portaVOZ MARZO by PortaVOZ TV

PORTAVOZ

CULTURA DE BOCA EN BOCA

MARZO.2013

Alejandro Cabrera Polo Camargo Marien Ferré Israel Solórzano Pablo Astorga Carlos de la Sancha Colaboradores: Marcos Betanzos Eduardo Cadaval José de la O Héctor Falcón Gabriela González Reyes Aline Hernández Sebastián Lara Ariel Rojo Emmanuel Ruffo Francisco Saldaña

CONTACTO info@portavoz.tv portavoz.tv es una página destinada a la difusión de arte, arquitectura y diseño producida por La Maga films S.A. de C.V. Insurgentes sur 315-501 Condesa, Cuauhtémoc, D.F., México.

EDITORIAL

Cambio de imagen Por Alejandro Cabrera / @portavoztv Cambiar de rostro o imagen es una tarea complicada porque es como ajustar una máquina a un nuevo contenedor y para ello se requiere esfuerzo y precisión. Sin embargo a la larga resulta en algo que caduca pronto, el vestido ya no corresponde a la tendencia de temporada y por ello en portaVOZ decidimos cambiar desde la raíz. Aún mantenemos el elemento que más nos distingue, las entrevistas en video, que más allá del tratamiento estético se han convertido en pequeños documentos que se acumulan y pueden ser consultados en cualquier momento. Conversaciones que nos invitan a sentarnos frente al invitado para escuchar sus procesos de trabajo, sus ideales y metas, así como sus posturas ante una realidad que demarca el lugar que habitamos. PortaVOZ está cambiando de imagen y de contenidos gracias a un nuevo diseño en el portal, pero también gracias a las 12 nuevas voces que se suman al proyecto como colaboradores especialistas. Cuatro voces jóvenes y experimentadas en cada disciplina (Arte, Arquitectura y Diseño) que nutren y amplian nuestra editorial. Hoy en día los medios digitales se multiplican desmedidamente. Cada vez es mas sencillo arrojar ideas en la red o editar notas de diferentes medios para reunirlos en un mismo sitio de acuerdo al criterio de una sola persona. PortaVOZ está tratando de desmarcarse de aquellos medios de difusión que persiguen la nota informativa o la agenda mensual y a cambio queremos poner temas de interés cultural sobre la mesa. Inquietudes, problemáticas e intereses que puedan provocar momentos de reflexión y llamados a la acción. Todos podemos ser portavoces y usar el medio para cruzar ideas más que para emitir informes diarios que ni un nuevo maquillaje evitará que caduquen. Gracias a todos los que ya nos siguen y gracias a los que forman parte: ARTE: Aline Hernández, Héctor Falcón, Ana Casas, Gerardo Montiel Klint y Gabriela Reyes. ARQUITECTURA: Marcos Betanzos, Eduardo Cadaval, Arturo Ortíz, Emmanuel Ruffo DISEÑO: Francisco Saldaña, Ariel Rojo, José de la O, Sebastián Lara

ENTREVISTA

Artús Chávez Novelo arte TV

01/03/2013

por Alejandro Cabrera / @portavoztv Durante un año nuestra sección de arte ha estado dedicada a la expresión plástica a través de fotógrafos, pintores o escultores. Sin embargo hoy abrimos el abanico cultural para ir integrando en nuestros invitados a gente de cine, teatro o música. Esta semana damos la bienvenida a Artús Chávez, director y actor de teatro. En lo personal, cuando me refiero a Artús, además de ubicarlo como un viejo amigo pienso en el talento a flor de piel y es inevitable recordar alguna carcajada a través de su trabajo. Con una larga trayectoria que ha repercutido en su quehacer actual, Artús inicia sus estudios de teatro en la UNAM y va complementando su formación con diversos talleres y participaciones a nivel profesional. El entendimiento del clown circense se da gracias a la capacitación que recibe en la escuela de payasos del Circo Ringling Brothers, en donde es seleccionado para participar en una gira por Estados Unidos y México. Asi mismo, toma talleres con Danielle Finzi, gran personalidad del teatro clown que ha presentado espectáculos unipersonales como Ícaro y también ha formado parte de grandes proyectos como Cirque du Soleil o Cirque Eloize.

Artús continuó sus estudios de maestría en Londres y de ahí arrancó su vida profesional con una mayor constancia, así como también se formalizó su trabajo como director. Gracias a dichas experiencias ha encontrado un nicho en donde se percibe el potencial creativo que ha dado excelentes resultados con el público. Su trabajo está impregnado de goce, emociones, sarcasmo e irreverencia, de tal forma que en el transcurso de sus obras como actor o director, siempre habrá una gran variedad de reacciones en la audiencia que van desde la risa al aplauso de pie. Entre sus trabajos más destacados se encuentran Norvak, poderoso demente, El extraño caso de Tai Chi y Té Chai y actualmente Guerra. Ésta última, obra reciente que se ha presentado poco por su reciente realización, pero que está por formar parte del Festival de teatro clown en Nueva York durante el mes de septiembre y que seguramente hará temporada en nuestro país a finales del 2012. No se pierdan el trabajo de Artús Chávez ni la conversación que sostuvimos con él en donde nos cuenta sus expereincias en el mundo del teatro.

Más información: www.facebook.com/lapiarateatro

ARTE

Giros transculturales, Paulo Nazareth y la dilución de las fronteras ARTE 05/03/2013

por Aline Hernández / @AlineHnndz La forma en que conocí al artista brasileño Paulo Nazareth creo que da cuenta, mucho más allá de lo que yo pueda escribir sobre él o sobre su trabajo, de la persona que es. Apareció de pronto en la sala donde me encontraba, lo primero que noté fue su pelo, grandes cantidades que encontraban su punto de unión en la mitad de la cabeza, me sonrió seguido de un hola bastante casual. No es mexicano pensé y me dieron ganas de hablar con él. Tenía frente a mí un brasileño que parecía, llevaba meses viajando, los pies estaban completamente acabados y tenía unas chanclas a punto de dejar de serlo, debido al permanente uso que les había dado en los últimos meses. Cuando me fui del lugar él vino conmigo, quedé en acercarlo hacía dónde iba pero cuando nos subimos al coche y le pregunté la dirección, me dijo no sabía. No pude más que sonreir y pensar en la peculiaridad de la persona que viajaba conmigo en el coche.

de sus proyectos parten de esta premisa, la movilización que a su vez, permite relacionarte con las personas, ser co-partícipe de sus actividades, de sus vidas. No hay por tanto un interés en generar obras para que residan en las ruinas de los museos, sino integrar a la gente a sus prácticas. Esta cuestión me parece sumamente relevante para la comprensión de su trabajo, no hay una noción de comunitarismo en lo que hace, no llega a las comunidades y toma lo que necesita y vuelve al recinto de la galería. Se queda en los sitios a los que llega, trabaja con las personas que ahí conoce, aprende sus oficios y se involucra y al hacerlo, pasa a formar parte de sus vidas, y ellos de las suyas, cuestionando así aquello que parecería en primera instancia desconocido y que sin embargo, para Nazareth, representa el punto de encuentro con el otro, una posibilidad de convergir y aprender.

Empezamos a hablar, me explicó que llevaba meses viajando sin zapatos ¿sin zapatos? Le pregunté, ciertamente un poco preocupada. Me explicó que era para un proyecto, Noticias de América el cual, a grandes rasgos –ya que profundizaré en ello más adelante- consiste en recorrer Latinoamérica sin zapatos, llevar el polvo que recogen sus pies de un país a otro, conocer personas en el camino, vivir experiencias sin estar sujeto a horarios específicos. Creo que mi intención es que esto funcione como introducción para hablar de Nazareth, para permitir al lector ir más allá de la obra. Creo que nunca había conocido a alguien así, brincó en mi coche y durante horas me estuvo hablando de las situaciones más extrañas. Yo estaba acostumbrada a otro tipo de artistas, a aquellos que viven bajo constantes conflictos del ego, aquellos tan comunes en este circuito, pero este brasileño parecía estar más allá de todo ello; su sencillez, junto con su inteligencia, lo llevan a uno a sumergirse en sus historias, tratar de comprenderlas debido a una mezcla de portugués y español con la que se expresa, siempre con una sonrisa en la cara. Ese día, me explicó que mientras viajaba se había detenido en muchas ciudades, en una ocasión se había quedado a vivir con un grupo de pescadores que conoció, había aprendido el oficio con ellos y había pasado en su casa la temporada de pesca. También lo recuerdo hablándome sobre la espera en la que estuvo, mientras venía una ballena a morir junto a él. Por supuesto que yo no tenía idea de ese fenómeno y él, con toda la calma me lo explicó, me contó lo común que era encontrar a estos cetáceos muertos en las orillas de las playas, pero a mí no me tocó me dijo, sin embargo supe que cuando me fui, una llegó a morir, ya no estaba ahí. Nazareth parece así vivir bajo una voluntad constante de movilización, la mayoría

