SELF-PORTRAITS | Autorretratos by PROYECTO ACE

Self-portraits A u to r r e t r ato s

ALICIA CANDIANI

To Adolfo, who imagined this book even before I did. A Adolfo, que imaginรณ este libro antes que yo.

Self-portraits Autorret ratos

ALICIA CANDIANI

CREDITS | CRéDITOS EDITORIAL PROJECT | PROYECTO EDITORIAL Alicia Candiani EDITORIAL COORDINATION | COORDINACIóN EDITORIAL Valeria Zamparolo Daniela Ruiz Moreno DESIGN | DISEÑO Fabiana Vierheller PROLOGUE and TEXTS | PRóLOGO y TEXTOS Alicia Candiani ESSAY | ENSAYO Richard Noyce TRANSLATION | TRADUCCIóN Martín Barrère COVER | PORTADA Alicia Candiani Self-Portrait as a Swimmer | Autorretrato como nadadora 2006 www.selfportraitsproject.org

PHOTOGRAPHY | FOTOGRAFíA Works | Obra Gustavo Lowry Author photography | Fotografía de autor Manuela Muñoz: p. 7, 8, 41, 45, 46, 309 Sessions | Sesiones Alicia Candiani Adolfo de Salvo Guy Langevin Lars Yeudakimchikov Exhibition | Exposición Alicia Candiani Guy Langevin Enrique Leal Valeria Zamparolo

Candiani, Alicia Selfportraits = autorretratos / Alicia Candiani ; con prólogo de Richard Noyce. 1a ed. Buenos Aires : el autor, 2015 E-Book. Traducido por Martin Barrère ISBN 9789873368028 1. Arte. 2. Grabado. 3. Fotografía Digital. I. Noyce, Richard, prol. II. Barrère, Martin, trad. III. Título CDD 708 Fecha de catalogación: 04/02/2015 1º Edición Queda hecho el depósito de ley 11.723 © Alicia Candiani 2015

“There is no reason not to appreciate the beauty, the inquiry, the self-awareness, the reflection, the profundity, the whimsy of Self-Portraits: a project and an international traveling exhibition” “No hay razón para dejar de apreciar la belleza, la investigación, el auto-conocimiento, la reflexión, la profundidad y la fantasía presente en Autorretratos: un proyecto y exposición itinerante internacional “

The “Self-Portraits” Project is a collective international artwork based on Argentine artist Alicia Candiani’s original idea, also developed under her direction. Between the years 2006 and 2016 Alicia was invited by nine art institutions from Argentina, Mallorca and Cuenca in Spain, Brazil, Canada, Sweden as well as Kansas City, Montclair and Anchorage, Alaska in the United States, to explore theoretically and visually the issue of self-representation. Artists from all levels were invited to participate in the project, which has been on world tour as a traveling exhibition since 2011. El Proyecto “Autorretratos” es una obra artística colectiva internacional realizada bajo la dirección e idea original de la artista argentina Alicia Candiani. Entre los años 2006 y 2016, Alicia viajó invitada por 9 instituciones artísticas en Argentina, Mallorca y Cuenca en España, Brasil, Canadá, Suecia, Alaska, Montclair y Kansas City en Estados Unidos, explorando teórica y visualmente el tema de la auto-representación con artistas de todos los niveles. Desde el año 2011 el proyecto está dando la vuelta al mundo en el formato de una exposición itinerante

ALICIA CANDIANI Director

1953 Buenos Aires, Argentina Lives and works in Buenos Aires Vive y trabaja en Buenos Aires

PROLOGUE

PROLOGO

THROUGH THE LOOKING GLASS

AL OTRO LADO DEL ESPEJO

I “Self-Portraits” is a printmaking collaborative international art project. The proposal seeks to explore self-representation by moving it away from the traditional spheres of the genre and by concentrating on self-reflection. This search attempts to focus on both the artists’ political, social and psychological concerns as well as the culture or the territory they live in. The final aim of this book is to record the first eight sessions of the project and the traveling exhibition arising from it. However, the project's nomadic essence allows it to become a never-ending process if new groups of artists and new locations are added along the way.

I “Autorretratos” es un proyecto gráfico de colaboración artística internacional que busca explorar el territorio de la auto-representación, desplazándola de la esfera tradicional del género hacia lo auto-reflexivo, haciendo énfasis tanto en las preocupaciones político-socialespsicológicas de los artistas como la cultura y el territorio que habitan. La intención final de este libro es registrar las primeras ocho sesiones del proyecto y la exposición itinerante que derivó del mismo. Sin embargo, lejos de ser un proyecto concluido, la esencia nómade de esta propuesta le permite continuar en proceso indefinidamente, en tanto y en cuanto se sumen nuevos grupos de artistas y geografías durante su marcha.

The first nine sessions took place in Mallorca and Cuenca Spain, Argentina, Sweden, Canada, Brazil, Montclair, as well as in Anchorage and Kansas City in the United States. In them participants spontaneously explored subjects such as gender identity, race, the diaspora, emigration, discrimination, aging, illness as well as the construction of stereotypes, among others. The set of portraits arising from these encounters unfolds a puzzle of identity cutouts, as in Hanna Gustavsson's portrait (page126), which succeeds in symbolize the fluctuating identities and the ever-increasing inter-culturalism of our global world. II Since September 2006, when the first session started, I have traveled to work with groups of artists from different origins under the format of collaborative workshops. As stated before, the aim was to conceptually explore the selfrepresentation. In simultaneous, "another" perspective for the use of the new digital techniques in the printmaking field was also explored in combination with various printing procedures, both traditional and experimental. To that end, eight prestigious art institutions hosted each one of the sessions. All of them have an important presence in their respective communities and own

