía cambiar el estilo por completo, tanto narrativo como estructural, haciéndola virar hacia un estilo mas cinematográfico si cabe, con números autoconclusivos, con unas primeras páginas espectaculares.

Para esta nueva etapa se crea la cabecera “Nick Fury:Agent of SHIELD” y en su primer número, aparte del apabullante estilo visual, se presenta a un impactante enemigo, Escorpio y la organización Zodiaco cuya presencia se alargará durante los años, llegando hasta prácticamente la actualidad, como en la serie Guerreros secretos de Jonathan Hickman.

En los siguientes números se tocan diferentes estilos, desde unas historias mas clásicas a remakes de historias de Sherlock como “El perro de los Baskerville” para acabar en el punto de partida,

es decir, en un enfrentamiento contra Escorpio, donde entran en juego los Señuelos Dotados de Vida (S.D.V.), réplicas sintéticas de Fury que éste va a utilizar durante toda su trayectoria y que provee de justificaciones (algo baratas, para ser sinceros) a cualquier guionista que se acerque al hombre del parche y llegue a un atolladero argumental de difícil solución.

Durante estos pocos números, Steranko se vuelve mas radical: cambios de diseño en viñetas, mayor número de fotomontajes, mas psicodelia, escenas mudas... un festival pero el talón de Aquiles de la colección son sus historias, independientes entre sí pero flojas, propias de un artista centrado en el aspecto visual.

Esta situación, sus constantes retrasos y varios choques de ideas con la editorial (es decir, con Stan Lee...) llevaron a Steranko fuera de la colección, salvo por algunas portadas y la magia se acabó.

Nick deambuló, son grandes pasos, por su serie y acabó siendo relegado a un personaje secundario,

de esos que aparecen cuando surge algún lio como skrulls. Todo eso se narra en el macroevento gordo... y poco más.

“Invasión secreta” y sus consecuencias nos llevan a “Guerreros secretos” (“Secret warriors, 2008), Furia contra el mundo. la última gran serie protagonizada por Fury, con Jonathan Hickman al guión en una serie circular, A finales de los ochenta apareció “Nick Fury que mezcla presente y pasado en la vida del espía contra SHIELD” (Junio, 1988), una serie de seis para cambiar toda su condición en el universo números especiales, con Bob Harras al guión y un Marvel...pero esa, es otra historia. enorme dibujo de Paul Neary.

No se vayan, aún hay mas Furias.

Fury se rebela contra “su” organización, manejada en secreto por HYDRA y la corporación Roxxon, Un personaje como Nick Fury también debe saber lo que le obliga a actuar de manera encubierta, acomodarse a los nuevos tiempos. Así, si estética enfadado y planeando con cuidado su siguiente clásica, de hombre cincuentón, con mechones paso. También sirvió para recuperar a toda la blancos, barba de tres días y el eterno puro, tenía galería de personajes relacionado con él: desde que reinventarse para poder formar parte del Dum Dum hasta la Condesa Valentina Allegro de Universo Ultimate, creado por Marvel a principios la Fontaine, pasando por el Barón Strucker. de los años 2000 en una doble maniobra: cambiar la historia Marvel para acercarla a nuevos lectores Una obra muy a tener en cuenta y muy recuperable. y, siendo sinceros, ganar mas dinero.

Nick volvió a ser ese secundario recurrente, quizás con mayor estatus pero que también se vio devorado por la vorágine del cómic americano de los noventa hasta que, en 2004 volvió a armarla...y bien gorda.

Hablar de “Secret War” (no confundir con las míticas “Secret Wars” de los ochenta) es sentar la base de toda la Marvel actual, de “Civil war” y todo lo que ha venido después. Es una serie limitada de cinco números, con Brian Michael Bendis al guión y Gabriele Dell'Otto al dibujo donde Nick Fury reúne a varios héroes Marvel (en concreto a Spiderman, Capitán América, Lobezno, Daredevil y Luke Cage) en una misión secreta para derrocar el gobierno de Lucia Von Bardas, Primera Ministra electa de Latveria, acusada de realizar pruebas terroristas en suelo americano. Toda una guerra encubierta con sus amargas consecuencias para Nick como la pérdida de confianza del mundo heroico por la manipulación de esos héroes para llevar a cabo la misión bajo cualquier motivo y que le llevaron a dimitir de SHIELD y desaparecer En realidad Nick no estaba tan alejado del mundo sino que, en secreto, estaba reclutando a su propio grupo, los llamados Guerreros secretos, para hacer frente a ni mas ni menos que una invasión de los alienígenas cambiantes de forma conocidos

El mayor acierto de toda esa maniobra y, sin duda, uno de los mejores cómics del actual siglo es “The Ultimates”, una especie de Vengadores de éste nuevo universo y entre ellos, una nueva encarnación del espía, pero con notables diferencias.

Mark Millar guioniza el primer arco argumental de estos héroes y ahí, en “The Ultimates” #1 (1/2002), Bryan Hitch le pone su aspecto “ultimate”, es decir, el rostro de Samuel L. Jackson pero sin perder un ápice de su carisma y mala leche particular.

Resulta gracioso que sea el cómic el que marque el aspecto de Fury en su aparición en las películas de imagen real de los héroes Marvel con “Iron Man” (Jon Favreau, 2008) como primera aparición, en la ya mítica escena post-créditos y que repetiría en el resto de encarnaciones fílmicas de personajes Marvel.

Lo que mucha gente no sabe (o no quiere recordar) es que ya hubo un Nick Fury anterior, encarnado por, atención, David “The Hoff ” Hasselhoff, en un bodrio televisivo titulado, obviamente, “Nick Fury: Agent of SHIELD” (Ron Hardy, 1998) que no merece, obviamente, ni una línea mas.

Así que ya sabéis, true believers, si algún día un misterioso personaje con parche en el ojo y cara de pocos amigos se cruza en vuestro camino y os pregunta si queréis formar parte de la iniciativa Vengadores, decidle que sí...la emoción está asegurada.

yoque...? que...? 多y多Yyo 多Nadie se 多Nadie se acuerda acuerda de mi...? de mi?

LOS COMICS Y SU EVOLUCIÓN

Por Sabrina Pelillo y Lucrecia Souviron P Introducción: Buenas lectores de Nosolofreak. Primera vez que escribimos para esta revista (y esperemos que no sea la última :D). Hoy vamos a hablar de robotejos que se transforman… O séase, vamos a hablar de Transformers.

Para la inmensa mayoría, Transformers está relacionada con aquella serie de dibujos de mediados de los ochenta que todos veíamos de pequeños, los juguetes y recientemente (para bien y para mal) con las películas de Michael Bay. Sin embargo no mucha gente conoce que Transformers empezó siendo un comic que comenzó a publicarse por el ya lejano año 84…Y fue gracias a la fama de ese comic que la serie de dibujos se realizó y que le llevó a la fama mundial… Y que a diferencia de los que muchos creen, no es algo que duro x años y desapareció.

Los comics de transformers se han seguido publicando más o menos a lo largo de estos 30 años, con altibajos, claro está (al igual que las muchas series de animación basadas en la franquicia, aunque eso lo dejaremos para otro artículo) y que hace pocos años atrás volvieron con más fuerza que nunca.

Así que en el presente artículo os vamos a hablar de los comics de transformers y sus andaduras en las editoriales más importantes que tuvieron o tienen la licencia en sus manos. Debido a la inmensa cantidad de multiuniversos que hay (Beast wars, Animated, Prime, Shattered glass…) y el poco espacio que nos han dado nos centraremos en los comics basados más o menos en la historia principal y la original, la que todo

N CON EL PASO DE LOS AÑOS

Priego

friki conoce como Generación uno (A partir de ahora G1). Sin embargo, al final del artículo tendréis una cronología completa con todos los comics publicados hasta la fecha.

Sin más, siéntese (si es que no lo están ya) y disfruten de la historia…

La etapa Marvel: El comienzo de todo.

Los comics originales (publicados allá por el 1984) han sido sin duda una fuente de confusión gigantesca para el lector promedio. No se trata de que difieran en algunos aspectos, sino que estos comics, publicados por Marvel USA y Marvel UK, son básicamente dos series diferentes pero con los mismo personajes. La versión inglesa sin duda es mucho más interesante y larga, ya que cuenta con la módica suma de 332 comics, que incluyen a los humildes 80 de la versión americana, siendo 252 exclusivos de Inglaterra.

Aparte del comic principal de Transformers, Marvel publicó varios libros relacionados a Transformers durante esos siete años (1984-1991): una adaptación de tres números de Transformers: La Película (1986); un crossover de cuatro números con G.I.Joe, llamado G.I.Joe y los Transformers (1986); un libro de cuatro volúmenes con fichas de los personajes, llamado Transformers: Universe (1986); y una serie limitada de cuatro números protagonizada por los Headmasters. (1987) También re editaron algo de su material en una serie de once volúmenes llamada Transformes: Digest, y otros dos libros en rústica: Transformes:

Universe, 1987, y Transformers vs. G.I.Joe, 1993, en el cual los Transformers fueron los artistas invitados en los números #138-142, antes de que su propio comic fuese revivido como Transformers: Generación 2. Este último comic duró 12 números antes de ser cancelado en 1994.

MARVEL USA

El Comic de Transformers G1 fue publicado por Marvel Comics desde 1984 a 1991. Originalmente fue diseñado como una serie limitada, publicada en forma bimensual. Se pretendía terminar la historia en el número cuatro, pero al final de la serie Marvel la cambió a una serie continua, a un comic mensual. Continuó por siete años y llegó a 80 números, hasta que finalmente fue cancelada en 1991. Los Transformers, la primera ficción en ser protagonizada por los famosos robots encubiertos, y las series que le continuaron, formaron la base para muchas historias a través

de los años, incluyendo a la contemporánea Regeneración Uno que reúne al equipo creativo detrás de la serie en sus últimos tiempos allá por los 90.

La historia comienza con un breve recuento acerca del planeta Cybertron, el hogar de los Transformers. En un principio todos se denominaban Autobots, los Decepticons eran sólo una facción rebelde liderada por Megatron, cuyo plan era conquistar Cybertron y convertirlo en un arma para dominar el universo. No es hasta que estalla la guerra que se les otorga la habilidad de transformarse, y pasan a llamarse TRANSFORMERS (TF). Ambos bandos llevaron al planeta a una guerra civil que duró millones de años y la cual eventualmente causó que el planeta se sacara de órbita, se perdiera en el espacio y finalmente llegara a un cinturón de asteroides que amenazaba con destruirlo. NUESTRO cinturón.

Los heroicos Autobots, liderados por el honorable Optimus Prime, decidieron embarcar en su nave llamada El Arca para abrir un camino entre los asteroides. Y así sucede. Desafortunadamente, los malvados Decepticons, guiados por su tiránico comandante, Megatron, los siguieron abordo de La Némesis en un intento por destruirlos y evitar que la conquista de Cybertron a manos de Megatron no se llevara a cabo. Batallando abordo del Arca, los 28 personajes originales, Autobots y Decepticons, aterrizaron en un volcán durmiente, el monte Saint Hilary, que entra en erupción cuatro millones de años después, reactivando la nave en (el aquel entonces presente) 1984.

1984. El centinela autómata enviado en ese momento obtiene información sobre toda la maquinaria de la Tierra, lo que para él son las formas de vida sobre el planeta, y vuelve para que la nave reconstruya a todos los TF por igual, desconociendo quién es aliado y quién no. La elección de la “forma terrestre” depende de las funciones de ese TF específico, por lo que mientras los Autobots son vehículos, los Decepticons son armas y/o máquinas de guerra y telecomunicaciones. Sabiendo gracias

al El Arca que el planeta posee fuentes de abastecimiento, Megatron ordena la retirada con el propósito de volver después y acabar con los Autobots. Por otro lado, Optimus Prime ve clara su misión: salvaguardar al planeta y a sus habitantes de la amenaza que él trajo consigo. Será el axioma que le acompañará a lo largo de toda la serie y que le causará más de un problema. La búsqueda por combustible se convierte en el objetivo principal de los Transformers, acaparando varios de los primeros números.

La serie pronto se convertiría en un universo elaborado y abarcativo en sí mismo, incluyendo a cientos de personajes - Transformers, humanos, alienígenas - en La Tierra, Cybertron, y más allá.

Más tarde en la serie, se incluiría a la amenaza siniestra de Unicron, un dios de la Destrucción que odiaba toda la existencia, dándole a éste una historia de fondo más compleja la cual superaba la vista en su aparición en "Transformers: La película". Esta historia de fondo eventualmente eclipsaría el origen que se le dio a Unicron en la serie animada y lo relacionaría directamente con otro personaje vital para la continuidad del comic: Primus. Ambos dioses, provenientes de “El Único” (que comprendía al Orden y al Caos), lucharon durante miles de años acabando con cada gran parte de la galaxia. Finalmente, a Primus se le ocurrió cambiar el lugar de su batalla al plano astral, y luego volver al mundo físico nuevamente. Este desorden temporal hizo que sus formas cambiaran y adoptaran la forma de planetoides, encerrándolos a ambos. Con el tiempo, el tiempo, Unicron aprendió a cambiar su forma actual a un planeta mecánico, y Primus le siguió, convirtiéndose así en el mismo Cybertron. Cuando Unicron evolucionó en sus transformaciones, llegando a un modo robot, Primus creó a trece robots, los Trece Primes, para que lucharan contra él. Uno de ellos, Megatronus Prime, traicionó a Primus y se alió con Unicron. Sin embargo, ambos fueron derrotados y expulsados a los confines de la Galaxia a través de un agujero negro. Con Unicron fuera de combate, pero nunca eliminado, Primus entró en un período de letargo para no ser

detectado por su malvado gemelo.

Luego de tiempos tormentosos y de una audiencia constantemente decreciendo, la serie fue finalmente cancelada en el número 80. Una combinación de factores fue responsable de ello: Debido a que era un comic dedicado a vender juguetes, Transformers contó con personajes rotativos. Nuevos Transformers debían cumplir con las normas de Hasbro, y los "viejos productos" eran descartados o asesinados en masa durante batallas épicas y climáticas. La línea de juguetes de Transformers se había convertido en la moda de ayer, los lectores fieles a la historia habían madurado y avanzado hacia otros horizontes.

Y Hasbro decidió darle un final a la franquicia, generando como consecuencia que el comic terminara en su número 80 con un final sobre la marcha. En este final, se acaba con el último avance de los Decepticons al mando de Bludgeon y hace su aparición el legendario “Último Autobot” y la fuerza humana “Neo-Knights”

El Equipo Creativo: El comic estaba formado por dos escritores principales: Bob Budiansky editó la serie original de cuatro partes y escribió el guion desde el número #5 hasta #55. Después de eso, Simon Furman, con una experiencia importante debido a su trabajo en el comic de UK, tomó las riendas del comic hasta su cancelación.

Transformers es un tanto notorio debido a la calidad de su guion; argumentos adultos mezclados con conceptos extraños como los Micromasters y ridículos cazarrecompenzas. Parte de esto se debe a la presión que tenía Bob Budiansky; luego de años teniendo que hacer rondar sus historias alrededor de los juguetes que salían al mercado, sus últimas producciones decayeron en calidad.

Entre los fans de Transformers, generalmente no es bien recordado debido a este período, lo cual es quizá muy injusto si consideramos su rol fundamental en darle forma al universo Transformer y a la mayoría de sus personajes.

Aun así, historias como "Buster Witwicky y el lavado de autos de la perdición" y ¿Adivinen a quién están los Mecannibals invitando a cenar?" tienen sus méritos y fans.

El mismo Budiansky propuso que Simon Furman se hiciera cargo del guion de la serie de U.S. Con este cambio, la historia toma un giro más serio, basándose en los conflictos de los personajes más que en los eventos del argumento en sí. Muchos fans consideran al toque de Simon Furman en el comic original como uno de los puntos más altos en la ficción de Transformers.

Marvel UK Marvel Uk produjo un comic de G1 que se extendió 332 números, re editando la historia americana y añadiendo nuevas historias a su alrededor.

El comic de Marvel Uk está lleno de historias altamente complejas, incluyendo historias más detalladas acerca de las batallas en las primeras fases de la guerra, conflictos entre los comandantes Decepticons en la Tierra, la resistencia Autobot en Cybertron, y las andanzas de Galvatron (Megatron del futuro), a través del

tiempo, llegando directamente desde el mundo de Transformers: La Película. El origen de Unicron y el final corresponden al de US al igual que muchos eventos.

Sin embargo, el hacer que las nuevas historias concordaran con el comic de US, ocasionalmente incluía el alterar algunas historias de fondo.

Megatron, por ejemplo, termina teniendo amnesia al final de la historia, explicando así el por qué no recuerda a los Predacons cuando se los encuentra nuevamente en una historia que aparecería más tarde en US. Otro cambio importante fue la exclusión de G.I.Joe y Los Transformers, que lidiaba en parte de su argumento con la destrucción de Bumblebee y su renacimiento como Goldbug. La continuidad de UK describió este evento mostrando a Bumblebee siendo destruido por Death's Head y reconstruido por WreckGar durante el capítulo "Hunters". También, el comic de UK continuó incluyendo a Megatron y a Shockwave luego de sus muertes aparentes en el comic de US. Mientras que la aparición de Megatron fue eventualmente aceptable (aunque con ciertas incongruencias de todos modos) y coherente con la continuidad del comic de US, la de Shockwave no.

La historia de "¿Acaso Sueñan?" que comprende los números #225 a #260 que comenzó la línea Earthforce anunció la división entre las historias de US y UK. Esto fue en parte una decisión deliberada para no mantener la continuidad debido a los problemas anteriormente mencionados.

Típicamente, 11 páginas del comic serían dedicadas a la historia de los Transformers en US o UK, mientras que las páginas restantes estaban divididas entre información suplementaria, correo de lectores, pequeños comics humorísticos y publicidad.

Otras producciones de Marvel relacionados a Transformers G1 Transformers: La película. Una adaptación de la película animada con el mismo nombre lanzada en 1986. Los Transformers deben luchar contra Unicron para salvar Cybertron. Muchos Transformers originales, tanto Autobots como Decepticons, perecen durante la guerra, dándole

paso a nuevos robots que continuarían apareciendo en el comic. Optimus Prime fallece, dejándole la Matriz del Liderazgo a Ultra Magnus (pero que luego es entregada a Hot Rod-Rodimus Prime) y Megatron, al borde de la muerte, es reconstruido como Galvatron por Unicron. También hacen su aparición los Quintessons, una raza antigua de macanoides.

del espacio. Los Autobots deben tratar con esta nueva amenaza. Y para terminar, Optimus Prime tiene premoniciones aterradoras acerca de otra amenaza. Los Autobots y Decepticons deberán unirse contra los Cybertronianos y su arma mortal, el Swarm.

Para finalizar, deciros que en España fue publicada únicamente transformers USA por comics fórum Transformers: Universe: Comprende fichas en su día, siendo las historias de Marvel Uk técnicas de todos los personajes que aparecieron inéditas en nuestro país. en los comics y línea de juguetes. Consta de cuatro números.

G.I.Joe y los Transformers: El equipo G.I.Joe es asignado a proteger la Central Eléctrica Alpha, la primera central solar/nuclear movible. Los Joes quieren evitar que Cobra ataque la planta, al igual que los Autobots temen que los Decepticons intenten apoderarse de ella. Ambos grupos se encuentran y en el ínterin Bumblebee es asesinado.

Conflictos surgen entre Transformers y Joes los cuales se desarrollarán en cuatro números. Esta historia pertenece a Marvel US, pero es readaptada por Marvel UK entre los números 265-268.

Transformers: Headmasters: Una serie de cuatro números publicada por Marvel US y es situada en la misma continuidad de G1. Cuenta la historia de dos grupos de Transformers liderados por Fortress Maximus y Scorponok, y sus aventuras en el planeta Nebulos. En el proceso se introducen los conceptos de Headmasters y Targetmasters.

Marvel UK la incorpora como una historia de fondo dentro de la historia principal.

Transformers G2 (Generación 2): Marvel decidió introducir esta historia a su ya existente comic G.I.Joe para ayudar a Hasbro a revivir su nueva línea de juguetes en 1993. A lo largo de los cinco números, Megatron, quien fue visto por última vez en el número #78 de la serie original de Transformers US, regresa y es actualizado a su forma “G2”, un tanque, por el Comandante Cobra. Varios Autobots son enviados a lidiar con el líder Decepticon. Al mismo tiempo, una nueva raza de Transformers descendientes de los Decepticons, pero que prefieren llamarse Cybertronianos, son descubiertos en los confines

La etapa Dreamware: El resurgimiento de transformers en formato comic y el posterior escándalo Tras el fracaso de G2 y la pérdida del interés en general, pasaron años sin que se publicara nuevo material y la serie pareció quedada en el limbo. Sin embargo, la editorial Deamware Productions (de

ahora en adelante DW), creada por los hermanos Pat y Roger Lee compró los derechos para su comercialización en el 2001. Decidieron hacer un reinicio de la G1 original, para intentar adaptar la serie mejor a los nuevos tiempos (recordad que empezó a principios de los 80) y en el 2002, 7 años después de la última publicación, apareció el primer número de Prime Directive, que sería más tarde el primer arco argumental de la serie.

El nuevo G1 rápidamente se convirtió en un gran éxito, encabezando las listas de ventas durante varios meses. El argumento más modernista y el dibujo estilo manga de Pat Lee gustó mucho a los fans que lo alabaron en su momento. De la nueva generación uno cabe destacar el arco argumental War and peace, escrito por James McDonough y posterior a Prime Directive, en donde uno de los decepticons más queridos, Shockwave, jugaría un papel fundamental.

Además de la serie de G1, DW contrató al ya veterano Furman para crear War Whitin, ilustrado por Figueroa y que cuenta los comienzos de la guerra entre los autobots y los decepticons en Cybertron. Además de esta serie, también escribiría varios números de otros universos distintos, como Armada y Energon.

Sin embargo, a partir del año 2004, los cómics empezaron a retrasarse cada vez más, y la calidad de estos también fue disminuyendo. Empezaron a correrse rumores que la editorial no estaba pagando a los trabajadores (cosa que más tarde algunos de ellos confirmaron) y finalmente a principios del 2005, DW se declaró en bancarrota y los hermanos Lee “huyeron”, dejando inconclusas G1, War Within y Energon hasta el día de hoy y el futuro de los comics de transformers en entredicho. No os vamos a contar todo el puterío que pasó en DW porque daría para páginas…

Pero recomiendo que lo busquéis por internet que es cuanto menos curioso.

Para vuestro interés, deciros que todas las obras de DW de transformers salvo Energon, están publicadas en España por Norma Editoral.

La etapa IDW: El nuevo renacimiento Tras el fiasco de Dreamware, los derechos para comercializar los comics de transformers quedaron en el aire, a la espera que otra editorial se mostrara interesada. Gracias a Primus la editorial Idea and Design Works, en cristiano, IDW publishing, compró los derechos a mediados del 2005 y es, hasta el día de hoy, la que sigue publicando material, sobre todo ahora que gracias al éxito de las Bayformers, ha vuelto a resurgir con fuerza el fandom. Cómo el catálogo es muy extenso, vamos a dividir la historia de los comics en varias partes, resumiendo los momentos más importantes.

Reinicio de la saga: La nueva etapa de Furman (2005-2008) IDW quiso empezar bien y con fuerza. Tras decidir que lo mejor era empezar de nuevo desde cero, volvieron a contratar a Simon Furman para que creara otra historia basándose en G1. Así pues,

Furman creó que una serie de arcos argumentales recopilados entre 4-6 números cada uno y con dibujo de Ej Su y Figueroa. El primero de ellos fue Infiltration, que empezó a publicarse a finales del 2005 y por primera vez Furman pasó de contar lo de la famosa siestecita de 4 millones de años que se pasaron los transformers en la tierra y se ingenió algo distinto. En esta historia, tantos los autobots como decepticons llevan relativamente poco en el planeta tierra y como su nombre indica, están “infiltrados” sin que la raza humana sepa de su existencia; hasta que claro está un trío de adolescentes por acontecimientos que no voy a desvelar se esteran del percal. Nada más finalizar el 1º arco le siguió Stormbringer en el 2006, el cual acontece de forma paralela a Infiltration, pero en este caso la acción transcurre en Cybertron y con los Cybertronianos (Transformers vaya) que no se desplazaron a la tierra y que siguen la evolución de su planeta, el cual está prácticamente muerto debido a la interminable guerra. El 3º arco argumental publicado ese mismo año, Escalation, continúa los eventos de Infiltration en el cual entra en juego la Machination, un grupo secreto de humanos que pretende usar la tecnología cybertroniana para sus fines, secuestrando al autobot Sunstreaker y usándolo como conejillo de indias en sus experimentos, las cuales no se verán hasta Devastation, en la que gracias a él los humanos desarrollarán la tecnología conocida como Headmaster y que ya se vio anteriormente en los comics de Marvel, y por supuesto Megatron soltará su “arma final” contra los autobots.

Finalmente la historia de Furman acabará con Maximun Dinobots ya en el 2008, ilustrado esta vez por Nick Roche y donde los Dinobots son los auténticos protagonistas.

A parte de los comics de Furman cabe mencionar la publicación en el 2007 del sobresaliente Megatron Origin, una miniserie de 4 números centrados antes del comienzo de la gran guerra en donde se narra el

por qué Megatron acabó convirtiéndose en lo que es y como nació el movimiento decepticon. El guion de Eric Holmes junto al estilo de Alex Milne impresionaron a los fans, ya que a diferencia de lo que se había visto anteriormente, este comic tenía connotaciones mucho más adultas, en donde se ve a un Cybertron corrupto tanto políticamente como moralmente, en el cual los autobots no son tan buenos como pensábamos y como las clases más desfavorecidas acaban revelándose con los que tienen el poder (espera… ¿No os suena esto de algo?).

