Programme Ciné-Spectacle 2018-2019 by Promo cinéma ELC

CRÃ&#x2030;DIT PHOTO : YANN JOBIN

ne programmation Ciné-spectacle, c’est en quelque sorte l’équivalent d’une saison sportive qui ne serait composée que de matchs des étoiles. Une programmation des programmations. Une saison idéale. De semaine en semaine, les plus inévitables productions issues des plus incontournables institutions en arts vivants se succèdent à l’écran. Une affiche de rêve qu’aucune ville au monde, pas même Berlin ni Florence, ne pourrait s’offrir. Aucune… sauf la vôtre! Un défilement pareil de créateurs vedettes en un seul lieu pourrait sembler tenir du fantasme, et pourtant... Tôt en saison, Àlex Ollé et la prestigieuse Fura dels Baus proposent au Teatro Real de Madrid une adaptation de l’opéra Le Vaisseau fantôme fort atypique, dans un décor si démesuré que les plans rapprochés créeront l’impression d’être filmés en studio. Au printemps, nul autre que Thomas Ostermeier débarque à la Comédie-Française et devrait faire de La Nuit des rois un chef-d’œuvre anticonformiste. Pour les amateurs de danse, le Royal Ballet proposera en fin de programmation le fruit d’une première collaboration vivement attendue avec l’adulé chorégraphe Sidi Larbi Cherkaoui; une soirée complétée par des œuvres majeures de deux autres créateurs de renom : Christopher Wheeldon et Crystal Pite. Et vous assisterez à tout cela dans le confort des sièges de votre cinéma favori, tous bien placés, tous au parterre! Une telle programmation permet aussi d’écrémer le meilleur des grandes tendances artistiques. Alors que les nouvelles semblent plus que jamais inspirer des relectures politiques incisives, on marquera le calendrier pour le Britannicus d’une figure de proue du théâtre contemporain, Stéphane Braunschweig, à la Comédie-Française. Les passionnés d’art lyrique encercleront quant à eux les dates de représentation des Huguenots, de Simon Boccanegra et de Lady Macbeth de Mtsensk, tous trois présentés à l’Opéra Bastille, trois œuvres dont les propos toujours d’actualité sur le fanatisme, le pouvoir, l’humanisme et le féminisme trouveront écho dans leur adaptation contemporaine.

Ciné-spectacle program is sort of like a sport season made up of nothing but all-star games. It’s the program of all programs. A perfect season. Week after week, the most inescapable productions created by the most indispensable institutions in the performing arts follow one another on the screen. A dream schedule that no other city in the world, not even Berlin or Florence, could ever achieve. None… except yours! Such a parade of star creators in a single place may sound like a fantasy, yet... Early in the season, Àlex Ollé and the prestigious Fura dels Baus present at the Teatro Real in Madrid a very atypical adaptation of the opera The Flying Dutchman, in such a supersized set that the close-ups will create the impression they were filmed in a studio. In spring, none other than Thomas Ostermeier arrives at the Comédie-Française and should make of Twelfth Night a maverick masterpiece. For dance fans, the Royal Ballet will close the program with the fruit of an eagerly awaited first collaboration with highly-praised choreographer Sidi Larbi Cherkaoui. The evening is to be completed by major works of two other renowned creators: Christopher Wheeldon and Crystal Pite. And you will attend all of this in the comfort of your favourite cinema’s seats, all great tickets, all parterre seating! Such a program lets you sample the very best of the great artistic trends. At a time when the headlines seem more than ever to inspire incisive political interpretations, mark the calendar for a version of Britannicus by a figurehead of contemporary theater, Stéphane Braunschweig, at the Comédie-Française. Lyrical art aficionados can circle the dates for Les Huguenots, Simon Boccanegra and Lady Macbeth of Mtsensk, all three presented at the Opéra Bastille, all three works whose still-current topics – fanaticism, power, humanism and feminism – are echoed in their contemporary adaptation.

Ne reste plus qu’à en proﬁter! Don’t miss this chance. N.J. •

SOMMAIRE SUMMARY

Nouvelle saison 2018-2019 New season 2018-2019. . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3 La Comédie-Française Britannicus . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5 Cyrano de Bergerac . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 6 Lucrèce Borgia / Lucrezia Borgia . . . . . . . . . . . 7 Le Misanthrope / The Misanthrope . . . . . . . . . . 8 La Nuit des rois, ou ce que vous voudrez / Twelfth Night, or What You Will . . . . . . . . . . . . 9 Roméo et Juliette / Romeo and Juliet . . . . . . . 10 Gran Teatre del Liceu La Gioconda . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 11 Opéra national de Paris Carmen . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Cendrillon / Cinderella . . . . . . . . . . . . . . . . . . Don Giovanni . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Hommage à Jerome Robbins / Tribute To Jerome Robbins . . . . . . . . . . . . . . . Lady Macbeth de Mtsensk / Lady Macbeth of Mtsensk . . . . . . . . . . . . . . . . Le Lac des cygnes / Swan Lake . . . . . . . . . . . Les Huguenots . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Simon Boccanegra . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

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Staatsoper Unter den Linden Macbeth . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 20 Wiener Staatsoper Aïda . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 21 Teatro Real Madame Butterﬂy . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 22 Le Vaisseau fantôme / The Flying Dutchman . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 23

The Royal Ballet Casse-noisette / The Nutcracker . . . . . . . . . . . Don Quichotte / Don Quixote . . . . . . . . . . . . . La Bayadère . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . Within the Golden Hour / Nouveau Sidi Larbi Cherkaoui / Flight Pattern . . . . . . . . . . . . Roméo et Juliette / Romeo and Juliet . . . . . . . The Royal Opera House La Dame de pique / The Queen of Spades . . . . . . . . . . . . . . . . . . Faust . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . La Force du destin / The Force of destiny . . . La Walkyrie / The Valkyrie . . . . . . . . . . . . . . . La Traviata . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

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Cinémas participants Participating Theaters . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 34 Horaires et billets disponibles dans les cinémas participants Schedule and tickets in participating theaters

Première diffusion au Québec : 14 octobre 2018 / First broadcast in Quebec: October 14, 2018 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

THÉÂTRE THEATER

• Racine Texte / Text Jean Racine Mise en scène / Stage director Stéphane Braunschweig Distribution / Cast

Avec la Troupe et les comédiens de l’Académie de la Comédie-Française With the actors of the troop of the Académie de la Comédie-Française

Durée / Duration 2 h environ / approx.

Troisième cycle de représentations à la Salle Richelieu, déjà, pour ce House of Cards du XVIIe siècle. Les immoralités, les manipulations politiques et les tourments tout raciniens ébranlent dans cette scénographie contemporaine évoquant les espaces clos de nos parlements. This is already the third run of performances at the Salle Richelieu, for this House of Cards of the XVIIth century. The typically Racinian immoralities, political manipulations and torments are all-the-more troubling in this contemporary setting evoking the closed spaces of our parliaments.

BRITANNICUS BRITANNICUS

Synopsis : Véritable tissu d’intrigues entre professionnels de la politique où se mélangent histoires intimes, amoureuses et familiales, cette tragédie est le récit d’une prise de pouvoir et la métamorphose d’un homme, Néron, en tyran… Présentation : Avec cette pièce de Racine, maître de la tragédie classique, Stéphane Braunschweig revisite le passé à l’aune du présent : regard affûté qui renouvelle la lecture des textes pour nous les faire réentendre, respect absolu des mots et de l’auteur, vision de l’espace où se déploie le verbe. Synopsis: A web of intrigue between political ﬁgures where personal stories, love interests and family relationships intertwine, this tragedy is the tale of how Nero took power and then turned into a tyrant… Presentation: With the play by Racine, master of classical tragedy, Stéphane Braunschweig revisits the past against the backdrop of the present: a honed eye reviews the reading of the texts so that we may hear them anew, absolute respect of the words and the author, vision of the environment where the word is deployed.

Première diffusion au Québec : 10 février 2019 / First broadcast in Quebec: February 10, 2019 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

THÉÂTRE THEATER

• Rostand En partenariat avec In partnership with L’Institut français, France Inter Texte / Text Edmond Rostand Mise en scène / Stage director Denis Podalydès Distribution / Cast

Avec la Troupe et les comédiens de l’Académie de la Comédie-Française With the Troupe and the actors of the Académie de la Comédie-Française

Durée / Duration 3 h 10 environ / approx.

Assister à un Cyrano à la Comédie-Française est un événement authentique en soi, mais cette production saluée six fois aux Molières ajoute à l’expérience avec sa mise en scène soignée, sa direction d’acteurs remarquable et sa scénographie accomplie. Un grand spectacle. Seeing Cyrano at the Comédie-Française is truly an event in itself, but this production, saluted six times at Les Molières, adds to the experience with its masterful stage direction, the remarkable direction of the players, and its accomplished set design. A grand performance.

CYRANO DE BERGERAC

Cyrano est afﬂigé d’un nez proéminent, mais doué pour les mots grâce auxquels il aide le beau Christian à conquérir Roxane. Également amoureux de la jeune ﬁlle, il choisit de ne pas lui révéler que chaque parole de Christian sort de son propre cœur. « Quand, acteurs de la Troupe, nous montons des pièces, nous avons inconsciemment le désir de montrer notre théâtre, tout ce qui nous le fait aimer et y rester. » C’est dans cet esprit que Denis Podalydès s’est emparé du plateau de la salle Richelieu. Opéra bouffe, tragédie, drame romantique, poésie symboliste, farce… tous les genres sont convoqués pour faire vibrer la partition de ce texte emblématique du répertoire français! Cyrano is cursed with a prominent nose but gifted with words. He uses this talent to help handsome Christian win Roxane’s heart, whom he also loves... “When we, actors of la Comédie-Française, stage plays, we consciously feel this desire to show off this theatre of ours, to show everyone why we love it and why we want to be here.” With these words in mind, award-winning director, stage and cinema actor Denis Podalydès takes over the historical stage. Opera buffa, tragedy, romantic drama, symbolist poetry, slapstick comedy… all genres are called upon to give life to this staging of one of the most emblematic texts of the French repertoire!

Première diffusion au Québec : 25 novembre 2018 / First broadcast in Quebec: November 25, 2018 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

THÉÂTRE THEATER

• Hugo En partenariat avec In partnership with L’Institut français, France Inter Texte / Text Victor Hugo Mise en scène / Stage director Denis Podalydès Distribution / Cast

Avec la Troupe et les comédiens de l’Académie de la Comédie-Française With the Troupe and the actors of the Académie de la Comédie-Française

Durée / Duration 2 h 25 environ / approx.

