Wideprint 07 by Proyecto Theodore

NOMA 2.0, proyecto de Studio David Thulstrup FotografĂa: Irina Boersma

[ EDITORIAL ]

Habitar el tiempo

"Un impacto emocional arquitectónico está vinculado a una acción, no a un objeto o elemento visual o figurativo. En consecuencia, la fenomenología de la arquitectura se basa más en verbos que en sustantivos —el acto de acercarse a casa, no la fachada; el acto de entrar, no la puerta; el acto de mirar por la ventana, no la propia ventana; o el acto de reunirse a la mesa o junto a la chimenea más que esos mismos objetos—, todas estas expresiones verbales parecen disparar nuestras emociones."

ecibir. Celebrar. Cocinar. Agasajar. Es en torno a estos verbos que se concentra el recorte que presentamos en este número de Wideprint.

La cocina no es un espacio, es un evento, un devenir en el tiempo; donde el tiempo real se desdobla en el tiempo de los sentidos y la experiencia. El tiempo de la memoria. El tiempo del ocio. Recibir. Hospitality Design: hoteles y restaurantes. En lo doméstico: la cocina como corazón de la casa. El momento de la celebración de cada día. Recibir. Cocinar. El acto cotidiano de conferir sentido y dimensión al tiempo. ¿Cómo materializar, entonces, objetos y espacios para que transformen el acto diario de reunirse alrededor de una mesa? ¿Qué materiales invitan a quedarse, a relajarse? Y, ¿qué materiales en cambio invitan a ser breve y partir? La mesa. La silla. La luz. La caja arquitectónica. Está en el arte de diseñadores y arquitectos decidir la materia y la forma de estos objetos para lograr un determinado objetivo: una atmósfera. Y esa es exactamente nuestra responsabilidad como diseñadores: crear atmósferas para los actos de la vida. El alcance de nuestra tarea no termina en la corrección visual y estética del objeto diseñado. Consiste también en sugerir qué atmósfera tendrán los espacios. Qué grados de intimidad se generarán. Cuál será el carácter y qué emociones se promoverán.

Arquitecta Paula Herrero Directora Editorial (Noviembre 2018)

Del libro "Habitar" de Juhani Pallasmaa

noviembre

Interiorismo: Studio David Thulstrup NOMA 2.0

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EDITORIAL · por Paula Herrero.

STAFF DE WIDEPRINT

INTERIORISMO · Noma 2.0 · Rediseño de un restaurante en Dinamarca con dos estrellas Michelin.

ARQUITECTURA · Casa Rodríguez · Casa de hormigón en un barrio privado de Buenos Aires.

Diseño: Jordi Ribaudí TORU

46 56

DISEÑO · Supuesto · Joyería contemporánea realizada con una variedad de materiales. INTERIORISMO · Departamento NANA · Restauración de un hogar de la segunda mitad del siglo XIX en Lisboa.

INTERIORISMO · Hotel Mondrian London · Sofisticado hotel en Londres con vistas al río.

DISEÑO · Sanwa Company · Cocinas compactas de diseño fabricadas en Japón.

INTERIORISMO · Warnes · Restaurante situado en una exfabrica de Villa Crespo.

Portfolio: Anna Choi

112

PORTFOLIO · Anna Choi · Mirada extranjera seducida por reflejos, líneas y simetrías.

126

ARQUITECTURA · Instituto de Ciencias Moleculares de Orsay · Ubicado en un campus urbano de 600 hectáreas al suroeste de París y rodeado de un bosque.

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DISEÑO · TORU · Línea de diseño de sillas realizadas en cuero vegetal de alta calidad.

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INTERIORISMO · Quinta da Côrte · Hotel en Portugal diseñado con una combinación única de muebles y obras contemporáneas.

164

DIÁLOGOS · De objetos encontrados · Un diálogo con Miguel Bornstein.

Interiorismo: Pierre Yovanovitch QUINTA DA CÔRTE

178

PRODUCTOS Y MATERIALES DE DISEÑO

148

La materialización de Wide, nuestra plataforma digital. Dos dimensiones interconectadas de un mismo proyecto.

Staff Wideprint 07 | Noviembre 2018 DIRECTOR GENERAL

Eugenio Valentini

DIRECTORA EDITORIAL Arquitecta Paula Herrero

EDITORA

Lic. Victoria Rico

DIRECCIÓN COMERCIAL Jorge Isorna Alberto González

DISEÑO EDITORIAL

Constanza Patarca

TRADUCCIONES

Lic. Luz Malgieri

EJECUTIVOS DE CUENTA

Mónica Isorna Mercedes Gonzalez

ADMINISTRACIÓN Estudio Isorna y Asoc.

FOTOGRAFÍA

Irina Boersma, Daniela Mac Adden, Gonzalo Viramonte, Rocío Moreno, Fernando Guerra, Hotel Mondrian London, Sanwa Company, Eugenio Valentini, Anna Choi, Sebastian van Damme, Jordi Balsells, Ignasi Rojas, Jean-Francois Jaussaud

PLATAFORMA DIGITAL wideonline.com.ar

CONTACTOS

Producción: C. +54 9 11 6375 7111 Comercial: C. +54 9 11 6370 9552 hola@wideonline.com.ar

EDITORIAL Av. Dorrego 1711, C.A.B.A

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ISSN 2591-2836

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NUESTRA TAPA Fotografía: Anna Choi

legal :

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Dirección del derecho de autor : Nº en trámite. Los artículos firmados no expresan necesariamente la opinión de la revista. Ninguna parte de esta publicación puede reproducirse sin previa autorización de Wide Online S.A.

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PISOS ARTESANALES

DECKTEXTURADO ATERMICO | ANTIDESLIZANTE La evoluciรณn del Travertilit

UBICACIÓN Refshalevej 96, 1432 Copenhague K, Dinamarca FOTOGRAFÍAS Irina Boersma TEXTO Memoria de autor

[ DISEÑO ]

NOMA 2.0 STUDIO DAVID THULSTRUP

El estudio estuvo a cargo de rediseñar el interior del único restaurante de Dinamarca con dos estrellas Michelin, que ha sido nombrado Mejor Restaurante del Mundo en cuatro oportunidades.

oma 2.0 se encuentra cerca de Christiania1 en un sitio histórico junto a un lago que una vez fue parte de las antiguas fortificaciones de Copenhague. Un edificio de concreto existente que se había utilizado para el almacenamiento de municiones se convirtió en cocinas de preparación, laboratorios de fermentación y salas de personal. Bjarke Ingels (BIG) diseñó un complejo de 11 edificios nuevos para el restaurante, la cocina de ensayos y los invernaderos. Agrupados como los edificios agrícolas noruegos clásicos, eventualmente estarán rodeados de árboles y plantas con amplias vistas al lago. El estudio David Thulstrup diseñó los interiores para ser fieles a la estructura, haciendo eco de los materiales externos y creando una atmósfera simple y moderna. El concepto de diseño enfatiza un enfoque lúdico de los materiales: roble, ladrillo, acero, concreto y tombac2. Cada edificio está hecho de un solo material y tiene un único propósito para funcionar como comedor, entrada, salón o comedor privado. Son expresivos individualmente pero agrupados reflejan algo más poderoso. El chef y copropietario de Noma 2.0, René Redzepi, denomina "El Pueblo" a los siete edificios que conforman el restaurante.

Nota editorial1 : barrio situado en la capital de Dinamarca, parcialmente autogobernado. Con aproximadamente 1.000 residentes y 34 hectáreas, cuenta con un estatus semilegal y autoproclamación de independencia respecto del estado danés. Nota editorial2 : aleación de cobre y zinc.

ENTR ADA El edificio de entrada a dos aguas fue realizado en tombac, color marrón mate. Los invitados llegan a una puerta frontal rudimentaria que parece haber sido separada de la fachada de listones de madera. Si los huéspedes desean quitarse los zapatos en la puerta principal, como lo hacen muchos daneses en sus casas, el piso de terrazo se encuentra arenado para que puedan sentir las piedras de río debajo de sus pies. En el interior, paneles de roble natural alinean el techo y las paredes, con puertas de armario integradas. Una obra de arte de madera e imanes de tierra —"Conscious Compass" (2018)— fue hecha especialmente para el espacio, por el artista islandés-danés Olafur Eliasson, que es amigo de René Redzepi. COCINA DE SERVICIO En Noma 2.0, René Redzepi quiere que los cocineros estén en el centro de todo, trabajando en un espacio abierto donde el acero inoxidable que se suele ver en las cocinas profesionales es reemplazado por islas cubiertas de roble. Los gabinetes de cocina fueron desarrollados junto a Maes Inox3. La energía de este espacio atraviesa las habitaciones circundantes, conectadas por pasarelas con transparencias. En el área de circulación, frascos de vidrio de estilo laboratorio, apoyados en una mesa redonda, exhiben muestras de productos en estación, frente a una obra de arte del artista danés Carl Emil Jacobsen, creada con pigmentos hechos con piedras trituradas. Un techo de acero y cristal inunda la cocina de luz natural. En el suelo hay una versión más pulida del terrazo de piedra de río.

Nota editorial3 : empresa belga especialista en equipamiento de cocinas de hoteles y restaurantes.

COMEDOR El comedor cuenta con 42 asientos y se configura como un granero moderno con enormes ventanas que miran hacia el lago y la naturaleza. Allí, los huéspedes están rodeados de madera de piso a techo. En el suelo se utilizan tablones de roble de Dinesen4. Las paredes están revestidas con tablones apilados, unidos por 250.000 tornillos invisibles. En el centro hay un mostrador hecho con una viga de madera de 200 años, que se ha oscurecido por estar inmersa en el puerto cercano. Deliberadamente sin adornos, el comedor está diseñado para contar historias. En conjunto con el chef Redzepi, el estudio David Thulstrup diseñó nuevas mesas y sillas. Hechas en roble ahumado claro y oscuro, fueron producidas por la familia Brdr. Krüger5. Al igual que en otros espacios, la iluminación del comedor fue desarrollada especialmente para el proyecto, junto a la firma austríaca XAL. Combina tecnología nueva y flexible con un lenguaje de diseño refinado y simple.

Nota editorial4 : empresa familiar danesa de pisos de madera, creada en 1898. Nota editorial5 : empresa danesa dedicada a la fabricación de muebles de madera desde 1886.