Para finalizar, comentar que en el 2006 empezó también la serie conocida como Spotlight, en la cual cada capítulo tiene como protagonista a un transformer y cuyo argumento suele estar relacionado con los distintos arcos argumentales en curso. Aunque no está oficialmente cerrada, el último número que tuvo como protagonista a Prowl se publicó en el lejano 2010.

Todas las obras antes mencionadas salvo Maximun Dinobots, fueron publicadas por Norma Editorial.

El controvertido All Hail Megatron (2008-2009)

Tras la etapa de Furman, IDW quiso hacer una serie de 12 números que, si bien iba cronológicamente después de los acontecimientos de Devastation y Maximun Dinobots, querían hacer algo más fresco y que sirviera en parte como trampolín, para poder captar a nuevos fans. De esta forma surgió de la mano de Shane McCarthy como guionista y Guido Guidi como dibujante All hail Megatron (AHM). El argumento desde luego es cuanto menos atrayente e interesante: Los autobots han sido derrotados por Megatron y sus decepticons, siendo desterrados del planeta tierra con Optimus Prime al borde de la muerte y totalmente atrapados en Cybertron, el cual es ahora un planeta carente de vida y lo único que existe son una especie de insecticons conocidos como swarm, creaciones fallidas por los científicos de Megatron abandonados a su suerte, causando terror y desolación a su paso. Por si fuera poco, sin los autobots que le den problemas, Megatron y los decepticons tienen vía libre para hacer lo que quieran en la Tierra, divirtiéndose con la destrucción y la eliminación de la raza humana de múltiples maneras. A todo esto hay que sumarle las portadas que ilustraban esta serie, que se asemejaban a la propaganda comunista, lo que lo hacía aún más interesante si cabe. Sin embargo no todo es oro lo que reluce.

Si hay una serie de transformers en donde existen tanto amantes como destructores de la misma, esa es AHM. AHM peca de tener unos terribles fallos argumentales e incongruencias en la continuidad de la historia, contradiciendo muchas cosas que había realizado Furman años antes. A esto hay que añadirle cagadas en los diseños de personajes, errores demográficos, transformaciones que no concuerdan con la época actual de la historia, y un larguísimo etc. Para intentar corregir los errores, apareció AHM: Coda, una serie de 4 números con varias historias y guionistas que intentaban de una manera u otra enlazar lo antes escrito con las historias de Furman y darles un sentido. A veces funcionaban… Otras no.

Pese a lo escrito, una de las servidoras (la otra se niega a hablar XD) recomienda encarecidamente su lectura, la cual podéis encontrar en castellano de la mano de Norma Editorial. Pasarlo lo pasaréis en grande pese a sus fallos.

Nueva serie regular: La etapa Costa, varias miniseries y… Wreck and rule! (2009-2011) Tras finalizar AHM, IDW decidió ir más allá y

empezar una serie regular de larga duración tras los acontecimientos ocurridos en la serie antes mencionada. Para ello contaron con Mike Costa, guionista de IDW conocido sobre todo por Gijoe para realizarla; surgiendo de esta forma a finales del 2009 The transformers, que más tarde se llegaría a conocer como la Ongoing por los fans y duró más de 2 años. El primer arco argumental de la historia comienza 3 años después de los sucesos de AHM, la raza humana se recupera con fuerza y orgullo de la catástrofe, mientras que los autobots y decepticons que quedan en la tierra están escondidos de los humanos ya que estos crearon un escuadrón especial únicamente para capturarlos y reducirlos, y es que después de lo que ocurrió, a los humanos poco les importan si hay transformers “buenos y malos”, para ellos todos son iguales. Este es el comienzo del ongoing, el cual se mostraba interesante, sin embargo, Costa pecaba una cosa: No era realmente muy fan de la franquicia y no supo mantener el listón.

Los fans le criticaron muchas cosas, desde el excesivo protagonismo de los humanos (hasta ver capítulos en donde prácticamente no salían los transformers) hasta la caracterización de los mismos transformers, siendo estos bastante “sosos” y con “poca personalidad”. Hay que sumarle también que esta serie tuvo muchísimos

dibujantes diferentes y coloristas, cada uno con su estilo, y no siempre se respetaban los diseños de personajes, lo cual resultaba bastante molesto.

Costa a su vez criticaba también al fandom (a veces con razón y otras no tanto) y las ventas empezaron a declinar.

Tras más o menos medio ongoing publicado (2010), se publicó un comic de 5 números llamado Last stand of the Wreckers (LSOTW), dibujado por Roche y escrito por él mismo y el debutante James Roberts, un señor muy conocido en el mundo del fanfiction sobre todo por su nóvelano oficial llamada Eugenesis. El argumento gira entorno al grupo especial autobot conocido como los Wreckers (serían algo así como los pesos pesados que realizan el trabajo sucio que no todo autobot estaría dispuesto a hacer) los cuales les mandan una misión de saber que ha ocurrido con la penitenciaria Garrus-9, que desde años atrás está bajo el control de Overlord, un sádico decepticon que ha convertido la cárcel en una especie de parque de atracciones para realizar atrocidades inimaginables, y ni los autobots ni los decepticons a su cargo están a salvo de su crueldad.

La historia generalmente seria (con algunos toque de humor muy conseguidos) y adulta, que no se corta un pelo en mostrar violencia gráfica choca con el dibujo de Roche, demasiado caricaturesco e incluso infantiloide (cuestión de gustos) y fue toda una revolución, alabada por el fandom y siendo un éxito en ventas.

Debido a que el Ongoing no iba tan bien, IDW decidió que en el último arco argumental de la serie (conocida como Chaos y que transcurre en Cybertron) participara también James Roberts, incluso llegando a guionizar el sólo los números 22 y 23 (conocidos como Chaos theory), que es, sin lugar a dudas, lo mejor de todo el ongoing.

A parte de las 2 obras anteriores, durante estos años también se publicaron miniseries dedicadas a varios personajes y que a su vez explicaban varias cosas de la trama principal del ongoing.

Tras los acontecimientos de Chaos, salió un one shot a finales del 2011 conocido como The death of Optimus Prime, el cual pone punto y

final al Ongoing y a su vez sirve de puente para las dos nuevas series regulares que empezarían a publicarse justo el mes que viene y que trataran algo completamente nuevo hasta ahora dentro de la franquicia. La guerra entre autobots y decepticons por fin terminó, y tras el “reinicio” de Cybertron, el planeta manda un mensaje a todos cybertronianos diciendo que “vuelvan a casa”, y tanto los autobots como los decepticons miran impresionados como de repente aparecen cientos de naves que estuvieron en su día repartidas por toda la galaxia cargadas de cybertronianos que huyeron de la guerra, ya fueran desertores de ambos bandos o simplemente neutrales.

El nuevo boom: La etapa Roberts, Barber y Metzen. La continuación de G1 ¿Nueva era dorada? (2012-?)

El presente año es sin lugar a dudas uno de los mejores en cuanto a comics transformeros se refiere. Cómo dijimos anteriormente, comienza la publicación de dos nuevas series regulares, que transcurren paralelamente entre sí y que por una vez, ni los humanos, ni el planeta tierra aparecen, cayendo el protagonismo exclusivamente en los transformers, algo que el fandom pedía a gritos desde hace años. La primera serie es Transformers: More tan meets de Eye (Conocida como MTMTE), dibujada por Alex Milne (y menormente Roche) y escrita por James Roberts y la segunda es Transformers: Robots in disguise (RID), dibujada por Andrew Griffith en su mayor parte y escrita por John Barber, el cual había guionizado anteriormente arcos argumentales basadas en las Bayformers. En ambos comics se ve una faceta de los transformers que nunca se había visto anteriormente, mucho más “humana”, en donde los vemos socializando en sus ratos libres y no sólo como máquinas de guerra.

RID tiene una carga mucho más política, en donde vemos como el líder de los autobots: Bumblebee (si si, como leéis…) intentan formar un gobierno para poder liderar tanto a los autobots, a los Nails o neutrales (la inmensa mayoría, que odia a ambos bandos) y a los decepticons; los cuales son tratados como ciudadanos de segunda, con

chips implantados en sus cabezas controlados por control remoto que al mínimo alboroto que cometan detonarán matándolos (ahí, que se note la piedad autobot…), mientras que Prowl, el autobot “policía” de lógica fría y calculadora actuará como un agente corrupto al borde de la ley, considerando lo que cree que es mejor hacer para la seguridad del planeta y los suyos…

de 20 números y los fans más veteranos podrán saber como acaba por fin la historia original con la que comenzó todo.

Para finalizar, deciros que tristemente, ninguna obra ha sido publicada en España tras AHM (sin contar los comics basados en las películas).

Esperemos que en un futuro, la editorial Panini (poseedora de los derechos de transormers Por el otro lado, MTMTE es una serie llena actualmente) les de una oportunidad. de aventuras, con grandes toques de humor mezclado con situaciones realmente serias y Esperemos que hayáis disfrutado de este especial maduras, en donde tenemos como un grupo de tanto como nosotras al escribirlo. Agradecimientos alocados autobots (la mayoría), encabezados por a nuestra compañera Jana, la cual se ha currado el temerario Rodimus, parten de Cybertron en las cronologías completas. Sin más un saludo, un trasbordador al que llaman “La luz perdida” hasta que todos seamos uno. en busca de respuestas para el futuro de su raza recorriéndose toda la galaxia. Desde el momento Cronologías uno todo empieza mal, y acabaran metiéndose en problemas, cada vez más grandes…

La cronología completa de los comic de Marvel: .

James Roberts es sin duda un hombre que además https://docs.google.com/spreadsheet/pub?key=0 de tener talento tiene una gran pasión por una Ajozv9I9iHrndDBrM3Z5LUVhRGRYdHctY3lfZ franquicia la cual sigue desde que era un niño, XNaa1E&gid=0 creando una historia como nunca se había visto antes en transformers, siendo alabada al igual que lo fue en su día LSOTW. Una historia que Cronología completa de los comics de recomendamos a todo el mundo que le de una transformers de DW: oportunidad, aún si nunca ha leído un comic https://docs.google.com/spreadsheet/pub?key=0 sobre transformers.

Ajozv9I9iHrndHZVckpvWnFwbVNjaHdPZFpF Por otra parte a lo largo de este año se publicó WEVaRWc&output=html en formato digital (y posteriormente en papel) Autocracy, una miniserie de 12 números Cronología de los comics de IDW (actualizándose escritos por Flint Dille y Chris Metzen (sí, el de actualmente): Blizzard) con el dibujo un tanto peculiar de Livio Ramondelli y que nos sitúa de nuevo en el pasado, https://spreadsheets.google.com/spreadsheet/pub justo después de los acontecimientos de Megatron ?hl=es&hl=es&key=0Ajozv9I9iHrndC13Zl9icW Origin y de los orígenes de la gran guerra. pETExEbk5fU0VwdE1kbXc&output=html Para finalizar, IDW decidió continuar la historia de G1 original de marvel, que fue cancelada en el número 80 por el ya lejano año 91, teniendo de nuevo al ya más que conocido Simon Furman como guionista y como dibujante a Andrew Wildman, con estilo entre lo reto y lo moderno, lo cual quizá no gustará demasiado a los nuevos lectores. Así, en julio apareció el primer número de Regeneration one, que contará con un total de

Cuernos Crepusculares Una historia de amor, traición, sexo y areas de servicio en mitad del campo.

Llevamos una semana que no conseguimos dormir en la redacción de Fusion Freak, todos son lloros, caras de decepción y la tristeza nos está invadiendo, de hecho las palabras cerrar la web han salido de algunos de nosotros, no podemos soportarlo, AL PARECER KRISTEN STEWART LE HA PUESTO LOS CUERNOS A ROBERT PATTINSON, ya nada volverá a ser lo mismo, no volveremos a creer en el amor verdadero.

las chicas enamoradas de Pattison como que la Kristen no les va a caer muy bien” y hasta se han planteado parar la producción de las películas.

Los productores de la peli de Blancanieves que veían la posibilidad de una saga de esas con una ultima parte partida en dos películas y así ganar pasta a cascoporro, se acojonaron muy mucho, “Ay ay ay, que ahora me parece a mi que todas

Pero ahí no queda la cosa…

Pero ahí no queda la cosa…

Kristen en un momento de dolor extremo, realizo un comunicado de prensa en el que reconocía que le había puesto a nuestro gusiluz favorito los crepusculares cuernos, pero que solo una vez y Todo empezó hace aproximadamente una que casi no había habido ni roce ni nada, todo semana cuando salieron a la luz unas fotos esto entre llantos y peticiones de perdón. La pobre comprometedoras en las que aparecía la buena de chica estaba destrozada.

Kristen en actitud post o precoital con el director de su ultima película, si la de la dulce y pura Pero ahí no queda la cosa…

Blancanieves (que engañados nos tenias Kristen).

Rupert Sanders, que así se llama el director, para Robert Pattinson, ha entrado en una depresión mas inri, es un hombre casado y claro cuando así como surrealista que le ha llevado a encerrarse se entero de que les habían pillado básicamente en un hotel y contarle sus penas a todas las baso su defensa en un “Te lo juro cariño, era la mujeres que estén dispuestas a escucharle, (que primera vez y en realidad no es lo que parece, en cristiano quiere decir, soy guapo, me han no paso nada” excusa que aunque no creamos, puesto los cuernos, doy pena, si con esto no follo, sigue funcionando. Al menos al bueno de Rupert no follo con nada) Pero ni así porque sus amigos le ha servido porque su mujer no le ha dejado y dicen que se pasa los días jugando a videojuegos además ya ha salido en actos públicos enseñando y diciendo a todo el mundo que quiere hablar de su alianza como muestra de que lo ha perdonado. hombre a hombre con el tal Rupert. Por cierto los productores de Amanecer acojonados porque en Pero ahí no queda la cosa... principio el chico no quería ir ni al estreno.

Resulta que se ha conocido que Robert le iba a pedir en matrimonio a Kristen en un par de semanas, que me imagino yo que ahora se lo

tranquila tonta que no te va a doler

mientras tanto, en un area de servicio

Camiseta y pantalon propiedad del pobre Robert.

pensará un poco…

Pero ahí no queda la cosa…

Kristen al enterarse de lo mal que esta el gusiluz, que ya no se ilumina con el sol, y además después de ver que Rupert ha vuelto con su mujer como si nada, se ha hecho la digna y dolida novia despechada y ha declarado que si, que le puso los cuernos, pero que la culpa es de el (ahí, con dos ovarios bien puestos) porque al parecer no soporta que tenga una amiga llamada Emelie de Ravin, actriz con la que Robert protagonizo al curiosamente olvidable Recuérdame. Después de soltar esto, le falto decir “y si cuela, cuela” y por lo que se ve, no ha colado.

Pero ahí no queda la cosa…

Resulta que cuando se produjo la infidelidad, Krinsten llevaba puesta unos pantalones, una camiseta y unos calzoncillos que pertenecían a Robert, así en plan, no solo te pongo los cuernos sino que además me pongo tu ropa para ello, lo que indica que A/ Rupert no llego a nada con ella, porque yo no se vosotros pero yo no me tiro a una tia que lleva los calzoncillos de otro puestos, o B/ El tal Rupert es un poco enfermo.

Pero ahí no queda la cosa…

Dado que la cosa no pinta bien para la pareja, han comenzado los problemas de todas las rupturas.

Cuando Robert fue a la casa que compartían a recoger sus cosas, lo típico, el dvd es mío, la tostadora tuya, etc… Robert cogió al perro y Kristen le contesto con un “pero que me estas contando, el perro es mi bebe” y parece ser que podrían llegar a los tribunales para conseguir la custodia del perro. Si es que es lo que pasa, en las separaciones el que mas sufre es el perro.

Y de momento hasta aquí lo que se daba, ahora esta en vuestras manos sacar conclusiones por que os pedimos consejo: Después de esta traición ¿puede Fusion Freak volver a creer en el amor?, por favor necesitamos de vuestra opinión en los comentarios… la gente en la redacción esta destrozada.

Por Tony Camacho

suplemento cosplay de Nosolofreak

Aunque el tema estr estival LOS VENG

rella de esta edici贸n de la C贸mic Con ha sido la estrenada en periodo GADORES, tambi茅n se vieron los tradicionales de Star Wars y el resto de producciones mas frikis.

Algunas chicas de armas tomar se pudieron ver durante el fin de semana en el recinto de la cĂłmic con.

Assasins Creed y Predator. algunos de los Cosplays mas impresionantes de la convenci贸n

Todos estos cosplays de la comic con y muchos mas podras verlos en nuestra seccion especializada de Fusion-Freak.com

Kipi Manga y belleza desde China.

Esta es Kipi, una de las cosplayers mรกs solicitadas en las convenciones de Japรณn y una de las mujeres mรกs bellas que hay dentro del mundo freak.

Kipi es una Cosplayer profesional China que ademรกs de traernos al mundo real a los personajes de nuestras series favoritas, esta la pobre de muy buen ver.

Steampunk Cosplay El SteamPunk comenzĂł a principios de los 80 como gĂŠnero literario pero en estos momentos ha evolucionado tanto que ha trascendido las letras para convertirse en un movimiento artĂ­stico y sociocultural.

El steampunk nos muestra tecnologĂ­as futuristas pero realizadas con la tecnologĂ­a del vapor.

ESPECIAL María Gracia Galán Neko Mai Jesús Javier Cagigós

El universo Ghibli es la infancia soñada por todo adulto, un mundo fantástico donde vivir aventuras con todo tipo de seres tan extraños como entrañables y donde todo termina por resolverse felizmente (casi siempre). En estas aventuras viajaremos a la Italia del período de entreguerras montados en un avión con un piloto de lo más curioso, a bosques fantásticos, ciudades europeas con brujas adolescentes y un sinfín de mundos mágicos.

Porque si algo tiene Ghibli, es que sus películas no son meramente “películas para niños” si no que los adultos que las ven, sienten una añoranza y una nostalgia increíbles rememorando momentos de su infancia.

El nombre del estudio deriva de la pronunciación japonesa del apodo que daban los italianos a los aviones de exploración del Sáhara en la Segunda Guerra Mundial.

En Nosolofreak hemos decidido hacer un pequeño recorrido por algunas de las películas más significativas de este estudio, o que más nos han tocado nuestro corazoncito. Y es que en opinión de los redactores que hemos preparado este especial, el universo de Ghibli tiene algo especial, que te atrapa, y no en vano, este estudio es considerado toda una eminencia tanto por sus historias como por la calidad de su dibujo. No son pocos los estudios americanos como Pixar que han mostrado públicamente su admiración por su trabajo y que se reconocen fans y discípulos de estos maestros.

Y es que los cabecillas de Ghibli, Hayao Miyazaki e Isao Takahata, en sus más de 40 años de trayectoria profesional han creado algunos de los personajes más míticos y entrañables, todos conocemos a Heidi y Marco. Pero con la creación del estudio Ghibli marcaron un punto de inflexión en la historia de la animación nipona, regalándonos personajes como Setsuko, Mei, Nikki (Kiki en la versión japonesa) Totoro, los tanukis, Shizuku... demasiados como para ponerlos aquí.

Por todas estas razones, hemos decidido rendir nuestro pequeño homenaje a este gran estudio. Y desde Nosolofreak esperamos que si aún no sois fans de Ghibli, os animéis a ver algunas de sus películas, todas y cada una de ellas, únicas.

María Gracia Galán

Nausicaä, del Valle del Viento (1984) Por Jesús Javier Cagigós

Aunque fue la primera película de Miyazaki en Ghibli, no puede considerarse como la primera película del estudio, ya que se realizó un año antes. Generalmente se la incluye en la filmografía de Ghibli por el hecho de que cuenta con el equipo que posteriormente fundó el estudio, Miyazaki, Takahata y Toshio Suzuki. Así que para evitar polémicas hemos decidido incluirla, aunque no se realizara en el estudio ni con financiación del mismo, además de que gracias a Nausicaä fue posible la creación de Ghibli.

Y tanto que sí. Tras una carrera exitosa en el mundo de la animación - si habéis tenido infancia, ya sabéis: Heidi, Marco, Sherlock Hound, Lupin, etc. -, el señor Miyazaki se traía varias cosas entre manos al empezar la década de los gloriosos 80, que iban a devenir también época dorada para el futuro Estudio Ghibli. Rowlf, basado en el cómic de Richard Corben y Little Nemo, el célebre personaje de Windsor McCay, iban a convertirse en proyectos Miyazaki. No sabemos qué nos hubieran deparado tales aventuras, ya que lo cierto es que la primera se canceló, y la segunda fue adaptada años después por medio de un equipo en el cual no estuvo implicado. Pero lo cierto es que eso de estarse quieto no era una de las aficiones del señor Miyazaki, así que durante tres años, el inquieto animador se sumergió en un proceso de “lluvia de ideas” donde se encargó de esbozar algunos proyectos que verían la luz al cabo de los años: Laputa, Porco Rosso, Mononoke Hime... y también la llamada Kaze No Tani No Nausicaä. En las páginas dedicadas a ella, Miyazaki se encargó de volcar todas las influencias de su etapa universitaria: las novelas de autores europeos que devoró, su ferviente pasión por los artefactos voladores o su constante preocupación por la naturaleza y el medio ambiente.

Así, cuando dos editores de la revista especializada Animage le entrevistaron con motivo de su exitosa carrera, Miyazaki no perdió la ocasión de mostrarles algunas de sus ideas.

Uno de los editores era, ni más ni menos, que uno de los pilares del futuro Ghibli, el gran Toshio Suzuki. Aunque ninguna de sus ideas se acabó de concretar, los editores propusieron al maestro la creación de un manga para su revista mientras acababa de dar forma a su proyecto, ya que aún Miyazaki no conocía demasiado los entresijos del mundo del largometraje. Para aceptar su propuesta, Miyazaki puso tres condiciones sobre la mesa: Total control creativo, la anteposición completa de cualquier proyecto de animación que pudiera surgir durante esta etapa de dibujante, y que no se adaptara la versión animada de su obra. No cabe duda de que Miyazaki se considera, ante todo, animador. Y suerte que es así.

Así que el manga de Nausicaä constituyó un éxito inme-

diato entre los lectores de la Revista, por lo cual los editores de Nausicaä pensaron producir un cortometraje de animación a pesar de las reticencias del propio Miyazaki.

Dada luz verde al proyecto, éste pasó a convertirse en largometraje bajo la dirección de Miyazaki, que ante la ausencia de infraestructura para un proyecto de tal envergadura, y pese a la inestimable ayuda de Tokuma Shoten, se decidieron asociar con Topcraft Studio. Junto a los profesionales de este estudio también trabajaron algunos colegas de confianza del propio Miyazaki, aquellos con los que había colaborado estrechamente en anteriores producciones animadas (algunos como Hideaki Anno, futuro creador de Evangelion).

La película se estrenó en 1984, y pese a no ser un éxito absoluto de taquilla, los resultados fueron l suficientemente esperanzadores como para que Tokuma Shoten aceptara un siguiente proyecto, que ya nacería al amparo del Estudio Ghibli.

En cuanto a la película, ésta nos sitúa en un futuro postapocalíptico donde los seres humanos viven en reducidas poblaciones y en continua lucha. La Tierra ha cambiado bastante y está totalmente cubierta de una especie de hongos, y muchos insectos enormes (los seres humanos los usan para desplazarse). El gran peligro para la civilización humana se encuentra en la “Zona Contaminada”, una respuesta de la propia naturaleza a la guerra que asoló el planeta, y que está poblada por colonias de microbios que resultan letales para el hombre. La “Zona Contaminada” solo es mortal para el ser humano, ya que cualquier otra especie animal puede habitarla sin sufrir ningún tipo de consecuencia. Por si fuera propio, los mismos insectos adoptan una actitud hostil contra los seres humanos.

Mientras tanto, los reinos de los hombres pretenden renacer de sus cenizas, para lo cual no dudan en recurrir a poderosas armas ya utilizadas en el pesado. Sí, parecen tener la misma memoria que Dora, la de Nemo. A todo esto, en la zona limítrofe al lugar contaminado, conocida como “El Valle del Viento”, la princesa Nausicaä trata de evitar más muertes y luchar por la reconciliación entre hombres e insectos (es notable el parecido entre la trama y la futura Mononoke Hime, denotando una de las obsesiones del propio Miyazaki y que, según algunas opiniones, la segunda obra constituye una suerte de remake de la primera, con todas aquellas ideas y acabado final que hubiera deseado el señor Miyazaki y que, por razones de producción en su mayoría, se vio obligado a aparcar durante esta primera época). En fin, que durante su aventura llegará a descubrir la verdad sobre la “Zona Contaminada”, conocer fieles amigos - el Maestro Yupa, el

príncipe Asbel, la princesa Kushana... - y extraordinarias criaturas. Nausicaä es una maravilla de principio a fin. Se recomienda acompañar con el manga para disfrutar de un menú completo y profundamente satisfactorio.

Teniendo en cuenta las dificultades a través de las cuales se abrió camino Nausicaä, que además en el momento del largometraje se trataba de una obra inacabada, y que se llevó a cabo hace casi treinta años, la primera obra considerada Ghibli alcanzó unas cotas de excelencia muy elevadas. Sí que es cierto que no se trata de una de las obras más redondas ni mejor acabadas en cuanto a calidad técnica se refiere dentro de la historia del estudio, pero solo es criticable en comparación con las posteriores joyas que nos legaría el Estudio Ghibli. Hay que tener en cuenta que Nausicaä es la primera piedra de la torre, la transición entre la animación barata y tradicional y las expectativas de hacer algo diferente y mucho mejor. Cumplió con creces, y gracias a ella podemos soñar todavía.