Une occasion inespérée de se reprendre pour ceux qui ont raté les représentations de ce succès critique au Théâtre du Nouveau Monde, dans le cadre des célébrations du 375e de Montréal. Elsa Lepoivre et Éric Ruf, également scénographe, portent les mots de Victor Hugo de façon grandiose. An unhoped-for opportunity for those who missed the performances of this success at the TNM within the framework Montreal’s 375th anniversary celebrations. Elsa Lepoivre and Éric Ruf, also set designer, render the writings of Victor Hugo in a most grandiose manner.

LUCRÈCE BORGIA

LUCREZIA BORGIA

Criminelle, adultère, incestueuse, Lucrèce Borgia veut s’arracher au mal qui est sa condition, se faire reconnaître et aimer de Gennaro, l’enfant qu’elle a eu avec son frère. Lors d’un bal à Venise, Gennaro courtise une belle masquée avant de découvrir avec horreur le visage de Lucrèce, lui qui a les Borgia en aversion. Piquée par l’affront des amis de Gennaro qui l’insultent, et soupçonnée d’adultère par son mari, Lucrèce enclenche une vengeance déchirante… Rarement œuvre dramatique n’est allée aussi loin dans la mise en scène de l’amour maternel. Lucrèce est un monstre moral, mais ce monstre est une mère aimante. « Victor Hugo a écrit Lucrèce Borgia pour raconter la perle qu’il y a au fond de chaque monstre », nous rappelle Denis Podalydès. The criminal, adulterous and incestuous Lucrezia Borgia seeks to escape from the evil that is her condition, to be recognised and loved by Gennaro, the child she had with her brother. During a ball in Venice, Gennaro, who has an aversion to the Borgias, courts a beautiful masked lady before discovering, to his horror, that it is Lucrezia. Stung by the affront of Gennaro’s friends who insult her, and suspected of adultery by her husband, Lucrezia sets a heartbreaking act of revenge in motion. Rarely has a dramatic work gone so far in its depiction of maternal love. Lucrezia is a moral monster but this monster is a loving mother. Victor Hugo wrote this play to reveal the pearl at the heart of every monster.

Première diffusion au Québec : 17 mars 2019 / First broadcast in Quebec: March 17, 2019 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

THÉÂTRE THEATER

• Molière En partenariat avec In partnership with L’Institut français, France Inter Texte / Text Molière Mise en scène / Stage director Clément Hervieu-Léger Distribution / Cast

Avec la Troupe et les comédiens de l’Académie de la Comédie-Française With the Troupe and the actors of the Académie de la Comédie-Française

Durée / Duration 3 h 05 environ / approx.

Dans une mise en scène résolument actuelle, Clément Hervieu-Léger prend ses distances face aux lectures convenues, datées et prévisibles du texte de Molière. Ainsi dépouillé d’une lourde tradition, son Alceste, sympathique et détaché, a même des airs tchékhoviens. In a resolutely current production, Clément Hervieu-Léger breaks away from the conventional, dated and predictable readings of Molière’s work. Stripped of heavy tradition, his Alceste, sympathetic and detached, has something even Chekhovian about him.

LE MISANTHROPE

THE MISANTHROPE

Alceste aime Célimène, une jeune femme mondaine éprise de liberté, mais rejette la société de bienséance à laquelle ils appartiennent. Hanté par un procès dont il redoute l’issue, Alceste se rend chez elle pour solliciter son aide... Le Misanthrope donne à voir une société libérée de l’emprise parentale et religieuse, dont le vernis social s’écaille lorsque surgit le désir. Poussés à bout par la radicalité d’Alceste, prêt à renoncer à toute forme de mondanité, les personnages dévoilent, le temps d’une journée, les contradictions du genre humain soumis à un cœur que la raison ne connaît point. Alceste loves Célimène, a ﬂirtatious woman from Parisian high society. He loathes this world for its hypocritical etiquette but, shaken by a public trial he is called to by this social circle, he must visit Célimène to ask for her help... Le Misanthrope looks at a society freed from the authority of family and religion, where people show their true nature as lust and desire take over. The main character’s questionable morals, giving up on high society etiquette and demands, force his peers to shed light on their own contradictions and shortcomings.

Première diffusion au Québec : 14 avril 2019 / First broadcast in Quebec: April 14, 2019 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

THÉÂTRE THEATER

• Shakespeare En partenariat avec In partnership with L’Institut français, France Inter Texte / Text William Shakespeare Mise en scène / Stage director Thomas Ostermeier Distribution / Cast

Avec la Troupe et les comédiens de l’Académie de la Comédie-Française With the Troupe and the actors of the Académie de la Comédie-Française

Durée / Duration 2 h 40 environ / approx.

Metteur en scène d’une rare renommée, Thomas Ostermeier était attendu, espéré depuis longtemps à la Comédie-Française. La liberté d’interprétation caractéristique de l’Allemand devrait tirer de cette comédie élaborée, en apparence légère, des coups de théâtre magistraux. Of rare renown, director Thomas Ostermeier has long been awaited and hoped-for at the Comédie-Française. The characteristic free interpretation of the German director should produce some masterful dramatic twists in this seemingly light yet elaborate comedy.

LA NUIT DES ROIS,

OU CE QUE VOUS VOUDREZ TWELFTH NIGHT, OR WHAT YOU WILL

Rescapée d’un naufrage, Viola arrive en Illyrie où, pour se protéger, elle se travestit en homme et prend le nom de Césario. Elle entre alors au service du duc Orsino qui, charmé, en fait son page et le charge de transmettre son amour à la comtesse Olivia. Mais Césario/Viola, secrètement séduit(e) par le duc, excelle si bien dans sa mission que la comtesse s’éprend de son ardeur… Réputé pour ses mises en scène alliant fidélité à la situation dramatique et liberté d’interprétation, Thomas Ostermeier, à travers cette intrigue amoureuse placée sous le signe du travestissement, souligne combien l’éveil du désir peut être vertigineux et la question du genre, troublante. C’est sa première création à la Comédie-Française. Having survived a shipwreck, Viola arrives in Illyria where, to protect herself, she disguises herself as a man and takes on the name of Cesario. She then enters the service of Duke Orsino who, charmed by her, makes her his page and tasks her with transmitting his love to the Countess Olivia. But Cesario/Viola, secretly attracted to the Duke, excels so well in her mission that the Countess is swept away by her ardour. Known for stagings that combine fidelity to the dramatic situation with freedom of interpretation, Thomas Ostermeier highlights, through this amorous plot revolving around disguised identities, how bewildering the awakening of desire can be and how confusing the question of gender. This is his first production at the Comédie-Française.

Première diffusion au Québec : 6 janvier 2019 / First broadcast in Quebec: January 6, 2019 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

THÉÂTRE THEATER

• Shakespeare En partenariat avec In partnership with L’Institut français, France Inter Texte / Text William Shakespeare Mise en scène / Stage director Éric Ruf Distribution / Cast

Avec la Troupe et les comédiens de l’Académie de la Comédie-Française With the Troupe and the actors of the Académie de la Comédie-Française

Durée / Duration 3 h environ / approx.

En 2015, Éric Ruf risquait le mythique destin de Roméo et de Juliette sur les planches du Français après plus de 60 ans de poussière. Avec la diffusion de cette autre série de supplémentaires, force est d’admettre qu’il a visé aussi juste que le jeu de ses deux héros. In 2015, Éric Ruf risked the mythical destiny of Romeo and Juliet on the French stage from under nearly 60 years of dust. With the release of this other run of extra performances, his aim was as undeniably true as the performance of his two heroes.

ROMÉO ET JULIETTE

ROMEO AND JULIET

À Vérone, une rivalité ancestrale oppose Capulet et Montaigu. Lorsque Roméo Montaigu rencontre Juliette Capulet naît immédiatement entre eux un amour dont ils savent l’éternité et pressentent la ﬁn tragique… Roméo et Juliette est sans doute l’œuvre la plus connue de Shakespeare. Elle est devenue, au ﬁl du temps et des multiples adaptations dont elle a été l’objet, l’incarnation de l’histoire d’amour absolue. Cette tragédie qui recèle de savoureux moments de comédie est une pièce de contrastes entre la naïveté d’adolescents éperdus et la violence programmée des Montaigu et des Capulet qui ensanglantent Vérone. In Verona, an old rivalry opposes the Capulet and Montague families. When Romeo Montague and Juliet Capulet fall for each other, they know their love is meant to be eternal. However they already sense its tragic ending... Probably Shakespeare’s best-known work, which, over time and the many adaptations it has undergone, has come to embody the absolute love story. This tragedy, which contains some delectable moments of comedy, is a play of contrasts, pitting the naivety of two lovelorn teenagers against the programmed violence of the Montagues and Capulets bloodying Verona.

Première diffusion au Québec : 17 avril 2019 / First broadcast in Quebec: April 17, 2019 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Ponchielli Opéra en quatre actes Opera in four acts

Livret / Libretto Arrigo Boito Chef d’orchestre / Conductor Guillermo García Calvo Mise en scène / Stage director Costumes / Costume design Décors / Set design Pier Luigi Pizzi Chorégraphie / Choreography Gheorghe Iancu Éclairages / Lighting design Massimo Gasparon Chef de chœur / Chorus director Conxita Garcia Distribution / Cast

Iréne Theorin (Gioconda) Dolora Zajick (Laura Adorno) Ildebrando d’Arcangelo (Alvise Badoero) María José Montiel (La Cieca) Brian Jagde (Enzo Grimaldo) Orchestre symphonique et chœur du Grand théâtre du Liceu Symphony orchestra and chorus of the Gran Teatre del Liceu

Durée / Duration 3 h 55 environ / approx.

Moins connu dans son ensemble que certains de ses morceaux isolés, l’opéra le plus notoire de Ponchielli s’impose cependant comme l’un des favoris à Liceu. Avec ses 230 artistes sur scène et dans la fosse, il est l’un des exemples par excellence du grande opera italien. Less known as a whole than some of its individual pieces, Ponchielli’s most famous opera takes nonetheless its place as a favourite in Liceu. With its 230 artists on stage and in the pit, it is a prime example of Italian grande opera.