COMEDOR PRIVADO Más arquitectónico que el comedor principal, el comedor privado es un espacio íntimo con una mesa de roble ahumado como pieza central con capacidad para 20 personas y grandes ventanales con vistas a un grupo de árboles. La mesa tiene seis metros de largo y fue hecha por Brdr. Krüger con tres tablas de roble de 160 años de la isla de Finia6. Un muro de estantes alberga los archivos vivientes de Noma y fue creado a medida por la ebanista Malte Gormsen. Las vigas arquitectónicas del techo están revestidas con pino blanco. Pantallas de algas de origen local se desarrollaron en colaboración con el diseñador Jonas Edward. El estudio también diseñó lámparas de pared similares a las que se encuentran en los talleres de artistas.

Nota editorial6 : segunda isla más grande de Dinamarca.

SALÓN El salón es un lugar de bienvenida, así como un espacio para que los huéspedes se detengan y reflexionen sobre la experiencia culinaria que acaban de tener. Las grandes ventanas con marcos de roble y los bancos de cuero y roble miran hacia el lago y los invernaderos. Los ladrillos de color crema con pastina gris en pisos y paredes, junto a las tablas de roble natural en el techo, evocan las líneas modernas y limpias del estilo danés de los años 70. Una combinación de muebles clásicos y nuevos se organiza alrededor de una chimenea de ladrillos. El estudio David Thulstrup diseñó mesas de café en granito sueco con tapas lisas y bordes toscos. Otras piezas diseñadas incluyen sofás de dos y tres plazas en roble, una alfombra producida por Kasthall y la barra realizada con roble y granito sueco. Los almohadones azules fueron creados por un tejedor feroés. Un zócalo de concreto de pigmento amarillo, de Pettersen & Hein, añade toques de color. Las obras de arte incluyen piezas de la serie "Aminoácidos" de moldes sobre madera, del artista danés Silas Inoue. Las pantallas colgantes de los años 70 de Jørgen Wolff cuelgan sobre las mesas del sofá. El estudio creó focos integrados para el cielorraso junto a XAL. •

STUDIO DAVID THULSTRUP David Thulstrup es un diseñador y arquitecto cuyos interiores y proyectos de arquitectura entrelazan la estética tradicional con la modernidad. Desde que creó Studio David Thulstrup en Copenhague en 2009, ha completado una amplia cartera de proyectos locales e internacionales que van desde la arquitectura residencial y los interiores, hasta tiendas minoristas y diseño de productos. Su práctica se basa en encontrar belleza en todos los materiales y combinarlos de una manera que enfatice la comodidad y la habitabilidad. David adopta un enfoque holístico para todos los proyectos, analizando e investigando las necesidades y deseos de cada cliente para garantizar que el resultado sea fiel a su identidad y valores. Al repensar y reelaborar elementos simples como la luz, el color, la forma y el material, presenta nuevas soluciones de diseño. Trabaja junto a David un equipo internacional y culturalmente diverso de arquitectos talentosos, diseñadores de interiores, diseñadores textiles, visualizadores 3D, diseñadores de productos y expertos en materiales. Trabajan juntos en un espacio anatómicamente pequeño en un edificio industrial al este de Amager (isla de Dinamarca). Antes de instalar su propio estudio, David trabajó para el arquitecto francés Jean Nouvel en París y para el arquitecto estadounidense Peter Marino en la ciudad de Nueva York.

Escanéa para escuchar al chef de Noma hablando de los platos del restaurante en wideonline.com.ar

UBICACIÓN General Rodríguez, Buenos Aires FOTOGRAFÍAS Daniela Mac Adden TEXTO Arq. Mariana Piqué

[ ARQUITECTURA ]

Casa RODRÍGUEZ ARQUITECTO LUCIANO KRUK

Una vivienda con imagen exterior y distribución interior simple que se hace parte del rústico escenario que la envuelve.

asa Rodríguez se ubica en un barrio cerrado, a mitad de camino entre Pilar y General Rodríguez. Esta urbanización campestre de grandes lotes se encuentra rodeada de clubes de polo. El trazado de sus calles, de tosca compacta y piedra partida, se configura en función de sus añosas plantaciones.

Fue el encargo de una joven pareja sin hijos que quería construir su casa de vivienda permanente. Pretendían que su imagen exterior fuese simple y su distribución interior sencilla. En una sola planta debían articularse una suite y un segundo dormitorio con baño compartido con el área social, esta última completamente unificada. Pidieron, a su vez, el proyecto para una futura ampliación que contemplase la incorporación de un tercer dormitorio. Querían una amplia galería que les permitiese estar en estrecho contacto con la naturaleza y también una piscina. Además, manifestaron su gusto por los espejos de agua y los patios internos.

// Axonométrica

La casa ocupa un lote en esquina de aproximadamente 29 por 80 metros, cuyo ancho se reduce hacia el fondo. De topografía plana, las calles que lo rodean lo cercan mediante hileras de sauces llorones.

// Implantaciรณn en el terreno

La casa se proyectó como un volumen puro. Respetando los retiros y contemplando el proyecto de ampliación, su pisada toma todo el ancho del lote. Una plataforma de hormigón permite saltear el espejo de agua que anticipa la fachada hasta alcanzar un hall de recepción semicubierto. Tras abrir la puerta de acceso lo primero que acontece a la vista es un patio verde detrás de un cristal. Este patio suscita una apertura sensorial del espacio, permitiendo visuales hasta el fondo del lote. La línea que une el acceso, este patio y la piscina, establece una doble crujía en relación a la organización interior dentro de la caja. Los espacios principales se orientan al norte mirando —galería mediante— hacia el espacio exterior abierto, mientras que los de servicio se suceden alineados, haciéndose parte de la fachada. En el otro sentido, el patio interior independiza los espacios privados respecto del área social. En cuanto al cierre del volumen construido: frente, lateral y contrafrente fueron abordados de manera particular, constituyendo así tres sistemas diferenciados. El sistema de cierre de la fachada principal es protagonizado por una serie de tablones de madera de lapacho colgantes, dispuestos de forma vertical a lo largo de todo el frente. Detrás de este quiebravistas, un sistema de muros bajos y colgantes combinados con cerramientos de vidrio translúcido configuran la piel interior de los locales de servicio. El sistema de tablas que lo cubre homogeneiza estos abiertos y cerrados, conformando una fachada rítmica y ordenada que permite mirar desde adentro sin ser visto desde la calle.

Estos tablones no llegan a tocar el suelo. Un muro bajo revestido de piedra laja negra se asoma desde abajo. Siendo que los colores oscuros generan el efecto de aparentar mayor profundidad se pretendió, mediante este recurso, traer visualmente hacia el frente el sistema de tablas, quitándole presencia al muro bajo y generando así la sensación de “flotación” del entramado de madera. Se intentó que la fachada aparentase sensorialmente estar suspendida, posada sobre el agua. A diferencia del sistema de cierre frontal, el sistema de cierre posterior es completamente vidriado y transparente. La apertura de sus carpinterías —que toman toda la altura de piso a techo— permite la completa integración interior-exterior. La amplia galería semicubierta funciona como un espacio de transición hacia el patio y protege a los espacios domésticos de la incidencia solar directa. Los cierres laterales consisten en tapas prácticamente ciegas que apoyan en el piso. A diferencia de los otros dos sistemas, en los laterales se evidencia el apoyo de la masa. El cierre orientado hacia la calle lateral hace uso —en menor escala— de uno de los recursos empleados en el cierre frontal. Con el propósito de permitir el ingreso de luz y de proveer al área social de vistas a la calle, una serie de láminas verticales de madera se disponen colgantes frente a la piel de vidrio. De esta manera, considerando la apertura hacia el patio interior, el estar-comedor queda iluminado y abierto por tres de sus lados. El otro cierre lateral es más ocluso. Un muro de hormigón y paños de vidrio de dimensiones controladas envuelven el extremo más íntimo de la casa. La iluminación destaca la proporción horizontal del volumen construido. En el interior, dos sistemas de rieles suspendidos de las losas recorren el frente y el contrafrente de punta a punta. Así mismo, una hilera de luminarias fue embutida en todo el largo del cielorraso y el piso de la galería.

// Planta

// Corte 1

// Corte 2

// Corte 3

// Corte 4

// Corte 5 FICHA TÉCNICA Proyecto y dirección: arq. Luciano Kruk Coordinación de proyecto y obra: arq. Belén Ferrand Colaboradores: Denise Andreoli Superficie del terreno: 1980 m2 Superficie a construir: 159 m2 Año de construcción: 2018

// Corte 6

Por pedido del cliente los muros interiores del área privada debían ser blancos, por lo que estos se construyeron de mampostería de ladrillo revocado. La casa se estructura mediante un sistema de tabiques de hormigón y vigas invertidas que, al tomar la altura de las cargas, esconden el sistema a la vista exterior. La cubierta se arma mediante un sistema tradicional de techo plano: contrapiso alivianado con pendiente sobre las losas, carpeta y membrana geotextil. En el interior, las losas desnudas ofician de cielorrasos. Las superficies de hormigón visto delatan sus encofrados artesanales. Para los tabiques se emplearon tablas horizontales de pino y en los cielorrasos se perciben las juntas dejadas por las placas de fenólico. Mientras que el austero hormigón armado buscó garantizar la perdurabilidad de la construcción en el tiempo, la naturaleza del conjunto de los materiales de la casa aspiró a hacerse parte del rústico escenario que la envuelve. La simpleza de la organización funcional, reflejada en la planta, se sintetiza en la morfología de su contenedor: un gran cañón de aristas rectas de predominio horizontal. •

LUCIANO KRUK Luciano Kruk nació el 20 de Julio de 1974 en Buenos Aires y obtuvo el título de arquitecto en la Universidad de Buenos Aires en el año 2000. Ha sido profesor de Proyecto en dicha universidad entre los años 2000 a 2009. Actualmente continúa desarrollando la actividad académica como profesor invitado, como lo ha sido en la Universidad Politécnica de Madrid, ETSAM, en la Universidad de Venecia, IUAV, en la Universidad UNIVALI de Santa Catarina, Brasil, en la Universidad USJT de Sao Paulo Brasil, y en las universidades argentinas de San Martin USAM, del Congreso (Mendoza) y de San Juan, donde dictó un seminario de pos graduación. Ha impartido seminarios y conferencias en diversos ciclos en Argentina, Brasil, México, España e Italia. Entre los años 2000 a 2012 integró el estudio BAK arquitectos (Besonías-Almeida-Kruk), obteniendo un importante reconocimiento por su labor, resaltando los primeros premios en categoría vivienda individual, en las Bienales del Colegio de Arquitectos de la Provincia de Buenos Aires, de los años 2007 y 2009, el Premio Especial Eduardo Sacriste otorgado por el CAPBA en 2005, el Primer Premio Alucobond a la Arquitectura Joven en 2005 y el Gran Premio Bienal CPAU/SCA en 2006. En el año 2012 funda el estudio Luciano Kruk Arquitectos, donde desarrolla hasta el presente numerosos proyectos de vivienda individual y colectiva. En 2015 ha sido seleccionado como representante de Argentina en el 9no Festival de Arquitectura y Urbanismo "Architecture Week Prague 2015", desarrollado en Praga, República Checa. Su obra ha sido publicada en cientos de medios especializados de Argentina y de diferentes países de América, Europa y Asia.

