N°766 MAYO 2020
CAHIERS
CINEMA DU
CINE DE CULTO
"Un virgen es -entre otras cosas- alguien que nunca ha visto The Rocky Horror Picture Show en el cine con participación. Verla en vídeo o por la tele -toda una proeza- no vale; eso sólo es masturbación. Puede ser divertido y hacer que te corras, pero no es sustitutivo de lo otro". Esta definición del club de fans español de la película es perfecta para explicar por qué 40 años después The Rocky Horror Picture Show se ha convertido en una película de culto, es una de las más exhibidas de la historia y tiene tras de sí un movimiento mundial que convierte su visionado en un auténtica fiesta interactiva.
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CINEMA
NÚMERO 766/ MAYO 2020
DU
Arriba: Poster publicitario de la película The Wicker Man
5.CINE DE CULTO 6.QUENTIN TARANTINO KILL BILL
8.DAVID LYNCH
17.MENTAL IMPLSION MANDY DONNI DARKO NEON DEMON
DUNE
9.AMERICA
2001:A SPACE ODYSSEY NIGHT OF THE LIVING DEAD BLADE RUNNER
13.ASIA Y EUROPA
CHIHIRO NO KIMIKAKUSHI AKIRA CALL ME BY YOUR NAME
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EDITORIAL
CAHIERS
CINEMA
Director Carlos F. Heredero
Redactor Jefe: Carlos Reviriego Coordinador: Angel Quintana Consejo de redacción: Asier Aranzubia Cob, Fran Benavente, Roberto Cueto, José Antonio Hurtado, Eulália Iglesias, José Manuel L´´opez Fernández, Carlos Losilla, Gonzalo de Lucas, José Enrique Monterde, Jaime Pena, Antonio Santamarina Redacción: Jara Yáñez Secretarria de redacción: Elisa Collados Maquetación: Carmen Moreno Documentación y Producción: Pedro Medina Consejo Editorial: Jordi Balló, Doménec Font, Jean-Michel Frodon, Leonardo García Tsao, Román Gubern, Adrian Martin, David Oubiña, Manuel Pérez Estremera, José María Prado, Jonathan Rosenbaum, Jenaro Talens, Santos Zunzunegui. Colaboran en este número Textos: A. de Baecque, F. Bégadeau, Emmanuel Burdeau, Jean-Michel Frodon, Francois Furet, Javier Garmar, Charlotte Garson, Amaud Macé, Miguel Marías, Adrian Martiin, Luis Miranda, David Oubiña, Gonzalo de Pedro, Santiago R. de Celis, Xavier Tresvaux, Begoña Vicario, Manuel Yáñez Murillo, Santos Zunzunegui Traducción: Carlos F. Heredero, Gonzalo de Pedro, Carlos Reviriego, Antonio F. Rodríguez Esteban, Carlos Úcar Fotografía: Martin Page Proyecto Gráfico: Pabloo Rubio/ Erretrés Diseño REDACCIÓN C/SORIA, n°9,4°piso 28005 Madrid (España) Tel: (+34) 914685835 Fax: (+34) 915273329 E-mail: cahiersducinema@caimanediciones.es
El cine y su influencia en la sociedad Desde su invención en 1895 gracias a los hermanos Lumiere, el cine ha sido un medio de comunicación que ha ido cambiando su público a través de los años pero no la esencia que los caracteriza como un medio de comunicación, desde hace años el cine ha creado un cambio social que aun hoy se puede apreciar, ha formado una realidad. Al cine se le ve muchas veces como simplemente una pantalla gigantes en un sala oscura en donde se comen palomitas, pero nadie se molesta en ir más allá de eso, nadie ve la influencia real que tiene el cine la sociedad como medio. “Los medios de comunicación aparecen como “constructores de una realidad”, de manera que organizan y estructuran conocimiento y significados para la audiencia.”