PROYECTOS Y ACTIVIDADES DE ESPACIO TRAPÉZIO
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REFERÉNDUM 17/05/2011 > 22/05/2011 Un referéndum es una elección, a través de la cual el cuerpo electoral de un país, nación, región o grupo expresa su voluntad respecto a un asunto o decisión, que sus representantes constitucionales o legales someten a su consulta. Por lo general es de la forma sí o no, donde se responde a una pregunta planteada por el ente electoral y los interesados en llevarla a cabo. El referéndum es el mecanismo de democracia semi-directa por antonomasia y en la actualidad complementa el régimen de democracia representativa, potenciando la intervención directa del cuerpo electoral. El referéndum es un procedimiento para tomar decisiones por el cual los ciudadanos ejercen el derecho de sufragio para decidir acerca de una propuesta de resolución mediante la expresión de su acuerdo o desacuerdo. Para llegar al acuerdo tiene que haber mayoría absoluta entre los votos. El resultado del mismo puede ser obligatorio (vinculantes), o no obligatorios (consultivos). Un referéndum consultivo puede dejar la interpretación del voto al poder legislativo (como el referéndum sobre la Constitución Europea en España). Su obligatoriedad puede basarse en el coste político que supondría no obedecerlo y no en una obligación legal. Un referéndum obligatorio es posible sólo en algunos países y sobre algunos temas, y un cierto tamaño del electorado participante muchas veces es también un requisito previo. Los días 17,18,19, 20, 21 y 22 de Mayo se instalarán dos urnas destinadas a que los usuarios de espacio trapézio y los visitantes del Mercado de San Antón puedan votar sus preferencias e intereses en relación a la cultura, el arte y la ciudadanía. Una primera urna destinada a la votación sobre "actividades" y una segunda destinada a votar "temas". Los resultados de dicha votación, sin ser estrictamente vinculantes, serán presentados a la Comisión Técnica de espacio trapézio para su posterior estudio. Las conclusiones extraídas de los resultados serán publicadas en la página web e inspirarán la futura programación de proyectos, actividades y eventos.
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Cluster #1 Félix Fernández 24/05/2011 > 05/06/2011 Un programa de presentación de trabajos videográficos en formato instalación monocanal. El Programa Cluster se define como un sistema para presentar obras de videoarte que han sido realizadas mediante becas de producción o durante residencias artísticas internacionales. Desde espacio trapézio interesa plantear la recepción del vídeo y su visibilidad, ofreciendo un lugar y tiempo adecuados para su observación. Presentar una única pieza de vídeo ofrece al visitante la posibilidad de acercarse plenamente a un trabajo artístico en particular, funcionando el espacio expositivo bajo una dinámica de showcase en la que una obra de arte recibe toda la atención. Programa Cluster recibe su nombre de la configuración en serie de los discos duros de los ordenadores donde se almacena la información. El Programa Cluster se divide en la programación anual de espacio trapézio, con un grado de flexibilidad importante pero siempre con la voluntad de ofrecer el mejor contexto de presentación para las obras seleccionadas. Cluster #1 Félix Fernández. Ich Allein Auf Fremden Wegen (Yo en Caminos Ajenos), 2010, vídeo HD, proyección monocanal, 6’, color, sonido estéreo. El vídeo, grabado en un estival Berlín, nos habla de la adaptación del ser humano a un entorno desconocido y de cómo la identidad se amolda a patrones que no son propios para sentirnos integrados. Para ello se proponen distintas partes conceptuales que nos guían en este proceso adaptativo: contemplación, participación, control, repetición y desconocimiento. En este trabajo el autor se convierte en intérprete y narrador, y hace al espectador cómplice de sus pensamientos en relación con lo que le rodea, aunque finalmente desvela un secreto que hará que todo lo dicho durante el vídeo cambie de sentido. El vídeo profundiza en la identidad del inmigrante, en la conciencia de la diferencia y la inclusión o exclusión. Vídeo producido con ayuda de la Bolsa de Creación Artística en el Extranjero Gas Natural Fenosa 2010 y que forma parte del proyecto "Crossed Lines" que el artista presentará en el MACUF Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa de A Coruña durante el otoño de 2011. Félix Fernández (Lugo, 1977) es artista multidisciplinar. Licenciado en Bellas Artes se forma paralelamente en danza contemporánea y teatro-performance. Ha sido becado en 2010 por Unión FENOSA para residir en Berlín y Nueva York; en el 2008 por el Centro Coreográfico Galego y la Comunidad de Madrid; en el 2005 por La Casa Encendida y en el 2004 por el INJUVE. Su trabajo se centra en la relación del individuo contemporáneo con el entorno que le ha tocado vivir (tiempo, espacio, cuerpo, identidad, realidad socioeconómica, paisaje, medios de comunicación, …). Es colaborador habitual de artistas y músicos como Andrés Senra, Juanma Carrillo, Rubeck y Lápsus. www.felixfernandez.org
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Preparados, listos, ya! 08/06/2011 > 10/07/2011 El trabajo de los artistas tiene distintas plataformas en el que producirse, presentarse y distribuirse. El contexto del arte es un lugar de confluencias, influencias y diálogos, un lugar donde la creación se va definiendo en proceso. El mundo del arte contemporáneo tiene comunicación con otras áreas de la cultura, sean el cine, el teatro, la literatura, sean la danza o la música. También la política, la identidad o el deseo se cruzan en el devenir de artistas y otros agentes culturales que desarrollan sus tareas alrededor del arte contemporáneo. El arte contemporáneo está en permanente cambio, sus formas son distintas, sus tiempos también, la idea de objeto aparece y desaparece, dificultando de algún modo la estabilidad en el mercado. El producto está cambiando constantemente, casi resulta complicado definirlo como "producto". En la indefinición y al mismo tiempo en la exactitud, en la voluntad de ver críticamente todo lo que nos rodea, se encuentra buena parte del valor del hecho artístico. Los artistas trabajan en presente, desarrollando proyectos que conforman el cuerpo de su obra. En esta exposición se presentan trabajos de artistas que, desde el arte, funcionan a nivel vital también en otras disciplinas, entendiendo que es necesario crear canales de comunicación que nos unan, que nos sirvan para crecer en todos los sentidos. Crecer hoy para seguir creciendo mañana, entendiendo que el futuro se define en el presente. Se presentan trabajos de artistas que están preparados, listos, que son para ya mismo. espacio trapézio está ubicado físicamente dentro de un mercado. Un mercado que ha evolucionado y reformulado su relación con el consumidor así como con sus productores. espacio trapézio presenta proyectos artísticos en este contexto. También el contexto del arte en Madrid es el hábitat natural de espacio trapézio, un contexto que, como el Mercado de San Anton, se reformula constantemente, se replantea su función y sus relaciones, sus modos de presentación, su relación con la economía sin olvidar que, por encima de todo, existe el deseo por investigar más allá de lo establecido. Artistas participantes:
Raisa Maudit
www.raisamaudit.tk
Alex Reynolds
www.alexreynolds.net
Ignacio Chávarri
www.ichavarri.com
Lucia Antonini
www.ficcionyfuncion.com
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Es la economía, estúpido! 13/07/2011 > 31/08/2011 La economía dirige nuestras vidas. Seguramente, estamos en el momento de la historia contemporánea donde esta afirmación resulta más evidente. La crisis sistémica, con la consecuente aparición ya en primer plano de las grandes instituciones que rigen la economía mundial, como por ejemplo el Fondo Monetario Internacional o el Banco Mundial, nos lo indican. Dichos organismos fueron creados después de las grandes guerras mundiales para evitar que alguna revolución pudiera desmontar el sistema. Pero también, en el día a día, la economía dirige nuestra actividad. El trabajo, los sueldos, los créditos, los alquileres, la compra de pisos, la falta de expectativas para poder consumir... elementos que marcan el cómo vivir, el cómo pensar. El campo de la política ha por encima de todo. Los superando a los gobiernos económica es un hecho migratorios humanos siguen una realidad aceptable.
permitido que la economía esté grandes capitales deciden de los países, la globalización mientras que los movimientos suponiendo un problema y no
En este contexto, los investigación. La economía, evoluciones del mercado, convierten en elementos artísticas. Propuestas que nuestra realidad y contexto, que supone que nuestras y organizadas por modelos momento, parece que necesitan algo más que una puesta a punto.
artistas encuentran material de el dinero en sí, el trabajo, las los mensajes del poder se con los que realizar propuestas nos sirven para entender para analizar críticamente lo vidas se encuentren marcadas económicos que, en este
Artistas participantes: Nuria Güell
www.nuriaguell.net
Derivart
www.derivart.info
María Ruido
www.workandwords.net
Daniel Silvo
www.danielsilvo.wordpress.com
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Contrahegemonías 06/09/2011 > 30/09/2011
El concepto de contrahegemonía tiene su matriz en el concepto de hegemonía desarrollado principalmente por Antonio Gramsci (1891-1937), para quién en las condiciones del estado moderno una clase mantiene su dominio no simplemente mediante una organización especial de la fuerza, sino porque es capaz de ir más allá de sus intereses estrechos y corporativos, de ejercer un liderazgo moral e intelectual y de realizar compromisos con una variedad de aliados que se unifiquen en un bloque popular. Contrahegemonías da cuenta de los elementos para la construcción de la conciencia política autónoma en las diversas clases y sectores populares. Plantea los escenarios de disputa en el paso de los intereses particulares hacia los intereses generales, como proceso político clave hacia un bloque social alternativo. Los colectivos artísticos participantes se encuentran en una línea de trabajo similar, muy diferentes en cuanto a procesos y propósitos pero con un importante nexo común, su interés por desbaratar los procesos hegemónicos. Un proyecto curatorial elaborado por Héctor Barrios (π) para espacio trapézio en colaboración con la UEM Universidad Europea de Madrid. Exposición, talleres y actividades del 6 al 30 de septiembre de 2011.
C.A.S.I.T.A
www.ganarselavida.net
CERREC Crear es resistir, resistir es crear
www.indignado.org/c/cerrec
CONCEPTUARTE
www.colectivoconceptuarte.blogspot.com
DEMOCRACIA
www.democracia.com.es
JUANITO Y CONSUELO
www.juanitoyconsuelo.com
EL ENIGMA DE LA FRUTA
www.elenigmadelafruta.com
EL GATO CON MOSCAS
www.elgatoconmoscas.com
FAST GALLERY
www.fastgallery.net
PSJM
www.psjm.es
TODO POR LA PRAXIS
www.todoporlapraxis.es
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Young Polish Artists on Tour 06/10/2011 > 13/11/2011
La práctica creativa de los artistas emergentes polacos, ya no está inmersa en la lucha por la libertad (como los artistas de los años 80) o la investigación de los límites de la creación (como el arte de los años 90). En la actualidad los artistas se interesan por trabajar sobre proyectos centrados en el proceso, aplicando una metodología transversal en cuanto a disciplinas o medios y colaborativa en cuanto a formas de producción y distribución. Jóvenes Artistas Polacos de Gira es una serie de actividades que se celebran en Madrid y Berlín con motivo de la presidencia semestral de Polonia en la Unión Europea, con el fin de inscribir a los artistas participantes en el circuito internacional. Las actividades se realizan en una ciudad, de referencia en su contexto regional, y son curadores y colectivos vinculados a las mismas a los que se invita a proponer seis artistas. Cada propuesta es única y trabaja en un marco de propuesta que revela nuevos aspectos de la creación emergente polaca. La exposición en Madrid presenta obras inéditas en España de Kama Sokolnicka, Zorka Wollny, Alicja Bielawska, Wojciech Bąkowski, Karolina Freino y Łukasz Ogórek. Algunas de ellas han sido producidas de forma específica para la exposición. Los artistas trabajan en un contexto de proceso de investigación que formula su proyecto, formalizando su presentación en piezas de vídeo, performance, dibujo, collage, instalación, escultura e intervención en espacio público. Jóvenes Artistas Polacos de Gira es una iniciativa de Laznia Centro de Arte Contemporáneo de Gdansk, un proyecto comisariado por Pensart para espacio trapézio, con la colaboración del Instituto Polaco de Cultura. Inauguración exposición, jueves 6 de octubre, 21 h. Encuentro de agentes culturales españoles y polacos, viernes 7 de octubre, 19 h. Instituto Polaco de Cultura. C/ Felipe IV, 12. Madrid.