Escanéa y mirá más obras de Luciano Kruk en wideonline.com.ar

[ DISEÑO ]

Artista visual Rocío Moreno

SUPUESTO

Piezas contemporáneas portadoras de significado, realizadas con una variedad de materiales que revela sencillez.

FOTOGRAFÍAS Gonzalo Viramonte, Rocío Moreno TEXTO Memoria de autor

upuesto nace de la construcción y de la necesidad de llevar el arte a otro plano. Es una forma de arte que se pretende como un objeto de contemplación para ser usado en el cuerpo.

Realza formas y contenidos en la percepción del espacio, de lo ilusorio y de lo aparente, utilizando una variedad de materiales que, en su sencillez, revelan las características más elementales de la relación entre los objetos y su entorno. Esta idea de forma y contenido, espacio y vacío, permite discutir aspectos desde la memoria, a través de imágenes tomadas para ser reconstruidas, analizadas o criticadas. Principalmente, la plata es el material utilizado para la construcción. Se supone que es duradero; lo que lo atrae es la oposición, es decir, la fragilidad que complementa la durabilidad con la presencia insistente de elementos cotidianos como bandas de goma, vidrio y agua que sujetan y contienen a estas piezas, generando cierta tensión en ellas. En cuanto a lo formal, las composiciones son únicas, ninguna pieza es igual a la otra. En este traslado de la idea a la tridimensión, se produce un extrañamiento adicional. La ficción deja de ser especulativa o proyectual y pasa a materializarse y a participar de las cosas existentes, utilizando el cuerpo como soporte de estos objetos.

SUPUESTO: piezas portadoras de significado simbรณlico, libres de cualquier regla y atemporales.

Supuesto es una búsqueda entre cosas e ideas que finalmente se transforman en piezas de joyería hechas para ser deseadas, usadas, cuestionadas o amadas. Tienen la libertad de experimentar y cometer errores, descubrimientos, explorar e investigar estos nuevos campos de pensamiento y práctica. Más bien representan la mirada pura y clara de un artista profundamente conmovido por estos fenómenos; que con las herramientas de su oficio, intenta arrojar y ofrecer nuevas interpretaciones de ellos. Un supuesto que se traduce en un diálogo íntimo entre el objeto y la mirada del otro. •

ROCÍO MORENO Nace en Buenos Aires y se radica en Noetinger (Córdoba). Es estimulada en su tarea artística desde muy temprana edad. En el 2008 se instala en la ciudad de Córdoba e ingresa a la Tecnicatura Superior de Artes Visuales en la escuela Dr. José Figueroa Alcorta, la cual concluyó en marzo del 2012. Diplomada en Escultura, actualmente se encuentra presenciando talleres de joyería contemporánea a cargo de Cecilia Richard, artista y joyera.

[ INTERIORISMO ]

Departamento

NANA rar.studio La restauración de este departamento de mitad de siglo XIX implicó la protección y conservación de la estructura, a la vez que la solución de problemas propios de la edificación.

UBICACIÓN Lisboa, Portugal FOTOGRAFÍAS Fernando Guerra | FG+SG TEXTOS Memoria de autor

l departamento está situado en el primer piso de un edificio que fue construido en la segunda mitad del siglo XIX, en un área de relleno sanitario, establecido a lo largo de la línea de costa de Lisboa, en la estela del terremoto de 1755. Amplio, de techos altos y con abundante luz natural, la conservación de algunos muebles y elementos decorativos originales no son solo características que el cliente solicitó, sino también las que mejor definen la identidad del hogar. El proyecto, en consecuencia, combinó el deseo de restaurar, conservar y mejorar las características con una propuesta de contemplación como ejercicio de interpretación de la arquitectura de Lisboa de este período y de sus respectivas facetas constituyentes. La disposición espacial de la vivienda, en términos generales, corresponde a las necesidades del cliente, permitiendo así tanto la protección de su estructura tipológica como la resolución rápida de las imposiciones programáticas: la provisión de áreas sustanciales de espacio de almacenamiento para la ropa, distribuida e incorporada en tres cuartos centrales.

// Planta final

// Corte 1

// Corte 2

Arquitecta: Rita Aguiar Rodrigues Contratista: RVI - Recuperação e Valorização de Imóveis, Lda Año: 2014 - 2015 Área interna neta: 200 m2

El interior de las habitaciones y sus respectivos elementos fueron concebidos y diseñados para que sus puertas sean capaces de permanecer abiertas de forma permanente, interactuando con otras áreas del departamento, dotándolo de una relación visual y espacial intermitente y metamórfica entre los diferentes espacios. En la cocina, donde las paredes aún conservan los azulejos originales del siglo XIX, el piso de baldosas y los acabados aplicados a las superficies de trabajo fueron eliminados. En conjunto con la resolución de algunos problemas como infiltraciones de agua en la cocina, se colocó un nuevo piso, muebles, infraestructuras y equipamientos que actúan específicamente para proteger las baldosas y el mueble superior de almacenamiento, que se ha conservado y restaurado.

Los cuartos de baño, con diseños y accesos desajustados, fueron sujetos a una profunda intervención. En el dormitorio principal, un nuevo punto de acceso al cuarto de baño contiguo a la fachada occidental dio lugar a su propio baño privado, además de otro baño más grande para el resto de la casa. Ambos fueron diseñados estructuralmente con un particular énfasis en las características de construcción y terminaciones en mármol portugués rosa y piel de tigre. Además de los nuevos sistemas e infraestructuras —electricidad, iluminación, calefacción central y marcos de ventanas— se restauraron el suelo y los cielorrasos de yeso.•

RAR.STUDIO Es un estudio de Lisboa orientado a la arquitectura, el diseño de objetos, la investigación y el pensamiento crítico. Los diseños del estudio son atravesados por una perspectiva sensible y responsable del contexto. El proceso creativo está determinado por los principios de colaboración del cliente y la coordinación de equipos para incorporar el conocimiento y la experiencia necesarios.

Arroyo 890, Buenos Aires, Argentina Tel: 4326-1065 30quarenta@fibertel.com.ar @30quarenta www.30quarenta.com

[ INTERIORISMO ]

hotel

MONDRIAN LONDON DESIGN RESEARCH STUDIO BY TOM DIXON

Sofisticado hotel en Londres con 359 habitaciones y bares exclusivos. Los interiores y el equipamiento fueron creados por el diseñador británico Tom Dixon.

UBICACIÓN 20 Upper Ground, South Bank, Londres, Reino Unido FOTOGRAFÍAS Cortesía Hotel Mondrian London TEXTO Memoria de autor

ondrian London at Sea Containers deslumbró la escena hotelera de Londres cuando abrió sus puertas el 30 de septiembre de 2014 en South Bank. Diseñado por Design Research Studio, bajo la dirección creativa de Tom Dixon, el icónico edificio cuenta con 359 habitaciones y suites, impresionantes vistas del río, dos bares, un amplio restaurante con comedor privado, un cine de 56 asientos de inspiración marítima y un nuevo concepto de spa. El primer hotel de la marca Mondrian fuera de los Estados Unidos presenta una serie de características náuticas que incluyen un espectacular casco de cobre hecho a mano desde la entrada hasta el corazón del hotel: el restaurante Sea Containers, que ofrece platos considerados sustentables, cuidadosamente elaborados y perfectamente preparados.

El exclusivo bar en la terraza —Rumpus Room— ofrece vistas panorámicas del horizonte de la ciudad. Con una suntuosa barra de mármol verde y espectaculares vistas del Támesis, el bar Dandelyan ofrece tragos de temporada supervisados por Ryan Chetiyawardana, conocido como Mr Lyan1.

Nota editorial1 : en 2015 fue galardonado como el Mejor Barman del Mundo.

Aprovechando al máximo la ubicación del hotel, muchas de las 359 habitaciones y suites de diseño ofrecen vistas de la ciudad. Con la edad de oro de los viajes en barco transatlántico como punto de partida y sus cabinas como inspiración, Dixon ha creado habitaciones equipadas, cada una de las cuales cuenta con muebles hechos a medida y una obra de arte que adorna la pared. El mini bar en cada habitación también ofrece tragos Dandelyan mezclados por el propio Sr. Lyan.

El spa cuenta con seis amplias suites de tratamiento y salones. También hay una sala de proyección con 56 asientos y seis espacios flexibles para reuniones y eventos con lo último en tecnología, instalaciones de audio, video y telecomunicaciones. La planta baja del Mondrian London alberga la nueva galería de Lazarides Editions, que presenta un calendario de lanzamientos exclusivos de libros de artistas, exposiciones a medida y proyecciones independientes. •

TOM DIXON Trabaja principalmente en iluminación, accesorios y muebles. Desde su punto de partida a principios de los ochenta, soldando acero recuperado de muebles radicales, se reinventó constantemente a través de una serie de diferentes etapas de diseño: trabajó con productos de lujo italianos con Cappellini, Director Creativo de Habitat y Artek y creó la empresa de plásticos Eurolounge. El último capítulo del viaje de diseño de Tom comenzó en 2002, cuando abandonó la vida corporativa para crear su propia marca homónima como plataforma para una serie de nuevas aventuras en el diseño de productos e interiores. 16 años después, Tom Dixon se posiciona como una fuerza mundial ampliamente reconocida en diseño de interiores, con centros propios en Nueva York, Hong Kong, Londres, Los Ángeles y Tokio. Sus 600 productos van desde iluminación hasta muebles, desde vajillas hasta fragancias y se distribuyen en más de 65 países; son reconocibles al instante por sus cualidades escultóricas y su materialidad diseñada. Su estudio de arquitectura interior, Design Research Studio, concibe los interiores y exteriores del mañana.

[ DISEÑO ]

SANWA Company

Colección de cocinas compactas de diseño con distintas funcionalidades, creadas por la empresa japonesa Sanwa Company.