LA GIOCONDA

Dans la Venise du XVIIe siècle, Enzo Grimaldo a abandonné la malheureuse Gioconda, dont la mère, La Cieca, est accusée de sorcellerie. Il est maintenant amoureux de Laura, femme d’Alvise. Cette œuvre emblématique, qui se déroule entre l’apogée de Verdi et l’avènement de Verismo, est l’opéra le plus connu d’Amilcare Ponchielli. En plus de la célèbre Danse des heures et de l’aria du suicide de Gioconda, La Gioconda possède plusieurs autres exemples merveilleusement lyriques de la sensibilité post-romantique. L’orchestration magistrale et l’écriture vocale de rôles tels que ceux de Laura, de La Cieca, d’Enzo Grimaldo et de Barnaba constituent d’autres importantes facettes. La distribution prestigieuse aura comme ﬁgure de proue Iréne Theorin, acclamée comme étant la meilleure soprano dramatique de notre époque, et ayant obtenu de longues ovations au Liceu pour ses performances dans des rôles wagnériens. Elle apparaîtra une fois de plus à Barcelone pour nous présenter sa Gioconda tant attendue. In 17th-century Venice, Enzo Grimaldo has abandoned the unfortunate Gioconda – whose mother, La Cieca, is accused of witchcraft – and is now in love with Laura, the wife of Alvise. This emblematic work, from the period between Verdi’s heyday and the dawn of Verismo, is the best known of Amilcare Ponchielli’s operas. In addition to the famous “Dance of the Hours” and Gioconda’s suicide aria, La Gioconda contains many other superbly lyrical examples of post-Romantic sensibility. The masterful orchestration and the vocal writing of roles such as Laura, La Cieca, Enzo Grimaldo and Barnaba, are other key facets. The distinguished cast will be headed by Iréne Theorin, hailed as one of the best dramatic sopranos of our times, who has earned long ovations at the Liceu for her performances in Wagnerian roles. Now she appears in Barcelona once more to give us her long-awaited Gioconda.

Première diffusion au Québec : 20 janvier 2019 / First broadcast in Quebec: January 20, 2019 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Bizet Opéra en quatre actes Opera in four acts

Musique / Music Georges Bizet Livret / Libretto Henri Meilhac et Ludovic Halévy D’après / After Prosper Mérimée Direction musicale / Conductor Lorenzo Viotti Mise en scène / Stage director Calixto Bieito Décors / Set design Alfons Flores Costumes / Costume design Mercè Paloma Éclairages / Lighting design Alberto Rodríguez Vega Chef des chœurs / Chorus master Alessandro Di Stefano Distribution / Cast Elīna Garanča (Carmen) Roberto Alagna (Don José) Maria Agresta (Micaëla) Ildar Abdrazakov (Escamillo) Vannina Santoni (Frasquita)

Durée / Duration 3 h environ / approx.

Reposant sur une distribution exceptionnelle, Calixto Bieito propose une autre relecture radicale d’un opéra classique. Un plateau nu, des évocations minimalistes, sa lecture de la partition de 1875 célèbre le chant tout en affûtant chacun des mots de Meilhac et Halévy. Backed by an exceptional cast, Calixto Bieito offers another radical gaze on a classic opera. On a bare stage, with minimalist evocations, his read of the 1875 score celebrates opera while honing each of Meilhac’s and Halévy’s words.

CARMEN

« Jamais Carmen ne cèdera, libre elle est née, libre elle mourra », lance l’héroïne de Bizet à Don José à la fin de l’opéra. Cette irrépressible liberté, couplée à la nécessité de vivre toujours plus intensément sur le fil du rasoir, la mise en scène de Calixto Bieito en rend compte comme nulle autre. Du personnage de Mérimée, Carmen conserve chez Bieito les contours profondément ibériques et le tempérament de celle qui vit de petits trafics. Mais l’oiseau rebelle est foncièrement de notre époque. Vamp aguicheuse et insoumise, témoin de la brutalité masculine et sociétale, elle roule à grande vitesse, pressée d’exister. “Carmen will never surrender, born free, free will she die”, cries Bizet’s heroine to Don José at the end of the opera. This irrepressible freedom, coupled with a need to live ever more intensely on a knife-edge, is present in Calixto Bieito’s production as in no other. Of Mérimée’s character, Bieito’s Carmen retains her thoroughly Iberian contours and the burning temperament of a woman who lives by small-time trafficking. However, the rebel bird is essentially a creature of our own times. A brazen and indomitable seductress and a product of social and masculine brutality, she lives life in the fast lane, avid for existence.

Première diffusion au Québec : 19 mai 2019 / First broadcast in Quebec: May 19, 2019 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

BALLET BALLET

• Prokoﬁev Ballet en trois actes Ballet in three acts

D’après / After Charles Perrault Direction musicale / Conductor Vello Pähn Musique / Music Sergueï Prokoﬁev Chorégraphie / Choreography Rudolf Noureev Mise en scène / Stage director Rudolf Noureev Décors / Set design Petrika Ionesco Costumes / Costume design Hanae Mori Éclairages / Lighting design Guido Levi Les étoiles, les premiers danseurs et le corps de ballet / Orchestre Pasdeloup Étoiles, Principal Dancers and Corps de Ballet / Orchestre Pasdeloup

Durée / Duration 3 h environ / approx.

Misant davantage sur le divertissement que sur la cruauté du conte de Perrault, Noureev a fait de Cendrillon un ballet burlesque, délibérément kitsch où les tableaux distrayants et les clichés hollywoodiens (limousines, paillettes, King Kong!) se succèdent avec aplomb. Opting to entertain rather than to depict the cruelty in Perreault’s fairy tale, Nureyev made Cinderella into a deliberately kitschy burlesque ballet, where amusing tableaux and the Hollywoodian clichés (limousines, sequins, King Kong!) are boldly paraded.

CENDRILLON

CINDERELLA

Le célèbre conte de Charles Perrault, mis en musique par Sergueï Prokofiev, est transposé dans un décor de cinéma où se succèdent les références aux héros du 7e art américain. Rudolf Noureev propulse sa Cendrillon sous les sunlights hollywoodiens. Avec un producteur pour fée marraine et un acteur vedette comme prince charmant, elle échappe à son destin misérable et voit ses rêves s’accomplir. Une histoire qui n’est pas sans rappeler celle du chorégraphe, jeune Tatar devenu star internationale. Avec ce « ballet-métaphore », la compagnie rend hommage à Rudolf Noureev qui fut son directeur. Charles Perrault’s celebrated tale, set to music by Sergei Prokofiev, is transposed to a film set. In a series of references to the heroes of the American cinema, Rudolf Nureyev propels his Cinderella under the spotlights of Hollywood. With a film producer Fairy Godmother and a leading man Prince Charming, she escapes her miserable destiny and sees her dreams come true in a story not without similarities with that of young choreographer Tartar, who became an international star. With this “balletmetaphor”, the Company pays tribute to its former director Rudolf Nureyev.

Première diffusion au Québec : 23 juin 2019 / First broadcast in Quebec: June 23, 2019 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Mozart Drame « joyeux » en deux actes Dramma giocoso in two acts Musique / Music Wolfgang Amadeus Mozart Livret / Libretto Lorenzo Da Ponte Mise en scène / Stage director Ivo van Hove Décors / Set design Jan Versweyveld Éclairages / Lighting design Jan Versweyveld Costumes / Costume design An D’Huys Dramaturgie / Scenographer Jan Versweyveld Chef des chœurs / Chorus master Alessandro Di Stefano Distribution / Cast Étienne Dupuis (Don Giovanni) Ain Anger (Il Commendatore) Jacquelyn Wagner (Donna Anna) Stanislas de Barbeyrac (Don Ottavio) Nicole Car (Donna Elvira) Philippe Sly (Leporello)

Orchestre et chœurs de l’Opéra national de Paris / Orchestra and choruses of the Opéra national de Paris Coproduction / Coproduction Metropolitan Opera, New York

Durée / Duration 3 h 40 environ / approx.

Voilà un Don Giovanni parisien à saveur bien locale avec Étienne Dupuis et Philippe Sly, respectivement dans le rôle-titre et dans celui de Leporello. La soprano australienne Nicole Car et le maître belge Ivo van Hove complètent un quatuor qui a tout pour faire mouche. Here is a Don Giovanni with a very local Parisian ﬂavour with Étienne Dupuis in the title role and Philippe Sly playing Leporello. The Australian soprano Nicole Car and the Belgian master Ivo van Hove complete a quartet that has everything for success.

DON GIOVANNI

Quel est ce feu qui pousse Don Giovanni à séduire, à soumettre, à conquérir les femmes une à une, avec la ﬁèvre et la froideur du prédateur ferrant sa proie, à poursuivre à travers elles un obscur objet qui toujours se dérobe à lui? Pour sa deuxième collaboration avec Da Ponte, Mozart devait marquer au fer rouge l’histoire de l’opéra et hanter à jamais la culture européenne. Kierkegaard nous invitait à écouter dans ce Dissolu puni « le chuchotement de la tentation, le tourbillon de la séduction, le silence de l’instant ». Le cycle Mozart-Da Ponte se poursuit avec Don Giovanni conﬁé à Ivo van Hove. Habitué à interroger le sens politique des œuvres, le metteur en scène réalise, après Boris Godounov, sa deuxième mise en scène pour l’Opéra de Paris. What is this passion that drives Don Giovanni to seduce, subdue, conquer women one after the other, with the fevered coldness of a predator seizing its prey, pursuing through them an obscure prize that forever evades him? For his second collaboration with Da Ponte, Mozart was to brand the history of the opera and forever haunt European culture. Kierkegaard invites us to listen in the Dissolu puni “for the whisper of temptation, the whirlwind of seduction, the silence of the moment”. Mozart-Da Ponte’s cycle continues with Don Giovanni being entrusted to Ivo Van Hove. With a long tradition of examining the political meaning of works, the director produces, after Boris Godunov, his second production for the Opéra de Paris.

Première diffusion au Québec : 11 novembre 2018 / First broadcast in Quebec: November 11, 2018 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

BALLET BALLET

• Robbins Afternoon of a Faun

Musique / Music : Claude Debussy Chorégraphie / Choreography : Jerome Robbins Décors / Set design : Jean Rosenthal Costumes / Costume design : Irene Sharaff Éclairages / Lighting design : Jean Rosenthal

A Suite of Dances

Musique / Music : Johann Sebastian Bach Chorégraphie / Choreography : Jerome Robbins Décors / Set design : Jean Rosenthal Costumes / Costume design : Irene Sharaff Éclairages / Lighting design : Jean Rosenthal Violoncelle / Cello : Sonia Wieder-Atherton

Fancy Free

Musique / Music : Leonard Bernstein Chorégraphie / Choreography : Jerome Robbins Décors / Set design : Oliver Smith Costumes / Costume design : Kermit Love Éclairages / Lighting design : Ronald Bates

Glass Pieces

Musique / Music : Philip Glass Chorégraphie / Choreography : Jerome Robbins Décors / Set design : Jerome Robbins et Ronald Bates Costumes / Costume design : Ben Benson Éclairages / Lighting design : Jennifer Tipton Direction musicale / Conductor : Valery Ovsyanikov

Quatre chorégraphies rigoureusement sélectionnées à travers six décennies de musicalité maîtrisée, de gestes inventifs et d’expérience profonde de l’héritage dansé de la culture américaine par un chorégraphe légendaire. Comme une lettre d’amour à l’histoire de la danse. Four choreographies carefully selected from six decades of mastered musicality, inventive movements, profound experience of the dance heritage of American culture by a legendary choreographer. Like a love letter to the history of dance.