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Cluster # 2 Daniel Jacoby 21/11/2011 > 11/12/2011 Programa Cluster se define como un sistema para presentar obras de videoarte que han sido realizadas mediante becas de producción o durante residencias artísticas internacionales. Desde espacio trapézio planteamos la recepción del vídeo y su visibilidad, ofreciendo un lugar y tiempo adecuados para su observación, mediante un programa de presentación de trabajos videográficos en formato instalación monocanal. Presentar una única pieza de vídeo ofrece al visitante la posibilidad de acercarse plenamente a un trabajo artístico en particular, funcionando el espacio expositivo bajo una dinámica de showcase en la que una obra de arte recibe toda la atención. Programa Cluster recibe su nombre de la configuración en serie de los discos duros de los ordenadores donde se almacena la información. Programa Cluster se divide en la programación anual de espacio trapézio, con un grado de flexibilidad importante pero siempre con la voluntad de ofrecer el mejor contexto de presentación para las obras seleccionadas. Untitled Story es un proyecto basado en la colaboración y el trabajo mediante la obra de otros creadores y formatos varios. Una novela se transforma en obra de teatro, una obra de teatro se transforma en animación en vídeo, que a su vez se transformará en un cómic manga para después pasar a ser lo que otros colaboradores quieran. Una estructura narrativa con referencias al pasado y al futuro, con conexiones entre personajes que en todo momento se ofrece casi como una construcción de lógica, sin nombres y sin demasiadas referencias. Mediante una pantalla dividida en dos partes y tres tiempos, se presenta una historia cualquiera con una serie de personajes. Una estructura narrativa con referencias al pasado y al futuro, con conexiones entre personajes que en todo momento se ofrece casi como una construcción de lógica, sin nombres y sin demasiadas referencias. Daniel Jacoby (Lima, 1985) trabaja con vídeo así como con instalación y otros formatos artísticos. Con su obra investiga sobre narrativas rotas y mezcla múltiples capas de información y tonos de presentación. Ha realizado residencias artísticas en Japón (Tokio Wonder Site) y en los Países Bajos (ARE). Próximamente realizará una residencia en Luxemburgo que terminará con una exposición individual en Casino Luxembourg Forum d'Art Contemporain. Su trabajo ha sido presentado en la Galería Toni Tàpies de Barcelona, Centro Cultural Sao Paulo en Brasil, Midway Contemporary Art de Minneapolis en los Estados Unidos y en el CA2M de Móstoles, entre otros. Daniel Jacoby y Marcel Pié. Untitled Story Vol. 2. Cortesía Galería Toni Tapies, Barcelona. Vídeo producido con el apoyo de CoNCA Consell Nacional de la Cultura i les Arts, una institución que nació tras el trabajo conjunto del sector cultural en Cataluña y que en estos momentos se encuentra en un proceso crítico de redefinición política. Inauguración lunes 21 noviembre, 20 h. www.danieljacoby.com
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Riiko Sakkinen. Syria for Dummies 16/12/2011 > 27/01/2012 Syria for Dummies es un proyecto producido durante la residencia de un mes en Damasco y Alepo, que Riiko Sakkinen realiza en septiembre de 2011. El artista ha desarrollado un trabajo de campo mediante la documentación del tejido urbano de las dos ciudades y una serie de entrevistas realizadas a personas de la población local. A su vez, llevó a cabo un taller participativo, que se tradujo como resultado en el proyecto que se presenta. La exposición consta de dos series, una presenta diapositivas cuyo origen son 368 fotografías y otra es una serie de 20 dibujos de las listas elaboradas por los participantes en el taller realizado en la Galería Le Pont de Aleppo. Las diapositivas combinan tres aspectos temáticos diferentes; Fotografías del presidente Bashar al-Assad, que los residentes y comerciantes de Damasco exhiben en sus ventanas y paredes, la yuxtaposición de ellos con sus ídolos, como el líder político Hassan Nasrallah del movimiento Hezbollah o del jugador de fútbol Cristiano Ronaldo del Real Madrid; Graffitis en las paredes de Damasco con mensajes que van de la política institucional a la música pop y el amor; Imaginería comercial que incluye la publicidad de productos locales e importados. Las listas han sido escritas por los participantes del taller en Aleppo, un grupo heterogéneo de personas que incluye desde estudiantes de arte burgueses y cristianos hasta jóvenes palestinos de los campos de refugiados. Los resultados de las listas van desde “Mis perfumes favoritos” hasta “Las reformas que quiero en mi país” y desde posiciones en favor de “Alimentos para los Pobres” hasta “Consejos que no deben faltar en la vida de una niña siria de origen armenio”. Proyecto realizado por Riiko Sakkinen en colaboración con Aline Azoyan, Nour Hourani, Nathalie Kargian, May Kolang, Reem al-Naji, Nour Othman, Ahmad Qaddura, Mohammad Shankal, Emad Salem, Toufik Wazzaz. Riiko Sakkinen (Helsinki, 1976) es el fundador del Turbo Realismo, un movimiento de arte del siglo 21 que representa al capitalismo globalizado con una verosimilitud burlona. Él cree, de acuerdo con las palabras de Pablo Picasso, que el arte no está hecho para decorar salones. Es un arma ofensiva en la defensa contra el enemigo. Y los enemigos de Sakkinen están en todas partes, el les dispara desde todas las direcciones y muerde las manos de quienes los alimentan. La obra de Sakkinen ha sido expuesta en MOMA Museo de Arte Moderno, Nueva York, Camden Arts Centre, Londres, Musac Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, España, Kiasma Museo de Arte Contemporáneo, Helsinki y Beijing 798 Biennale. Sus obras pertenecen a colecciones permanentes de varios museos como el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Kiasma Museo de Arte Contemporáneo de Helsinki, y el Museo de Arte de Helsinki. Vive y trabaja en Cervera de los Montes, Toledo, España. Proyecto realizado con el apoyo de FRAME Finnish Fund for Art Exchange y Galería Le Pont. www.riikosakkinen.com
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SÓLO VÍDEO 01/02/2012 > 04/03/2012 SÓLO VÍDEO es una aproximación al formato videográfico a través de los diferentes artistas que se presentaron a la convocatoria del Concurs d'Arts Visuals Premi Miquel Casablancas 2010 utilizando este registro. Un ensayo visual y narrativo que explora las afinidades y las relaciones existentes entre piezas y artistas sin la necesidad de fijar una temática cerrada. En definitiva, una aproximación flexible al rol que el video-arte plantea desde los contextos de arte emergente. SÓLO VÍDEO es un proyecto que funciona a un doble nivel. Por un lado, como presentación pública en diferentes instituciones del estado español; por el otro, como consumo privado a partir de su edición en DVD. Artistas participantes: Inés García, Ricardo Trigo, María Pérez, Daniel Silvo, Iván Gómez, Jesús Monteagudo, Oriol Nogues, Esther Achaerandio, Enric Montejano, Lidia González, Beatriz Sánchez, Xavier Ristol, Mercedes Mangrané, Tamara Kuselman, Miquel García, Antonio Gagliano, Ana Moreno, Gerard Ortín. Un proyecto de David Arlandis y Javier Marroquí. Producido por San Andreu Contemporani, Barcelona. www.santandreucontemporani.org
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My Character is a Battleground 07/03/2012 > 08/04/2012 Artistas: Minna Suoniemi, Lilibeth Cuenca Rasmussen, Momu & No Es La creación de personajes, la presentación de un yo complejo que nos mira directamente desde la pantalla, el explicar que la complejidad nos define y que no vamos a aceptar ser algo secundario, algo plano, algo a cerrar en una simple frase. Mi personaje es un campo de batalla. Artistas que generan personajes, tres personajes que contienen realidad, capas, identidad, la imagen y lo físico y ningún miedo al hablar sobre sí mismas. El cuerpo es un elemento más, la cultura, la política, la historia y la relación con un contexto son también elementos definitorios a tomar en consideración. Personajes que quieren tomar el control, personajes que quieren definir, personajes que no van a permitir que otros las utilicen. Querer el control y tomarlo. La artista americana Barbara Kruger utilizó recursos comunicativos desde el arte para tratar la necesidad de hacer frente a una situación de desigualdad social que afectaba, y afecta, directamente a las mujeres. Your Body is a Battleground (Tu cuerpo es tu campo de batalla) reza una de sus piezas más conocidas. Y el cuerpo es un campo de batalla, como también lo es la identidad, el background cultural y esa mirada impuesta desde fuera que define superficialmente. Una vez ganado el cuerpo, una aproximación interseccional al individuo pide tomar las riendas en muchos ámbitos. Minna Suoniemi salta a la comba con un bikini con bandera de Estados Unidos. Los detalles, lo físico, el control y la definición y ampliación de la imagen nos muestran la realidad, la propia artista que carga contra un estereotipo definido mediante una ya histórica tradición fílmica. Sin miedo, sin complejos, mostrando lo que el supuesto personaje debe esconder. Lilibeth Cuenca Rasmussen canta sobre su condición, sobre cómo es observada por los demás, sobre el hecho de no poder dejar de ser alguien exótico. Juega con el exotismo impuesto para cargar contra otros, utilizando el lenguaje como "ellos" no deberían hacerlo, juzgando y destacando niveles sociales, asumiendo el racismo social para lanzar una bomba a la supuesta normalidad imperante. Momu & No Es trabajan con la idea un personaje que representa el fin de una estirpe: los elfos. Después de una guerra fratricida, ella es lo último que queda de los elfos, convirtiéndose en el único vestigio de una supuesta tradición, historia y modos de hacer. En una entrevista paralela al videoclip, Momu & No es desvelan las interioridades del personaje, cómo ha sido creado y, en definitiva, porqué necesitamos a los personajes para hablar sobre nosotros mismos. Tres personajes, tres cuerpos, tres construcciones, tres sujetos, tres elementos activos, tres miradas directas, tres interpelaciones. Y ahora es nuestro turno. Esta exposición forma parte del l Festival Miradas de Mujeres 2012, que tendrá lugar durante el mes de marzo y que reunirá setenta exposiciones y actividades en las principales entidades y centros culturales de la Comunidad de Madrid, con el objetivo de dar visibilidad a artistas y profesionales implicadas en el mercado del arte, la investigación y la gestión de las prácticas artísticas actuales.
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In sonora. Muestra de arte sonoro e interactivo 11/04/2012 > 23/04/2012
Flo Kaufmann y Zimoun, Swarf, magnetic fields, microphones, motors. Vídeo, 2010 Séptima edición de la Muestra de Arte Sonoro e Interactivo IN-SONORA plataforma creada para dar apoyo y difusión a propuestas artísticas experimentales, relacionadas con la interactividad y/o lo sonoro, desde un punto de vista amplio y multidisciplinar. Organizada por las comisarias Maite Camacho y Betania Lozano, la Muestra acontece desde 2005 involucrando a diferentes espacios culturales por toda la ciudad de Madrid. En su séptima edición, se presenta una generación muy joven de artistas procedentes de 14 países Colombia, Malasia, Chile, Francia, México, Líbano... - seleccionados entre más de cuatrocientas propuestas recibidas por convocatoria pública el año pasado, lo que supondrá el debut en España de la mayoría de estos artistas. En espacio trapézio hemos querido apoyar esta iniciativa acogiendo las obras del colectivo ARSGAMES, Asociación Cultural con miembros de distintas nacionalidades. Piensan y experimentan con los videojuegos. Son profesionales, artistas, investigadores, estudiantes… que trabajan en torno a la investigación del videojuego en todas sus facetas (educativas, culturales, artísticas, etc.) y los artistas suizos Flo Kaufmann y Zimoun, que comparten un interés por la construcción arquitectónica de plataformas de sonido utilizando componentes simples y funcionales, explorando el ritmo mecánico y el flujo en los sistemas; por la música electrónica experimental, el sonido y las video instalaciones.
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Cluster #3 Boris Labbé 03/05/2012 > 18/05/2012
(Kyrielle, bucle, animación de acuarela sobre papel, composición digital 2D, 2011) Programa Cluster se define como un sistema para presentar obras de videoarte que han sido realizadas mediante becas de producción o durante residencias artísticas internacionales. Desde espacio trapézio planteamos la recepción del vídeo y su visibilidad, ofreciendo un lugar y tiempo adecuados para su observación, mediante un programa de presentación de trabajos videográficos en formato instalación monocanal. Boris Labbé [1987, Pirineos Altos, Francia] se licencia en la Escuela de Arte y de Cerámica de Tarbes en 2008, y en la Escuela de Cine de Animación de Angoulême en 2011. Posteriormente estudia e investiga sobre procesos de creación digital para mejorar su práctica artística. Conceptualmente está interesado en las problemáticas de percepción, de persistencia de la retina, de interdependencia del movimiento, de polirrítmica sonora. Su trabajo se centra en el arte digital formalizado mediante soportes instalativos, concibiendo sus dispositivos como video proyecciones monocanal, integrando así un trabajo de especialización. Sus piezas son animaciones en 2D y 3D, en las que utiliza diferentes técnicas gráficas de dibujo, escaneado de imágenes, cuadernos de bocetos, cuadernos de viaje, grafiti, etc, trazado vectorial y modelado con software específico. Desde septiembre de 2011 es artista en residencia de La Casa de Velázquez-Académie de France à Madrid. Presenta en espacio trapézio una selección de trabajos de reciente producción compuesta por las piezas Kyrielle (2011, animación de acuarela sobre papel), Cinétique (2011, animación digital 3D) y Il(s) tourne(nt) en rond (2010, animación digital 2D). La Casa de Velázquez-Académie de France à Madrid es, a la vez, un centro de creación artística y un centro de investigación dependiente del Ministerio Francés de Enseñanza Superior e Investigación. Es un espacio privilegiado en el que artistas de procedencias geográficas y culturales diferentes desarrollan su creatividad, reflexionan sobre su oficio y sus orientaciones estéticas compartiendo experiencias.
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Plaza Solución-Vox Populi 22/05/2012 > 02/09/2012 Los artistas plásticos Diana Larrea y Andrés Senra presentan en espacio trapézio su proyecto Plaza Solución – Vox Populi, dentro del marco de la convocatoria Stress Test. Basándose en dos propuestas de intervención pública dentro del entorno urbano, su principal objetivo es destacar la capacidad comunicadora, crítica y constructiva que desarrolla el lenguaje en el ámbito de la convivencia social dentro de una comunidad. Para llevarlo a cabo, se apoyan en la reciente reivindicación por parte de la ciudadanía del uso de la palabra en el espacio público, dentro del marco de las concentraciones populares que se han realizado en tantas ciudades españolas en protesta a la crisis del modelo social del Estado que ahora mismo sufre nuestra sociedad y una gran parte de la Unión Europea. La clave esencial del proyecto reside en entender el arte como un agente activo con potencial para desplegar estrategias idóneas que puedan operar en la población tanto a nivel político como social. Como elemento vertebrador de la programación de espacio trapézio, se promueve el pasado otoño la convocatoria pública stress-test. En ella se propone generar diferentes sistemas de producción [entrenamiento], tanto continuos como fraccionados, considerados de utilidad para el desarrollo de lo que denominamos Resistencia Artística de Base. Desde espacio trapézio queremos plantear opciones de cómo transferir a la sociedad valor creativo y de conocimiento desde posiciones críticas con el sistema. Invitamos a los agentes responsables de los proyectos y actividades seleccionados en esta convocatoria a confrontar de manera abierta el sentido de nuestra inversión económica, el valor de transferencia de la misma, qué devolución simbólica se realiza y, por supuesto, cómo queremos trabajar y relacionarnos con la sociedad desde las prácticas artísticas, en un futuro que ya está aquí. Diana Larrea [Madrid, 1972] es una artista visual española que en sus trabajos utiliza varias disciplinas plásticas, como la instalación, el vídeo, la fotografía o el dibujo. Es conocida, sobre todo, por las intervenciones y performances que ha realizado en espacios públicos. Andrés Senra[Rio de Janeiro, 1968] es un artista multidisciplinar cuya obra reflexiona sobre la construcción de la identidad y el individuo connotado en el mundo contemporáneo; esa línea de trabajo la ha vinculado con otras cuestiones, como la necesidad o el fracaso de la utopía.
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El miedo es el mensaje 11/09/2012 > 14/10/2012
El miedo es el mensaje es un proyecto de Juan José Martín Andrés, comisariado por Alba Braza Boïls y organizado por espacio trapézio, que tras presentarse por primera vez en el Centre Cultural La Nau de Valencia, ahora se actualiza de nuevo presentándose en espacio trapézio, Madrid. El miedo es el mensaje es el resultado de un proceso de investigación, documentación y reflexión que se materializa mediante la intervención site specific de vinilo sobre la cristalera de espacio trapézio hacia el Mercado de San Antón y el interior del espacio, con una publicación y mediante la web http://elmiedoeselmensaje.juanjosemartin.com/. La instalación El miedo es el mensaje reúne más de un centenar de titulares de prensa que informaron sobre procesos clave en diferentes crisis económicas sucedidas en varios países durante los últimos 20 años: 1992-1993 España. 1994-1995 México. 2001 Argentina. 2008 Actual crisis económica mundial. Los titulares han sido seleccionados siguiendo criterios subjetivos establecidos por el mismo artista y se han escogido a partir de prensa consultada en hemerotecas y archivos públicos y privados. Las fuentes de las que se han extraído son ABC, Levante EMV, El Mundo, El País, Público, El Temps y La Vanguardia, para la crisis española; Expansión, El Financiero, La Jornada, Proceso y Reforma para la crisis mexicana; Ámbito Financiero, Clarín, El Cronista, El Día, Diario Popular, El Diario de la Región, Página/12 y La Prensa para la crisis argentina. Si bien en la instalación los titulares se presentan siguiendo un orden aleatorio que puede llevar al público, cuyo tiempo le apremia, a considerar que pertenecen al mismo tiempo y al mismo espacio; en la publicación no sólo se recoge a modo de testigo perecedero cómo fue la instalación, sino que además se incluyen de nuevo ordenados cronológicamente y acompañados de la referencia bibliográfica de donde se han sacado. El miedo es el mensaje aúna la trayectoria de Martín Andrés con dos influencias decisivas; la teoría del filósofo canadiense Herbert Marshall McLuhan, cuyas hipótesis acerca del poder de los medios de comunicación partían del reconocimiento de su potencialidad para modificar el curso y el funcionamiento de las relaciones y las actividades humanas, conocido por su célebre frase “el miedo es el mensaje”. Por otra parte, hace también referencia a …en tiempos de crisis, obra de Rogelio López Cuenca y Antoni Muntadas presentada en el año 2009 en art.es en el ámbito de ARCO. En ella se reunían diferentes titulares de medios españoles en los que aparecía la palabra crisis completa pero sin referirse a una concreta.
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PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO Partiendo de estas premisas, Martín Andrés da un giro más, jugando con las palabras y alejándose de ambos puntos de vista para facilitar una visión más global, fundamentada en la experiencia vivida de períodos de crisis ya superados y así, ahora puestos en paralelo, se puedan identificar las diversas herramientas empleadas para contener mediante la información la opinión y reacción de los ciudadanos.