Laputa, el Castillo en el Cielo (1986) Por Jesús Javier Cagigós

Tras el éxito relativo que supuso la producción pionera de Miyazaki y Takahata, Nausicäa, el Señor Tokuma pensó con acierto que debía dar un poco de manga ancha y confianza al proyecto. Con Tenku No Shiro Laputa, empezó todo, y fue para esta película que se creé el Studio Ghibli como una nueva compañía dentro del organigrama de Tokuma Shoten dedicada especialmente a la creación de largometrajes de animación. Toshio Suzuki, aquel editor de la revista Animage, sería el productor ejecutivo.

Como era de esperar, los largometrajes serían dirigidos por los señores Miyazaki y Takahata, y el objetivo sería el de producir animación de máxima calidad dentro de los márgenes económicos y de tiempo de la productora.

Nausicäa se incluiría posteriormente como la primera producción del estudio, ya que Ghibli fue creada a partir de la mayoría de los profesionales de Topcraft Studio.

De nuevo la fuente de inspiración para Miyazaki, el que iba a ser encargado otra vez de la dirección de la cinta, fueron las novelas de aventuras decimonónicas, y en especial la obra de Jonathan Swift Los Viajes de Gulliver. Resulta notable también el parecido con su propia obra Conan, el chico del futuro (Detective Conan). Aquí no tuvo que adaptar un manga y quedar encorsetado por él, sino que tuvo la ocasión de crear una obra directamente para la pantalla grande, con plena libertad en todo momento. Eso se nota, sobre todo en que la cinta es mucho más redonda y el ritmo es mucho más adecuado. Al ser mayor el tiempo de producción, también la calidad técnica y artística se vio mejorada ostensiblemente. Aún a cierta distancia de lo iban a ser consideradas sus obras maestras (para un servidor todas lo son), la segunda piedra de la torre iba a asentar con solidez las bases del futuro Ghibli y conseguir una película simplemente maravillosa. No hay que olvidar que Laputa fue estrenada hace ya veintiséis años, pero nos sigue anegando en los sueños de la misma forma que el día de su estreno.

La trama, típicamente de aventuras. En un gigantesco navío volador gigantesco, la joven Sheeta permanece cautiva por Muska, un agente gubernamental. El motivo es que lleva colgada al cuello una piedra mágica de misteriosos poderes y que es buscada por unos y otros con oscuras intenciones. Resulta que la piedra es una especie de brújula que señala el camino hacia la isla flotante de Laputa (nombre adaptado directamente de la novela de Jonathan Swift, al que homenajea Miyazaki de esta forma).

Pero en sus ansias de escapar, la chica cae por la ventana

de su camarote desde las alturas. El poder del colgante la salvará milagrosamente y será acogida por Pazu, un chico que trabaja en la mina y que cree con fervor en la leyenda de Laputa, ya que su fallecido padre le habló mucho de ella e incluso la llegó a fotografiar.

Tanto el malvado Muska como la banda de Dola, una pandilla de ladronzuelos de lo más simpático y que protagonizan las escenas más hilarantes de la película, desean hacerse con la piedra y perseguirán sin tregua a los dos muchachos.

La historia posee un gran sentido de la aventura y el ritmo.

Los backgrounds resultan de nuevo, fabulosos y se encargan de trasladarnos a un mundo de fantasía plenamente original (al igual que en Nausicäa). Dos curiosidades, y por lo cual Laputa es única. En la cinta no aparece ningún animal fantástico - aunque sí alguna criatura fabulosa y carismática a más no poder -, otorgándose total protagonismo a la raza humana. Además y por su parte, el personaje de Muska, que se revelará malvado “porque sí”, no es nada común en las producciones Ghibli, en las cuales cada uno de los caracteres actúa según sus propias motivaciones, siendo por lo general y casi siempre criaturas de buen corazón, esencialmente buenas.

La isla flotante de Laputa es excepcional y parece sacada de un sueño. Un servidor alberga la teoría de que la enormemente sobrevalorada Avatar del pesado de Cameron bebe mucho tanto de esta producción como de Mononoke Hime. Los paisajes son de embriagadora y fascinante belleza; Laputa es una isla de arquitectura clásica-onírica que alberga grandes maravillas y encierra una paz y armonía sobrecogedoras, habitada por unos gigantes seres robóticos que actúan como sus guardianes, pero aún así carecen de intenciones belicosas. Es un templo virgen que solo parece aceptar a los puros de corazón.

El momento: el solo de trompeta de Pazu en el tejado de su casita sobre la mina, mientras las palomas vuelan. Un canto de lirismo sensacional que tocará el alma de más de uno.

Una curiosidad: si alguna vez tenéis la fortuna de visitar el Museo Ghibli en Japón, podréis encontrar una figura enorme del robot que aparece en Laputa, y con la que además os podréis hacer fotos. Yo ya no puedo esperar...

La Tumba de las Luciernagas (1988) Por Jesús Javier Cagigós

La primera película de Takahata para Ghibli nos cuenta la tierna y terrible historia de dos hermanos, Seita y Setsuko que deben aprender a salir adelante por su cuenta en el Japón de la Segunda Guerra Mundial. Una historia conmovedora y desgarradora que ha sido calificada como una obra maestra de la animación y que está considerada junto con “La lista de Schindler” y “El pianista” como la mejor película antibelicista.

El padre de los niños está en la Armada y están al cuidado de su madre durante los bombardeos que arrasan el país nipón en la guerra. En uno de los bombardeos más cruentos la ciudad queda destruida hasta los cimientos y Seita debe hacerse cargo de su hermana.

Si todos los personajes creados por el estudio Ghibli resultan tan carismáticos como encantadores, dejando un recuerdo imborrable en el espectador. En el caso que nos ocupa, la pareja protagonista, Seita y Setsuko, resultan además los personajes quizás más humanos creados por la factoría. Y es que “La Tumba de las Luciérnagas” es el contrapunto a todo lo que hayáis visto de Ghibli, pero sigue siendo Ghibli.

Son Ghibli por la sensibilidad con que son tratados los personajes y las situaciones, esta vez en lugar de mágicas, de una crudeza terrible.

El realismo se impone, en lugar de los sueños y la fantasía. Dos niños que atraviesan una situación que jamás deberían padecer, y su dolor se convierte en el nuestro. No es una película de animación convencional. Una historia que se ve con el corazón y, como la fina lluvia, cala hasta los huesos. Una guerra observada desde el punto de vista de sus víctimas. La relación entre Seita y Setsuko merecería otra crítica aparte. Una de las historias más hermosas que el cine ha creado, repleta de buenas intenciones, de amor fraternal. Ver cómo se necesitan el uno al otro, cómo ríen en los escasos momentos en los que pueden evadirse, cómo Seita se traga su dolor en tantas otras ocasiones para que su hermana se sienta reconfortada... En definitiva, ser testigos de una relación de

realismo apabullante, hace que la película merezca la pena por sí sola. La calidad de la animación, como siempre en Ghibli, impresionante.

La historia está basada en una novela de Akiyuki Nosaka, La Tumba de las Luciérnagas, el cual padeció en sus carnes esta abrumadora tragedia y hubo de lidiar durante su vida con el sentimiento de culpabilidad por causa de haber perdido a su hermana pequeña mientras estaba bajo su cuidado. La propia historia tiene mucho de la infancia del propio Takahata.

Todo el mundo opina que es una película muy triste, el contrapunto y la excepción al resto de producciones Ghibli. Es cierto, la historia es triste. Durante su visionado, y a la vez que uno se enamora lentamente de sus personajes, no puede evitar la sensación de que un fino estilete va clavándose muy despacio en su corazón. Probablemente lloréis, no os engañaremos.

Pero también seréis partícipes de una maravilla, de un milagro: el de cómo unos personajes de ficción animada se transforman en seres humanos. Sentiréis con ellos, y probablemente os parezcan al final más humanos que cierta gente de la que os rodeáis a diario. Se recomienda comenzar con esta joya y seguir con Totoro para evitar la melancolía, inherente de manera especial a los proyectos de Takahata, de carácter más retraído, nostálgico y si cabe, aún más intimista que el de Miyazaki.

En los últimos años se han hecho dos películas de imagen real sobre esta historia, una en 2005 conmemorando el 60 aniversario del fin de la Segunda Guerra Mundial y otra en 2008.

Mi Vecino Totoro (1988) Por Maria Gracia Galán uarta película del estudio Ghibli y tercera de Miyazaki para este estudio. Personalmente, la considero una de las mejores del estudio si no la mejor. Para mí es la más tierna y mágica.

La película nos cuenta la historia de Mei y Satsuki, dos niñas que se mudan a una casita en el campo con su padre, mientras su madre se recupera de una enfermedad respiratoria en un hospital de la zona.

Mei (la pequeña de las dos hermanas) se aburre a menudo, Satsuki va al colegio y su padre se prepara en casa las clases que imparte por las tardes. Así que Mei, decide salir a explorar por los alrededores de la casita. Pronto descubrirá a unos pequeños bichitos que van recogiendo bellotas y que pueden hacerse invisibles si se sienten perseguidos.

Mei no dudará en seguirles por el bosque hasta su escondite secreto, donde tras una larga caída aterriza sobre algo blandito, peludo y que está totalmente dormido. Cuando le pregunta cómo se llama, el bichito se limita a bostezar (lógico le acaban de despertar jeje) y Mei interpreta el bostezo como “To-to-ro”. Por lo que decide llamarle así a partir de ese momento.

Poco a poco irá conociendo más sobre el mundo de los “Totoros” Y es que hay más de uno, están los “chibi Totoros” blancos y pequeñitos, los “chu Totoros” medianitos y de color azul y blanco, y “O Totoro” el grandullón y más dormilón de los tres; también llamado “Totoro” a secas.

Estos seres son espíritus protectores del bosque, por las noches salen a plantar árboles realizando una extraña danza, para plantar y hacer crecer nuevos árboles, una noche, las niñas les descubren y se unen a la fiesta.

No os voy a contar más porque si no os estropeo la peli, lo que sí os voy a contar son algunas cositas curiosas sobre ella.

En principio, Miyazaki había concebido que en la historia hubiera solo una niña, con la edad de Mei, pero con la apariencia de Satsuki. Como era una película un poco “especial” y que se apartaba bastante de lo que se estaba haciendo en ese momento, decidieron estrenarla conjuntamente con “La tumba de las luciérnagas” Como muchos ya sabréis, la banda sonora está compuesta por Joe Hisaishi, quien suele componer habitualmente muchas de las bandas sonoras del estudio.

El personaje de la madre de las niñas es un reflejo de la propia madre de Miyazaki, quién pasó nueve años ingresada en un hospital afectada de tuberculosis espinal.

Por cierto, no sé si habéis visto Toy Story 3, pero sale Totoro un par de veces jeje os dejo una foto.

Nicky, la Aprendiz de Bruja (1989) Por Maria Gracia Galán

Nicky nos cuenta la historia de una joven bruja que al cumplir los 13 debe seguir la tradición de las brujas de abandonar el hogar de sus padre para buscar una ciudad donde no haya ninguna bruja. Es por esto por lo que Nicky inicia su aventura en busca de su nuevo hogar acompañada de su gato Jiji, un gato negro bastante sarcástico que siempre le acompaña y que me encanta.

Pronto encuentra una pequeña ciudad marítima en la que establecerse y encuentra trabajo ayudando a una panadera a entregar sus encargos en la escoba.

Esta película supuso el primer gran éxito del estudio, recaudando una importante cantidad de dinero en Japón y que fue distribuida por Disney, lo que supuso un gran prestigio para el estudio. Es por esto por lo que fue la primera película del estudio es ser conocida internacionalmente.

A pesar de que Disney realizó algunos cambios en los diálogos durante el doblaje, Miyazaki los autorizó porque no afectaban realmente a los personajes ni a la historia. Por suerte, en su relanzamiento en DVD, todos estos cambios fueron eliminados.

Miyazaki retoma su afición a ubicar tramas en ciudades centroeuropeas, como ya había hecho anteriormente en sus trabajos anteriores a Ghibli como “Heidi” o “Marco”.

La historia está basada en un cuento infantil, aunque Miyazaki realizó algunos cambios importantes, esto llegó al punto de que como la autora, Eiko Kadono, no estaba de acuerdo con los cambios y esto casi provoca la congelación de la producción de la película.

Por último comentaros que si os fijáis bien, podréis ver a un peluche de Totoro en la cama de Nikki y que al final de la película cuando ocurre el accidente, aparece Miyazaki como uno de los espectadores que está viendo la televisión en la calle.

Por último comentaros que si os fijáis bien, podréis ver a un peluche de Totoro en la cama de Nikki y que al final de la película cuando ocurre el accidente, aparece Miyazaki como uno de los espectadores que está viendo la televisión en la calle.

Porco Rosso (1992) Por Jesús Javier Cagigós

Esta historia de aventuras es una de las más divertidas de Ghibli para mi gusto. Miyazaki se deleita dibujando aviones (le encanta dibujar maquinaria de guerra) y realizando increíbles tomas aéreas.

La película nos cuenta la historia de Marco Pagot, un atrevido piloto italiano que tras el fin de la Primera Guerra Mundial se convierte en cazarrecompensas y en sus ratos libres frustra los pillajes de los piratas, lo que le granjea algunas enemistades con los piratas del mar Adriático.

Marco tiene una peculiaridad, y es que debido a una maldición pasó a tener la apariencia de un cerdo, y como pilota un hidroavión de color rojo, le pusieron el mote de Porco Rosso.

Los piratas deciden contratar a un piloto americano para que acabe con

Porco, quien decide ir a Milán a mejorar su nave.

Durante el viaje se encuentra con Curtis, el piloto americano y se enzarzan en una escaramuza, en la que el motor del hidroavión de Porco resulta dañado y Curtis cree haberle matado.

Porco consigue llegar a Milán, pero cuando llega al taller de su mecánico que ahora es su nieta quien lleva todo el tema de mecánica. Escéptico y no muy convencido acepta que sea ella quien le diseñe el nuevo avión y el motor del mismo.

Fio es el prototipo de chica Ghibli, fuerte, decidida, sensible y que hace lo que quiere pasando totalmente

de lo que opinen los demás. Lo cual es curioso, ya que en Japón el ideal de mujer hasta hace muy poco era una mujer sumisa, buena ama de casa y discreta. Ésta siempre ha sido una de las películas preferidas de Miyazaki y lleva años recopilando material para una secuela que nunca termina de salir “Porco Rosso, la última salida” que como ha llegado a afirmar Miyazaki se desarrollaría en la Guerra Civil Española.

Con motivo del 20 aniversario del estreno de la película, en el Salón del Manga este año podréis disfrutar de una exposición homenaje a una de las películas de Ghibli más emblemáticas.

Aunque originalmente iba a ser un corto para exhibirse en los vuelos de Japan Airlines, Miyazaki se mocionó con la historia y poco fue añadiéndole minutos, la aerolínea estaba encantada con el proyecto y decidió convertirse en productora. Por eso al principio de la película aparece el prólogo en diferentes idiomas. Ésta es una de las escasas películas de Ghibli con un protagonista masculino y que curiosamente es un cerdo, un animal que le encanta a Miyazaki.

Pompoko (1995)

Por Neko Mai

Heisei Tanuki Gassen Pompoko (la guerra de los mapaches de la era Pompoko) es la tercera película de Isao Takahata y se estrenó en Japón en julio de 1994.

El nombre “mapaches” en la título está traducido erróneamente, ya que en el título los Tanuki no son mapaches exactamente.

Su traducción al inglés fue muy accidentada, ya que al estar ambientada en el entorno típico del folclore japonés existían dificultades para traducir algunas palabras de la jerga y del localismo del idioma.

Según cuenta la leyenda popular, los Tanuki (unos perros-mapache que son muy admirados dentro del folclore y mitología japonesa) tienen la habilidad de transformarse en humanos o en otras criaturas con solo desearlo.

Cuando una familia de estos animales descubre que los humanos pretenden acabar con el bosque don-

de viven para construir una nueva urbanización se preparan para combatirlos usando su poder y habilidades en una guerra que nunca nadie había visto antes.

Los Tanuki son representados de tres maneras distintas dentro de la película: animales realistas, animales antropomorfos y como figuras caraturizadas. Para las últimas, Takahata se basó en el estilo del mangaka Shigeru Sugiura. Los Tanuki pasan a su forma realista cuando son vistos por humanos, a su forma caraturizada cuando hacen cosas extrañas o divertidas y a su forma antropomorfa el resto de la película.

Y como pasa con muchas de Ghibli, quien vea esta película pensando que es para niños está muy

equivocado.

La película destila espiritualidad por doquier, nos muestra en un extenso escenario todo lo relaciones con la tradición, religión y filosofía del Japón antiguo.

Y los encargados de esto son los Tanuki que, pese a mostrarse como seres cómicos y graciosillos que merecen toda la admiración del espectador, poseen un poder espiritual inimaginable y se guían por la naturaleza, por sus tradiciones ancestrales y su pensamiento en grupo.

La película es una crítica directa a los humanos, acusándonos de destruir el medio de otras especies con tal de obtener lo que queremos, como diciendo “eh, que se os ha subido esto de la evolución a la cabeza”. Estos pequeños, junto a los demás habitantes del bosque, ven en directo como los humanos destruyen sus hogares y aniquilan todo lo que conocen. Un reflejo de la realidad del mundo y una de las peores causas de la expansión y crecimiento de los humanos.

Esta película puede ser el perfecto instrumento para que los niños (y no tan niños) aprendan sobre la naturaleza, para que se conciencien que no todo el mundo es suyo, que tienen que compartir la vida y la tierra con otros seres que tienen el mismo derecho

a vivir en su hábitat como ellos. En definitiva, que se tiene que proteger lo que nos hace vivir.

Pompoko transmite un mensaje ecologista usando de manera muy eficaz los toques de humor. Una trama agradable y tierna que convierten a esta película en una de las que brillan por sí sola, con un guion extraordinario, una fantasía única y una belleza extrema.

Susurros del Corazón (1995) Por Maria Gracia Galán

Para mí es una de las películas más tiernas y conmovedoras de Ghibli. Ésta película nos cuenta la historia de Shizuku, una chica un poco alocada y ajena a los amoríos adolescentes de sus compañeros de clase y que dedica todo el tiempo posible a leyendo libros de la biblioteca del colegio y de la ciudad, en la que trabaja su padre. Pronto se da cuenta, de que la mayoría de los libros que saca de la biblioteca, han sido leídos antes por otra persona, “Seiji Amasawa” y comienza a fantasear con quién será, cómo será…

Ella se imagina a un hombre mayor, canoso y afable; así que decide preguntar en el colegio, pero no le saben decir mucho.

Hay que decir que la familia de Shizuku es algo especial, su hermana mayor está fuera, por lo que ella se encarga de todas las tareas domésticas. Un día mientras le lleva la comida a su padre se encuentra con un extraño gato (tiene muchos nombres, pero nos quedaremos con Moon) que viaja en tren, así que decide seguirle, ya que además parece que va en su misma dirección, pero cuando parece que está llegando a la biblioteca de su padre, el gato se desvía.

Shizuku le sigue hasta una extraña tienda donde conoce a un anciano muy simpático que le enseña una curiosa figura, “El Barón” preciosa, con unos increíbles ojos color esmeralda que enseguida atrapan a Shizuku. Al poco conocerá al nieto del anciano (de quien desconoce el nombre) y que se dedica a sacarla de quicio constantemente.

No os voy a desvelar más, solo que Shizuku finalmente encuentra a Seiji, quien le animará a perseguir su sueño, escribir una novela. Y ella decide nada más y nada menos que escribir la historia de “El Barón” Es una preciosa historia de amor, con la canción “Country roads, take me home” de Olivia NewtonJohn de fondo, la versión en japonés es cantada por la hija de Toshio Suzuki, el presidente del estudio

Ghibli hasta 1998.

El director es Yoshifumi Kondo, una de las grandes promesas del estudio y a quien se veía como claro sucesor de Miyazaki y Takahata. Yoshifumi también trabajó en la serie de dibujos “Ana de las tejas verdes” (sí la versión que todos vimos de pequeños) y ya había trabajado con Miyazaki en la serie de animación “Sherlock Homes” que también se emitió aquí en España. Desgraciadamente Kondo murió en 1998 por una disección aórtica, probablemente a causa del estrés, su muerte marcó profundamente a Miyazaki quien llegó a anunciar que se retiraba para poder llevar una vida menos estresante. Y aunque finalmente no se retiró, desde entonces se preocupa mucho más por trabajar en un entorno más relajado.

Los fondos que aparecen durante los viajes de Shizuku y “El Barón” son obra de Naoisha Inoue, un artista japonés con unas obras increíbles, muy coloridas.

Aquí podéis ver una de las imágenes de la película en las que trabajó.

Esta película tiene una continuación, que es “Haru en el reino de los gatos” En la que también aparece “El Barón” y que podéis encontrar también en este especial.

La Princesa Mononoke (1997) Por Maria Gracia Galán Sin duda una de las películas más internacionales y conocidas del estudio junto con Chihiro. A pesar de que se nota que es una película hecha para la exportación internacional no pierde en ningún momento el más puro espíritu de Ghibli. Si bien es cierto que nos muestra un par de detalles inéditos hasta ahora en el estudio.

Mononoke nos cuenta la historia de Ashitaka, un joven príncipe de un pueblo que fue masacrado en el pasado y que vive en lo más profundo de las montañas del Japón medieval en armonía con la naturaleza. Un día, un enorme demonio ataca el bosque que rodea a la aldea acercándose peligrosamente a ésta. Ashitaka se enfrenta a él y le derrota, pero resulta herido en el brazo, la anciana de la aldea le informa que ha quedado maldito y que esa herida terminará por extenderse por su cuerpo y por matarle. Por ello, el consejo de la ladea decide que lo mejor que puede hacer es marcharse al oeste (de donde creen que proviene el demonio) y averiguar qué ha sucedido.

En su viaje llega a una tierra en la que descubre un pueblo minero en lucha continua con el bosque que le rodea y que constantemente recibe los ataques de una extraña chica y dos enormes lobos. La dueña del pueblo está empeñada en hacerse con el control del bosque y no dudará en tratar de matar al Espíritu del bosque, del cual la chica y los lobos son guardianes.

Ashitaka se entera de que son los hijos de una diosa del bosque y salva a la chica durante uno de los ataques y la lleva al bosque a pesar de estar gravemente herido.

A pesar de su maldición y de los avances de las heridas, Ashitaka intentará interceder entre el pueblo minero y el bosque, para que todos puedan vivir en armonía.

Mononoke es un precioso alegato a la naturaleza, con el que Miyazaki quiso resarcirse de todo lo que no

pudo hacer con Nausicaä por cuestiones de presupuesto y de producción. Una película con la calidad de animación increíble, unos personajes de lo más completos y genialmente diseñados.

Llama especialmente la atención lo cruento de algunas escenas, algo totalmente atípico en Ghibli, las mutilaciones explícitas en las escenas de batalla es algo que nunca habíamos visto en las películas del estudio. Además de estar bien hechas, y en total consonancia con la historia.

Miyazaki trabajó de forma intensiva en esta película, llegando a lesionarse la mano. Miyazaki estaba muy resentido con los cambios indeseados que se había realizado a posteriori en Nausicaä, por lo que a raíz de la misma comenzó una política de cero modificaciones que llegó a incluir en los contratos de distribución internacional. Por ello, cuando se enteró de que la distribuidora de Mononoke estaba valorando el acortar la historia para hacerla más atractiva en el mercado occidental, Miyazaki le envió una verdadera katana japonesa con una nota que decía “Sin cortes” Cuando le preguntaron sobre esto, Miyazaki se defendió entre risas diciendo que eso había sido cosa de su productor Toshio Suzuki.

Haru en el Reino de los Gatos (2002) Por Neko Mai

Dirigida por Hiroyuki Morita, Neko no ongaeshi (la gratitud de los gatos) se estrenó en Japón en 2002 con el eslogan “¿no estaría bien convertirse en un gato?”.

un manga basado en el proyecto que llevaría por nombre “Baron: The Cat Returns”, sin embargo fue finalmente cancelado.

La historia del origen de Haru es curiosa. En 1995 se estrenó “Mimi wo sumaseba” (Susurros del corazón, de la que hablamos en este especial), una película basada en un manga de Aoi Hiiragi. Las escenas cortas que mostraban a la protagonista escribiendo su historia, cuyo personaje principal era un ser llamado “el Barón”, se hicieron tan populares que el público reclamó una película basada en la novela de la prota. Y el resultado fue: Haru en el Reino de los gatos.

Miyazaki recopiló todo el trabajo realizado para “El proyecto gato” y lo utilizó para probar a futuros directores, a los que les encargó el corto con una duración de 45 min. Al final, Hiroyuki Morita, quien dio sus primeros pasos en “Mis Vecinos los Yamada” se hizo cargo del proyecto. Morita, Miyazaki y Toshio Suzuki, se encargaron de darle vida a Haru y sus amigos.

Todo surgió a raíz del llamado “Proyecto Gato” en 1999. Un parque de atracciones pidió a Ghibli que crease un corto de 20 min protagonizado por gatos.

Miyazaki quiso que aparecieran 3 elementos clave: El barón, Muta (una estatua cuervo que cobra vida) y una misteriosa tienda de antigüedades. Se quiso hacer

La vida de Haru, una estudiante tímida y poco habladora, cambia de golpe cuando un día, al volver del instituto, salva a un gato que lleva una curiosa caja de ser atropellado. Tras esto a Haru empiezan a ocurrirle cosas extrañas, una de ellas acaba por llevarla a “la oficina de asuntos gatunos”. Allí conoce al “Baron Humbert von Gikkingen”, un gato de 30cm, a Muta, el gato

causante que Haru llegue a la oficina, y a Muta.