HOMMAGE À JEROME ROBBINS

TRIBUTE TO JEROME ROBBINS

Jerome Robbins considérait le Ballet de l’Opéra de Paris comme sa seconde famille après le New York City Ballet. Ce spectacle en son honneur réunit des œuvres qui témoignent de l’infinie diversité de ses sources d’inspiration et de son génie de la scène. Entre l’énergie de Glass Pieces, pièce de grand format, et la douceur tout intérieure d’Afternoon of a Faun et de A Suite of Dances, se dessine cette capacité rare de faire vibrer les corps dans une compréhension vivante de la musique. Avec l’entrée au répertoire du célèbre Fancy Free, véritable portrait théâtral d’une époque, Robbins offre une autre facette de ses talents. Jerome Robbins thought of the Paris Opera Ballet as his second family after the New York City Ballet. This production in his honour brings together works that testify to the infinite diversity of his sources of inspiration and to his genius on stage. Between the energy of the bigger-than-life Glass Pieces, and the intimate sweetness of Afternoon of a Faun and A Suite of Dances, there emerges that rare ability to move the flesh in a living understanding of music. With the addition to the repertoire of the celebrated Fancy Free, a veritable theatrical portrait of an era, Robbins reveals yet another facet of his talent.

Les étoiles, les premiers danseurs et le corps de ballet / Orchestre de l’Opéra national de Paris Étoiles, Principal Dancers and Corps de Ballet / Orchestra of the Opéra national de Paris

Durée / Duration 2 h 20 environ / approx.

Première diffusion au Québec : 24 avril 2019 / First broadcast in Quebec: April 24, 2019 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Chostakovitch Musique / Music Dmitri Chostakovitch Livret / Libretto Alexandre Preis et Dmitri Chostakovitch D’après / After Nikolaï Leskov Direction musicale / Conductor Ingo Metzmacher Mise en scène / Stage director Décors / Set design Krzysztof Warlikowski Costumes / Costume design Małgorzata Szczęśniak Éclairages / Lighting design Felice Ross Chorégraphie / Choreography Claude Bardouil Dramaturgie / Scenography Christian Longchamp Distribution / Cast

Dmitry Ulyanov (Boris Timofeevich Ismailov) John Daszak (Zinovy Borisovich Ismailov) Aušrinė Stundytė (Katerina Lvovna Ismailova) Pavel Černoch (Serguei) Orchestre et chœurs de l’Opéra national de Paris / Orchestra and choruses of the Opéra national de Paris

Durée / Duration 3 h 30 environ / approx.

Cet opéra percutant de Chostakovitch forme un parfait unisson avec le travail toujours exigeant, souvent subversif, de Krzysztof Warlikowski. Acclamée et puis censurée, cette œuvre, qui écorche vivement le patriarcat, gagne aujourd’hui un soufﬂe nouveau, une portée nécessaire. This striking opera by Chostakovitch is in perfect unison with the always exacting, often subversive work of Krzysztof Warlikowski. Acclaimed and then later censured, this scathing rebuke of patriarchy has taken new breath and gained a necessary reach.

LADY MACBETH DE MTSENSK

LADY MACBETH OF MTSENSK

Du projet initial de Chostakovitch – consacrer une trilogie aux destins tragiques de femmes russes à travers les âges – ne demeura qu’un opéra coup-de-poing : Lady Macbeth de Mtsensk. S’il est l’un des puissants ressorts de l’œuvre, l’intertexte shakespearien est ici bien amer : contrairement à Lady Macbeth, Katerina Ismailova – qui, dans la Russie profonde du XIXe siècle, tombe amoureuse d’un employé de son mari et sera ﬁnalement acculée au suicide – est moins manipulatrice que victime d’une société violente et patriarcale. Krzysztof Warlikowski libère aujourd’hui la force de subversion de cette œuvre brûlante et scandaleuse, qui a marqué les premières années de l’Opéra Bastille. Of Shostakovich’s initial undertaking – a trilogy on the tragic destinies of Russian women through the ages – only one opera was ever written: the hard-hitting Lady Macbeth of Mtsensk. Although one of the mainsprings of the work, the Shakespearean parallel is here bitterly ironic: unlike Lady Macbeth, Katerina Ismailova who, in the remote reaches of rural 19th-century Russia, falls in love with one of her husband’s employees and is ﬁnally forced to commit suicide, is less a manipulator than a victim of a violent and patriarchal society. Krzysztof Warlikowski liberates all the subversive power of this scorching and scandalous work, which marked the early years of the Opéra Bastille.

Première diffusion au Québec : 3 mars 2019 / First broadcast in Quebec: March 3, 2019 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

BALLET BALLET

• Tchaïkovski Ballet en quatre actes Ballet in four acts Musique / Music Piotr Ilitch Tchaïkovski Livret / Libretto Vladimir Begichev et Vassili Geltser Chorégraphie / Choreography Rudolf Noureev D’après / After Marius Petipa, Lev Ivanov Décors / Set design Ezio Frigerio Costumes / Costume design Franca Squarciapino Éclairages / Lighting design Vinicio Cheli Direction musicale / Conductor Valery Ovsyanikov Les étoiles, les premiers danseurs et le corps de ballet / Orchestre de l’Opéra national de Paris Étoiles, Principal Dancers and Corps de Ballet / Orchestra of the Opéra national de Paris

Entre les mains de Noureev, le chef-d’œuvre de Tchaïkovski et Petipa a glissé du conte scénique dédié aux enfants à l’œuvre noire, radicale et grave, sondant la profondeur de l’inconscient. C’est sa lecture incontournable que propose le Ballet de l’Opéra national de Paris. In Nureyev’s hands, Tchaikovsky’s masterpiece was transformed from a scenic children’s fairy tale to a dark, radical, grave work, delving deep into the unconscious. It is his unmistakable reading that the Opéra national de Paris ballet proposes.

LE LAC DES CYGNES

SWAN LAKE

En composant Le Lac des cygnes, Tchaïkovski s’empare de la légende de l’oiseau immaculé pour créer l’une des plus belles musiques jamais écrites pour le ballet. Les chorégraphes Marius Petipa et Lev Ivanov donneront leurs lettres de noblesse à l’histoire de cet amour impossible entre un prince terrestre et une princesse-oiseau, et façonneront à leur tour le mythe de la danseuse-cygne, ballerine par excellence. En créant, en 1984, sa version pour le Ballet de l’Opéra de Paris, Rudolf Noureev choisit de lui donner une dimension freudienne, éclairant d’une profondeur désespérée le rêve poétique de Tchaïkovski. In Swan Lake, Tchaikovsky took up the legend of the immaculate bird to create some of the most beautiful music ever written for ballet. Choreographers Marius Petipa and Lev Ivanov left their distinguished mark on this story of an impossible love between an earthly prince and a swanprincess, refashioning the myth of the swandancer, the ultimate ballerina. When creating his version for the Paris Opera Ballet in 1984, Rudolf Nureyev chose to give it a Freudian dimension, casting a light of profound despair on Tchaikovsky’s poetic dream.

Durée / Duration 2 h 55 environ / approx.

Première diffusion au Québec : 7 octobre 2018 / First broadcast in Quebec: October 7, 2018 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Meyerbeer Musique / Music Giacomo Meyerbeer Livret / Libretto Eugène Scribe et Émile Deschamps Direction musicale / Conductors Michele Mariotti et Łukasz Borowicz Mise en scène / Stage director Andreas Kriegenburg Décors / Set design Harald B. Thor Costumes / Costume design Tanja Hofmann Éclairages / Lighting design Andreas Grüter Chorégraphie / Choreography Zenta Haerter Chef des chœurs / Chorus master José Luis Basso Distribution / Cast Lisette Oropesa (Marguerite de Valois) Bryan Hymel (Raoul de Nangis) Ermonela Jaho (Valentine) Karine Deshayes (Urbain) Nicolas Testé (Marcel)

Durée / Duration 4 h 50 environ / approx.

Les résonances résolument actuelles du fanatisme religieux inhérent à l’argument de ce grand opéra de Meyerbeer se sont révélées un matériau inspirant pour le réputé metteur en scène allemand Andreas Kriegenburg, reconnu pour ses fresques politiques coup-de-poing. The resolutely current echoes of religious fanaticism inherent to the theme of this great opera by Mayerbeer have proven to be inspiring material for famous German stage director Andreas Kriegenburg, known for his powerful political frescoes.

LES HUGUENOTS

La venue de Giacomo Meyerbeer à Paris, en 1825, devait rebattre les cartes du théâtre lyrique. En imposant le genre du grand opéra, le compositeur fit de l’Histoire le pivot majeur du spectacle au XIXe siècle. Les Huguenots est une monumentale fresque figurant d’impossibles amours dans le contexte de la Saint-Barthélemy. Créée à l’Opéra de Paris, l’œuvre y fêtait, en 1936, après plus de mille représentations, son centième anniversaire avant d’être rangée dans un tiroir mémoriel de la « grande boutique ». Pour sa redécouverte, Andreas Kriegenburg inscrit ces intemporels conflits amoureux et religieux dans un cadre immaculé où les costumes n’en ressortent que plus flamboyants et le sang des victimes plus violemment rouge. Giacomo Meyerbeer’s visit to Paris in 1825 revolutionized opera. By imposing the Grand Opera genre, the composer made history the pivotal theme of 19th-century performing arts. Les Huguenots is a monumental fresco featuring various impossible loves in the context of the Saint Bartholomew Massacre. First performed at the Paris Opera, the work celebrated its centenary there in 1936, after more than a thousand performances, before being stowed in the archives of the Palais Garnier – the “grande boutique”. For its revival, Andreas Kriegenburg places these timeless conflicts of love and religion in an immaculate setting in which the costumes appear yet more flamboyant and the victims’ blood even more violently red.

Première diffusion au Québec : 16 décembre 2018 / First broadcast in Quebec: December 16, 2018 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Verdi Melodrame en un prologue et trois actes Melodrama in one prologue and three acts

Musique / Music Giuseppe Verdi Livret / Libretto Francesco Maria Piave et Arrigo Boito D’après / After Antonio Garcia Guttiérrez Direction musicale / Conductor Fabio Luisi Mise en scène / Stage director Calixto Bieito Décors / Set design Susanne Gschwender Costumes / Costume design Ingo Krügler Éclairages / Lighting design Michael Bauer Vidéo / Video Sarah Derendinger Chef des chœurs / Chorus master José Luis Basso Distribution / Cast

Avec les remous de l’actualité, les opéras à connotations politiques ont la cote et, naturellement, ceux de Verdi peuplent les scènes. En Boccanegra, l’illustre baryton français Ludovic Tézier portera les réﬂexions du compositeur sur la relation entre peuple et pouvoir. With the turmoil in the news, operas with political connotations are all the rage and, naturally, those by Verdi take center stage. As Boccanegra, illustrious French baritone Ludovic Tézier conveys the composer’s thoughts on the relationship between the people and power.