Juan José Martín Andrés Soria, 1978. Vive y trabaja entre Valencia y México D.F. www.juanjosemartin.com Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, centra su trabajo artístico en la experimentación del dibujo, ya sea en su práctica tradicional, ya sea aplicando nuevas técnicas como son el dibujo digital o la instalación. Dicha experimentación surge tras una selección de imágenes preexistentes que en otros momentos ocuparon portadas de libros, cómics, titulares de periódicos o carteles de contenido político publicados en medios de comunicación de masas. A dicha selección, Martín Andrés, le suma una completa descontextualización y una nueva presentación de la imagen que fiel a la original, ahora da lugar a su obra. Entre sus últimas exposiciones destaca El miedo es el mensaje, comisariada por Alba Braza Boïls, espacio trapézio, Madrid y Centre Cultural La Nau de la Univertsitat de València, Valencia; 7.000.000.000 Sistema Fallido (junto con Oliver Ressler&Zanny Begg), comisariada por David Arlandis y Javier Marroquí, Nymlab, Valencia; Headers and Advertisements, Arte Santander 2011, stand Galería Aural; Fiasco (HeadersCovers and Advertisements), Galería Aural, Alicante; Iraq Slides, Ruler of Darkness, Sala EspaiD’art La Llotgeta, Valencia; Laissez Faire, CCCE L’Escorxador, Elx; Mandala Bélico, Magatzems Wall&Video, Valencia; Conspiracy– Narraciones Cotidianas, Centro 14, Alicante; La región más transparente del aire, MAV, Valencia. Su obra ya figura en colecciones como CAB Centro de Arte Caja Burgos, Colección DKV, Diputación de Alicante, Universidad Politécnica de Valencia, Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (ENAP-UNAM) de México DF, Instituto Politécnico Nacional de México DF, Colección CARSA arte digital, Colección Valdearte, Ayuntamiento de Alicante, Mislata, Pamplona, Sagunto y de Soria. Organiza: espacio trapézio. Produce: espacio trapézio y Fundació General de la Universitat de València. Web del proyecto: http://elmiedoeselmensaje.juanjosemartin.com/
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The Pictured Self. Videoarte performativo suizo 1990-2010 18/10/2012 > 11/11/2012 La exposición “The Pictured Self“, comisariada por Bernhard Bischoff, se centra en el autorretrato de artistas que juegan en la interacción entre vídeo y performance. Una retrospectiva histórica que muestra 20 años de videoarte en 10 posicionamientos artísticos diferentes. Los trabajos presentados pueden dividirse en cuatro grupos: la cultura del vídeo musical (Com&Com, Pipilotti Rist); la relación con el entorno (Yan Duyvendak, Andrea Loux, Chantal Michel); la diversión para crear un efecto particular en el espectador (Bernhard Huwiler, Katja Schenker, Roman Signer), y el auto-retrato creado con cámaras especiales que permiten al espectador una curiosa e inusual introspección en el “uno mismo“ (Franticek Klossner, Dominik Stauch). Todos los trabajos presentados tienen un nexo de unión que no se encuentra en la acción específica del artista, sino en el medio utilizado para transformarlo en videoarte. Las piezas finales no son documentos de performances; las performances cobran sentido en el vídeo. La exposición arroja luz en un pequeño pero muy importante aspecto del videoarte y lo ilustra a través de esta selección de trabajos. El resultado es un paseo por 20 años de videoarte en los que podemos descubrir los trabajos de diversas estéticas, duraciones y posibilidades de interpretación.
The Pictured Self Videoarte performativo suizo 1990-2010 18 octubre - 11 noviembre, 2012 Jueves, 18 de octubre 19 h. Encuentro con el público: - Bernhard Bischoff, comisario. - Bernhard Huwiler y Katja Schenker, artistas.20 h. Inauguración
Com&Com www.com-com.ch Side by Side, 2002 35 mm, 4'40''
En colaboración con Dieter Meier (voz, letras), Manuel Stagars & Serio Fertitta (música), Ernst Wirz (dirección), Stefan Fraefel (producción), Pascal Walder (cámara), Antoine Boissonas (edición), Mark Wuest (coreografía). 18
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO El dúo de artistas Com&Com, que trabajan en la interacción de arte y medios de comunicación y que se autocuestionan de formas complejas, están constantemente desafiando los límites del “buen gusto“ artístico. Trabajan en diversos formatos, como películas, música, textos, fotografía, dibujo, escultura, instalaciones y pintura. Sus trabajos provocan complejos discursos estéticos y teóricos y no dejan de irritar y a la vez fascinar. Sus parodias de género puestas en escena a la perfección se infiltran en los sistemas de “arte“ y “cultura“. En el contexto de “Swiss Trilogy“ crearon el vídeo musical “Side by Side“ que ensalza y ridiculiza al mismo tiempo el sobrevalorado mundo de la fórmula 1.Esta canción –una colaboración entre Com&Com y Dieter meier (“Yello“)- es una adaptación pop del himno nacional Suizo, que consiguieron incluir en el top ten de las listas nacionales suizas en el verano de 2002.
Yan Duyvendak www.duyvendak.com Game Over, 2004 5'54'' En colaboración con Nicole Borgeat Vídeo: Laurent Desplands. Estilismo: Philipp, La Tête au Carré
Una coproducción con el “Fonds régional d’art contemporain Alsace, Sélestat; Fonds cantonal d’art contemporain Genève; Centre pour l’image contemporaine Saint-Gervais Genève“.Agradecimientos a Mark Alizart, Alain Bajulaz& PierreEdouard De Bay, Sécurité Civile Genève, Christophe Brunet, Oliver Lehtonen, Aldo Mugnier. En sus performances Yan Duyvendak, interesado en el juego de rol y en los aspectos de la vida real que se transforman en virtual, combina el arte visual con elementos de danza teatral. Los fenómenos de masas, sobre todo, le inspiraron para crear proyectos performativos muy estimulantes, que se caracterizan por su precisión y sentido del humor. Así, por ejemplo, interactúa con una pantalla de televisión en sincronía con el protagonista de una película, asumiendo los papeles de cifras de ordenador, iconos comerciales, estrellas del pop o actores de cine. El vídeo “Game Over“ funciona de otra manera. En él, Duyendak ha creado un héroe cibernético entre el mundo real y el virtual. Moviéndose mecánicamente, sube y baja largos pasillos en busca de algo. La constante y aparentemente infinita repetición de los mismos movimientos, y el hecho de que siempre acaben frente a puertas cerradas, muestra nuestra propia inútil y a veces absurda búsqueda del significado de la vida.
Bernhard Huwiler www.bernhardhuwiler.ch 0,4702, 2001 3’40’’
Podríamos catalogarlo como un freak: Bernhard Huwiler tiene un curioso interés en los artilugios técnicos y los acontecimientos estrambóticos. En su trabajo "0,4702" investiga sobre el comportamiento de una vídeo cámara atada a una cuerda que hace girar en torno a él. 0,4702 es el índice de velocidad de cámara lenta con el que ha grabado la pieza, lo que al mismo tiempo hace visible el paisaje que revolotea a su alrededor. La 19
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO ralentización consigue crear un peculiar cambio en la percepción y logra hacernos dudar sobre si es la cámara la que gira alrededor del artista, o el artista alrededor de la cámara. El impresionante experimento da como resultado el caótico centrifugado de un remolino. Al mismo tiempo, un efecto colateral de la pieza es que se convierte en una destacada versión de un autorretrato. "0,4702", desconcertante y fascinante a la vez, es una obra maestra del movimiento descriptivo. “Loco y reconfortante“ son las palabras que mejor describen el trabajo de Bernhard Huwiler. Puede aparecer un trabajo improvisado, pero todo en sus piezas ha sido cuidadosamente planeado.
Franticek Klossner www.franticek.ch X-Ray Video, Self-portrait, 1999 8'04'
'Franticek Klossner utiliza cámaras médicas y científicas de alta resolución y espejos distorsionados para dotar a sus trabajos de una sensación de magia. Redefiniendo los límites de la percepción visual, sus trabajos se convierten en declaraciones corporales de una franqueza fascinante. Especialmente sus primeros trabajos pueden considerarse como un nuevo género de estudios contemporáneos del retrato. Entre ellos "X-Ray Video" es sin duda uno de los más radicales. Para esta pieza el artista se ha radiografiado durante varios minutos para visualizar su cráneo y su estructura ósea interna, así como su mano. Su verdadero rostro queda entonces aniquilado por la imagen. Aquí es donde empieza la videoperformance: Klossner traga o aplica sobre su piel un contraste que vuelve visible la presencia física de la superficie, de la piel y los músculos. Da a su esqueleto una nueva cara, solo para volver a hacerla desaparecer un instante después. La tecnología de los rayos X es astutamente usada de una manera poética.
Andrea Loux www.andrealoux.com My Box is My Castle, 2001 7`04''
El trabajo de Andrea Loux parece un paisaje animado poblado por personajes de las últimas décadas del siglo XX. Busca inspiración en catálogos de muebles de los años 70 y 80 que después reinterpreta en sorprendentes escenarios. Las imágenes pueden parecernos familiares, incluso si a menudo apenas son simples reminiscencias de días pasados. El trabajo de Loux se sitúa en la periferia de lo performativo y utiliza diferentes lenguajes como la instalación, el vídeo o la fotografía, que a menudo combina de manera impresionante. Para probar con ello que el espacio es siempre el centro de sus impulsos creativos. En ocasiones se adentra en 20
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO aspectos que requieren aclaraciones psicológicas. "My Box is My Castle", un trabajo temprano, es uno de estos casos. La artista “ocupa“ una pequeña caja, la examina desde un punto de vista psicológico, la conquista durante un momento para al poco volverla a abandonar, moviéndose de ese modo por el espectro de las emociones, desde la seguridad a la claustrofobia.
Chantal Michel www.chantalmichel.ch Sorry Guys, 1997 37'
Chantal Michel trabaja la interrelación del videoarte, la fotografía y la performance. Inspirándose en su considerable colección de ropa y accesorios se presenta como una princesa absorta en sí misma. Se transforma en una muñeca, en un juguete. En el proceso de transformación el entorno parece reducirse al tamaño de una casa de muñecas. Michel es muy buena adaptándose al contexto, reaccionando ante él y transformando la atmósfera del entorno en su propio beneficio. Sus primeros trabajos, como “Sorry Guys“ se basan especialmente en simples pero efectivas performances individuales, en las que la gravedad parece suspendida y los deseos abundan. El personaje de cuento de hadas también está presente en sus trabajos más recientes. Chantal Michel es aún la princesa encantada olvidada como objeto decorativo, absorta en su propio juego.
Pipilotti Rist www.pipilottirist.net You Called Me Jacky, 1990 4'03'' Tutti © by Pipilotti Rist Song © by Kevin Coyne
En los años 70, el videoarte era un instrumento para dar una visión crítica de la sociedad y el arte. Pipilotti Rist, inspirándose en la cultura pop, la usó conscientemente como contraste hacia ello. Habitualmente sus trabajos, que tan sólo al inicio parecen seguir una narrativa, se subrayan con música y se caracterizan por una sensualidad compleja basada en los principios de la armonía y el colorismo. Fusiona diversos mecanismos de la creación visual de una manera casi sinestética. Su temática se 21
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO interesa por la sexualidad, las cuestiones de género y la representación del cuerpo humano, con especial interés en el de la mujer. Rist a menudo se retrata a ella misma como protagonista lo que hace presuponer ciertos rasgos autobiográficos, aunque se declara tan solo una actriz. Así, en su pieza “You called me Jacky“ interpreta una canción de Kevin Coyne que saca fuera de contexto. El primer plano pictórico y el fondo parecen fundirse el uno con el otro, el decorado cambia constantemente y las imágenes aparecen y se escabullen como en la vida real.
Katja Schenker www.katjaschenker.ch Überdreht, Môtiers, 2003 3'07'' Performance por Katja Schenker Realización: Claudia Bach, Dagmar Reichert. Agradecimientos: Patrik Schmidle, familia Tolck, Pierre-André Delachaux, Marie Delachaux, Thierry Bezzola, Liliane Ryser, Nicole Steger, Stefan Rohner, Susan Peter, Rote Fabrik. Katja Schenker es ante todo una artista de performance a la que le gusta jugar con sus propios límites físicos y psicológicos sin jamás pasarse de la raya porque todos sus trabajos se hacen a la medida de sus propias necesidades. Sabe cómo llevar a término lo aparentemente imposible y transformar lo impensable en realidad. A menudo utiliza movimientos simples y acciones automáticas para llevar un objeto cotidiano a un nuevo estado. Cuando realiza sus performances, entra en un estado de concentración absoluta, sin hablar, convirtiendo su cuerpo en una herramienta de actuación. A nivel metafórico, sus trabajos reflejan estados de ánimo que arrastran al espectador a vivir la experiencia a nivel emocional. Para la pieza "Überdreht" Schenker está envuelta en una bolsa de tela, moviéndose lentamente hacia abajo siguiendo las leyes de la gravedad. Las imágenes se caracterizan por lo opuesto entre la visión interior y la exterior, el confinamiento y la expansión, y acumuladas en el acto de la liberación.
Roman Signer www.romansigner.ch Zwei Schirme, Island, 2009 1.36’’ Cámara: Aufdi Aufdermauer Edición: Dominique Müller Producción: videocompany.ch
Roman Signer se define a sí mismo como un escultor cuya noción de la escultura basada en la visualización de acciones y procesos se ha visto expandida por la dimensión del tiempo. Encuentra un potencial creativo en los materiales corrientes y los pone en el centro de atención simplemente con pequeñas y cómicas transformaciones. Es muy conocido por sus instalaciones a gran escala en los que la dinamita o los vehículos pesados tienen una importancia crucial. A menudo, sin embargo, son las intervenciones pequeñas y sencillas que lleva a cabo sin público las que son más destacadas. Estos instantes, sacados fuera de tiempo y jugando con él, nos hacen sonreír y reflexionar sobre nuestra propia existencia. Series de fotos, películas o vídeos son todo lo que queda después de estas acciones 22
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO efímeras. "Zwei Schirme" lleva al espectador a un día de viento en Islandia. Signer utilizó dos paraguas que pegó juntos y que dejó que fueran arrastrados por el viento. El resultado es un vídeo lleno de ironía, malicia y poesía.
Dominik Stauch www.stau.ch My Personal Colour Field, 1999-2002 2’54’’ Morphing: Dominik Stauch Guitarra: Boris Pilleri Bajo: Roland Sumi Ingeniero de sonido: Mat Calahan
Durante muchos años Dominik Stauch ha estado desarrollando una creciente forma de pintura “mediatizada“. Sus pinturas sobre vidrio por el reverso siguen teniendo un importante papel, aunque cada vez más deben interpretarse en un contexto de instalación, relacionado con la animación por ordenador y alfombras especialmente preparadas para sus obras. Durante tres años, Dominik Stauch acudió regularmente a una tienda especializada para tener instantáneas de su aura. Las fotografías resultantes nos muestras una cabeza rodeada de haces de luz que cambian de color según el estado de ánimo del artista. In “My personal Colourfield“ Stauch utiliza la tecnología del morphing para combinar diferentes imágenes individuales en una película en la que interactúan diversas emociones acompañadas de una composición musical expresamente elaborada para la pieza. Olas de colores vienen y van, el rostro y los colores se funden casi a la perfección de un estado al siguiente. El artista nos mira misteriosamente y se transforma en una apariencia lúcida –un autorretrato hablándonos desde un nivel meta.