Para su sorpresa, de golpe y porrazo aparecen un centenar de gatos que atrapan a Haru y se la llevan al “reino de los gatos”. El barón y sus amigos les siguen para salvarla. Una vez allí, Haru conoce al rey, que le da las gracias por salvar a su hijo de ser atropellado y le comenta que va a ser su futura nuera. Aún con la sorpresa de esto, Haru se da cuenta que está empezando a convertirse en gato. ¿Podrá volver a su mundo? ¿Quién no ha soñado nunca ser un animal? En mi caso adoraría ser un gato… he dicho adoraría… porqué no sabría qué hacer si realmente me convirtiera en uno.

Haru desprende fantasía por doquier, es extremadamente entretenida y en todo momento podemos ver que Haru nos secuestra hacia su universo.

La animación es quizá uno de los puntos flacos de la película según muchos, pero para mí es simplemente un “es que tiene que ser así”. La animación nos acaba de trasmitir esa diversión que contienen el guion y la trama.

Tiene momentazos llenos de una magia tan alocada como entretenida: la presentación de los gatos guardaespaldas, el “secuestro” de Haru, el baile…

La ambientación y al estética que presenta la película son una maravilla. Y las situaciones irrealistas la inundan de una forma muy completa, los personajes secundarios están tan logrados como los principales y la historia es simplemente una joya.

Quizá el fallo que más le encuentro yo a la película es su durada. Es una historia que se pasa demasiado rápido, que sin darte cuenta pasas en un escenario a otro y que quizá no se extiende tanto como podría/ debería.

El Castillo Ambulante (2004) Por Neko Mai

Hauru no Ugoku Shiro (Howl’s moving castle, el castillo errante de Howl) es una película dirigida por Hayao Miyazaki y basada en la novela de la escritora Diana Wynne Jones. Su repercusión mediática fue increíble y fue una de las más taquilleras en Japón.

Sophie es una joven de 18 años tímida, callada y a la que le cuesta ser sociable, que trabaja en una sombrerería en una ciudad europea. Un día que va a visitar a su hermana a la cafetería que regenta es salvada por un misterioso chico del acoso de unos soldados y la lleva sana y salva a su destino. Una vez allí le advierten de la presencia en la ciudad de Howl, un mago que roba almas de mujeres jóvenes.

Una noche, mientras Sophie está cerrando la sombrerería, una mujer entra en ella y se denomina a sí misma “La Bruja del Páramo”. Al parecer la mujer había presenciado el rescate de Sophie y por alguna razón lanza sobre ella un terrible maleficio. Es entonces cuando la chica decide ir al Castillo Ambulante, hogar de Howl, a pedirle ayuda.

Esta es otra de las películas que a más la ves, más te gusta. La primera vez que se visiona te deja un regustillo un tanto extraño y quizá no se entienda de golpe.

Las siguientes veces que la ves te quedas atrapado en la historia, los personajes bailan delante de tus ojos cual pajaritos,… La belleza de las animaciones y la profundidad de la historia te dejan embelesado y sin poder moverte de la silla.

Ninguna escena se queda vacía y ningún personaje está ahí por ocupar espacio, todos ellos tienen sus motivaciones, sus sentimientos,… todos cumplen su rol, ocupando cada paisaje de la película: los desfiles, las calles, el vuelo de Sophie y Howl…

El castillo es simplemente perfecto, lleno de detalles

y altamente original, nunca alguien se habría podido imaginar así un castillo… Excepto Miyazaki. El interior es igual de hermoso, sobretodo la habitación de Howl, llena de objetos, joyas, juguetes, peluches y trastos de todo tipo amontonados. Este desorden nos explica bastante bien como es inicialmente Howl: inmaduro, infantil y egoísta, aunque con el paso de la trama va cambiando (y de la misma forma evolucionan Sophie y la bruja).

Uno de los personajes que más gracia me hace es Cálcifer, el demonio del fuego, que pese a tener su lado oscuro es uno de los que más risas saca.

La banda sonora es otra de las maravillas de la película, una joya como ya ocurre en otros films, que es capaz de transportarte hacia dentro, potenciando las imágenes, transmitiendo sentimientos como nadie más sabe hacerlo… En definitiva: que te eriza el vello.

La película transmite un claro mensaje antibelicista, con escenas bélicas de lo más oscuras y tenebrosas, de una forma tan disimulada como el mensaje ecologista que transmite Pompoko.

Ponyo en el Acantilado (2008) Por Jesús Javier Cagigós

Tras el fiasco de Cuentos de Terramar, en la que Goro Miyaki, hijo del maestro, demostró no haber heredado su talento para desgracia de los fans, tuvimos la suerte de disfrutar de una nueva joyaza de Miyazakisama. Heredando el espíritu del viejo Ghibli y alejándose de historias barrocas, pomposas y de rimo irregular a pesar de su grandiosidad - como Chihiro o sobre todo, El Castillo Ambulante - , Miyazaki regresa a las historias sencillas, sin apenas conflicto, maravillosas y llenas de optimismo vital y sueños de la infancia. Igual que Tonari No Totoro - la obra magna de la factoría - , Ponyo gustará a casi todo el mundo. A los niños, y a los adultos con alma de niño.

A todos aquellos que sean capaces de emocionarse con las cosas pequeñas y hermosas, de perderse en la magia de los sueños más inocentes y no obstante, fabulosos. Puro acicate para la imaginación.

Y es que en Ponyo, una suerte de revisión de La Sirenita, de nuevo, no pasa nada. Todo es feliz y maravilloso. La cosa va de que un buen día, mientras juega en la playa, el pequeño Sousuke se encuentra con un pez con cara, o más bien una niña-pez, a la que decide cuidar y poner el nombre de Ponyo. Los dos se hacen amigos como solo pueden serlo los niños y son felices el uno con el otro. Pero Fujimoto, un brujo de las profundidades del océano y que es el padre de Ponyo, no quiere que ésta viva con los humanos y desea llevársela de vuelta, a pesar de que Ponyo ha decidido que quiere tener pies y manos para vivir junto a su amigo en tierra firme. El problema es que su decisión puede poner en riesgo el equilibrio del planeta. Y hasta aquí puedo leer...

Miyazaki podía haber caído fácilmente en la tontería sensiblera, pero alejándose del tópico Disney-Spielberg consigue de nuevo fabricar una completa maravilla, una obra digna de disfrutar como los niños protagonistas, y no olvidar. Cada fotograma rebosa amor por la animación. Todo está hecho a mano y no hay CGI que valga, lo cual demuestra la valía de este genio y artista, que sale adelante donde otros grandes maestros de los lápices - Makoto Shinkai, Satoshi Kon, Yoshihaki Kawajiri - caen en la tentación.

Miyazaki-sama representa cuadros para narrar cuentos universales, atemporales y que conmoverán a

cualquiera que realmente se preste a ello. Con Ponyo no alcanza sus cotas más elevadas - Totoro, Mononoke Hime -, pero es una producción magnífica que por su acabado técnico, su ritmo ágil y majestuosa narración, su capacidad para maravillar y enternecer, la sublime - una vez más - banda sonora del señor Hisaishi y mil razones más, debe ser vista y disfrutada por cualquiera. Una curiosidad: al igual que el icono de la factoría, el espíritu del bosque y encantador Totoro, también Ponyo atraviesa tres fases de desarrollo: niña-pez, niña-anfibio y niña-...??? Que ustedes se refresquen en el fondo del mar y lo disfruten como los niños que son.

ARRIETTY Y EL MUNDO DE LOS DIMINUTOS (2010 Por Neko Mai

Karigurashi no Arietti (Arrietty, la que toma prestado) es una película que se estrenó en julio de 2010, siendo la primera película que Hiromasa Yonebayashi dirigió.

Tokyo occidental, Koganei. Una familia de seres diminutos, apenas 10cm de longitud, viven en una casita oculta bajo las tablas del suelo de una mansión campestre.

La principal norma de estos seres es la de no dejarse ver por lo humanos. Todo cambia cuando la joven Arrietty, una intrépida adolescente, es vista por Sho, un niño que se acaba de establecer en la casa y que tiene una delicada salud.

Entre ambos surgirá una fuerte amistad. Desgraciadamente, la existencia de los diminutos se verá peligrosamente amenazada.

Cómo se puede ver fácilmente, esta adaptación del cuento “Los Borrowers” para muchos fue el anunció de “la magia de Ghibli ha vuelto” después de unos años un poco flojos. Muchos opinan que es la mejor película del estudio tras “El viaje de Chihiro”, yo por mi parte no puedo opinar, todas me encantan.

Desde el primer segundo de la película el espectador se ve transportado al film (como pasa con casi todos proyectos de Ghibli) y puede sentir de primera mano esa magia que va a caracterizar toda la película. ¿Quién pensaría que se puede coger de esa forma un terrón de azúcar? ¿Quién se imaginaría que atravesar un puente de clavos o sacar un pañuelo de su caja podría convertirse en algo

tan… tan… bueno, me entendéis no? Delicioso, simplemente. ¿Y la escena de la cocina? Sin duda, Yonebayashi hace su debut a lo grande, mostrando un arte para dirigir que ya les gustaría a muchos poseer.

L a p elíc u l a nos rega l a moment a zos pre cios os y as ombros os: l a convers a ción de Sho y Ar r iett y, l a remo del a ción de l a co ci na.

L a tensión pue de not ars e p erdid a a medid a que av anza el f i lm , p ero l legando a l f ina l vuelve con to d a su f uerza provo c ando que más de uno a c ab ara emo cionándo s e p elig ros amente.

El hecho de que los personajes no sean japoneses y estén tan asentados en una cultura occidental nos muestra una nueva dimensión en Ghibli, estupendamente llevada, funcionando a la perfección y narrada la historia con una ternura y mimo increíbles. Es como si Ghibli hubiera dicho “mira, que puedo con todo”.

La banda sonora, cantada por Cécile Corbel, en ningún momento se queda corta o se excede. Siempre sale en el momento justo y dura lo que debe, sabiendo mantener la tensión cuando debe, relajándose cuando toca… Una maravilla sin duda.

Con todo esto: un guion prodigioso, una banda sonora preciosa, unos personajes llenos de emociones, sentimientos, miedos y alegrías y una historia de lo más enternecedora se puede decir que Arrietty es una de las obras maestras de la animación.

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NATSU AN Aquí os traigo las novedades más fresquitas de anime, En cada capítulo veremos dos historias basadas en espara pasar los últimos calores del verano, o para coger tos poemas, donde estos se recitan en algún momento. el nuevo curso con fuerza.

Por lo que parece, en un principio tan solo serán los poemas de amor que como bien nos dice al inicio de Tight Rope (Yaoi, comedia) cada capítulo serán 43, ya que al autor de la antología le gustan este tipo de poemas.

El primer OVA apareció en mayo y por fin el segundo a finales de junio. Personalmente, lo adoro, tanto A mi parecer, es una serie un tanto diferente, yo el manga, como las OVA’s, la mangaka es una de mis presiento que me va a gustar, ya que las antologías de preferidas del género, así que... qué puedo decir. La poemas, cuentos y demás me encantan. Además, el historia se centra en Nao y Ryu, unos amigos de la indibujo me parece original y muy acorde con la temátifancia con personalidades bastante diferentes, y que ca que trata. provienen de familias muy distintas, Nao, es hijo del dueño de un restaurante tradicional, y Ryu... nada Eso sí, las historias, no dan pie a estar muy elaboramás ni nada menos que el heredero del grupo Oohara, das, más que nada por el hecho de que nos muestran una familia de yakuzas. Veremos la relación de amisdos historias por capitulo, además de estar basadas tad tan extraña que tienen y la relación amorosa que en poemas. Pero aun así, me parece que es una serie mantienen, que aún es más extraña todavía. La hiscargada de romanticismo, donde en algún que otro toria también nos cuenta la reacción de Ryu cuando capítulo habrá que echar mano de los Kleenex, porque debe asumir el liderazgo del grupo a pesar del rechazo no creo que todas las historias tengan un final feliz. que le causa la idea, pero Nao, siempre le guiará en sus decisiones.

El seiyuu de Nao me encanta, y si no me equivoco es Kingdom. (Acción, seinnen) el mismo que el de Yoshino Chiaki de Sekaiichi Hatsukoi.

La historia me ha atrapado... En el primer capítulo de 50 minutos, esta serie nos muestra la historia de Shin y Hyo, dos chicos huérfanos a causa de las guerras en China, desde muy pequeños quieren cambiar su desChouyaku Hyakuninisshu: Uta Koi. tino, dejar de ser sirvientes para convertirse en generales, mejores, y que sus nombres pasen a los anales de la (Misterio y psicológico, Romance) los historia.

Esta serie está basada en una antología de 100 poemas La historia promete estar cargada de acción, drama, tradicionales japoneses recopilada a finales del periodo aventura, y sorpresas... además de intriga y una trama Heian y a principios del periodo Kamakura por Fujiwara no de corrupción y poder.

Teika.

Yo personalmente, esperaré ansiosa cada capítulo, esAl inicio de cada capítulo se nos explica qué son los perando para ver cómo se desarrollan los hechos que Hyakunin Isshu, que son los poemas recopilados en acontecen a nuestros protagonistas. cartas, que en un principio servían para decorar las puertas de casas de montaña y que también es un juego de cartas basado en hacer parejas con las cartas que contienen los dibujos y las que tienen el poema, el per- Kokoro Connect (Comedia, drama, sonaje que nos explica esto es el mismísimo Fujiwara Romance, recuentos de la vida) no Teika, y nos dice que fue él quien recopiló los 100 poemas.

Nadie quiere estar en el Club de Investigación Cul-

NIME (i)

por MIRIAM GRADO

Kokoro Connect Tight Rope

Chouyaku Hyakunisshu: Uta Koi

Kingdom

tural, pero sin darse cuenta, nuestros protagonistas irán a parar allí, a pesar de ser muy diferentes. Al parecer la trama gira sobre, de qué manera sin darse ellos cuenta, están conectados de alguna forma, puesto que dos de los integrantes, una noche... intercambian almas... al explicárselo al resto de compañeros obviamente no les creen, hasta que vuelve a suceder, esa misma tarde con otros dos...

Ai Mai! Moe Can Change.

Personalmente creo que será un anime bastante curioso, por lo que estaré a la espera de nuevos capítulos, parece que promete, y estaré ahí para comprobarlo.

Ai Mai! Moe Can Change. (Comedia)

Mahou Tsukai Nara Miso wo Kue

Es un OVA, un tanto extraño, trata sobre dos hermanas Anna y Kanna y su una amiga Kiyan. Anna y Kiyan quieren participar en un programa de televisión para probar aplicaciones, para expandir el moe, al igual que una doctora que trabaja creando unos robots “mairoid” con apariencia de Bishojo o sea, chicas hermosas, para poder vestirlas todo lo moe posible. Y esto, se consigue a través de una aplicación del smartphone.

A mí me ha parecido un tanto extraña, bastante... de momento no hay fecha para el siguiente ova, pero en teoría sigue en emisión, estaré a la espera a ver si en el siguiente la cosa queda más clara

Mahou Tsukai Nara Miso wo Kue (Fantasía, magia, escolar, ecchi) Asa Made jugyou chu!

Campione

En este OVA, nos encontramos con Miso, un estudiante de una escuela de magia que está desayunando, cuando entra por la ventana de su apartamento una rubia llamada Artemisa, y un tigre Empiezan a huir y ella lo espachurra con un hechizo dejando al protagonista sorprendido. Después la escena se corta para mostrar a nuestra mini rubia en bikini, y la escena, cambia radicalmente, mostrando algo que no tenía que ver con lo anterior... y vuelve a mostrar una chica ligera de ropa, y así sucesivamente, hasta que se acaba el OVA de 12 minutos.

Decepcionante, me había esperado más, por la descripción, algo más de magia, acción, una historia coherente, o simplemente algo mejor.

Yo personalmente me he quedado igual que cuando empecé a verlo... tal vez más confusa...

Asa Made jugyou chu! (Comedia, romance, ecchi) Como buen ecchi da lo que promete, chicas con senos y traseros prominentes, faldas demasiado cortas, un pobre chico inocente que es acosado... y muchas situaciones donde se muestran los atributos de las chicas.

En este caso Yuki, nuestro protagonista a causa de un error de su profesora, tendrá que vivir en los dormitorios para chicas, el sueño de todo hombre, pero, con la condición de que tendrá que travestirse para no ser descubierto o será expulsado.

Además, la profesora, cuya inteligencia es inversamente proporcional al tamaño de sus pechos... “Que pechotes”, tiene en mente que nuestro protagonista es un pervertido que acosará a las demás chicas y entonces lo expulsarán y por eso le propone... dormir con esposas...

Todo siempre desencadena en situaciones, bizarras y extrañamente eróticas... a la par que divertidas. En mi humilde opinión, si tienes media hora, tienes ganas de reírte y tienes un alma pervertida, mírate el ova y échate unas risas.

Campione. (Romance, comedia, harem, magia) Tenemos los elementos básicos para un buen harem, un chico torpón, y despistado que será nuestro protagonista. Todo empieza en Cerdeña con él caminando por sus calles sin saber italiano, cuando es asaltado por una rubia mostrando su “personalidad” con el tipo de atuendo que lleva, después de este suceso por el parece no inmutarse, un jabalí gigante, con unos colmillos descomunales ataca la ciudad, y la rubia ni corta ni perezosa se lanza a por él... Éste es el inicio de una serie que nos promete, acción, magia, ligeros toques de ecchi, mujeres ligeras de ropa, y comedia. Mala pinta no parece tener, y eso que a mí los harem no me suelen gustar.

La storia della arcana famiglia. (romance, acción, comedia, shonen)

La storia della arcana famiglia

Magia, acción, toques de comedia, y una familia de yakuzas a la italiana, vamos, lo que viene a ser la mafia de toda la vida. Por lo pronto parece interesante y entretenida. En esta serie parece que todo girara entorno a una pequeña isla, donde un hombre y su familia, en la cual se incluyen a los guardias, la protegen, pero estos tienen pactos, con unas cartas para adquirir sus poderes, y cada uno tiene uno diferente.

Todo comienza cuando el “padre” de la familia dice que va a retirarse y que todos aquellos que tengan poderes arcanos, participarán en el duelo, y el que gane podrá pedir un deseo, y se casará con su hija.

Tari Tari (Escolares) Lo primero que podemos apreciar en este anime, es el brillo del dibujo, y la suavidad de los colores, lo que me sorprendió mucho y me parece realmente interesante. Parece que será un anime, emotivo el cual nos arrancará alguna lagrimilla traicionera. La serie trata sobre un grupo de cinco estudiantes en su último año de preparatoria, los cuales por distintos motivos, acabarán uniéndose al club de coro creado por una de las integrantes, debido a su deseo por cantar. Ya en el primer capítulo podemos observar un poco el tipo de personalidad que tiene cada uno de ellos, Sakai, parece ser una persona retraída, y algo depresiva que no canta desde la muerte de su madre, Konatsu es animada, alegre, y positiva, y la que intenta fundar el club de coro, Sawa, es amiga de Konatsu, y miembro del club de tiro con arco, Tanaka, es un estudiante que practica bádminton y que al parecer siempre llega tarde a las clases, y Wiin es un chico que ha vivido 12 años fuera de Japón, y que todo lo que ha aprendido sobre las costumbres proceden de un libro y lo que al parecer... esto le traerá más de una confusión debido a sus acciones.

Tari Tari

Muv-Luv alternative: Total eclipse.

Muv-Luv alternative: Total eclipse. (ciencia ficción, acción. mechas) Desde 1973, año en el que unos extraterrestres denominados BETA destruyeron los asentamientos de los humanos en la Luna, la humanidad está en guerra con ellos. Tras 28 años, han reducido la población mundial a 1 billón de personas, dejando el continente euroasiático prácticamente arrasado y conquistado.

Pues ésta es la historia, todo se centra en las maniobras militares para poder defender a la humanidad, y en especial en un grupo de chicas que son estudiantes en una escuela militar donde las instruyen para poder

Natsuyuki Rendezvous

llevar unos robots gigantes bípedos (combatientes tácticos de superficie, o también conocidos como TSF), las chicas aun están en prácticas pero se verán envueltas en las batallas a pesar de su inexperiencia.

Como buena serie de mechas encontraremos una gran carga de acción, y esta vez será para salvar a la Tierra de una invasión de seres de otro mundo.

Natsuyuki Rendezvous (Romance, sobrenatural, drama) La historia empieza con un chico que nos cuenta su breve historia de amor, y como al ser incapaz de confesar sus sentimientos a la chica de la que se enamora, se conforma con ir todos los días a comprar alguna planta a la floristería en la que trabaja, pero un día, eso cambia, y de ser un simple cliente, pasa a formar parte de la floristería como dependiente. Él se da cuenta de que eso no mejora la situación y se siente algo decepcionado con el asunto, hasta que un día va a casa de la dueña de la tienda y se encuentra a un hombre en ropa interior, por lo que él se marcha bastante molesto, días después se enterará de que, ese hombre, es ni más ni menos que el marido muerto de Rokka, la chica. Y a partir de aquí, es desde donde se construye la historia y este triangulo amoroso, entre Rokka, el fantasma, y nuestro protagonista.

En cuanto a la historia, me ha gustado realmente la trama, y creo que esta serie me hará soltar más de una lágrima. Sinceramente, por lo poco que he visto de ella, creo que me va a encantar.

Koi To Senkyo To Chocolate (Comedia, drama, romance) El inicio del anime me ha descolocado un poco, ya que más que un anime escolar... parecía un anime de mafiosos, pero a medida que avanza el capitulo, realmente me he planteado que los clubs de esta escuela son una mafia...

En un inicio vemos como nuestro protagonista, es despertado de una forma curiosa por su amiga de la infancia y vecina, y como estos, junto con otros compañeros, forman parte del club de cocina, en el que se pasan el día comiendo, y no hacen nada más productivo. Es por esto por lo que una de las candidatas a la presidencia del consejo estudiantil, quiere cerrar el

Koi To Senkyo To Chocolate

Kono Naka Ni Hitori, Imouto Ga Iru!

club y todos aquellos que no tengan ningún fin real. A partir de aquí empieza nuestra historia, donde Yuuki, nuestro protagonista, se presentara a las elecciones para intentar evitar esto.

Tiene toda la pinta de ser una comedia estudiantil y romántica típica, pero aun así... creo que merece la pena ver, parece entretenida y divertida, a la par que romántica

Kono Naka Ni Hitori, Imouto Ga Iru! (Comedia, romance, seinnen.)

El hijo de un gran empresario fallecido, cambia de instituto ya que si quiere heredar el grupo familiar tendrá que conseguir una pareja durante la secundaria con la que pasar el resto de su vida. A esto se le añade, que el día del funeral de su padre, aparece su hermana gemela de la cual fue separado al nacer, y que ésta, asistirá a la misma escuela que él, pero, él no sabrá reconocerla, ya que nunca la ha visto. Desde el primer capítulo vemos como una de las chicas muestra interés por él, y como otra de ellas, en un primer momento será un poco desagradable con nuestro protagonista, para después pedirle un beso...

Una comedia escolar, con ligeros toques de ecchi, y de harem, para mi gusto esos dos géneros no son de mis preferidos, aun así la serie parece tener un pase. Eso sí, a mi parecer es algo lenta, o por algún tipo de razón no acaba de llamarme demasiado la historia.

Bueno y hasta aquí por el momento con estas series, divertíos viéndolas.

Saludos.

home e

Ya no hay espías como los de antes .

No existen agentes secretos con sus trajes elegantes, sus combinados, los viajes alrededor del mundo, sus elegantes compañeras de aventuras y los finales felices, tensos pero felices al fin y al cabo.

En el mundo actual los espías o mejor dicho, los agentes de inteligencia son personas de ambos sexos, con vidas desestructuradas, problemas personales, mentales, emocionales, volcados en su trabajo hasta la enfermedad y atrapados por una paranoia frente al enemigo externo, generalmente con aspecto árabe e incluso interno, con la cara de cualquier vecino.

En éste mundo nos encontramos “Homeland”, un mundo donde la amenaza surge desde cualquier rincón. Esta producción de Showtime (“Dexter”, por ejemplo) para televisión en formato de 12 capítulos en su primera temporada, basada en una serie israelí, nos cuenta la historia de Carrie Mathison , interpretada por Claire Danes, una agente de la CIA en calidad de analista, con un pasado marcado por una experiencia dramática previa en Bagdag y que lleva a cabo una cruzada personal para conocer la verdad tras la reaparición del Sargento Brody (Damian Lewis) apresado 8 años atrás en Irak a manos de Al Qaeda y sobre el que Carrie alberga sospechas acerca de su patriotismo y sus verdaderas intenciones. Detrás de toda esta conspiparanoia terrorista se encuentra la figura de Al Nasir, un Osama Bin Laden de ficción con planes ocultos y amenazantes.

Quizás con ese pequeño resumen del argumento no suene a nada nuevo y en efecto, no lo es. Enésima amenaza terrorista, preferiblemente islámica y un representante de la ley que debe bordear sus obligaciones para hacer caso a una corazonada, frente a la resistencia de sus colegas y los maliciosos quehaceres de los terroristas. Lo justo para estos 12 capítulos de la primera temporada y dejar algo para una segunda que a poco que se esmeren, mantendrá el nivel.

Si la serie se sustenta y mantiene una calidad alta es gracias a los personajes y sus relaciones, a momentos de espionaje, otras veces casi “culebronescas”. La crítica ha premiado el trabajo de Claire Danes pero se me antoja mas brillante el de Damian Lewis , como el atormentado militar reaparecido.

Críticas, reseñas e intrigas aparte, resulta de interés ver el trabajo de los nuevos “espías”.