Paulo Nazareth nació en Brasil en la ciudad de Governados Valadares. Más adelante, se mudó cerca de Belo Horizonte, a Santa Luzia donde se encuentra uno de los conjuntos habitacionales o favelas, más importantes de América Latina llamada Palmital. Las favelas son uno de los fenómenos con más relevancia en Brasil, consisten en estructuras habitacionales de compleja organización construidas a las afueras de la ciudad, donde se concentran grandes cantidades de personas, aquellas que comúnmente no pueden acceder al costo de vida que implica residir en la ciudad. El crecer en un entorno como este, seguramente incidió de manera puntual pero eso no es todo. Hay que recordar que Brasil fue tomado por los portugueses desde el año 1500, año a partir del cual, se dio inició a la explotación de minerales y todo tipo de materias que se pudieron encontrar. Pronto, la fiebre del oro llegó a Minas de Gerais, lugar donde se concentraron en extraer todo lo que pudieron hasta finales del siglo XVIII. La conquista trajo consigo toda una mezcla de culturas, la inmersión de esclavos africanos designados para servir y trabajar en las minas, logró una suerte de mestizaje que en la actualidad sigue siendo perceptible. Sin embargo, esto a su vez ha generado toda una serie de preconcepciones raciales bajo las cuales operan muchos sectores de la ciudad y que tiene también que ver, a su vez, con las favelas. El contexto en el que creció Nazareth resulta por tanto relevante, la convivencia entre culturas lo llevó a tomar consciencia de esta problemática, cuestión que se verá reflejada más adelante en su obra. Hay una foto que resulta significativa para esto que trato de explicar, en ella hay un texto donde se pregunta sobre quién es en cada lugar al que va. Solemos rápidamente generar juicios en torno al aspecto de las personas, en México este fenómeno nos es bastante familiar, y Paulo ha tratado

de comprenderlo desde la práctica: “escuche en Brasil, antes de salir de casa: “el brasilero es un pueblo que se adapta fácilmente a cualquier hambiente en el mundo”… Charles Darvins, en su teoría de la evolución dice que hay que se adaptar para sobrevivir… hay días que me siento un camaleón …hay días que soy india en argentina, paquistan entre peru y colmbia, marroquin en Colombia y centro america, hindu y a veces garífuna en Guatemala, si no fuera por mi pelo podría ser ladino, un monton de cosas en mexico, mulatito en cuba, Little black, Little Brown, neger para algunos negros en Miami…. Antes de ayer un viejo negro me llamo rasta man, con mi pelo sin dreads …ayer un judío joven en las calles de aquí me pregunto “r u from Israel?” mi cara sigue siendo la misma cara de siempre, quizá un poco mas vieja, quizá con mas marcas que ayer –pero muchos tienen sus propias ventanas, cada uno con su historia y mirada sobre mi…hay días que soy un hombre callejero (…)”

Ahora pasemos al proyecto que mencioné anteriormente. El hablar de Noticias de América, involucrará, a su vez, hablar de otros proyectos, ya que durante su recorrido, muchas otras preocupaciones e intereses tuvieron oportunidad de articularse. Durante cerca de un año, Nazareth estuvo viajando alrededor de Latinoámerica, tratar de comprender qué era ser latinoamericano tenía que hacerse desde la experiencia y él tomó la decisión. Fue invitado a realizar en aquel entonces una residencia en Brooklyn por dos meses y le pareció buena oportunidad dar marcha al recorrido, uno que se tornaría en una reflexión no sólo de índole geopolítica sino también cultural y que lo llevaría a llegar seis meses tarde a la residencia. En el camino, Paulo se convirtió en un migrante, yendo de un lugar a otro, documentando acciones, volviéndose él mismo en una escultura humana, haciendo composiciones con los objetos que encontraba por ahí, objetos con los que los habitantes se relacionaban en su cotidianidad. Durante el viaje, surgió otro proyecto llamado Imágenes que ya existen en el mundo donde registra mediante el dibujo como soporte, noticas de relevancia política con las que se iba encontrando en los periódicos mientras viajaba. Fue así que por medio de la exploración terminó él mismo encarnando al migrante, si no por necesidad, si por una voluntad de comprender y ahondar más en un fenómeno que actualmente nos es cada vez más común. Matteo Dean en su libro Ser Migrante, menciona que: “Migrante es el participio presente del verbo migrar. Y en cuanto tal, contempla la acción misma del migrar, la acción presente y no acabada de moverse de un territorio a otro (…) se mueve de un país a otro, de un territorio a otro y nunca llega. El migrante hoy es una persona sin nacionalidad de la cual, si bien podemos ubicar un origen,

difícilmente podemos ubicar un destino. O mejor dicho, sólo podemos ubicar como su destino moverse, viajar, explorar, conocer y muy raras veces ser entendido”[1] Probablemente ésta sea una de las estrategias mejor desarrolladas por Paulo; moverse, trasladarse de un lugar a otro sin cesar, evocar historias personales de la gente a la que conoce a través de las materializaciones que adquieren mediante sus obras y mientras lo hace, el brasileño evoca también problemas que nos conciernen a todos, nociones como migración, justicia, resistencia o pobreza, que están a la orden del día pero pocos logran darles un tratamiento como lo hace él. Paulo logra de una forma consistente, dar cuenta de muchas problemáticas de índole política y económica de la actualidad, actúa como conector social transcultural por donde va, la identidad se diluye con el viaje y el se transforma así en una diversidad de representaciones, dependiendo la perspectiva con la que se le vea.

Fotografías: Cortesía Paulo Nazareth Más información: http://www.latinamericanotice.blogspot.mx [1] Matteo Dean, Ser Migrante, Ed. Sur, México, 2011. Pág. 25

FotografĂas: Ivan Aguirre

DISENO

Modos y Moda DISEÑO

07/03/2013

por Francisco Saldaña / @malafachabrand La Moda...y que es la Moda? pocas veces nos topamos con una palabra tan deseada, temida, escurridiza, efímera, pero sobre todo tan manoseada que al final, aunque todos hacemos uso de ella y creemos que conocemos su significado termina siendo todo y nada. Primero que nada es importante diferenciar el singular Moda (con mayúscula) y modas en plural; las modas son lo que conocemos como tendencias, esta serie de elementos como telas, siluetas, colores, estilos que durante un tiempo determinado se instalan en el gusto común de un grupo específico y que invariablemente se transformarán en algo distinto. Las modas son una parte importante de la Moda, pero de ninguna manera son sinónimos; la Moda es un sistema más complejo, un sistema orgánico que muta al ritmo del tiempo, nunca es estable y se nutre de todo el entorno para irse construyendo en su complejidad.

con la emancipación juvenil. Hoy en día con un ritmo de evolución tecnológica tan acelerado, con tanta información rondándonos y metiéndose (queramos o no) en nuestra mente, la moda parece ser todavía más huidiza, con esquemas de negocio, distribución y comercialización cada vez más diversos e innovadores (prontomoda, m-commerce, probadores virtuales, impresión 3D, etc) es cada vez más difícil poder definirla y por lo tanto entenderla.

Ya lo dijo La Agrado, aquel entrañable personaje de la película Todo sobre mi Madre del director Pedro Almodovar: “Bueno, lo que les estaba diciendo, ¡que cuesta mucho ser auténtica, señora! Y en estas cosas no hay que ser rácana. Porque una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de si misma...” Lo dicho....la Moda nos ayuda a Ser.

Una sola definición de Moda sería imposible grabarla a piedra y cincel, ya que conforme ha avanzado el tiempo se ha ido modificando de manera notable la comprensión de éste fenómeno. Sociólogos de gran renombre han tratado de asirla, definirla, incluso dominarla, pero es imposible, la moda es muy escurridiza y es ahí donde radica su encanto. Desde teorías que la ubican como el mejor instrumento para mostrar el poder económico y la posición social, pasando por su condición emuladora (o trepadora) hasta llegar al tan recurrido término de tribus urbanas

De estas reflexiones y tomando varias teorías que se han generado desde la sociología de la Moda y la antropología de la indumentaria podríamos atrevernos a bosquejar una definición más o menos general de esto que tanto nos seduce. Y aquí va: La moda sirve como un instrumento de comunicación con el entorno, es nuestra piel social, nuestro conector para poder interactuar con la comunidad, y al mismo tiempo (y por consecuencia) es un constructor de identidades....es decir, ayuda a formar el Yo que siempre he deseado Ser, más allá de los prejuicios con los que crecemos, más allá de lo que la sociedad espera de nosotros o nosotros de ella, es el instrumento que nos ayuda en dos vertientes que pueden ser incluso contradictorias: pertenecer y emanciparme. La Moda nos ayuda a Ser.

Más información: http://www.facebook.com/malafacha

ENTREVISTA

Pedro y Juana ARQ TV

09/03/2013

por Alejandro Cabrera / @portavoztv Ana Paula Ruiz Galindo and Mecky Reuss son quienes conforman Pedro y Juana. Es una propuesta de arquitectura emergente que apenas comienza a consolidarse como una opción de calidad en la Ciudad de México. En Pedro y Juana se mezcla México (Ana Paula) con Alemania (Mecky) para dar pie a soluciones que están fundamentadas en la experimentación, uso de color y texturas. Es agradable encontrar nuevas formas de trabajo, en donde por ejemplo, tratan de establecer una distancia con el tradicional uso de maquetas a escala para adentrarse en el taller y hacer ejercicios parciales en tamaño real. Otro aspecto fundamental en su proceso de trabajo es el uso de tecnología y el contacto directo con la fabricación tanto de prototipos para áreas de sus proyectos como también para la realización de mobiliario.