Las primeras nueve sesiones se realizaron en Mallorca y Cuenca en España, Argentina, Suecia, Canadá, Brasil, Alaska, Montclair y Kansas City en Estados Unidos. En el transcurso de las mismas los participantes abordaron espontáneamente temas como la identidad genérica, la raza, la diáspora, la emigración, la discriminación, el envejecimiento, la enfermedad y la construcción de los estereotipos, entre otros. El conjunto de retratos surgidos de estos encuentros despliega un rompecabezas de recortes identitarios que, como el retrato de Hanna Gustavsson (pag 126), simboliza las identidades fluctuantes y el creciente interculturalismo de un mundo global. II Desde septiembre del 2006, en que se realizó la primera sesión, he viajado para trabajar con grupos de artistas de diferentes lugares, bajo el formato de talleres de trabajo en colaboración. El objetivo de esos talleres fue, como se dijo anteriormente, explorar conceptualmente la auto-representación. Simultáneamente se buscó también una perspectiva “otra” del uso de los nuevos medios digitales en la gráfica,

printmaking facilities to enable the project. At the end of the workshop, participants had created a small edition of five prints, 45 cm x 45 cm each. This size could be expanded respecting the same module: 45 cm x 90 cm, 90 cm x 45 cm or 45 cm x 135 depending on the case. Of the five prints, the first one became part of the traveling exhibition, the institutions hosting the project kept the second and the remaining ones were for the participating artist. As from 2011 a collective exhibition/installation to show the pieces of the first eight sessions was organized. This large “print installation-mural” shows the ensemble of all the participants' self-portraits, including some self-portraits made by me during particular sessions, where I worked on the stereotypes that the collective imaginary have about certain places.

Up to the present, the project welcomed artists from all levels: acclaimed creators -such as Guillermo Núñez (winner of the Grand Prix in Visual Arts and former director of the National Museum of Fine Arts of Chile), established artists (Guy Langevin, Garry Kaulitz, Miguel Rivera, Enrique Leal, and Jo Ann Lanneville, among others), emerging artists (Eva Santin, Marta Sanz, Enzina Marrari, etc.) besides art students of the Kansas City Art Institute in the United States and Universidad de Castilla-La Mancha in Spain. The project also included amateur artists who participated in the Atelier Livre, a community art program for adults in Brazil. The inclusive nature of the project proposed a rainbow enriched by the geography, origin, race and the different languages and ages. So far ninety artists from twelve countries, including Germany, Argentina, Australia, Canada, Chile, Korea, Spain, United States, Indonesia, Puerto Rico and Sweden as well as an artist belonging to the Hidatsa tribe, have participated in the project. III The baptism of fire of the “Self-Portraits Project” was in September 2006, during the "Talleres de Obra Gráfica"1 organized every year by Fundación Pilar i Joan Miró in famous Son Boter, the artist's printmaking workshop in Palma de Mallorca. I mention this because starting the project in that location surrounded by those extraordinary Spanish artists strengthened my desire to materialize it and to see the project's outstanding future. At that moment I could not foresee that six years down the road ninety artists would come on board and that the visual production would be so vast and interesting. Nor could I imagine that in 2014 a fire would ravage Grafikens Hus’ wonderful

1 Summer Printmaking Workshops

combinados con procedimientos de estampación tanto tradicionales como experimentales. Para esto, cada una de las sesiones fue alojada por una prestigiosa institución artística, contando todas ellas con talleres para realizar el proyecto así como también con una importante presencia en sus respectivas comunidades. Al finalizar el taller los participantes contaban con una pequeña edición de sus autorretratos en cinco ejemplares, de 45 cm x 45 cm cada uno. Esta medida podía crecer respetando el mismo módulo: 45 cm x 90 cm, 90 cm x 45 cm ó 45 cm x 135 cm según los casos. De los 5 ejemplares realizados, el primero pasó a formar parte de la exposición itinerante, el segundo ejemplar quedó en poder de las instituciones que alojaron el proyecto y los restantes permanecieron como propiedad del artista participante. A partir del año 2011 se organizó una exposición/instalación colectiva que muestra lo producido en las primeras ocho sesiones. Esta gran “instalación-mural gráfica” se dispuso poniendo en conjunto todos los autorretratos de los participantes, incluyendo los míos que realicé en algunas de las sesiones, trabajando sobre los estereotipos que el imaginario colectivo tiene sobre determinados lugares. En lo que va del mismo, el proyecto abarcó artistas de todos los niveles: creadores consagrados (como Guillermo Núñez, Gran Premio Nacional de Artes Plásticas y ex director del Museo Nacional de Bellas Artes del mismo país), artistas formados (Guy Langevin, Garry Kaulitz, Miguel Rivera, Enrique Leal, Jo Ann Lanneville, entre otros), artistas emergentes (Eva Santin, Marta Sanz, Enzina Marrari, etc), estudiantes de arte del Kansas City Art Institute en Estados Unidos y de la Universidad de Castilla-La Mancha en España y artistas amateurs que realizan el programa artístico para adultos del Atelier Livre en Brasil. La base inclusiva del mismo propone una diversidad enriquecida por la geografía, la procedencia, la raza y las diferencias, tanto lingüísticas como etarias. Así, hasta el momento, han participado 90 artistas de 12 nacionalidades incluyendo Alemania, Argentina, Australia, Canadá, Chile, Corea, España, Estados Unidos, Indonesia, Puerto Rico y Suecia además de un artista perteneciente a la tribu Hidatsa. III Autorretratos tuvo su bautismo de fuego en septiembre de 2006, durante los “Talleres de Obra Gráfica” que organiza anualmente la Fundación Pilar i Joan Miró en el legendario Son Boter, el taller de grabado que tenía el artista en Palma de Mallorca. Menciono este hecho ya que el haber

facilities or that the MTS Gallery, which hosted us in Anchorage, would close down. It is both due to the achievements and the losses that the testimonies provided by this digital book become essential. To conclude, I would like to thank all the colleagues who co-directed or assisted in the production of "Self-Portraits", the institutions hosting it, and the participating artists and art students. I learned something from all of them and I think I also gave something to them in return. There is no need to say that the experience changed me -not only by giving me the opportunity to develop myself as an artist, to visit extreme geographies, to enjoy far-away cultures and to make new colleagues/friends- but also because it taught me to understand and respect others, to value their differences and to be amazed at the unexpected coincidences.