FOTOGRAFÍAS Cortesía de Sanwa Company TEXTO Memoria de autor

COCINA COMPACTA PAT TINA La versión Pattina Compact, con el marco negro mate que crea un interesante contraste con el patrón de madera sin tratar del revestimiento externo, se caracteriza por una mesada hecha de azulejos cerámicos italianos. La mezcla de materiales y las formas cuadradas y compactas crean un ambiente moderno, así como una sensación vintage mejorada, expresión de un nuevo diseño de lo “antiguo”. El tamaño compacto de esta cocina la vuelve ideal para decorar espacios reducidos con elegancia y estilo.

AC 01, L A NUEVA COCINA “TR ANSFORMER” La cocina compacta AC 01, creada por el diseñador y arquitecto japonés Yuto Rie, se caracteriza por una doble función: se puede usar como cocina o como mueble. La encimera de la cocina, funcional y esencial, se puede ocultar mediante el panel posterior que sirve como "pared" de la cocina. Gracias a la función de elevación, la altura de la cocina se puede ajustar a medida que el panel baja para cubrir toda la parte superior, transformándola en un escritorio. Este mecanismo hace que el proyecto sea versátil y adaptable a varios tipos de espacios de vivienda, incluida la sala de estar. La cocina AC 01 fue diseñada para responder también a las necesidades de usuarios con discapacidades físicas: la ausencia de obstáculos facilita los movimientos y su uso no solo como cocina sino también como espacio de trabajo. El módulo está hecho con bambú japonés.

CERAGINO El acabado de esta cocina tiene un efecto óxido, que se obtiene a través de un tratamiento especial que le da a la superficie un aspecto realista. Con respecto a las características técnicas de Ceragino, el corte de 45 grados en los bordes fue realizado con una técnica particular típica de la artesanía japonesa que permite obtener una superficie lisa y continua, para un diseño limpio que solo deja espacio para el minimalismo.

EO 01, L A UNIDAD DE COCCIÓN SE VUELVE INVISIBLE Elisa Ossino ha diseñado para Sanwa Company la cocina EO 01, dando vida a una unidad de cocción adecuada para lofts, espacios de trabajo conjunto, estudios, departamentos pequeños y situaciones informales. El minimalismo y la invisibilidad son los conceptos centrales de este proyecto, inspirados en los ejes de la forma de vida tradicional japonesa, donde la investigación de soluciones de diseño es funcional a la invisibilidad de los elementos que conforman el espacio vital. La pequeña unidad responde fielmente a la estética de un modelo lineal y esencial, donde los paneles que ocultan el interior de la cocina recuerdan al típico “fusuma”1 y “shoji”2: los paneles móviles que continuamente definen la estructura de las habitaciones en la tradición japonesa. De la misma manera, los paneles de EO 01, apuntan a ocultar el contenido y cumplir con el espacio circundante, transformando la cocina en un objeto casi invisible. EO 01 incluye una placa de inducción doble, un lavamanos, una superficie de trabajo y un conjunto de accesorios con formas elegantes, inspirados en un diseño minimalista y simple, que incluye una tabla de cortar, cajas de madera, estantes, compartimentos para el almacenamiento de cuchillos y esponjas. La idea de crear dentro de la cocina algunas áreas magnéticas definidas por líneas es útil y funcional, ya que se puede utilizar para colgar notas, recetas y fotos.

Nota editorial1 : en la arquitectura japonesa, son rectángulos verticales opacos que se deslizan de lado a lado para redefinir espacios dentro de un mismo ambiente. Nota editorial2 : puerta tradicional de la arquitectura japonesa, hecha con papel washi traslúcido y un marco de madera.

COCINA GR AD45 COMPACT La versión compacta de Grad45 expresa la pasión de Sanwa Company por la tecnología y el diseño. Completamente hecha de acero inoxidable, Grad45 cuenta con un acabado "vibrante": realizado con métodos japoneses de vanguardia de procesamiento de acero, crea en el material el efecto de papel tradicional japonés hecho a mano, otorgando a la mesada granos únicos. Los 45 grados de corte en el acero —característica particular de la cual la cocina toma su nombre— garantiza la máxima precisión y acabados de prestigio. La esquina biselada del perfil de las puertas sigue y acompaña el estilo de la mesada, transmitiendo la noción de continuidad de diseño y exaltando el concepto de limpieza formal.

El proyecto que Bestetti Associati —estudio de renombre internacional— diseñó para Sanwa Company, nace de la idea de que no deberían haber barreras ni límites de ningún tipo. QB 01 es un volumen compacto sobre ruedas que se puede mover fácilmente de interior a exterior y de un lugar a otro. Una cocina dinámica y flexible que ya no está relegada a un solo espacio. Lo que siempre ha ocupado una posición definida ahora se vuelve móvil y ya no está vinculado al entorno para el que se creó tradicionalmente. Se convierte en un objeto en movimiento, capaz de adaptarse a cualquier situación. QB 01 está hecha de Paperstone, un material completamente natural que proviene del papel 100% reciclado y una resina sin petróleo, altamente resistente y fácil de limpiar, lo que permite su uso también en espacios al aire libre. La cocina compacta sobre ruedas está diseñada para ser práctica y funcional: una tabla de corte de madera oculta el lavamanos, la placa de inducción es portátil y se puede colocar dentro de la cocina. También hay una pequeña heladera compacta y un cajón para cubiertos. Accesorios de madera completan a QB 01: además del tablero cortado, diseñado para usarse también como bandeja, hay un bloque de cuchillas y un contenedor para utensilios de cocina.

QB 01, LA COCINA QUE SE MUEVE CON VOS

SANWA COMPANY Desde su fundación en 1979, Sanwa Company se ha adherido al lema "dedicación total a los clientes" en la importación y comercialización de materiales de construcción y en el diseño, desarrollo y comercialización de equipos para el hogar. Los objetivos son proporcionar a los clientes productos simples y refinados basados en un concepto de diseño minimalista, para permitirles diseñar espacios libremente; para mejorar la satisfacción de los propietarios en la construcción o remodelación de sus casas; permitir a los arquitectos expandir sus elecciones en expresión; y para lograr un sistema de precios universal que asegure los mismos valores para todos los compradores, al reducir los costos mediante la simplificación de la distribución.

Escaneá para ver el espacio de Sanwa Company en Salone del Mobile Milano 2018 en wideonline.com.ar

[ INTERIORISMO ]

Warnes PAULA HERRERO ARQUITECTURA

Despúes de una fachada industrial y una planta baja vacía y en penumbras, un pasaje textil conduce a un restaurante caracterizado por una paleta de colores sensual y sofisticada.

ILUMINACIÓN Ruben Amsel UBICACIÓN Villa Crespo, Ciudad de Buenos Aires FOTOGRAFÍAS Eugenio Valentini TEXTO Memoria de autor

Entender el recorrido desde la calle hasta la mesa, como el paso inicial para entrar en el clima de lo que sería a continuación la experiencia del comer, beber y relajarse. El lugar debía invitar al comensal a quedarse horas disfrutando. Ese había sido un pedido expreso del cliente.

l edificio: un galpón de hormigón donde funcionaba una antigua tornería, en un área aún semiindustrial de la Ciudad de Buenos Aires. Visitar el lugar por primera vez y comprender de inmediato el espíritu de ese espacio crudo: el proyecto debía dejar toda la caja preexistente intacta y concentrarse en elementos exentos de paleta sensual y sofisticada. La atmósfera del espacio debía ser exactamente ese contraste.

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El desarrollo del proyecto se enfocó en una cantidad acotada de temas esenciales que guiarían todas las decisiones futuras. La sucesión de pórticos de hormigón. Siete vigas consecutivas delimitaban ocho módulos espaciales sucesivos, paralelos al ventanal industrial de la fachada. Ese ritmo y esa repetición se respetaron como ordenador de todo el layout. Los telones. La caja se mantuvo intacta sin particiones internas. Los límites se generaron a partir de una serie de telones de pana de 4.50 metros de altura. El "caracol" curvo, interludio entre la escalera y el salón y dos telones planos paralelos a las vigas permiten distintos escenarios de continuidad espacial, así como espacios privados. La barra monolítica. De mármol verde oriental de 17 metros de largo, oficia de único límite entre espacio de cocina y espacio de sentado. Ambos se vuelven teatrales desde la visión a un lado y otro de la barra. Comensales y cocineros como una danza.

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FICHA TÉCNICA Proyecto: Paula Herrero Arquitectura Equipo de proyecto: arq. Paula Herrero, arq. María Belén Ciovini Iluminación: Ruben Amsel Acústica: Asts Acoustics Equipamiento: Duveen, Maria Burani, Ragomar, Tecnocortinas, Inoxmaker, Smeg, Subzero Año: 2018

// Planta principal

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Los refugios: las mesas. Pensadas como espacios puntuales, las mesas circulares rodeadas de sillas y sillones envolventes de pana o cuero, funcionan como micromundos acabados dentro de la caja arquitectónica vacía. La iluminación. Protagonista y hacedora de la atmósfera de este proyecto, la iluminación fue proyectada magistralmente por Ruben Amsel. Concentra la mirada en los microespacios de las mesas circulares, la saturación de color tono sobre tono sobre los telones de pana, y los efectos intrigantes sobre la losa de hormigón visto. La paleta material. Panas, piedras, bronces y cueros. Rosas, petróleos, verdes y grises desaturados. Contrastes de frío y cálido. Brillante y opaco. Suave y áspero. Los baños. Negro y blanco. Un juego de reflejos en el espacio común, con una bacha monolítica de mármol negro absoluto, con interior blanco óptico. Warnes: llegar a una calle en Villa Crespo, encontrar una fachada industrial, tocar un timbre, ingresar por un portón de chapa, encontrar una planta baja vacía en semipenumbras, ver al final de esa planta un punto de luz y de color, caminar hacia ese lugar iluminado, ver la escalera, subir, atravesar un pasaje textil y llegar. Disfrutar. •

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WARNES Warnes es un restaurante situado en una exfábrica de Villa Crespo. El espacio está pensado para funcionar como una cocina de loft, un lugar para enfocarse en el otro, en uno, en lo tangible y lo intangible de la comida y del espacio. Todo unido. Más que un restaurante, es la casa de un cocinero obsesivo; un espacio que busca dar a los clientes y amigos lo mejor, realizado de manera destacada.

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Warnes es un espacio para conocer vinos y compartirlos. La comida, a cargo del chef Rodrigo Sieiro, es despojada, ecléctica y técnica al detalle.

