“SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO…”
Verano 2009
“Sueño de una noche de verano…”
España cuenta con una importante cantidad de anfiteatros romanos, claustros, palacios, castillos, plazas y
corrales que recuperan su función original durante la
temporada de verano. En estos magníficos escenarios, al caer la noche y bajo las estrellas, vuelve a instalarse el teatro clásico y cobran vida los personajes de Shakespeare, Lope de Vega, Homero o Sófocles. Los festivales se suceden
aprovechando la benignidad de las
noches y algunos de ellos gozan de gran prestigio internacional como, el Festival de Teatro Clásico de Mérida o el Festival Internacional de Almagro. Compañías y artistas procedentes de otros países se suman a estos eventos cuya programación incluye conferencias, talleres y actividades al aire libre, además de las representaciones teatrales.
Este año se conmemora el cuarto centenario de la edición del “Arte nuevo de hacer comedias” (1609) de Lope de Vega, por ello “la dama boba”, “El perro del Hortelano o “Fuenteovejuna” no faltarán en las programaciones estivales. Si gusta contemplar las andanzas de héroes, dioses, galanes y damas, este dossier informativo que la Biblioteca Pública Fermín Caballero ha elaborado, le guiará a través de los autores, obras y festivales de Teatro Clásico.
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INDICE
Festivales de verano ..…………...………………...................................... Pag. 4 Teatro griego ………………..….…………...………................................. Pag. 14 Poetas trágicos griegos ……..……….………………….……………........ Pag. 16 Tragedias griegas ………………………………..………........................... Pag. 19 Teatro español ……..………………………………………………….…... Pag. 21 Autores del siglo de oro ………………………………………….………… Pag. 30 Selección bibliográfica ……………………………………………………… Pag. 42
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FESTIVALES DE VERANO FESTIVAL DE TEATRO DE MERIDA El conjunto monumental de Mérida ha sido declarado por la Unesco Patrimonio de la Humanidad en 1993, celebrándose en uno de sus monumentos principales el festival de teatro clásico más antiguo de los que se celebran en España La excavación del teatro romano de Mérida, terminada en 1916, despertó lógicamente el interés de los artistas de la época por actuar en un lugar tan singular. Así, en 1924 un grupo de estudiantes estrenan Cautivos, de Plauto; y en 1933, Margarita Xirgu y Enrique Borrás, “Medea” en versión de Miguel de Unamuno, estreno que se considera la primera edición del Festival de Mérida. En 1934 debido a la tensión política que se vivía en España se suspendió hasta que 19 años después; en 1954 volvió el teatro profesional a
Fig. X. El teatro romano de Mérida tiene una capacidad de 3000 espectadores, y se trata de uno de los mejor conservados del mundo.
Mérida con la representación de un Edipo de Sófocles interpretado por Francisco Rabal y desde entonces hasta la fecha se ha celebrado ininterrumpidamente acogiendo en sus
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escenarios las representaciones de la obras más grandes del Teatro Clásico y llegando a en 2009 a su 55 edición. El Festival de Mérida, está considerado como el más importante su género Escenarios: Las representaciones de las obras del festival se llevan a cabo durante los meses de Julio y Agosto principalmente en el Teatro Romano de Mérida, considerado como uno de los teatros romanos mejor conservados del mundo y con una capacidad para unos 3000 espectadores. El teatro fue promovido por el cónsul Marco Vipsanio Agripa en los años 15 a 16 a.C. estando ubicado actualmente en el llamado Conjunto Arqueológico de Mérida El teatro se localiza dentro de la ciudad romana en una situación periférica de la misma, junto a la muralla; apoyándose parte del graderío en el Cerro de San Albín, siendo el monumento más visitado de la ciudad La 55º Edición del Festival de Teatro Clásico de Mérida tendrá lugar del 27 de junio al 30 de Agosto. Las obras representadas serán: Fedra: Del 1 al 5 de julio. Eurípides. Dirigido por Miguel Narros. El Evangelio de San Juan: Del 15 al 19 de julio. Interpretación, versión y dirección, Rafael Álvarez ‘El Brujo’. Tito Andrónico: Del 08 al 12 de julio. Dirigida por Andrés Lima y con Salvador Oliva versionando esta obra de Shakespeare. Diana y Acteón: Del 23 al 25 de julio. Corella Ballet de Castilla y León Los gemelos: Del 29 al 2 de agosto y del 5 al 9 de agosto. Comedia de Plauto Edipo: Del 12 al 16 de agosto Medea: Del 20 al 23 y del 25 al 30 de agosto. 5 Servicio de Información y Referencia. BIBLIOTECA PÚBLICA DE CUENCA
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FESTIVAL JUVENIL EUROPEO DE TEATRO GRECO-LATINO Durante 25 años se han realizado representaciones de Teatro Clásico en Segóbriga (1984-2008), dirigido a grupos de teatro juveniles de toda Europa En 2009 ha pasado a la Fundación Creta y el Instituto de Teatro Grecolatino de Segóbriga. Este festival tiene lugar de febrero a junio en distintas comunidades autónomas. Al ser una programación muy extensa nos referiremos exclusivamente a las representaciones hechas en Castilla-La Mancha. Escenarios: En nuestra comunidad dichas representaciones se celebran en el teatro romano del Parque Arqueológico de Segóbriga (Fig. 2), en el término municipal de Saelices (Cuenca) y en el
Centro
escénico San Isidro de Tarancón (Cuenca). El teatro romano es uno de los
Fig. 2. Escena del teatro romano de Segóbriga.
más
pequeños
de
Hispania.
Su
construcción debió iniciarse poco después del cambio de Era, en época julio-claudia y se inauguró en tiempos de Tito y Vespasiano, hacia el 78 d. C., conforme indicaba una gran inscripción monumental cuyos restos han aparecido entre las ruinas. Algunas de las obras representadas este año son las siguientes: Prometeo
encadenado, de Esquilo. Mercator, de Plauto. Hipólito, de Eurípides. Pséudolo, de Plauto. Alcestis, de Eurípides. Lisístrata, de Aristófanes. Agamenón, de Esquilo. Edipo
Rey, de Sófocles. Electra, de Sófocles Las Bacantes, de Eurípides.
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FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALMAGRO
En Almagro nació, hace ya más de 30 años (concretamente en 1978 a instancias del Ministerio de Cultura), un increíble acontecimiento que reúne cada verano más de cien mil personas de todo el mundo para ver más de 100 espectáculos de teatro clásico, en 19 antiguos espacios, representados por actores y actrices, venidos de todo el mundo. El origen fue el atractivo que suponía para la representación teatral la gran Plaza Mayor de Almagro donde se conserva un impresionante teatro abierto de madera del siglo XVII: El Corral de Comedias Este año el Festival celebra su 32 º edición, consolidando
al pueblo de Almagro
como la capital del teatro clásico. En esta ocasión, el festival está dedicado al dramaturgo Lope de Vega al conmemorarse el 400 aniversario de su obra “El arte nuevo de hacer comedias” Escenarios (fig. 3): Este año las actuaciones se llevan a cabo en 18 espacios escénicos: El más importante espacio escénico es sin duda El corral de comedias, declarado Monumento Histórico Artístico en 1955 siendo el único teatro existente del siglo XVII.
Fig. 3. Escenarios (de izquierda a derecha): 1.Corral de Comedias 2.Antigua universidad renacentista 3.Teatro municipal 4.Patio de Fúcares 5.Hospital de San Juan 6. Iglesia de las Bernardas 7.Claustro del museo del teatro 8.Patio de los Wessel 9.Plaza Mayor 10.Patio Mayor 11.Casa de los Miradores 12.Iglesia de San Blas 13.Iglesia de San Agustín 14.Palacio de Valdeparaíso 15.Ermita de San Juan 16.Ermita de la Magdalena 17.Ermita de San Ildefonso-La Paz 18.Plaza de Santo Domingo
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El corral de comedias (fig.4) es un claro ejemplo del cambio de mentalidad que se produjo con la Edad Moderna. Las representaciones que hasta ahora habían tenido un carácter religioso, dejan de representarse en los pórticos de las iglesias e incluso en las plazas mayores para pasar a necesitar un espacio cerrado y adecuado a la nueva literatura, de esta manera a finales del siglo XVI, nacieron los corrales de comedias. Se
pueden
definir como un teatro permanente instalado en el patio interior de una manzana de casas. Un
escenario
improvisado
esta
dispuesto en el fondo del patio. Los tres lados restantes servían de galerías para el público más pudiente.. El
Corral
Fig. 4. Corral de comedias de almagro. S. XVII
de
Comedias de Almagro fue construido en 1628 por Leonardo de Oviedo. La última reforma que se lleva a cabo en este espacio, entre los años 2003 y 2004 consistió en la construcción de un tablado que haría la función de escenario, mientras que el resto del edificio, con una clara influencia de la arquitectura vernácula de Almagro, imitaría la Plaza Mayor.
