libro renacimiento español, manierismo y barroco by flor Argentina

Arquitectura

Renacimiento EspaĂąol. Manierismo. Barroco.

Pintura

. . . -

Escultura

Periodos y artistas Introducción………………….…………. 7

Renacimiento en España siglo XVI……………………………………..

Arquitectura

Platenesco Enrique Egas………………. 10 Juan de Álava…………...… 12 Diego de Siloé……….....… 14 Purismo Alfonso de Covarrubias… 16 Rodrigo Gil de Hontañon. 18 Pedro Machuca…….......… 20 Herreriano Juan de Herrera……….…. 22 Escultura

Domenico Fancelli………. 24 Vasco de la Zarza….……. 26 Felipe Bigarny…………….. 28 Alfonso Berruguete….…. 30 Juan de Juni…..……..……. 32 León y Pompeo Leoni.... 34 Pintura

Pedro Berruguete….…….. 36 Juan de Juanes………...…. 38 Luis de Morales ………….. 40 Alfonso Sánchez Coello.. 42 Juan Pantoja de la Cruz.. 44

Manierismo Siglo XVI (1520 a 1580 aprox.)

………………. 47

Arquitectura

Andrea Palladio…………….. 48 Jacopo Sansovino…..….….. 50 Giulio Romano……....….….. 52 Escultura

Benvenuto Cellini….………. 54 Juan de Bolonia…………….. 56 Pintura

Agnolo di Cosimo…………. 58 Jacopo Carrucci …………….60 Girolamo Mazzola…………. 62 Giuseppe Arcimboldo……. 64 El Greco……………………..…. 66

Barroco Siglo XVII y principios del siglo XVIII ………….

Arquitectura

Gian Lorenzo Bernini……... 72 Francesco Borromini….….. 76 Carlo Maderno……....….….. 78 jules hardouin mansart…. 80 Escultura

Gian Lorenzo Bernini……... 82 Gregorio Fernandez……….. 84 François Girardon ……….... 86 Antoine Coysevox ……..….. 88 Pintura

Caravaggio……………………. 90 Annibale Carracci …………. 92 Rembrandt………………..….. 94 Johannes Vermeer …….…. 96 Pedro Pablo Rubens…..…. 98 Francisco Nicolas poussin 100 Diego Velazquez……………. 102 Bartolomé Murillo…………. 104

El Renacimiento se extendió de Italia a España de forma tardía y el Renacimiento en España llegó a su auge en la segunda mitad del siglo XVI y a principios del siglo XVII, principalmente en la literatura y el arte. En el siglo XVI la literatura española tuvo un desarrollo personalizado y los mayores éxitos son las novelas y los dramas. Lope de Vega y Miguel de Cervantes son dos representativos famosos en estas áreas. A diferencia de la escultura italiana, en España hay un rechazo a los temas mitológicos. Hay una predilección por las obras religiosas. Esto se entiende por el contexto histórico. Hacia la tercera década del siglo s. XVI podríamos decir que la práctica artística había desembocada en una clara tendencia de reacción anti clásica que ponía en cuestión la validez del ideal de belleza defendido por el alto renacimiento. el Manierismo, fue generalmente minusvalorado por la crítica y la historiografía del arte como un estilo extravagante, decadente y degenerativo; un refinamiento erótico y una "afectación artificiosa" cuya elegancia y gracia no fue apreciada plenamente hasta su revalorización en el siglo XX, que comenzó a ver de forma positiva incluso su condición de auto-referencia del arte en sí mismo. El Siglo de Oro fue una época de auge cultural y en el que se dieron varias corrientes. Una de las más importantes fue la del Barroco que abarcó todas las manifestaciones artísticas desde los inicios del 1600, extendiéndose a lo largo de aproximadamente 150 años .

Renacimiento en España presente en la arquitectura española durante bastante tiempo.

La Arquitectura durante la etapa renacentista, podemos diferenciar en España tres estilos diferentes: el purismo (geometría), el plateresco (que se caracteriza por la abundancia de decoración) y el herreriano (poca decoración). El primer estilo renacentista de transición es conocido con el nombre de plateresco, que se caracteriza por el exceso de elementos decorativos: medallones, emblemas, columnas, representación de figuras humanas y animales… etc. El ejemplo más característico de este estilo son las fachadas de la Universidad de Salamanca.

Escultura Se desarrolló la escultura renacentista española en los géneros de sepulcros, sillerías de coro, imaginería y retablos, en escultura aplicada a la arquitectura y el retrato en círculos de la nobleza. Se combinó el antiguo estilo gótico con el nuevo Renacimiento venido de tierras de Italia, aunque sin la introducción del tema mitológico y mostrando en sus esculturas más los sentimientos anímicos que la belleza formal que daban los escultores italianos. La piedra fue uno de los materiales empleados más habituales en las fachadas, con un amplio repertorio ornamental de guirnaldas de frutos y follajes, volutas, medallones y grutescos. El mármol y el bronce se utilizaron para obras exclusivas de los grandes comitentes. El material más trabajado y más representativo en el renacimiento español fue la madera con acabado de policromía, cuyo proceso es el de dorado y estofado.