PAULA HERRERO ARQUITECTURA Establecido en Buenos Aires en el año 2006 por la arquitecta Paula Herrero, el estudio provee servicios de arquitectura, diseño interior, diseño de mobiliario y dirección de arte. Con una estructura de trabajo dinámica, abierta a diversos tipos de cooperación y asociación, el estudio abarca diferentes escalas de encargos y contextos. Los proyectos que desarrolla incluyen desde interiores residenciales urbanos y casas de campo, hasta oficinas corporativas, retail, hoteles y restaurantes. Atravesada por múltiples influencias, viajera curiosa, Paula participó en el año 2014 en la Glenn Murcutt Master Class en Riversdale, New South Wales, Australia. Paralelamente a su obra proyectual, Paula se desarrolla en el campo de la reflexión y el pensamiento sobre temas de arquitectura, diseño y hábitat. Paula fue convocada en el año 2016 a conformar el comité editor de la plataforma wideonline.com.ar. Hoy es, además, Directora Editorial de la revista Wideprint. Sus trabajos han sido galardonados y publicados en sucesivas oportunidades.

Escanéa y mirá más obras de Paula Herrero en wideonline.com.ar

[ PORTFOLIOS ]

FOTÓGRAFA

ANNA CHOI La mirada furtiva de una mujer surcoreana viviendo en Londres

FOTOGRAFÍAS Anna Choi TEXTO Victoria Rico

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"I think Iâ&#x20AC;&#x2122;m quite into reflections, symmetry and lines" Anna Choi

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ay miradas fotográficas que se tienen aun no habiendo estudiado. Y se van a mantener, incluso después de haberlo hecho. No importan los años de aprendizaje, esa mirada permanecerá, como en Anna Choi, quien con un ojo espía se aleja y distingue de la postura del espectador. Tal vez sea su condición de foránea lo que construya y determine este punto de vista. Como todo fotógrafo nato, Anna no necesita un estudio preparado para encontrar una imagen que captar. Y aunque minimice este talento alegando su amateurismo, es justamente esta capacidad lo que destaca su cuenta del infinito mar de imágenes de Instagram. El camino a su trabajo, su hogar o un museo es lo que la inspira, reflejando en cada una de sus fotos los contextos que habita y sus modos de transcurrirlos. Las redes son las nuevas galerías y los teléfonos —cada vez más smart— son la herramienta ideal para mostrar nuestros puntos de vista; casi una democratización de las exposiciones que solo algunos pueden llevar adelante. Así es como una persona que se autodenomina “no profesional” puede exhibir su mirada desde un pequeño dispositivo que, a su vez, le permitió captar la imagen. Y es este mismo elemento el que la vincula a diario con sus más de dos mil seguidores de todas partes del mundo. Recorrer la cuenta de Instagram de Anna Choi o esta selección de fotos hecha para Wideprint, es sumergirse en una mirada personal, seducida por líneas, reflejos y simetrías. •

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ANNA CHOI Anna Choi nació en Corea del Sur y actualmente vive en Londres, donde trabaja como gerenta de una compañía. Todos sus conocimientos sobre fotografía provienen de sus búsquedas en Youtube e Instagram, aunque su cuenta pendiente es estudiar la práctica de un modo profesional. @anna.choi.young

Escanéa y mirá más fotografías de Anna Choi en wideonline.com.ar

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[ ARQUITECTURA ]

KAAN ARCHITECTEN

Instituto de Ciencias

Moleculares de Orsay Este edificio de 10.000 metros cuadrados al suroeste de París fue diseñado de manera tal que quienes trabajan allí lo experimentan como un paseo por el bosque que lo rodea.

UBICACIÓN Bâtiment 520, calle André Rivière, 91400 Orsay, Francia FOTOGRAFÍAS Fernando Guerra FG+SG Sebastian van Damme TEXTO Memoria de autor

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l Instituto de Ciencias Moleculares de Orsay (ISMO) se ha mudado recientemente a un nuevo edificio diseñado por KAAN Architecten. Se encuentra en la meseta de Saclay, 20 km al suroeste de París. Iniciado en 2010 y nacido de la fusión de tres laboratorios de investigación, este instituto superior de física molecular y fisicoquímica, bajo la supervisión de la Université Paris-Sud y CNRS, cuenta con un personal de 170 colaboradores. ISMO se fusionó con el Centre de Physique Matière et Rayonnement, agrupando laboratorios de física, un edificio educativo y un centro de recepción para investigadores internacionales. El nuevo edificio ISMO está ubicado dentro del Campus Paris-Saclay, un campus urbano que se extiende sobre casi 600 hectáreas. Dedicada a la educación superior, la investigación y la innovación, esta zona mixta se acompaña de viviendas, servicios y oficinas. Los nombres más importantes en arquitectura y urbanismo han estado involucrados en el diseño de este campus urbano y han contribuido a convertirlo en uno de los ocho grupos globales más prometedores. El monumental edificio rectangular de 10.000 metros cuadrados diseñado por KAAN Architecten es un componente notable en este desarrollo arquitectónico original.

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// Corte

Un principio de diseño básico ha guiado a la empresa holandesa: el personal de ISMO debería poder experimentar su viaje hacia y a través del edificio como un paseo por el parque y el antiguo bosque que rodea al edificio. De hecho, el proyecto representa una integración ejemplar de un diseño urbano-rural con la nueva estructura de hormigón que emerge del bosque dentro de un paisaje ondulado de colinas. El edificio ISMO se divide en dos reinos expresados arquitectónicamente, entrelazados en una sola entidad. Un área contiene láseres, espectrómetros y otros instrumentos científicos avanzados, y la otra comprende espacios de oficina y reuniones inteligentes y silenciosos que brindan condiciones de trabajo tranquilas y promueven la concentración.

// Nivel -2

// Nivel -1

FICHA TÉCNICA

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Estudio: KAAN Architecten (Kees Kaan, Vincent Panhuysen, Dikkie Scipio) Equipo de proyecto: Christophe Banderier, Marc Coma, Aksel Coruh, Sebastian van Damme, Paolo Faleschini, Renata Gilio, Walter Hoogerwerf, Jan Teunis ten Kate, Marco Lanna, Ismael Planelles Naya, Ana Rivero Esteban, Joeri Spijkers, Koen van Tienen, Pauline Trochu Arquitecto local asociado: FRES architectes, París

// Nivel 0

Cliente: Université Paris-Sud Diseño: julio 2012 - julio 2014 Construcción: julio 2014 - enero 2018 Área total: 10.000 m2 Asesor estructural: EVP Ingénierie, París Acústica: Peutz & Associes, París Asesor financiero: Bureau Michel Forgue, Apprieu Caminos y utilidades: Servicad Ouest IDF, Cesson Sevigne Asesor de instalación y sustentabilidad: INEX, Montreuil Paisaje: KAAN Architecten Contratistas: SN Bloch, Blois (trabajo en hormigón y en obra, impermeabilización); Atelier Bois & Cie, Chaumont (construcción de metal); Arblade, Tremblay-en-France (revestimiento de fachada); Loison, Armentières (puertas y ventanas de aluminio); Slam Métallerie, Laon (trabajo en metal); IDS, Vaux le Pènil (paredes interiores); Sertac, Meudon (techos); Normen, Evreux (puertas y ventanas de madera); Eurosyntec, Villeneuve le Roi (pisos de resina); Eliez, La Pleine St. Denis (pisos de PVC); Mabuleau, Fontaine le Comte (pintura); Cofely Axima, Paris (instalación de agua, plomería y ventilación); Amica, Paris (instalación eléctrica); Servicom, Paris (ascensores); Fluides Concept, Le Perray en Yvelines (gas); Delagrave, Romilly sur Andelle (instalaciones de laboratorio); France Ingénierie Service, Salbris (planificación y administración del sitio en construcción)

// Nivel 1

// Nivel 2

// Nivel 3

// Nivel 4

// Nivel 5

Mientras que los laboratorios que apenas admiten la luz del día están situados en el lado largo del lado norte del edificio, detrás de un elegante muro cortina, la fachada sur alberga las áreas de oficinas, donde los postes de hormigón y dinteles apilados de forma resistente forman un patrón de rectángulos. La rejilla destaca por sus rellenos acristalados, como nichos, colocados a 80 centímetros de profundidad en la fachada. Los amplios ventanales ofrecen impresionantes vistas del paisaje circundante. La entrada, situada en el centro de esta fachada, se hace evidente de inmediato por la desviación del patrón y la entrada acristalada, que ha sido ligeramente adelantada. Al entrar en el edificio, se despliega un espacio en blanco que se extiende hasta el cielorraso. La luz del día inunda el atrio a través de la fachada y un gran tragaluz. El atrio cuenta con un mostrador de recepción, una cafetería y una amplia escalera que desciende hasta los laboratorios y el estacionamiento. A la derecha de la entrada, una pared de la biblioteca se extiende sobre dos pisos, conectados por una escalera de acero en espiral cerrada. Hacia arriba, los balcones rectangulares se proyectan en el espacio como ajustes cómodos para conversaciones e intercambio de ideas. La combinación cohesiva de luz diurna, amplitud y líneas de visión crea un gran efecto espacial. En las áreas de oficinas, los pasillos se presentan inmediatamente detrás de las fachadas, a lo largo de todos los pisos y los espacios de trabajo están situados alrededor de dos patios amplios que proporcionan luz natural y han sido diseñados estratégicamente para fines que requieren un cierto grado de privacidad. Junto con la investigación de laboratorio y el procesamiento de datos, el edificio acomoda la educación académica a través de un auditorio que está suspendido como una caja sobre el atrio en los niveles 3 y 4. La parte inferior inclinada de la zona de asientos es un complemento perfecto para el tragaluz, ya que refleja y duplica la luz. En el interior, el auditorio está recubierto de roble.