(Rodríguez, 2007:266). Al igual que lo que plantea Rodríguez el cine desde sus inicios ha creado una realidad, un mundo al cual todos sus espectadores aspiran y al cual nunca podrán llegar, aunque ellos sepan lo inalcanzable que es ese mundo, nunca dejaran de llegar al mismo. DU Esta creación de un mundo, también se puede interpretar como un creador de tendencias, un claro ejemplo en su momento fue Marilyn Monroe, ella representaba un modelo de belleza que toda mujer en ese entonces buscaba o que el cine quería que buscaran, ella era tanto un icono pop y un símbolo sexual de la época, viéndose representada en las películas que actuaba. Otro ejemplo concreto fue el de James Dean en la película Rebelde sin causa, a lo largo de la película se puede apreciar que siempre el actor tiene como atuendo básico una cazadora, esto a la larga hizo que los jóvenes asociaran la cazadora como un símbolo de rebeldía. Pero el cine no solamente ejerce influencia atreves de los actores presente en la misma, también genera una influencia más emocional, esto en debido a el mensaje que quiere entregar la misma película, por eso no es de extrañar que uno al ver una película romántica sienta que necesita buscar el amor sin pensar en las consecuencia, en el caso de una película que busca motivar, pasaría lo mismo, uno después de la misma estaría motivado sin razón alguna , puedo uno estar sin nada realmente que hacer pero aun así seguirá motiva. “Los Medios de comunicación brindan así una representación mediada de la realidad sobre la cual los individuos actúan, sin necesariamente “verla” o “sentirla”. De esta forma, la prioridad que le asignen a ciertos temas no será producto de la casualidad” (Rodríguez, 2007:266). zon esta cita nos da a entender Rodríguez que este mundo, tendencias y emociones que nos hace seguir el cine no son por medio de la casualidad, es por algo predeterminado que el mismo cine quiere que sintamos y esto ha sido siendo desde sus inicios, pero esto necesariamente no debe ser tan negativo en todos los casos, puede que gracias a ellos al darnos estas especias de aspiraciones nos motiven a seguir ciertamente a algo inalcanzable, pero al ser imposible de conseguir a su vez nos haces nunca detenernos , nunca dejar de avanzar a mejorar si algo positivo ciertamente. Ya está claro que el cine es algo que no va a desaparecer nunca o por lo menos no en un largo periodo de tiempo a lo mucho, dado que sin darnos cuenta nos ha influenciado desde su nacimiento y ya es algo que está arraigado a nuestras vidas, y debido a que es un medio de comunicación no creo que se puede desarraigar, es algo que ya sin siquiera verlo nos influencia dado que ya ha influenciado a la sociedad desde lo más profundo, hizo que su mundo viviera en nuestro mundo. CAHIERS DU CINÉMA / MAYO 2020 4
Algunos piensan que la primera “película que inició el término fue
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El Topo de Jodorowski
Cuando oímos mencionar esta clase de cine, por lo general asumimos que son películas de terror o de ciencia-ficción o un cine con trama y personajes extraños que se presentan a la media noche, atrayendo una audiencia aun mas extraña que los mismos personajes. Pero si nos ponemos a analizar las listas de lo que los críticos catalogan como cine de culto, encontraremos que existe una gran variedad de géneros. Cuando oímos mencionar esta clase de cine, por lo general asumimos que son películas de terror o de ciencia-ficción o un cine con trama y personajes extraños que se presentan a la media noche, atrayendo una audiencia aun mas extraña que los mismos personajes. Pero si nos ponemos a analizar las listas de lo que los críticos catalogan como cine de culto, encontraremos que existe una gran variedad de géneros.