Mas que espías (que alguna vez se utiliza en la serie con toque gracioso) se refieren a ellos como analistas y pertenecen en este caso, a la CIA americana. Lejos del glamour del antiguo servicio británico mas “Bond”, la CIA se hacina en las oficinas de Langley, lujosos edificios modernos con luces y sombras, en entornos sobrios e impersonales. Esas oficinas son el

eland Por L.J. Zapico.

plagan el género. Y casi ni eso ya que las escenas de acción son mas bien escasas y para disparar, quizás haya que entregar una instancia a los superiores. Otro mito que se viene abajo.

Los espías suelen ser representados como personajes de fuerte carácter, con fe ciega en sus posibilidades e incluso ajenos al resto del mundo que les rodea, como si fuesen estatuas de piedra que solo atienden a razones para cumplir su objetivo. Para no variar, en “Homeland” esa no es la tendencia. Carrie, el personaje principal, se tortura por un hecho ocurrido hace años en Bagdag, además de sufrir problemas mentales que debe mantener en secreto para no ser expulsada del cuerpo. Su supervisor, mentor y mejor amigo Saul Berenson (Mandy Patinkin) también tiene dificultades personales con su esposa, debido a su obsesión por el trabajo.

Vidas desestructuradas, parejas rotas, inestabilidad mental,... esas son algunos de los precios a pagar por realizar un trabajo minucioso, obsesivo, que siempre te obliga a estar alerta sobre múltiples elementos al mismo tiempo, sin conocer un segundo para el descanso, con la paranoia acechando bajo cualquier forma.

continente perfecto para las luchas de poder, la jerarquía (a veces injusta) y las relaciones laborales y personales de estos analistas. Relaciones mas bien laborales que personales ya que todos se ocultan tras máscaras de serenidad y autoconfianza, minando esas interacciones. Así que el mito del espía solitario se mantiene también en esta ficción que pretende ser mas real que la idealización de encarnaciones anteriores.

Esto no es “24” o cualquier ficción de espías de gatillo fácil y artilugios diseñados para cada ocasión. Lo más sofisticado que se ve en “Homeland” son los centros de análisis de datos, salas con grandes paneles capaces de ampliar cualquier imagen y usar el software de reconocimiento facial. Casi no se ven armas y todo tiene un aspecto de lo mas corriente, mas cercano a la realidad que los múltiples gadgets que

“Homeland” es una buena serie, vibrante, que volverá en una segunda temporada a finales de septiembre y que demuestra lo duro y desagradable que es ser espía (o agente de inteligencia) hoy en día, tan alejado del glamour de tiempos pasados o de los violentos tipos duros de los últimos años (“XXX”, Bourne o Jack Bauer, por ejemplo).

Con B “24” es una de esas series que te dejan pegado al asiento, devorando capítulos como si no se fueran a terminar nunca.

8 temporadas, una película para televisión al inicio de la 7ª temporada y el continuo rumor de un proyecto para la gran pantalla avalan a esta serie de acción frenética y a tiempo real.

Claro que tiene contras: es repetitiva, algo inverosímil y el pobre protagonista, Jack Bauer (Kiefer Sutherland) tiene mas mala suerte que John McClane en navidad, por eso de que siempre le toque a él salvar el día. Anda que no hay gente...

Por otra parte, la amenaza siempre viene de los mismos grupos aunque hay algunas sorpresas relativas a americanos descontentos con su sistema pero los rusos y los árabes siempre se encuentran por detrás, enredando los hilos de la perfecta maquinaria americana con sus bombas, sus chismes nucleares y sus virus modificados.

Estrenada en 2001, apenas unos meses después de los atentados del 11 S, su impacto en la televisión y en el imaginario colectivo fue muy potente. Inicialmente iba a constar de 13 capítulos pero, en vista del éxito, Fox estiró el chicle todo lo que pudo, con muy buen resultado. Aparte de su atrayente trama de atentados y conspiraciones, “24” instauró el “tiempo real” en una serie. Cada capítulo duraba sus 42 minutos, aproximadamente, pero relataba una hora completa de hechos a tiempo real, respetando los minutos de pausas publicitarias donde nunca pasaba nada relevante. Al ser una historia coral, con varios puntos de vista, se implantó la pantalla partida, otro acierto.

También pronosticó la llegada de un presidente negro a la Casa Blanca, en la figura de David Palmer (Dennis Haysbert), años antes de que Barack Obama lo hiciese en la vida real.

Pero el verdadero logro de la serie fue la presencia de un personaje como Jack Bauer o el perfecto agente secreto para tiempos como los actuales.

Bauer va variando su comportamiento a lo largo de las temporadas pero en esencia es lo que viene a ser un “tipo duro”. Serio, rudo, casi de permanente mal humor y sin problemas a la hora de llevarle la contraria a un superior o de disparar contra un posible objetivo, Bauer es un agente que impone

su misión ante todo pero, eso sí, bajo sus términos.

Trabaja para la UAT (Unidad Antiterrorista) en Los Ángeles, dependiente del FBI, como agente de campo, básicamente. Cualquier alarma terrorista para por los filtros de la UAT y se investiga de inmediato. Al igual que otras muestras del género, se nos presenta un complicado organigrama jerárquico, con múltiples filtros de seguridad y aquí surge Bauer como “mecanismo” capaz de saltarse ese encorsetamiento. A él llegan las misiones pero, ante la premura de un ataque inminente (el reloj digital de las horas avanza inexorablemente), Jack se salta todos los límites que puede para ir lo mas rápido posible.

La sede de la UAT no es mas que un frío edificio de tonos grises y azulados donde la gente vive tras el monitor del ordenador y es ahí donde se refleja la tremenda importancia de la tecnología en la serie. Bauer vive perpetuamente esclavizado por su móvil, con el que se comunica con la central en busca de pistas o indicaciones, unas veces por los

de... Bauer POR L.J.ZAPICO

destrucción desesperada.

Bauer, como buen tipo duro, no sale de casa sin uno de ellos aunque muchas veces no le dure mas que un par de horas...

Aunque parezca mentira, Bauer no es el único agente de la UAT aunque, por diferentes motivos, no se establece mucha relación entre ellos, o falla por que los objetivos no son los mismos o porque es imposible que dure en el tiempo.

Hablando en plata: o le traicionan o se mueren. La vida dura del agente antiterrorista.

No es una profesión muy dada a hacer amistades, aunque siempre hay alguna excepción y menos aún con 8 temporadas, pero Bauer tiene mucho de lobo solitario, de pistolero del viejo oeste, capaz de patearse contrarreloj las calles infestadas de arena de Los Ángeles, es una carrera suicida para que el reloj no se detenga y la ojiva nuclear\virus\bomba acabe con el sueño americano.

medios oficiales y otros lo mas extraoficialmente que se pueda. Allí siempre habrá alguien como Chloe (Mary Lynn Rajskub), una analista capaz de orientar satélites, investigar imágenes o filtrar cualquier dato, casi sin vida propia, como un mero androide unido a una pantalla llena de líneas de código. Sin este enlace con la base, Bauer no habría sido capaz ni de pasar el día 1.

El equipamiento estándar no es que sea gran cosa.

La serie tiene un ligero tinte de realidad así que los gadgets se los dejan a Bond que Bauer es feliz con poca cosa y muchas veces, rescatada de cualquier sitio.

La UAT siempre tiene unos cuantos todoterrenos negros brillantes listos para la acción, bien provistos de lunas tintadas, GPS, teléfono y conexión por satélite. Esto lo puedes conseguir en cualquier concesionario, siendo sincero, pero el truco está en el maletero. Los vehículos de la UAT contienen un pequeño arsenal en la parte de atrás, con algunas armas de asalto, automáticas y demás elementos de

La política también trasciende en la serie, siendo muchas veces una traba difícil de saltar. Un complicado mundo de favores e intereses, demasiado cercano a la agria realidad y donde un buen hombre se ve rodeado de alimañas que hacen y deshacen en pro de objetivos poco lícitos pero lucrativos. Un mundo donde no resulta tan importante salvar las vidas de miles de personas como ganar una elecciones.

Bauer resulta ser el Bond que requería la televisión del nuevo siglo, la mentalidad del mundo occidental post-11S. Un tipo duro, leal y que no le tiemble el pulso al hacer lo que él cree que tiene que hacer porque sus convicciones son las de un buen hombre, un tipo al que seguirías hasta el fin del mundo, capaz de salvar al presidente temporada tras temporada y de impedir que la población de Los Ángeles descienda de manera incontrolada a manos de los rusos o los árabes, entre otros.

Un ángel con pistola y con una bandera americana ondeando en su espalda.

In Bauer we trust.

Las series de espías llegaron a la TV ya gracias a El Santo, Misión Imposible y otras tantas, pero la que más me gustó a mí, y que seguí con más fidelidad fue Alias, quizás porque era lo que echaban allá por principios de la década del 2000, quizás porque su protagonista era una muchacha, o quizás porque tenía una trama que me llamaba más la atención que otras.

Fuera por lo que fuera, Alias me enganchó y me gustó bastante, por eso, si no habéis tenido la oportunidad de verla, os voy a contar algunas cosillas para ver si os decidís o no. Aunque, el que avisa no es traidor: se ha considerado una serie de culto por su poca difusión y pocos fans, aunque sí es cierto que los que la han visto desde el principio hasta el final, les ha gustado bastante, llegando a crear videojuegos, cómics y foros exclusivos para ellos.

Sydney Bristow nos marcó, y mucho.

Como ya es sabido, Jennifer Garner interpretó a la espía reclutada por el SD-6 durante cinco temporadas, en las que las relaciones personales, el drama, la acción y sobre todo esos toques de comedia dentro de los imprevisibles giros argumentales son más protagonistas que los infinitos cambios de vestuario de la protagonista.

Para ubicarnos un poco, Sydney descubre que su afiliación de espías del SD-6 en verdad es una rama de una gran organización criminal financiada con dinero negro, pero que a ojos de sus propios empleados es una división secreta de la CIA. Nada más enterarse, la propia Sydney acude a la verdadera CIA, convirtiéndose en agente doble, descubriendo a su vez, que su propio padre, Jack Bristow, también lo es. ¡Oh, casualidades de la vida!

pareja, pues el SD-6 decide que no puede conocer su doble identidad nadie. En el momento de la muerte de Danny, el susodicho prometido, Sydney descubre que su padre es también agente del SD6, el cual le confiesa que es una organización dedicada al crimen organizado, al robo de inteligencia y armamento y sobre todo, miembro activo de la Alianza de los Doce, enemigo de los Estados Unidos. Es ahí cuando Sydney decide contactar con la verdadera CIA y convertirse en agente doble… ¿o deberíamos decir triple? Para así destruir el SD-6 desde el interior, haciendo copias de seguridad de todos los artilugios que va a robar en nombre del SD-6 para que la CIA sepa en todo momento lo que esta organización está tramando.

El capítulo piloto es el que más nos ha marcado a los seguidores de la serie, pues es donde verdaderamente se ve lo crueles que pueden llegar a ser las agencias secretas de inteligencia para seguir siendo secretas, pues Sydney, estudiante a la que un desconocido le propone trabajar para la CIA, acude corriendo a su prometido para contarle la gran noticia, siendo ese el final de la Y diréis: ¡pero si es una trama de espías normal y

por beatriz pulido

Con esta trama planteada, muy al estilo de El gran Halcón pero sin Bruce Willis, la historia da un giro de tuerca en la segunda temporada cuando aparece en escena (ta ta ta chaaaaaaaaannnn) la madre de Sydney, ¡la cual todos creían muerta!

Irina Derevko, alias Laura Bristow, era la mujer de Jack Bristow y madre de Sydney, la cual resultó ser una agente doble de la inteligencia soviética KGB, a la cual encargaron la misión de conocer al agente de la CIA y casarse con él.

Irina llevó su papel muy lejos, pues además tuvo una hija, Sydney, por lo que quiso renunciar de su pasado en la KGB, por lo que se la dio por muerta.

Actualmente Irina se ha entregado a la CIA, pero sin saber cuales son sus verdaderas intenciones, la mantienen encerrada a la par que le piden toda la información que pueden para conseguir los objetos de Rambaldi.

A lo largo de esta segunda temporada se unirán a la CIA los agentes del SD-6 Marcus Dixon y Marshal Flinkman, ya que el SD-6 ha llegado a su fin, a la vez que la Alianza de los Doce.

Arvin Sloane, malo malísimo y jefe del SD-6, se aliará con Irina Derevko y Sark, otro malo malísimo de la primera temporada, en la búsqueda de todo lo relacionado con Rambaldi.

corriente! A lo que yo os respondo: Sí, pero no.

Y es que el verdadero protagonista de esta serie es Milo Rambaldi, un arquitecto, hombre de la ciencia y profeta del siglo XV (sí, muy parecido a Leonardo Da Vinci unido con Nostradamus), ya que tuvo extraordinarias visiones en su época y las fue recogiendo y plasmando dentro de sus otros inventos para que así en un tiempo futuro se pudieran recoger y analizar para poder crear un mundo mejor. Pero en realidad, los trabajos de Milo Rambaldi son buscados por muchos gobiernos y grupos terroristas de todo el mundo, los cuales quieren ensamblarlos todos, pues existe la leyenda de que al conseguirlos todos se conseguirá el poder de la curación o la capacidad de crear fantásticas armas que puedan controlar el mundo.

En relación con la vida personal de Sydney, debido a los cambios en su vida familiar y en la de sus amigos, unido al nacimiento de unos sentimientos hacia el que fuera su contacto con la CIA, su vida se complica y se hace aún más peligrosa para todos, llegando a darla por muerta tras una pelea con Francie y el posterior incendio de su casa.

Todo el mundo la dio por muerta, ya que se confirmó la muerte a sus familiares y amigos gracias a una muestra de ADN. La tercera temporada comenzará dos años después de los funerales de Sydney, mientras la protagonista se recupera se comienza a investigar lo que han hecho el resto de personajes durante estos dos últimos años, encontrándonos con que su padre, Jack, lleva un año encarcelado, que su antiguo amor, Vaughn, está casado con la agente de seguridad nacional Lauren Reed, y que Sloane se entregó a la CIA, donde fue perdonado y ahora

dirige la tercera mayor organización humanitaria Pero ahí no queda la cosa, se irán descubriendo del mundo. más y más secretos de Rambaldi y como, casualmente, algunos de los protagonistas tienen Como nada le parece real, decide investigar más a una gran importancia dentro de sus profecías. fondo todo lo que les ha ocurrido a sus amigos y conocidos, llegando a descubrir que Lauren Reed El final de la cuarta temporada es exactamente es en realidad una agente doble leal a “El Pacto”, el comienzo de la quinta y última temporada, en que resulta ser una nueva célula terrorista que tiene la cual nos encontramos con Sydney de camino respuestas acerca de su misteriosa desaparición y a sus vacaciones con Vaughn (no os digo si es su relación con el alias Julia Thorne, que resulta divorciado o viudo) en donde tienen un accidente, ser su vida en estos dos últimos años de lo que no en el cual Sydney queda inconsciente. Justo en ese recuerda nada. momento se llevan a su pareja y se ve como un pseudo policía le quiere poner una inyección a la Con cada nuevo capítulo se van aflorando nuevos chica. Sydney volverá a Los Ángeles sin Vaughn sentimientos y secretos, los cuales serán a cada ya que éste está desaparecido. Por lo tanto Sydney movimiento fruto de vida o muerte. comenzará una exhaustiva investigación para recuperar a su amor, y tras tanta indagación Por si ya creíamos que no teníamos nada que descubrirá una nueva organización de estudiosos descubrir de esta agente tan sexy, en la cuarta de Rambaldi, Profeta Cinco, que surge a partir temporada Sydney descubrirá un documento de los avances conseguidos por la propia clasificado denominado Proyecto S.A.B. 47, en investigación de Sydney, Sloane y Drevko. el cual se explica que la propia Sydney fue sujeto activo del Proyecto Navidad, que comenzó el Gracias a esta nueva organización, aparecerán 17 de abril de 1975, en el que se explica que la nuevos personajes como Renée Rienne, estudiosa CIA dio total permiso para la ejecución de Irina de Rambaldi junto a Vaughn desde hace varios Derevko y que fue el propio Jack Bristow quien lo años, Rachel Gibson, agente de una de las células llevó a cabo. terroristas de la propia Profeta Cinco, llamada “La Cabaña” y que cree que trabaja para el gobierno.

A parte de los líos familiares y sentimentales, Sydney pasará a formar parte activa de una Al equipo de Sydney, el APO, se unirá también rama secreta de la CIA llamada APO, la cual está Thomas Grace, agente de la CIA que realiza su dirigida por el propio Arvin Sloane, por lo que propia investigación a espaldas de todo el mundo. los métodos serán más al puro estilo del SD-6, y tendrá como compañeros a su padre, a Vaughy, Entre otras incógnitas, se descubrirá por qué Dixon, Marshall, Weiss. Como al principio pero Vaughn llevó el caso de Sydney desde el principio, sin ser malos malísimos sin enterarse. Pero como así como la relación de éste con la madre de guinda del pastel, aparece como última recluta Sydney.

Nadia Santos, la que resulta ser hija de Irina, por lo que es la hermana de Sydney!

Para no relataros el final, ya que es una serie que merece la pena de disfrutar, os contaré que pocos ¿Creíais que iba a ser aburrido, no? detalles quedan sin respuesta, cerrando la trama principal.

Pues si os lo parecía, aún os queda por saber que Sydney deberá descubrir a tiempo una Muchos de los fans recogieron firmas para que conspiración que se está llevando justo ante sus J.J. Abrams, creador de la serie, y la ABC, se ojos (yo con Sloane al mando me lo imaginaba) la replantearan la creación de la sexta temporada, cual lleva gestándose hace décadas y que podría aunque en mi humilde opinión, quedó todo llevar al fin del mundo tal y como lo conocemos bastante bien atado. (como lo que vaticinaban los Mayas, vamos)

ENEMIGO MIO LOS PRINCIPALES “MALOS” DE LAS TRES SAGAS

-LOS GOA´ULDSLos Goa´ulds son una raza parasitaria que utiliza otras especies para vivir, apoderándose de su cuerpo y su voluntad.

En su origen no eran mas que unas larvas acuaticas inofensivas, pero con el tiempo desarrollaron unas aletas que les ayudaron a salir del agua y atacar a otras especies tomandolos como anfitriones, los primeros fueron los Unas, que vivian en su mismo planeta de origen.

Con el tiempo abandonaron su planeta por el Stargate y fueron invadiendo toda la galaxia. Robando la tecnología que encontraban.

Con estos anfitriones pronto comenzaron a morir, hasta que Ra llego a la tierra y tomo a los humanos como nuevos anfitriones, resultando estos mejores anfitriones y sus cuerpos mas fáciles de reparar, pudiendo alargar su vida.

A partir de los humanos, crearon otra raza, los Jaffa, que les servían tanto de incubadoras, facilitando después la implantación de los huéspedes, como de ejercito por su mayor fuerza y longevidad.

Los Goa´ulds esclavizaban los planetas que conquistaban haciéndose pasar por dioses, principalmente egipcios, aunque también hay algunos de otras religiones.

Los principales son los señores del sistema, el mas poderoso fue Ra hasta que los tauri lo eliminaron.Los comandantes de los señores del sistema eran Apophis, Ba’al, Heru’ur, Cronos, Nirrti, y Yu. Sokar Osiris y Anubis también fueron señores del sistema.

Fueron los enemigos principales de la serie hasta que son derrotados al final de la 8ª temporada.

Mas información; http://es.stargate.wikia.com/wiki/Goa’uld

-LOS ORILos ori son un grupo de “seres Ascendidos” como los antiguos, que se hacen pasar por dioses.

Han creado una religión, Origen, que promete a sus seguidores la iluminación, la ascensión. Y pretenden la eliminación de todo aquel que no crea.

A diferencia de los Antiguos, con los que originariamente compartían existencia, los Ori no creen en el libre albedrio y en la no intromisión en los asuntos humanos.

Habitan en otra galaxia, pero Daniel y Vala los “descubren” al usar un aparato de comunicación antiguo. Lo que desemboca en que vengan a nuestra galaxia a convertirnos o eliminarnos. En un ataque previo a esto Vala es transportada allí y al venir, crean a través de ella a la Orisai, que es una de ellos con forma humana, para que los antiguos no puedan hacerle nada.

Su brazo ejecutor son los Priores, sus “sacerdotes” que difunden su palabra y eliminan a los no creyentes.

Son eliminados en la película “El arca de la verdad”

Los Ori utilizan la veneración de sus seguidores para obtener mas poder y por tanto mienten al decir que estos ascenderán porque tendrían que compartir ese poder.

Mas información; http://es.stargate.wikia.com/wiki/Ori

-LOS WRAITH

Al llegar a Pegasus la expedición Atlantis se encuentra con una de sus naves y despierta a todos los Wraith, teniendo que enfrentarse a ellos para sobrevivir.

Los wraith son una especie alienígena de la galaxia Pegasus que se alimenta de los humanos absorbiéndoles la vida.

Provienen del insecto Iratus, un parasito que se alimenta de humanos, se especula que se crearon al poblar los antiguos sus mundos con humanos, lo que les proporciono alimento e hizo que con el tiempo los insectos evolucionaran tomando los rasgos de los humanos.

Los Wrait se consideran muy superiores a los humanos, a quienes tratan como ganado.

Viven en colmenas gobernados por sus reinas e hibernan durante generaciones, tras lo que despiertan y atacan a los mundos cosechándolos, después vuelven a hibernar para que los mundos se repoblen y tengan una nueva cosecha en el futuro.

En su “lucha” el doctor Becqett crea un retrovirus con el fin de eliminar el ADN del insecto Iratus de los Wraith y dejar solo su parte humana, a cosencuencia de este experimento, crean a Michael, pero el experimento falla y se convierte en otro enemigo, ni humano ni Wraith.

Tambien nos encontramos con Todd, un Wraith con el que tienen una “relación” de conveniencia, no son amigos, pero en momentos puntuales tienen que ayudarse mutuamente.

Al dejar la serie inconclusa no vemos un final para este enemigo.

Mas información; http://es.stargate.wikia.com/wiki/Espectro

En Stargate Universe, no hay un malo represetativo, como puedan ser los Goa´ulds o los Wraith.

Aparacen unos alienígenas azules, que secuestran y experimentan con varios de los protagonistas, sin dejarnos claro en ningún momento sus verdaderas intenciones, claramente hostiles, como todos en esta serie parecen querer apoderarse de la nave. Dejan en paz a la Destiny si mas explicación.

La Alianza Luciana (coalición de contrabandistas y piratas espaciales, que se crea tras la derrota de los señores del sistema en SG-1), aparece en esta saga como enemigo, con mas relevancia que en las anteriores, sin llegar a ser mas que un enemigo mas.

Casi al final de la serie nos encontramos con otro enemigo, unas naves automatizadas que atacan la Destiny sin tregua lo que provoca la decisión de los últimos capítulos.

En las tres series aparecen otros enemigos importantes, pero secundarios, de los que hablaremos en futuros artículos.

Sonia Campana - Laura Campana.

Enterate de todas las novedades de la Asociacion Stargate España en nuestra web y visita nuestro foro para conocer a otros Gaters; http://www.gatercon.es/ -----http://foro.gatercon.es/index.php

LA TIRA DE VICENT Y AMBROSIO

Este mes estrenamos una nueva sección dedicada al sexo, nuestra intención es ofreceros una perspectiva abierta, fresca y divertida sobre el sexo. En esta sección os traeremos curiosidades, sugerencias y todo tipo de cosas divertidas para mejorar vuestra vida friki sexual.

Además de que vamos a abrir un consultorio para que podáis hablar con nuestros expertos de cualquier duda que os surja o queráis consultar. Para ello podéis enviarnos un correo a la dirección: marketing@gmail. com en el asunto indica “Consultorio Sexo” y en el mail indícanos si quieres utilizar algún pseudónimo cuando publiquemos tu consulta. Uno de los objetivos del consultorio es que os sintáis totalmente libres para preguntar cualquier cosa que queráis, sin ningún miedo y con total libertad.

Pues nada chicos, ya sabéis, ¡a renovar vuestra vida sexual y a petarnos el correo con preguntas dudas, comentarios o sugerencias que tengáis para la sección!

Actividades frikis para combatir la rutina en la pareja Por Luís Borja Fuentes Galán

Cuando tenemos un amigo informático le preguntamos qué ordenador es el más potente, qué antivirus es más eficaz, o cómo abrir los puertos del emule.

Cuando la amiga es cocinera, nos encargaremos de saber cómo se hace una vichyssoisse o cuánto tiempo necesitamos para que el arroz que no se pase. ¿Y cuándo eres sexólogo? Los más aventurados cogerán aire y soltarán qué media de minutos es la normal, qué media de centímetros es la normal, o si la masturbación o el sexo oral son normales. Sí, todo tiene que ver con la normalidad. Nos confunden con estadísticas.

Pero y ¿qué es ese concepto? ¿O por qué nos importa que nos consideren “normales”?

Ya sabemos que todo aquello que ocurra con el consentimiento de ambas partes, que satisfaga a ambas personas y las haga felices… entra dentro de lo que queramos considerar normal (obviamente siendo una acción consentida, no impuesta y libre de patologías y o parafilias).

Esto nos resultará muy familiar a todos aquellos que tenemos entre otras aficiones el mundo de los videojuegos, la ciencia ficción, los cómics, la animación, el manga o el anime. Si te gusta algo de eso, serás un friki. Da igual que dentro de la ciencia ficción sólo te apasione Matrix, que la única serie anime que veas sea One Piece, o que te emocione jugar de vez en cuando al Diablo. Todos entramos en el mismo saco.

Hablamos de otro concepto, donde nos definimos por tener unas aficiones o comportamientos inusuales al resto de la sociedad o por llamar la atención. Recurrimos otra vez a la normalidad, en este caso por salirnos de ella.