empezado el proyecto en ese lugar, y con los tan especiales artistas españoles que me acompañaron en esa oportunidad, determinó mis deseos de continuarlo y, con estos, su extraordinario desarrollo futuro. En ese momento no podía prever que en 6 años se sumarían 90 artistas y que la producción visual sería tan vasta e interesante. Tampoco me imaginé que las maravillosas instalaciones de Grafikens Hus en Suecia serían destruidas totalmente por un incendio en 2014 y que la Galería MTS que nos alojó en Anchorage ya haya cerrado sus puertas. Es tanto por todos los logros como por las pérdidas que el testimonio de este libro digital es necesario. Finalmente, agradezco a todos los colegas que co-dirigieron o asistieron en la producción de “Autorretratos”, a las instituciones que lo alojaron, a los artistas y a los estudiantes de arte que participaron. De todos aprendí algo y creo que a todos les di algo. No hace falta decirles que la experiencia me cambió -no solamente dándome la oportunidad de desarrollarme como artista, conocer geografías extremas, saborear culturas lejanas y hacer nuevos amigos/colegas- sino porque me enseñó a entender y a respetar al otro, a valorar las diferencias y a sorprenderme por las inesperadas coincidencias.

richard noyce Art writer

1944 Chichester, England Lives in Wales, UK Chichester, Inglaterra Vive en Gales, Reino Unido

WHO ARE YOU LOOKING AT?

¿A QUIÉN ESTÁN MIRANDO?

ONE

UNO

You probably see your reflection several times a day, intentionally when brushing your hair, applying make-up, or shaving, or unintentionally when passing a shop window or mirror. We know ourselves only partially through our reflections, and some of us don’t trust them very much. Strange things, reflections in a mirror, and yet we tend to judge ourselves by them, if only in part. The oddest thing is that we accept almost without question that we are looking at ourselves the wrong way round - our right hand is on the left hand side of the reflection, our left hand on the right - and yet we come to learn that this is natural. Think about the celebrated ‘mirror scene’ in the Marx Brothers film, ‘Duck Soup’: the ‘mirror’ isn’t there, but the game plays out all the same. The coming of cheap and readily available digital cameras allows anyone to take the game of reflections one step further. Look at yourself in the mirror, either your head and shoulders or your full body, and then take a photograph of the reflection, and transfer it to your computer. Then you can look at it, or play with it in a program like Photoshop and flip the image from left to right. What happens then is that you are, perhaps for the first time, able to look at an image of yourself as others see you when they look at you - your right and left hands are on the correct sides. But perhaps you will find that you look stranger than you thought you would. You have made a self-portrait, and you can print it out as evidence of a split second in your life.

Probablemente veamos nuestro propio reflejo varias veces por día. Intencionalmente cuando nos peinamos, maquillamos o afeitamos, o bien de manera no intencional cuando pasamos frente a una vidriera o un espejo. Nos conocemos sólo parcialmente a través de nuestros reflejos y muchos de nosotros no confiamos demasiado en ellos. Los reflejos en un espejo son cosas extrañas y sin embargo tendemos a juzgarnos por ellos, aunque sea sólo en parte. Lo más raro es que aceptamos casi sin cuestionarnos que nos estamos mirando a nosotros mismos al revés: en el reflejo, nuestra mano derecha aparece a la izquierda y la izquierda a la derecha. Sin embargo lo tomamos como algo natural. Piensen en la famosa “escena de los espejos” en “Sopa de Ganso”, la película de los Hermanos Marx. El “espejo” no está allí, pero el juego continúa sin más. El surgimiento de las cámaras digitales baratas y fáciles de manejar permite que cualquiera de nosotros lleve este juego de los reflejos un paso más allá. Miremosnos al espejo, sólo nuestros rostros y hombros o el cuerpo entero. Luego tomemos una fotografía del reflejo y descarguemosla en la computadora. Podemos observarla, jugar con ella utilizando un programa como Photoshop y dar vuelta la imagen de izquierda a derecha. Lo que sucede entonces es que podremos, tal vez por primera vez, mirar nuestra propia imagen como los otros la ven cuando nos observan: las manos, izquierda y derecha, están en el lugar correspondiente. Tal vez se vea más extraño de lo que pensabamos. Hemos realizado un autorretrato que podemos imprimir como prueba de un instante en nuestras vidas.

Making portraits has been one of the central aims of art for millennia. Our natural curiosity as human beings leads us to wonder who we are and our natural desire for immortality requires that we should be remembered in some form, perhaps in a more idealized form than reality ever allows us. We can achieve greatness in a portrait, or stay forever young - Oscar Wilde defined the perils of this very well in ‘The Picture of Dorian Grey’. Vanity

Hacer retratos ha sido uno de los objetivos primordiales del arte durante milenios. Nuestra curiosidad innata como seres humanos nos lleva a preguntarnos quiénes somos y nuestro deseo natural de alcanzar la inmortalidad exige que seamos recordados de alguna manera, tal vez más idealizada de lo que nos permitiría la realidad. Podemos alcanzar la grandeza en un retrato, o bien permanecer jóvenes por siempre tal como Oscar Wilde lo expresó claramente en “El retrato de Dorian Grey”.

comes into it as well: in the famous Holbein portrait of King Henry VIII we see a magnificent figure of a man, richly attired, strong and dominant… but we don’t smell the putrefying ulcers on his legs or see his decayed teeth. It is by that portrait that he is remembered and will be remembered in time to come: a sort of immortality, a false image. Or is it? What might we mean by ‘false’ if it is as real as the sitter wished it to be?