Recientemente fueron los ganadores de lo que es la nueva iniciativa del Archivo de Diseño y Arquitectura (ADA) en alianza con Domus y su edición local Domus México. Una convocatoria para recibir propuestas para el desarrollo de un pabellón de uso público que tiene intenciones de activar sus instalaciones por medio de innovadoras propuestas de diseño y arquitectura. Cuentan con apenas un año de actividad en México y ya comienzan acumular sus primeros éxitos y a promover su interés por el desarrollo de proyectos de gran escala que resulten en un beneficio para la ciudad.

Fotografías: Carlos de la Sancha / Cortesía Pedro y Juana Más información: www.pedroyjuana.com

ARTE

Sector Reforma, “El centro de las cosas” ARTE 05/03/2013

por Héctor Falcón / @falconsarkis Hace algunos años tuve el gusto de presentar una acción en Guadalajara, una acción que probablemente habría sido imposible de presentar en alguna institución gubernamental, primero que nada por la naturaleza del proyecto: una transfusión sanguínea colectiva, que a su vez se vinculaba con otra acción en otra galeria y se transmitía en tiempo real a la red para generar una “Entidad colectiva”.

formatos; enriqueciendo la escena del arte en Guadalajara. Nuestra forma de trabajo continúa inspirado a otros grupos, a otras generaciones y eso nos da mucha satisfacción, contribuir y aportar con nuestro trabajo a la cultura en México.

Desde el momento de hacer el planteamiento de la idea, la gente que me invitó, estuvo muy de acuerdo en llevarla a cabo y se hizo cargo de toda la produccion de la pieza de forma muy profesional, el grupo que me invitó se llama Sector Reforma. Sector Reforma es un proyecto de Gestión cultural independiente, co-dirigido por los artistas Javier Cárdenas Tavizon, Santino Escatel y Alejandro Fournier aunque también es una plataforma de arte para estos artistas que mediante la generación de este proyecto cobraron fuerza. Estos artistas que empezaron en un espacio fuera de las áreas “chic” de Guadalajara como “outsiders” son ahora parte de el aparato legitimador de la escena del arte tapatio.

HF: ¿De qué forma influyó en su obra el hecho de conformar un grupo que hace gestión cultural de otros artistas? SR: Desde el inicio nosotros nos hemos encargado de seleccionar y cuidar los proyectos a los que les apostamos para gestionar y realizar; La libertad que hemos tenido en ese sentido, ha dado forma a una sinergia de trabajo efectiva y muy específica; de acuerdo a los intereses en que acordamos los tres, entonces, se ha vuelto un ejercicio continúo por ver realizado los proyectos que imaginamos y visualizamos; canalizados por artistas que consideramos cuentan con una línea de trabajo que se ajusta a los intereses (statement) de Sector Reforma. Por otro lado hemos seguido de forma libre y clara la búsqueda personal, en lo individual como artistas y como colectivo se ha nutrido de todas estas experiencias.

A diez años de haber comenzado este proyecto, estos artistas han realizado mas de 65 proyectos y han trabajado con mas de 250 artistas, curadores y especialistas, y nos han mostrado que si es posible hacer proyectos autogestivos exitosos. Con respecto a la exposición que presentan ahora en la Galeria metropolitana de la UAM comparto una entrevista que amablemente accedieron a tener conmigo para transmitir parte de su experiencia. HF: ¿Cuál creen que es su aportación a la escena de arte de Guadalajara? SR: En este 2013, cumplimos 10 años de realizar proyectos en el espacio público, museos, galerías y nuestro propio espacio originalmente ubicado en el Barrio de Analco en Guadalajara y exhibiendo trabajo en México y el extranjero; Creemos que después de estos diez años, donde hemos presentado más de 100 exhibiciones y trabajado con más de 200 artistas y curadores, hemos construído una plataforma de trabajo donde interactuamos y ampliamos las posibilidades para realizar proyectos específicos en el espacio público y privado y así ofrecer exhibiciones que han ido sumando maduréz y propuesta para la escena del arte contemporáneo en general. Por 10 años consecutivos hemos creado espacios para observar y discutir en torno al arte contemporáneo aportando con propuestas, experimentando en medios y

HF: ¿Qué relación creen que guarda el hecho de hacer gestión y la relación de poder que obtienen como artistas por hacer dicho trabajo? SR: Lo hemos hecho como una necesidad, una inquietud por aportar algo a la sociedad y a la escena del arte nacional, un filtro que pasa por tres cabezas y genera precisamente esta energía que se requiere para que viva un movimiento en sí. Pensamos que los no limites son los que hacen que las personas podamos crecer y crecer, nos sentimos con la capacidad de poder otorgar esa energía y que claro implica una disciplina y entrega extra; Hemos podido vincularnos con múltiples personalidades que se han interesado en nuestra forma de trabajo y eso ha hecho que sea posible continuar y extendernos. Hasta ahora no lo hemos visto como un “poder”, la posibilidad de poder trabajar con otros agentes culturales, dígase artistas, curadores, directores de museos, museógrafos, historiadores, nos permite tener experiencias que enriquecen y fortalecen el proyecto y nuestras carreras personales, además de los vínculos de cercanía que se generan con estos personajes.

HF: ¿Me pueden explicar un poco de qué va la exposición que presentan ahora en la galería metropolitana de la UAM? SR: La exhibición “El Centro de las Cosas” se conforma por obra en distintos formatos: escultura, fotografía, instalación, video, pintura, y dibujo. Consta de 40 piezas realizadas por Javier Cárdenas Tavizón, Santino Escatel, Alejandro Fournier y colectivo Sector Reforma. Guillermo Santamarina, quien es el curador de la exhibición habla sobre como todas las piezas coinciden en un centro energético girando en torno a la electricidad y los campos magnéticos desde diferentes plataformas y puntos de vista. Creemos en que el espectador va a encontrarse con una exhibición muy completa e integrada. Utilizamos medios, materiales y elementos poco usuales, que van desde el magnetismo, la electricidad, la mecánica, intervención urbana etc. Esto la hace dinámica e interactiva. Por otro lado se hizo un muy buen equipo de trabajo sumando la visión, conocimiento y amplia experiencia que tiene una personalidad como Guillermo Santamarina, quien además de la curaduría, trabajó la museografía. HF: ¿Qué consideran ha sido lo más difícil para mantener el espacio abierto y como han logrado mantenerlo? SR: Nuestro proyecto se centra en la creación de espacios para la observación y discusión en torno al arte contemporáneo, por lo que más bien estaríamos hablando de mantener funcionando y abierto un proyecto. A lo largo de estos 10 años hemos visto como uno de nuestros principales intereses el llegar a la gente. Crear este espacio de observación y discusión en donde sea que encontremos este vínculo con el público, por lo que desde el tercer año fuimos saliéndonos más del espacio físico de Sector Reforma para salir al espacio público así como buscar espacios no oficiales cercanos a la gente y entrar a los museos y galerías dentro y fuera de Guadalajara. Como parte de la idea de una renovación y la necesidad de evolución, con el libro que publicamos, cerramos el primer ciclo en cuanto a la ubicación física en el Barrio de Analco. Ahora distintos espacios se convierten en sedes de un proyecto en específico o bien obra permanente que hemos logrado realizar en el espacio público. Entonces, bajo la filosofía de cambios, ciclos, procesos, etc. nos atrae la idea de estar renovando el proyecto Sector Reforma. Creemos que precisamente lo difícil es entender que se requiere una dinámica de renovación constante para que los proyectos dentro del arte sigan sorprendiendo, se siga manteniendo dentro de los intereses; de redescubrimiento. HF: ¿Cómo sienten la escena del arte en relación a ustedes como grupo 10 años después de haber iniciado este proyecto, en qué cambió? SR: Nuestra relación con la escena del arte siempre ha sido cercana ya que parte de nuestra práctica se enfoca en trabajar con otros artistas y muchos de los actores de la escena del arte actual, la cual ha enriquecido nuestra misma práctica profesional como gestores y creadores. Como siempre sucede, surgen nuevas generaciones, nuevos proyectos, etc. Nos da mucho gusto ver atrás y la satisfacción de ver que hemos podido llevar el proyecto ininterrumpido después de 10 años, que nos hemos llevado muy bien y que estamos en la búsqueda continua de lo que sucede en el mundo para transmitirlo en todo lo que hacemos. HF: ¿Qué proyectos nuevos tienen en puerta? SR: Estamos trabajando en distintos proyectos a lo largo del 2013 como parte del festejo de los diez años que cumpliremos en Septiembre del presente año; Proyectos como la itinerancia de ésta exhibición “El Centro de las Cosas” en Guadalajara y otras ciudades. Otro proyecto que vamos a realizar próximamente se titula: “Hipótesis sobre la censura cósmica” para El Cubo, CECUT en Tijuana y la publicación de un segundo libro, entre otros. La exposición “El Centro de las cosas” se está presentando en la Galería Metropolitana de la UAM ubicada en la Calle Medellín nº28, Col. Roma hasta el 16 de Marzo. Fotografías: Cortesía Sector Reforma Más información: www.sectorreforma.org