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El edificio está unificado por un tratamiento de fachada consistente. Los rectángulos y los huecos profundos de la parte delantera se extienden alrededor de las esquinas hacia las fachadas laterales y continúan hasta las esquinas finales. La estrategia de fachada inclusiva une los enfoques complementarios y las actividades que coexisten dentro de la institución. El funcionalismo sutil pero expresivo de KAAN Architecten, con sus matices de sofisticación, también está en el centro de varios bloques residenciales y edificios de usos múltiples, que actualmente están en construcción en Lille, Nantes y París. Además, a principios de 2019 abrirá sus puertas el monolítico Chambre de Métiers et de l'Artisanat en Lille. •

KAAN ARCHITECTEN KAAN Architecten es un estudio de arquitectura con base en Róterdam que opera en un contexto global, uniendo su experiencia práctica y académica en los campos de la arquitectura, el urbanismo y la investigación de los ambientes construidos. El estudio, dirigido por Kees Kaan, Vincent Panhuysen y Dikkie Scipio, está compuesto por un equipo internacional de arquitectos, paisajistas, planeadores urbanos, ingenieros y diseñadores gráficos. KAAN Architecten cree en la polinización cruzada entre proyectos y disciplinas como una herramienta esencial para fomentar un debate crítico dentro del estudio. Desde la fundación del estudio, KAAN Architecten ha estado a cargo y supervisado un amplio rango de proyectos, trabajando activamente con el sector privado y público, con equipos de proyectos que se volvieron cada vez más interdisciplinarios y dinámicos. KAAN Architecten mantiene una cultura de constante evolución, lo que es esencial en una profesión que cambia constantemente y a un ritmo tan rápido. Buscan mantener relaciones duraderas con sus clientes, consultores y socios.

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Los proyectos de KAAN Architecten trascienden la noción tradicional de escala y tipología, desde el mobiliario y los interiores hasta el desarrollo urbano y desde el comercio minorista y oficinas, museos y edificios para la salud y la educación.

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[ DISEÑO ]

DISEÑADOR JORDI RIBAUDÍ

TORU El cuero como materia prima de piezas que fusionan artesanía y diseño.

FOTOGRAFÍAS Jordi Balsells Ignasi Rojas TEXTO Memoria de autor

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ORU es una empresa joven de diseño y artesanía que produce muebles de diseño simple y con materiales distinguidos. Las colecciones se caracterizan por el uso de cuero curtido vegetal de alta calidad, producido localmente.

TORU explora las propiedades del cuero para el diseño de objetos: experimenta con el material para crear formas originales con cualidades simbólicas, estéticas, pero también táctiles. Todos los productos son hechos a mano por artesanos locales y son únicos o producidos en pequeñas series. Son diseños capaces de durar muchos años. Fundada en 2015 por Jordi Ribaudí, la empresa con sede en Igualada (Barcelona) tiene sus raíces en la industria local del cuero y está ubicada en una curtiembre del siglo XIX restaurada. La historia de la creación de TORU se remonta a 2005, cuando Jordi Ribaudí decidió mover su estudio de diseño muy cerca de donde su familia había dirigido una fábrica de cuero. Ese año llegó a un acuerdo con los propietarios de una antigua fábrica para restaurar el edificio e instalar su estudio en él.

En 2009 y paralelamente a su actividad como diseñador, Ribaudí se alió con un grupo de creadores para iniciar el proyecto RecStores con el objetivo de hacer visible el patrimonio arquitectónico mediante la instalación temporal de tiendas emergentes en las curtiembres abandonadas. A partir de este proyecto comenzó a establecer contactos y amistades con los curtidores de la zona. La proximidad, conociendo sus procesos y las posibilidades del material, le permite explorar, experimentar y finalmente crear con cuero. Así nació una colección de piezas que finalmente se convirtió en el proyecto TORU, en 2015. Una mezcla de ideas y sensaciones convertidas en objetos. CUERO TORU produce todas sus colecciones exclusivamente con cuero curtido vegetal de vaca, tratado con extractos de castaño, mimosa y quebracho. Esto garantiza una materia prima de fabricación natural y de primera calidad. El distrito industrial de la Rec de Igualada alberga una de las concentraciones más importantes de fábricas de cuero en Europa. La mayoría de ellas se especializa en la fabricación de cuero de primera calidad para reconocidas marcas de moda. Esta técnica de bronceado se remonta al principio de los tiempos y se caracteriza por el uso de extractos vegetales para transformar las pieles en cuero. Su principal característica es preservar la apariencia y el color máximos de la materia prima original y garantizar la ausencia de componentes químicos peligrosos o irritantes. Las colecciones de TORU están realizadas con cuero curtido vegetal que deja las texturas visibles y las imperfecciones naturales de la piel. El color del cuero proviene del propio material y los extractos de plantas. Mediante la adición de anilinas naturales se consiguen los colores restantes.

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Desde 2008, con el estudio funcionando en el tercer piso, el edificio ya restaurado se conviertió en un espacio de exposición y, al mismo tiempo, promovió la recuperación del vecindario y sus antiguas fábricas.

L A COLECCIÓN TORU Las tres primeras piezas de la colección TORU han sido diseñadas como un diálogo entre el material y el símbolo, entre lo que es y lo que representa. CLOP Con un inesperado pliegue en la parte superior de la espalda, la silla Clop completa el recorrido desde una obstrucción rudimentaria (mitad madera, mitad cuero) a la idea de una silla. Coincidencia de ideas y materiales para una silla construida a la manera de objetos primitivos.

FICHA TÉCNICA Materiales: combina un respaldo de cuero curtido vegetal de 6 mm y una sólida estructura de roble. Ambos elementos fijados entre sí con herrajes de metal Acabado: el cuero está disponible en diferentes colores de anilina. El roble macizo está disponible en color natural o negro Medidas:

- 43 cm -

- 84 cm - 67 cm -

- 60 cm -

Color del cuero: negro, marrón, natural y avellana

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BABU Babu es una silla nómada. Puedes volar en una alfombra con él o usarlo para sentarte en la arena. Su diseño está inspirado en los grandes viajes de las tribus del desierto. Grandes cruces en los que el hombre se siente cerca de la tierra, descansa sobre ella y se fusiona con el paisaje. Babu es un lugar para relajarse y meditar, es descanso y refugio.

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Babu se construye a partir de una lámina de cuero que se dobla sobre sí misma para formar la espalda. Pequeños pies de metal sostienen la silla en posición vertical.

FICHA TÉCNICA Materiales: está construido a partir de dos láminas de cuero unidas de 8 mm de espesor. Pequeños pies de metal establecen la forma. El almohadón del asiento está disponible en tela de terciopelo Acabado: el cuero curtido vegetal y acabado en cera está disponible en diferentes colores de anilina. La tapicería está disponible en varios colores Medidas:

- 74 cm -

- 78 cm -

- 72 cm -

Color del cuero: negro, marrón, natural y avellana

PONY Inspirado en la equitación. El taburete Pony combina a la persona con el objeto para crear un conjunto, una sola pieza, un único significado, que le da contenido simbólico a la forma y la función. Un objeto minimalista que combina estructura de acero con asiento de cuero.•

FICHA TÉCNICA Materiales: taburete con asiento de cuero de 6mm de grosor, curtido vegetal y acabado en cera. La estructura viene en acero con recubrimientos de poliéster y reposapiés de acero inoxidable Acabado: la estructura de acero está disponible también en negro texturado. El cuero puede ser de distinto colores Medidas:

- 55 cm -

Color del cuero: negro, marrón, natural y avellana

- 30 cm -

- 46 cm -

- 80 cm -

- 42 cm -

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JORDI RIBAUDÍ Licenciado en Diseño Industrial, en 1996 fundó Estudi Ribaudí, especializándose en diseño de producto e iluminación. También trabaja con reconocidas marcas de moda en la creación de imagen y espacios de marca. Es uno de los creadores detrás de REC.0 Experimental Stores, proyecto nacido del deseo de recuperar la arquitectura industrial del barrio de Rec de Barcelona, a través de la apertura de tiendas emergentes. En 2016 lanzó su propia compañía de muebles, TORU, fabricados con el mismo cuero que se produce desde hace siglos en su ciudad natal.

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UBICACIÓN 5120-491 Valença do douro,Portugal FOTOGRAFÍAS Jean-Francois Jaussaud TEXTO Memoria de autor

[ INTERIORISMO ]

QUINTA DA

Côrte

INTERIORISTA PIERRE YOVANOVITCH

Ubicado en una región de Portugal que ha sido declarada Patrimonio de la Humanidad, cada espacio de este hotel fue diseñado con una combinación única de muebles clásicos franceses, italianos y escandinavos, así como obras contemporáneas hechas a medida que otorgan sensación de calidez.

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QUINTA DA CÔRTE: UN DOMINIO REINVENTADO

bicada en la región del Valle del Duero, Portugal —declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO— la Quinta da Côrte es un hotel y bodega creada por Philippe Austruy. La propiedad, que se abrió al público en abril de 2018, rinde homenaje a la vista espectacular y la historia regional. Después de lograr resurgir los viñedos de los alrededores, Austruy estaba ansioso por crear un lugar que le permitiera compartir la belleza y el vino excepcional de la finca con el público. Ubicado en el encanto del viejo mundo de la región, que incluye viñedos centenarios, embarcaciones tradicionales portuguesas y vistas impresionantes, la Quinta da Côrte es un destino para los viajeros más exigentes y amantes del vino. Con el fin de crear un espacio que mantenga la integridad de la historia de la región y que ofrezca un retiro lujoso y bien diseñado para los viajeros, Austruy contrató al interiorista Pierre Yovanovitch. UNA COL ABOR ACIÓN AMIGABLE "Como todos mis encuentros, esto se produjo a través del azar y la amistad", recuerda Philippe. Mientras buscaba un diseñador para hacerse cargo del trabajo que se estaba realizando en Patinoire Royale —su galería de arte contemporáneo en Bruselas—, su amigo Jean-Jacques Aillagon le presentó a Pierre Yovanovitch. Atraído por la visión estética de Pierre, la atención al detalle, la inteligencia y la disposición para escuchar, Philippe también puso a Pierre a cargo de la renovación de su propia residencia, antes de invitarlo a darle nueva vida a la Quinta da Côrte. Pierre trabajó en estrecha colaboración con Austruy durante todo el proceso de construcción, preservando el objetivo y la autenticidad de la propiedad. Dirigió su atención a los asuntos técnicos, renovando la antigua bodega utilizada exclusivamente para los vinos de Oporto, de la cual Philippe quería conservar la estructura original, así como también modernizarla.