Programación y horario: El Festival se lleva a cabo este año entre el 2 y el 26 de julio, habiéndose programado un total de 132 espectáculos de 57 compañías, de los que 17 son de Lope de Vega y 6 son estrenos absolutos. La
lista
de
los
espectáculos
puede
consultarse
en
la
siguiente
dirección:
http://www.festivaldealmagro.com/
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”Sueño de una noche de verano…”
Algunas de las
obras de teatro desarrolladas en el escenario más famoso e
importante de Almagro, El Corral de las Comedias, son las siguientes: -Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo. Lope de Vega. 3 al 7 de julio -El perro del Hortelano. Lope de Vega. 10, 11 y 22 julio - Sin honra no hay amistad. Rojas Zorrilla. 15 al 20 julio - La celosa en sí misma. Tirso de Molina. 24 al 26 de julio
FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE OLITE Desde sus comienzos, el Festival de Teatro Clásico de Olite se ha decantado por una programación de carácter generalista, abierta a un público amplio que busca la calidad de la representación y del texto pero que disfruta asimismo de la peculiaridad que aporta el entorno del castillo de Olite. Este año, cumple su décimo aniversario. Escenarios: Las obras se celebran en 3 escenarios, de los cuales 2 son escenarios al aire libre. El situado en La Cava, espacio anexo al Palacio y
destinado a las producciones de mayor
formato, con capacidad para unos 700 espectadores y el Claustro de San Pedro, destinado a obras de pequeño formato o que por sus características requieran la presencia Fig. 5. Cartel anunciador del Festival de Teatro clásico de Olite para la edición de cercana del espectador. 2009.
El tercer escenario es el Palacio de los Reyes de Navarra, una de las joyas arquitectónicas de la ciudad de Estella y único ejemplo del románico civil en Navarra, desarrollándose en la Sala de los Arcos.
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El festival se va a desarrollar del 17 de julio al 1 de agosto con una programación que incluye ocho representaciones de autores como Lope de Vega y Shakespeare, además de numerosas actividades en la calle, en el Palacio Real (fig. 6), las Galerías medievales, el Museo del Vino y las bodegas Pagos de Alaiz.
Fig. X. El Castillo-Palacio Real de Olite, construido entre los años 1402 y 1424 es uno de los conjuntos histórico artísticos más importantes de Navarra.
El festival se distribuye en cinco bloques: 1-dedicado a montajes teatrales que hace 10 años fueron un éxito como “El sueño de una noche de verano” “Las gracias mohosas” o “El idiota de Versalles” 2- dedicado a la figura de Lope de Vega con “¿De cuando acá nos vino?” “El caballero de Olmedo” “La hermosa fea” o “La gatomaquia” 3- denominado la palabra mágica, centrado en la palabra y el actor y con la obra “El príncipe despeñado” 4- dedicado a la evolución del teatro antes del barroco con “El auto de los Reyes Magos” “Las gracias mohosas” “Historias de Martín de Villalba” o “Lorenza Malandanza”
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5- dedicado a los espectáculos de calle, con obras como “Barroco-roll”, “Salvador, la marioneta gigante” “Nómadas”, “Lorenza Malandanza” “La hermosa fea” o “La Gatomaquia”
FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE CACERES El Festival de Teatro Clásico de Cáceres es uno de los festivales de Teatro más importantes
de
cuantos
se
celebran
en
Extremadura teniendo como ejes fundamentales las representaciones de obras de Teatro Medieval y del Siglo de Oro. Escenarios: Las obras de teatro se desarrollan a lo largo de diversos
escenarios,
tanto
interiores
como
exteriores, lo que hace que podamos disfrutar de la belleza de esta ciudad que fue declarada en 1986 Patrimonio de la Humanidad por la Unesco ya que posee uno de los conjuntos urbanos de la Fig. 7. Cartel anunciador del Festival de Teatro Clásico de Cáceres. 2009.
Edad Media y del Renacimiento más completos
del mundo
El XX Festival de Teatro Clásico de Cáceres, que se celebra del 10 al 27 de junio, presenta este año un total de 17 obras de otras tantas compañías, de las cuales 3 son estrenos absolutos Fig. 8. Casco antiguo de Cáceres.
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El teatro de Francia con la obra Don Juan; el de Italia con Ex Voto y el de Portugal, con La Tempestad, además del español y extremeño podrá verse en esta edición que arranca con una clara vocación europeísta y en la que se podrán escuchar textos narrados en francés e italiano. Obras representadas: Don Juan, de Moliere., La dama boba, de Lope de Vega. La vida es Sueño, de Calderón de la Barca Don Juan, El burlador de Sevilla, de Tirso de Molina. Sueno de una noche de verano, de W. Shakespeare. La fierecilla domada, de W. Shakespeare, etc.
FESTIVAL DE ARTES ESCÉNICAS DE ALCALÁ Este
año
el
festival cumple su IX aniversario acercando al público en general los grandes textos de la literatura.
Entre
los
montajes programados, tres de ellos serán de estreno absoluto, sobre obras
de
William
Shakespeare, Miguel de Cervantes y Lope de Vega.
Fig. 9. Patio de butacas y escenario del teatro Cervantes. Alcalá de Henares.
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Escenarios: El festival se desarrollará en siete espacios de la ciudad complutense: Teatro Salón Cervantes (fig. 9), Corral de Comedias, Patio de Santo Tomás, Patio del Colegio del Rey, Casa de la Entrevista, Teatro de la Galera y Antiguo Hospital de Santa María la Rica, así como en distintas calles y plazas del casco histórico de la ciudad Programación y horarios: Este año la programación de teatro se centra en 2 autores fundamentales : Lope de Vega y William Shakespeare, ofreciendo también obras de Calderón de la Barca, JeanClaude Brisville, Feliciana Enríquez de Guzmán, Fernando de Rojas, Tirso de Molina, José Zorrilla o Molière Entre las obras a representar destacan: “Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo” “La estrella de Sevilla” “La viuda valenciana” “La gatomaquia “ Fuenteovejuna” todas de Lope de Vega “Sueño de una noche de verano”, “Shakespeare in fight” “Burgher King Lear” de W. Shakespeare” Otras obras interesantes son:” Las Gracias mohosas “de Feliciana E. de Guzmán “El licenciado vidriera y Rinconete y Cortadillo” de Cervantes o la “La Celestina” de Fernando de Rojas
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TEATRO GRIEGO Las raíces del teatro en occidente suelen ubicarse en los ritos órficos y en los festivales celebrados para Dioniso, donde se llevaban a cabo las escenificaciones de la vida de los dioses acompañadas de danzas y cantos (Ditirambos). Más tarde comenzaron las primeras representaciones ya propiamente dramáticas, ejecutadas en las plazas de los pueblos por compañías que incluían solo un actor y un coro. A fines del Siglo VI a.C. alcanzó extraordinaria celebridad el legendario poeta e intérprete Tespis, en cuyo honor la frase “el carro de Tespis” alude, aún hoy, al conjunto del mundo del teatro. El teatro griego surge tras la evolución de las artes y ceremonias griegas como la fiesta de la vendimia (ofrecida a Dionisios) donde los jóvenes iban danzando y cantando hacia el templo del dios, a ofrecerle las mejores vides. En el curso del siglo V a. C., durante la edad clásica de Grecia, se establecieron los modelos tradicionales de la tragedia y
la
comedia,
y
los
dramaturgos
Esquilo
y
Sófocles
añadieron
respectivamente
un
segundo y tercer actor a la Fig. 10. Teatro de Epidauro (Grecia)
acción, lo que dio a ésta
una complejidad que hacía necesaria la creación de mayores escenarios. Para ello se erigieron grandes teatros de piedra, entre los que cabe citar el aún conservado de Epidauro (fig. 10) en el siglo V a. C., capaz de albergar unas 12.000 personas, y el de Dioniso, en Atenas, en el siglo IV a.C. Su construcción se realizaba mediante el aprovechamiento de las faldas de una colina, donde se disponían en forma semicircular las gradas que rodeaban la orquestra, espacio circular en el que se efectuaba la mayor parte de de la representación. Tras la orquestra se levantaba una edificación llamada “skené”, escena, destinada a que los actores cambiaran su vestimenta. Delante de ella se levantaba una pared “columnaza”, “el proscenio”, que podía
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sostener superficies pintadas que evocaban el lugar de la acción. Estos decorados, junto con las túnicas y máscaras empleadas por los actores y algunas máquinas rudimentarias, constituían todo el aparato escénico. Las representaciones del teatro griego se hacían al aire libre, contaba con coro (dirigido por el Corifeo o maestro del coro) que cantaba y danzaba en torno a un altar. En el teatro griego se representaban dos tipos de obras: la tragedia, obra dramática de final desgraciado que trataba de temas de leyendas
heroicas
y
utilizaba,
oportunamente, a los dioses para su final, y la comedia satírica, que criticaba humorísticamente a políticos y a las obras e incurrían en una mímica iniciada por un coro de sátiros, y comedias que tenían por tema asuntos de la vida cotidiana; todas estaban Fig. 11. Estructura de los teatros griegos.
escritas en verso.