ARQUITECTURA

Instituciones como Ornamentos ARQUITECTURA 13/03/2013

por Marcos Betanzos / @MBetanzos

La muy desprestigiada imagen del Colegio de Arquitectos de la Ciudad de México, debe parte de su origen a su nula presencia o la omisión culposa que sistemáticamente presume ante decisiones que atentan o representan una amenaza –también inigualables oportunidades de mejora- para el ámbito arquitectónico y la ciudad en su conjunto. La institución carece de voz y de un vínculo real entre sus agremiados y las autoridades, entre aquellos que dictan las políticas públicas y la comunidad que debe someterse o confrontarse a ellas, ¿hay algo peor? Quizá sí: carece de agremiados. Las razones parecen sobrar para consolidar esa existencia inútil, las administraciones del CAM pasan una tras otra y se enfrentan a lo mismo: nulos recursos para actuar, instrumentos obsoletos para incentivar la participación de profesionistas, una desorganización comparable al tamaño de su burocracia y la apatía de jóvenes arquitectos –y algunos no tanto- que no entienden la función de este organismo que se supone debería representarlos. Tienen toda la razón, no los representa. Al menos no, cuando debe y de la forma en que se esperaría.

En la actualidad no puede dejar de verse a esta institución con cierto tinte nostálgico donde salvo grupos de Directores Responsables de Obra tienen acción, participación y temas que discutir. En otros tiempos, se discutía acaloradamente, se debatía la forma en cómo la profesión actuaba y se planteaban argumentos para consolidar la ciudad que se deseaba… eran otros tiempos. Algunos de estos diálogos por fortuna los recoge la colección de Cuadernos de Arquitectura del INBA, vale la pena consultarlos. Sin embargo, hoy en día los arquitectos –será injusto decir que todos, pero somos varios- la vemos como una institución vetusta, arcaica, que no ha podido sembrar opiniones en temas de relevancia que a todos nos afectan. En esa lista puede mencionarse la construcción de la Supervía, la instalación de parquímetros, la alteración o demolición de obras arquitectónicas del siglo XX y la alteración y daño de edificios de valor histórico. No ha existido voz oficial para proponer alternativas para regular el espacio público, para procurar la movilidad urbana altamente pregonada, para generar

una cultura del concurso público, para homologar los aranceles de la profesión (una utopía), para defender la autoría de las obras construidas… para todo eso aún no hay voz que pretenda hacerse escuchar. ¿Acaso no hace falta? ¿Necesitamos más instituciones como ornamento? La actividad gremial se diluye así entre un organismo vacio y la procuración de más reconocimientos y menciones otorgadas a la menor provocación. Habrá que decir que la credibilidad de las instituciones u organismos se demuestra con posturas fijas, constantes, sin oportunismos mediáticos, ni engaños culposos. Una vez que esto pueda establecerse como un código de acción, quizá entonces instituciones como ésta, que en su momento acogió a personajes importantes y fue sede de debates y discusiones acaloradas pueda ser de nueva cuenta tomada un poco más en serio. Mientras tanto el escenario ideal que pretende tener el CAM para actuar no existe y si no busca consolidarlo tomando riesgos y observando la realidad en la que se desarrolla el quehacer arquitectónico, una vez más habrá fracasado sin intentar obtener el éxito.

DISENO

El buen diseño DISEÑO 14/03/2013

por Sebastián Lara / @sebastian_eos

Es un honor poder colaborar con portaVOZ ya que es uno de los proyectos de promoción y divulgación más importantes de México. Es un medio que se toma muy en serio el tema de compartir historias de arquitectura, arte y diseño, sin tomar partido y sin ser protagonista de lo que se cuenta. Por esto, cuando me plantearon la propuesta de colaborar con una columna mensual, me sentí halagado y motivado ya que me brinda la oportunidad de expresar ideas y conceptos y compartir metodologías que a diario los diseñadores y creativos usamos de distintos modos, en algunos casos conscientes y en otros de manera inconsciente y empírica. Por el ADN propio de portaVOZ considero que el tema obligado para esta primera colaboración tendría que ser el “diseño mexicano” o mejor decir el “buen diseño mexicano”. Pero, quién puede tener la última palabra sobre cuál es bueno y cuál no. Podríamos tener interminables discusiones bizantinas queriendo categorizar, encasillar o separar lo bueno de lo malo si el filtro fuese sólo el gusto personal. Sin embargo, tomando en cuenta la opinión de Herbert Spencer, en diseño la relación del diseñador con el contexto es asimétrica y desequilibrada; el contexto pesa mucho más que el diseñador mismo. El “buen diseño” interpreta y analiza completamente su entorno y elimina al autor

o “genio” que firma el trabajo, como en el campo del arte. Para esto es necesario conocer la imagen preformada que se tiene del objeto a diseñar, el cómo y dónde se inserta, así como los códigos culturales que la gobiernan o las fuerzas culturales que la situaron en ese punto. Sólo con una mirada consciente de esto, el diseñador puede desplazar esta imagen de su centro para originar verdadera innovación. En estos términos planteados por Herbert Spencer, el buen diseño corresponde a una buena forma de interpretar el presente e imaginar el futuro desde un lenguaje propio y adecuadamente aplicable. En los últimos años el “diseño mexicano” se ha posicionado de manera global e incluso está de “moda” gracias al trabajo diario de todos los que de una manera u otra hacemos diseño, de quienes gestionan los proyectos, de quienes lo consumen, lo venden, lo publican o lo exponen. Todo esto ha contribuido a construir ya el nombre: “diseño mexicano”. Constantemente me preguntan cómo defines al diseño mexicano y respondo: lo defino como el diseño hecho por mexicanos o el hecho en México. Ésta respuesta parecería obvia pero en realidad no lo es, ya que el trabajo del diseñador es el de responder a preguntas tales como: el qué, el cómo, el para qué y el dónde, siendo esta última muy importante ya que lo que define

al diseñador es la forma en que mira e interpreta al mundo a su alrededor. Y si éste entorno es México la información, los colores, la música, la historia y la cultura que le rodea le centrarán en un contexto único. Ahora, escribir del “buen diseño mexicano”, me obliga a separar los diseños reconocidos a nivel mundial, publicados y fotografiados hasta el cansancio -de los cuales afortunadamente hay muchos ejemplos- de los otros “buenos diseños mexicanos”. Son aquellos que no aparecen en revistas, ni son ubicados como diseños de autor. Existen muchos buenos diseñadores que trabajan en la industria y generan objetos usados por miles de personas a diario, tales como los que se producen para el mercado de los electrodomésticos. Y aún podemos hablar de diseños mexicanos que siguen fabricándose sin que se conozca siquiera quién los imaginó, como los humildes exprimidores de naranjas o los tortilleros. Si los analizamos bajo la óptica de Dieter Rams -director de diseño de Braun que influenció incluso el diseño de Apple- descubriremos los lineamientos que un buen diseño debe de cumplir. El buen diseño tiene que ser innovador, útil, estético, comprensible, honesto y duradero. Entonces, con orgullo, nos daremos cuenta que estamos rodeados de muy “buen diseño mexicano”.

ENTREVISTA

Cha! DISEÑO TV

15/03/2013

por Alejandro Cabrera / @portavoztv Si alguien nos dice que Javier Ramírez es uno de los diseñadores gráficos e ilustradores más destacados de México por su larga trayectoria quizá dudaríamos al no reconocer dicho nombre. En cambio, si pronunciamos el apelativo Cha!, la reacción es totalmente opuesta. De inmediato surgen las anécdotas que ponen a dicho personaje en diversos terrenos y medios. Cha! está ligado a varias palabras que lo identifican: Fobia y Moderatto en la escena musical y Hula-Hula y Gurú en lo relativo al diseño, la ilustración y el arte.

También creó el despacho Hula-Hula, en donde se han generado cientos de proyectos para campañas publicitarias, como también un extenso catálogo de la industria musical. Así mismo, Cha! es parte de Gurú, un espacio dedicado a la venta de objetos de diseño y a la realización de exposiciones de artistas e ilustradores emergentes o con trayectorias más consolidadas. Formar parte de proyectos importantes como los antes mencionados no dejan espacio a especulaciones acerca de la calidad de Cha! tanto en lo musical, en el mundo del diseño y también en su faceta empresarial.