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L A CASA: EL ARTE DE VIVIR La casa de huéspedes es accesible por un camino sinuoso que serpentea a través de las colinas de los viñedos de los alrededores. Se remonta al siglo XIX y presenta muchos de los elementos originales de diseño exterior, como ventanas y contraventanas antiguas. Austruy le encargó a Yovanovitch que preservara el espíritu original de la propiedad, lo cual hizo renovando cuidadosamente las características estructurales de la casa e incorporando la paleta tradicional de color de las casas portuguesas. Yovanovitch también trabajó con materiales locales, como azulejos, esquisto y madera sólida, para preservar la estética de la casa anterior. La casa se compone de doce habitaciones distribuidas alrededor del edificio principal y dentro de dos pequeños anexos a los que se accede por escaleras estrechas. Las habitaciones cuentan con suelos de parqué, paredes encaladas y cielorrasos pintados en tonos pastel pálidos. Los baños están decorados completamente con azulejos portugueses hechos a mano con colores tradicionales como verde bosque, azul real y rosa pálido. La cocina cuenta con una gran chimenea con una mesa de madera en el centro que tiene una tapa hecha a medida por la artista Laura Carlin. Yovanovitch encargó al maestro vidriero Matteo Gonet la creación de un artefacto de iluminación de racimo esférico y suspendido que recuerda a los viñedos circundantes.

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Las acogedoras salas de estar y la biblioteca contigua con paredes de ladrillo rojo encaladas invitan a los huéspedes a relajarse. Las dos salas de degustación permiten degustar los vinos de la finca. Yovanovitch diseñó el espacio con una combinación única de muebles clásicos franceses, italianos y escandinavos, así como obras contemporáneas hechas a medida para darle al espacio la sensación de calidez de una habitación familiar.

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Las habitaciones cuentan con accesorios de iluminación y mesas de café de cerámica artesanal únicos, así como cabeceras portuguesas que se inspiran en los archivos de la Fundación Calouste Gulbenkian. Hay alfombras artesanales tejidas en Portugal y una colección de platos y antigüedades portugueses que se complementan con obras de varios artistas y diseñadores del siglo XX, entre ellos: Bruno Gambone, Georges Pelletier, Bjorn Wiinblad, Jean Lurçat, Peder Moos, Gunnar Nylund, Jean Derval, Les Frères Cloutier, Albert Thiry, Michel Alexandrov, Roger Capron, Nathalie Dupuis y otros. La terraza cuenta con mesas de comedor con sombra proyectada por ciruelos, limoneros, olivos, almendros, naranjos e higueras, lo que la convierte en el lugar perfecto para disfrutar de un desayuno o almuerzo relajado. Las tumbonas de rattan creadas por Bonacina y las mesitas de cerámica esmaltadas rodean la zona de la piscina cercana. La casa es el alma de la finca Quinta, que invita a los huéspedes a relajarse y disfrutar de la belleza del valle del Duero.

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UNA TIENDA DE VINO ARQUITECTÓNICA Una de las características principales de la propiedad es Chai, el almacén y la tienda donde se produce el vino y se pone a disposición para su degustación y compra. Para este espacio, Pierre Yovanovitch creó un edificio contemporáneo de tres pisos con vista al valle del Duero y su excepcional panorama. Durante la construcción, el edificio en expansión requirió una excavación de 20 metros en el lecho de roca de esquisto. Este proceso se convirtió en parte de la narrativa de diseño, ya que Pierre Yovanovitch cree que "las restricciones inspiran la creatividad".

Una majestuosa escalera formada por azulejos artesanales locales sirve como columna vertebral de Chai, que se abre camino en medio de bóvedas encaladas. Este elemento arquitectónico clásico suaviza las líneas contemporáneas de la estructura, que se mezclan armoniosamente con su entorno. Las aberturas del edificio muestran el río y los viñedos a continuación. Las numerosas ventanas permiten que la luz se difunda en la moderna estructura del espacio hecho de elementos locales: piedra caliza, esquisto, madera y concreto. Con la simplicidad y la funcionalidad en mente, Yovanovitch creó las bodegas abovedadas, las cavas, la oficina, la sala de degustación y el comedor con terraza al aire libre con vistas al valle del Duero. Para la tienda de vinos, Pierre Yovanovitch ha diseñado muebles contemporáneos, realizados exclusivamente para la Quinta da Côrte por artesanos locales y renombrados artesanos franceses: la mesa alta de concreto azul y metal, los sofás de madera maciza y los almohadones cosidos a mano, el techo suspendido en "vid" en metal y vidrio negro en el comedor y mesas de café en piedra de lava.•

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PIERRE YOVANOVITCH Combina arte, elementos arquitectónicos y muebles antiguos. Tiene oficinas en París y un estudio en el corazón de Nueva York. Entre sus proyectos se incluyen residencias privadas en París, Nueva York y Bruselas, un castillo del siglo XVII en Provenza, hoteles de cinco estrellas en Francia y Europa, un museo privado y escenografía de exposiciones internacionales. El trabajo de diseño de Pierre Yovanovitch se caracteriza por una interacción de líneas y ángulos armoniosos, artesanía superior y una atención extrema a los detalles. Cada proyecto supervisado por Yovanovitch se concibe como un esfuerzo a medida, creando muebles específicos para el sitio y adaptando el diseño interior a la ubicación del proyecto y al estilo de vida del cliente. Un aspecto central de su trabajo es su pasión por el arte contemporáneo. Yovanovitch incorpora obras contemporáneas junto con la comisión de artistas establecidos y emergentes para crear obras en el sitio.

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[ DIÁLOGOS ]

De objetos encontrados Diálogo con Miguel Bornstein por Victoria Rico Fotografías: Eugenio Valentini

Un diálogo con Miguel Bornstein, dueño de 30QUARENTA, local de la calle Arroyo repleto de objetos con formas y colores únicos. Íntimo, rodeado de sus perros y de su equipo, recuerda el camino recorrido con el mismo entusiasmo del primer día.

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¿Q

uién no se cuestionó alguna vez su “aquí y ahora”? “¿Qué hago acá? Yo quiero estar en otro lugar.” Esta pregunta, que parece sencilla, puede considerarse un atisbo, una señal e indicio claro de un estado de consciencia. Eso es: ser consciente del momento, del lugar y de uno mismo dentro del contexto. Deteniéndonos un instante, podemos hacer silencio en nuestro interior para permitirnos la reflexión que nos habilita a elegir entre permanencia y cambio; aunque la pregunta —simple pero no menos profunda— es ya un estado de transformación. Un momento así —un instante de atención— fue el motor de cambio en la vida de Miguel Bornstein, dueño de 30QUARENTA, local tan impregnado de alma que desborda su vidriera. Lo que Miguel siente por los objetos que encuentra es un amor que comenzó en su adolescencia. Con 15 años ya asistía con ansiedad y entusiasmo a remates y anticuarios, solo por el placer de ver las cosas.

Como toda historia, esta también se encuentra atravesada por ese tipo de personas que potencian nuestro camino; en este caso, fue Laura Ocampo. En sus proyectos como decoradora de interiores, Laura confió en su ojo, en su criterio y en la originalidad de cada uno de sus objetos. Con el tiempo, decidieron hacerse socios. Así, de forma natural, surgió 30QUARENTA, cuyo nombre corresponde a la altura de la calle del departamento desde el cual comercializaban los primeros objetos, en un agitado 2001. En aquellos tiempos, vender desde un espacio sin vidriera, que nadie conocía, parecía casi imposible. Afortunadamente, nada detuvo a estos dos socios entusiastas, que se embarcaron en “un camino al andar, sin hoja de ruta y descubriendo cosas que divertían”, tal como Miguel lo recuerda. Luego del departamento vino el local de la calle Arroyo y unos años después la disolución de la sociedad. Desde 2004 Miguel lleva adelante 30QUARENTA junto a su equipo, Caterina y Nicolás, pieza clave para incentivarse en los procesos de creación. Son entusiastas, optimistas y ansiosos a la hora de esperar la llegada de cada objeto: “somos como chicos esperando un juguete.” Para Miguel, el objetivo de 30QUARENTA es tomar objetos existentes y valorarlos por lo que son, para luego transformarlos en algo diferente. Color, modernidad y humor son características propias de cada pieza obtenida, donde el resultado no es un objeto más que se suma a un mundo saturado de ellos, sino el producto de una resignificación. Cada creación es ideal para intercalar en “casas humanas” que reflejan la identidad de quien las habita, más allá de la moda imperante. Es imposible no sentir el amor que Miguel demuestra por los objetos que encuentra. Se reflejan en su modo de observarlos detenidamente, describiendo su historia y destacando la belleza alojada en cada uno de ellos. Sus procesos de búsqueda parecen ser deliberadamente eternos, porque cada objeto encontrado es el inicio de una nueva creación. Su último hallazgo comprende los textiles andinos que descubrió viajando por el norte argentino: “fue puro amor, los vi y me parecieron absolutamente irresistibles”. Según su percepción, estas piezas están devaluadas en relación a su verdadero valor artístico, por lo cual ha decidido enmarcar algunas de ellas, para protegerlas y reconocerlas como obras de arte propiamente dichas. Hace ya mucho tiempo que este local situado en la calle Arroyo se transformó para Miguel en su lugar, “un living con vidriera a la calle”. Sentarse a compartir con él un momento, rodeados de tantas formas y color, es atravesar y experimentar de un modo casi directo la historia con sus objetos. Una visita que nadie debería perderse. •

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Sin embargo, los trabajos previos a 30QUARENTA nada tuvieron que ver con su verdadera afición. Vivió durante muchos años en el marco de las grandes empresas, sumergido en un mar de responsabilidades y viajes que un día decidió dejar de lado, al comprar un local en San Isidro. Allí, en 48 metros cuadrados, dio vida a su primer anticuario, a partir del cual tuvo la oportunidad de retomar o, mejor dicho, profundizar su vínculo de amor con los objetos.

30QUARENTA: color, humor y formas atractivas

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“Son diseños emotivos, porque cada objeto refleja una historia.” Caterina, equipo de 30QUARENTA

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MIGUEL BORNSTEIN Nació en Buenos aires en una familia austríaca. Desde temprana edad sintió curiosidad por los objetos antiguos, remates y anticuarios. Estudió Finanzas y Administración en la UADE y se especializó en la Universidad de Columbia, en Estados Unidos. Trabajó en la industria de alimentos, llegando a ser Presidente de la empresa norteamericana Conagra y Pecomagra. Después de 20 años decidió cambiar de rubro, para dedicarse de lleno a su pasión, con un anticuario en San Isidro. Desde el 2004 lleva adelante 30QUARENTA en la calle Arroyo.