Lo que está claro, es que aceptando la etiqueta y considerándonos freaks, o no aceptándola, en el camino de todas las parejas (ya sean heterosexuales u homosexuales), la rutina es uno de los factores que tenemos que combatir. Aquí no hay distinciones. Antes

La caja de Pandora puede ser cualquier cajita que tengamos a la vista. Dentro de ella pondremos pequeños vales, donde cada uno anotará desde fantasías a pequeñas acciones que le produzcan placer. Recuerda que no tiene por qué ser algo estrictamente sexual, puede ir desde un abrazo, un masaje, a cosas más picantes como una postura sexual. ¿Cuándo y cómo? Hay que acordar previamente entre ambos miembros de la pareja los momentos que podemos utilizarlos (por ejemplo una vez a la semana), y los comodines que tenemos para cambiar por o después nos afectará en mayor o menor medida. otro vale o cambiar de día.

Por lo que el mejor antídoto para el aburrimiento, la No tengas miedo a abrir la caja de pandora de tu paredesgana o las preocupaciones es la imaginación. Y ja… aquí las personas “freaks” es donde destacamos.

Por ello, proponemos varias actividades sorprendentes donde dejarnos llevar por nuestras fantasías y darle una perspectiva nueva a nuestras relaciones.

Estas son sólo una guía, modificables para los gustos de cada pareja.

La caja de Pandora La caja de Pandora siempre cautivó a la humanidad.

El controlar todo el mal, el poder infinito, o abrirla para llevar al mundo al desastre la hizo muy deseada.

Pero esta vez al abrirla Zeus no nos castigará. Sólo nuestra pareja si así lo hemos querido.

Eres mi héroe / heroína.

Podemos intentar regalar alguna tarde o noche para nuestra pareja, vestida de su héroe o heroína favorita.

Intentaremos vestirnos de forma parecida y comportarnos como él o ella lo haría para cumplir la fantasía de nuestro chico o chica.

Si tenemos dudas acerca de qué puede gustarle, os dejo unas propuestas: • Cortana. Mujer del videojuego Halo. ¿Cómo nos vestimos? Con pintura azul, nada más. ¿Hay algún problema en que sea un holograma?

• Lara Croft. Protagonista del videojuego Tomb Raider. ¿Cómo nos vestimos? Top con pantalón corto, coleta y pistolas. Angelina Jolie puso el listón alto.

• Ranma chica. Protagonista de la serie de manga Ranma. ¿Cómo nos vestimos? Kimono rojo, peluca roja con coleta. Cuidado con la temperatura del agua.

• Sonja. Vampiresa protagonista de la saga Underworld. ¿Cómo nos vestimos? Cuero ceñido para nuestra vampiresa.

• Neo. Protagonista de la saga Matrix. ¿Cómo nos vestimos? Ropa negra, gafas de sol. Un estilo que marcó tendencia en todos los sentidos.

• Naruto. Serie manga con su mismo nombre ¿Cómo nos vestimos? Peluca amarilla de punta y kimono naranja.

• Osito Ted. Sale en la película Ted. ¿Cómo nos vestimos? Con un disfraz de oso, ¿a quién no le gustaría tener un peluche de oso gigante y sexual?

• Joker. Malvado de Batman. ¿Cómo nos vestimos? Con la pintura facial característica, y su traje.

Porque los malvados también son sexys.

Nuestra primera vez.

Muchos recordamos el primer encuentro sexual con nuestra pareja. Para unos fue genial, para otros siendo optimistas, mejorable. Haz memoria y recuerda cómo fue.

Podemos intentar recrearlo de nuevo, con las actitudes, sentimientos… de esa época. También tenemos la opción de cambiarla por completo y de intentar volver al pasado para corregir errores. La imaginación está en nuestras manos.

Películas eróticas Ver cine erótico en pareja es una excelente forma de despertar los sentidos y aprender nuevas formas de dar y recibir placer. Podemos proponer películas que nos transmitan sensaciones, o aquellas películas que siempre quisimos ver y por algún motivo no lo hicimos.

Os dejo unas propuestas de películas eróticas, algunas de ellas con escenas de sexo explícito.

•

9 songs. Michael Winterbottom. 2004. Lisa

es una estudiante estadounidense que está pasando un año en Londres. Matt la conoce en un concierto de Black Rebel Motorcycle en Brixton Academy y se enamora de ella. Su relación amorosa estará jalonada por las canciones de los grupos a cuyos conciertos asisten.

• Shortbus. John Cameron Mitchell. 2006. Historia con sexo explícito en el que varios personajes neoyorquinos navegan por los vericuetos tragicómicos del sexo y del amor dentro y fuera de un club polisexual underground de última generación llamado “Shortbus”.

• Calígula. Tinto Brass. 1979. Drama de alto contenido erótico que narra el ascenso y caída del emperador romano Calígula, sobrino e hijo adoptivo del emperador Tiberio. Sus crueles métodos para ascender al trono y su afición por todo tipo de orgías, humillaciones y vejaciones centran una polémica película con conocidos -y reputados- actores entre su reparto.

• El imperio de los sentidos. Nagisa Oshima.

1976. Una pareja de amantes vive una historia de amor llevada hasta límites inimaginables. La pasión se ha adueñado de ellos. El sexo ha pasado a ser lo único importante de sus vidas. Las ansias de la mujer por poseer a su hombre parecen inagotables y crecen cada día más hasta llegar a confundir el placer con el dolor.

• Soñadores. Bernardo Bertolucci. 2003. Isabelle y su hermano Theo solos en la ciudad mientras sus padres están de viaje, invitan a su apartamento a Matthew, un joven estudiante, al que han conocido en un cine. Una vez en casa, establecen unas reglas para conocerse mutuamente, explorando emociones y erotismo a través de una serie de juegos arriesgados.

Parafilias

Por Marta Fuentes Galán ¿¿Gustos sexuales raros, excéntricos, extraños, extravagantes, peculiares u originales?? ¿Qué es singular en el sexo? ¿Friki sexual quizás? ¿¿Quién se siente como un melón con piel de sapo?? ¿Que hay de malo en los diferentes gustos sexuales, y en los comunes? ¿No es justo lo personal lo que marca la diferencia?

Así abrimos este consultorio sexual, dando información sobre algunos artículos relacionados con curiosidades sexuales y toda aquello que pueda interesar, para todas aquellas dudas sexuales que tengáis en vuestras cabezas.

Voy a empezar escribiendo sobre un tema algo controvertido…PARAFILIAS!!! ¿Son una enfermedad? ¿Una buena manera de pasar el rato? ¿Hasta qué punto pueden considerarse divertidos juegos o por el contrario auténticas bizarradas?

Para saber todo esto y algo más…sigue leyendo!!!

Uno de los grandes mitos es entender la sexualidad como algo único, con unos límites fuera de los cuales

todo es patología. Se olvida que la sexualidad “sana” puede expresarse de todas las formas posibles mientras no genere malestar en uno mismo o en otras personas.

Existe un porcentaje elevado de la sociedad cuya atracción erótica viene provocada por objetos y situaciones que se alejan de los estímulos sexuales normales (la anormalidad, esta determinada por cada cultura). Esto no tiene nada de patológico cuando la persona en su intimidad o las personas, cuando es una práctica en común, estén de acuerdo. Que la sexualidad de una persona logre incorporar nuevos elementos permite la expresión y el buen funcionamiento sexual del sujeto.

En la búsqueda del placer se pueden encontrar nuevos intereses y deseos que posibilitan el crecimiento y el desarrollo de la vida sexual, en estas nuevas experiencias pueden estar participando elementos que componen desviaciones sexuales. No obstante la presencia de estos elementos no define la desviación sexual, y su presencia en la vida normal es más bien aconsejable que reprochable

PARAFILIA COMO TRASTORNO MENTAL Ahora bien, constituye una parafilia si estas actividades sexuales poco comunes son la única fuente de excitación y placer de una persona, es decir, que si en una situación sexual no se da este tipo de No toda práctica erótica poco tradicional es una parafilia. Se torna como tal cuando deja de ser saludable y controlable por el individuo ó cuando es evidentemente destructiva e ilegal. Aquella persona a quien le “guste de esposar a su pareja a la cama de vez en cuando” no es parafílico como si lo sería aquella “incapaz de tener relaciones si la persona no está esposada a la cama”.

El problema esta cuando ese elemento o esos elementos se convierten en imprescindibles para la persona ya que sin ellos no consigue excitación sexual. No es un elemento más del juego sexual sino es lo imprescindible de la sexualidad de una persona y sin este estímulo no existe excitación.

Aquellas perversiones consideradas patológicas son las que vencen el pudor, la repugnancia, el espanto y el dolor.

Una parafilia para ser considerada como tal y por tanto clasificarla como trastorno mental, debe tener como característica esencial la presencia de repetidas e intensas fantasías sexuales de tipo excitatorio, el impulsos o comportamientos sexuales que por lo general engloban: objetos no humanos; sufrimiento o humillación de uno mismo o de la pareja, o niños u otras personas que no consienten, y que se presentan durante un periodo mínimo de al menos 6 meses. Estos impulsos, comportamientos y fantasías deben “provocar malestar significativo o deterioro social, laboral o de otras áreas importantes de la actividad del individuo” Características: -La persona no puede funcionar apropiadamente en relaciones sexuales “normales” y comienza a sustituir su fuente de placer por una persona, objeto o cosa que no puede criticarle o hacerle sentir inseguro.

- La persona usa la actividad sexual como instrumento para expresar su necesidad psicológica: necesidad de control, necesidad de expresar su frustración o coraje, necesidad de olvidar sentimientos de inadecuación social…

Algunas parafilias pueden llevarse en secreto, en fantasías, en la masturbación o al margen de la relación de pareja.

La paidofilia, necrofilia, frouterismo y el exhibicionismo y otras parafilias son consideradas como delitos menores. Otras parafilias no son penadas mientras no afecten a terceras personas, siempre y cuando la pareja este de acuerdo (Ej.; fetichismo, urofilia y otras más)

Existen algunas parafilias que se pueden encontrar dentro de la sexualidad normal si se practican esporádicamente o como juego amatorio que precede a la copula normal.

Aquí os dejo algunas parafilias curiosas para que les echéis un vistazo: Acrotomofilia: fetichismo por los miembros amputados.

Emetofilia: excitación sexual proveniente del acto de vomitar.

Hemotigolagnia: atracción sexual por los tampones usados.

Knismolagnia: excitación sexual producida por las cosquillas.

Tafefilia: excitación proveniente de ser enterrado vivo.

Sexo en crisis...¿SOS o Salvación?

Por Marina Rodríguez

Este mes os presento a Fanny y a Dick, pareja cuyas andanzas sexuales nos acompañarán durante una buena temporada. Ambos han tenido a bien compartir con todos nuestros lectores su sabiduría e innovación sexual adquirida durante largos años de relación.

Los hechos sucedieron del siguiente modo; nuestra curiosa Fanny, se hallaba una tarde de verano de vacaciones en casa, sin su amado Dick, que sudaba profusamente debido al calor del taller en el que trabaja habitualmente. Después de un buen rato de zapping y acosada por las reiterativas noticias sobre la escandalosa escalada de la prima de riesgo, el aumento del paro, de los impuestos, bajadas de sueldos y un sinfín de etcéteras más, decidió despejar su mente yéndose de compras virtuales por internet.

Andaba navegando por la red cuando algo llamó poderosamente su atención. Sin intuirlo siquiera acababa de descubrir accidentalmente las ventajas anímicas de la práctica sexual de este año, del que viene y…¡quién sabe si del siguiente también! Quizás no os suene su nombre así que relajaos, visualizad y atreveos a gozar sin miedos. Su nombre es Cri – Sex y si su práctica aún no ha llamado la atención de las autoridades os aseguramos que pronto comenzará a hacerlo ya que ganará miles de incondicionales, debido a que es capaz de aunar durante los días y noches de placer tres de los grandes gozos del ser humano.

En primer lugar, la práctica del Cri – Sex ofrece una buena posibilidad desestresante durante un tiempo (cada cual el que necesite) de la psicosis colectiva que nos invade a todas horas bajo el nombre de “Crisis”.

Un segundo buen motivo para practicarlo es que nos permite revivir nuestro más íntimo sentir patriótico e incluso hermanar a unos países con otros durante el viaje del orgasmo y, como tercera ventaja, de carácter algo ambivalente, supone sentir físicamente cómo el país se está follando todo lo que encuentra (incluida tu propia vida sexual), con el contrapunto, eso sí, de que después tú, también puedes experimentar el placer que supone, durante el tiempo que dura un coito, darle “por culo” a tu propio país... O al del vecino, si te sientes con fuerzas. ¿Qué es esa portentosa maravilla que descubrió Fanny aquella tarde? Os estaréis preguntando. Pues bien, se trata de un dildo, nada y más y nada menos que con la cabeza de Obama. Como podéis comprobar hay dos versiones; el dorado presidencial y el demócrata azul. Este conocido “Head o State Obama Sex Toy” podéis en-

contrarlo al precio de 35 dólares en la página: http:// headostate.com/. Como bien pensó Fanny mientras sacaba la tarjeta de crédito apresuradamente de su bolso, es una de las formas más baratas de sentir profundamente la conquista corporal del sueño americano. Por supuesto que Fanny enseguida sintió que era una auténtica pena no poder contar de momento con las cabezas de nuestros dirigentes follándonos en el sentido más literal de la palabra. No obstante, para subsanar este percance, recordó uno de sus muchos paseos domingueros por el Rastro de Madrid. Así, no tardó en venirle a la cabeza la imagen de calzoncillos y bragas ondeando suavemente mecidos por la brisa o el bochorno de estos días, colgando de unas endebles perchas en los puestos, agitándose rítmicamente, como susurrando...”Cómprame” por un precio que oscila entre los 5 y los 20 euros. Y eso fue precisamente lo que hizo. Le compró a Dick unos calzoncillos bien españoles y para ella misma unas bragas.

Una vez en casa, decidió hacerles unos arreglos. En la parte del trasero de ambas prendas realizó un buen corte en redondo, cuyos bordes cosió posteriormente con fruición…¡Et Voilá! A Fanny ya solo le faltaba esperar la llegada de Dick a casa y poner un contexto adecuado para acompañar su pasión rodeada de los nuevos juguetes. ¿Cómo reaccionaría el agotado Dick?

Por el momento contengamos su reacción. Preparemos el contexto para recibirlo junto con nuestra expectante Fanny. Lo primero, poner la música adecuada para la ocasión. Sin lugar a dudas, el Himno de España (sin letra, of course), en segundo lugar, vestirse adecuadamente para la ocasión; bragas de España… ¡Trepad por mis muslos hasta mis nalgas!

(Gritó Fanny excitada) y tercero y último, depositar el dildo y los calzoncillos de España para Dick en un lugar bien visible.

Y ahora sí, Dick entra por casa. Lo encuentra. Sonríe con malicia porque viene puteado del trabajo, le han vuelto a bajar el sueldo por tercera vez…Y entiende el plan de Fanny a la perfección. No solo se desahoga y goza…Sino que también, por vez primera, disfruta llegando al orgasmo mientras le da por culo al país con el himno musical de fondo. Ahora sí se siente digno para gritar eso de “Yo soy español, español, español…”

Como adelanto del próximo mes, Fanny y Dick están pensando en la posibilidad de convertir el salón de casa en su propio restaurante durante la cena. Para ello, os proporcionarán algunas de sus sencillas,sabrosas y económicas sexy- recetas.

Tras la Pantalla del Master Una de Espias.

Por Rufino Ayuso.

Tras unos meses fuera por motivos diversos me complace poner nuevamente los dedos sobre el teclado para escribir un artículo en Nosolofreak, este proyecto del que formé parte desde el principio y del que sigue siendo un orgullo ser participe. Terminados los peloteos, empecemos.

Cómo sabréis este mes la revista gira en torno a un personaje bien conocido por la mayoría del público a nivel mundial, el espía británico más famoso de todos los tiempos: Bond, James Bond.

Y aprovechando el tema he decidido centrar mi artículo de este mes en las partidas de rol “de espías”, un género que no se ve habitualmente en las mesas de juego pero que al que se le puede sacar mucho jugo. Además, el artículo de este mes ha sido apoyado con una partida al respecto jugada en el club que recientemente regento, Mecatol Rex, algo que espero introducir de ahora en adelante en muchos de mis artículos.

A diferencia de otros artículos en este no nos vamos a centrar tanto en el sistema, o al menos no a darle un papel importante en el mismo, por la escasez de sistemas específicos que actualmente sigan a la venta que he encontrado durante el periodo de documentación, dado que nos será más fácil utilizar un sistema genérico (recomendaremos algunos de ellos). Dicho y hecho, empezamos:

Sistema:

Actualmente en vigor y relativamente fáciles de encontrar sólo he encontrado dos sistemas (no digo que no haya más dado que tampoco me he permitido poder hacer una búsqueda exhaustiva, si los conocéis ya sabéis que podéis escribirme un mail o hacerlo vía Twitter), Spycraft y Eyes Only (el que utilizaremos y del que hablaremos en mayor profundidad).

- Spycraft: Spycraft hace ya unos buenos años que salió, utiliza un sistema D20, parecido al D20 Moderno (sistema genérico que nos puede ayudar a dar salida a la partida), con ciertos cambios específicos para poder dar cabida a las situaciones más típicas de este género.

Salido de los hornos de Wizards of the Coast nos encontramos con una típica jugada de los hechiceros de la costa, un manual básico y una veintena de manuales adicionales cubriendo cosas. Si bien detallado una inversión algo exagerada para un material que se podría haber recopilado mejor.

- Eyes Only: De la editorial Nosolorol (española para los que duden) y basada en una reinterpretación del sistema de sLAng (también español) tenemos un manual que aún se puede conseguir en formato físico buscando un poco y que si no se puede comprar en PDF a un magnífico precio en la página de la editorial (que hace ya algunos meses se paso a este modelo de mercado).

Además en su página tenéis de forma totalmente gratuita una versión introductoria llamada “Así Comienza…” dónde podréis encontrar todo lo necesario para jugar una partida de Eyes Only y sacar ese espía que lleváis dentro.

Con un sistema de creación de personajes bastante libre en el que no hay nada predefinido y te puedes hacer las cosas más dispares (un friki de los Gadgets que además es un as disparando o al volante, o una femme fatale experta en demoliciones y estrategia o un “007, listo para todo, adaptable a las más dispares situaciones”.

La libertad con la que se crean ayuda a que cada jugador se haga “lo que quiera” lo que bajo mi opinión es siempre un punto a favor (eso no quita

que además vengan unos personajes de ejemplo y contemplar 3 opciones, aunque habría muchas unas recomendaciones para “cada tipo de espía”, más (sobre todo trayendo sistemas de otras por si alguien necesita una ayudita). ambientaciones a esta, cómo Shadowrun que en cuanto a “cachivaches” tiene una gestión En cuanto a la hoja nos encontramos con la típica maravillosa). La primera, y se repetirá muchas distribución entre características y habilidades, veces es Hero Sytem, este sistema cuyo “manual para las capacidades innatas y las capacidades básico” son dos libracos de 400 páginas y cada aprendidas tan característico de los juegos de rol, expansión no suele bajar de esa media, cubre todo no innova pero es eficiente. Se utilizan dos dados lo que se te ocurre y todo lo que no, es exhaustivo, de 6, uno positivo y uno negativa, restando el valor preciso y funciona rematadamente bien, ahora de este último al del primero para obtener un hay que dedicarle tiempo, esfuerzo y tener unas resultado entre 0 y 5 que maneja decentemente el capacidades que no todo el mundo tiene para azar nos garantiza que algo bien planteado con las lidiar con él, añadiéndole el manual de artes habilidades necesarias vaya a salir casi siempre… marciales, vehículos, equipo moderno y gadgets casi. tendremos más que suficiente como para dar cabida a todo lo que necesitamos, aunque sentiros El sistema de combate que utiliza el juego, con un libres de usar todos los añadidos que queráis… si “motor de persecuciones” sencillo pero efectivo podéis manejarlos. cómo todo Eyes Only en su conjunto, es letal y rápido, lo que ayuda a los jugadores a meterse en En segundo lugar tenemos, D20 Moderno, completo, la idea de que una mala decisión puede costarte la funciona y está más que probado. Existen expansiones vida, algo muy apropiado en el género de espías. cómo para cubrir lo que necesitamos y será más A esto le sumamos un buen apartado de Gadgets llevadero para todo el mundo que adentrase en las para darle vidilla a la cosa y tenemos un libro más densidades del Hero System. que fantástico para llevar adelante una partida NsD20, volvemos con los chicos de Nosolorol que, con nuestros agentes secretos. aunque algunos lo estaréis pensando, no me han - Sistemas Genéricos: Cómo sabréis existen una serie de sistemas genéricos multiambientales que nos sirven para dar cabida a cualquier ambientación existente o inventada que nosotros queramos, con algo más de trabajo para el master pero que puede resultar, si cabe, más satisfactoria. Os daréis cuenta con el paso de los meses que hay varios nombres que se repiten en este punto y es que cuando un sistema es bueno lo suele ser para todo. En este caso vamos a

regalado nada (todavía XD). Hace ya algún tiempo sacaron este manual genérico basado en el D20 Open System (corregidme si lo estoy nombrando mal) con un sistema genérico multiambiental. Si no hay pasta para muchos manuales con este puede dar salida a todo lo que necesitas, eso sí, vas a tener que currarte unas cuantas cosas, lo bueno es que tendrás entre el libro e internet las herramientas necesarias para hacerlo.

CREAR UNA PARTIDA DE ESPÍAS

En cualquier caso dar un trasfondo común a los personajes, que sean amigos o lleven un tiempo trabajando juntos nos puede ahorrar muchos quebraderos de cabeza, o incluso que tengan relaciones más profundas, habla con tus jugadores al respecto y pon las ideas de todos en común, verás que pueden salir cosas realmente magníficas que además te darán pie a muchos ganchos para las partidas.

Ahora que ya hemos tratado un poco las posibles herramientas que podemos utilizar, que no todas (sentiros libres de apoyarnos con vuestras idea enviándome un mail o a través de Twitter), para gestionar nuestra partida llega el momento de crearla y a mi entender hay una serie de cosas que toda partida debería tener y una serie de cuestiones Si finalmente decides que los vas a unir durante que se deberían tener siempre en cuenta. la partida tendrás que preparar una serie de 1) Bond, James Bond: Si estáis pensando en situaciones que den lugar a eso, empezar con hacer una partida que sea un calco a las pelis de unas cuantas situaciones límite en las que se vean Bond, tenéis dos opciones: O bien tenéis un grupo obligados a colaborar y “salvarse” los unos a los de jugadores dispuesto a que uno de ellos lleve otros para seguir adelante creará una cohesión todo el peso y protagonismo de la partida mientras el resto no son más que unas simples comparsas (que podrán aportar en mayor o menor medida y tener sus momentos pero serán los menos) o bien iros olvidando.

Bond es un “One man army”, el trabaja sólo. Es el solucionador de problemas, al final él salva el día y toda la historia acaba girando en torno a él.

Si es cierto que están Q, la chica Bond, el malo, un amigo de Bond en Rusia que le proporciona información, luego le traiciona para finalmente arrepentirse y ayudarle o lo que queráis. Pero poneos a medir el metraje y veréis que los minutos de Bond en pantalla superan de largo los del resto (puede que incluso sumados). Así que casi que id descartándolo, yo al menos no lo voy a tratar en este artículo. Dicho esto que pensaba que era el primer punto a dejar claro, continuamos.

2) Un grupo unido: En la mayor parte de partidas de este tipo, nos encontraremos un duelo de egos entre al menos dos jugadores y no será raro el caso de que pase entre todos o su mayoría, por mucho que se hagan Nerds de los Gadgets o Analistas, los espías tienden a medirse los egos y en una partida no va a ser menos. Aunque puede ser muy divertido que la unificación del grupo suceda durante la partida puede ser un gran reto para el máster (os animo a ellos, yo lo hice así) y en este tipo de partidas donde un error puede mandar todo al traste eso puede acabar con la partida abruptamente y no queremos eso, verdad?

magnífica entre ellos (o acabarán matándose). Sin un grupo unido esto no va a buen puerto, pensad en Ocean’s Eleven, los Simuladores o El Equipo A pero intentad cargaros la figura del líder perpetuo, eso nos lleva a Bond y, en serio, no mola.

3) Mantenlos enganchados: No dejes que tu partida caiga en momentos en los que no se “sepa” que es lo siguiente. En otro tipo de partidas dejar un impas puede dar lugar a grandes ideas de los personajes pero este no es el caso. Usa todos los ganchos cinematográficos del mundo, Cliffhanges, flashbacks, flashforwards, historias dentro de historias, todo lo que se te ocurra, si no sabes de lo que hablo sólo googlea esas palabras, si además os habéis decidido por Eyes Only este

trae una guía para utilizar estos métodos bastante buena, que nos dará buenas ideas. Es más, el juego está pensado para tratase cómo una serie, empezando por un episodio piloto, definiendo el avance en episodios y temporadas (en vez de en capítulos y arcos argumentales). Además quien no ha querido empezar una partida con aquello de “Previously on” (os recomiendo que esto lo hagáis con los jugadores, pidiéndoles a ellos que recuerden lo que paso en la última partida, entre todos, de esta forma refrescarán la memoria de lo que pasó y podrás ver si se están olvidando de algo importante que tú quieras recodarle durante el “Previously On” y que sea importante para la próxima sesión en juego).

Pero no te quedes ahí, que es una partida de espías, sin traiciones, dobles identidades, lealtades encontradas, trampas, engaños y demás. Crea giros sorprendentes que hagan que tus personajes quieran indagar mas en lo que realmente pasó respecto a lo que creían que había pasado, o mejor aún, está pasando.