CINE DE CULTO Revive el interés por el cine de culto, ese género poco convencional, a veces atrevido, transgresor y grotesco, capaz de generar controversias, trascender y marcar generaciones de seguidores. Y es que por lo general, no es el género lo que define el que una película se convierta en culto, sino más bien es un hecho circunstancial centrado básicamente en la reacción del público. El cine de culto, como lo afirma Danny Peary en su libro Cult Movies (1981) nace de la controversia, de la provocación y de la pasión. Cuando la respuesta apasionada de los espectadores perdura por largo tiempo, mas allá del momento en que se estrenó la película, ésta se convierte en cine de culto. Por lo general no son películas comerciales y no adquieren éxito taquillero en el momento del estreno sino, a veces, hasta mucho tiempo después.
Es un cine muchas veces atrevido, transgresor y grotesco, casi siempre alejado de la norma tanto en contenido como en forma. Muchas veces hasta se considera cine de baja calidad, en el sentido en que los artistas pueden no ser experimentados y reconocidos o la tecnología no cumple con los parámetros esperados. Este cine “de segunda” muchas veces se vuelve culto bajo una premisa irónica: la película es tan mala que se vuelve buena o es tan cursi o tan violenta que resulta una burla, como sucedió con The Room (2003) de Tommy Wiseau, años después de su estreno.Un aspecto que caracteriza al cine de culto es que provoca una especie de camaradería o de solidaridad entre sus adeptos, y en cierta medida se produce una sensación de nostalgia por la época o por la historia que el filme reproduce. CAHIERS DU CINÉMA / MAYO 2020 5
QUENTIN TARANTINO
El director de cine Quentin Tarantino celebró el 27 de marzo su cumpleaños número 57. Es la mente maestra detrás de grandes películas como Tiempos Violentos (1994), Bastardos sin gloria (2009), o la más reciente Había una vez en Hollywood (2019). Un personaje odiado por varios, pero amado por muchos más, tanto fuera, como dentro de la industria. Sea que lo llegues a considerar sobrevalorado o no, es una realidad que su nombre forma parte de la historia del cine mundial. A la fecha, continúa como un primer acercamiento al mundo del séptimo arte para cinéfilos y cinéfilas primerizos, así como una inspiración para cineastas de todas partes del mundo.
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KILL BILL Aunque ya contaba con más de una década de trayectoria profesional a sus espaldas, y pese a haber participado en películas tan notables como 'Las amistades peligrosas', 'Pulp Fiction', 'Beautiful Girls' o 'Gattaca', ofreciendo además interpretaciones de auténtica altura, Uma Thurman encontró en Beatrix Kiddo, también conocida como La Novia, al personaje de su vida. Kill Bill es la esencia del Tarantino cinéfilo en todo su esplendor. Su habilidad para reciclar referencias y ponerlas al servicio de su propia historia es aquí más evidente que nunca. Así, el Volumen 1 apuesta por homenajear las películas de acción asiáticas (con sus zooms, sus peleas con katana, sus artes marciales, la presencia de actores clásicos de este cine como Sonny Chiba y Gordon Liu), mientras que el Volumen 2, sin renunciar a eso, tira más por el camino del spaguetti western de Leone (no por casualidad, Tarantino pretendía, o quizás aún pretende, que Kill Bill sea su propia «Trilogía de los Dólares», siempre y cuando finalmente ruede una tercera parte, cosa que está por ver). Lo que está claro es que Kill Bill, toda ella, en sus dos volúmenes (que, repetimos, en realidad son solo uno), es una bizarría, una locura, sí, pero una locura maravillosa.
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DAVID LYNCH Del mismo modo, demostró la viabilidad comercial de sus propuestas. En 1984 salió “Dune”, producida por Dino De Laurentiis. El mismo productor financió “Terciopelo azul” (1986), historia de un joven universitario que inves-
tiga la procedencia de una oreja cortada que encontró paseando por el campo. La película muestra interpretaciones memorables de Isabella Rossellini y Dennis Hopper y está considerada hoy como una de las obras maestras del cine contemporáneo.Obtuvo un gran éxito de la crítica
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Su filmografía está caracterizada por una estética surrealista y su obsesión por explorar el lado oscuro de la experiencia humana.