Personajes. El actor griego solía llevar como vestimenta: una peluca, una máscara, túnica negra para personajes tristes; colores vivos para personajes importantes, y colores corrientes para personajes del pueblo y solo en la tragedia los actores calzaban unos zuecos altos que simbolizaban la superioridad de los personajes (héroes y dioses) que aparecían en el escenario. Los actores eran siempre varones, hombres o niños; las mujeres solo podían asistir como espectadores Las Máscaras (fig. 12). Se valían de recursos escénicos de los cuales destacaban las mascaras con que los actores cubrían sus rostros, que además servían para dar mayor volumen a sus voces. Las máscaras eran distintas en cada una de las manifestaciones dramáticas. En la comedia, a veces, un mismo actor disponía de dos máscaras distintas con las que exteriorizaba sus cambiantes estados de ánimo.
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El Coro. La raíz del teatro griego es un coro, y por ello aparece siempre en la tragedia. Pero con el tiempo el Coro pierde importancia, se limita a comentar lo que ocurre en la escena, y a marcar, por
medio
de
cantos
corales
la
separación entre dos episodios de la obra; este canto del Coro se llama estásimo.
Fig. 12. Máscaras del teatro griego
POETAS TRÁGICOS GRIEGOS
ESQUILO (Eleusis 525 a.C.-Gela, Sicilia, 456 a.C.) Predecesor de Sófocles y Eurípides, es considerado como el creador de la tragedia griega. Esquilo vivió en un período de grandeza para Atenas tras las victorias contra los persas en las batallas de Maratón y Salamina, en las que participó directamente y que le sirvieron de inspiración para sus obras Los persas y los Siete contra Tebas De las noventa obras que escribió Esquilo, sólo se han conservado completas siete, entre ellas una trilogía, la Orestíada (Agamenón, Las coéforas y Las Euménides, 478 a.C.). Se considera a Esquilo el fundador del género de la tragedia griega, a partir de la lírica coral, al introducir un segundo actor en escena, lo cual permitió independizar el diálogo del coro, aparte de otras innovaciones en la escenografía y la técnica teatral. Esquilo llevó a escena los grandes ciclos mitológicos de la historia de Grecia, a través de los cuales reflejó la sumisión del hombre a un destino superior incluso a la voluntad divina, una fatalidad eterna (moira) que rige la naturaleza y contra la cual los actos individuales son estériles, puro orgullo abocado al necesario castigo.
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Poco antes de su muerte, el oráculo le vaticinó que moriría aplastado por una casa, por lo que decidió residir fuera de la ciudad. Curiosa, y trágicamente, falleció al ser golpeado por el caparazón de una tortuga, que fue soltado por un quebrantahuesos desde el aire
SÓFOCLES (fig. 13) (Colona495 a.C.-Atenas, 406 a.C.) Hijo de un rico armero, Sofocles, a los dieciséis años fue elegido director del coro de muchachos para celebrar la victoria de Salamina. En el 468 a.C. se dio a conocer como autor trágico al vencer a Esquilo en el concurso teatral que se celebraba anualmente en Atenas durante las fiestas dionisíacas. Comenzó así una carrera literaria sin parangón: Sófocles llegó a escribir hasta 123 tragedias para los festivales, en los que se adjudicó, 24 victorias, frente a las 13 que había logrado Esquilo. Se convirtió en una figura importante en Atenas, y su larga vida coincidió con el momento de máximo esplendor de la ciudad. Amigo de Herodoto y Pericles, no mostró demasiado interés por la política, pese a lo cual fue elegido dos veces estratego y participó en la expedición (440),
ateniense
contra
Samos
acontecimiento
que
recoge
Plutarco en sus “Vidas paralelas”. Su Fig. 13. Busto de Sófocles (495-406 a. C.)
muerte coincidió con la guerra con Esparta que habría de significar el
principio del fin del dominio ateniense, y se dice que el ejército atacante concertó una tregua para que se pudieran celebrar debidamente sus funerales. De su enorme producción, sin embargo, se conservan en la actualidad, aparte de algunos fragmentos, tan sólo siete tragedias completas: Antígona, Edipo Rey, Áyax, Las Traquinias, Filoctetes, Edipo en Colona y Electra. A Sófocles se deben la introducción de un
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tercer personaje en la escena, lo que daba mayor juego al diálogo, y el hecho de dotar de complejidad psicológica al héroe de la obra. EURIPIDES (Salamina, 480 a. C. - Pella, 406 a. C.), Durante su infancia tuvo lugar la Segunda Guerra Médica, decisiva para los griegos y el mundo occidental. Parece ser que, de muchacho fue copero de un grupo de danzantes, con clara significación religiosa, por lo que se supone que su educación fue la convencional de su época. Odiaba la política y era amante del estudio, para lo que poseía su propia biblioteca privada, una de las más completas de toda Grecia. Durante un tiempo
estuvo
interesado
por
la
pintura,
coincidiendo con el apogeo del pintor Polignoto en Atenas. Tuvo dos esposas, llamadas Melito y Quérile o Quérine. Fue amigo de Sócrates, el cual, según la tradición, sólo asistía al teatro cuando se
Fig. 14. Busto de Eurípides. Museos Vaticanos.
representaban obras de Eurípides. En 408 a. C., decepcionado por los acontecimientos de su patria, implicada en la interminable Guerra del Peloponeso, se retiró a la corte de Arquelao I de Macedonia, muriendo dos años después en Pella. Se cree que escribió 92 tragedias, conocidas por los títulos o por fragmentos, pero se conservan sólo 19 de ellas. Las obras de Eurípides representan un cambio de concepción del género trágico, de acuerdo con las nuevas ideas que había aprendido de los sofistas; así, su escepticismo frente a las creencias míticas y religiosas es manifiesto en sus obras, que rebajan el tono heroico y espiritual que habían cultivado Esquilo y Sófocles a un tratamiento más cercano al hombre y la realidad corrientes. Entre sus obras se pueden destacar: Medea , Las Bacantes, Orestes, etc.
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TRAGEDIAS GRIEGAS Medea (Μήδεια) Eurípides Eurípides (fig. 15), nos presenta como Jasón, esposo de Medea y padre de sus hijos, va a repudiarla y a casarse con la hija de Creonte, rey de Corinto. Medea, enfurecida, colérica y clama venganza, ruegos y amenazas al insensible Jasón. Medea
planea y ejecuta su
venganza a pesar de que Jasón ha tratado de convencerla diciéndole que lo hace por su propio bien, ya que se encuentran en tierra extraña y casarse con la hija del rey es la mejor solución pues aportará grandeza a los hijos que tienen ambos: Medea y Jasón. Pero Medea se venga, simula haber sido convencida por Jasón y envía a sus hijos con ricos regalos para la novia al palacio de Creonte. Pero esos regalos, un velo y una diadema tienen un conjuro: quien los vea o toque morirá, y así sucede: mueren Creonte y su hija. Pero Medea va más allá y para aumentar la desgracia de Jasón, mata a los hijos de éste, que son los suyos propios. Es la obra maestra de Eurípides. Fig. 15. Medea, Eugene Delacroix 1838. Museo del Louvre. París.