SIMON BOCCANEGRA

Les ambivalences du théâtre verdien s’entendent avec une netteté toute particulière dans les rôles de baryton. Parmi eux, celui de Boccanegra, corsaire devenu doge génois, témoin préoccupé des déchirements qui opposaient au XIVe siècle patriciens et plébéiens. Opéra éminemment politique où les conflits de pouvoir se mêlent aux problèmes familiaux, Simon Boccanegra fait écho à la vie de son compositeur – lui qui arbora l’étendard de l’unification italienne et surmonta la perte de sa femme et de ses enfants. Calixto Bieito, le plus shakespearien des metteurs en scène d’opéra, offre humanisme et vérité à cette œuvre hantée de scintillantes images maritimes. The ambiguities of Verdi’s theatre are particularly clear in his baritone roles, among which is that of Boccanegra, corsair turned doge of Genoa and the troubled observer of the conflicts that tore apart 14th-century landowners and peasants. An eminently political opera in which power struggles are interwoven with family conflicts, Simon Boccanegra echoes the life of its composer – the man who championed the cause of Italian unification and overcame the loss of his wife and children. Calixto Bieito, that most-Shakespearean of opera directors, brings humanism and truth to a work haunted by gleaming images of the sea.

Ludovic Tézier (Simon Boccanegra) Mika Kares (Jacopo Fiesco) Maria Agresta / Anita Hartig ((Maria Boccanegra (Amelia Grimaldi)) Francesco Demuro (Gabriele Adorno) Nicola Alaimo (Paolo Albani)

Durée / Duration 2 h 50 environ / approx.

Première diffusion au Québec : 13 janvier 2019 / First broadcast in Quebec: January 13, 2019 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Verdi Opéra en quatre actes (1847) Opera in four acts

Musique / Music Giuseppe Verdi Livret / Libretto Francesco Maria Piave D’après / After William Shakespeare Direction musicale / Conductor Daniel Barenboim Mise en scène / Stage director Harry Kupfer Décors / Set design Hans Schavernoch Costumes / Costume design Yan Tax Éclairages / Lighting design Olaf Freese Vidéo / Video Thomas Reimer Chorégraphie / Choreography Helga Schiele Dramaturgie / Scenographer Detlef Giese Distribution / Cast

Plácido Domingo (Macbeth) Kwangchul Youn (Banquo) Anna Netrebko (Lady Macbeth) Evelin Novak (Kammerfrau) Fabio Sartori (Macduff) Florian Hoffmann (Malcolm) Dominic Barberi (Doctor) Jan Martinik (Murderer, appearance)

Durée / Duration 2 h 40 environ / approx.

Plácido Domingo se peint en admirable force de la nature et stupéﬁe toujours par sa puissance, sa justesse et la fraicheur de son interprétation du haut de ses 77 ans. Idem pour le chef Daniel Barenboim qui dirige l’orchestre berlinois avec la fougue du jeune prodige. Plácido Domingo is an admirable force of nature and again astounds with the power, trueness and freshness of his interpretation even at the ripe old age of 77. The same goes for conductor Daniel Barenboim, who directs the Berlin orchestra with the spirit of a young prodigy.

MACBETH

Victorieux sur le champ de bataille, le commandant Macbeth reçoit une prophétie selon laquelle il sera un jour roi d’Écosse. Sous l’influence de sa femme, il ne recule littéralement devant rien pour l’accomplir. Mais, rongés par la culpabilité, les Macbeth sombrent rapidement dans la folie et deviennent victimes de leur propre soif de pouvoir. Pour rester aussi fidèle que possible à l’esprit shakespearien tant admiré, le Macbeth de Giuseppe Verdi rompt avec les conventions de l’opéra alors en vigueur et constitue l’une des œuvres les plus noires et intensément bouleversantes du compositeur. Des scènes de chœur monumentales, représentant la rébellion et le désenchantement de la classe dominée, opprimée et persécutée, illustrent les conséquences sociales de la tyrannie et du despotisme. Pour accentuer l’effet théâtral, les parties vocales sont conçues pour souligner les aspects du langage du jeu et sont implacablement soumises à l’état psychologique spécifique des personnages. Victorious on the battlefield, General Macbeth receives a prophecy that he will one day be King of Scotland. Driven by his wife, he literally stops at nothing to achieve this. But, ravaged with guilt, the Macbeths swiftly slip into madness and become victims of their own thirst for power. To remain as faithful as possible to the ever-so-celebrated Shakespearian spirit, Giuseppe Verdi’s Macbeth breaks away from the opera model of the day, making it one of the composer’s darkest and most intensely troubling pieces. Monumental chorus scenes, representing the rebellion and disillusionment of the dominated, oppressed and persecuted class, illustrate the social consequences of tyranny and despotism. To accentuate the theatrical effect, the vocal parts, rather than resorting to dazzling virtuosity, are designed to underscore the aspects of dramatic language, and are relentlessly subjugated to the psychological state of the characters.

Première diffusion au Québec : 23 septembre 2018 / First broadcast in Quebec: September 23, 2018 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Verdi Chef d’orchestre / Conductor Evelino Pidò Production / Production Nicolas Joel Conception du décor et des costumes / Set and costume design Carlo Tommasi Chorégraphie / Choreography Jan Stripling Distribution / Cast Anita Rachvelishvili (Amneris) Kristin Lewis (Aïda) Jorge de Leon (Radamès) Paolo Rumetz (Amonasro)

Durée / Duration 3 h 15 environ / approx.

Après plus d’une centaine de représentations, cette somptueuse production du Wiener Staatsoper signée Nicolas Joel séduit toujours, et même plus que jamais. Depuis 1984, les plus grandes voix s’y sont côtoyées et cette distribution reconduit cette tradition d’excellence. After more than 100 performances, this sumptuous Wiener Staatsoper production signed Nicolas Joel is just as if not more beguiling than ever. Since 1984, it has brought together the greatest voices, and the cast of this production perpetuates this tradition of excellence.

AÏDA

AIDA

Verdi a écrit l’opéra en quatre actes Aïda, son antépénultième pièce de musique théâtrale, à la demande du khédive d’Égypte, Ismail Pasha. Il a imprégné sa musique d’une couleur locale évidente en insérant par intermittence des passages qui, en raison de leur instrumentation et de leur mélodie, ont une sonorité exotique. L’histoire tourne autour d’un triangle amoureux, dans lequel deux femmes aiment le même homme : la relativement puissante Amneris et l’esclave Aïda aiment toutes deux le capitaine de l’armée, Radamès. Un autre thème important est : « Est-ce que l’amour pour une autre personne transcende l’amour de la patrie ou les lois qui lient une communauté? ». Enﬁn, un troisième thème a trait au bonheur personnel détruit par le pouvoir implacable des puissants. Verdi wrote the four-act opera Aida – his third-to-last music theatre piece – at the behest of the Egyptian Khedive Ismail Pasha. Verdi imbued his music with apparent local colour by intermittently inserting passages that because of their instrumentation and melody have an exotic sound. The plot revolves around a love triangle, with two women loving the same man: the relatively powerful Amneris and the slave Aida both love the army captain Radames. Another important theme is, “Does love for another person transcend love for one’s fatherland or the laws that bind a community?”, along with the third theme of private happiness being shattered by the inexorable power apparatus of the inﬂuential.

Première diffusion au Québec : 24 mars 2019 / First broadcast in Quebec: March 24, 2019 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Puccini Opéra en trois actes Opera in three acts

Chef d’orchestre / Conductor Marco Armiliato Mise en scène / Stage director Mario Gas Distribution / Cast

Ermonela Jaho (Madame Butterﬂy) Enkelejda Shkosa (Suzuki) Marifé Nogales (Mrs. Kate Pinkerton) Jorge de León (B. F. Pinkerton) Àngel Òdena (Sharpless) Francisco Vas (Goro) Tomeu Bibiloni (El príncipe Yamadori) Fernando Radó (El tío Bonzo)

Durée / Duration 2 h 25 environ / approx.

En situant Madame Butterﬂy dans un studio de cinéma des années 1930 avec ses caméras et ses écrans, Mario Gas permet une rare intimité, un regard délicat sur les interprètes. En Ciné-spectacle, le cinéma dans le cinéma ajoutera d’ailleurs une profondeur à l’idée fertile. By setting Madame Butterﬂy in a 1930s movie studio complete with cameras and screens, Mario Gas allows a rare intimacy, a delicate gaze on the actors. In Ciné-spectacle, cinema within the cinema adds yet another dimension to the fertile concept.

MADAME BUTTERFLY

Le concept d’épouse temporaire est bien connu au Japon, à la fin du XIXe siècle. À ce moment, l’Occident, mené par les États-Unis, a commencé à établir des relations diplomatiques et commerciales avec ce pays. L’influence d’un Orient distant (et imaginaire) a pris forme dans les œuvres de nombreux artistes européens et nord-américains et s’est poursuivie au cours du XXe siècle. Ainsi, Madame Butterfly est une incarnation grossière du conflit entre deux civilisations irréconciliables, où l’une domine l’autre. Homme à l’esprit théâtral subtil, Puccini a brillamment illustré la fragilité d’une geisha amoureuse qui croyait naïvement que le fringant officier nord-américain de la marine l’aimait en retour. La partition évoque des mélodies japonaises traditionnelles agréablement harmonisées. Mario Gas met l’histoire en scène dans un studio de cinéma des années 1930. Il narre ce drame touchant à partir de trois perspectives simultanées : l’opéra lui-même, le film fait sur l’opéra et sa projection en noir et blanc sur grand écran. A temporary wife was a widespread practice in Japan at the end of the 19th-century. The West – with the United States leading – had established diplomatic and commercial relations with the country in the mid-century and the fascination with the birthplace of geishas spread like wildfire. The influence of a distant (and imaginary) Orient would take form in works by a variety of European and North American artists that continued well into the 20th-century. In this way, Butterfly is a crass embodiment of the conflict between two irreconcilable civilizations, one which dominates the other. A man of a subtle theatrical spirit, Puccini portrayed brilliantly the fragility of a geisha in love who naively believed the dashing North American navy officer also loved her. The musical score evokes agreeably harmonized traditional Japanese melodies. Mario Gas places the story in a 1930s film studio. He narrates this moving drama from three simultaneous perspectives: the opera itself, the film being made of the opera, and its projection in black and white on the big screen.

Première diffusion au Québec : 28 octobre 2018 / First broadcast in Quebec: October 28, 2018 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Wagner Opéra en trois actes Opera in three Acts

Chef d’orchestre / Conductor Pablo Heras-Casado Mise en scène / Stage director Àlex Ollé, La Fura dels Baus Distribution / Cast

Samuel Youn Kwangchul Youn Ingela Brimberg Nikolai Schukoff

Durée / Duration 2 h 20 environ / approx.