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De familia de clase media, vivió con sus padres en distintos lugares; realizó sus estudios secundarios en Virginia y más tarde se trasladó a Washington D.C. para estudiar en la Corcoran School of Art. Después de un año en la School of the Museum of Fine Arts de Boston, en 1966 se instaló en Filadelfia asistiendo al Pennsylvania Academy of Fine Arts (PAFA). Fue allí donde empezó a hacer sus primeros cortos. Desde los años 70 Lynch trabajó exclusivamente en el cine. Mientras estaba en Los Angeles para asistir a las clases del American Film Institute Conservatory empezó a rodar su primer largometraje, “Eraserhead” (“Cabeza borradora”, 1971), película enigmática y sombría, llena de guiños surrealistas y elementos desasosegantes. No pudo terminar la película hasta 1977 por motivos económicos.“Eraserhead” atrajo la atención del productor Mel Brooks, quien contrató a Lynch para dirigir la película de 1980 “El hombre elefante”, un biopic sobre la figura de Joseph Merrick, un hombre de clase baja con terribles malformaciones físicas. Esta película, rodada en blanco y negro como “Eraserhead”, fue un gran éxito comercial y obtuvo ocho nominaciones a los Oscar, incluyendo el de mejor director y mejor guión adaptado para Lynch.
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CINEMA DU
Los cinéfilos veteranos seguramente lo recuerdan. Ocurrió en diciembre de 1984. El público quería ir a ver una space opera al estilo Star Wars. «¿Dune? Suena divertido», se dijeron al comprar la entrada. Solo que, a los diez minutos de proyección, cayeron en la cuenta que no lo era. No era un espectáculo divertido, y lo que es peor, aquel largometraje resultaba incomprensible para el público medio, ajeno a las sutilezas y a la densidad filosófica de la novela en la que se basaba el film.
partes.El proyecto de llevar Dune al cine comenzó en 1971, cuando el productor de El planeta de los simios, Arthur P. Jacobs, adquirió los derechos de aquel libro por nueve años. Por desgracia, falleció antes de ver comenzado el proyecto. Los derechos pasaron entonces a manos de Michel Seydoux, y el director encargado de llevar al celuloide el mundo de Dune fue Alejandro Jodorowsky.
“ Fracaso estrepitoso en su día,
"Dune" se ha alzado hoy como una de las grandes películas de culto de la ciencia ficción.
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DUNE
Con la excepción de algún partidario que evitó participar en el linchamento, la crítica masacró a esta película de David Lynch. Quizá el más negativo fuera Roger Ebert. «Esta película es un verdadero desastre escribió . Se trata de una incomprensible, fea, desestructurada e inútil excursión a los dominios más turbios de uno de los guiones más confusos de todos los tiempos. Incluso el color no es bueno; todo se ve a través de una especie de filtro amarillo, polvoriento, como si la película hubiera estado demasiado tiempo al sol. Puedes decir que, después de todo, la acción transcurre en un planeta desértico donde no hay una gota de agua, y donde hay arena en todas
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2001
A Space Odysse El día que 2001 una Odisea en el espacio se estrenó en Londres, 241 personas abandonaron la sala. Entre ellas, el actor Rock Hudson que bramó “¿Alguien me puede explicar qué demonios significa esto? ”. La crítica no fue mucho más amable que el protagonista de ‘Pijama para dos’. El New York Times aseguró que era “Algo a medias entre lo hipnótico y lo inmensamente aburrido”. Cinco décadas después, la obra de Stanley Kubrick y el escritor Arthur C Clarke no despierta ese tipo de dudas. Es considerada una de las grandes obras de la historia del cine. Una película de una extraordinaria profundidad contada de una forma magistral, una gigantesca epopeya dotada de una belleza sin igual y podríamos seguir con la hipérbole hasta caernos al suelo.