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Isabel Marcos. Cartografía de una semana cualquiera 13/11/2012 > 09/12/2012 Cartografía de una semana cualquiera es un proyecto de investigación sobre el concepto de dérive como técnica en la construcción de mapas de la metrópolis contemporánea a través una instalación de objetos y vídeo que muestra un mapa a escala 1:1.000 de la ciudad de Madrid. El proyecto comienza con 7 días de paseos por la ciudad durante la semana 36 del año 2012, en los que en vez de observar el medio urbano que rodea, se vuelca la mirada al plano del suelo, encontrando la inmensidad en los más invisibles detalles que yacen sobre él. Estos "detalles" no son más que las consecuencias no deseadas del uso diario del espacio público, los desechos que jamás fueron pensados para ser encontrados. Los recorridos se convierten en ejercicios de arqueología apresurada; se recogen los objetos encontrados en estas dérives, que consisten en bucear por las rutas de nuestra vida cotidiana, donde la capacidad para construir territorios propios e imaginativos es lo que nos transporta a descubrir los itinerarios alternativos escondidos en nuestros caminos rutinarios. Las trazas de esta experiencia, que ha consistido en la recolección a su vez de las trazas de muchas experiencias anónimas son los elementos que generan el dibujo del mapa. Y las posibles historias que dieron lugar a esos sedimentos, aquello que ocurrió y que tuvo como consecuencia que esos objetos formasen parte de la imagen de Madrid durante un periodo de tiempo, componen una "leyenda" en forma de diálogo entre personajes ficticios, que, quién sabe, igual anduvieron por esas calles. Michel de Certeau escribe: "los practicantes cotidianos de la ciudad viven todavía más abajo, por debajo del umbral donde comienza la visibilidad. Caminan, que es una forma básica de experimentar la ciudad: son caminantes, cuyos cuerpos siguen las líneas del "texto" urbano que son capaces de escribir, sin ser capaces de leerlo." Cartografía de una semana cualquiera es un diario semanal de Madrid, donde los textos son escritos por caminantes imaginarios, pero cuyas palabras refieren directamente a objetos existentes y donde la ficción y realidad de aquello que pasó o pudo pasar se mezcla con sutiles alusiones a los acontecimientos visibles, aquellos que fueron captados y publicados por los medios de comunicación. Como herramienta para explorar territorios inexplorados, los mapas nunca han sido inocentes; y como sistema de proyecciones para representar gráficamente el espacio, siempre han estado sometidos a una perspectiva que selecciona, omite, aísla, escala y codifica la información, y donde la deformación de la realidad es tan obvia, que sólo pequeños símbolos (el Norte, la escala, etc.) nos salvan del delirio imaginativo. Por tanto una cartografía (proceso de creación del mapa) nunca es neutral, pasiva o sin consecuencias. Representar la parte invisible de la ciudad a través de una cartografía puede significar desde representar los flujos financieros hasta migraciones, conflictos y resistencias sociales, alcanzando un nivel de complejidad donde sólo a través de la leyenda somos capaces de descifrar el esquema gráfico. Cartografía de una semana cualquiera busca visibilizar la complejidad y riqueza de las pequeñas historias diarias de los ciudadanos anónimos que construyen la ciudad, y su "leyenda" no es un texto 24
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO explicativo que descodifica la información del mapa, sino que ambos forman un único "plano de consistencia", donde no sólo se incluyen arbitrariedades sino que se genera una estructura que invita al espectador a descubrir infinitas relaciones entre los elementos. Este proyecto de investigación se muestra en el entorno de la convocatoria Stress Test, a través del cual se pretenden generar diferentes sistemas de producción considerados de utilidad para el desarrollo de la denominada Resistencia Artística de Base. Isabel Marcos Solórzano es artista visual y arquitecto con un perfil multidisciplinar como evidencian sus proyectos e investigaciones en torno al arte en la calle, el diseño urbano, la ciudad como dominio público y el diálogo entre el arte y la arquitectura. En sus trabajos combina medios como la fotografía, el dibujo, el vídeo y la intervención site-specific www.isabelms.com
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Juegos Reunidos 12/12/2012 > 03/02/2013
Proyecto comisariado por: - Francesco Giaveri, Amalia Ruiz-Larrea y Daniel Silvo. Artistas participantes: Esther Achaerandio, Rómulo Bañares, Misha Bies, Cristina Busto, Daniel Cerrejón, Lilli Hartmann, La Más Bella, Mateo Maté, Jonathan Notario, Kiko Pérez y Unai Requejo. En JUEGOS REUNIDOS el juego y la educación son los principios que articulan las piezas a modo de resistencia artística: obras no inscritas en el circuito comercial, planteadas como un servicio a la sociedad desde el aprendizaje infantil, el taller y el debate. Marcel Duchamp se preguntaba: “¿es posible hacer obras que no sean arte?”. Las vanguardias históricas confirmaron sus sospechas. Arte y juego comparten dos características fundamentales: la ausencia de finalidad y una reglamentación propia. De ahí que el juego ayude al niño a desarrollar la capacidad de dramatización, es decir, la habilidad de representar el mundo y de interpretarlo. JUEGOS REUNIDOS parte del objeto, el juguete, como espacio donde comenzar a explorar la realidad y experimentar, dramatizar, ironizar y repensar el “teatro de la existencia”. JUEGOS REUNIDOS piensa en las premisas de la Bauhaus y establece como directiva que los juguetes tienen que ser objetos que cumplan sus funciones de manera práctica, ser duraderos, baratos y “bellos”. Objetos sencillos, algo “primitivos” en el sentido que Benjamín auspicia: “Todo el proceso de fabricación y no su resultado, está presente para el niño en el juguete, y naturalmente comprende mucho mejor un objeto producido de manera primitiva que otro precedente de un complicado proceso industrial”. Si el juguete inicia al niño en el arte, esta exposición permite al público acercarse a la dimensión artesanal del objeto y reflexionar en torno a la posibilidad de transformación de la realidad que nos permiten los objetos que la configuran, fuera y dentro del juego, fuera y dentro del arte. Agradecimientos: Centro Atlántico de Arte Moderno, CGAC, Euskal Museoa/Museo Vasco de Bilbao, MUICO, Museo Esteban Vicente, Museo Jorge Oteiza, Museo Picasso, Museo de Teruel, Museo del Traje, Museo Reina Sofía, Ayuntamiento de Zaragoza. Con el apoyo tecnológico de:
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MANIFIESTOS. Voces individuales desde el imaginario colectivo 07/02/2013 > 03/03/2013 Democracia, FSSI (Frente de Socorro Simbólico Internacional), Marco Godoy, Núria Güell, Rogelio López Cuenca, Noaz, Isidoro Valcárcel Medina. “No hay arte que no sea político (…) Un gesto artístico es un gesto político por consecuencia”. I. Valcárcel Medina, Comunicación personal, 14 de diciembre de 2012 Un proyecto expositivo de Ana G. Alarcón que gira en torno al manifiesto como posicionamiento individual y colectivo del artista. El manifiesto es, y ha sido, una herramienta que da voz a una sociedad, una vía de expresión y reivindicación de un grupo social, político o artístico. En el ámbito del arte contemporáneo, desde la época de las vanguardias, se erige como elemento generador de discursos para movimientos artísticos, corrientes e ideologías. Los artistas que forman parte de la exposición, tomando como punto de partida el manifiesto, plantean y reivindican su condición (política, social y activista) como creadores. Este proyecto induce a reflexionar sobre la idiosincrasia del propio manifiesto, sobre lo que éste simboliza y sobre el peso, o la pertinencia, que puede tener en el momento actual. De esta manera, el artista, desde un posicionamiento individual, plantea su propio manifiesto, ya sea desde la palabra o desde la acción. Estas voces individuales, reflejan y construyen un imaginario colectivo, unas necesidades universales que se hacen patentes como reflejo y eco de una sociedad y un tiempo. El término manifiesto lleva consigo toda una carga de asociaciones conceptuales, de alusiones a aspectos tanto históricos como actuales. El manifiesto, como indica Valcárcel Medina “es una cosa demasiado obvia (…) manifiesta lo que quieras, no hay lenguaje subterráneo (…)”. En este sentido, la Real Academia Española define manifiesto como “(adj.) descubierto, patente, claro”, así como: “Escrito en que se hace pública declaración de doctrinas o propósitos de interés general”, aunque también encontramos alusiones a temas religiosos (Santísimo Sacramento) o a mercancías marinas. Por otro lado, “poner de manifiesto algo” se define como exponer al público algo. A su vez, si acudimos a la palabra en italiano, manifesto, ésta se traduce como cartel, aunque también como manifiesto. El cartel es el elemento que materializa la propuesta de los creadores que forman parte de la presente muestra, el cual se convierte en reclamo y proclama de cada voz, plasmando el mensaje de cada uno de los creadores.
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PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO Estos trabajos responden a una necesidad de reflexionar sobre nuestro entorno, sobre unas características reales cada vez más evidentes que se corresponden con otros momentos de nuestra historia. El manifiesto, de índole artística o política, corresponde a esta obligación de dar voz a un determinado grupo o colectivo. En el campo artístico, es una expresión reivindicativa que podemos incluir dentro de los movimientos sociales de cada tiempo ya que el arte responde a requisitos específicos de cada momento. Concretamente, en esta muestra, nos centramos en un arte crítico, que responde a unas inquietudes actuales. En este sentido, Rogelio López Cuenca (A los artistas, 1937-2012, 2012) toma como punto de partida un escrito vinculado a la producción artística de los años 30. Éste es apropiado y trasladado a un escenario aparentemente distinto, la actualidad. De este modo, pone en paralelo dos situaciones revolucionarias donde el propio sistema artístico sigue trabajando como si no sucediera nada. En su propuesta, encontramos tanto estos paralelismos como contradicciones, temas poliédricos que se van construyendo en red. Dos realidades figuradamente muy distantes, que provienen de contextos en principio desiguales, pero estrechamente relacionadas. Sobre el compromiso desde la creatividad, Isidoro Valcárcel Medina afirma: “el compromiso del arte no está vinculado a circunstancias especiales, sino que es perenne (…) el arte nunca debe estar conforme (…) ahora, a lo mejor resulta más llamativa esa necesidad, pero en cualquier momento es su obligación”. En su conversación, nos muestra su visión sobre el manifiesto como herramienta, del que afirma no ser muy devoto aunque en ocasiones ha recurrido a él como en el caso de su Manifiesto del Arte Ambulante (1976). Trata aspectos vinculados a su pertinencia, así como otros derivados y estrechamente relacionados con el momento actual, desde una perspectiva social y cultural, y desde el arte contemporáneo. Nos habla de una obligación adquirida por el arte, de una necesidad de meterse como una cuña en cualquier faceta del poder político, de una responsabilidad de que el compromiso aflore: “las armas del arte son mucho más sutiles y profundas”. También desde el contexto artístico, apropiándose de consignas de los manifiestos dadaísta y surrealista, así como de slogans del situacionismo y del punk, Democracia (No hay espectadores, 2010) realiza una acción a la salida de la feria de arte Art Bruselas. En ella se dirigen a los visitantes con consignas que interpelan al espectador sobre su propia condición, “eres responsable lo quieras o no”, toda vez que lanzan la mirada hacia una realidad: “¿qué ha hecho el arte por ti? (…) nada”.
Frente de Socorro Simbólico Internacional (Manifiesto, 2013) esboza un manifiesto donde demanda la liberación de obras con conciencia social presas en instituciones reaccionarias, fascistas y burguesas. Estas piezas, descontextualizadas en los espacios donde se exhiben, fueron creadas con un espíritu revolucionario. Para ello, F.S.S.I. pone sobre la mesa circunstancias concretas de obras 28
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO específicas, cuestionando la pertinencia de su ubicación en la institución donde se encuentran, así como su lectura, dificultada por todos los elementos contaminantes que se añaden a cada obra por el contenedor que la acoge. De este modo invitan a reflexionar sobre la ubicación de estas piezas, muchas de ellas con título, autor e institución específica; así como a discurrir sobre un arte crítico y social, hecho por y para el pueblo, y cómo el sistema capitalista acaba absorbiéndolo y creando un nuevo seno para éste. F.S.S.I. nos vuelve a trasladar a contextos revolucionarios, creando un hilo que une el de los años 30 con el de finales de los 70 y primeros de los 80 para llegar al actual, donde también se está creando un arte crítico en la línea de la necesidad de nuestro tiempo, en un contexto también revolucionario. En este contexto, Noaz (Menos es menos, 2013) nos acerca a conceptos vinculados a la pérdida y a la muerte. Bajo el lema “menos es menos”, nos habla del fin, de aspectos que tratamos como tabú pero que están ahí, que debemos enfrentarnos a ellos y mirarlos de frente. Nos recortan derechos y libertades, convierten nuestras vidas en trabajo, controlan nuestra economía doméstica dirigiendo nuestros gastos, nuestro consumo, nuestros intereses y nuestros gustos. Deterioran servicios públicos primarios como la sanidad y la educación, desprecian recursos básicos y vitales. Necesidades primarias que muchos asumen y procesan como un cambio para preservar una ideología, optando por el silencio para continuar defendiendo sus ideas. Pero en realidad son cosas que ya no tenemos, “menos es menos”, lo que muere muere, desaparece y no se sustituye, simplemente se evapora. El poder actúa como un gran depredador que arrasa con unos derechos sociales básicos y así es como Noaz plasma su manifiesto, como una imagen carnívora y nociva que extermina todo lo que tiene a su alcance.
Núria Güell (Papel Mojado (Aplicación Moral Desplazada #3: art 472CP*), plantea el manifiesto desde la acción, centrado en La Constitución Española de 1978. Ésta, es tomada por la artista que, mientras esboza su propia hoja de ruta, se orina sobre ella. De este modo, inhabilita el libro por el mal estado en que queda. Como consecuencia, la biblioteca en que se encuentra decide darlo de baja y enviarlo a reciclar. “El artículo 472 del Código Penal dicta que son reos de delito de rebelión los que deroguen, suspendan o modifiquen total o parcialmente la Constitución”. Sin embargo, en agosto de 2010, el gobierno modificó la Constitución sin consultar, aprobando el artículo 135.3 que dicta los créditos para satisfacer la deuda pública de las Administraciones como prioridad absoluta. Núria Güell nos invita a reflexionar sobre La Constitución Española y el estado democrático en que vivimos; así como a repensar la relación del sujeto y las leyes impuestas, induciendo a que cada uno actuemos bajo nuestra propia ética. Nos habla de responsabilidad, de conciencia y de la posibilidad de crear un único gobierno legítimo, regido por necesidades reales e individuales, que hacen posible una vía de emancipación. Pequeños gestos y actitudes que pueden generar consecuencias, conclusiones que responden a necesidades reales. En esta misma línea, y también desde la acción, bajo la premisa de plantear unas propias normas acordes a los derechos reales, Marco Godoy (No es tiempo para metáforas. Inutilización, 2013) plantea su manifiesto, vinculado a una necesidad y a un contexto concreto: “Girona sella los contenedores para evitar que se busque comida en ellos” (El País, 7 de agosto de 2012). Esta nueva normativa ha hecho que el ayuntamiento cierre los contenedores orgánicos de los supermercados, 29
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO eliminando de este modo la molesta imagen de personas rebuscando en ellos en busca de su única fuente de alimento. Afirman que es para evitar que enfermen por consumir productos que pueden estar en mal estado, llegando a generarse un conflicto en cuanto a cómo se gestiona la comida. Marco Godoy propone esta problemática y, a su vez, crea gestos de desobediencia, generando resultados con gestos mínimos, como vemos en el trabajo de Núria Güell, planteando el crear una línea de acción acorde a unas decisiones específicas y personales. Con esta acción, devuelve a los habitantes de Girona la oportunidad de elegir, de escoger si quieren consumir esos productos desechados por las superficies. Se establece un nuevo valor, presente en todo el discurso expositivo, el control que el sistema ejerce sobre todo, así como el beneficio propio en cada uno de sus actos, directa o indirectamente. La fricción entre institución, en este caso representado en la soberbia empresarial apoyada por la administración, y los problemas sociales. De este modo, se llama la atención sobre la necesidad de redefinir las cosas en el momento actual.