Àlex Ollé et La Fura dels Baus proposent une autre relecture fort déstabilisante d’une œuvre intemporelle. Ici, l’action du livret de Wagner est magniﬁée par les qualités de conteur du directeur musical Pablo Heras-Casado et par l’interprétation aboutie de Samuel Youn. Àlex Ollé and La Fura dels Baus propose another quite destabilizing reading of a timeless piece. Here the action of Wagner’s libretto is magniﬁed by musical director Pablo Heras-Casado’s qualities as a storyteller and by the accomplished interpretation of Samuel Youn.

LE VAISSEAU FANTÔME

THE FLYING DUTCHMAN

Der Fliegende Höllander (Le Vaisseau fantôme) de Richard Wagner est un chef-d’œuvre de l’époque romantique : une exploration saisissante de l’amour, de la mort, de la pureté et de la damnation. Dans cette production d’Alex Ollé (La Fura dels Baus), le conflit entre le bien et le mal est le reflet d’une âme tourmentée et emprisonnée. Le Hollandais, condamné à naviguer sur un océan infini jusqu’à la fin des temps, n’a qu’un désir : être libéré de son bateau maudit et retourner à une vie sur la terre ferme. La mer, infinie et transcendante, devient une métaphore puissante pour décrire les limites imposées à l’homme. Dans l’autobiographie de Richard Wagner, le compositeur a écrit que son inspiration pour Der Fliegende Holländer l’a d’abord envahi lors d’un voyage en mer avec sa femme, allant de Riga à Londres. Cette œuvre, remplie de symbolisme, a comme thème central la rédemption à travers l’amour d’une femme : le capitaine de navire reconnaît son salut dans la profession de foi de la jeune Senta. Pour sa part, Senta s’abandonne à une destinée avec le spectre sans nom. Richard Wagner’s Der Fliegende Höllander (The Flying Dutchman) is a masterpiece of the Romantic era, a gripping exploration of love, death, purity and damnation. In this production by Alex Ollé (La Fura dels Baus), the conflict between good and evil is a reflection of a tormented and imprisoned soul. The Dutchman, condemned to sail across an infinite ocean until the end of time, desires only to be released from his doomed vessel and return to a life on land. The sea, infinite and transcendent, becomes a powerful metaphor for the ultimate limits imposed on man. In Richard Wagner’s autobiography, the composer wrote that his inspiration for Der Fliegende Holländer first struck during a sea voyage with his wife, traveling from Riga to London. A work full of symbolism, its central theme is redemption through a woman’s love: in young Senta’s pledge of faith, the sea captain recognizes his salvation. For her part, Senta abandons herself to a destiny with the nameless specter.

Première diffusion au Québec : 9 décembre 2018 / First broadcast in Quebec: December 9, 2018 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

BALLET BALLET

• Tchaïkovski Musique / Music Piotr Ilitch Tchaïkovski Scénario original / Original scenario Marius Petipa Chorégraphie / Choreography Peter Wright selon Lev Ivanov Production et scénario / Production and scenario Peter Wright Costumes / Costume design Julia Trevelyan Oman Éclairages / Lighting design Mark Henderson Conseiller à la production / Production consultant Roland John Wiley Durée / Duration 2 h 30 environ / approx.

Si l’on ne peut s’imaginer un Noël sans le son du célesta, sans les nombreuses adaptations cinématographiques du conte d’Hoffmann, c’est grâce au ballet! Et cette production de Peter Wright s’impose évidemment comme l’une des plus emblématiques avec celle de Balanchine. If Christmas is just not the same without the sound of the celesta, without many cinematographic adaptations of Hoffman’s tale, it’s because of the ballet! And this production by Peter Wright naturally stands as one of the most emblematic, along with that of Balanchine.

CASSE-NOISETTE

THE NUTCRACKER

L’interprétation de Peter Wright de Casse-noisette enchante les enfants comme les adultes depuis sa première représentation par le Royal Ballet, en 1984. Le ballet de 1892 de Lev Ivanov, combiné à la partition somptueuse et iconique de Tchaïkovski, est présenté dans une ambiance festive et des décors colorés, ce qui en fait une production envoûtante et magique. Librement basé sur l’histoire écrite par E.T.A. Hoffmann, le ballet débute en Allemagne du XIXe siècle dans la maison des Stahlbaum, où un réveillon de Noël animé a lieu. L’ambiance de l’époque est reflétée dans les riches détails du décor conçu par Julia Trevelyan Oman, lesquels comprennent des décorations pour arbres de Noël authentiques qui ont été magiquement ramenés à la vie. La chorégraphie de Wright intègre avec ingéniosité des fragments du matériel original du ballet, y compris le sublime pas de deux de la fée Dragée et de son prince. En mettant toutefois l’accent sur la relation entre Clara et le prince Casse-noisette, la mise en scène gagne un sous-thème touchant de premier amour. Peter Wright’s interpretation of The Nutcracker has been enchanting children and adults alike since its first performance by The Royal Ballet in 1984. Lev Ivanov’s 1892 ballet combined with Tchaikovsky’s sumptuous, iconic score are presented in a festive period setting with vivid designs to make this a charming and magical production. Loosely based on the story by E.T.A. Hoffmann, the ballet begins in the 19th-century German home of the Stahlbaums, where they are hosting a lively Christmas party. The period setting is captured in opulent detail by Julia Trevelyan Oman’s designs, which include authentic Christmas tree decorations that are magically brought to life. Wright’s choreography ingeniously incorporates surviving fragments of the ballet’s original material, including the sublime pas de deux for the Sugar Plum Fairy and her Prince. But in emphasizing the relationship between Clara and the Nutcracker, the production also gains a touching subtext of first love.

Première diffusion au Québec : 24 février 2019 / First broadcast in Quebec: Febuary 24, 2019 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

BALLET BALLET

• Minkus Musique / Music Ludwig Minkus Chorégraphie / Choreography Carlos Acosta D’après / After Marius Petipa Production / Production Carlos Acosta Styliste / Designer Tim Hatley Arrangement et orchestration Arrangement and orchestration Martin Yates Éclairages / Lighting design Hugh Vanstone Durée / Duration 2 h 45 environ / approx.

Pour ce ballet qui appelle pourtant spontanément à l’excès, le chorégraphe Carlos Acosta fait plutôt le pari inattendu d’une lecture retenue, cérébrale et réaliste pour jeter une perspective renouvelée sur l’exotisme de Marius Petipa, destiné à satisfaire les tsars. For this ballet, which spontaneously calls to extremes, choreographer Carlos Acosta unexpectedly chose a subdued, cerebral, and realistic reading to cast a renewed perspective on Marius Petipa’s exoticism, destined to please the tsars.

DON QUICHOTTE

DON QUIXOTE

L’amour et l’amitié triomphent dans la vibrante production de Carlos Acosta de cet éblouissant ballet. Le roman de Cervantès qui dépeint Don Quichotte, le « chevalier à la triste figure », a inspiré d’innombrables interprétations artistiques. Marius Petipa a chorégraphié cet étincelant ballet sur les rencontres de l’homme de la Manche et de son fidèle écuyer Sancho Panza. L’ouvrage contient notamment des rôles virtuoses pour les amoureux Basilio et Kitri. Pour sa première production pour le Royal Ballet, Carlos Acosta a choisi ce joyeux classique. Sa mise en scène pleine de vie rassemble toute la troupe dans des rôles de villageois exubérants, de gitans passionnés et même de fleurs de fantaisie. Le récit suit le voyage picaresque de Don Quichotte, parti accomplir de hauts faits en l’honneur de Dulcinée, sa gente dame imaginaire. Gorgé de soleil, charmant, drôle et touchant, Don Quichotte est un ballet où foisonnent autant d’émotions exaltantes que de techniques de ballet époustouflantes. Don Quixote is one of Marius Petipa’s much-loved 19th-century classics – its story is drawn from Miguel de Cervantes’s classic novel and set to Ludwig Minkus’s score. The ballet has long been acclaimed for its virtuoso dancing, beautiful and technically demanding “vision scene” and the famously bravura and breathtaking Act III pas de deux. Carlos Acosta’s production was created for The Royal Ballet in 2013, and brings the sunshine of Spain and the exuberance of the entire Company to the stage. Acosta created new choreography for the gypsy scene in Act II, and uniquely for this production of Don Quixote added on-stage musicians. Warmth, charm and entertainment abound in this energetic and witty ballet, reflected too in the characterful backdrops of Tim Hatley’s vibrant designs.

Première diffusion au Québec : 18 novembre 2018 / First broadcast in Quebec: November 18, 2018 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

BALLET BALLET

• Minkus Musique / Music Ludwig Minkus Chorégraphie / Choreography Natalia Makarova D’après / After Marius Petipa Orchestration / Orchestration John Lanchbery Production / Production Natalia Makarova Décors / Set design Pier Luigi Samaritani Costumes / Costume design Yolanda Sonnabend Éclairages / Lighting design John B. Read Vidéo / Video 59 Productions Direction musicale / Conductor Boris Gruzin Distribution / Cast Marianela Nuñez (Nikia) Vadim Muntagirov (Solor) Natalia Osipova (Gamzatti)

Orchestre du Royal Opera House Orchestra of the Royal Opera House Durée / Duration 3 h 05 environ / approx.

Récent sur les scènes occidentales, le chef-d’œuvre plus que centenaire de Marius Petipa n’en est pas moins l’un des favoris. L’importante production de Natalia Makarova, la première en Amérique, est à l’origine de cet engouement qui a gagné les plus grandes compagnies. Recent to the western stages, the more than 100 year-old masterpiece by Marius Petipa is no less a favourite. This major production by Natalia Makarova, the ﬁrst in America, is what sparked the craze that has taken the greatest companies by storm.

LA BAYADÈRE

La production conçue par Natalia Makarova pour ce ballet classique du XIXe siècle fait vivre tout un monde exotique de danseuses de temple hindou et de nobles guerriers. La fantaisie de Marius Petipa, qui a pour décor une Inde de légende, raconte l’histoire d’une danseuse de temple et du prince qui l’aime, mais en épouse une autre. Le célèbre « Acte blanc » éclairé par la lune – Le Royaume des Ombres –, où l’on voit de multiples images de l’amour perdu du prince le hanter, est un morceau de bravoure pour le corps de ballet. La chorégraphie permet à deux ballerines de rivaliser de talent, et une idole de bronze prend vie de manière saisissante dans un prodigieux solo. Tout au long de l’ouvrage, la mélodie et les atmosphères de la musique de Minkus répondent idéalement à la ﬂuidité et à la précision de la chorégraphie classique et aux péripéties du récit. An iconic 19th-century Russian ballet, La Bayadère was originally performed at the Bolshoi Theatre in St. Petersburg in 1877, and was regularly performed within the former Soviet Union throughout the 20th-century. It remained unknown in the West until the Kirov Ballet toured with the “Kingdom of the Shades” scene in 1961. Natalia Makarova saw La Bayadère as a child in Leningrad and created this production in 1980. It was ﬁrst performed by The Royal Ballet in 1989. The “Kingdom of the Shades” scene in Act III is one of the ballet’s highlights, in which a series of arabesques across the moonlit stage demonstrates the strength of the corps de ballet and the beauty of Marius Petipa’s choreography. The ballet also contains roles of very different styles for two ballerinas in Nikiya and Gamzatti, a spectacular virtuoso solo for the Bronze Idol, and stunning pas de deux for Solor with both Nikiya and Gamzatti.