Fedra (Φαίδρα ) Eurípides
Fedra era una princesa cretense, hija de Minos y de Pasífae, y hermana de Ariadna. Fue raptada por Teseo, tras abandonar éste a su hermana Ariadna, para casarse con ella y en esta unión tuvieron dos hijos: Acamante y Demofonte. Pero se enamoró del que era su hijastro, Hipólito, el hijo de Teseo e Hipólita, reina de las Amazonas; pero este rechazó las insinuaciones, por lo cual Fedra, despechada, lo acusó ante su padre de haber intentado violarla. Irritado Teseo, entregó a su hijo a la furia de Poseidón, quien envió un monstruo
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marino que espantó a los caballos de Hipólito, que fue arrastrado y resultó muerto. Llena de remordimientos, Fedra se suicidó, ahorcándose, al saberlo. Edipo rey (Οιδί̟ους τιράννος) Sófocles La peste asola la ciudad de Tebas en la que reina el rey Edipo. Un oráculo advierte que sólo castigando al asesino del antiguo rey, Layo, la peste cesará en su azote de la ciudad. El buen rey Edipo se dispone a investigar quién fue el asesino de Layo. Las pesquisas llegan a una trágica conclusión: ¡El asesino de Layo fue el mismo Edipo! Y aunque Edipo no sabía a quién mataba, el caso es que lo hizo. Pero las indagaciones dan más de sí, Edipo, además, también era hijo de Layo, aunque no lo sabía, y al acceder al trono se había casado con la viuda de éste, Yocasta, y había tenido hijos con ella. Edipo se había casado con su madre, tenido hijos con ella y asesinado a su padre. Tras saberse parricida e incestuoso, Edipo se arranca los ojos y Yocasta se suicida. Tras despedirse de sus hijos parte al destierro de la ciudad de Tebas. Aunque el conflicto trágico de Edipo nace de desobediencias del pasado, es él quien las sufre. Pero Sófocles acierta en una cosa, en mostrarnos a un Edipo bueno, un hombre justo y amante de su familia y de su reino. Edipo era feliz en su ignorancia, hasta que la circunstancia de la peste sobre Tebas y la advertencia del oráculo, llevarán al conocimiento de la verdad.
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TEATRO ESPAÑOL SIGLO XVI-XVII Durante el siglo XVI, dos emperadores van a gobernar Carlos I y Felipe II que con un gran poder militar conseguirían que las posesiones españolas llegaran hasta los más alejados rincones. Esto supuso la necesidad de establecer una política exterior, que resultó en muchos casos muy equivocada y que hizo que la
nobleza
y
el
clero
ganaran
poder
beneficiados por dicha política. Durante el siglo XVII gobiernan en España, los llamados Austrias menores, Felipe III, Felipe IV (fig. 16) y Carlos II, comienza la decadencia española, pero se simula un concepto
de
Estado
más
moderno
y
organizado que el de sus predecesores. De esta contradicción van a hablar muchas de las obras de esta época. El campesino que ocupa el mayor
Fig. 16. Felipe IV con armadura. Velázquez. Museo del Prado. Madrid.
porcentaje de lo que se conocía por pueblo, había establecido un pacto más con la monarquía que con la nobleza, en el reconocimiento de las tierras. De ahí, que la sumisión a los reyes sea muy característica. La iglesia sigue, además, manteniendo y acrecentado su estatus. El desarrollo del teatro español parte de esquemas medievales hasta la consecución de la comedia modernista, desarrollándose de una manera más lenta que en el teatro inglés o francés. En la dramaturgia aparecerán reyes justicieros, nobles malditos, campesinos humildes pero orgullosos, santos, y sobre todo hidalgos con problemas amorosos que era justamente lo que deseaba ver el público. Hasta finales del siglo XV no irrumpen los cánones clásicos en el arte, aportando una visión humanística de la vida. En el teatro, sin embargo, las ideas renacentistas tardan más
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tiempo en darse porque apenas se conocían las obras clásicas. En 1508 aparece la imprenta y la difusión de los libros comienza a ser mayor. Lo primero fue imprimir los géneros clásicos, entre otros las obras del teatro griego. Los géneros que durante la Edad Media se habían quedado sin representación vuelven ahora con más fuerza; son la comedia, la tragedia y el drama. Y comienzan los llamados teatros clásicos nacionales: español, inglés, francés, italiano...que reivindican las formas de vida del país. En 1568 el concilio de Trento, intenta frenar la libertad de creación y de expresión del renacimiento: Se prohíbe escribir historias obscenas o ridículas contra la Iglesia Se crea el índice, documento donde figuraban los libros que no se podían leer La imaginación tiene un límite que es la realidad La verdad poética tiene que estar equilibrada con la verdad natural, todas las obras debían tener un punto de verosimilitud.
Cronología Española (s. XVI y XVII) 1517 Carlos V sube al trono 1545 Concilio de Trento 1556 Felipe II sube al trono 1605 Cervantes escribe El Quijote 1609 Lope de Vega escribe El arte nuevo de hacer comedias 1616 Muere Cervantes 1621 Felipe IV rey de España 1630 El Burlador de Sevilla de Tirso de Molina 1645 Calderón: El gran teatro del mundo 1665 Carlos II sube al trono
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Comedia nacional Desde 1580 la escena española estaba en un punto en el que la comedia se había desarrollado como género total y emblemático de un estilo de vida, sobre ella habían influido las tendencias italianizantes y las religiosas. A partir de ahora se une el toque nacional para configurarla como propio del teatro español. Juan de la Encina es el que inaugura de esta tendencia, en la que la historia de España va a ser uno de los ejes de la dramaturgia. Entre sus obras están; Los siete infantes de Lara, La muerte del rey Don Sancho y El saco de Roma.
El desarrollo continuó con Cervantes, aunque no gozó nunca de una fama como autor teatral. Siendo especialmente importantes sus entremeses que resumen todo lo que va a ser la comedia española en todo su esplendor. Algunos de sus entremeses son: El rufián viuda, La elección de los alcaldes de Daganzo, La guarda cuidadosa, El juez de los divorcios, El vizcaíno fingido, El retablo de las maravillas, El viejo celoso... Como obra completa destacar: El cerco Fig. 17. Portada del Retablo de las Maravillas de Cervantes.
de Numancia A lo largo del siglo XVI coexisten en el
teatro español distintas corrientes dramáticas: 1- La renacentista: Se desarrolla en la primera mitad de esta centuria. Tiene como modelos la comedia latina de Plauto y Terencio, el teatro italiano de la época, el de Juan del Encina y el de Lucas Fernández. 2- La religiosa, que tenía un fin didáctico y lúdico a la vez y guardan cierta relación con los misterios y moralidades del teatro medieval francés.
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“Sueño de una noche de verano…”
4 - La popular, que se desarrolla sobre todo en la segunda mitad del siglo XVI de la mano de Lope de Rueda y sus pasos (conjunto de pequeñas piezas en prosa, de carácter cómico y realista, que se representaban de manera aislada o en los entreactos de las comedias). Alguno de esos pasos son: Las aceitunas, Pagar o no pagar, Cornudo y contento, La carátula y La generosa paliza. Las características generales más importantes del teatro del siglo XVI son: 1. La acción tiene más importancia que la caracterización. 2. El tema prima sobre la acción. Siendo este tema el ensalzamiento de la monarquía, olvidando muchas veces la verosimilitud. 3. La regla de las tres unidades de tiempo, acción y lugar, no se cumple, cuando mínimo la de acción no se respeta ya que existe una acción principal y una secundaria que suele estar realizada por los criados. 4. El tema subordinado a un propósito moral y se desarrolla mediante la justicia poética. Hay un fondo moral donde el malo es castigado y los buenos ganan. 5. El propósito dramático se explica mediante la causalidad dramática. Los autores intentan mantener el suspense hasta el final. Siendo el desenlace muy breve. 6. A parte del tema central del amor ente los protagonistas de fondo subyacen otros temas como el de la honra. A finales del siglo XVI se forma en torno a Lope de Vega, la comedia nueva. Es un teatro nacional y conservador, que impone sus valores a toda la sociedad. El cambio en el teatro español del Siglo XVII se caracteriza por la combinación de lo trágico y lo cómico en una misma obra e incluso en una misma escena. El medio de expresión dramática es el verso con un predominio claro del verso octosílabo. Fueron Lope de Vega y los dramaturgos del siglo XVII, quienes convirtieron en norma la división del drama en tres actos. Así la intriga dramática se desarrolla amoldándose a la evolución de: planteamiento, nudo y desenlace. El paso de un acto a otro sirve también para señalar el paso del tiempo.
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”Sueño de una noche de verano…”
Los personajes característicos del teatro del siglo XVII son: -El rey. Representa el poder y la defensa de la justicia y el orden. Premia o castiga y sus decisiones son acatadas por la comunidad. - El noble. Subordinado al Rey y en intima relación con él, suele actuar, en la pieza dramática
como
fuerza
destructora, pese a que se le encomienda el orden y es causa y origen de la injusticia para con sus vasallos. Su actuación injusta y soberbia, le hacen acreedor del castigo real o popular, que el Rey refrenda. -
El
personaje
caballero.