Durante el reinado de Carlos V, el gusto por lo decorativo deja paso a un estilo más austero, en el que se desarrollan plenamente todas las formas arquitectónicas renacentistas: el arco de medio punto, la bóveda de cañón, la cúpula sobre pechinas, pilares y columnas de orden dórico y jónico… Este período conocido con el nombre de purismo, tiene su mejor ejemplo en el palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada. También son importantes los edificios religiosos y civiles del arquitecto Andrés de Vandelvira. La rigurosa sobriedad formal de El Escorial, junto a la ausencia total de decoración definen un nuevo estilo arquitectónico que recibe el nombre de herreriano, y que continúa

En cuanto a la pintura las técnicas la más empleada es el óleo sobre tabla y posteriormente sobre lienzo. El fresco apenas se desarrolla, a diferencia de Italia

Enrique Egas 1455 - 1534

Fue un arquitecto y escultor español. Descendiente de una familia de arquitectos y escultores que trabajaron en Toledo en la segunda mitad del siglo xv y el primer tercio del xvI. Introductores del estilo flamenco, se encuentran entre los artistas más representativos del arte toledano hispano-flamenco de la época de los Reyes Católicos. Egas, difundió el arte toledano por toda España. En 1946, le nombran maestro mayor de la Catedral de Toledo. En 1499, se encarga del Hospital Real de Santiago de Compostela. Es nombrado maestro mayor de la Catedral de Plasencia y trabaja en las trazas del Hospital de Santa Cruz de Toledo. En 1505 dirige las obras de la Capilla Real de Granada y trabaja en la Catedral de Jaén. Trabaja también en el cimborrio de la Catedral de Zaragoza y en las trazas del Hospital Real de Granada. En 1521, le encargan las obras de la Catedral de Granada, visita asi mismo las obras de la Catedral de Sevilla y reforma la Capilla mozárabe de Toledo. Se encarga de la Parroquia de la Alhama (1526), y dirige las obras de la iglesia de Mora (1529). Tuvo cuatro hijos: el Capellán Egas de Acevedo, el escultor Diego Egas, el pintor Pedro Egas y el arquitecto Enrique Egas.

Hostal dos Reis Católicos. Santiago de Compostela

Juan de Álava 1480 - 1537

(llamado Juan de Ibarra) fue un arquitecto español que se formó en la escuela estética del gótico español del período de los Reyes Católicos, al que incorporó novedades renacentistas, siendo uno de los iniciadores del estilo plateresco. Autor de los siete emblemas de la Universidad de Salamanca. Además parece que fue discípulo de Juan Gil de Hontañón

Patio del Colegio Mayor de Santiago el Zebedeo con el cimborrio de su capilla al fondo.

Diego de Siloé 1495 - 1563

Arquitecto y escultor español, uno de los primeros artistas del Renacimiento en este país. Con toda probabilidad fue hijo del escultor gótico Gil de Siloé, y pasó la primera parte de su carrera artística (1519-1528) en su lugar de nacimiento, Burgos, donde trabajó principalmente como escultor. La obra artística de Siloé combinó el estilo renacentista italiano (que había estudiado en una visita a Nápoles hacia 1517), con las influencias del estilo gótico español y del arte árabe. La Escalera Dorada de la catedral de Burgos es su obra más importante de este periodo (1519). Su proporcionada, rotunda y airosa estructura con esculturas de querubines, escudos de armas y ornamentación vegetal, ocupa en su totalidad uno de los muros de la catedral. Con esta obra, Siloé salvó el desnivel de la puerta de la Coronería de la catedral, situada en el brazo norte del crucero de la misma, e incorporó además elementos arquitectónicos de raigambre clasicista, al modo del arquitecto italiano Donato Bramante, diseñando una escalera monumental que se bifurca en dos tramos paralelos al muro del fondo.

Catedral de Granada. Interior

Alonso de Covarrubias 1488-1570

Fue un arquitecto y escultor español del Alto Renacimiento español. Era hijo de Sebastián Martínez de Covarrubias y María Gutiérrez de Leyva. Su padre era un afamado bordador de Gerindote y su madre era natural de esta pequeña población. Según las investigaciones de García Rey, que fue el primero que dio con el lugar de su nacimiento, Covarrubias nació en Torrijos en 1488. En 1510 Covarrubias casó con María Gutiérrez de Egas, hija de Miguel Sánchez y Margarita Gutiérrez. El informante, don Pedro de Carvajal, da este dato y además aclara que la esposa de Covarrubias era “sobrina o nieta” del arquitecto Antón Egas, por lo que su partentesco no está aclarado.

Museo de Santa Cruz, Toledo.

Rodrigo Gil de Hontañón 1500 - 1577

Fue un arquitecto renacentista español. Considerado como uno de los mejores arquitectos españoles del siglo XVI. Su estilo personal ha influido en la obra de arquitectos modernos como Antonio Palacios. Su obra simboliza la coexistencia entre el gótico tardío y el clasicismo renacentista, y al mismo tiempo, la superación en España del medievalismo. Era hijo del cantero trasmerano Juan Gil de Hontañón y hermano de Juan Gil de Hontañón, el Mozo, aunque Rodrigo sobresalió respecto a los anteriores.1 2 Trabajó en sus primeros años con su padre con el que colaboró en obras como la Catedral de Valladolid en 1527.nota 1 En 1533 realizó su primera obra individual, la Colegiata de Santa María, en Villafranca del Bierzo, con una decoración propia del plateresco. Sucedió a su padre en 1526, en la dirección de las obras de la Catedral de Segovia, de la que fue maestro mayor, y asimismo lo fue de la Catedral de Salamanca a partir de 1538.

Fachada del Colegio Mayor de San Ildefonso, actualmente sede de la Universidad de Alcalá de Henares, la obra más conocida de Rodrigo Gil de Hontañón

Pedro Machuca 1490 - 1550 Fue un pintor y arquitecto renacentista español. Junto con Alonso Berruguete, Diego de Siloé y Bartolomé Ordóñez, Machuca es uno de los cuatro artistas a los que el pintor Francisco de Holanda llamó las águilas del Renacimiento en España, responsables de la introducción del estilo renacentista a la manera de Italia en suelo español. Machuca nació en Toledo y se formó en Italia, estimándose que podría ser el Pedro Spagnuolo que algunos documentos mencionan como discípulo de Miguel Ángel. Allí hubo de conocer la pintura de Rafael Sanzio, cuyo estilo revelan sus obras, y pudo conocer a Jacobo Florentino. También mantuvo una estrecha relación con Polidoro Caldara (Polidoro da Caravaggio), pintor al fresco y ayudante de Miguel Ángel.