Ana G. Alarcón es Licenciada en Historia del Arte (UM), Especialista en Museología del Arte Contemporáneo (UA) y Máster en Gestión Cultural (UAH). Investigadora vinculada al Departamento de Arte Contemporáneo de la UCM, labor que combina con la del comisariado y organización de proyectos culturales. Actualmente realiza la Tesis Doctoral Apropiaciones y usurpaciones críticas de la iconosfera publicitaria en el arte español actual, bajo la dirección del Doctor Jaime Brihuega. Además, trabaja en el grupo curatorial 1erEscalón, desde donde realiza diversos proyectos tanto curatoriales como educativos, centrados en líneas de políticas de identidad y memoria. Codirige el ciclo de conferencias Oficios de la Cultura, e imparte cursos, conferencias y clases en diferentes espacios culturales y universidades, además de escribir en revistas especializadas y catálogos de exposiciones. Forma parte del grupo de investigación “Arte y Políticas de Identidad” (UM) y colaboradora de la revista especializada bajo el mismo nombre. Es miembro del Instituto de Arte Contemporáneo y de la Asociación Murciana de Críticos de Arte; es redactora colaboradora de la Plataforma de Arte Contemporáneo. www.anagalarcon.com Colabora:
Con el apoyo tecnológico de:
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Licencias 07/03/2013 > 04/05/2013
Un proyecto de Leonor Serrano Rivas. AntonioyConsuelo arquitectos, Marta Burugorri, Daniel Cerrejón, Diego Delas, El Hijo Tonto, Carla Farren y Elena Klinnert, Rosa García, Inopia Teatro, Isabel Marcos, Moyra Montoya Moyano, Antonio R. Montesinos, Pierre Valls. En Licencias la normativa específica de espacio trapézio sirve como punto de partida para el desarrollo de un conjunto de propuestas que tienen como finalidad legalizar el espacio. La norma, reescrita mediante un juego lingüístico, se abre a convocatoria en busca de una nueva interpretación. Una reflexión múltiple sobre esas leyes invisibles escondidas bajo los muros que rodean nuestros entornos y los delimitan. Se aprovecha el estado específico de la sala, no sólo de su enclave, sino de una situación burocrática: la carencia de licencia de primera ocupación. Las propuestas específicas desarrolladas a partir de las ordenanzas conceden, en términos poéticos, la validez demandada. Licencias busca la experimentación directa con el espacio; un laboratorio de acción da a los artistas y colectivos la oportunidad de trasladar su estudio o local de ensayo dentro de la sala. Durante el primer mes (07/03-07/04) una serie performances, actividades y encuentros buscan la participación de los visitantes del mercado. Después, la muestra acoge una serie de reflexiones específicas (11/0404/05), procedimientos individuales sumados en una misma voz colectiva. No es más que un intento de reconfigurar las reglas del juego, donde la norma es el punto de partida: el manifiesto a interpretar. Así, el espacio se hace voz, remontándose a sus raíces, las leyes que lo configuraron y determinaron. Licencias busca un deslizamiento hacia lo desconocido; exponerse para ser ocupado, distorsionado, perturbado por todas las artes y disciplinas en busca de una nueva identidad.
Licencias # acción y performance
Jueves, 7 marzo - 20 h Pierre Valls, “Vidente”. Para la presente convocatoria Licencias, se contratará a una vidente para proceder a una sesión esotérica en espacio trapézio. La sesión incluye limpieza energética, llamada a la buena fortuna y la prosperidad, análisis espacial y predicción del futuro. 31
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Jueves, 14 marzo - 20 h Carla Farren y Elena Klinnert, "I never asked to be your mountain...". La acción de cuatro actores remite a las particularidades físicas que tienen cabida en la licencia del espacio. Una lógica imaginaria que desobedece a una causalidad común, situándonos ante una bifurcación de la acción real y de su lectura poética.
Jueves, 21 marzo - 20 h Inopia Teatro, "Untitled". Una acción teatral que se adentra no en el infierno, pero sí en el limbo; en cómo las cosas parece que son y no son a la vez. Al menos dos realidades se contradicen entre sí, dejando que el mundo que habitamos quede flotando, suspendido. La verdad puede ser mentira y la mentira, verdad.
Sábado, 23 marzo | 6 abril - 20 h El Hijo Tonto, "Presenta". Un long form en el que cuatro actores y un músico generan hilos narrativos y atmósferas que se relacionan en una historia global a partir de la traducción e interpretación de informaciones procesadas del público. Un proceso creativo en directo en el que el público es partícipe de los trazos que conforman esas entidades escénicas.
Licencias # exposición
11 marzo - 4 mayo Antonioyconsuelo arquitectos, Daniel Cerrejón, Moyra Montoya Moyano y Leonor Serrano Rivas.
11 abril - 4 mayo Marta Burugorri, Diego Delas, Rosa García, Isabel Marcos, Antonio R. Montesinos y Pierre Valls.
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Cultura del suicidio 14/05/2013 > 18/05/2013 ¿Qué significa "suicidio"? ¿Qué implica a niveles socio-políticos? El suicidio está socialmente entendido como cualquier comportamiento (consciente o inconsciente) que uno o más individuos realizan con el fin de acabar con sus vidas. Tras analizar las tasas de suicidio, y la herencia histórica, en relación con nuestro contexto contemporáneo podemos detectar una "fisura" entre las expectativas y lo definido como Estado del Bienestar. Un millón de personas se suicidan al año y otros veinte millones cometen tentativas fallidas. En Europa, pasados ya cinco años del comienzo de la crisis económica, las tasas de suicidio han crecido enormemente. Cada día en Italia se suicidan dos personas y en España nueve, sin contar con que en los últimos tres meses esas cifras han subido un 8%. Es un paradigma contemporáneo que permanece social y políticamente silenciado. Un tabú que se rehúye desde los medios de comunicación, tal vez por el efecto llamada que puede provocar su visibilidad, según afirman los psicólogos especializados en este tema. Cultura del suicidio es un proyecto de Raisa Maudit diseñado para estudiar las causas de esta situación, concienciar e incitar a la acción. espacio trapézio presenta la primera fase del proyecto, en la que se plantea una instalación sonora concebida como un dispositivo interactivo que inspira e invita al público a escribir una "carta de suicidio", en la que reflejar ideas sobre lo que uno encuentra opresivo, terrorífico, agobiante, corrupto en sus vidas, lo que trunca sus expectativas. A través de una charla abierta se explica y debate sobre lo que la investigación ha desvelado hasta ese momento, diferentes maneras de entender el suicidio, el concepto de fracaso, el contexto social o cómo se define en otras culturas. De esta forma se normaliza un tema complejo y se ofrece al público un contexto de reflexión sobre lo que "el suicidio" les provoca a día de hoy, su propia situación y casos vividos por ellos mismos, familiares, amigos, parejas, vecinos... En la segunda fase del proyecto las "cartas de suicidio" formarán parte de un archivo online, en el que estarán categorizadas por temáticas comunes y que servirán de base para realizar diferentes propuestas y acciones de carácter activista por parte de la artista.
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Cluster #C - Douglas Gordon 23/05/2013 > 09/06/2013 Cluster es el programa de espacio trapézio de trabajos videográficos en formato instalación monocanal. Después de presentar vídeos de Félix Fernández (Cluster #1), Daniel Jacoby (Cluster #2) y Boris Labbé (Cluster #3), en esta ocasión iniciamos una colaboración con Cal Cego. Colección de Arte Contemporáneo. Y, si hasta este momento los Clusters se presentaban numerados, en esta ocasión una letra "C" lo acompaña. "C" de colección, "C" de Cal Cego y "C" de celebración: espacio trapézio cumple dos años de actividad trabajando con arte contemporáneo y la cultura de nuestros días, desde dentro del Mercado de San Antón. Dos años con propuestas arriesgadas, con artistas jóvenes, con distintos formatos y con el deseo de trabajar para mejorar la situación contextual. Para espacio trapézio éste es un momento de reflexión y evaluación, pero también es necesario pararse a disfrutar para seguir con la energía que pide un proyecto de este tipo. Celebración significa tener el placer de presentar la colaboración que iniciamos con Cal Cego. Colección de Arte Contemporáneo, una de las colecciones particulares más importantes que existen en la península. Un ejemplo de coleccionistas que entienden que no únicamente se trata de comprar objetos sino que el apoyo a la producción, la investigación y el desarrollo en arte son clave para definir en presente pensando en el futuro. Presentamos Play dead, Real time (Other way) (2003), pieza videográfica de Douglas Gordon, uno de los referentes internacionales del arte de nuestro tiempo. Nacido en Escocia en 1966, Douglas Gordon ha realizado exposiciones individuales en espacios como Tate Britain en Londres, MoMA en Nueva York, Deutsche Guggenheim en Berlín, fue premiado con el Turner Prize el año 1996 y ha representado Gran Bretaña en la Bienal de Venecia. Su obra, alrededor de nuestra relación con la imagen, la memoria, la emoción y el tiempo, investiga sobre la construcción visual y la creación de referentes. El trabajo de Douglas Gordon, de la mano de la colección Cal Cego. Colección de Arte Contemporáneo, presentado en Cluster #C confronta el espacio del arte -el cubo blanco- con las formas y movimientos de un paquidermo. En la sala de exposiciones hay un elefante. Lo estático y lo grácil cambian de significado. La potencia y lo humano ocupan lugares seguramente lejos de lo previsible. En colaboración con:
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Modern Archive 12/06/2013 > 07/07/2013 Un proyecto de Ana Fernández. La estética es una rama de la filosofía que trata de la naturaleza de la belleza, el arte y el gusto, y transita entre la creación y la apreciación de estas temáticas. Modern Archive explora los aspectos más visuales y estéticos de algunos de los pensadores más influyentes del siglo XIX. Revelando una disociación entre lo representado y lo real, el proyecto reflexiona sobre el pensamiento, el poder y las tecnologías de la representación propias de este particular período de emergencia. Sujetos en el Archivo - “a Photo-portrait est un champ clos de forces… - Imaginairement la Photographie … représente ce moment très subtil où, à vrai dire, - je ne suis ni un sujet ni un objet, mais plutôt un sujet qui se sent devenir objet : je vis alors une micro-expérience de la mort… : je deviens vraiment spectre.” (Roland Barthes) El archivo, señala D. Taylor, se posiciona frente al repertorio. El repertorio está vivo, no es lineal, sigue y persigue su propia formación como un proceso discontinuo, desestabilizador e inconsecuente. El archivo pertenece al orden y gobierno de lo documentado, a aquello que no está corporalizado y es por ende clasificable, guardable, memorizable. Estos dos regímenes no se contraponen sino que conviven alternando una doble forma que podemos llamar De evidencia y De presencia. Lo que supone al pensamiento su permanencia y alcance, que hace de sus mayores y más conocidos representantes símbolos de saberes, no es la evidencia, los rastros de su paso por el mundo sino la presencia de un pensamiento orgánico en debate. Dentro de las prácticas que constituyeron parte del éxtasis alrededor de las Exposiciones Universales se encuentra el retrato por daguerrotipo como dispositivo de hacer ver y hacer hablar. Las tecnologías de la representación evolucionaron en relación a las demandas de su tiempo y como parte de formaciones ontohistóricas; los daguerrotipos vivieron una etapa de enorme popularidad hacia la mitad del siglo XIX sin embargo no eran de fácil acceso, una familia en 1850 pagaba por un retrato lo equivalente a 4mil metros cuadrados de tierra. Se trataba de una dieta estética, aún fantasmagórica, actuaba en el presente para poder usar el pasado en el futuro: ofrecer nuevos futuros para nuestros pasados, magia al alcance del burgués finalmente. Sobre todo ello Modern Archive realiza una operación de traslación y desplazamiento de sentidos, subvirtiendo los regímenes de lo evidente y lo presente, sustituyendo el rosto, los gestos faciales, por justamente la primera tecnología gestual: el dibujo. Lo que Modern Archive realiza finalmente, es un riguroso ejercicio de traducción. (Texto de: Giancarlo Gomero)
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Ana Fernández Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de Cuenca, Universidad de Castilla la Mancha (2002) realizó un Máster de postgrado en el Dutch Art Institute, Países Bajos (2004). Residió en Rotterdam hasta finales de 2011. Su obra explora diferentes disciplinas como las vídeo instalaciones, las intervenciones en el espacio público, el dibujo y la fotografía. Desde 2003 ha expuesto sus trabajos en galerías y espacios artísticos de Ámsterdam, Berlín, Basilea, Beijing o Santiago de Chile, entre otras ciudades. En 2010 obtuvo una residencia en la Merian Foundation, IAAB, en Basilea, Suiza. En la actualidad, vive y trabaja en Madrid.
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Merca, dos, tres 09/07/2013 > 01/09/2013 Un proyecto de Dibujo Madrid que ha dibujado la vida cotidiana de tres coloridos mercados de la ciudad de Madrid en tres diferentes fechas del mes de junio de 2013: Mercado de Antón Martín, Mercado de San Antón y Mercado de San Fernando. MERCA, DOS Y TRES reúne todos los dibujos realizados durante las tres sesiones de dibujo en las que han participado alrededor de 120 dibujantes con un resultado aproximado de 400 dibujos, todos ellos realizados en papel de estraza gris, el tradicional en la venta de los mercados. DIBUJO MADRID es un espacio de integración social, de intercambio educativo y de estímulo a la confianza en el trabajo grupal. Las dinámicas tienen como lugar común, sin que sea exclusivo, la práctica del dibujo, la ilustración, el teatro y la performance. Las sesiones de DIBUJO MADRID son complemente abiertas y estaremos encantados con tu participación.