Este
suele
estar
representado en el drama por un
padre,
casi
siempre
Fig. 18. Personajes caracterizados con trajes propios del siglo de oro.
anciano, un esposo o un hermano, que debe defender el honor familiar. - El galán y la dama. Representan los dos epicentros de la intriga amorosa. La conducta de ambos responde a un triple impulso: celos-amor-honor. Su misión dramática es mantener el suspense de la intriga hasta el final. -El gracioso o donaire. Contrafigura del galán e inseparable de él, se caracteriza por su fidelidad, buen humor, amor al dinero, y a la buena vida. Se enamora y desenamora a la vez que su señor. Su función dramática es la de servir de contrapunto a la figura del galán. Espacio escénico Con la llegada de los Austrias menores, el teatro cortesano se desarrolla profusamente. Se comienzan a efectuar las mutaciones donde el espacio escénico puede ser cambiado a la vista del espectador. Estos teatros además se caracterizan por su gran profundidad.
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Las obras más importantes del siglo de XVI-XVII se representan en los llamados corrales de comedia. Estos eran unos espacios abiertos, cuyos orígenes están en los patios abiertos e interiores de muchas de las casas de la época. Estos espacios son ya estables destinados al teatro como uso exclusivo. Por ello las representaciones cambian de hora, en función de la luz, así eran diferentes los de invierno que los de verano.
Los corrales de comedia
estaban
construidos en un patio, cerrado por casas en tres de sus lados Constaban
(fig.
de
19).
un
escenario cubierto con tejadillo, ambientado con telas pintadas y, patio, a cielo raso con gradas, Fig. 19. Primitivo Corral de Comedias de Alcalá de Henares. Ilustración de Ramón Rodríguez (http://parnaseo.uv.es)
destinado a los hombres, también
llamados
mosqueteros, de cuya aceptación dependía el éxito de la función. Las ventanas y balcones de se alquilaban a modo de palcos, para el público más selecto. También los desvanes, situados encima de los balcones, se acondicionaban para el público. Las mujeres de clase baja debían sentarse en la cazuela, un palco
frente
al
escenario.
El
escenario y las gradas laterales estaban protegidas por un tejadillo voladizo. Un toldo de tela permitía techar el corral para resguardar del Fig. 20. Distribución de un corral de comedias. sol al público del patio.
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”Sueño de una noche de verano…”
Las representaciones teatrales La temporada comenzaba el domingo de resurrección y terminaba el miércoles de ceniza. La función solía durar entre tres y cuatro horas. Empezaban por la tarde y terminaban antes de ponerse el sol. El espectáculo comenzaba, tras una señal de tres golpes a cargo del representante del gobierno con una pieza llamada baile. En ella, intervenía un gaitero o tamborilero. A continuación, se recitaba o cantaba la loa, una especie de introducción a la comedia, que constaba de tres actos. Durante el descanso entre el primer y segundo acto
se solía
representar una pieza breve generalmente un paso o entremés. Durante el segundo y tercer acto, se cantaba una jácara que también podía se sustituida por un entremés o mojiganga. Al final de la comedia, se ofrecía el baile o pieza musical, que terminó por convertirse en una auténtica algarada por lo que terminó prohibiéndose. Escenografía Mediante un cortinaje se separaba el espacio en dos; en un delante y un detrás. Echada la cortina los espacios eran los exteriores de la ciudad. Otras veces las salidas y entradas del actor marcaban los cambios del espacio, así si en un mismo momento el actor salía por la derecha y entrada a continuación por la izquierda eso suponía que el espacio había cambiado. Este juego de cortinas pronto será sustituido por los nichos, huecos en la parte del fondo del corral donde se daban los sitios escenarios, así cada hueco era una fuente o una montaña... Los bosques se obtienen mezclando forraje natural con otros hechos pintados. Las trampillas y la aplicación de maquinaria para el uso del espacio aéreo son otra de las características de estas obras, en herencia del teatro medieval. Actores y compañías de teatro El mecanismo que hacia posible que los corrales de comedia se abrieran continuamente se iniciaba con la compra del texto por parte del autor de la compañía, este pagaba por el libreto y adquiría ya pleno derecho sobre él.
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“Sueño de una noche de verano…”
Lo primero en esta nueva cadena del teatro empresarial es el poeta que cobra por sus obras, más cuanto más famoso sea. Más aun se pagaban por los encargos oficiales de, por ejemplo, los autos sacramentales. El segundo eslabón lo integra el autor, que solía ser el primer actor y organizador de la compañía, los autores eran cargos públicos nombrados cada dos años por el consejo de su Majestad. El autor era quien verdaderamente se arriesgaba, no solo por que pagaba sus obras por adelantado, sino por que el periodo de vida de una obra en cartel no era muy grande y necesitaba ser renovado. Dirige así mismo los ensayos. Las compañías teatrales solían formarse para trabajar durante todo un año. En la Cuaresma (período de obligado descanso, pues las representaciones estaban prohibidas) los actores se reunían en los mentideros, lugares donde se apalabraban contratos y se negociaban las Fig. 21. Caricatura del actor Cosme Pérez condiciones laborales y económicas. La compañía empezaba su trabajo durante la Pascua de Resurrección y permanecía unida hasta la siguiente Cuaresma. Las compañías de título tenían, durante toda la época, una magnitud más o menos igual de una veintena de personas, incluyendo los puestos auxiliares de apuntador, guardarropa y cobrador. Existía una estricta división jerárquica en las compañías que se reflejaba también en la retribución. El miembro que más cobraba y correspondientemente, más alto nivel ocupaba es la primera dama que percibía unos 11 reales. El segundo importe más alto, 10 reales, lo recibía el autor, que a veces se ocupaba también el papel de primer galán y el actor de papeles cómicos. Uno de los cómicos más celebres fue Cosme Pérez (fig. 21).
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”Sueño de una noche de verano…”
Los nombres de mujeres aparecen con toda normalidad en los contratos de formación de compañías teatrales, aunque se les exigía
estar casadas. Una de las
actrices más famosas de la época fue María Inés Calderón, conocida como la Calderona (fig. 22),madre del bastardo Juan José de Austria. Felipe IV, muy asiduo a los corrales y las representaciones teatrales no pudo resistirse a sus encantos. La consideración social de los actores y actrices nunca fue muy buena:, los matrimonios y emparejamientos se Fig. 22. Retrato de María Inés Calderón y Velasco (1611-1646)
hacían generalmente entre hombres y mujeres de la farándula, por lo que formaban un grupo un tanto al margen de la
sociedad de su tiempo. De hecho, la Iglesia no permitía que fuesen enterrados en sagrado.
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AUTORES DEL SIGLO DE ORO TIRSO DE MOLINA (fig. 23) (seudónimo de fray Gabriel Téllez) Madrid1579-Almazán (Soria) 1648. Dramaturgo, poeta y narrador español del Barroco. Destaca principalmente como autor teatral. Su dramaturgia abarca principalmente la comedia de enredo, como Don Gil de las calzas verdes y obras hagiográficas como la trilogía de La Santa Juana o La dama del olivar. Se le ha atribuido tradicionalmente la creación del mito de don Juan en El burlador de Sevilla. Fue discípulo de Lope de Vega, a quien conoció como estudiante en Alcalá de Henares. El 4 de noviembre de 1600 ingresa en la Orden de la Merced, tomando los hábitos el 21 de enero de 1601 en el monasterio de San Antolín de Guadalajara. Se ordenó sacerdote en 1606 en Toledo, allí estudió Artes y Teología y empezó a escribir; Fig. 23. Tirso de Molina (1729-1648)
ésta fue la ciudad donde vivió más tiempo, y
desde ella hizo viajes a Galicia, a Salamanca en 1619 o a Lisboa. En 1612 vendió un lote de tres comedias, y se cree que ya había escrito antes una primera versión de El vergonzoso en Palacio; de 1611 es La villana de La Sagra, de hacia 1613 El castigo del penseque y la trilogía de La santa Juana, y de 1615 Don Gil de las calzas verdes; todavía este año estrenó en el Corpus toledano el auto Los hermanos parecidos. Ya por entonces, si bien cultivó también temas religiosos, sus sátiras y comedias le habían granjeado problemas con las autoridades religiosas, lo que lo llevó a retirarse entre 1614 y 1615 al monasterio de Estercuel, en Aragón.
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”Sueño de una noche de verano…”
Entre 1616 y 1618 estuvo en Santo Domingo, donde fue profesor de teología durante tres años en su universidad e intervino en asuntos de su Orden. Esto le permitirá conocer numerosas historias de la Conquista que usará más tarde en sus obras. De vuelta ya en 1618, se instala en Madrid, donde entre 1624 y 1633 aparecen las cinco Partes de sus
comedias;
estas
"profanas
comedias" le costaron un gran escándalo y el destierro a Sevilla. En
1625
la
Junta
de
Reformación creada a instancias del Conde-Duque de Olivares le castiga con reclusión en el monasterio de Fig. 24. El Convento de las Esclavas de la Merced se levantó sobre el solar del Palacio gótico de los Hurtado de Mendoza, en el siglo XVI. Cuenca.