Como muchos músicos, inició su participación en diversas bandas a manera de hobbie y por circunstancias azarosas llegó a Fobia. Sin embargo, proveniente de una familia de dentistas, ingresó a la carrera de odontología, que daría continuidad a la herencia académica sólo para confirmar que esa no era la opción correcta. Pronto una charla con Javier Ramírez, quien nos recibió en Hula-Hula para contar a Pronto cambió de rumbo e ingresó a diseño gráfico, vocación que empataba con su detalle parte de su historia. personalidad y que tenía varias oportunidades laborales a través de las bandas de rock tanto propias como de amigos. Chá! tuvo la oportunidad de comenzar a diseñar portadas de discos, así como también vivir la transición de diseño gráfico antes y Fotografía: Alejandro Cabrera después de la era digital. Cortesía Hula-Hula

Más información: www.hulahula.com.mx www.gurugalleryshop.com

DISENO

Cuervos con diseño DISEÑO

20/03/2013

por Alejandro Cabrera / @portavoztv Recientemente algunos artistas y diseñadores fueron invitados por tequila Cuervo Tradicional a intervenir una escultura de un cuervo con la finalidad de darle una nueva salida a la marca a través de propuestas creativas vinculadas al diseño y al arte. Este tipo de actividades nos remiten a la importancia -cada vez más reconocida por las marcas- que juega el diseño para atraer a nuevos públicos y para reinventar constantemente objetos o empresas que llevan mucho tiempo en el mercado. Hemos visto ya cientos de iniciativas en las que un objeto es entregado a docenas de artistas -sin importar su calidad- y el resultado es un elemento con una cobertura mediocre. A ello habría que darle la vuelta a través de profesionales que no salgan del compromiso con la primera idea o bien que recurran a los pasantes del estudio para llevar a cabo dichas tareas. ¿Cuantas veces no hemos padecido ver la ciudad llena de vacas, tazas, bancas, campanas hechas siempre por los mismos y con un valor estético o artístico nulo? En ésta ocasión hay un punto de partida diferente ya que el número de participantes es muy reducido y da la razón a la frase que dice: menos es más. Entre los participantes se encuentran Mauricio Lara y Sebastián Lara (eos mexico) quienes propusieron una pieza viva -Verde que te cuervo verde- a través del uso de vegetación natural con un sistema de riego hidropónico (por parte de jardinesdebabilonia.com. mx), base de acero y fibra de vidrio. Dicha pieza está basada en el siguiente concepto: Guadalajara es una ciudad de calles arboladas, tabachines, jacarandas y primaveras la llenan de color cada año. Las tradicionales casas con patios llenos de macetas y flores nos inspiraron para crear esta pieza. Buscamos que nuestro cuervo fuera diferente y original rompiendo el paradigma de una pieza de intervención, decidimos entregar a manos de la naturaleza la transformación constante del cuervo, está pieza está “viva”, sus texturas, sus colores y su tamaño día a día cambian, crecen y se renuevan. La metáfora: Así como la naturaleza está en constante crecimiento y transformación en equilibrio, respetando sus especies, la marca de Cuervo siempre está en constante crecimiento y renovación, buscando nuevos espacios, moviéndose y transformándose constantemente. Para que éste tipo de iniciativas sigan sucediendo hay que mostrar nuestro interés y dar voz. Aquí un enlace de FB en donde pueden ver ésta intervención viva así como las propuestas de los demás participantes -Fernando Sandoval, Javier Henríquez y B-Huber-. CUERVOS INTERVENIDOS Así mismo les compartimos varias imágenes que muestran el proceso de construcción de la pieza para conocer su punto de partida.

ARQUITECTURA

Expandir los límites de la profesión ARQUITECTURA

20/03/2013

por Eduardo Cadaval / @ecadavaln Hace no mucho tiempo una conversación informal con un compositor musical me ayudó a entender con mayor claridad algunas de las debilidades que considero afectan a la arquitectura. En aquella ocasión mi amigo compositor se quejaba amargamente del estado de su profesión, de la pérdida de su relevancia y del riesgo de su desaparición; pero sobretodo de las pocas salidas profesionales que en la actualidad incluso él apenas tenía. Acorralado en la academia, sin una verdadera vocación por ella, enseñaba una profesión que no podía ejercer y buscaba algunas oportunidades en “gente que pudiera entender lo que él realmente hacia“. Al ver la dificultad con la que intentaba explicar la importancia de lo que él llamaba “música culta“, era fácil intuir que parte del problema estaba en la propia disciplina. Al escucharlo era imposible no encontrar paralelismos con la arquitectura y con cómo ésta se ha encerrado cada vez más en su ámbito disciplinar hasta convertirse en casi inaccesible.

escuelas donde desde los primeros años de formación tanto profesores como alumnos comienzan a acuñar la nefasta clasificación de que tal o cual estudiante puede ser “un buen arquitecto“. Esta clasificación, que luego acompaña a la profesión en su desarrollo, sólo se refiere a aquel estudiante con una cierta habilidad compositiva y sus implicaciones y consecuencias son más profundas de las aparentes y reflejan unas aspiraciones profesionales simplistas y peligrosas. ¿Tan poco somos?, ¿tan limitadas son nuestras exceptivas sobre lo que podemos hacer y aportar?

su práctica profesional a través de una activa labor docente. Son muchos otros los arquitectos que han optado por ser profesores o investigadores de tiempo completo. Esta es otra forma de ejercer la arquitectura tan válida como las demás; para ser buen profesor de arquitectura no siempre hay que tener una práctica profesional activa o ser buen arquitecto-proyectista. Esta creencia en realidad no sólo es falsa sino que distorsiona los aspectos más íntimos de la formación académica. De mi experiencia como estudiante puedo constatar que varios de mis mejores maestros eran profesores de tiempo completo que se dedicaban en Afortunadamente hay muchos arquitectos que han exclusiva a la investigación y la enseñanza. Su pasión, modificado su hoja de ruta generando grandes su experiencia pedagógica y los métodos que utilizaban aportaciones y ampliado nuestro rango de influencia. eran mucho más efectivos que los de varios arquitectos Estas otras formas de hacer arquitectura se han de renombre que también me dieron clases y que en probado tan transcendentes que valdría le pena algunos casos apenas tenían tiempo para atender a sus preguntarse ¿porqué no fomentarlas desde los primeros alumnos. ciclos de formación?. No pretendo menospreciar todos los aspectos de la enseñanza de la arquitectura; esta Hay muchos otros ámbitos en los que la profesión tiene Los arquitectos en muchas ocasiones nos quejamos formación aún es capaz de dotar al estudiante y futuro influencia pero en los que también podría fortalecer de nuestro aislamiento, pero un ejercicio de autocrítica arquitecto de una estructura mental y un conjunto de su presencia; desde la restauración y la protección nos permitirá entender que en gran medida hemos sido conocimientos muy particulares, que ninguna otra del patrimonio hasta la investigación antropológica nosotros los que nos hemos alejado de los temas más profesión ofrece. El arquitecto es un tipo de guerrillero y urbana. Son tambien diversos los ejemplos de trascendentes. En parte debido a que la arquitectura que es capaz de pelear en muchas batallas en las que arquitectos involucrados en el mundo editorial, en la ha estado más obsesionada consigo misma que con siempre aporta algo que nadie más puede aportar. Por curaduría o la difusión de la cultura arquitectónica. lo que podía hacer por el resto de la sociedad, pero lo tanto quizá lo que valdría la pena reflexionar es ¿qué Desde grandes editores y gestores culturales, hasta también debido a que en décadas recientes una cierta pasaría si se fomentara una formación más abierta en las arquitectos recién graduados que han creado algunos miopía ha invadido las ofertas formativas y académicas, escuelas?; ¿cuántas nuevas oportunidades generaría? de los blogs más influyentes de la red. Todos sabemos reduciendo drásticamente no solo las posibilidades de que el conocimiento sólo es tal si puede transmitirse nuestro quehacer sino también nuestros campos de Arquitectos-urbanistas y Arquitectos-políticos ayudaron y por lo tanto el trabajo de muchos arquitectos dentro acción e influencia. a transformar ciudades como Medellín, Bogotá o del mundo editorial y de difusión cultural no sólo es Barcelona por mencionar solo algunas. Un arquitecto de indispensable sino que debe hacernos reflexionar sobre Si analizamos el estado actual de la profesión podremos formación y elegido posteriormente alcalde en Brasil fue el hecho de que si no sabemos explicar nuestro trabajo entender que en el fondo lo que se está demandando es el principal impulsor de la “Rede Integrada de Transporte” al resto de la sociedad, no debemos extrañarnos de que otro tipo de arquitecto, y por lo tanto parece pertinente de Curitiba, que a la postre se implementaría como el ésta no nos comprenda. preguntarse: ¿por qué las escuelas de arquitectura no Transmilenio en Bogotá o el Metrobus en la ciudad de han sabido responder?, ¿por qué no han flexibilizado su México; un político que pensando como arquitecto creó Parece pertinente preguntarse otra vez ¿para qué sirve sistema de enseñanza?, ¿por qué seguir produciendo este novedoso sistema que se ha convertido en una la arquitectura hoy? Y, ¿a qué llamamos “arquitecto” en sólo un tipo de arquitecto si no hay suficiente trabajo de las grandes alternativas para la actualización del la actualidad? A menos que las escuelas de arquitectura para éste? transporte público de muchas metrópolis. quieran seguir formando futuros desempleados, tendrían no sólo que prever estas nuevas formulas sino que Los arquitectos somos más útiles cuando ocupamos Han habido muchos otros arquitectos que han provocado fomentarlas. A fin de cuentas, la figura del arquitecto es un rango más amplio de nuestro espectro de influencia grandes cambios disciplinares a través del estudio de atractiva cuando incluye un rango amplio de su ámbito profesional. Ser arquitecto proyectista, es decir, de los la historia y la investigación teórica de la arquitectura. de influencia, ya sea como proyectista o como político, que diseñan edificios, es sólo una forma de las múltiples Sus textos han sido tan influyentes como los edificios como planeador urbano o paisajista, crítico o gestor que existen para ejercer la profesión: se necesitan más transcendentes de nuestra historia reciente. Sin su cultural. Todos somos igual de imprescindibles y es en más arquitectos-urbanistas, más arquitectos-políticos, trabajo no hubiésemos sido capaces de ver y entender conjunto que le damos sentido a lo que hacemos. A fin de más arquitectos-servidores públicos, más arquitectos- muchas de las cosas que ahora facilitan nuestro cuentas es importante que empecemos a comprender editores, curadores, académicos, críticos, teóricos, quehacer y por las cuales lo hemos podido llevarlo que si queremos tener una arquitectura de calidad, gestores urbanos, etc., etc. hacia fronteras. necesitamos un sistema que la genere. No tendremos una disciplina fuerte sino creamos en un marco sólido Lo que sorprende más es que el panorama académico La academia por otro lado siempre ha formado en el cual ésta pueda sustentarse. actual en realidad esté lleno de planes de estudios parte integral del ámbito disciplinar. Son muchos los miopes que privilegian sólo un tipo de profesionista. arquitectos que compaginan su practicar profesional con Las escuelas de arquitectura -en muchos casos la labor docente. Éste binomio ha sido una constante a lo guiadas por una estrategia comercial y de modelo de largo de la historia, desde las escuelas clásicas hasta la negocio- están cada día más obsesionadas con la Bauhaus y las universidades actuales, en donde cientos figura del arquitecto proyectista. Es justamente en estas de jóvenes y consolidados profesionales retroalimentan Más información: www.ca-so.com