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THE NIGHT OF THE LIVING DEAD Night of the living dead es una película de terror escrita y dirigida por George A. Romero basado en Soy Leyenda (1954) de Richard Matheson.
Un verdadero clásico del cine fantástico moderno, emulado y plagiado hasta lo indecible. Entre el horror atómico y los clásicos zombies, con incursiones más macabras en mundos como la antropofagia, es un film sumamente desagradable -lo que, en este caso, es un elogio- y que no
Permite ni un momento de respiro al espectador incauto. Por encima de su fealdad se impone su fuerza inquietante e impactante. Sin embargo lo que hizo inolvidable a los zombis que Romero muestra en su ópera prima es que son de buen apetito. Estos carroñeros son aficionados a la carne humana—“¡Mis zombis nunca han comido cerebros! No sé de dónde sacaron eso”, puntualizó el director y escritor en una entrevista para el British Film Institute (BFI)— y la cámara no repara en mostrarlo. Asimismo, la cinta causa horror al exponer la condición de los cadáveres con un potencial pandémico y al mostrarlos actuando como masas y en equipo.
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Se trata de una epidemia de homicidios cometidos por un ejército virtual de asesinos no identificados (…). Testigos dicen que lucen como gente ordinaria. Otros, que parecen estar en una especie de trance
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Hablar de 'Blade Runner' es hacerlo de varias cosas. Es hablar de la magia del cine, es hablar de arte, es hablar del ser humano, es hablar de una experiencia que transforma al espectador. 'Blade Runner' es una película que se enmarca tanto en la ciencia ficción como en el cine negro, terrenos ambos donde camina con paso firme y ejemplar, pero sobre todo es una visión pesimista y trágica de la condición humana.
El ser humano está en declive, muerto; esto es lo que ponen de manifiesto sus creaciones más perfectas, unas "máquinas" que se han desarrollado hasta tal punto que, en contraposición con las personas "reales", quieren vivir intensa y eternamente. Gracias al precioso envoltorio de ciencia ficción, 'Blade Runner' plantea de forma fascinante una pregunta que siempre nos ha acompañado: ¿qué nos hace humanos? Lo orgánico ha perdido todo su sentido y las gentes deambulan sin sentido por calles ruidosas y superpobladas donde la lluvia refleja perfectamente el estado de ánimo que el film quiere transmitir. La fantástica banda sonora de Vangelis, la increíble visión de Scott y unos actores en estado de gracia logran que nos quedemos totalmente pegados a la butaca, independientemente de las veces que hayamos viajado hasta el barroco futuro de los replicantes.
Elegante, sutil, preciosista, perfeccionista... Podríamos usar cualquiera de éstos y más calificativos para referirnos y subrayar la magistral labor de dirección de Ridley Scott en este film.n señor que lleva el cine en sus venas, como se demuestra en incontables momentos de su envidiable filmografía; un señor que tiene en su haber 'Alien', 'Thelma y Louise', 'Black Hawk Derribado' o la para mí sobrevalorada 'Gladiator', pero que
no tiene en su poder un Oscar (quizá 'American Gangster' se lo proporcione). Scott nos sitúa siempre dónde hay que estar, imprime el ritmo adecuado para cada momento (nos deja sin aliento con el primer "retiro" y nos relaja con las escenas íntimas de Deckard) y nos sumerge en un oscuro y lluvioso entorno que se muestra tan desolador como bellísimo. En este sentido, el diseño de producción es sublime. Scott se aprovecha de todos los elementos a su disposición para mover la cámara sin que nos demos cuenta, señal inequívoca de que no podía hacerse de otra forma.Por cierto, se suele decir que "el libro siempre va a ser mejor que la película", pero con una película tan especial como 'Blade Runner' las normas no valen. La obra de Dick no podría lucir mejor en la pantalla, recibiendo una dosis de poética complejidad pocas veces vista. CAHIERS DU CINÉMA / MAYO 2020 12