The making of self-portraits is another thing entirely, one that demands a different sort of attention from an artist. It needs self-awareness, selfknowing and perhaps a degree of narcissism, of obsession. Rembrandt is famous for his self-portraits, so is Van Gogh. Lucian Freud reached deeper into himself than many artists ever do when making the succession of self-portraits that punctuated his extensive output. We come to know the artist through such self-portraits, or we like to think we do. We speak of them having a deep humanity, or a psychological depth, or as revealing the artist’s soul like the peeling back of the layers of an onion. Think about Albrecht Dürer and his self-portraits: his image of himself as some sort of idealized Christ figure is magnificent - but how presumptuous! Not so well known, but far more penetrating, is his nude self-portrait drawing, perhaps the most powerfully honest of any portraits from any period of time. The image we see is a partial one, limbs are incomplete. Dürer clearly made the drawing of himself standing naked, peering into a mirror. He is unflinching in the honesty with which he portrays his male-ness. Some people find it embarrassing to look at: it has even, astonishingly, been called obscene. But it is mostly about the eyes: it is the eyes that regard us all these centuries later, staring at us unblinkingly across time. Dürer is telling us, ‘Look at me, naked, unashamed - I lived and looked and recorded what I saw, and I gaze at you with curiosity’. Unnerving, but magnificent. Anyone can now make a nude self-portrait such as this through the simple means of a digital photo of their reflection in a mirror, but few probably consider doing it, and some would consider it taboo. If attempted it would create a closed digital loop in which the person taking the photo is both the subject and object within the image. A strange self-knowing.

La vanidad también juega un papel importante: en el famoso retrato del Rey Enrique VIII pintado por Holbein vemos la imponente figura de un hombre, con lujosos atuendos, de porte fuerte y dominante… pero no olemos las úlceras putrefactas en sus piernas, ni vemos su dentadura deteriorada. De hecho lo recordamos por ese retrato y lo seguiremos haciendo así en el futuro: una suerte de inmortalidad, de falsa imagen. ¿Es así? ¿Qué queremos decir con “falso” si es tan real como el modelo quiso que lo fuera? La realización de autorretratos es algo completamente diferente que requiere otro tipo de atención por parte del artista que necesita autoconciencia, autoconocimiento y, tal vez, un cierto grado de narcisismo, de obsesión. Rembrandt es famoso por sus autorretratos, al igual que Van Gogh. Lucian Freud hurgó mucho más profundo en su ser, más de lo que muchos artistas jamás lo hicieron, cuando realizó una serie de autorretratos a lo largo de su vasta producción. Llegamos a conocer al artista a través de dichos autorretratos, o nos encanta pensar que los conocemos. Hablamos de ellos y afirmamos que tienen una humanidad o psicología profundas, o que el alma del artista aparece de a poco, como cuando pelamos las capas de una cebolla. Piensen en Alberto Durero y sus autorretratos: la imagen de sí mismo como una suerte de figura idealizada de Cristo se nos revela magnífica, ¡pero qué atrevimiento! No tan conocido, pero sí mucho más potente es su autorretrato desnudo en lápiz, que tal vez sea el más honesto de todos los retratos de cualquier época. La imagen que vemos es parcial, los miembros están incompletos. Durero claramente realizó el dibujo de sí mismo de pie, mirando su reflejo en un espejo. Es absolutamente honesto en el retrato de su masculinidad. Hay quienes se sienten incómodos al observarlo: hasta se lo ha llegado a considerar obsceno. Todo se centra en sus ojos: son los ojos los que nos miran a todos nosotros, desde hace siglos, que clavan la vista sin titubeos a pesar del transcurso del tiempo. Durero nos dice: “obsérvenme, desnudo, sin vergüenza. Viví, observé y registré lo que vi, y ahora los observo a ustedes con curiosidad”. Desconcertante y al mismo tiempo magnífico. Hoy cualquiera podría hacer un autorretrato desnudo como este mediante algo tan simple como una foto digital de nuestro reflejo en un espejo, sin embargo pocos pensarían en hacerlo, y algunos hasta lo considerarían tabú. Si se hiciera el esfuerzo, se crearía una imagen digital sin fin en donde la persona que toma la foto es al mismo tiempo el sujeto y el objeto dentro de la imagen. Un extraño autoconocimiento.

TWO

DOS

Alicia Candiani devised the self-portrait project that is the subject of this book/catalog. Between 2006 and 2011 she conducted workshops in eight locations across the world, including Mallorca and Cuenca in Spain, Buenos Aires in Argentina, Mariefred in Sweden, Porto Alegre in Brazil, Anchorage, Alaska and Kansas City in the USA. A wide range of artists, working in a wide range of mediums, was invited to attend workshops. As a result, 90 participants created a self-portrait print. In this project the medium chosen was printmaking, since it fitted well within the concept of the workshops and the materials and tools to hand. In an ever-widening international art world there is now far less differentiation between mediums, and many artists will choose to use whatever medium suits best the ideas they have and the intended outcome of the work. Such a diversity of approach, medium and outcome has created a marvelously rich contemporary art world, full of challenges and responses, with wide international appeal.

Entre 2006 y 2011, Alicia Candiani concibió el Proyecto Autorretratos, que es el tema del presente libro/catálogo, organizando talleres de creación en ocho lugares del mundo: Mallorca y Cuenca en España, Buenos Aires en Argentina, Mariefred en Suecia, Porto Alegre en Brasil, Anchorage, Alaska y Kansas City en los Estados Unidos. Un gran número de artistas, que trabajaron en una amplia selección de técnicas, fueron invitados a participar de los talleres. Como resultado, noventa participantes crearon su autorretrato. En este proyecto el medio elegido fue la gráfica, ya que se adaptaba bien al concepto de los talleres y a los materiales y herramientas a disposición. En el mundo del arte internacional en constante expansión, hoy en día existe poca diferencia entre las disciplinas y muchos artistas elijen utilizar la técnica que les es más adecuada para materializar sus ideas y así lograr el resultado que esperan de su trabajo. Dicha diversidad de abordajes, disciplinas y resultados desembocó en un arte contemporáneo decididamente rico, lleno de desafíos y de respuestas, y además con un gran atractivo internacional.

When you read this digital book and study the images, or when look at the exhibition if it comes your way, you will find a world of rich ideas and possibilities, executed in an amazing variety of mediums, presented in a wide range of ways, and divided into a nine thematic groupings. For all this richness and diversity, not to mention the high levels of imaginative, technical and contextual skills that are presented, what you are looking at is a very small sample of work by an equally small cross-section of contemporary artists from many parts of the world who came together in a shared endeavor. It is impossible to guess the exact total number of hard-working artists in the world who make and share work in whatever mediums they choose, but it is certainly a very large number. In turn this means that what you are looking at is completely remarkable, something that has never been done before, which would be difficult to repeat, and yet which contains the potential of being continued and extended in any country in the world, in ways that are probably limitless. That is a very bold claim, but is nonetheless true. THREE The basic format for the works in the exhibition is digital print on paper, 45 x 45cm. The rigor this gives provides as strength and cohesion to the whole.