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Organiza:
Coordina:
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2. ACTIVIDADES ESPACIO TRAPÉZIO
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Fast Gallery
Fast Gallery es un proyecto dedicado a la creación de eventos expositivos temporales en espacios alternativos. Fast Gallery pretende acercar una porción de la cultura más latente mediante la creación de espacios efímeros y dinámicos, activos y abiertos al intercambio y a la contaminación de ideas y disciplinas. Su acción se centra en difundir la obra de creadores emergentes del panorama actual, y se localiza, principalmente, en el entorno de las artes plásticas sin perder de vista otras disciplinas y prácticas transversales. Video Cocktail: Proyección de piezas audiovisuales de varios artistas emergentes acompañada de la degustación de cócteles veraniegos, dentro de las jornadas programadas por las Becas Al Raso en el valle de Lecrín, promovidas por la Universidad de Granada. Banderas, Estandartes y Gallardetes: Acción artística programada como parte de las Picnic Sessions del Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles. Se invitó a los participantes a fabricar su propia obra de arte portátil en forma de bandera o estandarte para realizar una marcha-exposición móvil por las calles adyacentes al centro y que culminó con la coronación de una estructura piramidal en la azotea y una gran celebración. Para Llevar: en el entorno de la Feria de Arte Múltiple Estampa, se desplegó un estand de exposición y venta de obras de arte seriadas y publicaciones autoeditadas. En esta edición Fast Gallery presentó el KIT, una pequeña exposición portátil con la obra de cinco artistas contenida en una caja, editada en una serie de 50 ejemplares y lista para llevar. Los Niños Terribles: exposición colectiva con la obra plástica de ocho artistas emergentes en un espacio efímero a lo largo de dos fines de semana. Se rehabilitó para la ocasión un antiguo local comercial en desuso y se programaron en el mismo espacio actividades musicales y de esparcimiento. El equipo motriz de Fast Gallery está formado por Alfredo Rodríguez, Jose Salas, María F. Espada, Norah Delgado y Roberto Salas. www.fastgallery.net
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El Aperitivo
El Aperitivo es el primer proyecto de la asociación Apetito Cultural. Cada sesión de El Aperitivo se realiza en un espacio diferente. Para cada sesión se propone un tema y se abre una convocatoria online para el envío de trabajos (videos, fotografías, propuestas de actuación en directo). Creadores multidisciplinares de todo el mundo están invitados a participar. En cada sesión se presentan los trabajos seleccionados, un video con entrevistas estimulando la reflexión en torno al tema propuesto, y se degustan aperitivos gastronómicos creados ex profeso para la ocasión. Una iniciativa cultural que combina lo lúdico y lo artístico, mezclando un planteamiento conceptual – todas las obras presentadas giran alrededor de una misma idea – con una inequívoca vocación lúdica: una celebración gastronómica y una reunión abierta al público. Supone un intento por descentralizar el discurso del arte contemporáneo, tratando de hacerlo accesible y compartido. Creadores: una convocatoria online para recibir trabajos de creadores en diferentes formatos alrededor del tema propuesto; vídeo, performance, fotografia, música… Las convocatorias están abiertas a creadores multidisciplinares de todo el mundo, pero siempre se pretende involucrar a los artistas y colectivos locales. Se realiza una selección de los trabajos que serán presentados en la sesión. Entrevistas: se desarolla una labor de documentación recopilando testimonios de diversas personas. Esas pequeñas entrevistas se intercalan con los videos de los creadores selecionados, que juntos componen una proyeccion mas dinamica y divertida. En la sesión ʻ mercadoʼ serán realizadas entrevistas con diversas personas, incluyendo los trabajadores, clientes y vecinos del Mercado de San Anton, que aportarán sus experiencias y reflexiones alrededor del tema propuesto. Gastronomía: La propuesta gastronómica es parte vital de todas la sesiones. Una convocatoria gastronómica involucrando a los puestos del mercado con sus productos e ingredientes y a jóvenes estudiantes de gastronomia que se impliquen en la elaboración de la degustación. La localización de espacio trapézio dentro del remodelado Mercado de San Antón sugiere una sesión de El Aperitivo acerca del concepto“mercado”. A la vez lugar, conjunto de personas y conjunto de relaciones, el mercado es una condición de la contemporaneidad. El Aperitivo MERCADO Martes 28 de junio, a las 21 h. www.apetitocultural.com 41
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The Rich Collection
Dentro del entramado de agentes profesionales en arte se encuentra la figura del coleccionista. La velocidad en el arte contemporáneo así como su multiplicidad de formas y tiempos conlleva la aparición de nuevas ideas sobre cómo entender lo que significa una colección de arte contemporáneo. La figura del coleccionista se adapta a los ritmos de los artistas, de las obras, de las posibilidades y, al mismo tiempo, marca líneas de trabajo, intenciones y deseos. La colección supone una escritura de historias, de miradas y preguntas, define aproximaciones a lugares y momentos. En un mundo definido por lo visual, las colecciones de arte se convierten en retratos del momento, en puntos de partida para posibles futuros. espacio trapézio entiende que el entramado artístico necesita de comunicaciones internas entre los distintos nodos, necesita de la presencia de sus agentes para que se establezcan diálogos, debates y exista un trasvase de información real con la voluntad de mejorar la situación actual. Se acoge una actividad de The Rich Collection, una colección de arte contemporáneo que incorpora obras de artistas establecidos como Jonathan Meese, Raymond Pettibon, Nathalie Djurberg, y emergentes como Momu & No es, Cristina Llanos y Abdul Vas. Con la voluntad de mostrar el trabajo y las ideas que se encuentran en una colección, espacio trapézio abre su programación a una presentación y debate de la mano de The Rich Collection. Artistas: Hernan Bas, Tal R, Jonathan Meese, Eliezer Sonnenschein, Bea Fremderman, Raqib Shaw, Nathalie Djurberg, Brad Kahlhamer, Armen Eloyan, LucTuymans, Conrad Shawcross, Swetlana Heger, Abdul Vas, Dan Attoe, Riiko Sakkinen, Terence Koh, Petra Cortright, Dash Snow, Cristina Llanos, Momu & No es, Abel Auer, Peter Doig, Yoshitomo Nara, George Condo, Nina Chanel Abney, Franz Ackermann, Raymond Pettibon. 22 de junio, a las 20 h. 20 h. Presentación de la colección. Antonio Rich 20.15 h. Conversación “Coleccionar Arte Emergente”. Participan:
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PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO Raúl Zamudio Taylor. Comisario independiente. Nueva York, EE.UU Gerardo Contreras. Galería Preteen. México DF Luisa Fuentes Guaza. Comisaria independiente. Madrid, España 21.30 h. Cocktail en la terraza www.therichcollection.org
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Proyecto ICEBERG
Iceberg es un equipo de trabajo que se define a través de la acción. Actúa en función de los proyectos que ejecuta, desarrollando así procesos colectivos de investigación por medio de distintos ensayos curatoriales. Cada proyecto se presenta con una exposición y una publicación satélite. Estas publicaciones están pensadas como un apéndice de cada exhibición y se proponen como un material de investigación y difusión sobre el contexto concreto de cada proyecto expositivo. La publicación satélite tiene como función principal contextualizar el proyecto expositivo con su entorno específico. Por medio de contenidos basados en el diálogo (entrevistas y charlas) con los agentes culturales involucrados directa e indirectamente. Éstos intentan evitar textos complejos y descriptivos de las exposiciones, las publicaciones tienen el interés de llegar a un mayor número de público a través de estos diálogos en un formato más ligero pero a la vez ricos en contenido. La acción se plantea como una inmersión en una gran masa flotante variable al contacto con distintos entornos, por lo que se busca dar enfoques a formas desde dentro, dando pie a la duda, la reflexión y la investigación. Se concibe al acto expositivo, más que una conclusión, como un punto de partida. ICEBERG #1 propone crear un análisis del entorno actual de Madrid y la producción artística emergente. Esta se produce en un estrato más amplio y hasta cierto punto inmerso en espacios donde se fusionan las nuevas propuestas y los espacios globalizados de legitimación del arte. Este análisis se formaliza por medio de una exposición colectiva generacional en donde se reune a un grupo de artistas que comparten un mismo contexto. Se considera importante el reflexionar sobre la relación de un grupo de artistas que forman parte de una escena emergente que constantemente plantea una visión particular de la desarrollo de la producción actual del arte. Los objetivos son la reflexión, la duda y la interacción a partir de la estructuración esquemática de la conjunción de la obra de este grupo de artistas. Presentación proyecto ICEBERG. Viernes 8 de julio de 2011, 20.00 h. Participan: -Marlon de Azambuja. Artista visual y comisario independiente 44
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO -Ignacio Chávarri. Artista visual -Bernardo Sopelana. Comisario independiente -Jose Díaz. Artista visual
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I Want a President
La acción/lectura colectiva I Want a President se plantea dentro de la programación del centro de arte espacio trapézio como una intervención o evento puntual que encuentra su posibilidad de ejecución y razón de existencia en la situación socio-política actual y no en un contexto expositivo circunscrito en exclusiva al plano artístico. El estado de agitación política en España se toma como punto de partida ineludible, una concatenación de hechos que ha ido incrementando su presencia así como la importancia del impacto de sus resultados en la ciudadanía, especialmente tras la agudización de la crisis económica y la implicación de ésta en la transformación de las instituciones democráticas en cuestión de representatividad política de los ciudadanos y soberanía popular. El descontento de los votantes está siendo manifestado a través de las diversas protestas que desde el mes de mayo (2011) han ido sucediéndose, reclamando la revisión de los principios democráticos sobre los que se fundamenta el sistema político español y reivindicando la recuperación de una relación real y evidente entre los deseos y necesidades de la población y las medidas sociales y financieras implementadas por el gobierno, cuestionando la existencia de una clase política que hace prevalecer, de una forma cada vez más obvia, sus intereses por encima de los del común de los votantes. La indignación popular así como la creciente tensión política entre el partido en el gobierno y la oposición ha desembocado en la decisión de adelantar las elecciones generales, sumándose este hecho al preexistente clima de inestabilidad e incertidumbre. Dada la situación descrita, los organizadores, quienes conocíamos de la existencia de la acción así como las circunstancias en las que se ha realizado previamente [elecciones presidenciales en Suecia, Septiembre 2010; elecciones presidenciales en Dinamarca, Octubre 2011] hemos decidido invitar a Malin Arnell, Kajsa Dahlberg, Johanna Gustafsson y Fia-Stina Sandlund a llevar a cabo la lectura pública del texto escrito por Zoe Leonard como un acto en consonancia y consecuencia con la situación política de la que somos testigos y deseamos ser partícipes, sin la necesidad de su aislamiento en un marco expositivo. Las reclamaciones expresadas por Leonard, así como el tono y estilo directo de su texto, demuestran una vigencia y validez sorprendentes [el original fue escrito en 1992] a la vez revelan diversos puntos en común con las exigencias contenidas en la multitud de protestas que están teniendo lugar en este momento. La decisión de revisar estas cuestiones, revitalizándolas a través de su despliegue en el espacio público, contando con la participación de la ciudadanía y enfatizándolas mediante su repetición incesante, son elementos que esta intervención añade al texto original y que, de alguna
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PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO forma, actualizan su contenido, ampliando sus posibilidades de difusión y el potencial reactivo de su llamamiento. Teniendo en cuenta las diversas maneras en las que el arte se ocupa o penetra en lo considerado como político, en busca de lugares de encuentro en los que explorar las posibilidades de transformación, y en vista de las numerosas similitudes entre la acción y las protestas políticas, hemos considerado la formulación ulteriores justificaciones innecesarias. El desarrollo de los acontecimientos ha propiciado un momento en el que la toma de partido se hace necesaria cuando no ineludible, manifestándonos como agentes en el curso de los hechos en vez de meros espectadores de su ejecución. Artistas: Malin Arnell, Kajsa Dahlberg, Johanna Gustafsson y Fia-Stina Sandlund Un proyecto comisariado por Clara T. López Con la colaboración de IASPIS, Programa Internacional para Artistas Visuales y Comité de Becas Artísticas de Suecia Jueves 17 de noviembre a las 19 h.
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ENSAYO-ERROR // TRIAL-ERROR Ensayo - Error . Talleres de ciencia y arte para todos
ENSAYO - ERROR La imagen, al igual que la palabra, es un medio para la transmisión de mensajes, y partiendo de este planteamiento Exprimento Limón propone un nuevo proyecto con el que, de nuevo, se trata de descubrir el mundo que nos rodea realizando nuevas lecturas e interpretaciones del mismo, desde la exploración, la experimentación y la apropiación de métodos deductivos, creativos, y propositivos. Ensayo- Error, es el método más primitivo de asimilar conocimientos, la idea es apropiarnos de su potencial de aprendizaje e incorporarlo en nuestra cotidianidad como práctica habitual. Errar para comprobar, reafirmar, cambiar o reformular. Y el Ensayo como actitud, como comportamiento en exploración continua. Ensayo-Error se realizará cada mes a partir de la propuesta experimental que Sevinc Kisacik, coordinadora y educadora en el Science Museum de Londres, nos proponga. Comenzamos con Matter behaving badly. Este taller nos servirá para explorar las partes más pequeñas del mundo que nos rodea: los átomos. El taller cuenta con dos partes: La propuesta científico experimental del taller analizará qué son los átomos, cómo se unen para dar lugar a moléculas y cómo se comportan. A continuación Exprimento Limon propone trabajar a partir de elementos formales básicos (puntos y lineas) nuevas narraciones estéticas y sensoriales. Relatando las propiedades físico-químicas que poseen las moléculas de agua a las que vamos a dotar de una representación formal y poética. Los participantes construirán una trama narrativa que será filmada y compartida al final de cada taller. + Info: http://exprimento-limon.blogspot.com.es/ talleres@exprimentolimon.org telf: 91 3300283 Contamos además con diferentes pases para público infantil, familiar y adulto. Los sábados de: De 17 a 19 h Familias (niños de 6 a 14 años) De 19 a 21 h Adultos a continuación sesiones DJ´s en Trapézio Plazas Limitadas . Confirma tu inscripción. 48
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO Precio: 10€ Síguenos en facebook e infórmate cuando se imparten los talleres en inglés junto con Sevinc Kisacik, coordinadora y educadora en el Science Museum de Londres.
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SUERO + Adrian Cuervo
Concierto (live + video) Jueves, 12 julio - 20 h Organiza: Klangmaschine & +MAS
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Sesión Klangmaschine: Fractal 6
19/07/2012 Jueves, 19 julio 20 h Javier Molina toma este seudónimo de Clock Dva, grupo clave en la evolución de la investigación científico-sonora de las dos últimas décadas. Una larga relación con la música electrónica le hacen conocedor de múltiples estilos y tendencias en el actual panorama de las músicas de vanguardia. Residente durante muchos años del bar gris donde en sus eclécticas sesiones hacía un repaso por las diferentes etapas del inquieto mundo de creación sonora binaria. Es además, uno de los responsables del festival de música experimental Sonikas.
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Elías Merino + Esstronueve
26/07/2012 Klangmaschine_Elías Merino + Esstronueve 19.00 h Klangmaschine djs 21.30 h Elías Merino + Esstronueve (Live act) Entrada: 2€
Elías Merino Desarrolla su trabajo dentro del campo del arte sonoro, mediante el estudio de la composición generada por ordenador, la electroacústica, el paisaje sonoro y las grabaciones concretas y la manipulación del sonido a través de la tecnología digital principalmente. El trabajo de Merino hasta ahora viene determinado por un meticuloso estudio conceptual y estético junto con la elaboración del discurso que lo define. Ha compuesto obras para grupos de danza del Conservatorio de Danza de ...Madrid, publicado trabajos con diferentes sellos como Buh records, Escala, Tecnonucleo o Audiotalaia además de otros, y realizado intervenciones sonoras en lugares como por ejemplo, El Museo Reina Sofía, La Casa Encendida o el LPM Roma. La obra de Elías Merino ha reflexionado sobre diferentes materias, desde el Romanticismo europeo y su decadencia en el siglo XIX, el Empirismo y una interpretación de la "Tabula rasa", la visión destructiva de las leyes naturales y la debilidad del ser humano, hasta un estudio sobre el recuerdo como organismo floreciente y la construcción como agente reaccionario, el tiempo comprendido entre un estímulo y su reacción, visto como una "pseudorazón", el absurdo de la naturaleza humana, el diálogo entre la nada y el infinito o un discurso sobre el progreso de la "técnica" como definición orteguiana, entre otros... Elías forma parte del ensemble de música electroacústica Nuhg, así como de otros proyectos con 52
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO diferentes compositores de música contemporánea y artistas sonoros. También colabora con trabajadores visuales y proyectos performáticos e interdisciplinares.
Esstronueve E S S T R O 9 ( México, D.F. ) origina su trabajo desde una constante exploración y experimentación a partir de las artes visuales desde principios de la pasada década. Vincula intereses artísticos en la fotografía, el video o la escultura con la improvisación sonora y audiovisual a través de herramientas y procesos digitales en la imagen y en el sonido relacionados con Live Cinema y arte generativo. Junto con FRCH es miembro fundador del proyecto mexicano de artes digitales E Z T U L con el cual presenta su propuesta en diversos encuentros y festivales dentro de México e internacionales tanto en norte y Sudamérica como en distintas ciudades dentro de Europa recientemente.
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Sesión Klangmaschine: Svreca
02/08/2012 Jueves, 2 agosto - 19.00/23.00 h Meticuloso en el trabajo del sonido y las texturas posibles entre el electro, el techno experimental y la electrónica más intrincada, Svreca destaca por encima de la media gracias a las producciones de su sello, Semantica –constante referente de la electrónica reciente en España- y a unos sets nada convencionales, en los que crea un tejido sonoro de difícil catalogación e inmediatos efectos narcóticos sobre el oyente.
Sesión Klangmaschine: Coeval
09/08/2012 Jueves, 9 agosto - 19.00 h 54
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Manuel Calurano
16/08/2012 AUDIO SESIÓN Jueves, 16 agosto - 19.00-23.00 h Manuel Calurano Su obra, basada en grabaciones de campo, ha sido presentada en diferentes espacios como Metros cuadrados de sonido y Matadero-Madrid. Calurano ha sido galardonado en los certámenes organizados por Madrid Abierto y Radio Círculo. Desde el año 2008 coordina el proyecto online madridsoundscape.org, sitio dedicado a las grabaciones de campo y a la fonografía.
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José Luis Espejo
23/8/2012 Jueves, 23 agosto - 19.00-23.00 h José Luis Espejo - ursonate Uno de los posteadores de mediateletipos.net, web dedicada a la cultura aural y el arte sonoro, su producción habitual se mide en textos. En esta ocasión prepara un sesión ecléctica de música rara que amueble la tarde del jueves de algún u otro modo. ursonatefanzine.tk
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Abraham Rivera
30/08/2012 Jueves, 30 agosto - 19.00-23.00 h Abraham Rivera es programador audiovisual y musical, ha comisariado recientemente el festival ECO - Encuentro de Nuevos Sonidos, donde también se encargó de una breve muestra audiovisual llamada LO-FI DANCE USA. Ha colaborado como selector y comisario para el Museo Reina Sofía con el ciclo “Leer las imágenes, leer el tiempo” y en La Casa Encendida, con el encuentro de ARTe SONoro. En la actualidad realiza el programa de radio Línea 12, para el CA2M en Radio Círculo y pone música en Siroco, junto a David G. Balasch.