ASIA Y EUROPA
Chihiro no Kamikakushi Hay una cita en Tumblr que dice: "Las películas de Disney llegan al corazón pero las de Studio Ghibli llegan al alma". Por sentimental que suene, es una afirmación inteligente. Seguramente esa es una de las razones por las que los fans del anime de todo el mundo aseguran que El viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki es la mejor película animada de todos los tiempos.Quince años después de su lanzamiento en
sobre la película, cada cuadro está hecho con una abrumadora cantidad de "generosidad y amor". Decenas de criaturas diseñadas para cada momento, detalles hechos a mano en el fondo, donde cualquier otro director habría usado atajos. Y lo mejor es que tenemos tiempo de respirar y vivir en el mundo de Miyazaki.El director explicó que las escenas en las que en realidad no pasa nada se llaman "ma" o "vacío". "La gente que hace películas le tiene miedo al silencio, por eso lo llenan de adornos", explicó. "Les preocupa que el público se aburra. Pero que el 80% de la película esté repleta de acción no significa que los niños te van a poner atención.Lo más importanteson las emociones que provocas porque nunca se olvidan".
Japón, Sen to Chihiro no Kamikakushi —que se traduce como "El rapto espiritual de Sen y Chihiro"— sigue sin ser igualada por sus rivales gracias a su mezcla de lo espiritual, lo realista, lo fantástico y lo humano. Por equilibrar todos esos aspectos, Miyazaki se volvió una leyenda y, desde su retiro, seguimos creyendo que El viaje de Chihiro es la obra maestra de su vida.Muchos críticos hombres describieron a Chihiro como una niña
cas porque nunca se olvidan".Curiosamente,los momentos "ma" son los que se han vuelto más icónicos con el paso del tiempo, como en el que Chihiro sale al balcón de su cuarto y se queda viendo al mar o cuando Chihiro y sus amigos ––el Sin Cara, Bo y el pájaro de Yubaba––, van sentados en el tren con la mirada perdida. La belleza es universal. Sin embargo, hay algunos detalles que se pierden con la traducción. La lección que nos deja El viaje de Chihiro, sin importar nuestra edad, es la importancia del equilibrio. No hay personajes malos, pese a lo pobres que sean sus motivos. Todos tienen un lado
bres describieron a Chihiro como una niña "consentida" e "irritable", y siguen sin cambiar de opinión. Esta crítica no es ni justa ni acertada.Lo que hace que la historia de Chihiro sea tan diferente es que no se ve forzada a triunfar contra el mal o pasar de ser una chica "malhumorada" a una niña buena. Es mucho mejor que eso porque plasma un desarrollo honesto.La narrativa contiene algunos de los cuadros más hermosos del cine moderno, no sólo de la animación. Como señaló el crítico Roger Ebert en la reseña que escribió sobre la película, cada cuadro está hecho
bueno, hasta Yubaba, como vemos con su hermana gemela. El monstruo del lodo en realidad no es tan malo, de hecho, es un kama no kami, un "dios del río". Lo opuesto de equilibrio es exceso y, como vimos con los padres llenándose de comida hasta convertirse en cerdos o con la avaricia y la riqueza expuesta en la casa de baños termales, nada bueno puede salir de eso.