Cuando lean este libro digital y estudien las imágenes, o cuando observen la exposición, encontrarán una gran variedad de fructíferas ideas y posibilidades, ejecutadas en una sorprendente multiplicidad de medios, presentada usando diversas técnicas y dividida en nueve grupos temáticos. Sin embargo, lo que miramos de toda esta riqueza y diversidad -sin mencionar el alto nivel de recursos técnicos, conceptuales e imaginativos presentados- corresponde sólo a una muy pequeña parte del trabajo realizado por un igualmente pequeño grupo de artistas contemporáneos, provenientes de diversas partes del mundo, que se aunaron en un proyecto compartido. Resulta imposible adivinar la cantidad exacta alrededor del mundo de laboriosos artistas que realizan y comparten sus trabajos en los que utilizan las técnicas de su elección, sin embargo sabemos que el número es muy alto. A su vez esto significa que lo que estamos observando es absolutamente único, algo que nunca se hizo antes, que sería difícil repetir pero que tiene la capacidad de poder continuarse en cualquier país del mundo, de maneras que tal vez no tengan límites. Se trata de una aseveración muy audaz; sin embargo es verdad. TRES El formato básico de las obras en la exposición es impresión digital sobre papel, de 45 x 45 cm. Dichas restricciones otorgan fuerza y cohesión al

However, because artists are highly idiosyncratic people, there are variations: some have incorporated other print mediums, some have used the basic dimensions as a module, doubling, or even case trebling, the format, and some have extended the medium into three dimensions on unconventional surfaces. All this is to be welcomed, because printmaking techniques have a long and honourable history of evolution that has come about because someone broke the rules - a creative anarchy if you will. The choice of digital is interesting, partly because it is now capable of extraordinary variation and partly because it is still, despite all the clear evidence to the contrary, seen by some traditionalists in the printmaking world as being anathema, well beyond the limits of acceptability in conventional circles, and tantamount to commercial art! But the pervasiveness of digital technology in the contemporary world, and the essentially democratic factors of price and availability, makes it one of the fastest growing methods of making art. There is, it must be admitted, quite a lot of digital imaging (‘art’ if you wish to stretch the definition) that is really not that good. On the other hand, as this book and the exhibitions from which it has grown prove beyond any doubt, digital image-making technology is capable of producing wonderful works, with very high levels of imagination and technical skill, which carry powerful creative and emotional resonances. Digital imaging is now firmly established, and will not disappear. Instead, as the pace of technological innovation continues to increase, it will continue to evolve into new and exciting forms capable of producing extraordinary results. At the same time, the time-honoured traditional methods will continue to be used by succeeding generations of young artists who will discover for themselves the excitement in using a continuum of techniques that extend back 4000 years or more in time and will extend far into the future. And the wonderful thing is that digital printmaking allows the creation of as few, or as many, examples as the artist wishes to include in the edition, creating anything from a single unique image to an edition without limit. A print can be the equivalent of a cherished original painting, offered for sale at a high price, or a large edition made cheaply available to many people, or anything in between. Digital prints can be transmitted electronically, shared with others anywhere in the world with an Internet connection, swapped, exchanged or given freely, across land borders and oceans. This is what this digital book is doing.

todo. Pero, dado que los artistas tienen ideas muy peculiares, existen variaciones: algunos incorporaron otras técnicas gráficas o utilizaron las dimensiones básicas como un módulo, duplicando o a veces triplicando su formato, y otros incluso forzaron la técnica para llevarla a tres dimensiones sobre superficies no convencionales. Todo ello es bienvenido debido a que las diferentes técnicas de la gráfica cuentan con una extensa y honrosa historia de evolución, que surgió gracias a que a alguien se le ocurrió romper las reglas -llamémosle anarquía creativa, si así lo prefieren. La elección de soporte digital resulta interesante, en parte porque se puede lograr una variación extraordinaria, en parte porque aún hoy, a pesar de todas las evidencias que apuntan a lo contrario, es considerado por algunos tradicionalistas en el mundo de la gráfica como un anatema, algo que va más allá de los límites de lo aceptable dentro de los círculos convencionales. ¡Lo que equivaldría al arte comercial! Sin embargo la omnipresencia de la tecnología digital en el mundo contemporáneo y los factores esencialmente democráticos de precio y disponibilidad hacen de ella uno de los métodos de mayor desarrollo en la creación artística. Existe, lo debemos admitir, una gran cantidad de imágenes digitales (“arte digital” si desean extender la definición) que en verdad no resultan tan buenas. Por otra parte, como este libro y las obras que le dieron origen lo demuestran, con las tecnologías usadas para la creación de imágenes digitales se pueden producir obras maravillosas, imaginativas y con altos niveles de habilidad técnica, con fuertes resonancias creativas y emocionales. La imagen digital se ha establecido con firmeza y no desaparecerá. Por el contrario, a medida que el ritmo de la innovación tecnológica sigue en aumento, las obras continuarán evolucionando y darán nacimiento a nuevas formas con resultados extraordinarios. Al mismo tiempo, los métodos tradicionales históricamente establecidos seguirán siendo usados por artistas jóvenes, que descubrirán por sí solos el entusiasmo de utilizar un continuo de técnicas que se remontan a 4000 años o más en el tiempo y que se prolongarán sin dudas hacia el futuro. Y lo maravilloso es que la impresión digital permite la creación de pocas o tantas copias como el artista desee incluir en la edición, creando así una imagen única o una serie ilimitada. Una impresión puede ser el equivalente a una pintura original muy preciada que se vende a un precio elevado, o una gran edición de bajo costo y accesible para muchas personas, o cualquier otra situación entre ambas. Las imágenes digitales se pueden transmitir electrónicamente o compartir con quienes tengan conexión a Internet en cualquier parte del mundo. También se pueden intercambiar o regalar, cruzando fronteras u océanos. Esto es lo que este libro digital está haciendo.