4) Situaciones límite: Las partidas nunca deberían ser todas situaciones límite, pero que no escaseen. Si veis series cómo Chuck o Burn Notice veréis que cada capítulo tiene una o más situaciones límite. Secuestros, bombas que mataran a cientos de inocentes, gas que quedará libre contaminando la ciudad, misil nuclear apuntando a Whasington… lo que se os ocurra, ponédselo difícil y hacer que la situación sea realmente importante y veréis su cara de satisfacción cuando lo consigan o la frustración amarga cuando fracasen, que no está mal fracasar de vez en cuando, sobre todo cuando el ego esté más alto, una cura de humildad a tiempo evitará que se endiosen y les recordará que son mortales.

Además podrán resurgir de su caída y elevarse para finalmente salvar de verdad el mundo, recordad, Muere otro Día.

Para situaciones límite mas pequeñitas, persecuciones con helicóptero, enfrentamiento a las fuerzas de la ley y el orden del país en el que se encuentren. Tiroteos imposibles, escapadas por los pelos, robos de guante blanco que disparan la alarma, secuestros y un largo, etcétera, se imaginativo.

decepción absoluta y se les quiten las ganas de jugar. Evita morir de éxito y guarda siempre un As en la manga, si consigues acabar la temporada dejándolos con la boca abierta y deseando que va a pasar en la siguiente es que algo estás haciendo bien.

8) La más importante: Creo que esta aparecerá en todos mis artículos de este tipo. Haz que todo el mundo sin excepción se lo pase bien, reparte el protagonismo y las situaciones en las que los jugadores se sientan importantes pero premia y da lugar a más situaciones dónde el éxito es más global que particular. La clave es que todo el mundo acabe contento y con una sonrisa, con 5) Femmes fatales y chicos malos: Pon ganas de seguir jugando y siendo un espía durante sus vidas personales en su contra, haz que se otro capítulo más. Los personajes son tu audiencia enamoren de la cajera del supermercado y y si decae, te cancelan. conviértela en la espía rival para que encuentre su lealtad enfrentada con su amor. Haz que su mejor amigo sea un seguidor de la CIA desde pequeños. Inventa y no tengas miedos, verás salir a los verdaderos personajes de su tapadera y le darás un tono más personal a la partida, lo que hará que los jugadores se involucren mas… cómo si su amor de la infancia trabaja ahora para unos terroristas y le han ordenado eliminarlo, disfruta de cómo se debaten entre lo Justo y lo correcto.

6) Chicas y chicos bond: Crea personajes secundarios creíbles y bien definidos que de vez en cuando le hagan la competencia a nuestros jugadores, se darán situaciones muy divertidas. Si además ves que funcionan hazlos recurrente, cada vez que digas el nombre de alguno verás cómo el jugador relacionado sonríe. Aprovéchalos para que, si le falta protagonismo a alguien, decida asumir el mando al ver a su chico o chica bond.

Esta es una herramienta en tu mano y te servirá un poco de Deux Ex Machina cuando las cosas se le vayan de la mano a tus jugadores y tengas que volver a ponerlos sobre los raíles.

7) Acaba en alto: No dejes que la emoción te embargue, deja los mejores momentos para el final de la partida y los cierres de temporadas, no hagas que pase cómo en Héroes, que cada capítulo vaya más alto para que el final sea una

LA PARTIDA EN SI: Esta es la primera vez que añado algo así a un artículo, montar yo mismo una partida del juego o ambientación del que hablamos y si veo que gusta probablemente se vaya repitiendo, ahora que tengo medios y personas para hacerlo. En este caso (y seguramente en todos) la partida la he organizado en el club de juegos y rol de Madrid al que pertenezco, Mecatol Rex (haciendo publicidad, que necesitamos socios :P) en el que pedí voluntarios y salieron 4, aunque al final sólo pudieron acudir 2, Sonia y Fillo (los veréis en las fotos) que me obligaron a cambiar un poco lo que tenía pensado.

desde ahí hacemos un flasback hasta el auténtico inicio de las cosas. Por un lado dejo a Fillo que se construya su guarida, situada en una nave industrial, le doy un lápiz y papel para que la distribuya cómo quiera, eso la hará sentirse mas “suya”. Por su lado, Sonia descubre que la próxima misión de Katrina es secuestrar a un investigador de la CIA llamado Alan Castle y tiene 48 horas para completar la misión.

Mientras Fillo termina su refugio, a Sonia le indico que tiene 14 horas para preparar la misión antes de que su vuelo a Chicago parta con ella y se quede sóla en tierra hostil. Prepara varias vías de acción basándose en la información que le dan. Baraja varios planes y se ubica un punto Sonia decidió hacerse una espía rusa, del FSB de extracción en lancha en los grandes lagos para (cómo se llama ahora la KGB por si alguien no lo cruzar hasta la frontera con canada y en mitad del sabe), experta en muchas cosas, agente de campo agua ser recogida por un helicóptero. lista para cualquier misión o encargo. Su nombre, Katrina Ivanova, una joven de 28 años que había 72 horas antes: Así empiezo la escena, haciendo perdido la memoria a los 17 años por un trauma mención al Flashback que habíamos realizado. de su infancia (que queda en mis manos para futuras partidas) momento en el que fue reclutada por el FSB para aprovechar una mente limpia y crear la espía definitiva.

Por su parte Fillo, decidió hacerse un experto en Gadgets e informática, tipo de personaje que no me esperaba pero que me venía francamente bien, más cuando me dijo que quería que trabajar para la CIA. Eso me ayudó a readaptar mi planteamiento rápidamente y tomar un esbozo de los cambios y el orden que quería para la partida.

Su nombre, Alan Castle, un afroamericano, activista medioambiental que se metió en líos tras hackear a una farmaceútica en varias ocasiones y acabo en la cárcel donde la CIA le hizo una oferta que no podía rechazar, aunque fue mas por sus conocimientos sobre Milo Braschi (un erudito contemporáneo de Da Vinci que predijo con exactitud cosas cómo las dos guerras mundiales o los atentados del 11 de Septiembre y 11 de Marzo y que fue capaz de contruir, entre otros muchos artefactos increíble, un corazón artificial).

La partida comienza con los dos personajes en Langley, en las salas de una organización llamada la Agencia, esperando a ser entrevistados por el director de la misma tras haber sido capturados,

Sonia llega a Deerfield, el pueblo (concepto de pueblo americano, 200.000 habitantes casas bajas de madera con jardín, perro y valla blanca) dormitorio donde tiene su guarida Alan, el personaje de Fillo.

Para mi sorpresa toma la vía directa, según llega a chicago coge la furgoneta que tenía preparada y se lanza a la búsqueda de su presa, rompiendo todos mis esquemas y consiguien una ventaja que luego sería crucial.

Entra a las bravas a la casa de Alan y y rompiendo la ventana le invade en su habitación mientras duerme, de un golpe en el estomago evita que desenfunde su arma y luego lo deja inconsciente y le inyecta un somnífero para evitar sorpresas. A continuación introduce un USB con

e intentar convencerlo que viene a salvarlo, quitando primero el virus que se ha quedado a un 1% de completar la extracción de datos. Cuando despierta a causa de la inyección de adrenalina mira a todas partes e intenta alejarse, la rusa lo inmovilza con habilidad haciéndolo callar, consiguiendo convencerlo después de que viene a salvarle y los del asalto vienen a por ellos. Viendo el helicóptero y la explosión parece convencido y cuando Katrina vuela a los 4 tipos con una granada y hace perder el control al helicóptero parece terminar de convencerse, por no decir que ver saltar por los aires todos sus servidores con todos los datos de su investigación hace que no quede atado al lugar… algo vale que no vio el mensaje de “SECUENCIA DE SEGURIDAD ACTIVADA” cuando se retiró el USB. un virus en el ordenador de Alan para recuperar todos los datos de sus investigaciones, aparece Llega la hora de escapar y coge una moto que Al una cuenta atrás mientras un sonido mecánico tenía en el garaje, aprovechando el boquete que abrió la granada para huir, sin embargo Alan no es que aún no percibe se acerca cada vez mas.

Cuando quedan 4 minutos para que el virus termine Natasha al fin oye el helicóptero que se acerca, se asoma a la ventana rota para comprobar cómo sólo se encuentra a unos metros. Se da la vuelta y piensa que hacer mientras se esconde. Cuando el primer mísil vuela por los aires su furgoneta y con ella todo el equipo que no había cogido necesario para la escapada los nervios afloran en la siempre fría espía rusa. Al ver cómo un grupo de asalto comienza a descolgarse decide despertar a Alan

un buen conductor y menos bajo presión, lo que da con ambos en el suelo mientras el helicóptero vuelve a tomar altura. Se intercambian los sitios y Katrina le da la pistola a Alan, ahí consegue ganarse un poco mas la confianza del investigador que dispara al helicóptero intentando distraer al piloto mientras arranca.

De aquí en adelante se sucede una persecución a toda velocidad huyendo del helicóptero mientras aparecen dos furgonetas negras, una de las cuales saca un lanzamisiles para abatir el helícoptero, la otra quedo tirada en la cuneta después de ser disparada con éxito en las ruedas por Alan.

Un fortuito encontranazo contra la policía de Deerfiled hace que den la vuelta y vuelvan sobre sus pasos enfrentándose a la furgoneta que queda en un tiroteo a alta velocidad que da con la moto en el suelo y los personajes jugadores magullados y atrapados por los tres tipos que salen de la furgoneta, trajeados y que los apuntan con rifles de asalto, al menos dos de ellos, que aprovechan para atarlos con bridas (nada de esposas que eso se abre fácil). Cuando están bien esposados el tercer hombre mata a sus compañeros y tortura a Natasha para que reconozca que trabaja para la Liga de los Nueve, dejando caer al final que ninguno de los dos trabaja para quien quiere. Cuando el villano se disoné a mandar a Katrina para el otro barrio para llevarse mas cómodamente a Al a un complejo subterráneo, la bala de un misterioso francotirados les salva… aunque dudan si al salir se encontraran con que los siguientes sesos esparcidos por el heno serán los suyos.

A toda velocidad y sorprendidos de no haber sido disparados ponen rumbo al punto de estracción con la furgoneta robada. Sin mas sobresaltos consiguen llegar, no sin que por el camino Alan descubra una consola en la guantera de la que extrae información y sólo comparte una pequeña parte, no dice nada de a quien pertenece la consola, por lo que ha leído el, los Templarios…

Cuando llegan al punto de extracción Katrina se queda sorprendida, no hay nadie. Han dejado la furgoneta a unos metros y aunque se hubieran equivocado por algunos kilómetros debería verse algo. Sin embargo, unos aplausos los sacan

de su ensimismamiento, detrás de ellos, de la nada, cuando se giran hay tres hombres allí, dos soldados de asalto y un tipo rubio, alto y guapo trajeado aplaudiendo que les felicita por haber llegado vivos tan lejos, sobre todo a Katrina, mientras le ofrece unirse de verdad a la Liga de los Nueve, confesando que la tenían engañada trabajando para ella, simulando que trabajaban para la FSB. Cuando esta se niega indica a sus secuaces que la maten pero según avanzan, se oyen dos tiros y ambos caen muertos, mientras maldice, el rubio que se presentó a si mismo cómo ocho hace un gesto y la tierra empieza a temblar, haciendo aparecer una aeronave camulafada en la arena a sus espaldas de la que empiezan a salir más soldados mientras el entra indicando que maten a ambos. Cuando creen todo perdido pese al francotirador que los protege se empiezan a oir disparos a sus espaldas, buzos, al parecer amigos comienzan a abatir un fuego cruzado. Al aprovecha la situación para tirarse detrás de un cadáver y usarlo cómo cobertura mientras Katrina se lanza a por un arma enemiga y comienza a abrir juego.

El tiroteo se salda con una victoria para los buenos y Katrina besando a James Morrison, nuestro cowboy francotirador que los ha protegido todo el día. Finalmente todo vuelve a la escena dónde empezamos, en la Agencia con los dos personajes esperando. La partida termina con el director de la agencia diciendo: -“Tengo una oferta que haceros, sentaos”. (Alguien ha dicho cliffhanger?).

Añadiré que la partida fue un éxito, nuestro capítulo piloto gustó tanto a la productora (los jugadores) que nos han dado prespuesto para una temporada completa (vamos a seguir juando en e club Mecatol Rex) y quiero dar las gracias a Sonia y Fillo por colaborar con este artículo y ser unos jugadores fantásticos. Sin más, me despido, nos veremos otra vez en cosa de un mes, Tras la Pantalla del Master.

***

Tras pasar por controles exhaustivos para comprobar que no éramos simples muggles, el viernes 10 de agosto de 2012 tuvimos la suerte de asistir como prensa al campamento que se estaba celebrando en la sierra de Madrid, más exactamente en un pueblecito llamado Manjirón, en donde los alumnos aventajados de Hogwarts estaban pasando una feliz semana, aunque no tan feliz como aparentaba, pues llegó a nuestros oídos que el Señor Tenebroso había tomado el campamento el lunes, por lo que no debíamos fiarnos mucho de los Slytherin, ya que estaban más felices de lo normal por estar tan cerca de su adorado Lord Voldemort.

los profesores y organizadores del Campus, los cuales nos dieron total libertad para visitar los terrenos del castillo, aunque más tarde Lily se uniría a nosotros para contarnos con plumas y escamas todos los detalles.

A medida que nos adentrábamos en el campamento, pudimos ir observando cómo las clases de la mañana se estaban desarrollando con total normalidad. Pudimos ver a la señorita Fleur Delacour dar unas elegantes clases de hechizos a sus aventajados alumnos, los cuales prestaban toda la atención que podían, ya que nosotros les interrumpimos con nuestras cámaras justo en el encantamiento de Wingardium Leviosa.

Nuestra siguiente parada fue la fabulosa clase de Defensa Contra las Artes Oscuras, impartida por el fantástico Gilderoy Lockhart a los de primer curso, Lockhart irradiaba belleza por todos sus poros. Encantado de ver nuestras cámaras y vuelaplumas, nos presentó como periodistas de Corazón de Bruja, aunque eso no nos importó, ya que Gilderoy nunca se equivoca, por lo que dedujimos que no íbamos por parte de la revista NoSoloFreak. Encantado, nos explicó que sus alumnos estaban realizando un complicadísimo examen para comprobar quien era capaz de idolatrarle más. Muchas de las alumnas de Ravenclaw suspiraban pasión por su profesor, lo que hacía de la clase más idolatradora hacia el genial Lockhart.

Más adelante pudimos conocer a Valen y a Lily, dos

Tras corregir arduamente los exámenes, nos

explicó un poco su carrera hasta haber llegado a ser profesor en el Campus, desvelándonos que era el primer año que era profesor, lo que nos sorprendió bastante, ya que su elocuencia verbal nos abrumaba con cada palabra que salía de su boca.

leyendo: debido a la destrucción de los castillos de Durmstrang y Beauxbatons a manos de los mortífagos, los alumnos se habían visto obligados a trasladar sus estudios a Hogwarts, pero con la visita inesperada de Voldemort, se avecinaba lo peor, por lo que el Señor Tenebroso puso a su mano derecha al mando para que nada en sus Sintiéndolo mucho, Lily vino a por nosotros y planes se torciera. tuvimos que dejar al maravilloso profesor de Defensa contra las Artes Oscuras, pero pudimos Una vez conocidos esos datos tan espeluznantes, nos ir a ver a los chicos de cuarto en la clase de encontramos con el profesor Slughorn en la clase de Herbología con la profesora Pomona Sprout. Pociones, justo en el momento que estaba poniendo Allí pudimos ver a los chicos transplantar las notas, por lo que no tuvimos oportunidad de mandrágoras y uno de ellos nos explicó con todo preguntarle nada, aunque intuimos que nos estaba evitando por todos los medios. Pudimos observar la detalle sus características. La profesora, todo un gran cantidad de materiales para pociones que tenían encanto, nos mostró el invernadero y nos invitó los alumnos del campus, incluso su libro de texto. a quedarnos más tiempo, pero la visita seguía y fuimos a las mazmorras a visitar al profesor de A continuación, nuestra maravillosa guía Lily, nos Pociones. enseñó las cabañas en las que los alumnos intentan Estábamos locos por ver a Severus Snape, pero nos contaron que esta vez, debido a los acontecimientos del lunes, la directora Minerva McGonagall había sido reemplazada en su papel de subdirectora por Snape, el cual estaría en esos momentos en el despacho del director, con el mismísimo ¡¡Lucius Malfoy!! Lo que estáis

dormir por la noche, pues se escuchan ruidos desde fuera y están alerta en todo momento por si los mortífagos deciden volver al castillo.

La lechucería fue destruída, por lo que los alumnos se las ingenian para hacer llegar sus mensajes al exterior, incluso con unos aparatos muggles llamados “móviles”, aunque más bien parecen escamas de dragón con colores en su interior.

Conocimos el aula de profesores, las torres, el campo de Quidditch, y por último nos llevaron a ver El gran Comedor. Nada más entrar nos encontramos con un grupo de alumnos con Lucius Malfoy, el cual les estaba enseñando a crear cabezas reducidas. No quisimos interrumpir mucho, pues estábamos allí solo de visita, fotografiando el lugar. Lo que más nos impactó fueron los seis relojes de las casas, con sus puntos cayendo para saber quién sería el ganador al final del curo de La Copa de las Casas. Por el momento iban muy igualados Durmstrang y Ravenclaw.

Para no desaprovechar la estancia en el gran Comedor, nos sentamos junto a Lily para que nos contara algo más sobre el Campus, la cual nos sacó sus carpetas y nos contó con todo lujo de detalle los entresijos del campamento (para mí que esta mujer ha tenido antepasados de elfo doméstico, porque ha sido totalmente servicial con nosotros en todo momento). Comprobamos de primera mano todo el trabajo que realizan los chicos desde febrero que se abre la inscripción al campus, con sus respectivas fichas de los alumnos con alergias y necesidades, los horarios de cada curso en Hogwarts y de cada casa, los cuales se les entrega a los alumnos al principio del campus.

También hay que confeccionar con mucho tiento y secretismo la trama principal del campus, que este año ha sido la vuelta del Señor Tenebroso.

Hay que encargar camisetas, comprar materiales y medicinas… y un largo etcétera para hacer de estos ocho días en el campus perfectos.

cual había llegado tarde por un problema de faldas con una alumna de Gryffindor (al final sí que parecemos periodistas de Corazón de Bruja, pues más tarde nos enteramos de que dicha alumna estaba locamente enamorada del profesor, ya fuera por un hechizo, poción o simple amor) Y por fin teníamos un rato libre para conocer al resto de profesores, entre los que nos encontramos a Helena Ravenclaw, ¡si, el fantasma! Enseñando Estudios Muggles (cuya asignatura tiene mucho éxito entre los estudiantes), Luna Lovegood y otros tantos.

La hora de la comida estaba planificada al detalle, teniendo en cuenta los platos especiales para los alérgicos, y como en el campus no hay elfos Un poco más tarde, después de conocer todos los domésticos, cada día una de las seis casas es la entresijos del campus, acudimos a clase de La otra encargada de repartir los platos al resto de los Historia de la Magia con el profesor Karkarov, el compañeros, y esta vez tuvimos la suerte de tener

a las bellas alumnas de Beauxbatons haciendo de los personajes, clases, profesores, actividades y escenarios solo por amor, pues ninguno de los camareras. monitores cobra por dicho trabajo, lo cual merece Una vez terminada la comida, tuvimos un plus, una doble felicitación, y es que no hay mejor pues los alumnos de Durmstrang hicieron una trabajo que aquel que se hace desde el corazón. exhibición de sus saltos y cánticos, pero esto produjo celos con otros alumnos, lo que llevó a Ojalá el Campus Potter tenga una larga y próspera un duelo entre dos alumnos (casualmente una era vida, pues seguramente iremos otra vez de visita, quizás como acampados y no solo como prensa. la amante del profesor Karkarov) Y finalmente nosotros nos presentamos y tuvimos la suerte de hablar con muchos de los alumnos, de los cuales algunos quisieron hacerse de nuestro club de fans, Harry Potter Fans Spain.

Muchísimas gracias a todos los monitores y alumnos por dejarnos invadir su espacio mágico, en especial a Ángel, cabeza de todo el campus, Lily, Valen y otros tantos.

Así que la visita fue de lo más fructífera, pues Larga vida a Potter. pudimos estar durante unas horas inmersos en el mundo mágico de Harry Potter gracias a los chicos Por Beatriz Pulido. del Campus, pues todos ellos son unos verdaderos fans, pues recrean con todo lujo de detalles a

RESEÑA EL REY TRASGO de Alberto Morán Un gran poder conlleva una gran responsabilidad, dijo una vez un gran hombre. Y si he de resumir El Rey Trasgo en pocas palabras, estas son. Hace muchos años ya que Stan Lee escribió estas pocas letras para un gran personaje como es Peter Parker; un joven que tuvo que elegir entre hacer el bien y un puñado de dinero. Sin embargo, finalmente resultó ser que la lección podía ser aprendida y Spiderman surgió de las cenizas del adolescente para convertirse en un héroe imposible.

Como entonces, El Rey Trasgo es una novela donde el escritor pone contra las cuerdas a los personajes y los hace escoger entre su humanidad y su persona, en una historia donde el arma más poderosa vuela, donde los dragones se deslizan por encima de las páginas de papel, donde los grifos vigilan al lector con sus finos ojos de águila, donde las wyvern esperan atentas a saltar sobre el incauto para devorarlo; no para sacarle las entrañas, sino para meterlo de lleno en dos escenarios completamente distintos.

No señores, esto no es un cuento de hadas. Es épica, es magia que llega al lector por medio de los dedos y de la mente de Alberto Morán Roa. Bienvenidos al principio, a la ventana de un mundo que os dejará sin resuello.

La historia empieza en una ciudad que vuela, un arma mortal, una bomba atómica en un mundo donde reinan las espadas, los arcos y las ballestas. Donde la tecnología punta es la rueda, el molino o las armas de asedio. Solo hay una y ha sido concebida para traer la paz, ¿pero a qué precio? ¿De verdad el ser humano está preparado para NO usarla? No señores, esto no es un ensayo, es una historia de humanos, de ética y de moral.

Y mientras tanto, bajo esta ciudadela, en un país cualquiera: dos hombres ignoran el destino que acecha a las grandes alturas. Ellos viven su vida normal atada a una pequeña librería, donde llega un libro y un personaje muy peculiar que de pronto les darán la vuelta a su existencia. Estos personajes no son héroes, son humanos como podríamos ser tú y yo. A través de su historia conoceremos otra oscura y retorcida que nos hará estremecer.

El Rey Trasgo es una historia rica en detalles, donde los personajes se mueven, donde los personajes aprenden de su andar por la vida, donde los personajes se equivocan. Donde los personajes, en definitiva, son humanos.

Es demasiado corta y muy fluida. Una vez empiezas no quieres, ni puedes parar. Se nota que Alberto no solo ha escrito una historia, sino que además se ha formado y ha estudiado para llenarla de detalles: desde clases magistrales de esgrima, hasta grandes batallas aéreas; todo ello con descripciones que, sin querer ser grandilocuentes y forzadas como en otros libros que de esta temática he leído, sirven para enmarañar todavía más al lector en este mundo.

En definitiva, si todavía no has leído El Rey Trasgo, déjate arrastrar por esta portada tan curiosa, t an abst ra c t a , como lo es su histor i a . Porqu e, como en l a v id a re a l, na d a es lo que p are ce.

Andrea Peña

Entrevista a Cristina Roswell

1.- ¿Quién es Cristina Roswell?

Me resulta un poco difícil calcular el tiempo exacto porque no estuve trabajando en ella ininterrumpidamente, así que lo único que puedo decir es que empecé con diecinueve años y puse el punto final (tras documentación, escritura y muchísimas revisiones) a finales de 2010, con veinticinco años.

Pues Cristina es una chica normal, o algo “friki” según los “normales”, que vive en Murcia, donde sus neuronas luchan contra el intenso calor para lograr combinar palabras y frases de forma interesante. Le encanta escribir, leer, oír música, ir al cine. Y colecciona figuras de personajes de cine y televisión que, cuando se cansa, vende para 3.- ¿Por qué vampiros? costearse su otro vicio: los viajes.

Cuando empecé a escribir la novela, los vampiros En el terreno “profesional-general”, Cristina es no estaban tan de moda como en los últimos años, una cuasi licenciada en Historia del Arte (¡a falta aún no había empezado la fiebre “crepuscular”. La de una asignatura!) que previamente también razón por la que escogí a estas criaturas fue porque cursó estudios en Bellas Artes y Periodismo. eran las que mejor funcionaban para desarrollar la idea que tenía en mente. Quería escribir una 2.- Empezaste con 19 años la escritura de historia que transcurriera en la actualidad pero Draculesti. El legado del diablo, ¿cuánto tiempo que tuviera tintes medievales, que uniera de alguna te llevó terminar la novela? forma el presente con el pasado, y me pareció que un ser inmortal como el vampiro sería el idóneo

para realizar este enlace entre épocas.

of Dracula) y también algunos rumanos que me ayudaron dándome su punto de vista sobre Vlad Pero yo no quería un vampiro “edulcorado”, sino y echándome una mano con las frases en rumano uno lo más realista posible, me planteé cómo que aparecen en mi libro. sería un vampiro si de verdad existieran, si fueran como una forma evolucionada de la raza 5.- Viajaste a Rumania al igual que Ángela la humana: nada de superpoderes de fantasía como protagonista de la historia, ¿te pasó lo mismo que transformarse en niebla, volar, etc, simplemente a Ángela o fue más liviano el viaje? cualidades humanas más desarrolladas (mayor velocidad, mayor facilidad para ver en la Como se suele decir… si te lo contara tendría que oscuridad, mayor fuerza y resistencia, así como matarte, jajaja. poderes de regeneración de tejidos). Todo muy científico y “creíble”. Mis vampiros son predadores Digamos que compartimos algunos encuentros de humanos, necesitan sangre humana para y sentimientos, y que otros que aparecen en el sobrevivir y tienen los sentidos más desarrollados libro salieron de mi imaginación. Ángela estuvo por ese motivo: para poder cazarnos. en algunos sitios en los que yo no estuve, y yo en otros en los que ella no estuvo, pero casi todos Fue solo tras empezar a investigar sobre leyendas los que salen en el libro los visité personalmente. de vampiros en la Edad Media cuando comencé Hay personajes inspirados en personas reales que a descubrir más sobre la figura de Vlad el he conocido, y otros inventados. Le dejo al lector Empalador, y fue al conocerle más cuando me lo de decidir qué quiere creer que es real, y qué atrapó y decidí que la parte histórica de mi novela ficción. se centraría en él.