PRODUCTOS Y MATERIALES

de diseño

Espacio 9: Cocina de otro tiempo

ALBA PRESENTÓ LAS TENDENCIAS EN COLOR PARA EL 2019 EN CASA FOA "Dejar entrar la luz" es la impronta que envuelve a la nueva colección 2019 y Créme Brûlée el tono insignia del año entrante; ambos surgen del resultado de la investigación llevada adelante por la firma a nivel mundial. Verdaderamente versátil y contemporáneo, el color del año de Alba para 2019 conecta un amplio espectro de estilos de vida e interiores y es la elección ideal para reflejar nuestro nuevo sentido de optimismo. Según los resultados de la investigación la gente está dispuesta a aprovechar el momento, no quiere esperar más para que las cosas sucedan. Hoy y ahora, es hora de pensar, soñar, amar y actuar. De allí se desprenden entonces las cuatro paletas para el 2019.

CONTACTO www.alba.com.ar

Espacio 9: Cocina de otro tiempo Paleta de Colores: AMAR Colores del Proyecto: Mousse de Oliva, Créme Brûlée, Aguas Oceánicas y Ámbar Terroso. Arquitecta Maia Lauferman, Natalia Alvarez Bonin, arquitecto Leandro de Angelo & diseñador Lucas Tumburus. Espacio22: Oficina de networking Paleta de Colores: SOÑAR y AMAR Colores del Proyecto: Souvenir, Ventizca y Aguas Oceánicas. Diseñadora Mary Verellen, Megan Dabove, diseñador Cesar Stivaletta & arquitecto Nicolás Martinez Gattari. Espacio 6: Living Paleta de Colores: ACTUAR Colores del Proyecto: Explosión Cítrica y Blanco Crudo. Arquitecto Javier Iturrioz.

Espacio 6: Living

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Espacio 22: Oficina de networking

PALE TA 1: LA CASA PAR A PENSAR La Casa para Pensar crea una atmósfera de calma y claridad, donde podemos sentirnos libres de ser nosotros mismos. Genera espacios simples y contemporáneos. Sus habitantes pasan tiempo en casa para reiniciar sus ideas, lejos del mundo exterior, se rodean de una cuidadosa edición de objetos y arte inspirador. La paleta de colores es relajada y cálida, teniendo como foco de atención al Color del Año Crème Brûlée, sus matices de miel y caramelo representados por Paseo del Parque y Beige Pergamino se combinan con una atractiva mezcla de neutros ricos y suaves toques rosados como Bello Brezo y Mochaccino, acompañados por el acento de un intenso Vino de Mesa y un sofisticado Mica Negra. La madera pulida, los muebles de mediados de siglo, las alfombras con motivos y los géneros enfatizan la elegancia dando a la intervención consistencia y coherencia.

PALE TA 2: LA CASA PAR A SOÑAR La Casa para Soñar crea espacios donde podemos estar quietos, en silencio. Un lugar para sentarse y soñar despierto, para encontrar paz y perderse en ella, para desconectarse del momento y pensar "¿Qué pasa si...?". Su habitante valora su hogar porque le permite dejar de estar apresurado y saborear el aquí y ahora. Aprecia que sea, al mismo tiempo, elegante y descontracturada, con toques lúdicos y caprichosos. La paleta es serena y madura, suave y cálida. Una mezcla pacífica de rosas y azules pálidos crean sensaciones de liviandad, el color del año y su tono ámbar da profundidad y sofisticación a los espacios. Los tonos Verde Iónico, Rosa Puccini, Souvenir, Beige Cebada son algunos de los que la conforman.

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Maderas lisas, tonos claros, adornos de cerámica simples hechos a mano y sublimes tejidos se unen para crear la sensación contemplativa y centrada de esta casa.

PALE TA 3: LA CASA PAR A AMAR La Casa para Amar crea una atmósfera de "casa abierta", alegre y acogedora, donde nos rodeamos de la gente y las cosas que consideramos importantes. Su morador ama las cosas que tienen un significado especial para sí mismo y esto se refleja en los diferentes e inusuales objetos que incorpora en sus espacios, así como las plantas exuberantes de las que le gusta rodearse. La paleta es la más cálida de la colección, está llena de matices ricamente pigmentados, incluye el Musgo Español, Aguas Oceánicas y un rojo intenso terracota como Ambar Terroso y Rojo Vesubio, todos aplacados por el Color del Año y el resto de neutros pálidos como Pájaro de Invierno y Blanco Unicornio. Muebles de madera al natural, géneros suaves y grabados botánicos se unen para crear una casa relajada y acogedora que es perfecta para compartir con aquellos que uno ama.

PALE TA 4: LA CASA PAR A ACTUAR Nuestra casa puede ser el lugar que nos estimule a la acción y nos permita probar cosas sin pensar en el resultado. Son las cuatro paredes a modo de caja que nos oyen cuando narramos una idea por primera vez o donde resolvemos problemas bajo la ducha. Quien vive en esta casa es audaz y valeroso, también divertido y sin complicaciones. Ve a su lugar para vivirlo, para recargarse con energía e ímpetu. La paleta es divertida, con colores intensos y limpios (Explosión Cítrica), se combinan verdes vivos (Floresta Amazónica) y rojos con rosas y azules más pálidos (Shangai y Rosa Irlandesa), subrayados por el nítido gris y blanco (Madera Ahumada y Blanco Crudo). El tono dorado de nuestro Color del Año asegura que la paleta se mantenga cálida y acogedora. Esta casa cobra vida con muebles reciclados, pintados y personalizados por ellos mismos. Formas gráficas audaces, corcho, madera enchapada y carpetas vintage crean un espacio que inspira a la acción.

EL USO DE LA CORTINA COMO ELEMENTO ARQUITECTÓNICO

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Definición espacial a partir de la materialidad de los límites

HUNTER DOUGLAS REALIZÓ UN ENCUENTRO CON REFERENTES DE LA ARQUITECTURA La revista Wideprint acompañó a Hunter Douglas en su encuentro con referentes de la arquitectura, realizado en el hotel Casa Sur Palermo. En esta oportunidad, 12 profesionales expresaron su punto de vista sobre la utilización de la cortina como elemento arquitectónico, con la Directora Editorial de Wideprint —arquitecta Paula Herrero— como moderadora del evento. El encuentro partió desde el concepto de la atmósfera a crear como puntapié de cada obra, donde el rol de las cortinas es fundamental, tanto en el tratamiento del asoleamiento como de las sombras. Según lo conversado, las atmósferas interiores se hallan en relación directa con la calidad de vida de cada espacio. Los arquitectos coincideron también en destacar la arista de la sustentabilidad, ya que las cortinas fueron definidas como un elemento básico a la hora de reducir el gasto de energía, tanto por permitir el ingreso de la luz solar como por ser útiles a la hora de regular la temperatura ambiente. En este sentido, se destacaron las cortinas Duette y su capacidad para reducir la temperatura hasta un 40%. Asimismo, se distinguió la condición de “piel” de la cortina, que acompaña el habitar de un espacio al configurarse como un elemento que brinda privacidad pero que, a la vez, es crucial en la conexión con el exterior. Es importante, entonces, tanto su condición de opacidad como de transparencia. También se destacó la transición de la cortina como elemento decorativo a pieza fundamental a la hora de pensar la funcionalidad de cada lugar. Este cambio en la concepción de su utilización es acompañado por Hunter Douglas y su desarrollo del nuevo sistema de cortinas inteligentes PowerView™, que brinda la posibilidad de controlarlas de forma remota vía smartphones o tablets, desde cualquier parte del mundo. El sistema fue especialmente ideado para colaborar con la tendencia al confort, la practicidad y funcionalidad de los espacios. Como conclusión del evento, la definición de las cortinas en una obra se posiciona hoy como instancia clave en las decisiones de diseño, las cuales conllevan consecuencias espaciales. • Hunter Douglas agradece a los participantes del evento: arq. Gabriela Barrionuevo, arq. Nazareno de Souza, arq. Guadalupe Diez, arq. Angie Dub, arq. Claudia Faena, arq. Carolina Feller, arq. Adriana Grin, arq. Paula Herrero, arq. Francisco Marconi, arq. Cecilia Moretó, arq. Sofía Saintotte, arq. Juan Martín Santagada.

MIELE, LA PRESTIGIOSA MARCA ALEMANA DE ELECTRODOMÉSTICOS, LLEGÓ A LA ARGENTINA Heladeras panelables, diseño y tecnología alemana al alcance de los amantes de las últimas tendencias en diseño europeo. El diseño de los equipos se integra armónicamente en cocinas con estilos tradicionales, actuales y modernos.

CONTACTO www.argentina.miele-importer.com info@argentina.miele-importer.com Norcenter, Esteban Echeverría 3750 Vicente López - PB local 1 Tel: (011) 4762 2972

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NATUZZI LLEGÓ A LA ARGENTINA La marca NATUZZI desembarca en Argentina, ofreciendo una variedad de sofás y poltronas para crear diferentes espacios de alta calidad y confort. La firma MISSURA, ubicada en Recoleta, cuenta con la exclusividad de la marca en Argentina. Sus productos poseen características únicas, entre ellas movimiento en asientos y respaldos, con espumas estudiadas y elegidas con valor ergonométrico y resultados sorprendentes de comodidad y adaptación al cuerpo. Con cueros PROTECTA y NATURAL —entre los mejores del mundo, con un cuidadoso trabajo artesanal— son acompañados por un costurado perfecto, dando como resultado un producto único. Los cueros PROTECTA son flexibles y resistentes, están cubiertos por una delgada película que protege de las manchas y los signos del paso del tiempo, sin afectar su belleza. Los cueros NATURAL son sumamente suaves y aterciopelados; se someten a tratamientos para conservar las pieles originales intactas. Un aspecto a destacar es la elección y entrega inmediata de los productos, ya que la firma posee un gran stock de modelos y colores, disponibles en nuestros locales de la calle Arenales, al igual que en el local de JULIA SOL en Córdoba Capital.

HERRAJES Y ACCESORIOS REHAU Detalles que hacen la diferencia en tus muebles Rehau es un líder mundial en la provisión de productos y soluciones para la industria del mueble. Por eso, desde hace ya varios años, trabajan con partners que comparten su misma pasión por la excelencia. Hettich es uno de los mayores fabricantes de herrajes para muebles del mundo. Desde hace ya varios años, REHAU comercializa los sistemas más confiables y duraderos de bisagras, sistemas de cajones, guías ocultas y sistemas ligeros y silenciosos para puertas de grandes placares. Ahora incorpora los sistemas Kesseböhmer, también de origen alemán, que aporta soluciones elegantes y de gran calidad para optimizar al máximo el almacenamiento en la cocina. Los fabricantes e instaladores de cocinas se benefician del montaje simplificado y el fácil ajuste de los módulos extraíbles y otros accesorios. Esto ahorra tiempo y asegura que el resultado final cumpla con los más altos requisitos.

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