De regreso a España en 1520 trabajó como pintor en la capilla Real de Granada, así como en Jaén, Toledo y Uclés, además de ocuparse, por encargo del emperador Carlos de la erección de su nuevo palacio en la Alhambra el edificio más italiano alzado en suelo español.

La Alhambra, Palacio de Carlos V

Juan de Herrera 1530 - 1597

Fue un arquitecto, matemático y geómetra español, considerado uno de los máximos exponentes de la arquitectura renacentista hispana. Su sobrio y severo estilo arquitectónico, llamado herreriano en su honor, fue representativo del reinado de Felipe II (r. 1556-1598 e influyó notablemente en la arquitectura española posterior, principalmente a lo largo del siglo XVII. Su obra arquitectónica más importante es el monasterio de El Escorial, en el municipio madrileño de San Lorenzo de El Escorial, que Herrera acabó en 1584 tras reorganizar el proyecto original de Juan Bautista de Toledo. Como figura del Renacimiento, se interesó en diferentes ramas del saber y manifestó un espíritu aventurero y un afán de novedades. Su Discurso sobre la figura cúbica revela sus conocimientos de geometría y matemáticas y su participación en algunas de las campañas militares de Carlos I (en Alemania, Flandes e Italia) habla de su talante inquieto.

La Puerta del Paraíso es el nombre con el que se conoce popularmente a la puerta este del Baptisterio de Florencia, se encuentra ubicada frente a la catedral de Santa María del Fiore.

Doménico Fancelli 1469 - 1519

Fue un escultor italiano que trabajó fundamentalmente en España, donde fue uno de los introductores del Renacimiento. Sus obras más destacadas son el sepulcro del cardenal Diego Hurtado de Mendoza, en la catedral de Sevilla, y el de los Reyes Católicos en la catedral de Granada. Nació en Settignano, cerca de Florencia. Se sabe muy poco acerca de su etapa de formación, que debió de tener lugar en Florencia y en Roma. Por encargo del conde de Tendilla, esculpió en Génova el sepulcro de Diego Hurtado de Mendoza, hermano del conde, que había fallecido en 1502. Posteriormente el sepulcro fue transportado a Sevilla y Fancelli lo situó en la catedral. Hacia 1510 recibió el encargo de realizar el sepulcro del príncipe Don Juan, heredero prematuramente fallecido de los Reyes Católicos, para el Real Monasterio de Santo Tomás, en Ávila, y el éxito que alcanzó con esta obra le valió que se le encargase la que es probablemente su obra más conocida, el sepulcro de los Reyes Católicos en la Capilla Real de la catedral de Granada, terminado en 1517. Recibió también el encargo de realizar los monumentos sepulcrales de los reyes Juana y Felipe de Castilla, pero murió antes de llevarlos a cabo. Fue sustituido en estas obras por Bartolomé Ordóñez. Tuvo una gran influencia en la escultura española, como puede verse en la obra de artistas como Vasco de la Zarza.

Detalle del sepulcro del príncipe Don Juan de Aragón y Castilla.

Vasco de la Zarza …. - 1524

Fue un escultor renacentista español. Su actividad está documentada entre 1508 y 1524, y trabajó sobre todo para la catedral de Ávila y conventos de la misma ciudad, aunque realizó también obras en Ampudia (Palencia), Cuéllar (Segovia), Olmedo (Valladolid) y Toledo. Parece ser que nació en Toledo, aunque otros le han considerado de origen portugués. Es mencionado por primera vez en 1499, cuando se le encarga la talla del sagrario del retablo mayor de la catedral de Ávila, que cobra en 1508. Su obra presenta influencias de Domenico Fancelli. Se cree que pudo haber realizado un viaje a Italia en su juventud, lo que le habría posibilitado entrar en contacto con el arte renacentista italiano.

Ávila.Sepulcro del Tostado

Felipe Bigarny 1475 – 1543

Fue un maestro escultor y tallista borgoñón radicado en España, considerado como uno de los más insignes del Renacimiento español. Presentó además algunos proyectos como arquitecto. En sus obras coexisten rasgos flamencos, borgoñones y renacentistas italianos. Consiguió un gran prestigio y se convirtió en el maestro de escultura y talla de la Catedral de Burgos. También intervino en importantes obras por toda la Corona de Castilla, con lo que llegó a manejar varios talleres simultáneamente, lo que le proporcionó una buena posición socioeconómica.

Retablo de la catedral de Santa María de Toledo.

Alonso Berruguete 1490 - 1561

Escultor castellano, hijo del pintor Pedro Berruguete, es uno de los referentes fundamentales de la imaginería española del Renacimiento. También realizó obras pictóricas. Tenemos pocos datos concretos acerca de la vida del artista, aunque se conoce bien su familia, las fechas y precios de sus obras o los pleitos que tuvo. Como hijo de un pintor afamado, aprendió pintura y escultura en el taller familiar; sus obras de entonces evidencian el contacto con los escultores activos en Castilla, fundamentalmente en Burgos, Ávila, Valladolid y Palencia. Desde 1507 estuvo en Italia ampliando sus conocimientos de pintura, principalmente en Florencia, donde debió llegar hacia 1512. Allí es citado varias veces por Vasari en sus Vidas de artistas, quien constata sus contactos con Bramante, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. Estuvo entre los manieristas toscanos discípulos de Andrea del Sarto y hay quien afirma que participó activamente en la génesis del Manierismo pictórico florentino. Ejemplo de ello es una curiosa Salomé de la Galería de los Uffizi.

Alonso Berruguete, representado en una estatua en Madrid (José Alcoverro, 1892).