4.- Supongo que el trabajo de documentación ha sido largo, ¿cómo te planteaste esta parte del trabajo del escritor?

Sí que ha sido largo, porque he tenido que buscar muchos libros y luego ir extrayendo de ellos las cosas que necesitaba, y descartando las que no me servían. Pero cuando buscas información sobre un tema que te gusta se hace mucho más llevadero, pues disfrutas con lo que vas encontrando y con lo que aprendes.

Primero empecé por lo más elemental: guías de viaje de Rumania e información de Internet.

Luego, según iba profundizando en el tema, necesité recurrir a libros de Historia sobre Vlad, otros sobre la Edad Media, folclore rumano y de Europa del Este, incluso tengo un par acerca de la Historia de los gitanos, que tienen un pequeño papel en mi novela.

Además de los documentos escritos, también consulté con especialistas en el mito de Drácula, como la profesora Elizabeth Miller (presidenta de la sede canadiense de la Transylvanian Society

6-. Cuéntanos algo más sobre Nicolae, el al escribir sobre la supuesta relación entre ambos protagonista masculino de la novela.

Dráculas, han dado por hecho que Bram Stoker conocía más cosas sobre Vlad de las que en Nicolae es uno de mis personajes preferidos y realidad parecía conocer. Es posible que sí que supongo que he logrado transmitir mi cariño supiera más de Vlad, pero también es posible que hacia él en el libro, porque también es el personaje todos sus conocimientos se limitaran a lo que preferido de la mayoría de los lectores, según me dejó por escrito. Como no lo sabemos, lo único han hecho saber. Y lo que me ha parecido más que podemos asegurar que conocía es lo que dejó curioso es que no solo ha gustado a las lectoras, en las notas que han llegado hasta nosotros. cosa que parece más normal, sino que también ha gustado mucho a los lectores masculinos. En este caso, lo que esos historiadores escribieron Me alegra que sea para otros un personaje tan en un primer momento no se puede tomar como interesante como lo es para mí. la verdad, porque está basado en suposiciones, no en hechos. (Y en algunos casos, la incorrección Como yo no soy objetiva, dejaré una definición de de esas afirmaciones ha sido demostrada y los Nicolae realizada por un lector: propios historiadores han rectificado).

Nicolae me parece un personaje muy bien caracterizado, un seductor consumado que sabe cómo tratar a las mujeres. Es un triunfador, un hombre seguro de si mismo, que conquista siendo diferente por su amabilidad y que atrae por el poder y el carisma que tiene, que sabe requebrar, mostrarse misterioso y retar a la mujer a la que quiere conquistar.

La profesora Elizabeth Miller ha supuesto una gran ayuda en este sentido, pues como es una de las pocas personas que ha podido consultar personalmente los diarios y notas de Bram Stoker, ha podido confirmar qué cosas sabía seguro el escritor sobre el Drácula real, y qué cosas se inventó o tomó de las leyendas de vampiros para crear al ficticio.

Los "galanes" de otras historias con algo de romanticismo tienden a ser ejemplos de lo que NO se debe hacer para seducir a una mujer: son sumisos, acceden a todas las peticiones de sus amadas, expresan su amor con desesperación, se sacrifican por un beso... Nicolae te enseña lo que SÍ se debe hacer para conquistar a una mujer.

También me ha ayudado mucho conocer el punto de vista del pueblo rumano, pues ellos consideran a Vlad el Empalador un héroe nacional, y no un asesino sanguinario, como es visto en el resto del mundo.

8.- En la portada del libro vemos una reseña de Dacre Stoker, descendiente de Bram Stoker, 7.- A lo largo de la novela, mencionas a Vlad el ¿cómo te pusiste en contacto con él y cómo fue la Empalador, en el que se basa el mito del vampiro, experiencia? como el eje de la historia, ¿te ha sido difícil separar al hombre del mito?

Como ambos somos miembros de la sede canadiense de la Transylvanian Society of Dracula Ha sido interesante y, en ocasiones, como y él conoce a Elizabeth Miller (presidenta de la desenmarañar una madeja de hilo. No puedo misma y con la que yo ya había hablado en alguna decir que haya sido difícil porque la historia está ocasión), lo que hice fue escribirle presentándome, ahí, en los libros, pero teniendo en cuenta que diciéndole que yo también era miembro de la hay historiadores que han cometido errores a la asociación y que acababa de escribir un libro sobre hora de escribir sobre la relación entre el Drácula el Drácula histórico y el real. Le hablé del libro y le histórico y el ficticio, hay que ir con mucho dije directamente que me encantaría que pudiera cuidado al consultar datos. echarle un vistazo y escribir unas palabras sobre lo que le parecía la novela, para ponerlas en ella.

Por ejemplo, existen algunos historiadores que, Le pregunté si sería posible y, para mi sorpresa,

me dijo que lo haría encantado.

Pensé que por ser quien es estaría demasiado ocupado o no le interesaría lo que le pedía, que o no me contestaría o me daría una negativa, pero resultó ser mucho más cercano de lo que yo pensaba, e incluso me puso en contacto con un editor de aquí de España con el que estaba trabajando para hacer un documental sobre Drácula.

11.- Ya que estamos hablando de vampiros brillantes, ¿qué opinas tú de los Crepusculares?

Yo no soy fan de esa saga, pero sí que tengo amigas que lo son y respeto sus gustos (si a todos nos gustaran las mismas cosas, el mundo sería muy aburrido ¿no?).

De Crepúsculo he leído el primer libro y parte del segundo, pero la lectura no me atrajo más allá de ese. Sin embargo, he visto todas las películas hasta Moraleja: nunca prejuzgues a una persona por la fecha y me han entretenido. quién es.

Admiro la capacidad que ha tenido la autora de 9.- Además formas parte de la Transylvanian la saga para enganchar a ella a tantas personas, a Society of Dracula, salve decir que eres de las todos los autores nos gustaría que nuestras obras pocas españolas que tienen esta sociedad, ¿nos fueran leídas y disfrutadas por tal cantidad de puedes contar algo más de la misma? lectores (quien diga lo contrario, ¡miente!)

La Transylvanian Society of Dracula es la 12.- ¿Para cuándo la segunda parte de Draculesti?, asociación internacional más importante dedicada si no creo mal la vas a llamar La Orden del Dragón. al estudio de la figura del Drácula histórico, del ficticio y/o del mito del vampiro. Está formada Efectivamente. La primer parte de la saga por historiadores, escritores, eruditos, amantes Draculesti se titula “El Legado del Diablo”, y la del mito de Drácula y/o los vampiros… gente, en segunda parte se titulará “La Orden del Dragón”. general, que tiene en común su interés por uno o En el primer libro ya hablo un poco de esta Orden, varios de esos temas mencionados. que existió realmente (a ella perteneció Vlad y su padre), pero en el segundo libro profundizaré más Existen unas publicaciones cuatrimestrales y en su historia :) anuales que los socios recibimos en las que se recogen distintos textos relacionados con esos Aparecerán algunos de los personajes que temas, así como entrevistas a otros miembros conocemos en el primer libro, pero no todos destacados. Como socios, además, contamos con (¡muchos no sobreviven más allá del primero!). la posibilidad de acceder a archivos de datos sobre Y mientras la acción del primer libro se sitúa en Drácula, Vlad, etc, que no están disponibles para Rumania, la mayor parte de la del segundo se el público general. situará en Turquía.

10.- La pregunta del millón, ¿Tus vampiros brillan Podeis seguir a la autora y su saga en http://www. con la luz del sol? ¿O por el contario son más sagadraculesti.com/ acordes con la leyenda vampírica?

Para comprar el libro lo podeis hacer en http:// edicioneskiwi.com/tienda/coleccion-nuestrosNo, mis vampiros no brillan a la luz del sol, autores/38-el-legado-del-diablo-saga-draculesti. pero tampoco tienen las características típicas html que se les atribuyen a los vampiros (o, por lo menos, no todas). Como ya comenté, no tienen Por Jose Javier Arce Cid “poderes fantásticos” como volar, transformarse en niebla, etc., pero sí tienen algunas cualidades sobrehumanas. Pero dentro de lo sobrehumano, sus características son bastante realistas.

Por Juan Dougnac

Razones por las que vale la pena leer la saga de La primera de ellas se refiere a los conflictos en Canción de Hielo y Fuego, independiente de que el continente de Westeros, donde las casas nobles se haya visto o no la serie Juego de Tronos: complotan sin cesar entre sí por aumentar su poder y privilegios.

Indudablemente, muchos de los lectores de esta prestigiosa revista habrán visto la ya célebre serie Luego, tenemos aquella que nos lleva al norte de HBO llamada Juego de Tronos. Sin embargo, del continente, incluso más allá de la morada hay aun mucha gente que, por diversos motivos, ancestral de los Stark, donde la Guardia de la ha preferido no sumergirse en el mundo de los Noche mantiene su eterna vigilia contra las tribus libros de la saga de Canción de Hielo y Fuego. salvajes y los Otros, en medio del desprecio y Es para ellos, así como para quienes aun no han la ignorancia de aquellos a los que han jurado tenido contacto alguno con la serie, que he escrito defender. estas pocas líneas.

Finalmente, tenemos las desventuras de Daenerys Estas son los motivos por los cuales creo que se Targaryen y su hermano Vyseris, últimos trata de una saga que debiese ser tenida en cuenta. sobrevivientes de la dinastía Targaryen, que gobernó Westeros hasta la rebelión que puso en el Baja fantasía en escala épica: una de las primeras trono a Robert Baratheon. cosas que llama la atención en estos libros es la tremenda escala que abarcan sus tres líneas Sin embargo, a diferencia de otros trabajos argumentales principales. en los que se nos da a conocer una trama que agita los cimientos del mundo, la magia y los elementos sobrenaturales son tremendamente escasos y cubiertos de misterio. No veremos aquí a archimagos destruyendo ciudades enteras, ni a ejércitos de dragones arrasando con todo a su paso.

No se crea con esto que la magia o las entidades sobrenaturales no hacen acto de presencia, es solamente que el autor es tremendamente sutil a la hora de lidiar con estos elementos. Su gran mérito consiste en lograr que resalten por el aura de misterio que los rodea, más que por su propia presencia. Los dragones, por ejemplo, se extinguieron hace siglos, y es solo una vez empezada la historia que llegamos a ser testigos de su regreso. Aún entonces, no se convierten en los protagonistas de la saga, sino que tan solo sirven para realzar la odisea de Daenerys Targaryen y como augurio de venganza en contra de los reinos que se rebelaron contra su familia.

Intriga palaciega: otro gran punto a favor de Martin radica en la maestría con que describe los juegos de la nobleza por alcanzar el poder y mantenerlo en sus manos, así como los extremos de crueldad y sadismo a los que pueden llegar para ello. Ese aspecto puede verse con claridad desde el primer libro, con la famosa frase “Cuando juegas al Juego de Tronos, o ganas o mueres”.

Una vez más el autor se separa de las concepciones tradicionales del género fantástico, donde lo más común es que la trama se mueva en torno a un conflicto más o menos claro de buenos contra malos y donde, si bien puede haber intriga, ésta es generalmente responsabilidad de uno o dos maestros intrigantes. En Canción de Hielo y Fuego esto cambia por completo: los límites entre buenos y malos, al igual que en la vida real, no están claramente definidos. Quien nos parece un monstruo en un momento puede haber actuado de manera justificada, una vez que conocemos más detalles acerca de su historia. Todo el mundo vela por su propio interés y nadie tiene asegurada la victoria, o tan siquiera la vida. A George Martin no le tiembla la mano a la hora de asesinar de las formas más crueles e inesperadas incluso a personajes principales, logrando mantener el suspenso a través de cada uno de los extensísimos volúmenes de la obra.

Tanto los intrigantes como las intrigas están muy bien descritos: cada acción tiene su correspondiente reacción y, algo que es muy de agradecer, a veces los mejores planes terminan fallando por accidentes que en su momento parecen de lo más triviales. De la misma manera, al igual que la proverbial mariposa cuyas alas causan un tifón, muchos acontecimientos en apariencia irrelevantes gatillan gigantescos cambios.

Un mundo en el que sumergirse: como ya se ha dicho, Canción de Hielo y Fuego se divide en tres grandes arcos argumentales, que lentamente empiezan a mezclarse entre sí. Estas tres tramas se desarrollan en lugares distintos del mundo, todos ellos descritos con exquisito detalle. Desde los platos y comidas preferidos en Westeros hasta las costumbres nupciales de los feroces Dothraki, el mundo salta delante de nuestros ojos con una profundidad pocas veces vista. Las descripciones no solamente tocan a los personajes principales, sino que también a muchos secundarios que, si bien no tienen mayor influencia en los acontecimientos, ciertamente ayudan a conocer mejor el mundo y apreciar la magnitud de los cambios que los protagonistas ejercen en él.

Cientos de personajes: Canción de Hielo y Fuego es una obra tremendamente extensa, tanto en su enfoque como en el número de páginas.

Evidentemente, para que un paisaje tan enorme realmente funcione, debe estar poblado por un gran número de habitantes. En esto, una vez más, el autor cumple con creces.

Desde las más antiguas de las casas nobles hasta los mendigos de los suburbios más miserables, todos se ven representados en el elaborado tapiz que Martin nos revela. Aunque no todos son tratados con la misma profundidad, queda siempre la sensación de que se trata de personas reales, a las que podemos amar u odiar, pero que siempre actúan de acuerdo con sus respectivas personalidades. Es prácticamente imposible encontrar personajes flojos o carentes de carácter en la obra: incluso cuando son mencionados someramente, da la sensación de que, aunque no alcancemos a conocerlos bien, tienen un pasado, un presente y un futuro, no son simples instrumentos para poner en peligro al protagonista (es difícil hablar de héroes en una obra como esta) de turno u obligarlo a moverse de un lado a otro según las necesidades de la trama.

Es por estas y muchas otras razones que pienso que la saga de Canción de Hielo y Fuego es lectura totalmente recomendable incluso para quienes no se consideran aficionados a la literatura fantástica.

Para quienes se consideran asiduos al género, me atrevería a afirmar que se trata de una lectura imprescindible.

Dos nuevos dispositivos se añadieron a la familia Nexus durante el Google IO en San Francisco.

Una tablet de 7 pulgadas y una bola negra misteriosa.

Hay veces que las grandes corporaciones hacen apuestas y el Nexus Q es una de ellas.

Quieren poner en los salones una pequeña esfera negra (11,3 centímetros) con una línea de Leds que lo cruza longitudinalmente y que se ilumina en función de lo que estemos reproduciendo.

Dotado con un procesador OMAP4460 de doble núcleo y GPU SGX540, 16 Gb de espacio de almacenamiento y 1 Gb de RAM. Con estas características se pueden reproducir películas en 1080p con soltura.

En la parte de atrás nos encontramos con salida de altavoces (que no tienen que ser amplificados ya que cuenta con uno interno de 35 W), un puerto HDMI, Ethernet, USB, salida óptica y la entrada para el adaptador de la corriente. En cuanto a conexiones inalámbricas dispone de NFC, Wifi 802.11 a/b/g/n y Bluetooh para que te comuniques con ella.

Ahora sabemos cómo es, veamos qué hace.

Su función es reproducir con la máxima calidad posible las películas, vídeos o música que tengamos en nuestra cuenta de Google Play. Para poder utilizarlo debemos usar una tablet o móvil que tenga instalada la aplicación específica del Nexus Q, sólo disponible para aquellos que tengan Android 4.1 (Jelly Bean), es decir el Nexus 7 y el Galaxy Nexus en la actualidad. Por si pensabas que hacía streaming desde el dispositivo que usemos, no es así, sino que lo hace directamente desde Google Play con su conexión. También es posible que varias personas a la vez estén conectadas al mismo Nexus Q. Su precio de salida en USA es de 299 $. Cuando enviaron las primeras unidades pararon la distribución alegando que iban a mejorarlo para ofrecer la mejor experiencia posible. En la actualidad te puedes apuntar para recibir información de cuándo volverá a venderse: http://www.google.com/nexus/#/q

Nexus Q y s colar en

y Nexus 7 se quiere n tu vida

El Nexus 7, es una tablet de 7 pulgadas fabricada por Asus para la gran G. Al igual que el Nexus Q su función es aprovechar al máximo Google Play, las aplicaciones que el mismo produce y las que se encuentran en su tienda.

por Ismael Torres

Las especificaciones son de las más potentes que podemos encontrar en el mercado: Un procesador Nvidia Tegra 3 (4+1núcleos, el +1 va activando los que necesita en función de las necesidades del momento, maximizando con ello la duración de la batería) y uno gráfico de 12, si 12 núcleos, con 1 Gb de RAM y la posibilidad de comprarlo con 8Gb o 16 Gb de memoría interna.

Con respecto a la pantalla tiene una resolución de 1280x800 antirayaduras. El peso es contenido (340 gramos) y tamaño 190 mm de alto, 120 mm de ancho y 10,45 mm de grosor hace que sea cómodo usarlo con una sola mano. Según su fabricante es capaz de permanecer durante 9 horas reproduciendo videos en HD y 300 horas en reposo con la batería de 4325 mAh. Olvidate de sacar fotos sino es con la cámara frontal, porque no tiene trasera, ni flash.

Para conectarte a internet tiene que usar el chip 802.11 que cumple los estándares a,b,g y n. Con el NFC podrás pagar e intercambiar archivos y con todos los sensores que tiene (acelerómetro, giroscopio y brújula) jugar a tu simulador de carreras favorito. Tiene un MicroUSB para cargarlo que además es USB-Host.

Si buscas botones encontrarás los del volumen y encendido fisicamente, los demás son producidos mediante software, en este caso Android 4.1 (Jelly Beam).

Cuando leas este artículo, ya la podrás encontrar en España. El precio de venta es de 199 euros la de 8 Gb y de 249 € la de 16 Gb, que parece ser que es la que llegará en un primer momento.

Gracias por llegar hasta aquí.

Si quieres conocerme mejor mi blog es lo más sencillo http://whattimesailing.com y me puedes encontrar en twitter en @ipaelo

Agentes Agentes secretos secretos y y la la Filosofia Filosofia Espías, asesinos, agentes especiales, agentes dobles, agentes triples, mercenarios y, por supuesto, agentes secretos. Muchos son los nombres que se les dan a un selecto grupo de individuos con unas cualidades tremendamente apreciadas por los gobernantes.

desvelar los planes secretos de los malvados comunistas, los agentes secretos han sido una herramienta fundamental para los gobiernos o grupos de poder a lo largo de la historia, tanto real como ficticia.

Estos individuos se mueven en la fina línea que La guerra es una condición natural (algunos dirían separa el mundo civilizado de la escalada de violencia que hasta necesaria) del ser humano. La historia autodestructiva que lleva asolando a la humanidad de la humanidad esta marcada por el conflicto toda su historia. Más aún, en muchas ocasiones son y es en éste cuando más brillan los agentes sus acciones las que provocan o evitan las guerras.

secretos. Desde tiempos inmemoriales se han usado exploradores que vigilan los movimientos del ejército enemigo, infiltrados que abren las puertas del castillo cuando se inicia el asedio y asesinos profesionales que eliminan a los líderes rivales. Curiosamente pocos son los nombres que recordamos de estas sutiles armas en la continua batalla que es la historia del hombre.

Como contrapunto a lo anteriormente dicho la figura del agente secreto se ha convertido en un icono popular: reconocida, exagerada y muy comercializada. La cultura pop nos ha avasallado con novelas, películas, videojuegos y comics que tratan sobre los diferentes tipos de agentes secretos a lo largo de la historia: ninjas, asesinos profesionales, espías, infiltradotes, topos, comandos… James Bond, Sydney Bristow, Jason Bourne, Ethan M. Hunt, Jack Bauer, Jack Ryan, Nick Furia, Solid Snake, Ryu Hayabusa…

Sea para desarticular una red de crimen organizado, asesinar a un daimyo rival o para

Thomas Hobbes en su obra Leviatán teorizaba con el hecho de que el ser humano en su estado mas natural es libre e independiente, pero vive bajo el peligro constante de caer en la guerra de todos contra todos (bellum erga omnes), sin una autoridad que nos gobierne nada ni nadie nos impide robar, asesinar, violar… según él “el hombre es un lobo para el hombre” ( Homo homini lupus), en relación a las atrocidades que puede llegar a hacer el ser humano cuando está descontrolado. Es por esto que se crean los Estados y los gobiernos, para protegernos de nosotros mismos.

brutal de descargar el instinto destructivo del que la humanidad no puede desprenderse.

Pero a pesar de que el Estado nos asegura cierto grado de protección y seguridad, el instinto asesino y violento del hombre sigue latente en nosotros. Está en nuestra naturaleza el impulso de muerte y destrucción, por lo que de una forma u otra debemos darle rienda suelta. Éste es uno de los motivos por los que a pesar de todo no hemos terminado, a pesar de milenios de evolución y cultura, con las guerras. Sea por religión, disputas territoriales, afrentas al honor o por la economía, las guerras siguen siendo la forma más pura y brutal de descargar el instinto destructivo del que la humanidad no puede desprenderse.

Nicolás Maquiavelo supo distinguir muy bien entre lo bueno y lo necesario, puesto que a la hora de gobernar no siempre ambos conceptos van cogidos de la mano. La famosa frase que se le atribuye “el fin justifica los medios” nunca fue escrita en ninguna de sus obras pero refleja muy bien sus pragmáticas ideas.

En este contexto de Estados/países/ciudades libres/pueblos soberanos que guerrean cíclicamente entre ellos surge la figura del agente secreto; lógicamente no llamado así puesto que es un concepto moderno, pero sí entendido como lo que es hoy en día: Individuos encargados de obtener ventajas para sus países que los beneficien en guerras futuras o presentes y que evitan que los agentes de los países rivales obtengan a su vez ventajas para sus naciones.

En su obra más conocida, El Príncipe, Maquiavelo desarrolla toda una serie de consejos para ser un buen gobernante. Consejos que a simple vista pueden resultar chocantes, crueles o hasta malvados. El problema radica en la perspectiva con la que se los valore. Habla con naturalidad del uso de la crueldad como gobernante y esto puede parecernos insólito o hasta ofensivo desde el punto de vista del gobernado, pero las soluciones y/o consejos que da siempre son en pos de ser un gobernante querido por su pueblo “Llamaría bien empleadas a las crueldades (si a lo malo se le puede llamar bueno) cuando se aplican de una sola vez por absoluta necesidad de y cuando no se insiste en ella sino, por el contrario, se trata de que las primeras se vuelvan todo lo beneficiosas posible para los súbditos. Mal empleadas son las que, aunque poco graves al principio, con el tiempo antes crecen que se extinguen.”

En el contexto de la política planteada desde la perspectiva de Maquiavelo los actos de los agentes secretos son actos de bien a pesar de lo muy reprobables que puedan ser: Asesinato, robo, secuestro, espionaje, extorsión… actos terribles realizados en beneficio de un buen objetivo, proteger el Estado y por extensión a los ciudadanos

que en éste viven.

o los altos cargos políticos son instrumentos del Estado, una extensión de ese gran Leviatán creado Desde esta perspectiva podemos constatar que por nosotros mismos y que nos protege a su vez no es lo mismo la ética del individuo a la ética de nosotros mismos y de otros terribles males del gobierno, lo que es bueno para uno puede creados por el ser humano. resultar fatal para el otro. Así, mientras que un Estado debe poner ante todo su propio bienestar y beneficio para asegurar la felicidad y prosperidad de sus habitantes, un individuo particular no puede hacer lo mismo puesto que anteponer sus prioridades a toda costa derivaría en una ética y estilo de vida asocial y egoísta que le impediría alcanzar la verdadera felicidad al alejarlo de la sociedad.

Por Kyros YLmaster.

Por otro lado, los agentes secretos, a pesar de ser individuos, deben adquirir una ética equivalente a la de su Estado, alejada de la ética de las personas.

Kant afirmaba que un principio ético debía tener un carácter universalizable, de forma que pudiese funcionar para cualquier persona en cualquier situación, “Obra sólo según una máxima tal, que puedas querer al mismo tiempo que se torne en ley universal”. En este sentido una máxima ética obvia y sencilla de entender es “No matar”. Éste es un principio moral más que aceptable que facilita la consecución de una vida plena y feliz.

Pero este tipo de ética no es práctica para la vida y actividades de los agentes secretos.

Para ellos su ética y sus principios no se basan en el bienestar de sus conciudadanos, la paz y la armonía. Estos individuos deben adquirir los principios de Maquiavelo. Deben pensar en el bien superior sin importar las atrocidades cometidas, deben pensar y actuar como y para el Estado. ¿Cómo sino podemos considerar héroes a personajes como James Bond? Gente que mata, miente, destruye y roba indiscriminadamente.

Consideramos héroes a personajes que desde nuestra perspectiva ética son malas personas, ¿o es que podemos aprobar el asesinato y el robo como conductas positivas para nuestra vida en sociedad?

De esta última reflexión extraemos una conclusión: Los agentes secretos no pueden ser consideramos (desde un punto de vista ético) personas. De la misma forma que los soldados