We live in challenging times; sometimes it seems at the edge of destruction. But while artists around the world are embracing printmaking in increasing numbers, producing results that continue to astonish and surprise even those of us who have worked with printmaking for many years, there is every reason for being optimistic. It is always better to talk to people than to talk about them: the contemporary visual arts, in all their guises and forms, are uniquely positioned to do just that, and the developing conversations are encouraging.

Vivimos en tiempos de desafíos, y a veces, según parece, al borde de la destrucción. Mientras existan artistas alrededor del mundo que se vuelquen a la gráfica en números cada vez más importantes, produciendo resultados que sigan asombrándonos y fascinándonos, aún a nosotros, que nos hemos desempeñado en esa disciplina durante largo tiempo, existirán numerosas razones para ser optimistas. Siempre es mejor hablar a las personas que hablar sobre ellas: las artes visuales contemporáneas, en todas sus formas y expresiones, gozan de un posicionamiento único para hacerlo, alentando el desarrollo de estos diálogos.

Richard Noyce, Wales 2014

Richard Noyce Gales, 2014

SESSIONS | SESIONES Director | Directora Alicia Candiani

Fundación Pilar i Joan Miró a Mallorca Palma de Mallorca, Spain | Palma de Mallorca, España 2006 | September Septiembre Co-director Joan Oliver Argelés Masterprinter and printmaking workshops coordinator Maestro de taller y coordinador de los talleres gráficos Technical Asistant | Asistente Técnico Julio León Aguilera Etching workshop masterprinter Maestro impresor del taller de grabado

Facultad de Artes. Universidad de Castilla-La Mancha Cuenca, Spain | Cuenca, España 2006 | October Octubre Co-director Enrique Leal Artist, Vice Dean of Academic Affaires, Director of International Relationships Artista, Vice Decano de Asuntos Académicos y Responsable de Relaciones Internacionales.

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Grafikens Hus Mariefred, Sweden | Mariefred, Suecia 2007 | October-November Octubre-Noviembre

Co-director Lars Yeudakimchikov-Malmquist Artist, Workshop Manager Artista, Jefe de Taller

Co-director Miguel Rivera Artist, Printmaking Department Chair Artista, Director del Departamento de Gráfica Students’ Coordinator | Coordinador con los estudiantes Doug Baker Lecturer in the Printmaking Department Profesor en el Departamento de Gráfica

Atelier Presse Papier Trois Rivières, Canada 2008 | October Octubre Co-director Guy Langevin Artist, Presse Papier former Director Artista, ex-director de Presse Papier Atelier Livre & 23º FESTIVAL DE ARTES CIDADE DE PORTO alegre Porto Alegre, Brazil | Brasil 2009 | July Julio Co-director Mara Caruso Artist, instructor and Atelier Livre member Artista, profesora y miembro del Atelier Livre MTS Gallery & University of Alaska Anchorage, Alaska 2010 | October Octubre Co-director Garry Kautliz Artist, Head of Printmaking, Department of Art, UofA Artista, Director de Gráfica, Departmento de Arte, UofA Technical Assistant | Asistente Técnico Hal Gage Photographer | Fotógrafo

Kansas City Art Institute Kansas City, Missouri, USA 2011 | September-October Septiembre-Octubre

Montclair State University Montclair, New Jersey. USA 2015 | March-Marzo 2016 | April-Abril Co-director Catherine Bebout Artist, Area Head of Printmaking Department of Art & Design, MSU Artista, directora del Área de Gráfica Departamento de Arte y Diseño, MSU Students coordinator / Coordinadora con los estudiantes Natalia Borisenko Fullbright Scholar Becaria Fullbright

Artists | Artistas Paz Alcoverro Jorge Cabral Sergio del Río Diez María Eugenia López-Rodó Pons Rosemary Marchetta Manuela Muñoz Eva Santín Alvarez Marta Sanz Cecilia Segura

Fundación Pilar i Joan Miró a Mallorca Palma de Mallorca, Spain Palma de Mallorca, España 2006 | September Septiembre

The Pilar i Joan Miró Foundation in Mallorca was founded in 1981 following the donation by Joan Miró and his family to the City of Palma of the four studios where the artist worked intensely since 1956. The Miro´s aim was to foster future generations of creators. Miró expressed his desire to keep the spirit of creativity and transgression alive way beyond his death. This vision could be materialized in Son Boter. Year after year this privileged location welcomes both young and established artists who develop projects, transmit ideas and share creative experiences. Following these goals the Pilar i Joan Miró Foundation has enabled the work of various artists in its intaglio, lithography, silkscreen, ceramics and photography workshops. Recently the Foundation opened up to new technologies and included projects using digital printing systems. In line with this, the Foundation was the first one to receive the Self-Portraits Project, which was set within the framework of the “Talleres de Obra Gráfica”1, a summer program, receiving artists from all parts of Spain and some from abroad. In this unique setting the project took advantage of the new digital printing equipment. The digital prints where then combined with traditional silkscreen, monotype and planography in the etching workshop. This session received Spanish artists, photographers and graphic designers coming from Palma de Mallorca, Barcelona, Madrid and Oviedo. Among them were Marta Sanz, Eva Santín Álvarez and Sergio del Río Diez. These young artists were awarded at the “Certamen de Arte Gráfico para Jóvenes Creadores 2005”2, organized by the Calcografía Nacional and the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. As part of the award they received a grant to travel and profit from this workshop. Manuela Muñoz, a professional photographer specializing in architecture and landscape, whose photographs honor the design of this book, also joined the group. Surprisingly, she never approached the human figure, let alone the self1 Printmaking workshops 2 An annual national juried exhibition and prize for emerging artists