Juan de Juni 1506 – 1577

Fue un escultor franco-español. Junto con Alonso Berruguete, Juni formó la gran escuela de la escultura castellana, con una gran y extensa obra realizada mayormente en los más de treinta años que permaneció en Valladolid. Eso le ha valido su presencia destacada en el Museo Nacional de Escultura, especialmente, y en el Museo Diocesano y Catedralicio de Valladolid, entre otros lugares de la ciudad. Presentó un gran dominio en los materiales escultóricos como el barro cocido, la piedra y la madera y un perfecto conocimiento de la anatomía humana.

Piedad de Medina del Campo.

León y Pompeo Leoni 1509 – 1590 / 1533 - 1608

Fueron dos destacados escultores italianos. Pompeo era el hijo de León, con el que colaboró al servicio de la familia real española. De familia originaria de Arezzo, se estableció en Milán y en 1556 se trasladó a España para dedicarse a los encargos de la corte española, en la que permaneció hasta su fallecimiento. León y Pompeo trabajaron en su principal encargo, el grupo escultórico de estatuas orantes de Carlos I y su familia para la Iglesia del Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Felipe II. Museo del Prado.

Pedro Berruguete 1450 - 1503

Fue un pintor español, situado en la transición del estilo Gótico a la pintura renacentista. La mención a un «Pietro Spagnuolo pittore» trabajando en Urbino en 1477, hizo que, desde 1927, se identificase al así llamado con Pedro Berruguete, suponiendo una formación y estancia italiana del pintor que no es aceptada por toda la crítica.1 Tras su formación, probablemente con Fernando Gallego en Salamanca, habría viajado muy joven a Italia, donde se documenta a «Pietro Spagnuolo» trabajando bajo el mecenazgo del duque de Urbino, Federico de Montefeltro. Esa estancia italiana le habría permitido conocer a los principales artistas del Quattrocento, como Melozzo da Forlì, y aprender las técnicas y maneras renacentistas, como el dominio del espacio, la anatomía o la variedad y naturalidad en los gestos, además de los elementos arquitectónicos y decorativos propios del Renacimiento, aunque de regreso a Castilla, hacia 1483, estas características no se muestren tan evidentes en su pintura. Fue padre de uno de los artistas más destacados del Renacimiento hispano, Alonso Berruguete.

Anunciación, 1505 (Cartuja de Miraflores, Burgos).

Juan de Juanes 1507 - 1579

Nombre por el que se conoce a Vicente Juan Macip, fue un pintor español del Renacimiento, hijo de Vicente Macip. Sus primeras obras las realiza junto a su padre, lo que ha creado serios problemas para determinar la autoría de las obras anteriores a 1550, fecha de la muerte de Macip. Es especialmente problemática la atribución de los paneles del Retablo de la Catedral de Segorbe. Formado en el taller paterno, en 1534 se encargó ya en solitario del retablo de San Eloy en la iglesia de Santa Catalina, dañado en un incendio en 1584 y copiado por Francisco Ribalta.

La Santa Cena (h. 1562), óleo sobre tabla, 116 x 191 cm, Madrid, Museo del Prado.

Luis de Morales 1509 - 1586

Fue un pintor español de estilo manierista. Debido a la fama que disfrutó en vida y a la predilección por temas religiosos en sus obras, fue llamado «El divino Morales». Desarrolló su actividad en un relativo aislamiento en Extremadura, si bien sus obras se distribuyeron por toda la Península. En su pintura se observa un alargamiento de las figuras y el uso de la técnica del esfumado leonardesco, lo cual hace pensar en influencias de escuelas pictóricas extranjeras. No obstante, debido a su particular estilo de representación su obra es fácilmente identificable..

Virgen con el Niño (Museo del Prado)

Alonso Sánchez Coello 1531 - 1588

Fue un pintor renacentista español, nombrado pintor de cámara de Felipe II. En 1552 trabajó como pintor de la familia real en la capital portuguesa y en 1555 estaba de regreso en España, donde se convirtió en el retratista de la familia real y de su entorno más cercano, como la Infanta Juana y, a partir de 1559, de la corte de Felipe II. Era admirador de Tiziano, como él, experto en retratos y figuras sencillas, y de un detallismo propio de Velázquez. Entre su obra, se encuentran diversas escenas religiosas para la iglesia y los nobles de la corte, aunque su fama la debe a los retratos, todos ellos de la familia real o su entorno cercano. Son retratos de gran sencillez en los que refleja sin artificio a los personajes, casi siempre situados ante un fondo neutro (verbi gratia, un cortinaje de color oscuro) que acentúa los colores y calidades de las ropajes. Sánchez Coello no siguió en sus obras la tradición prevaleciente en los gustos españoles de entonces, sino que combinó influencias de las escuelas manierista y romanista.

Retrato de Isabel Clara Eugenia, Museo del Prado.

Juan Pantoja de la Cruz 1553 - 1608

Fue un pintor español renacentista, especializado en el retrato cortesano con una estética que es todavía la del manierismo renacentista, formado en los modelos de Antonio Moro y Alonso Sánchez Coello. Siguiendo la tradición del retrato flamenco, se esmeró en mostrar minuciosamente los encajes, vestidos y joyas de sus modelos, que situaba en pie, algo envarados y sobre un fondo neutro oscuro, o al lado de una mesa o un sillón frailero con intención simbólica. También las manos se dibujan con precisión, y con la misma intención simbólica reposan sobre la espada en los hombres, o llevan un pañuelo o un abanico en las mujeres. Conforme a la tradición del retrato de corte y el magisterio de la escuela veneciana de Tiziano, los miembros de la realeza por él retratados aparecían austeros, sobrios y convencionalmente elegantes. En los poco agraciados rostros apenas hay estudio psicológico, primando la inexpresividad. Erguidos sobre inmensos cuellos blancos, los retratados miran fijamente hacia el espectador.