DISENO

Diseño, una práctica colaborativa DISEÑO

21/03/2013

por Ariel Rojo / @ariel_rojo Generalmente entendemos la labor del diseño como la práctica de un individuo con diferentes habilidades como el poder dibujar, esculpir formas que nos resulten estéticas, crear objetos que dan solución a un problema o la capacidad para generar conceptos. Usualmente asociamos el diseño de una pieza con un diseñador, ya sea un objeto o una obra arquitectónica. Al hablar de el diseño, me refiero al ejercicio extendido de este, el diseño arquitectónico, diseño de sistemas, diseño de imagen, diseño de producto etc... No excluyendo los excelentes ejercicios individuales, en la mayoría de las ocasiones, el desarrollo de un objeto o un edificio requiere de más de una sola persona, desde la etapa conceptual, el desarrollo del proyecto, hasta la construcción de un edificio o fabricación de un producto. Ingenieros, administradores, creativos, colaboradores, dibujantes, etc... hacen que el proyecto se haga realidad.

reglas y tareas claras, se trata de un esquema en donde todos los colaboradores acaban ganando. Mientras que en la ayuda difícilmente se establecen reglas, compromisos y metas... Nuestro país necesita mucha mas colaboración que ayuda. Como sociedad necesitamos tener una cultura colaborativa, necesitamos ponernos de acuerdo y tener objetivos claros, poder reconocer el trabajo de los demás de forma económica e intelectual, así como también necesitamos dimensionar nuestro propio trabajo dentro de una colaboración con una justa medida.

Sumar no resta... En los últimos años he ido ajustando y aprendiendo la manera con la que quiero trabajar en mi oficina. No solo reconociendo el trabajo de las personas que colaboran día a día en mi taller sino también con las colaboraciones externas, con otros Solo como ejemplo, podemos decir que en una embarcación el capitán le da dirección diseñadores o proveedores. Poner un nombre más al proyecto no nos quita nada, al barco, y no importando cuanto remen y se esfuercen los marineros, si no hay al contrario, la inercia positiva de ésta forma de trabajo hace que tengamos más dirección, difícilmente llegarán al destino u objetivo deseado. De la misma forma, trabajo. Algunos colaboradores nos invitan para otros trabajos, la gente se interesa no importa cuanta certeza tenga el capitán, sin tripulación difícilmente podrá llevar la en colaborar con nosotros, pues es a través de la colaboración en donde un objetivo embarcación a destino si ésta carece de tripulación. Una vez dicho esto, es claro que en común se logra. Mas allá del diseño de una silla, un edificio o unos zapatos, la en las colaboraciones puede haber jerarquías o pueden funcionar bajo esquemas colaboración puede aglutinar a una sociedad con tanto potencial como la nuestra. mas horizontales, sin embargo y más importante, es que en la colaboración existe Talento sobra. Hablar solo de diseño mexicano está bien, pero si potencializamos una relación simbiótica en el trabajo de quienes participan para poder dar sentido y y conjugamos el talento de los diseñadores, arquitectos, ingenieros, estrategas, economistas, sociólogos, etc... estoy seguro que este país podrá tener muchas mas forma a un proyecto. oportunidades de lograr un bienestar económico social y cultural. He observado que en nuestro país se confunden comúnmente la “colaboración” con la “ayuda” y a pesar de que la ayuda es una especie de “colaboración desinteresada”, es justo ese desinterés lo que hace la gran diferencia entre ayuda y colaboración. En la colaboración, los participantes deben de estar comprometidos, con objetivos,

Más información: www.arielrojo.com

ENTREVISTA

Gabriel de la Mora ARTE TV

22/03/2013

por Alejandro Cabrera / @portavoztv El origen de los artistas es siempre diverso y gracias a ello la pluralidad de las obras es vasta, variada y con calidad –en algunos casos-. Aún a pesar del sector de los dedicados al arte conceptual -frecuentemente mal entendido- que nos entregan “lo que sea” en un aura teórica que no siempre queda al alcance del interesado, hay casos en los que el entendimiento del arte es pleno sin importar que la formación académica no sea específicamente la de artista visual.

–entre otras posibilidades-, es un artista en toda la extensión de la palabra con obsesiones particulares que filtra a través de cada proyecto realizado. Su taller es un espacio que pareciera vincularse más con la ciencia que con el arte. Rodeado de pequeños cajones, cajitas, documentos y una variedad de objetos encontrados que son acumulados y esperan sin horario el ser utilizados y ser parte de una de las ideas de Gabriel.

Para muchos ya poco importa el producto, la factura cada vez es más descuidada – hay cientos de ejemplos- porque el marco teórico y las ideas se han vuelto permisivas con el objeto a mostrar. Sin embargo hay casos en los que el rigor de producción aún existe y destaca de inmediato entre aquellas obras arrancadas de cuadernos que son colgadas con alfileres, o las 101 réplicas de cajas de zapatos vacías que presumen originalidad.

Sobre las diferentes mesas hay trabajos en proceso que pertenecen a diferentes series, a proyectos en etapa de investigación, pruebas con diversos materiales que se confunden entre materiales no clasificados y que están envueltos por una temporalidad que incluye aciertos y errores. La metodología de trabajo también ronda las fronteras del Método científico porque se siguen etapas rigurosas de trabajo y con ello se logra el equilibrio perfecto entre el concepto y la forma.

En el caso de Gabriel de la Mora el sentido del objeto es otro. En cada pieza queda acentuado el valor del tiempo, tanto en ejecución como concepto. La factura de las piezas es minuciosa e impecable y sin embargo no radica ahí el valor de las obras, sino en las ideas.

El trabajo de de la Mora es muy diverso, no responde a un estilo o una escuela, está ligado a las ideas e interpretaciones personales que cruzan temas como el arte en si mismo, la familia, la identidad, la falsificación y el tiempo como aglutinante de toda su producción.

El mismo de la Mora no se autodefine como artista conceptual, sino como creador Artista de larga trayectoria con proyección internacional actualmente representado de ideas y tampoco está sujeto a una técnica. No es ni pintor, ni escultor, ni fotógrafo por la Galería OMR, en ciudad de México y por Sicardi Gallery en Houston, Texas.