La Fundación Pilar i Joan Miró a Mallorca se creó a partir de la donación que hicieron Joan Miró y su familia a la Ciudad de Palma en 1981 de los cuatro talleres artísticos en los que el artista había trabajado intensamente desde 1956, con el propósito de convertirlos en un estímulo para futuras generaciones de creadores. Miró expresó su deseo de mantener vivo el espíritu de creatividad y transgresión más allá de su muerte, y esta ilusión pudo hacerse realidad en Son Boter.  Año tras año, en este escenario tan privilegiado, artistas jóvenes y otros más consagrados desarrollan proyectos, transmiten ideas y comparten experiencias creativas. Con estos objetivos la Fundación Pilar i Joan Miró ha posibilitado el trabajo de numerosos artistas en sus talleres de intaglio, litografía, serigrafía, cerámica y fotografía, y recientemente, se ha abierto a las nuevas tecnologías y ha incorporado proyectos con sistemas de impresión digital. Acorde con lo último, esta institución fue la primera que recibió el Proyecto Autorretratos. El mismo estuvo encuadrado dentro de los “Talleres de Obra Gráfica”, un programa que se desarrolla durante los meses de verano recibiendo artistas de todas partes de España y algunos del exterior. En este entorno único se tomó ventaja del nuevo equipamiento de impresión digital. Las impresiones digitales fueron luego combinadas con serigrafía, monotipia y técnicas planográficas realizadas en el taller de aguafuerte. Esta sesión recibió artistas, fotógrafos y diseñadores gráficos españoles que provenían de Palma de Mallorca, Barcelona, Madrid y Oviedo. Entre ellos se encontraban Marta Sanz, Eva Santín Álvarez y Sergio del Río Diez. Estos jóvenes artistas, fueron premiados en la exposición “Certamen de Arte Gráfico para Jóvenes Creadores” organizado por la Calcografía Nacional en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, recibiendo una beca para viajar y tomar este taller. Manuela

representation. Her intense self-portrait opens Chapter 1. Minimalistic yet outspoken, the artist defines herself through her photographer’s eye, while it reflects the Mallorca landscape. If I have to find a common denominator I would say that this was the session centered on the language concerns pushing the limits of the concept. In a time when we were still experimenting with digital images, we worked intensely shifting from analog to digital image or with the creation starting directly from digital images. In particular, some artists used the language as a metaphor, or the other way around, a metaphor of the language in the different art media (audiovisual or pictorial) as a way to express either the geographical migration or the migration of artistic techniques. This is the case of Paz Alcoverro, whose face is filtered through the communication media: a broken down TV and a newspaper informing nothing. Or Rosemary Marchetta, a US born artist from Italian parents married to a German and living in Spain who invented a pidgin language with illegible characters to express the cultural mixes in her head. To conclude, I cannot be silent about the spirit of the Mediterranean and its outstanding beauty, which flooded the workshop. The innate joy of Spaniards, the cloudless blue sky, the flavor of the dishes we shared, the seamless coexistence from dawn to dusk for 15 days and the creative presence of Miró (which literally and metaphorically permeated Son Boter walls) made from this first meeting an unforgettable personal and artistic experience.

Muñoz -una fotógrafa profesional especializada en arquitectura y paisaje, cuyas fotos han contribuido al diseño de este libro- también se sumó al grupo. Sorprendentemente, ella nunca había encarado el tema de la figura humana y mucho menos el de la auto-representación. Su intenso autorretrato abre el Capítulo 1. Minimalista y a la vez elocuente, la artista se define través de su ojo de fotógrafa que refleja el paisaje de Mallorca. Si buscara un denominador común diría que esta fue la sesión de las preocupaciones del lenguaje, extendiendo este concepto al límite. En un momento en que todavía estábamos experimentado con las imágenes digitales, se trabajó mucho con el traspaso de la imagen analógica a la digital o con la creación directamente en este último medio. En términos particulares algunos artistas usaron el lenguaje como una metáfora, o viceversa, una metáfora del lenguaje de distintos medios (audiovisuales o pictóricos), como una manera de expresar la emigración geográfica o de prácticas artísticas. Este es el caso de Paz Alcoverro cuyo rostro se encuentra filtrado por los medios de comunicación: una TV descompuesta y un periódico que no informa nada o Rosemary Marchetta –una artista nacida en Estados Unidos de padres italianos, casada con un alemán y viviendo en España- que inventa una lengua pidgin de caracteres ilegibles para expresar esa mezcla de culturas en su cabeza. Por último, no puedo dejar de decir que el espíritu del Mediterráneo y su increíble belleza se filtró en este taller. La alegría innata de los españoles, el cielo azulísimo, el sabor de la comida compartida, la convivencia armoniosa desde la mañana y hasta entrada la noche durante quince días y el hálito creativo de Miró (que impregnaba literal y metafóricamente las paredes de Son Boter) hicieron de este primer encuentro una experiencia artística y personal imposible de olvidar.

ALICIA CANDIANI Self portrait as a Swimmer (in Mallorca). 45 cm x 45 cm. Digital print and planography on paper Autorretrato como nadadora (en Mallorca). 45cm x 45 cm - Impresión digital y planografía sobre papel

Manuela MuĂąoz

1960 Paris, France Lives in Palma de Mallorca, Spain Paris, Francia Vive en Palma de Mallorca, EspaĂąa

1963 Cadiz, Spain Lives in Palma de Mallorca, Spain Cadiz, EspaĂąa Vive en Palma de Mallorca, EspaĂąa

Jorge Cabral

1956 Washington DC, USA Lives in Providence, Rhode Island USA Washington DC, EEUU Vive en Providence, Rhode Island, EEUU

Rosemary Marchetta

1979 Madrid, Spain Madrid, EspaĂąa

Marta Sanz

Cecilia Segura

1974 Alicante, Spain Lives in Barcelona Alicante, EspaĂąa. Vive en Barcelona

Eva Santín Alvarez 38

1984 Madrid, Spain Madrid, España

María Eugenia López-Rodó Pons

1983 Barcelona, Spain Lives in Nairobi, Kenya Barcelona, España Vive en Nairobi, Kenya

Paz Alcoverro

1969 Barcelona, Spain Lives in Palma de Mallorca, Spain Barcelona, EspaĂąa Vive en Palma de Mallorca, EspaĂąa

SERGIO DEL Río diez 1978 León, Spain Lives in Lieja, Spain León, España Vive en Lieja, España

Son Boter, Joan Miró’s mythical workshop in a typical Mallorcan country house from XVII century. The estate housed the etching and lithograph workshops where Miró worked on his prints. Son Boter, el mítico taller de Joan Miró en una típica casa mallorquina del siglo XVII. La propiedad albergó los talleres de grabado y litografía que permitirían a Miró la realización de su obra gráfica.