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Andrea Zarza
06/09/2012 Jueves, 6 septiembre - 19.00-23.00 h Andrea Zarza vive en Londres. Actualmente estudia archivística y trabaja en el archivo sonoro de la British Library. También ocupa su tiempo clasificando el material del archivo del London Musicians Collective alojado en CRiSAP (http://www.crisap.org/).
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Divine Invasion
13/09/2012 Jueves, 13 septiembre - 19.00-23.00 h "El proyecto Divine Invasion (Invasión Divina) comienza su andadura en 1992 a través de varios recitales y cassettes/demos, si bien su fundador realiza incursiones musicales desde mediados de los años 80. El carácter sonoro de Divine Invasion esta abierto a la experimentación lúdica y formas propias de expresión, a espaldas de ismos y tendencias, resultando muy ecléctico en sus propuestas y contenido. A lo largo de este tiempo su integrante ha desarrollado varios proyectos musicales paralelos, como son Ubik y Roog!, este ultimo más rítmico y contundente". http://www.ccapitalia.net/reso/zonasonora/invasiondivina/invasiondivina.htm http://soundcloud.com/divine-invasion más info: blog: soundcloud: http://soundcloud.com/klangmaschine
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www.ccapitalia.net/crc http://klangmaschine.wordpress.com/
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From 20 to 20000Hz
20/09/2012 Jueves, 20 septiembre - 19.00-23.00 h Pablo Sanz Almoguera Sus proyectos recientes incluyen piezas sonoras, conciertos e instalaciones basados en grabaciones de campo y en la exploración de las relaciones entre sonido, espacio y percepción. Como dj/remezclador produce la serie ‘from 20 to 20000 hz’, derivas aurales donde chocan y se encuentran objetos sonoros y musicales de variada procedencia. http://mixcloud.com/20020/ http://20020.org/
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Jorge Bule
30/09/2012 Domingo, 30 septiembre - 19.00-23.00 h Jorge Bule (Madrid 1980), empezó su carrera en la música electrónica a finales de los noventa, dentro del circuito más vanguardista. De educación clásica, pronto encontró los paralelismos existentes entre la música, el ruido y el lenguaje. Influenciado por el minimalismo de la época, comenzó a desarrollar hipnóticos paisajes sonoros, actuando en lugares como Radar Electronics Sound Bar y festivales de arte sonoro como el Sonikas. Su música ha sonado en obras de teatro y danza contemporánea, documentales, cortos cinematográficos, exposiciones e instalaciones. En la actualidad sigue explorando con agilidad el sonido electrónico. En esta ocasión nos presentará su último trabajo, que será editado en ELEVE próximamente. más blog: soundcloud: http://soundcloud.com/klangmaschine
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info:www.ccapitalia.net/crc http://klangmaschine.wordpress.com/
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Orfeon Gagarin
04/10/2012 Jueves, 4 octubre - 19.00-23.00 h Entrada: 3€ Orfeon Gagarin presenta en directo "Viaje alrededor de un cráneo", composición electrónica basada en la vida y muerte en el espacio del cosmonauta soviético Vladimir Komarov, a bordo de la nave Soyuz 1. Orfeon Gagarin se fundó en 1986 por Miguel A. Ruiz uno de los nombres de referencia de la electrónica experimental en España. Junto a artistas como Esplendor Geométrico, Macromassa, Francisco López, Avant Dernières Pensées, Comando Bruno, Diseño Corbusier, etc, fue en los primeros 80 uno de los pioneros de la creación electrónica más arriesgada y underground de nuestro país.
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Stable Mechanism
11/10/2012 Entrada: 2€ Jueves 11 octubre- 19.00- 23.00h Stable Mechanism es la parte más accesible de noi, artista próximo al sound art y a la creación de corte más experimental desde sus comienzos como productor. Gracias a este proyecto, Jorge Ortiz de Pinedo muestra su personal visión de la música en estas últimas décadas con infinidad de guiños al electro, al ambient y a la idm de los 90 siempre bajo el filtro de las nuevas tecnologías. Sin centrarse en ninguno de estos conceptos Stable Mechanism intenta combinarlos de un forma “no restrictiva” (en términos de escucha) para acercarse de una manera muy personal en lo que simplemente se puede denominar música electrónica. Sus últimas referencias Decisions [addsensor_17, 2009], Suspended Animation [inrecs_15], o el reciente Entropy [escala_2:2], lo confirman como uno de los mas prolíficos productores en la escena netaudio, y son buena muestra del eclecticismo sonoro que podemos encontrar en cada trabajo de este productor madrileño. Noi es además responsable de escala, una de las plataformas digitales mas veteranas de la red con un catalogo que apuesta de forma decidida por la calidad y la variedad dentro de la música más avanzada. info:www.ccapitalia.net/crc blog: http://klangmaschine.wordpress.com/ soundcloud: http://soundcloud.com/klangmaschine
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José Manuel Hortelano-Pi
29/11/2012 DEN, platos pintados a mano Jueves, 29 noviembre - 19 h Presentación a cargo del autor. El ilustrador José Manuel Hortelano-Pi (Murcia, 1979) presenta sus tres primeras piezas de cerámica pintadas a mano, producidas según la forma tradicional en colaboración con el Centro Cerámico Talavera de Talavera de la Reina. La serie DEN se compone de tres platos; uno circular, uno cuadrado y otro triangular, donde la imagen de un hombre joven se acopla a cada forma. Las piezas cerámicas son únicas debido a su proceso de elaboración y cada una de ellas está numerada y firmada por el autor. En la presentación se proyectará en primicia la pieza de vídeo creada para la ocasión, mezcla de imagen real y de animación, con música original de Nando Quesada del grupo Corazón, cuya música ha servido de inspiración para la creación de las piezas.
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21.12.12 - anak & monoperro
21/12/2012 Desde distintos lugares se anuncia el fin del mundo para esta fecha, otros anuncian un cambio cรณsmico, o el inicio de una nueva era. anak&monoperro van a hacer algo en secreto, de lo que saldrรก algo que se esparcirรก lentamente entre la gente. Es la semilla del Gran Comienzo. Viernes, 21 diciembre - 19.00 h
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Hard Facts: Limbo
08/02/2013 > 28/02/2013 Hard Facts es un proyecto a medio camino entre el arte y las ciencias sociales, que pretende reflexionar sobre el status del objeto y sus conexiones íntimas con el contexto histórico en el que se genera, así como sobre las características de quién lo colecciona y clasifica en el ámbito privado e institucional. Apoyado por la European Cultural Foundation (ECF), Hard Facts es un proyecto de investigación en el que participan artistas, curadores y otros agentes de Eslovenia, Croacia y España. Tras haberse celebrado presentaciones y encuentros en Viena y Ljubljana, el proyecto recala ahora en Madrid para ampliar sus contenidos y buscar sus posibles implicaciones en el ámbito del arte. A través de cuatro sesiones de debate, una presentación pública y otras actividades relacionadas, Hard Facts celebrará en Madrid su penúltimo ciclo de encuentros antes de viajar a su última sede en Rijeka, Croacia. Para su programa de Madrid, Hard Facts cuenta con el apoyo estratégico de Pensart y espacio trapézio. Programa Viernes, 8 febrero - 19 h Consideraciones sobre el objeto después de su exhibición. Idea de Limbo Invitado: Luis Francisco Pérez Sede: espacio trapézio Luis Francisco Pérez “Quien escribe esta pequeña semblanza, casi fotográfica, nació en Madrid durante la década de los 50. Desde principios de la década de los 80 ha colaborado con todas revistas especializadas sobre arte contemporáneo aparecidas (y desaparecidas) en nuestro país, al igual que no pocas europeas y de América Latina. En la actualidad escribe para "SalonKritik", el mejor portal de teoría estética dentro del ámbito hispano, y para "Arte-Contexto", una superviviente de la prensa 68
PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO especializada que aún aparece en papel. Si reuniera todos los artículos escritos, así como los textos de presentación para catálogos, saldrían (sin exagerar) un par de (gruesos) volúmenes. Tarea que jamás llevaré a cabo por pereza y pudor a partes iguales. Tal labor se la dejo a aquellos que son especialistas en elaborar curriculum vitae de una prolijidad que produce vergüenza ajena. ¿Qué tipo de producción estética me interesa? Soy tan claro como egoista al respecto: la que me enriquezca, que la me haga pensar, la que me haga más feliz, la que me provoque para escribir sobre ella... Sin olvidar, por supuesto, que cada día visito más el Museo del Prado”. Jueves, 14 febrero - 19 h Hechos sólidos y práctica artística Invitados: Black Tulip | Karmelo Bermejo Sede: espacio trapézio Black Tulip sirve como pseudónimo común para un grupo indeterminado de artistas que presentan sus trabajos de manera experimental. Karmelo Bermejo. Su práctica artística se concentra en encontrar las formas de evidenciar las economías de valor, ya sea comercial o de prestigio, que operan en las estructuras de visibilidad/invisibilidad que sostienen a la obra de arte contemporáneo y su financiamento, tanto privado como público. La lógica de sus acciones y obras es invocar un desperdicio crítico: la manipulación de la economía de lujo que moviliza toda obra de arte. Sábado, 16 febrero - 18.30 h Presentación pública del proyecto Hard Facts. Sede: JustMad A cargo de Alenka Pirman, Jani Pirnat y Juan de Nieves, miembros del proyecto Hard Facts y de los partners en Madrid, Pensart y espacio trapézio. Miércoles, 20 febrero - 17 h Visita y debate a pie de obra en el contexto de la exposición ARQUEOLÓGICA, un proyecto de Virginia Torrente. Sede: Matadero Madrid. Jueves, 21 febrero - 19 h Fetiches histórico-críticos Invitado: Fernando Sánchez Castillo Sede: espacio trapézio Fernando Sánchez Castillo. A través de la escultura, el dibujo y el video –pero también rescatando un amplio repertorio de fetiches históricos- Sánchez Castillo investiga la relación entre arte y poder, aludiendo a la memoria histórica colectiva y evidenciando, además, el peso que tienen todavía determinados símbolos en nuestra sociedad. El monumento, la documentación, el espacio público o la tradición se convierten en herramientas para desenterrar nuestro pasado más reciente.
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PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO Jueves, 28 febrero - 19 h Métodos de clasificación alternativos al museo. Otros coleccionismos Invitado: Sergio Rubira Sede: espacio trapézio Sergio Rubira. Profesor de Hª del Arte Contemporáneo en la Universidad Complutense de Madrid (UCM). Ha sido Redactor Jefe de EXIT Express (2003-2005); director adjunto de las tres revistas del grupo EXIT (2006-2009) y en la actualidad es Editor Adjunto de EXIT Imagen & Cultura y co-director de FLUOR. Forma parte de RMS La Asociación con la que ha desarrollado proyectos como Contextos en desuso (Centre d’Art La Panera, Lleida, 2012) y Sur le dandysme aujourd’hui (CGAC, Santiago de Compostela, 2010), y puso en marcha RMS, El Espacio (2010-12). Ha sido co-director de las Jornadas de Estudio de la Imagen de la Comunidad de Madrid (2005-2009).
Domestic Research Society, Ljubljana (Eslovenia) en colaboración con los partners Savez udruga Molekula, Rijeka (Croacia), Pensart y espacio trapezio (España). Con la ayuda de: European Cultural Fundation http://hardfactsblog.wordpress.com/
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Modelos de producción y de gestión en arte actual
16/02/2013 Sábado, 16 febrero - 13 h Charla con Arts Coming /contemporary art editions/, una pequeña empresa dedicada a la producción y la difusión de arte actual. Con la intervención de Pilar Bonet y las obras de Xavier Arenós, Rafel G. Bianchi, Domènec, Antonio Gagliano, Núria Güell, Dani Montlleó y Mireia Sallarès. www.artscoming.com
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Carlos Jiménez Moreno "La escena sin fin. El arte en la era de su big bang"
01/03/2013
Viernes, 1 marzo - 19 h Presentación del libro a cargo de Fernando Castro, Aurora Fernández Polanco, Marisol Salanova y del autor, Carlos Jiménez Moreno. Hoy nadie parece sorprenderse ante nada de lo que ofrecen habitualmente los artistas contemporáneos porque la institución artística ha llevado tan lejos su compromiso estratégico con la ruptura de las fronteras, límites y convenciones que antes definían el arte que cualquier cosa, cualquier acción, cualquier gesto puede ser aceptado como arte o investido como tal. Estas rupturas guardan una relación estructural con las de una sociedad a la que la imagen que más le conviene es la de un universo en expansión, con su big bang fundacional, sus supernovas y sus agujeros negros de donde nada escapa, ni siquiera la luz. Los artículos reunidos en esta selección se centran sin embargo en acontecimientos y fenómenos propios de una escena artística a la que se califica de “escena sin fin” no solo porque el arte que promueve subvierte los límites antes mencionados, así como los que median entre el arte y la vida, sino porque es una escena globalizada que incorpora artes, artistas y estrategias que vienen de todas partes del planeta y no exclusivamente de Occidente. Estos textos realizan calas en las transformaciones experimentadas por el concepto del arte, el estatuto del museo y su arquitectura, así como de las mega exposiciones, las mutaciones del público, la devaluación de la crítica y las prácticas artísticas muy heterogéneas que movilizan al
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PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO conjunto. Exploran además las posibilidades de acción política emancipadora ofrecidas por la escena sin fin y el big bang del arte. www.editorialmicromegas.com
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The Water Tapes + Pupila
22/03/2013 Videoplaylist y concierto acústico. The Water Tapes es un colectivo dedicado a grabar a bandas tocando en el WC, un espacio performativo, artístico y musical donde los músicos se expresan de una manera original y auténtica, sin artificios. Grabaciones que buscan el virtuosismo, sino el evento irrepetible, la performance. Pupila nace a principios de 2010 en Madrid, con la intención de ampliar el espectro de géneros que hasta entoncesnutre a la banda. Con ello ponen fin a una etapa cuyas canciones en inglés, pertenecían a conceptos musicales alejados de sus actuales inquietudes e influencias. thewatertapes.com | www.pupilaband.com
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#Little Secret Film
03/04/2013 > 03/05/2013 #Littlesecretfilm es un modelo de producción cinematográfica basado en 10 normas que limitan las condiciones de rodaje y distribución, animando a todos los realizadores/as del mundo a sumarse a un ejercicio de riesgo cinematográfico extremo. #LITTLE Un pequeño largometraje grabado en 24 horas ininterrumpidas. La unión de un pequeño equipo cinematográfico. #SECRET Una secreta producción cinematográfica en la más absoluta clandestinidad sin ningún tipo de comunicación pública hasta el día de su estreno. #ONLINE Un estreno cinematográfico online gratuito, un regalo de cada realizador a su comunidad de fans promocionado a través de las redes sociales junto al hastagh #littlesecretfilm. #LOVE Un acto cinematográfico de amor al cine e Internet en pleno Siglo XXI por aquellos que sentimos, vivimos, amamos el cine. #ELCOMIENZO El día 1 de febrero de 2013 #littlesecretfilm vió la luz a través de un estreno secreto colectivo reuniendo a numerosos realizadores y profesionales de la industria cinematográfica española con un deseo, que una nueva generación de películas basadas en el modelo prosigan a las estrenadas inicialmente, de manera secreta, arriesgada y gratuita. Todas las proyecciones están precedidas de una presentación a cargo del equipo de la película. Miércoles, 3 abril - 19 h Piccolo Grande Amore Jordi Costa. 88' La fuerza que rige el Universo es el Amor. Es decir, lo peor que podría pasarnos.