Cuenca (Convento de la Merced) (fig.
24)
por
escribir
comedias
profanas "y de malos incentivos y ejemplos", y pide su destierro y excomunión mayor si reincide. Pero Tirso de Molina siguió escribiendo y no se tomaron medidas mayores contra él al desinflarse las medidas moralizadoras del Conde-Duque; es más, en 1626 pasa a residir en Madrid y es nombrado comendador de Trujillo, por lo cual vive en la ciudad extremeña hasta 1629, en que vuelve a Toledo y posiblemente a Madrid. Entre 1632 y 1639 estuvo en Cataluña, donde fue nombrado definidor general y cronista de su Orden; En1639 el pontífice Urbano VIII le concedió el grado de maestro. Pero los enfrentamientos con miembros de su propia Orden le llevan al destierro en Cuenca en 1640. Sus últimos años los pasa en Soria en el Convento de Nuestra Señora de la Merced, en el que fue nombrado comendador en 1645. Murió en Almazán en 1648.
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La obra dramática de Tirso de Molina se caracteriza por la enorme complicación de sus argumentos, como en el caso de Don Gil de las calzas verdes pero posee el secreto de la intriga y sabe cómo interesar al espectador. Sus personajes poseen una profundidad psicológica mayor que en otros dramaturgos de la época Destacó sobre todo en la comedia: Marta la Piadosa, Por el sótano y el torno, Don Gil de las calzas verdes, La villana de Vallecas, y en la comedia palatina: El castigo del penseque, El amor médico y
El vergonzoso en Palacio. Cultivó también las obras religiosas, tanto autos
sacramentales (El colmenero divino, Los hermanos parecidos, No le arriendo la ganancia) .Escribió además dos misceláneas, Los cigarrales de Toledo (1621) y Deleitar aprovechando (1635), donde tienen cabida la novela cortesana, las piezas dramáticas y los poemas de distinta temática. Se han conservado unas sesenta piezas dramáticas de Tirso de Molina..
LOPE DE VEGA (fig. 25) (Madrid 1562-1635) Félix Lope de Vega Carpio nació en Madrid a finales de 1562. El que sería conocido como «Fénix de los ingenios españoles» comenzó estudiando en Madrid. Continuó su formación en el estudio de la Compañía de Jesús y posteriormente, parece que cursó cuatro años (1577-1581) en Alcalá de Henares, aunque sin alcanzar ningún título. En 1583
se alistó en la armada, al
mando del marqués de Santa Cruz, tenía como objetivo reducir la resistencia que en la isla Terceira (Azores) que se oponía a la autoridad de Felipe II. Al regreso, conoció a la primera de Fig. 25. Retrato de Félix Lope de Vega. Mueso las numerosas mujeres que amó: Elena Osorio, Lázaro Galdeano. Madrid. una mujer casada. En 1587, al saber que un importante personaje, Francisco Perrenot Granvela, lo desplazaba del amor de Elena, hizo circular contra ella y su familia unos poemas insultantes, por lo que fue condenado a cuatro años de destierro de Madrid y a dos del reino
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de Castilla. En 1588 contrae matrimonio por poderes con Isabel de Alderete (Belisa) o de Urbina, hija del famoso pintor. Por esas fechas aseguró Lope que se alistó en la Armada Invencible que se dirigía contra Inglaterra, luchando en el galeón San Juan. Con Isabel de Urbina vivió en Valencia, donde afianza su estética teatral junto a notables dramaturgos como Tárrega, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Carlos Boil y Ricardo del Turia. Tras cumplir el destierro, Lope se trasladó a Toledo y allí sirvió al marqués de Malpica, y más tarde entró al servicio del quinto duque de Alba, don Antonio de Toledo y Beamonte. Como gentilhombre de cámara se incorporó a la corte ducal de Alba de Tormes, donde vivió entre 1592 y 1595. Allí murieron Isabel de Urbina, al dar a luz a Teodora, y las hijas habidas en el matrimonio. En diciembre de 1595 le llega el anhelado perdón y regresa a Madrid, donde es acogido calurosamente. Una nueva pasión le aguarda: Micaela Luján, Celia o Camila Lucinda en sus versos, mujer bella e inculta, también casada, con la que mantiene relaciones hasta 1608, y de la que tendrá cinco hijos, entre ellos dos de sus predilectos: Marcela (1606) y Lope Félix (1607). En 1598 contrajo segundas nupcias, tal vez por dinero, con Juana de Guardo, hija de un rico abastecedor de carnes, vulgar y poco agraciada, y durante bastantes años Lope se dividió entre los dos hogares. A pesar de tan ajetreada existencia, esta época fue pródiga en su producción literaria. Para entender en su justa dimensión lo que significa esta avalancha de papel impreso, debemos tener presente que en el Siglo de Oro los poetas, por timidez o despreocupación, Fig. 26. Casa de Lope de Vega en Madrid.
se resistían a imprimir los frutos de su
ingenio. La obra de Lope se había difundido manuscrita y a través de ediciones que el autor no había promovido ni autorizado. Espera hasta los treinta y ocho años (era famoso desde los veintipocos) para resolverse a patrocinar con su nombre las ediciones.
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“Sueño de una noche de verano…”
Una vez se traslada definitivamente a Madrid, Doña Juana sufre frecuentes enfermedades y en 1612 Carlos Félix, al que había dedicado poco antes Los pastores de Belén, muere de unas calenturas. El poeta escribirá dedicada a su hijo una de las más bellas elegías de nuestra lengua («Éste de mis entrañas dulce fruto...»). En 1614 su segunda esposa muere al dar a luz, experiencia que le hace ordenarse de sacerdote. La huella literaria de esta crisis y sus arrepentimientos irá a parar a las Rimas sacras, publicadas en 1614, que contienen sin disputa los más bellos sonetos sacros del Barroco. La emoción poética, tan patente, procede de la angustia de sentirse preso en un pasado y vislumbrar al mismo tiempo otros gozos espirituales. Poco duró la castidad del nuevo sacerdote ya que Lope tiene el último gran amor de su vida en otra mujer casada, Marta de Nevares, a la que en los textos literarios llamará Amarilis y Marcia Leonarda. Cuando se conocieron, la muchacha tenía veintiséis años y el poeta rondaba los cincuenta y cuatro. Estos amores sacrílegos se divulgaron muy pronto por Madrid y no tardaron en aparecer críticas mordaces y sangrientas. En 1621 Marcela, la hija de Lucinda, ingresó en el cercano convento de las trinitarias. Por las mismas fechas, quizá algo antes, Marta de Nevares pierde la vista, lo que será el prólogo de otra serie de desgracias familiares que acometerán al viejo poeta. En 1628 fallece su esposa, y con esta muerte no terminaron las desdichas y las inquietudes de Lope, porque en 1634 moría también su hijo Lope Félix, y su hija Antonia Clara, la que tuvo con Marta de Nevares, se fugaba de casa con Cristóbal Tenorio, lo que lamentará bellísimamente Lope en la égloga «Filis». El 25 de agosto de 1635 sufrió un desmayo Fig. 27. Portada original de las Comedias de Lope de Vega. 1617. Biblioteca Virtual
que le obligó a guardar cama. Dos días después, el Miguel de Cervantes. lunes 27, moría en su casa cuando contaba setenta y tres años, e incluso su muerte fue polémica ya que el funeral acordado por el ayuntamiento de Madrid fue prohibido por el
Consejo de Castilla; la vida irregular que había llevado el poeta le persiguió aun después de muerto.
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”Sueño de una noche de verano…”
OBRA La fecundidad literaria de Lope de Vega es impresionante; cultivó todos los géneros vigentes en su tiempo, dando además forma a la comedia. Escribió unas 1.500 obras teatrales, muchas de ellas perdidas, entre las que se encuentran auténticas joyas de la literatura universal como El comendador de Ocaña, El caballero de Olmedo, El villano en su rincón, El castigo sin venganza, La dama boba o El perro del hortelano. Entre las piezas teatrales de asunto religioso destacan Lo fingido verdadero sobre la vida de San Ginés, El robo de Diana, Los trabajos de Jacob, El rústico del cielo, La hermosa Esther o El nacimiento de Cristo; de tema mitológico son Las mujeres sin hombres (sobre las amazonas), El marido más firme (Orfeo), El laberinto de Creta o El amor enamorado (Dafne); al tema histórico y legendario español pertenecen El último godo, El bastardo Mudarra, El mejor alcalde, el rey, La Estrella de Sevilla, Fuenteovejuna, Peribáñez y el comendador de Ocaña, que se encuentran entre sus mejores obras.