Première diffusion au Québec : 19 mai 2019 / First broadcast in Quebec: May 19, 2019 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

BALLET BALLET

Within the Golden Hour Chorégraphie / Choreography Christopher Wheeldon Musique / Music Ezio Bosso et Antonio Vivaldi Costumes / Costume design Jasper Conran Nouveau Sidi Larbi Cherkaoui Chorégraphie / Choreography Sidi Larbi Cherkaoui Flight Pattern Chorégraphie / Choreography Crystal Pite Musique / Music Henryk Mikołaj Górecki Scénographe / Set design Jay Gower Taylor Costumes / Costume design Nancy Bryant Éclairages / Lighting design Tom Visser Durée / Duration 3 h 15 environ / approx.

D’abord deux pièces saisissantes signées par Christopher Wheeldon et la canadienne Crystal Pite, puis enﬁn une première collaboration entre le Royal Ballet et l’un des plus éminents chorégraphes contemporains, Sidi Larbi Cherkaoui. Beaucoup de talent sur une même scène. First two stunning works signed Christopher Wheeldon and Canadian Crystal Pite, then a ﬁrst collaboration between the Royal Ballet and one of the most prominent contemporary choreographers, Sidi Larbi Cherkaoui. A whole lot of talent all on the same stage.

WITHIN THE GOLDEN HOUR NOUVEAU SIDI LARBI CHERKAOUI FLIGHT PATTERN La facette contemporaine du Royal Ballet sera présentée à travers les œuvres de trois des grands chorégraphes modernes. La pièce Within the Golden Hour de Christopher Wheeldon est basée sur sept couples qui se séparent et se reforment, sur la musique de Vivaldi et de Bossi, éclairée de couleurs riches évoquant un coucher de soleil. La pièce Flight Pattern de Crystal Pite, relancée pour la première fois, utilise la musique familière de Górecki ainsi qu’un vaste ensemble de danses offrant une réflexion poignante et passionnée sur la migration. Entre ces deux œuvres, une nouvelle performance créée pour le Royal Ballet par le chorégraphe acclamé Sidi Larbi Cherkaoui sera présentée en première pour que le ballet contemporain soit véritablement au goût du jour. The contemporary face of The Royal Ballet is shown in works from three of today’s leading choreographers. Wheeldon’s Within the Golden Hour is based around seven couples separating and intermingling, to music by Vivaldi and Bossi and lit with rich colours suggested by sunset. Pite’s Flight Pattern, revived for the first time, uses Górecki’s familiar music and a large dance ensemble for a poignant and passionate reflection on migration. Between them, a new work created for The Royal Ballet by the acclaimed choreographer Sidi Larbi Cherkaoui has its premiere to bring the contemporary truly up-to-date.

Première diffusion au Québec : 16 juin 2019 / First broadcast in Quebec: June 16, 2019 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

BALLET BALLET

• Prokoﬁev Chorégraphie / Choreography Kenneth MacMillan Musique / Music Sergueï Prokoﬁev Styliste / Designer Nicholas Georgiadis Éclairages / Lighting design John B. Read Durée / Duration 2 h 50 environ / approx.

Après avoir assisté à une représentation théâtrale de Roméo et Juliette à la Comédie-Française, en janvier, voilà une occasion unique de mettre en balance deux modes d’expression d’un même récit. Une opportunité de reconnaître toute la puissance narrative de la danse. After having seen a stage production of Romeo and Juliet at the ComédieFrançaise, in January, here is a unique chance to weight two modes of expression of a same story. An opportunity to witness all the narrative power of dance.

ROMÉO ET JULIETTE

ROMEO AND JULIET

La chorégraphie passionnée de Kenneth MacMillan pour Roméo et Juliette présente le Royal Ballet à son apogée dramatique. La partition iconique de Sergueï Prokofiev constitue la base du romantique pas de deux et des scènes de foules, tandis que la Vérone du XVIe siècle est illustrée par les décors magnifiques de Nicholas Georgiadis. En 1965, Roméo et Juliette de MacMillan a été présenté en première dans le Covent Garden par le Royal Ballet et a connu un succès immédiat : la première soirée a été couronnée d’applaudissements enthousiastes qui ont duré 40 minutes et de 43 demandes de rappel. Les rôles-titres avaient été dansés par Rudolf Noureev et Margot Fonteyn, et le ballet avait été conçu pour Christopher Gable et Lynn Seymour. Il a été présenté par le Royal Ballet plus de 400 fois depuis, en plus de ses nombreuses tournées mondiales, et est devenu un classique du répertoire de ballet du XXe siècle. Kenneth MacMillan’s passionate choreography for Romeo and Juliet shows The Royal Ballet at its dramatic finest. Sergey Prokofiev’s iconic score provides the basis for the ballet’s romantic pas de deux and vibrant crowd scenes, while 16thcentury Verona is created by Nicholas Georgiadis’s magnificent designs. In 1965, MacMillan’s Romeo and Juliet was given its premiere at Covent Garden by The Royal Ballet and was an immediate success: the first night was met with rapturous applause, which lasted for 40 minutes, and an incredible 43 curtain calls. The title roles were danced by Rudolf Nureyev and Margot Fonteyn, although the ballet had been created for Christopher Gable and Lynn Seymour. It has been performed by The Royal Ballet more than four hundred times since, as well as touring the world, and has become a true classic of the 20th-century ballet repertory.

Première diffusion au Québec : 27 janvier 2019 / First broadcast in Quebec: January 27, 2019 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Tchaïkovski Musique / Music Piotr Ilitch Tchaïkovski Mise en scène / Stage director Stefan Herheim Styliste / Designer Philipp Fürhofer Éclairages / Lighting design Bernd Purkrabek Dramaturge / Dramaturgy Alexander Meier-Dörzenbach Durée / Duration 3 h 30 environ / approx.

Proposée l’an dernier au Nationale Opera, l’adaptation de Stefan Herheim qui mettait Tchaïkovski au cœur de son œuvre est reprise au ROH. Le livret s’y fait l’écho bouleversant du drame du compositeur, homosexuel, jonglant avec la honte, ses désirs et la peur de ceux-ci. Presented last year at the Nationale Opera, Stefan Herheim’s adaptation placing Tchaikovsky at the heart of his work is taken up by the ROH. The libretto is the troubling echo of the composer’s tragic life as a homosexual torn between his shame, his desires, and his fear of them.

LA DAME DE PIQUE

THE QUEEN OF SPADES

Tchaïkovski a commencé la composition de La Dame de pique en 1889. Il s’est inspiré d’un court récit d’Alexander Pouchkine, l’un de ses écrivains préférés. À l’aide de son frère Modest, son colibrettiste, il a considérablement modifié l’intrigue de Pouchkine, transformant l’opportuniste cynique Gherman en amant passionné, ainsi que Liza en personnage tragique. Tchaïkovski a travaillé ardemment sur la première de cet opéra, qui a eu lieu au théâtre Mariinski à Saint-Pétersbourg, en 1890, et il fut ravi de son succès. La Dame de pique est l’une des partitions les plus impressionnantes et variées de Tchaïkovski, avec ses superbes chœurs, ses arias et ses duos intimes (tels que le duo d’amour passionné de Liza et Gherman dans le premier acte), sa mascarade rendant hommage à Mozart ainsi que son épisode surnaturel terrifiant. La production spectaculaire de Stefan Herheim place Tchaïkovski lui-même au centre de l’action, et pose des questions pénétrantes par rapport à la nature de la créativité et aux parallèles entre la vie et l’art. Tchaikovsky began work on The Queen of Spades in 1889. He based it on a short story by Alexander Pushkin, one of his favourite writers. He and his brother Modest (his co-librettist) dramatically altered Pushkin’s plot, turning Gherman from a cynical opportunist into an ardent lover and Liza into a tragic figure. Tchaikovsky put a great deal of work into the opera’s premiere at St. Petersburg’s Mariinsky Theatre in 1890, and was thrilled by its success. The Queen of Spades is one of Tchaikovsky’s most impressive and varied scores, containing grand choruses, intimate arias and duets (such as Liza and Gherman’s passionate Act I love duet), a masquerade paying tribute to Mozart and a terrifying supernatural episode. Stefan Herheim’s spectacular production places Tchaikovsky himself at the heart of the action, and asks searching questions about the nature of creativity and the parallels between life and art. 29

Première diffusion au Québec : 8 mai 2019 / First broadcast in Quebec: May 8, 2019 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Gounod Opéra en cinq actes Opera in ﬁve acts

Musique / Music Charles Gounod Mise en scène / Stage director David McVicar Direction musicale / Conductor Dan Ettinger Distribution / Cast Michael Fabiano (Faust) Erwin Schrott (Méphistophélès) Diana Damrau (Marguerite)

Durée / Duration 3 h 45 environ / approx.

Une production réjouissante de l’opéra le plus célébré de Gounod. Au cœur de décors splendides évoquant le Paris du Second Empire, David McVicar trace un parallèle adroit entre la destinée de Faust et la vie de Gounod lui-même, tiraillé entre piété et succès populaire. A delightful production of Gounod’s most celebrated opera. Among the most splendid sets evoking Paris in the Second Empire, David McVicar draws an artful parallel between the fate of Faust and Gounod’s life, torn between piety and popular success.

FAUST

Il existe de nombreuses versions du mythe de Faust, qui vend son âme au diable en échange de la jeunesse et du pouvoir, mais l’opéra de Gounod demeure l’un des plus captivants. Michael Fabiano incarne Faust, Diana Damrau sa bien-aimée Marguerite et Erwin Schrott le diabolique Méphistophélès. Des premiers rôles virtuoses, un grand chœur, des décors sensationnels, un ballet et une apothéose finale font de cet ouvrage le summum du spectacle théâtral – l’ampleur luxuriante du grand opéra à la française est magnifiquement mise en évidence dans cette production de David McVicar située dans le Paris des années 1870. Et surtout, la partition contient certains des numéros lyriques les plus aisément reconnaissables qui soient, portés par une équipe de grands chanteurs internationaux et le Chœur du Royal Opera. There are many versions of the story of Faust, who trades his soul with the Devil for youth and power, but Gounod’s opera remains one of the most enthralling. Michael Fabiano stars as Faust, with Diana Damrau as his beloved Marguerite and Erwin Schrott as the diabolical Méphistophélès. Virtuoso leading roles, a large chorus, sensational sets, ballet and an ecstatic finale make this the epitome of theatrical spectacle – the lavish scale of French grand opera is wonderfully in evidence in this production by David McVicar, set in 1870s Paris. Above all, the music includes several of popular opera’s most recognizable numbers, performed by a cast of great international singers and the Royal Opera Chorus.