La infanta Isabel Clara Eugenia, 1599 (Alte Pinakothek de Múnich)

Manierismo Rasgos del Manierismo:

pero finalmente se extendió hasta España, Europa central y Europa del norte. Se trataba de una reacción anticlásica que cuestionaba la validez del ideal de belleza defendido en el Alto Renacimiento.

Liberación del culto a la belleza clásica y a sus componentes básicos, tales como la serenidad, el equilibrio o la claridad. Este paso se inicia con laguna obra de Miguel Ángel o Rafael.

El manierismo se preocupaba por solucionar problemas artísticos intrincados, como desnudos retratados en posturas complicadas. Las figuras en las obras manieristas tienen frecuentemente extremidades graciosas pero raramente alargadas, cabezas pequeñas y semblante estilizado, mientras sus posturas parecen difíciles o artificiales es decir alla maniera.

Insumisión a la verosimilitud. Las obras reflejan una tensión interior que terminan con el irrealismo y la abstracción, olvidando la relación obra representada/escenario. Convencionalismo en el color, proporciones y disposiciones o posturas de las figuras humanas pintadas o esculpidas. El manierismo se originó en Venecia, gracias a los mercaderes, y en Roma, gracias a los Papas Julio II y León X,

Andrea Palladio 1508 - 1580

Trabajó fundamentalmente en la ciudad de Vicenza y sus alrededores, y también en la misma Venecia. Se le considera el arquitecto que tal vez «mejor supo actualizar la herencia de las formas clásicas con la realidad del momento central del Cinquecento». Sus villas campestres y otras obras han influido de manera importante en la arquitectura del Neoclasicismo También es tratadista, sobre todo de arquitectura. Es el referente de los artistas del barroco.

Basílica Palladiana, Vicenza.

Jacopo Sansovino 1486 - 1570

Fue un arquitecto y escultor renacentista italiano, conocido sobre todo por sus obras alrededor de la Plaza de San Marcos en Venecia. Andrea Palladio, en el Prefacio de sus Quattro Libri opinaba que la Biblioteca Marciana de Sansovino era el mejor edificio erigido desde la Antigüedad. La Vita de Sansovino es la única de las escritas por Giorgio Vasari que imprimió separadamente.

Biblioteca Marciana.

Giulio Romano 1499 - 1546

Fue un pintor, arquitecto y decorador italiano del Siglo XVI, prominente alumno de Rafael, cuyas innovaciones en relación al clasicismo del alto Renacimiento ayudaron a definir el estilo definido como manierismo. Los dibujos de Romano han sido muy buscados por los coleccionistas. Los grabados de la época sobre su obra fueron una contribución significativa para la difusión del estilo manierista en toda Europa.

Palazzo Te, Mantua.

Benvenuto Cellini 1500 - 1571

Fue un escultor, orfebre y escritor italiano. Se convirtió en uno de los orfebres más importantes del Renacimiento italiano y realizó monedas labradas, joyas, floreros y adornos exquisitos. Su autobiografía es un valioso testimonio de la época, aunque no carece de ingredientes fantasiosos.

Perseo con la cabeza de Medusa (1545-1554).

Juan de Bolonia 1529 - 1608

Conocido en Italia como Giovanni Da Bologna o más abreviadamente Giambologna y en España como Juan de Bolonia, fue un escultor francés que trabajó en la Italia de finales del Renacimiento. Fue autor de varias de las esculturas más famosas, en mármol y bronce, sobre temática mitológica. Ocupa asimismo un puesto clave en la historia de la escultura europea, como puente entre el Renacimiento de Miguel Ángel y el Barroco de Bernini.

Rapto de las Sabinas, Florencia.

Agnolo di Cosimo “Il Bronzino” 1503 - 1572

Pintor italiano predominantemente áulico y uno de los más destacados representantes del manierismo, que se ha vuelto más refinado, maduro e intelectual. Se tiene poca información fidedigna en relación a su infancia. Precisamente esa falta de datos hace suponer como muy probable que naciera en el seno de una familia muy humilde, lo que explicaría la dificultad para establecer su verdadero apellido. Adoptó como apellido el apodo que se le dio, el sobrenombre «Bronzino», que en italiano significa «broncíneo». Quizás se deba al color oscuro de su piel o a su carácter cerrado «como el de una estatua».

Alegoría del triunfo de Venus, National Gallery de Londres

Jacopo carruca “Il Pontormo” 1494 - 1557

Jacopo Carrucci nace en la localidad de Pontormo, cerca de Empoli, hijo de Bartolomeo di Jacopo di Martino Carrucci y de Alessandra di Pasquale di Zanobi. Giorgio Vasari, que relata cómo el niño huérfano paseaba «joven, sólo y melancólico», lo acoge como aprendiz. Jacopo no llevaba muchos meses en Florencia cuando Bernardo Vettori lo envía a una estancia con el Leonardo da Vinci para más tarde estar a cargo de lo maestros Mariotto Albertinelli, Piero di Cosimo, y finalmente, en 1512, con Andrea del Sarto junto con Rosso Fiorentino, con quien no permanecería mucho tiempo ya que después de hacer los cartones para el arco de Servites, éstos no fueron del agrado de Andrea, lo que hace que se acabe de hartar y se marche. Pontormo pinta solamente alrededor y en la misma Florencia, apoyado por el patrocinio de los Médici..

El descendimiento de la cruz.

Girolamo Mazzola “Il Parmigianino” 1500 - 1569

Fue un pintor italiano perteneciente a la Escuela de Parma. Condiscípulo de Parmigianino en el taller de sus tíos, se refugió junto a éste en Viadana durante la guerra que asolaba a Parma. En 1529 se casó con la hija de Pier Ilario Mazzola, tomando a partir de entonces el apellido familiar. El primer encargo del que se tiene constancia es junto a su suegro: la Inmaculada Concepción para el Oratorio della Concezione (ahora en la Galleria Nazionale de Parma, 1533). Sin embargo, la obra es totalmente de su manos y ya nos muestra a un pintor perfectamente maduro y seguro de sus posibilidades. Ya sigue de cerca el estilo de Parmigianino con firmeza.