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Undo Infinito Álex Mendíbil. 69' Tras un trágico accidente, una editora de vídeo se obsesiona con su trabajo hasta el punto de no poder diferenciar entre lo real y lo digital. Viernes, 5 abril - 19 h Manic Pixie Dream Girl (An Internet love story) Pablo Maqueda. 70'
Una fábula sobre el vídeo más visto de la historia de Internet. Roma Rises, Lera Lo Mode, Nina Delicious. Aquí llegan, las Manic Pixie Dream Girls. 16th Folk Room Víctor Alonso. 60' Un #littlesecretfilm musical en el que se retrata el sonido de la escena folk de Londres con las actuaciones improvisadas en acústico de 16 bandas actuando una tras otra en una misma habitación a lo largo de 24 horas. Viernes, 12 abril - 19 h Anfibia Hugo Álvarez Gómez. 38' Carolina no ha podido desaparecer y ante el temor de un apocalipsis inminente tendrá que luchar consigo misma para sobrevivir. Siempre y cuando Toadway no se lo impida. La Pájara Jimina Sabadú. 40' Cuento de hadas sobre la mezquindad, la gente que vende cosas por Internet, los enfermos que abusan de su condición, y las personas que aman a todo el mundo menos a quien tienen más cerca. Una historia realista, pero con muñecos. Nuestro Porno Favorito Carlo Padial. 11' Gente muy educada, completamente vestida, disculpándose entre ellos durante horas. Un género cada vez más popular en Sudáfrica. Miércoles, 17 abril - 19 h 76
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Cinema verité, verité Elena Manrique. 60' Una DJ recorre las calles de Madrid en busca de trabajo. Monika, su amiga, está de bajón y no quiere salir de fiesta pero Vicky, su compañera de piso, se lleva la fiesta a casa. En paralelo asistimos al proceso creativo de las dos guionistas que escriben ambas historias. KILN Héctor G. Barnés. 69' La banda sonora de la II Guerra de Sistemas fue, sin duda, la música del grupo de rock Kiln. Aunque para muchos no sean más que un lejano recuerdo, los cuatro componentes de la formación han decidido juntarse para un último concierto. Viernes, 19 abril - 19 h Iron Cock Unchained Laredo Pictures. 60' Claudio vive una relación feliz cimentada por una extraña estatuilla. La armonía de la pareja se perturba cuando recibe una visita de unos mensajeros del futuro que se llevan la estatuilla como pago de un chantaje. A partir de aquí el protagonista emprende una serie de viajes temporales para intentar recuperla. Nova Bruno Teixidor y Ezequiel Romero. 60' ¿Hay alguien por quien merezca la pena perderlo todo? Un cuento en clave de ciencia ficción con dos protagonistas y dos equipos de rodaje destinados a encontrarse. Cada equipo rodaba y desarrollaba la trama sin consultar al otro. Viernes, 26 abril - 18 h Desmadre en la Noche de la Quietud Pablo Vázquez. 104'
La película de autor definitiva. Lucía y Hugo son dos hermanos. Están enamorad acabar con todo el cine español en una noche.
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Pepón es guay Norberto Ramos del Val. 70'
¿Qué hacer cuando tu carrera no acaba de "despegar"... y de paso no te comes un tiene claro y pide consejo a Pablo. El problema es que sólo hay una cosa peor q amigos. Viernes, 3 mayo - 19 h Los Desórdenes Sentimentales Ramón Alfonso. 90'
El veterano realizador Tomás Waitzman sobrevive a sus sesenta años dirig largometrajes para televisión, muy lejos de los exigentes postulados artísticos de s Tiene una relación amorosa una chica mucho más joven y continuamente vive pequ otras mujeres. Un día conoce a Eva e inicia un nuevo romance. Working Progress Roland De Middel. 60' Un grupo de personajes ante los actores de su vida.
ENTRADA GRATUITA
Organiza: Jimina Sabadú www.littlesecretfilm.com
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¡Petar la estantería!
24/04/2013 Tenemos poco espacio. Compartimos piso hasta bien entrados los treinta. Nuestros sueldos son aún más pequeños que nuestras casas. Nuestras aficiones nos gustan tanto como siempre no obstante. ¡Petar La Estantería! pretende cambiar el hábito de consumir por el de leer y compartir, que es lo que en un principio nos llevó al mundo del cómic. A todos nos gusta tener nuestras colecciones completas ordenadas por tamaños, autores o géneros. Pero también nos gusta probar cosas, conocer obras, explorar otros tipos de cómic. Por eso nace ¡Petar La Estantería! Una tarde en la que charlar, compartir e intercambiar tebeos y amor por los tebeos. Una cita periódica con protaginistas del mundo del cómic dispuestos a debatir en igualdad, de fan a fan. En esta ocasión se presentará "Pastel de caca Magazín", el primer fanzine hecho por muñecos. Tendremos merienda, proyecciones, y tebeos. Podéis tantear a otros lectores y comentar lo que vais a llevar o lo que querríais encontrar en: http://petarlaestanteria.blogspot.com. Miércoles, 24 abril - 19 h Organiza: Jimina Sabadú
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Las Cañitas. Un proceso por lesbianismo a principios del XVII
11/05/2013 Sábado, 11 mayo - 19 h Presentación del libro a cargo del autor, Federico Garza Carvajal y actuación musical por parte de Daniel Gómez Bonet (clarinete) y Santiago Gómez Bonet (guitarra acústica), componentes de Swing da Capo Jazz Manouche. Con la participación de: Patricia Heras, historiadora y representante de Make & Do Books. Daniel Gómez Bonet, diseñador gráfico y profesor en La Escuela de Diseño, Valladolid. Lecturas a cargo de: Mili Hernández, Librería Berkana. Laura Zorrilla, filóloga y editora. En junio 1603, Inés Santa Cruz, una ex “monja/beata/priora”, y su compañera Catalina Ledesma fueron presas y juzgadas en la ciudad de Salamanca por “bujarronas” y porque “trataba la una con la otra carnalmente con un artificio de caña en forma de natura de hombre” e Inés “con sus manos la abría la natura a la dicha Catalina hasta que derramaba las simientes de su cuerpo en la natura de la otra por lo cual las llamaban las cañitas y esto es público y notorio entre las personas que las conocen”. De ello, “había mucho escándalo y murmuración en el barrio”. No obstante, a efectos judiciales, no era la primera vez que Inés y Catalina estuvieron detenidas por tratar carnalmente entre sí. Según consta en el manuscrito, Santa Cruz y Ledesma ya fueron juzgadas con anterioridad en Valladolid, concretamente en 1601, porque: "…trataban una con la otra carnalmente como hombre y mujer poniéndose la una debajo y la otra encima y tenían un instrumento de caña hecho a forma de natura de hombre con el cual se conocían la una a la otra carnalmente y por dicho delito fueron desterradas de la dicha ciudad…".
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PROYECTOS ESPACIO TRAPÉZIO Ambas mujeres, por tanto, tuvieron que abandonar la ciudad de Valladolid y se instalaron en Salamanca. Tampoco sería la última vez que fueron juzgadas por las audiencias reales de Castilla y León. La tercera y definitiva tuvo lugar en Valladolid, en 1606. UN PROCESO ÚNICO E HISTÓRICO El proceso contra Santa Cruz y Ledesma se conserva en el Archivo General de Simancas. El manuscrito de 142 folios, que aparece en el libro transcrito ad verbum, consta de varias partes. La primera está integrada por un resumen o breve relato de los procesos de 1603 y 1606 y de las sentencias dictadas por las reales cortes. El documento, relatado por varios escribanos, es sumamente repetitivo e incluye los gráficos, por no decir pornográficos, cargos de los sucesos expuestos por los magistrados de las cortes, las declaraciones de las testigas oculares (en ambos casos todas son mujeres), las confesiones de Santa Cruz y Ledesma, las largas descripciones de las torturas infligidas contra ellas, las sentencias dictadas y ejecutadas, y finalmente los recursos de las acusadas. Esta detallada crónica sobre la relación amorosa de Inés de Santa Cruz y Catalina Ledesma representa el único proceso conocido hasta la fecha, tanto en España como en Europa, que dilucida sin tapujos el tema del lesbianismo durante la época moderna. ‘Quizás’, la ‘palabra que mejor defina la actitud de la historiografía en castellano hacia la homosexualidad, tanto masculina como femenina, sea la incomodidad’. Efectivamente, la historiografía del lesbianismo en la España moderna podría decirse que tanto ‘las editoriales tradicionales’ como ‘las revistas de prestigio apenas cuentan con unas cuantas referencias’, por no decir ninguna ‘rehuyendo de manera deliberada o mostrando poca sensibilidad por estos temas’. Las Cañitas relata explícitamente los actos sexuales atribuidos a mujeres tal y como aparecen gráficamente escritos y detallados por los escribanos. Estos relatos representan una de las aportaciones más destacadas de este libro. Y lo son, precisamente, porque las tendencias lésbicas de Inés de Santa Cruz y Catalina de Ledesma han sido anotadas por hombres que eran la manus longa de una política española represiva estado-iglesia.
Federico Garza Carvajal (1959, Laredo, Tejas EEUU) Ha sido profesor adjunto de Inglés-Español en la Universidad Económica de Bratislava (Eslovaquia) y en la École supérieure de commerce et de management de Lille (Francia). Se educó en la Universidad de Texas (Austin, Tejas), la Universidad de Navarra, la Sorbonne París y la Universidad de Amsterdam (doctorado en el año 2000). Antes de llegar a Francia fue profesor de Historia en el Centro de Estudios y Documentación Latinoamericanos (CEDLA) en la Universidad de Amsterdam y en el Centro de Estudios Mexicoamericanos en la Universidad de Texas / Austin. Los intereses académicos de Garza Carvajal giran alrededor de la teoría posmodernista y los diferentes discursos sobre la sexualidad, identidad e imigración. Ha publicado : A las 6: Reflexiones sobre luz, agua, hormigón (2006); Butterflies Will Burn: Prosecuting Sodomites in Early Modern Spain and México (2003); Quemando Mariposas: Sodomía e imperio en Andalucía y México (2002); VIR: Perceptions of Manliness in Andalucía and México, 1561-1699 (2000). Vive a caballo entre París y Valladolid.
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Visionaries in a white desert: The Arctic Circle Experience
06/06/2013 Una conferencia de Paz Tornero Jueves, 6 junio - 19 h En 2011 Paz Tornero fue la única española seleccionada para asistir a una residencia-workshop en Finlandia, dentro de una estación biológica en el Círculo Ártico en un pueblo llamado Kilpisjärvi. Una estancia de investigación-creación en un lugar extremadamente especial donde se dieron cita grandes profesionales internacionales; artistas, teóricos y científicos, todos ellos relacionados con el movimiento Arte-Ciencia. Como resultado de esta investigación surge el libro "From landscape to laboratory" compuesto por artículos basados en dicha experiencia y que finalmente se publica en varias semanas. Autores como Marta de Menezes, Laura Beloff o el controvertido bioartista Oron Catts, internacionalmente reconocidos y premiados por su trabajo, colaboran en esta publicación en la que Paz Tornero también participa con el artículo "Visionaries in a white desert: The Arctic Circle Experience". La conferencia gira entorno al artículo publicado en este libro más una reflexión sobre dichas experiencias interdisciplinares realizadas en lugares tan remotos como el Círculo Ártico.
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Concierto: Colectivo maDam
07/06/2013 Viernes, 7 junio - 20 h El Colectivo maDam está integrado por artistas provenientes de diversas disciplinas. Centra su actividad en la libre improvisación musical en grupo, en constante búsqueda y experimentación sobre el discurso sonoro, estético y organizativo. En su sonido conviven el silencio, la electrónica, la voz y los instrumentos musicales tradicionales, en un diálogo comprometido con el aquí y ahora de cada situación específica en la que el colectivo interviene. «En la improvisación, el creador comparte su proceso creativo con el público en el acto, está creando la música en ese preciso instante y lugar, y esos tres elementos –el público, el momento y el lugar– tienen mucho que ver en la creación. Todo improvisador sabe que la manera en que le escucha el público tiene una enorme influencia en cómo elabora su obra. La capacidad de escucha, el grado de entendimiento, la duración y profundidad de la atención son factores determinantes de cómo, y hasta qué punto, el improvisador establece la comunicación y la intimidad con el público. Influyen en el grado de riesgo que asume, en la velocidad o el pulso interno de su discurso, y en el nivel de matización o complejidad que alcanza. No es que el público sea lo único que afecta al improvisador; también tendrá sus momentos de mayor o menor creatividad, energía o inspiración, y habrá días en que esté más o menos cómodo con su instrumento: pero la presencia y la escucha del público es todo menos pasiva.» “Improvisando. La libre creación musical”, Wade Matthews. Entrada: 5 € Colectivo maDam
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Presentación SELLO ARSGAMES
24/07/2013 SELLO ARSGAMES es un proyecto editorial de la asociación cultural ARSGAMES centrado en el mundo del videojuego. SELLO ARSGAMES nace como una plataforma editorial híbrida centrada en el mundo del videojuego (entendido éste en un sentido amplio) que produce y publica contenidos analógicos y digitales para distintos soportes y medios: desde libros convencionales a videojuegos, pasando por juegos de mesa, libros digitales interactivos, etc. Así pues, en la presentación, los integrantes de SELLO ARSGAMES harán un repaso a sus objetivos y a sus distintas colecciones: Alea (colección de libros y textos académicos), Bit-topia (colección de videojuegos), Daimón (colección de juegos de rol y de mesa) y Octopus (colección de libros digitales interactivos). SELLO ARSGAMES está conformado por personas procedentes de diferentes ámbitos, como son la filosofía, el periodismo, las bellas artes, la informática o la sociología. Esta interdisciplinariedad es la que permite la conformación de una editorial híbrida tanto en los contenidos y productos como en las metodologías y producción de los mismos. El bagaje, como miembros de ARSGAMES, de estos profesionales “nos ha enseñado la importancia de la experimentación, algo que no debe verse reflejado sólo en los contenidos, sino también en el modo de producirlos. Por ello, pretendemos que SELLO ARSGAMES no sea sólo una editorial o productora al uso, sino innovar y experimentar también a este respecto”, según puede leerse en su página web. Este acto también servirá para presentar el número 0 de la revista Bit y aparte, revista interdisciplinar de estudios videolúdicos que será el pistoletazo de salida del proyecto SELLO ARSGAMES. En el número 0 de Bit y aparte escriben Joaquín Pérez, María Rubio, Ruth García, Joaquín Siabra, Eurídice Cabañes, Mar Canet, Luca Carrubba, Daniel Artamendi y Flavio Escribano. La revista, de 124 páginas, trata de dar cuenta de las múltiples facetas del videojuego con 10 artículos que recorren las siguientes secciones: Arte, Educación, Género, Game Studies, Innvoación y una sección Especial adicional. Entre los distintos objetivos de la revista, y de todo el proceso editorial, se encuentran la “promoción del español como idioma de referencia en la publicación académica sobre videojuegos”, “la defensa de la cultura libre”, “la conformación de grupos de trabajo abiertos, colaborativos e interdisciplinares” o la “visibilización de los procesos, pues consideramos que el proceso de producción también es parte de la obra”. http://sello.arsgames.net/ https://es-es.facebook.com/SelloArsgames
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… Y CUATRO
27/08/2013 Como colofón al proyecto MERCA, DOS Y TRES, y en agradecimiento y homenaje a todas las personas que han saboreado y disfrutado durante estos dos calurosos meses de verano los refrescantes dibujos, Dibujo Madrid vuelve a espacio trapézio en una suerte de metalenguaje, como reporteros de ellos mismos para dibujar su propia exposición repleta de ellos mismos como público. Ven a dibujar y a ser dibujado viendo los dibujos. Martes 27 de agosto - 19:30 a 21:30 horas. Más información DIBUJO MADRID Web | Facebook | Twitter | Correo Organiza:
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