“Arte nuevo de hacer comedias” es un texto que el autor publica a los 47 años, cuando ya es un poeta consagrado y según él mismo dice en la obra lleva ya escritas 483 comedias. Se trata de una composición que escribe por encargo del Conde de Saldaña, miembro de la Academia de Madrid, y se inscribe como un discurso, dentro de una práctica bastante habitual entre los autores y las diferentes Academias del momento. Así pues, el texto de Lope nace para contestar a una polémica de la época, pero también le sirve para dejar por escrito su concepción del teatro y justificar lo que ha venido siendo hasta ahora su práctica habitual. La revolución que recoge el Arte nuevo, es la de defender lo que llamaríamos hoy el teatro comercial. Es decir, Lope sostiene que el teatro se sustenta en el público, y no en un canon aristotélico o artístico. Su fin es escribir un teatro de su tiempo, cuya norma suprema sea la de dar gusto a un auditorio bastante ecléctico, lo que le conduce a creer en un teatro exento del antiguo arte: “Y cuando he de escribir una comedia, encierro los preceptos con seis llaves, saco a Terencio y Plauto de mi estudio para que no me den voces, que suele dar gritos la verdad en libros mudos,
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“Sueño de una noche de verano…”
y escribo por el arte que inventaron los que el vulgar aplauso pretendieron porque, como las paga el vulgo, es justo hablarle en necio para darle gusto/.” Con motivo del cuarto centenario de su primera impresión (1609). El Festival de Teatro Clásico de Almagro y la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC), ha editado una edición políglota del Arte Nuevo de Hacer Comedias de Lope de Vega.
WILLIAM SHAKESPEARE (fig. 28)
Conocido en ocasiones como el Bardo de Avon (o simplemente El Bardo), Shakespeare es considerado el escritor más importante en lengua inglesa y uno de los más célebres de la literatura universal. Existen documentados
muy en
la
pocos vida
de
hechos William
Shakespeare. Lo que sí se puede afirmar es que fue bautizado en Stratford-upon-Avon (fig. 29), el 26 de abril de 1564 y que murió el 23 de
abril de 1616, poco antes de cumplir los 52 años. El padre de Shakespeare, que se encontraba en la cumbre de su prosperidad cuando nació William, cayó poco después en desgracia. Acusado de comercio ilegal de lana, perdió su posición destacada en el gobierno del municipio. Fig. 28. Retrato de Shakespeare cuando contaba con 46 años de edad. 1610
William
Shakespeare
cursó
probablemente sus primeros estudios en la escuela primaria local, la Stratford Grammar School, en el centro de su ciudad natal, lo que debió haberle aportado una educación intensiva en gramática y literatura latinas. Cuando tenía 18 años de edad, Shakespeare contrajo matrimonio con Anne Hathaway. Tras su matrimonio, apenas hay huellas de
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”Sueño de una noche de verano…”
William Shakespeare en los registros históricos, hasta que hace su aparición en la escena teatral londinense. Hacia 1592 Shakespeare se encontraba ya en Londres trabajando como dramaturgo. En 1596, con sólo once años de edad, murió Hamnet, único hijo varón del escritor. Algunos críticos han sostenido que la muerte de su hijo pudo haber inspirado a Shakespeare la composición de Hamlet. Copropietario de la compañía teatral conocida como Lord Chamberlain's Men, que recibía su nombre, al igual que otras de la época, de su aristocrático mecenas, Lord Chamberlain. La compañía alcanzaría tal popularidad que, tras la muerte de Isabel I y la subida al trono de Jacobo I, el nuevo monarca la tomaría bajo su protección, pasando a denominarse los King's Men (Hombres del rey). Cuando Shakespeare se inició en la actividad teatral, ésta se encontraba sufriendo los cambios propios
de
transición.
una Los
época
de
nobles
más
destacados patrocinaban grupos de
actores
que
llevaban
sus
nombres. Así surgieron, en la época isabelina, compañías como The Hundson Men (luego Lord Chamberlain's
Men),
The Fig. 29. Casa natal de Shakespeare en Stratford-upon-Avon. Admiral's Men, y The Queen's Men, entre las más relevantes. Shakespeare escribió tragedias desde el mismo inicio de su trayectoria: una de las más tempranas fue la tragedia romana de Tito Andrónico, siguiendo unos años después Romeo y Julieta. Sin embargo, las más aclamadas fueron escritas en un período de siete años entre 1601 y 1608: Hamlet, Otelo, El rey Lear o Macbeth . Muchos han destacado en estas obras al concepto aristotélico de la tragedia: que el protagonista debe ser un personaje admirable pero imperfecto, con un público capacitado para comprender y simpatizar con él.
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“Sueño de una noche de verano…”
Entre las características esenciales de la comedia shakespeariana encontramos la vis cómica, la dialéctica de un lenguaje lleno de juegos de palabras, el contraste entre caracteres opuestos por clase social, sexo, género o poder; las alusiones y connotaciones eróticas, los disfraces y la tendencia a la dispersión caótica y la confusión hasta que el argumento de la historia desemboca en la recuperación de lo perdido y la correspondiente restauración en el marco de lo natural. Los finales de las comedias son, por lo general, festivos y placenteros. Se estima que la fecha de composición de las comedias de Shakespeare ha de girar en torno a los años 1590 y 1611, como punto de partida y culminación de su labor como escritor. La tempestad, es considerada el testamento dramático de Shakespeare porque fue probablemente su última obra. SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO (argumento) Hermia,
enamorada
de
Lisandro, se niega a casarse con Demetrio, contraviniendo así el deseo de Egeo, su padre. Demetrio, por su parte, es amado por una amiga de Hermia,
Helena,
a
la
que
ha
abandonado para casarse con Hermia. Según la ley ateniense, el duque Teseo da a Hermia cuatro días de tiempo para Fig. 30. Oberón y Titania. Producción de Benjamin Britten's en el Teatro de la Ópera de Berlín
que
obedezca
la
voluntad
paterna, transcurridos los cuales habrá de morir.
Hermia y Lisandro se ponen de acuerdo para abandonar Atenas secretamente y casarse donde la ley no pueda alcanzarles. Planean encontrarse en un bosque a unas millas de la ciudad. Hermia revela el plan a Helena, que informa de ello a Demetrio. Demetrio sigue a Hermia al bosque y Helena sigue a Demetrio; de manera que los cuatro se hallan en el bosque aquella noche.
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”Sueño de una noche de verano…”
Oberón y Titania, rey y reina de las hadas, que habitan en el bosque, han discutido por causa de un paje. Oberón pide al duendecillo Robín, símbolo de la volubilidad del amor, que le procure cierta flor mágica cuyo jugo, vertido en los ojos de Titania mientras duerme (fig. 30), hará que se enamore del primer ser a quien vea cuando despierte. Oberón oye en el
bosque a Demetrio reprochar a Helena que ande siguiéndolo, y deseoso de reconciliarles, ordena a Robín que vierta un poco de aquel filtro amoroso en los ojos de Demetrio cuando Helena esté junto a él. Robín, tomando a Lisandro por Demetrio, le da el filtro, y como Helena es la primera persona que Lisandro ve al despertar, le dirige palabras de amor; pero no consigue sino irritarla porque piensa que Lisandro se burla de ella. Oberón, descubierto el error de Robín, vierte el jugo en los ojos de Demetrio, de modo que ahora son dos los que cortejan a Helena. Mientras tanto Oberón ha puesto el filtro en los párpados de Titania, quien, al despertar, halla a su lado al tejedor Ajuste con una cabeza de asno en lugar de la propia: en efecto, Ajuste, con una compañía de artesanos atenienses, se halla en el bosque ensayando un drama que ha de representarse para festejar las bodas del duque, y
Fig. 31.Sueño de una noche de verano 1600 (1619). Shakespeare, William (author). Londres. University of Edinburgh Library
Robín le ha puesto la cabeza de asno. Titania se enamora de él en cuanto lo ve, y le requiebra por su belleza. Los sorprende Oberón, quien compadece a Titania, y después de recuperar al raptado paje, frota los ojos de su esposa con una hierba que la libera del encanto. Robín, por orden de Oberón, rodea a los amantes humanos y los reúne: mientras duermen unos junto a otros, exprime en sus ojos la hierba que deshace el encanto, de manera que al despertar vuelven a los amores de antes.