Sagrada Familia, Museo de Bellas Artes de Budapest.

Giuseppe Arcimboldo 1527 - 1593

Fue un pintor italiano, conocido sobre todo por sus representaciones manieristas del rostro humano a partir de flores, frutas, plantas, animales u objetos; esto es, pintaba representaciones de estos objetos en el lienzo, colocados de tal manera que todo el conjunto tenĂa una semejanza reconocible con el sujeto retratado. Un proceso cercano a la anamorfosis en el contexto de las ilusiones Ăłpticas.

Primavera, 1573.

El Greco 1541 - 1614

Fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez. Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y Tintoretto, y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo (España), donde vivió y trabajó el resto de su vida.

Detalle de Cristo abrazado a la cruz (1580-85).

La curaciĂłn del ciego (1567), Dresde. Pintura del periodo veneciano realizada con la tĂŠcnica del temple

Barroco El Siglo de Oro fue una época de auge cultural y en el que se dieron varias corrientes. Una de las más importantes fue la del Barroco que abarcó todas las manifestaciones artísticas desde los inicios del 1600, extendiéndose a lo largo de aproximadamente 150 años.

utilizó en principio con sentido peyorativo, para nombrar la desmesura y la irracionalidad de ciertos artistas. El nombre con el que se bautizó esta corriente cultural fue dado tiempo después por críticos del arte, quienes tomaron la traducción francesa de la palabra de proveniencia portuguesa, joya falsa o perla en forma de r; la cual se utilizó con posterioridad para describir aquellos objetos de exagerada ostentación o de mal gusto.

Barroco es un término que procede del francés baroque y que permite nombrar a un movimiento cultural y estilo artístico desarrollado entre el siglo XVII y mediados del siglo XVIII. El barroco alcanzó diversas disciplinas (la arquitectura, la pintura, la música, la literatura, etc.) y se caracterizó por la ornamentación excesiva.

Los motivos del surgimiento de esta nueva manifestación se dieron por varios factores, especialmente relacionados con el mayor exponente de la iglesia católica: el Vaticano. Éste se encontraba bajo duras críticas por parte de diversos sectores que cuestionaban sus actos de corrupción, la reforma protestante estaba haciéndose sentir, cuestionando a la iglesia católica con la existencia de la virginidad de María y la autoridad del Papa, factores que debilitaban profundamente el poder del clero.

El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI y precedió al neoclasicismo. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.. Comenzó a popularizarse en Italia y luego se extendió hacia el resto de Europa. El concepto de barroco fue acuñado por sus críticos y se

Gian Lorenzo Bernini 1598 - 1680

Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano. Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco. Fue uno de los mejores arquitectos del barroco romano, junto con sus contemporáneos Francesco Borromini y Pietro da Cortona. Al principio de sus carreras, todos trabajaron en el Palacio Barberini, pero después compitieron por los encargos de grandes obras y desarrollaron una feroz rivalidad, particularmente Bernini y Borromini.

Plaza de San Pedro.

Baldaquino de la BasĂlica de San Pedro.

Francesco Borromini 1599 - 1667

Fue un arquitecto suizo-italiano, considerado uno de los máximos exponentes del barroco romano. Siendo así sirviente de Bernini. La obra de Borromini resulta muy original, sin precedentes claros salvo la influencia parcial de Miguel Ángel, a quien el arquitecto admiraba.Entre los principales elementos y criterios arquitectónicos utilizados en su obra, cabe destacar: Orden gigante, utilizado en forma complementaria y alternada. Planta central, que sería una tendencia distintiva de las iglesias barrocas, Dinamismo espacial, Uso de la luz, Incorporación de la escultura, Materiales simples y económicos, Esquema geométrico modular, superando al módulo aritmético de la arquitectura clásica..

Fachada de San Carlo alle Quattro Fontane.

Carlo Maderno 1556 - 1629

Fue un arquitecto de origen italiano, nacido en Capolago, cantón del Tesino (Suiza) Bajo el pontificado de Paulo V, gana el concurso para la conclusión de la Basílica de San Pedro del Vaticano, en la que plantea, para dar una mayor cabida a los fieles, transformar el proyecto de Miguel Ángel de planta de cruz griega centralizada en una planta de cruz latina, longitudinal. La solución de Maderno debía ser un compromiso que no alterara el concepto fundamental planteado por Miguel Ángel, la cúpula, como elemento dominante y organizador del espacio, así al levantar la monumental fachada, esta se desarrolla en la medida de lo posible longitudinalmente y no en altura, pese a su gran monumentalidad. La cúpula de Miguel Ángel, en cualquier caso queda desplazada hacia el fondo, debido a los nuevos volúmenes introducidos. Sin embargo, está reconocido el mérito de Maderno al haber obrado con un gran respeto por la obra de Miguel Ángel, y haber articulado el edificio, con todos los condicionantes que se le planteaban, teniendo muy en cuenta el espacio que lo precedía y preparando la gran solución urbanística dada por Bernini para la plaza.

Fachada de la Basílica de San Pedro (Ciudad del Vaticano), diseñada por Carlo Maderno.