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AKIRA Está considerada por muchos especialistas como la obra culmen del anime. Lo que nadie le discute a Akira (1988) es que cambió la forma de entender el anime para siempre. Las posteriores Dragon Ball, Gundam Wing o Sailor Moon, entre otras muchas, se alimentaron de la influencia que tuvo la cinta Katsuhiro Ôtomo en el cine japonés de animación. Tanto es así que 30 años después de su estreno, Akira conserva una nutrida legión de fans en todo del mundo.El éxito de la película no fue una casualidad. Akira sigue siendo hoy en día una de las películas de anime más ambiciosas jamás realizadas. El proyecto contó con varias compañías de producción diferentes, entre las que se incluían Bandai y Toho. Ambas unieron fuerzas en su momento para recaudar un billón de yenes -lo equivalente a diez millones de dólares- y así financiar la película. Este enorme presupuesto para lo que era usual en la época le dio la oportunidad de competir con la con la animación occidental.Más allá del presupuesto, el trabajo que esconde una producción como Akira es brutal. Los animadores de la película dibujaron entre 12 y 24 imágenes por segundo en algunas partes de la película y produjeron más de 160.000 cels de animación en total. t
CAHIERS DU CINÉMA / MAYO 2020 3 CAHIERS DU CINÉMA / MAYO 2020 16
Inspirada en la novela homónima de André Aciman, el último film del italiano Luca Guadagnino, Call Me by Your Name , presentado como proyección especial del Panorama de la Berlinale, puede ser fácilmente descrito como su drama más introvertido, calmado y tierno hasta la fecha, pues este cineasta maximalista mantiene sus frenéticas florituras estilísticas bajo control, de manera que la historia iniciática que es el corazón batiente de la película se funde delicadamente con el viaje. conte-
La repentina perturbación de un lugar apacible que supone la invasión de un intruso inesperado vuelve a ser una vez más el punto de partida de la trama; Guadagnino ha estructurado este drama en torno al mismo tema que en la aclamada Cegados por el sol . En esta ocasión, el intruso sirve como cebo para adentrarnos en un terreno muy diferente, mucho más contenido e introspectivo, aunque vuelva a repetirse el patrón según el cual este personaje acaba adaptándose
mucho mejor al estilo de vida mediterráneo, desenfadado y soleado, que sus anfitriones semi-locales, multiculturales y trilingües. Las tensiones sexuales alcanzan cotas altísimas a medida que la energía vagamente hedonista que emite este desconocido (llamado Oliver e interpretado con un carisma dominante y escandaloso por un brillante Armie Hammer) le convierte en un imán sensual que atrae a todos los lugareños.
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Dirección: Panos Cosmatos Reparto: Nicolas Cage, Andrea Riseborough, Linus Roache, Bill Duke, Richard Brake, Hayley Saywell Título en V.O: Mandy Nacionalidad: Estados Unidos Año: 2018 Fecha de su irresistible caligrafía estreno: 31-10-2018 Género: Terror visual y el diálogo entre Guión: Panos Cosmatos, Aaron Stewart-Ahn las dos partes. Fotografía: Benjamin Loeb Música: Jóhann Jóhannsson
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Título original: Donnie Darko Año: 2001 Duración: 113 min. País: Estados Unidos Estados Unidos Dirección: Richard Kelly Guion: Richard Kelly Música: Michael Andrews Fotografía: Steven Poster Reparto: Jake Gyllenhaal, Maggie Gyllenhaal, Patrick Swayze, Jena Malone, Mary McDonnell, Drew Barrymore, Holmes Osborne Género: Fantástico. Ciencia ficción. Intriga | Drama psicológico. Años 80. Película de culto. Cine independiente USA
Título original:The Neon Demon Año: 2016 Duración: 117 min. País: Dinamarca Dinamarca Dirección: Nicolas Winding Refn Guion: Nicolas Winding Refn, Mary Laws, Polly Stenham Música: Cliff Martinez (Canción: Sia) Fotografía: Natasha Braier Reparto: Elle Fanning, Karl Glusman, Jena Malone, Bella Heathcote, Abbey Lee, Desmond Harrington, Christina Hendricks, Keanu Reeves, Charles Baker, Jamie Clayton, Stacey Danger, Rebecca Dayan, Vanessa Martinez, Taylor Marie Hill, Alessandro Nivola Género: Terror. Thriller | Moda. Celos. Thriller psicológico CAHIERS DU CINÉMA / MAYO 2020 18