Fotografía: Alejandro Cabrera Cortesía Gabriel de la Mora Más información: www.gabrieldelamora.net

Colección Fundación María y Héctor García

Ciudad de México, 1960

Ciudad Nezahualcóyotl, Estado de México, 1959

ARTE

Un acervo en el tiempo, adaptación y cambio DISEÑO

25/03/2013

por Gabriela González Reyes / @ArchivoHGarcia La fotografía es un medio que mantiene una relación dinámica con la sociedad que la produce y consume. Nuevos discursos y paradigmas surgen constantemente debido a su relación con la tecnología y sus posibilidades técnicas y discursivas; estas características también son reflejadas en la creación de archivos fotográficos, en la forma en la que se conservan y distribuyen las imágenes. En los lenguajes contemporáneos, la información se valida a través de imágenes. Las fotografías que conforman el Archivo Héctor García [AHG] son un ejemplo de como las imágenes quedan para la historia, trascienden su condición periodística, se convierten en un referente histórico, social, estético, artístico y cultural; es un documento que atestigua importantes momentos y personajes de la historia de nuestro país, un registro visual del curso de la modernidad, retrato de México en el siglo xx. Este acervo es un ejemplo de esta forma de supervivencia y adaptación de lenguajes del pasado, con las tecnologías del presente y en miras a un futuro. La condición física, técnica y jurídica del archivo dio pauta a la implementación de un proyecto de preservación e investigación sobre esta colección. El AHG tiene dos características a destacar, la intención consciente y explícita del propio autor de constituir un archivo y, al mismo tiempo su única y extensiva condición física. El hecho de que la mayor parte de las imágenes se encuentren en un mismo lugar, tratándose de un acervo constituido por un reportero gráfico, es sobresaliente, los fotógrafos que trabajaban en los periódicos debían entregar sus negativos al medio. En este caso, la mayoría de la toma fotográfica que hizo el autor, le pertenecían a él y deben ser conservadas por su valor periodístico, histórico y estético. En el año 1950 el fotógrafo instaura la Agencia Foto Press, influenciado seguramente por la aparición en Estados Unidos, tres años antes, de la Agencia Magnum. En ese momento era fundamental tener criterios de identificación del material que poco a poco se iba acumulando. Una vez que la imagen perdía vigencia en relación a la noticia, la fotografía quedaba como registro fehaciente de algún acontecimiento, la imagen debía de ser identificada con la fecha y una descripción para su uso posterior. Fue así como los primeros rollos de 120 milímetros[1] fueron puestos en orden temático y enumerados para futuras consultas. Héctor García tenía muy claro que había construido un archivo y sabía el valor que tenía para las generaciones futuras, por ello fue primordial organizar, preservar y difundir la información que el archivo estaba generando. Quería convertir su colección privada en una colección pública, que el acervo fuera consultado y difundido. Esta intención estimuló que se conservaran no solo imágenes fotográficas, sino que además se recopilaron toda una serie de documentos impresos que complementan a las fotografías en sus discursos temáticos, como: revistas en donde se publicaban fotografías de la Agencia, cartas entre colegas, memorándums, telegramas, manuales e instructivos de cámaras, multas, itinerarios, cámaras; toda clase de documentos y objetos que permiten contextualizar las imágenes, desde diversos parámetros que involucran no solo la vida del artista y la historia de la fotografía en México, sino múltiples aspectos de la vida de nuestro país.

abarca la década de los 50s, 60s y 70s. La digitalización como herramienta para la conservación A diferencia de otros fotógrafos como Rodrigo Moya o Pedro Meyer, quienes han digitalizado sus archivos casi en su totalidad; Héctor García manifestaba su desconfianza en la digitalización de sus imágenes como política para conservar su patrimonio, le temía al plagio. Tanto problemas como beneficios, se han desprendido de esta relación del negativo fotográfico con la nueva era tecnológica, por ejemplo, la imagen digital se convierte en una forma esencial para la conservación y manipulación de los negativos, con esta herramienta se evita notablemente el deterioro y, a su vez, permiten la acceso remoto al acervo. En una sociedad multipantalla en donde la imagen se ha democratizado, a tal punto que lo privado se vuelve público a un ritmo inédito, casi instantáneo; debemos pensar en que dichos cambios deben de ir acompañados de transformaciones jurídicas, por tanto políticas, ya que afectan del derecho de propiedad, el derecho de publicar y el derecho de reproducir fotografías. Se ha publicado una nueva ley del derecho de autor, sin embargo las prácticas de respeto a la propiedad intelectual de la imágenes, sigue sin cumplirse, los editores de los periódicos, cuando hacen uso de imagen que tienen en su archivo, olvidan el crédito del fotógrafo, existen otros medios que ni siquiera en el pie de foto de la noticia del día, indican el nombre del autor de la imagen. Para un archivo que mantiene su operación, entre otros ingresos, gracias al pago de derechos, es imposible dar seguimiento a los medios tanto impresos como electrónicos, que no dan crédito al autor y mucho menos pagan por el derecho de reproducción, básicamente por la falta de recursos humanos y jurídicos. De acuerdo a como se ha planteado el uso de la imagen en la sociedad actual, el rescate y preservación de los acervos tiene como fin, no solo el coleccionismo sino el establecer o crear toda una serie de aspectos técnicos y metodológicos, que lleven a dar seguridad física y jurídica, a los negativos y positivos. Asimismo, la sistematización de la información permite hacerla accesible, y por tanto fomenta la investigación e interpretación de su contenido. El AHG hace explicita su experiencia y establece puntos de reflexión obligada de la forma en la que se ha hecho uso de las imágenes fotográficas en el pasado y su circulación en la actualidad. Los documentos, libros, revistas, periódicos, fotografías, negativos y objetos se convierten en arqueología, ya que son pedazos de historia viva y cercana, las fotografías nos conectan con un pasado inmediato que al ser objetos, se vuelven coleccionables. De esta forma, el archivo contiene la experiencia de Héctor García como fotoperiodista y permanece como dispositivo, para revisar nuestra historia, para resinificar el desarrollo de la modernidad en nuestro país y; contener en un espacio físico un vasto acervo visual, que permita reconfigurar la mirada de lo cotidiano.

La naturaleza técnica de este acervo de imágenes ha sido única, el buen estado en la conservación del material se debe a la intención consciente del autor por preservar las imágenes y a que estas, fueron adecuadamente procesadas y archivadas, ello ha permitido que el material se encuentre ordenado, sin deterioros relevantes y funcionando como Archivo Fotográfico a lo largo de más de 50 años. La colección está conformada por más de un millón seiscientas mil imágenes que el autor capturó en 30 mil rollos; de este material se desprenden más de 24 mil copias en diferentes formatos. Este vasto acervo da cuenta de diferentes momentos en la historia pública y privada de México, da rostro a personajes y manifestaciones políticas y sociales, desde 1943 hasta el 2008, pero el cuerpo medular de la colección

Fotografía: Cortesía Fundación María y Héctor García Más información: www.fundacionarchivohectorgarcia.net.

ARQUITECTURA

El rol del arquitecto ARQUITECTURA 27/03/2013

por Emmanuel Ruffo / @emmanuelruffo

Deseo iniciar esta colaboración con el equipo de Portavoz agradeciendo al mismo por su invitación y espacio. Es una ilusión poder iniciar esta participación con un ‘espacio de arte’ al cual admiro y del cual me considero seguidor. En paralelo, creo firmemente que la crítica y el pensamiento a partir de breves textos puede despertar más incógnitas que soluciones, y sobre todo, ayuda a repensar lo que últimamente damos por hecho –take for granted. El espacio entonces, será destinado a provocar y despertar pensamiento crítico y divergente con la finalidad única de conocer, discutir, calentarse hablando de un tema específico, y sobre todo disfrutar el hecho de amar esta breve oportunidad de espacio y nuestro tiempo en el diseño. No es un texto científico, o una nota que ha requerido de investigación en las redes o libros, ni mucho menos palabras que debemos dar por hecho, sino ideas y pensamientos que de otra forma no existirían. 0.1

El rol del arquitecto

La Arquitectura está cambiando. Este cambio se produce como consecuencia de una transformación en el arquitecto, la educación del mismo, sus costumbres, experiencias, realidades y por encima de ello, la sociedad y la tecnología. Hoy como nunca antes, el arquitecto puede ser parte de un todo, tiene al alcance interminables espacios de conocimiento y sobre todo tiene el poder de modificar, y por ende, influir en el pensamiento de otros a través de controlar las fuentes de información y lo que se comparte por medio de las redes sociales o profesionales. Pero, ¿porqué?, ¿qué está cambiando?, ¿cuáles son las razones? ¿a quién le interesa o beneficia?... Considero que una forma de entender el motivo central, del cambio, es a través de analizar la situación global que se está viviendo. Desde una crisis económica, hasta una crisis de salud y, porque no, existencial. Es cierto, todo cambia constantemente, esto no es algo particular de nuestra generación, pero los cambios radicales, o en su defecto, los cambios que generan una evolución en una ciencia, disciplina o arte, tienen que ver directamente con el factor social, sus necesidades de existencia y de renovación y de las mentes con la creatividad y oportunidad para cambiar el rumbo de las circunstancias. Las crisis que se generaron en las ciudades latinoamericanas, hasta hace algunos años –y que en algunas aún continúan de forma interminable-, por ejemplo, generaron movimientos masivos de latinos en Europa; España, Italia, Inglaterra y Alemania. Hoy en día esto se revierte, y son los europeos que buscan desesperadamente un espacio en el extranjero. Los cambios son interminables y cada vez más contundentes. Hasta hace una década, por ejemplo,

entrar a una universidad para enseñar diseño, estaba destinado a las vacas sagradas del área o disciplina. “Solo los grandes podían enseñar” o al menos los que, en general, tuvieran más obra o experiencia. Por el contrario, hoy en día, las universidades que realmente buscan un cambio, de forma apresurada han incorporado dentro de sus miembros de facultades o escuelas a arquitectos, a veces incluso sin experiencia, que tienen posgrados en el extranjero, o que a grandes rasgos tienen algo novedoso, diferente, o “único” que ofrecer. Pero, el cambio no está destinado únicamente a la educación o a la movilidad. El rol del arquitecto dentro de su propio despacho ha cambiado drásticamente. El arquitecto o diseñador clásico está desapareciendo. Hasta hace algunos años el arquitecto buscaba constantemente, y de forma casi poética, su momento de inspiración para realizar ‘bocetos o croquis’ que finalmente sus 50 peones terminarían técnicamente desarrollando a través de cientos de planos, que en el mejor de los casos terminaría en obra construida. El rol del arquitecto tiene movilidad, ansiedad y a veces, casi con poco conocimiento, se muda a otras disciplinas. El diseñador, que emprende, busca otros horizontes, otras naturalezas, otras realidades, no se conforma para nada con construir, de hecho, no es más un fin. El diseñador ha empezado a darle valor al proceso y no juzga más el resultado, sino los medios para llegar a él. Si es el proceso lo que determina el nuevo auge en el rol del arquitecto, estamos hablando de una evolución substancial en la forma de producir diseño y sobre todo un valor sumado al hecho de entender que el resultado final puede ser similar, fusil o copia, pero en el oficio del diseñador, un proceso es único. El proceso es, quizás, el único testigo del valor de un resultado y, sobre todo, de la lógica que comporta la secuencia de sus pasos para enmarcar un episodio más en el desarrollo de la historia del diseño.