Jules Hardouin-Mansart 1646 - 1708

Arquitecto francés, uno de los más importantes del siglo XVII europeo, considerado la cumbre del Barroco en Francia, estilo que sirvió para engrandecer el nombre de Luis XIV. Su primera obra para el monarca francés fue la ampliación del palacio de SaintGermain-en-Laye. Cuando Luis XIV trasladó su corte a Versalles, Mansart fue requerido para realizar las obras de ampliación, en 1675. Se convirtió en el Primer Arquitecto del rey en 1681, y realizó todas las obras del Palacio de Versalles, incluyendo las alas Norte y Sur, la Capilla Real (junto con Robert de Cotte) y la famosa Sala de los Espejos, decorada por Charles Le Brun, su colaborador. Fuera del palacio, construyó el palacete del Gran Trianón y la Orangerie, así como las residencias exteriores, como el Palacio de Marly (iniciado en 1679). Fue nombrado Superintendente de las Construcciones Reales en 1699. Otras de sus obras más conocidas en París son el Pont-Royal, la iglesia de San Roque, la gran iglesia cupulada de Saint-Louis-des-Invalides, en el Hôtel des Invalides (1680), la Plaza de las Victorias (Place des Victoires) (1684–86) y la Plaza Vendôme (1699). La mayoría de estas obras se pueden contemplar actualmente, aunque algunas fueron modificadas a lo largo del siglo XIX, como la Plaza Vendôme.

Château de Dampierre-en-Yvelines

Gian Lorenzo Bernini 1598 - 1680

Fue un escultor, arquitecto y pintor italiano. Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado escultor de su generación, creador del estilo escultórico barroco. Bernini poseía la habilidad de crear en sus esculturas escenas narrativas muy dramáticas, de captar unos intensos estados psicológicos y también de componer conjuntos escultóricos que transmiten una magnífica grandeza.3 Su habilidad para tallar el mármol llevó a que fuera considerado un digno sucesor de Miguel Ángel, muy por encima de sus coetáneos y especialmente de sus grandes rivales, Alessandro Algardi y Francesco Borromini. Su talento se extendió más allá de la escultura y fue capaz de sintetizar de manera brillante la escultura con la pintura y la arquitectura en un todo conceptual y visual coherente.4 Hombre profundamente religioso que puso su arte al servicio de la Contrarreforma,5 Bernini empleó la luz como un destacado recurso metafórico que completa sus obras, en ocasiones con puntos de iluminación invisibles que intensifican el foco de la adoración religiosa6 o amplifican el dramatismo de la narrativa escultórica..

Apolo y Dafne (1622–25)..

Gregorio Fernández 1576 - 1636

Fue un escultor español del Barroco, máximo exponente de la escuela castellana de escultura. Heredero de la expresividad de Alonso Berruguete y Juan de Juni, supo reunir a estas influencias el clasicismo de Pompeyo Leoni y Juan de Arfe, de manera que su arte se liberó progresivamente del Manierismo imperante en su época hasta convertirse en uno de los paradigmas del Barroco español. La colección más importante de su obra se encuentra en el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid. Fernández trabajó para las cofradías vallisoletanas, y el museo cede, como un hecho museístico singular, importantes piezas de sus fondos a las cofradías durante la celebración de la Semana Santa. Fue el creador de modelos fundamentales de la imaginería barroca española, como los Cristos yacentes, las piedades o los crucificados. También fue decisiva su aportación al campo del retablo, creando excelentes conjuntos escultóricos que se alejan de la estética escurialense para acercarse al Barroco pleno. Se trata de uno de los mejores representantes, si no del más importante, de la destacada escuela castellana de escultura. Fue también un gran exponente del espíritu que imperaba en la contrarreforma que tan profundamente se vivía en España

Detalle de la Piedad de La sexta angustia, Museo Nacional de Escultura, Valladolid.

François Girardon 1628-1715

Fue un escultor francés nacido en Troyes, fue uno de los maestros de la escultura decorativa y monumental. Fue el protegido del canciller Séguier que le envió a Roma para su formación. Académico en 1657, fue uno de los principales colaboradores de Charles Le Brun. Trabajó con éste último y con André Le Nôtre en la construcción del Palacio de Vaux-le-Vicomte. Participó en la decoración de la galería de Apolo del Louvre y realizó importantísimas obras para los jardines del Palacio de Versalles: el Apolo servido por la ninfas, La estatua del Invierno, el bajorrelieve El baño de las Ninfas del que, un modelo reducido, se encuentra en el Museo del Louvre. Esculpió, asimismo, la Tumba de Richelieu, en la Sorbona, y la estatua ecuestre de Luis XIV, erigida en la plaza de Louis-le-Grand (hoy plaza Vendôme) que fue destruida durante la Revolución francesa y de la cual hay un modelo reducido en el Museo del Louvre.

Busto de Nicolas Boileau.

Antoine Coysevox 1640 - 1720

Fue un escultor francés, nacido en Lyon, y descendiente de una larga familia emigrante de España. Entre sus obras de Marly están el Mercurio y la ecuestre Fama (1702) y Neptuno y Anfítrite, trasladados en 1719 a los Jardines de las Tullerías; Justicia y Fortaleza y el Río Garona en Versalles. Se le considera un gran retratista, inspirado por Gian Lorenzo Bernini. En sus esculturas de retratos se dice que tuvo gran éxito reflejando la semejanza con los modelos; hizo retratos en busto de la mayor parte de los hombres célebres de su tiempo, incluyendo a Luis XIV y a Luis XV en Versalles, Colbert (en SaintEustache), el Cardenal Mazarino (en la iglesia del Colegio de las Cuatro Naciones), el Gran Condé (en el Louvre), María Teresa I de Austria, Turena, Vauban, los Cardenales de Bouillon y de Polignac, el duque de Chaulnes (Galería Nacional de Arte de Washington DC); Fénelon, Racine, André Le Nôtre (iglesia de St-Roch); Bossuet (en el Louvre), el conde de Harcourt, el Cardenal de Fürstenberg y Charles Le Brun (en el Louvre)..

Neptuno, de Marly, 1699-1705 (Louvre).