Julio León Aguilera Etching workshop masterprinter Técnico Maestro del taller de grabado

Joan Oliver Argelés Co-director Masterprinter and printmaking workshops coordinator Maestro de taller y coordinador de los talleres gráficos

Artists | Artistas Maite Aldaz Iván Araiz Aina Inma Palencia Díaz Lorena Ponce Picazo Beatríz Piqueras Navarro Enrique Leal Ana Requena Olivaras óscar Sanchez Yanel Raquel Sánchez García María Valvanera

Facultad de Artes Universidad de Castilla-La Mancha Cuenca, Spain Cuenca, España 2006 | October Octubre

The School of Fine Arts of Cuenca at the Castilla-La Mancha University in Spain hosted the second session of the project. This young academic center was created in 1986 to reflect a totally new and pioneering spirit within an education context that needed to adjust to new artistic transformations. Relevant figures of the Spanish art, such as Luis Gordillo, Lucio Muñoz and Antonio López provided advise to the University and materialized a new method to teach Fine Arts within the university environment and the programs existing in Spain at that time. The development of this new teaching concept privileged the inclusion of new forms and art practices, fostering interdisciplinary exchanges and experimentation. The University also hosts the International Museum of Electrography -a space specialized in electrographic art, electronic art, as well as infographic, multimedia and Net.art creations. In the early 90’s, this place already spearheaded the experimentation field using new image reproduction techniques. Moreover, the Foundation “Antonio Pérez” and the “Museo de Obra Gráfica de San Clemente” 1, are also located in the surrounding, contributing to state Cuenca fertile grounds for the work on paper.

La Facultad de Bellas Artes de Cuenca de la Universidad de Castilla–La Mancha en España alojó la 2da sesión del proyecto. Este es un centro académico muy joven que nació en 1986 con un espíritu totalmente nuevo y pionero dentro de un contexto universitario en el que había que adaptarse a las transformaciones artísticas. Relevantes figuras del arte español como, entre otros, Luis Gordillo, Lucio Muñoz y Antonio López, asesoraron a la universidad e hicieron posible la concepción de un modelo nuevo de enseñanza universitaria de las Bellas Artes dentro de los ya existentes en ese momento en España. En el desarrollo de este nuevo concepto de enseñanza universitaria primaron la inclusión de nuevas formas y prácticas artísticas, la interdisciplinariedad y la vocación experimental. La Universidad alberga también el Museo Internacional de Electrografía -un espacio especializado en arte electrográfico, electrónico, creaciones infográficas, multimedia y Net.art.- que ya había abierto una puerta muy ancha para la experimentación con los nuevos medios de reproducción de la imagen desde principios de los 90. Además en el área se encuentra la “Fundación Antonio Pérez “y el “Museo de Obra Gráfica de San Clemente” contribuyendo a definir a Cuenca como

In this context, Self-Portraits was a seminar I offered to college students and graduated students. They were from Cuenca or were residing there during their studies. The second session ran smoothly because this academic environment had been experimenting with new technologies for a long time and the goals of the workshop were in line with those of the university. The young students had knowledge of the digital techniques; in fact they grew with them. In addition, they were immersed in an environment that encouraged to explore these techniques -this was no hurdle to be overcome-. Here we needed to work focused more on the image than on the technique, since students were in the process of creating their personal images. In this

1 A beautiful fine prints museum located in the near village of San Clemente

un lugar privilegiado para la obra sobre papel. En este contexto, Autorretratos fue un seminario que impartí para los estudiantes de grado y algunos de postgrado que eran de Cuenca o vivían en la ciudad porque estaban estudiando allí. La 2da sesión se desarrolló fluidamente ya que este ámbito académico había estado experimentando desde hacia tiempo con las nuevas tecnologías y los objetivos del taller se alineaban con los de la facultad. Los jóvenes tenían conocimiento de los medios digitales, habían crecido con ellos y estaban en un lugar en que se los alentaba a explorarlos, por lo que esto

set of the self-portraits those by María Valvanera and Oscar Sánchez Yanel, stand out. María pixelates her image twice: visually and physically, and dares to break the bi-dimensionality with a piece where volume is added to the content. Oscar proposed play on word with the name of the famous LIFE magazine, the word “life” and his naked body in the empty space left by the Twin Towers after they collapsed. Both the digital technique and the conceptual construction are solid. Cuenca was one of the places where the Tribunal of the Holy Inquisition was the bloodiest and this piece seems to remind us that religious fanaticism is not behind us and continues to cause disasters along history.

no representó un obstáculo a superar. Aquí se tuvo que trabajar más con la imagen que con la técnica, ya que los estudiantes estaban justamente dentro del proceso de formación de la imagen personal. En este conjunto se destacan los autorretratos de María Valvanera y de Oscar Sánchez Yanel, los dos estudiantes de doctorado que participaron del seminario. María pixela su imagen dos veces: visualmente y físicamente y se anima a romper la bidimensionalidad con una obra que gana en contenido con el volumen. Oscar realiza un juego de palabras entre el nombre de la conocida revista LIFE, la palabra “life” (vida en inglés) y su cuerpo desnudo en el hueco que dejaron las Torres Gemelas luego de su caída. Ambas, la técnica digital y la construcción conceptual son sólidas. Cuenca fue uno de los lugares en que el Tribunal de la Santa Inquisición fue más sangriento y esta obra parece recordarnos que el fanatismo religioso no está superado y ha seguido provocando desastres a lo largo de la historia.

Alicia Candiani Self-portrait in La Mancha ( As a Bullfighter) 45 x 45 cm - Digital print and planography on paper Autorretrato en La Mancha (como torero) - ImpresiĂłn digital y planografĂa sobre papel

Enrique leal Co-director 59

1957 Recife, Brazil Lives in Santa Cruz, California, USA Recife, Brasil Vive en Santa Cruz, California, EEUU