Première diffusion au Québec : 12 avril 2019 / First broadcast in Quebec: April 12, 2019 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Verdi Opéra en quatre actes Opera in four acts

Musique / Music Giuseppe Verdi Mise en scène / Stage director Christof Loy Direction musicale / Conductor Antonio Pappano Distribution / Cast

Anna Netrebko (Donna Leonora) Jonas Kaufmann (Don Alvaro) Ludovic Tézier (Don Carlo Di Vargas)

Durée / Duration 4 h 15 environ / approx.

Courues, les mises en scène de Christof Loy s’imprègnent avant tout de ce que la musique véhicule. L’adéquation notable entre la partition et la mise en espace de ce saisissant mélodrame en fait un spectacle aussi brillant que ne le sont Anna Netrebko et Jonas Kaufmann. Christof Loy’s popular productions are ﬁrst and foremost imprinted with what the music conveys. The remarkable appropriateness between the scores and the spatial installation of this striking melodrama makes this show as brilliant as its performers, Anna Netrebko and Jonas Kaufmann.

LA FORCE DU DESTIN

THE FORCE OF DESTINY

Leonora s’éprend de Don Alvaro, mais son père leur interdit de se marier. Un accident mortel déclenche un drame et l’obsession et de la vengeance s’achève en tragédie. Jonas Kaufmann et Anna Netrebko sont les vedettes de l’épopée de Verdi La Forza del Destino (La Force du destin), un opéra qui exige les meilleurs chanteurs pour interpréter sa puissante musique et le traitement théâtral le plus accompli qui soit pour rendre justice à son histoire d’amère vengeance qui se poursuit sur de longues distances et de longues années. Cette production parvient au Royal Opera dans une mise en scène sensationnelle venue d’Amsterdam, pleine de couleur et d’action. Elle est réalisée par Christof Loy et dirigée par Antonio Pappano, directeur musical du Royal Opera. Leonora falls in love with Don Alvaro, but when her father forbids their marriage, a fatal accident triggers a drama of obsession, vengeance and tragedy. Jonas Kaufmann and Anna Netrebko star in Verdi’s epic La Forza del Destino (The Force of Destiny) an opera which demands the very best of singers for its powerful music and the fullest theatrical treatment for its story of bitter revenge pursued across miles and years. The production comes to The Royal Opera in a sensational staging from Amsterdam packed with colour and action. It is directed by Christof Loy and conducted by Antonio Pappano, Music director of The Royal Opera.

Première diffusion au Québec : 16 novembre 2018 / First broadcast in Quebec: November 16, 2018 Consultez l’horaire des cinémas participants pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Wagner Opéra en trois actes Opera in three acts

Musique / Music Richard Wagner Mise en scène / Stage director Keith Warner Direction musicale / Conductor Antonio Pappano Distribution / Cast

Stuart Skelton (Siegmund) Emily Magee (Sieglinde) John Lundgren (Wotan) Nina Stemme (Brünnhilde) Sarah Connolly (Fricka)

Durée / Duration 4 h 50 environ / approx.

Seyant admirablement à l’œuvre de Wagner, la mise en scène de Keith Warner s’afﬁrme également par des symboliques fortes, des images indélébiles. Révélé à Bayreuth, le baryton-basse suédois John Lundgren y reprend l’imposant rôle de Wotan, laissé vacant par Bryn Terfel. Admirably suited to Wagner’s work, Keith Warner’s stage production also asserts itself with powerful symbolic and indelible images. Unveiled in Bayreuth, Swedish bass-baritone John Lundgren returns to the imposing role of Wotan, left vacant by Bryn Terfel.

LA WALKYRIE

THE VALKYRIE

Le cycle du Ring de Wagner est l’un des plus grands ouvrages de la scène lyrique. La production de Keith Warner est dirigée par Antonio Pappano, directeur musical du Royal Opera, et cette ultime reprise est interprétée par une distribution internationale exceptionnelle de spécialistes du chant wagnérien. Les quatre opéras du cycle complet vont de la naissance d’un monde à sa destruction et sont peuplés de dieux, de héros et de monstres. Ce mythe épique parcourt le spectre des émotions humaines à travers une musique et des idées d’une puissance extraordinaire. Die Walküre (La Walkyrie) est le deuxième opéra du cycle et contient plusieurs des grandes pages du Ring : l’étincelant Enchantement du feu et l’électrisante Chevauchée des Walkyries. Mais parmi tous ces leitmotivs et cette mythologie nordique, au cœur même de l’opéra, on croise des personnages inoubliables liés par des liens complexes comme les jumeaux Siegmund et Sieglinde, et Wotan et sa fille Brünnhilde, la Walkyrie du titre. Wagner’s Ring cycle is one of the greatest works of all opera. Keith Warner’s production is conducted by Antonio Pappano, Music director of The Royal Opera, and this final revival is cast with an outstanding international array of Wagnerian specialist singers. The full cycle’s four operas journey from the beginning of a world to its destruction, with gods, heroes and monsters. This epic myth portrays every type of human emotion in music and ideas of extraordinary power. Die Walküre (The Valkyrie) is the second opera in the cycle, and features several of the Ring’s musical highlights – the sparkling “Magic Fire” Music and the electrifying “Ride of the Valkyries”. But among the musical fireworks and Norse mythology, at the centre of this opera are the unforgettable characters and the complex entanglements between them, including twins Siegmund and Sieglinde, and Wotan and his Valkyrie daughter, Brünnhilde.

Première diffusion au Québec : 3 février 2019 / First broadcast in Quebec: Febuary 3, 2019 Consultez l’horaire de votre cinéma participant pour connaître la date de diffusion près de chez vous. See the schedule of your participating cinema for the viewing date near you.

OPÉRA OPERA

• Verdi Opéra en trois actes Opera in three acts

Musique / Music Giuseppe Verdi Mise en scène / Stage director Richard Eyre Chef d’orchestre / Conductor Antonello Manacorda Distribution / Cast

Ermonela jaho (Violetta Valéry) Charles Castronovo (Alfredo Germont) Plácido Domingo (Giorgio Germont)

Durée / Duration 3 h 35 environ / approx.

Opéra le plus joué au monde, La Traviata compte nombre de productions classiques, dont celle de Richard Eyre, depuis 1994. Or, loin d’être figée, cette adaptation riche et colorée gagne en finesse et en vérité dramatique dans cette reprise sous l’œil d’Andrew Sinclair. The most performed opera in the world, La Traviata has been the object of numerous classic production including Richard Eyre’s since 1994. Yet, far from being stale, this rich, colourful adaptation is all about finesse and dramatic integrity in this revival overseen by Andrew Sinclair.

LA TRAVIATA

De l’exaltation d’un amour inattendu à une réconciliation poignante qui arrive trop tard, La Traviata est l’un des opéras les plus populaires de Verdi. Dans la prestigieuse société de Paris, Alfredo tombe amoureux de Violetta, une courtisane. Mais sous la surface de cette histoire d’amour se trouve un courant plus sombre qui mènera à une ﬁn tragique. On y entend, entre autres mélodies, la célèbre « Brindisi » ainsi que l’exubérante « Sempre libera », qui expriment toutes deux le lyrisme de l’opéra italien et séduisent immédiatement. La production de Richard Eyre pour le Royal Opera fait ressortir toutes les couleurs émotionnelles, de la découverte insouciante de l’amour à la conclusion inévitable, en passant par une confrontation douloureuse. Les somptueux décors et les costumes d’époque augmentent le réalisme d’une histoire touchante basée sur des faits réels. From the thrill of unexpected romance to a heartbreaking reconciliation that comes too late – Verdi’s La Traviata is one of the most popular of all operas. Alfredo falls in love with the courtesan Violetta in glamorous Paris society, but underneath the surface run darker undercurrents, leading to a tragic ending. The opera’s wealth of melodies includes the famous “Brindisi” and the exuberant “Sempre libera” – both showing the lyricism of Italian opera at its most immediately appealing. Richard Eyre’s production for The Royal Opera brings out all the emotional colour, from the giddy discovery of love, through painful confrontation to the inevitable conclusion. Lavish period sets and costumes enhance the reality of a moving story based on true life.

CINÉMAS PARTICIPANTS PARTICIPATING MOVIE THEATERS

CINÉMA BEAUBIEN 2396, rue Beaubien E, Montréal T : 514 721-6060 cinemabeaubien.com

CINÉMA DU PARC 3575, av. du Parc, Montréal T : 514 281-1900 cinemaduparc.com

CINÉMA DU MUSÉE 1379-A, rue Sherbrooke O, Montréal T : 514 316-5665 cinemadumusee.com

LA MAISON DU CINÉMA 63, rue King O, Sherbrooke T : 819 566-8782 lamaisonducinema.com

CINÉMA AYLMER 400, boul. Wilfrid-Lavigne, Gatineau T : 613 248-2526 cinemaaylmer.com

CINÉMA COMPLEXE ALMA 900, boul. des Cascades O, Alma T : 418 662-3456 cinemacomplexealma.com

CINÉMA MÉGANTIC 1977, route 161, Lac-Mégantic T: 819 583-4878 cinemamegantic.com

CINÉMA FIGARO 39, boul. Saint-Benoit O, Amqui T: 418 629-3336 cinemaﬁgaro.ca

CINÉMA MAGOG 12, rue Principale E, Magog T: 819 868-1092 cinemamagog.com

CINÉMA LE CLAP · SAINTE-FOY 2360, ch. Sainte-Foy, Québec CINÉMA LE CLAP · LORETTEVILLE 10885, boul. de l’Ormière, Québec T : 418 653-2470 clap.ca

Directrice artistique / Artistic director Martine Lapointe · Infographiste / Computer artist Catherine Ducharme Coordinatrice / Coordinator Annie Frenette Réviseures / Revisers Marie Chabot (français / French) · Scriptech Traduction (anglais / English) Textes et photos / Text and photos François Roussillon et associés, La Comédie-Française, Pathé Live, The Royal Opera House, The Royal Ballet, Bayerische Staatsoper, Wiener Staatsoper, Teatro Real, Gran Teatre del Liceu, Staatsoper Unter den Linden, Nicolas Jobin, Yann Jobin

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CENDRILLON / CINDERELLA • Prokoﬁev