Caravaggio 1571 - 1610

Fue un pintor italiano activo en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia entre los años de 1593 y 1610. Es considerado como el primer gran exponente de la pintura del Barroco. Caravaggio produjo mayoritariamente pinturas religiosas. Sin embargo, a menudo escandalizaba y sus lienzos eran rechazados por sus clientes. Dos de los reproches habituales eran el realismo de sus figuras religiosas rozando el naturalismo temprano, así como la elección de sus modelos entre la gente de más baja condición.4 En lugar de buscar bellas figuras etéreas para representar los actos y personajes de la Biblia, Caravaggio prefería escoger a sus modelos de entre el pueblo: prostitutas, chicos de la calle o mendigos posaron a menudo para los personajes de sus cuadros. Para La Flagelación, compuso una coreografía de cuerpos en claroscuro con un Cristo en movimiento de total abandono y de una belleza carismática.

Los discípulos de Emaús (1601). Óleo sobre tela, 139 x 195 cm. National Gallery de Londres..

Annibale Carracci 1560 - 1609

Fue un pintor y grabador italiano del barroco, perteneciente a la corriente del clasicismo romano-boloñés. Es el miembro más famoso de la saga de pintores Carracci. Considerado el rival de Caravaggio, encarnó una opción artística opuesta a la de aquel. El principal objetivo de los tres Carracci fue renovar la pintura, que entendían que había degenerado durante el Manierismo y que también veían en peligro por el naturalismo de Caravaggio, al que algunos apodaban «Anticristo del arte». Los Carracci pusieron un énfasis especial en el dibujo lineal típicamente florentino, ejemplificado por Rafael y Andrea del Sarto, frente a los diseños sin boceto previo, aparentemente descuidados, de Caravaggio. Pero les interesó también la atención veneciana al uso del color rico y más y muy matizado, con efectos atmosféricos, especialmente las obras del pintor al óleo veneciano Tiziano, que Annibale y Agostino estudiaron durante sus viajes por toda Italia en 1580-81 a instancia del mayor de los Caracci Ludovico. Este eclecticismo se convertiría en el rasgo definitivo de los artistas del barroco Emiliano o escuela boloñesa, incluyendo a los seguidores más prominentes de los Carracci: Domenichino y Reni.

Asunción de la Virgen, 1590, Museo del Prado

Rembrandt 1606 - 1669

Fue un pintor y grabador neerlandés. La historia del arte le considera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de los Países Bajos.1 Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro neerlandesa, el considerado momento cumbre de su cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política.

La tormenta en el mar de Galilea, 1633. Obra en paradero desconocido desde su robo del museo Isabella Stewart Gardner en 1990.

Johannes Vermeer 1632 - 1675

Llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer e incluso Jan ver Meer, es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Bajos experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural.

La obra completa de Vermeer es muy reducida; solamente se conocen 33 a 35 cuadros.2 Esto pudo deberse a que pintaba para mecenas, por encargo, más que para el mercado de arte.

La lechera (1658-1660). Rijksmuseum (Ámsterdam).

Pedro Pablo Rubens 1577 - 1640

También conocido como Pieter Paul, Pieter Pauwel, Petrus Paulus, y, en español, Pedro Pablo Rubens, fue un pintor barroco de la escuela flamenca. Su estilo exuberante enfatiza el dinamismo, el color y la sensualidad. Sus principales influencias procedieron del arte de la Antigua Grecia, de la Antigua Roma y de la pintura renacentista, en especial de Leonardo da Vinci, de Miguel Ángel, del que admiraba su representación de la anatomía,2 y sobre todo de Tiziano, al que siempre consideró su maestro y del que afirmó «con él, la pintura ha encontrado su esencia».

Las tres Gracias, Museo del Prado.

Nicolas Poussin 1594 - 1665

fue un pintor francés, uno de los más destacados de la escuela clasicista. Poussin fue el fundador y gran practicante de la pintura clásica francesa del siglo XVII. Su obra simboliza las virtudes de la claridad, la lógica y el orden. Su influencia en el arte francés llega hasta la actualidad. Pasó la mayor parte de su vida pintando en Roma, excepto durante un corto período en el que el cardenal Richelieu le ordenó regresar a Francia como pintor del rey. La mayor parte de sus obras son pinturas de historia de temas religiosos o mitológicos que a menudo tienen un importante elemento paisajístico. Hasta el siglo XX permaneció como fuente de inspiración dominante para los artistas de orientación clásica como Jacques Louis David y Paul Cezanne.

La inspiración del poeta, 1624-1633, óleo sobre lienzo, 183 × 213 cm, Museo del Louvre, París

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Diego Velázquez 1591 - 1660

Conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal. Pasó sus primeros años en Sevilla, donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista, por influencia de Caravaggio y sus seguidores. A los 24 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores de la corte.

Venus del espejo (1650). El reducido cromatismo del cuadro, limitado a un rojo brillante, un cálido marrón, un suave azul y un blanco, hace resaltar el cuerpo de Venus, que domina sobre lo demás, y que en realidad está pintado por mezcla de esos cuatro colores. Venus aparece en una postura sensual y a la vez pudorosa.

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Bartolomé Esteban Murillo 1617 - 1682

Fue un pintor barroco español. Formado en el naturalismo tardío, evolucionó hacia fórmulas propias del barroco pleno con una sensibilidad que a veces anticipa el Rococó en algunas de sus más peculiares e imitadas creaciones iconográficas como la Inmaculada Concepción o el Buen Pastor en figura infantil. Personalidad central de la escuela sevillana, con un elevado número de discípulos y seguidores que llevaron su influencia hasta bien entrado el siglo XVIII, fue también el pintor español mejor conocido y más apreciado fuera de España.

Niños jugando a los dados, hacia 1665-1675, óleo sobre lienzo, 140 x 108 cm, Múnich, Alte Pinakothek.

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