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“Sueño de una noche de verano…”
MOLIERE (fig. 32) (Jean-Baptiste Poquelin; París, 1622 - id., 1673) Dramaturgo y actor francés. Nacido en una familia de la rica burguesía comerciante, su padre desempeñaba el cargo de tapicero real. Molière perdió a su madre a la edad de diez años. Alumno en el colegio jesuita de Clermont hasta 1639, se licenció en la facultad de derecho de Orleans, en 1642. Molière se relacionaba entonces con el círculo del filósofo epicúreo Gassendi y de los libertinos Chapelle, Cyrano de Bergerac y D’Assoucy. En 1643, haciéndose ya llamar Molière, fundó L’Illustre Théâtre, junto con la comediante Madeleine Béjart; dirigida por ella, primero, y luego por él mismo, la joven compañía intentó establecerse en París, pero el proyecto fracasó en 1645, por falta de medios, y Molière permaneció unos días arrestado por deudas. Recorrió entonces las regiones del sur de Francia, durante trece años, con el grupo Fig. 32. Moliere (1622-1673)
encabezado por Dufresne, al que sustituyó como
director a partir de 1650. La compañía se estableció en París, con el nombre de Troupe de Monsieur, en 1658, y obtuvo su primer éxito importante con la sátira Las preciosas ridículas, un año después. En 1860 creó el personaje de Sganarelle, al cual recuperaría muchas veces en otras obras y al que siempre interpretó él mismo, en la comedia del mismo nombre; pero Molière, que perseguía la fama de Corneille y Racine, no triunfó en el género de la tragedia, Don García de Navarra, obra en la que había invertido mucho esfuerzo, fracasó rotundamente. La escuela de las mujeres (1662) fue su primera obra maestra, con la que se ganaría el favor de Luis XIV. Los detractores del dramaturgo criticaron su matrimonio con Armande Béjart, celebrado unos meses antes; veinte años más joven que él, no se supo nunca si era hermana o hija de Madeleine (en cuyo caso Molière podría haber sido su padre, aunque la crítica moderna ha desmentido esta posibilidad). Luis XIV apadrinó a su primer hijo, que murió poco después de su nacimiento, en 1864. En respuesta a las acusaciones de incesto, Molière
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escribió El impromptu de Versalles, que le enemistó con cierta parte de la clase influyente de París. En 1663 presentó los tres primeros actos de su Tartufo. El sentido irreverente y sacrílego que sus enemigos veían en sus obras generó una agria polémica que terminó con la prohibición de la obra, lo mismo que sucedería con Don Juan o El festín de piedra, tras sólo quince representaciones. Acosado por sus detractores, especialmente desde la Iglesia, el principal apoyo de Molière era el favor del rey, que, sin embargo, resultaba caprichoso: las pensiones se prometían pero no se pagaban, y el autor hubo de responder a las incertidumbres económicas de su compañía abordando una ingente producción; en la temporada siguiente escribió cinco obras, de las que sólo El médico a palos fue un éxito. Los problemas con el Tartufo, que proseguían, y las dificultades para mantener la compañía fueron quebrando su salud, mientras disminuía su producción; sin embargo, en estos años aparecen algunas de sus mejores obras: El misántropo, El avaro o El enfermo imaginario. En 1673, durante la cuarta representación de esta última obra, sintió unos violentos dolores; trasladado a su casa, murió a las pocas horas. El rey debió intervenir para que la Iglesia le concediera el derecho a tierra santa, si bien fue enterrado de noche y prácticamente sin ceremonia.
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Mucho ruido y pocas nueces. Traducción Jaime Navarra Farré. Barcelona: Orbis Fabri, 1998
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El rey Lear. Traducida en el Instituto Shakespeare por Manuel Angel Conejero...[et al.] Madrid: Cátedra, 1986. 273 p. ISBN 84-376-0596-2
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•
Otelo; Marco Antonio y Cleopatra. Traducción y notas de Luis Astrana Marín. Madrid: Aguilar, 1988. 318 p. ISBN 84-03-87064-7
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Troilo y Cressida; La tempestad. Traducción y notas de Luis Astrana Marín. Madrid: Aguilar, D.L. 1987. 264 p. ISBN 84-03-87036-1.
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El Mercader de Venecia; Como gustéis. Traducidas por Manuel Ángel Conejero, Juan Vicente Martínez Luciano, Jenaro Talens; dirigidas por Manuel Ángel Conejero. -- Madrid: Cátedra, D.L. 1984. 308 p. ISBN 84-376-0449-4.
SÓFOCLES •
Antígona; versión de Mariano Benavente. Madrid: Ediciones Clásicas, 1997
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Edipo Rey; versión de Francisco R. Adrados. Madrid: Ediciones Clásicas, 1992
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Electra, Filoctetes, Edipo en Colono; Introducción, traducción y notas de Antonio Guzmán Guerra. Madrid: Alianza, 2001
•
Tragedias completas. Madrid: Cátedra, 1985
TIRSO DE MOLINA •
Don Gil de las calzas verdes. Madrid: Taurus, DL.1968
•
El burlador de Sevilla y convidado de piedra. Edición, estudio y notas de Xavier A. Fernández.1ª ed. Madrid: Alhambra, 1982
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El condenado por desconfiado. Edición, estudio y notas por Ángel González Palencia. Zaragoza: Ebro, 1941
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El mayor desengaño; La fingida Arcadia. Edición de Blanca de los Ríos. Madrid: Aguilar, DL. 1989
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El vergonzoso en palacio. Estudio preliminar, edición y notas de Francisco Florit Durán. Madrid: Taurus, DL. 1987
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La prudencia en la mujer; El condenado por desconfiado. Madrid: Grupo Zeta, D. L. 2004
VEGA, LOPE DE. •
El arrogante español: comedia en verso dividida en dos partes. Versión de Juan Germán Schröeder. Madrid: Teatro Español, 1991
•
El caballero de Olmedo. Edición Ignacio Arellano, Juan Manuel Escudero. Madrid: Espasa Calpe, 1998
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•
El mejor alcalde, el rey. Edición, Juan Mª Marín Martínez. Madrid: Espasa Calpe, 1990
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El perro del hortelano. Edición de Mauro Armiño. Madrid: Cátedra, 1996
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Fuente Ovejuna. Edición de Francisco López Estrada; prólogo de Antonio Gala. Madrid: Unidad Editorial, 1999
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La dama boba. Edición, estudio y notas por Francisco Tolsada. Zaragoza: Ebro, cop. 1945
•
La fábula de Perseo o La bella Andrómeda. Edición crítica, introducción y notas por Michael D. McGaha. Kassel: Reichenberger, 1985
VIDEO •
Electra [Videograbación] Sófocles; [montaje e interpretación del grupo] Teatro Experimental Independiente. Murcia: Alga, 1996
•
Fuenteovejuna [Videograbación] Lope de Vega; versión de Juan Guerrero Zamora. Murcia: Alga, 1994
•
Orestes [Videograbación] Eurípides; director, Manuel Canseco. Murcia: Alga: Radio Televisión Española, 1996
•
Peribáñez o El comendador de Ocaña [Videograbación] Lope de Vega; realización, Federico Ruiz. Murcia: Alga: Radio Televisión Española, 1994
•
Prometeo encadenado [Videograbación] Esquillo; director, Jaime Jaimes. Murcia: Alga, 1996
DVD •
Don Gil de las calzas verdes [DVD] / Tirso de Molina. Madrid: G.E. on-off bajo la licencia de RTVE, 2007
•
El avaro [DVD] / Molière. Dirección, José Antonio Páramo. Madrid: G.E., cop. 2007
•
El enfermo imaginario [DVD] / Molière; Dirección y realización, Manuel Aguado; producción Luis Ocaña. Madrid: G.E., cop. 2007
•
El mejor alcalde, rey [DVD] Dirección, Gustavo Pérez Puig. Madrid: G.E. cop. 2007
•
El perro del hortelano [DVD] / dirección, guión, Pilar Miró. Madrid: Gran Vía Musical de Ediciones, 2003
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•
Las troyanas [DVD] / dirigida por Michael Cacoyannis. Barcelona: Manga Films, 2007
•
Medea [DVD] / un film de Pier Paolo Pasolini. -- Barcelona: Manga Films, 2004
•
Shakespeare in love [DVD] = Shakespeare enamoured/ directed by John Madden; Madrid: Universal, cop. 2003
PAGINAS WEB http://www.festivales.com www.festivaldemerida.es http://www.saguntum.es/ http://www.festivaldealmagro.com/ http://www.teatrogrecolatino.com// http://club2.telepolis.com/mandragora1/historia/historia1.htm http://www.cfnavarra.es/OliteTeatro/
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