DISENO

Arte Mainstream. DISEÑO 28/03/2013

por José de la O / @joserdelao

----------------------------- NOTA: “Partiendo de la premisa que “Arte” es todo producto creado a través de un proceso creativo, para efectos de este artículo, considero a productos de entretenimiento como “Arte”. Alimentación se entiende como la ingesta de cualquier organismo que le permite generar energía y desarrollase. Para mi, “alimentación” no solo se refiere a la comida, pero a todo lo que absorbe nuestro organismo, incluyendo lo que olemos (como una fragancia agradable), los sonidos que escuchamos, (como el ruido de la calle, pero también la música que nos gusta o una conversación interesante), así como todo lo que vemos (como una buena fotografía o un texto inspirador). Lo chistoso de esta analogía, es que se aplica perfectamente a la situación cultural de la media poblacional en México. Me explico: El Pan Blanco Bimbo, el Gansito Marinela o las papas Sabritas son productos de alta disponibilidad a lo largo del territorio mexicano. Es en verdad difícil llegar a un pueblo perdido o a una colonia marginada y NO encontrar uno de estos productos. Todos sabemos que estos comestibles están bastante lejos de caracterizarse por su gran valor alimenticio. Al consumir estas golosinas, nuestro cuerpo solo se queda con lo único que puede aprovechar, la parte calórica, que en la mayoría de los casos, su cantidad está en desproporción a la que realmente necesitamos. Me parece sorprendente (y bastante triste) que lo mismo se pueda decir del arte en México. Los canales abiertos de tele, la radio altamente comercial, publicaciones amarillistas o historietas tipo “libro vaquero” son técnicamente ubicuos en el territorio, y su contenido (su “Arte”) es tan saludable como un Gansito Marinela. Cierta ves, Bruce Sterling planteó un escenario futurista en el que tanto la tecnología y el arte serán escasos. Sterling describe a un mundo lleno de TechnoBraga, imitaciones baratas de productos Premium, estúpidos juegos para celulares y teles, gigantescas teles por todos lados que nos distraerán de la realidad. Como para Sterling, un mundo sin tecnología solamente puede existir porque es un mundo reprimido, lo llamó Sweatshop World. Este Sweatshop World “hipotético” suena bastante similar a un Tianguis de Tecnología en cualquier ciudad en México. Poca Tecnología y Poco Arte. La baja calidad del contenido artístico en el Mainstream mexicano sucede en parte por que la mayoría de las empresas creen que es buen negocio insultar la inteligencia de sus consumidores. Que lejos está esto de la realidad. Si vemos compañías increíblemente grandes e increíblemente ricas, la experiencia de sus marcas existen al crear vínculos con sus consumidores a

través de “buen arte”. Nike, por ejemplo, al fomentar una cultura de hacer deporte, diseñan experiencias a través de comerciales cinemáticos, torneos amateur o maratones públicos, que da como resultado un ecosistema bastante saludable entre la compañía, sus consumidores y los productos que los interconectan. Otro ejemplo es Dove, subsidiaria de la gigantesca Procter & Gamble, que acaba de soltar en la web un plug-in de Photoshop que prometía retocar fotos de modelos. Este plug-In al final solo regresaba la foto a su estado inicial, con el fin de crear consciencia sobre la Photoshopización de las modelos. Por este tipo de campañas, Dove crea un mercado cautivo a través de un vinculo emocional con sus consumidores. Hacktivism traído a ustedes por las corporaciones. Y bueno, ni se diga de Apple, compañía que apuesta fuertemente en diseño e innovación, y es hoy, hasta donde sé, la empresa más redituable del mundo. Es buen negocio llevar Arte al Mainstream. ¿Y no es lo que nosotros los Diseñadores queremos al final del día? ¿Crear cosas increíbles y que nos paguen por hacerlo? ¡Que mejor si el dinero viene de corporaciones! Me da mucho gusto ver que compañías en México ya se están dando cuenta que es negocio crear contenido cultural, utilizando diseñadores y fomentando su trabajo. American Express realizó un video viral en el que nos invita a “hacer lo que amamos” poniendo como ejemplo al joven diseñador Joel Escalona. Algo similar hizo Sprite con Ariel Rojo. Masisa en su lugar, apoyó la realización del concurso de arquitectura para el Archivo de Diseño y Arquitectura, organizado nada menos que por Domus. Masisa a su vez es patrocinador de Designaholic, uno de los blogs mas populares de diseño en español. En una entrevista Grant McKracken, menciona que nosotros los diseñadores somos el vehículo de las corporaciones para tomar a la cultura de manera seria. Y ese es exactamente nuestro papel: Convencer a estas compañías de que en verdad es negocio llevar Arte al Mainstream, creando contenido honesto, que sorprenda, inspire, cuestione e invite a la sociedad a crear. Y bueno, al menos yo ya empecé escribiendo este artículo. Gracias portaVOZ por abrirme el espacio y espero que poco a poco vayamos cambiando al Pan Bimbo del Mainstream Cultural por algo mas rico y nutritivo. ¿Qué se les antoja?

ENTREVISTA

Paul Cremoux ARQ TV

29/03/2013

por Alejandro Cabrera / @ElRemitente Las modas suelen ser bastante efímeras y van más de la mano con un zapping que compite para colocar productos en el mercado durante lapsos cada vez más cortos. Temporadas en que todo es verde, todo lleva el prefijo eco, etiquetas de orgánico, máscaras que adjetivan las cosas sin una trascendencia de fondo. Creemos que hacemos un bien al consumir dichos productos, pero estamos lejos de una educación integral, lejos de la información necesaria para aportar o hacer algo al respecto. En ese sentido, un ejemplo a considerar dentro de la arquitectura es Paul Cremoux. Su despacho se autodefine bajo las palabras de sostenibilidad y eco efectividad en consecuencia a sus prácticas y no solo a un branding que abra su mercado. Mediante su trabajo tienen la meta de crear diseños que enriquezcan el medio ambiente, celebren la vida y engrandezcan al espíritu humano. “En la práctica de la arquitectura, creemos que todo aquello que está construido forma parte del medio ambiente. Y para su correcta ejecución necesita de un diseño responsable.” Dicha cita reafirma que mas allá de una moda nos estamos enfrentando a una tendencia de como deben hacerse las cosas. Llegará el momento en que despachos como los de Paul Cremoux no tengan que etiquetarse bajo ninguna otra palabra que no sea arquitectura y con ello se de por hecho que los procesos son desarrollados bajo principios responsables con el medio ambiente. “Ejercer alternativas sostenibles no es una cuestión de progreso, sino de sobrevivencia planetaria.” Es interesante ir descubriendo que más allá de una misión o visión, el trabajo de Paul Cremoux se rige bajo manifiesto que aborda los siguientes principios y con ello garantiza la coherencia en el desarrollo de proyectos.

1. Crear Diseños que promuevan diversidad y abundancia. 2. Trabajar multidisciplinariamente. 3. Diseñar ambientes construidos que enriquezcan al medio natural. 4. Producir energía limpia. 5. Diseñar para todas las especies y formas de vida. 6 . No contradecir la naturaleza de las circunstancias. 7. Diseñar moralmente, en conciencia y responsabilidad. 8. Formar parte de la nueva Re-evolución Industrial. 9. Analizar los sistemas de producción naturales. 10. Convertirnos en el recurso humano que la naturaleza necesita, y no utilizar a la naturaleza como un recurso Humano. Paul Cremoux es egresado de la U.N.A.M. Posteriormente realizó estudios de maestría en la Universidad de Columbia y concluyó sus estudios en EPAD de la Defénse y Cerault Arquitectos en Paris, Francia. Su trabajo ha recibido diversas distinciones nacionales e internacionales así como también ha sido publicado en varios medios digitales e impresos.

Fotografía: Cortesía Paul Cremoux Más información: www. paulcremoux.com

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CULTURA DE BOCA EN BOCA