JUAN
DOFFO
UNA LECTURA TRANSVERSAL
Guillermina Fernéndez Paz Murtagh
Sasha Hrycaniuk Clara Nosiglia
Facultad de Historia, Geografía y Turismo Licenciatura en Gestión e Historia de las Artes Proyecto de Investigación y Gestión II
Juan Doffo, una lectura transversal
Alumnos: Guillermina Fernández, Sasha Hrycaniuk, Paz Murtagh y Clara Nosiglia. Comisión: Cuarto año “A” – turno mañana – 2016
Índice
Indice
INTRODUCCIÓN ........................................................................................................... 3 DIAGNÓSTICO............................................................................................................... 3 BIOGRAFÍA Y TRAYECTORIA ................................................................................... 7 Actualidad .................................................................................................................. 11 Modo de trabajo........................................................................................................ 12 Obra............................................................................................................................ 14 POSIBLES EJES DE LECTURA PARA SU OBRA........................................................................................................... 16 Influencias generales ............................................................................................... 17 La llanura, la pampa ................................................................................................ 27 Las fotoperformances .............................................................................................. 30 El fuego y la luz ........................................................................................................ 39 Lo abierto y lo cerrado ............................................................................................. 47 FUENTES ...................................................................................................................... 54
Foto: archivo artexarte.com.ar
Introducciรณn
“Juan Doffo, una lectura transversal”
es
un proyecto realizado por Guillermina Fernández,
Sasha
Hrycaniuk,
Paz
Murtagh y Clara Nosiglia, alumnas de la Universidad del Salvador. El trabajo se enmarca en la materia Proyecto de Investigación
y
Gestión
II
de
la
investigación acerca de su biografía y trayectoria
en
el
campo
artístico
nacional e internacional y el segundo, es el desarrollo de una propuesta de lectura temática sobre las obras; ésta se ordena en cinco posibles ejes temáticos-explicativos
concretos
y
centrales en la obra del artista, ellos son:
Licenciatura en Gestión e Historia de
Influencias
las Artes y fue desarrollado entre los
llanura y la pampa; Las
años 2015 al 2017. Con el objetivo de difundir la
la
se publicará en diferentes plataformas
cerrado.
un
escrito
que
La
fotoperformances, El fuego y
carrera del artista argentino Juan Doffo,
online,
Generales;
luz,
Lo
abierto
y
lo
permita
establecer relaciones entre el público y
Cada uno es abordado y explicado a
la obra de arte. El mismo representa
través de ejemplos que apoyan las
una herramienta para el lector que
interpretaciones
busca
realizarán
multiplicar
el
disfrute
y
la
presentadas.
diferentes
versiones
Se del
comprensión de la obra de Juan Doffo,
escrito con variaciones de formato para
ampliando y enriqueciendo su horizonte
adaptarlo a los requerimientos de cada
cultural,
plataforma on line en las que se
emocional
e
intelectual
y
producir pensamiento crítico. El trabajo está compuesto por dos grandes núcleos: el primero es una
publicará.
Diagnรณstico
110 muestras colectivas
Además fue reconocido con Hoffman. En el ámbito internacional, numerosos premios desde 1977 hasta cuenta con 4 exposiciones individuales el 2011. Algunos de ellos fueron: en EEUU, Ecuador, Suiza y Holanda y Primer Premio, Salón para Estudiantes 12 muestras colectivas en países como de Escuelas de Artes Visuales (1977); Alemania, EEUU, Cuba y Uruguay. Primera Mención, Premio Braque Además fue reconocido con (1979); Primer Premio, Premio Galería numerosos premios desde 1977 hasta Praxis a la Joven Pintura Argentina el 2011. Algunos de ellos fueron: (1979); Primer Premio, Premio Museo Primer Premio, Salón para Estudiantes de Arte Moderno (1983)1; Mención, de Escuelas de Artes Visuales (1977); Primera Bienal de Miami, U.S A (1986); Primera Mención, Premio Braque Primera Mención, Premio Calderón de (1979); Primer Premio, Premio Galería la Barca (1988); Segundo Premio, Praxis a la Joven Pintura Argentina Salón Nacional de Pintura (1993); Gran (1979); Primer Premio, Premio Museo Premio Municipal del Salón Manuel de Arte Moderno (1983)1; Mención, Belgrano en el Museo Eduardo Sívori Primera Bienal de Miami, U.S A (1986); (1998) siendo uno de los artistas más Primera Mención, Premio Calderón de jóvenes en recibirlo, Gran Premio Salón la Barca (1988); Segundo Premio, Nacional de Salta (2000); Tercer Salón Nacional de Pintura (1993); Gran Premio I Bienal de Córdoba (2000); Premio Municipal del Salón Manuel Premio de la Asociación de Críticos de Belgrano en el Museo Eduardo Sívori Arte la Mejor producción fotográfica (1998) siendo uno de los artistas más (2003); Primer Premio, Salón Nacional jóvenes en recibirlo, Gran Premio Salón de Pintura y el Gran Premio a la Nacional de Salta (2000); Tercer trayectoria “Fundación María Calderón Premio I Bienal de Córdoba (2000); de La Barca”, en reconocimiento por Premio de la Asociación de Críticos de haber expuesto la mejor obra dentro Arte la Mejor producción fotográfica del ámbito artístico argentino en 2007. (2003); Primer Premio, Salón Nacional Algunos artistas que han recibido dicho de Pintura y el Gran Premio a la
compartiendo escenario con artistas
trayectoria “Fundación María Calderón
reconocidos del medio local como Luis
de La Barca”, en reconocimiento por
Felipe Noé, Guillermo Kuitca y Eduardo
haber expuesto la mejor obra dentro
En los últimos años se ha consolidado la tendencia de editar libros sobre artistas argentinos. Según el periodista cultural, crítico de arte y escritor
Daniel
Gigena,
sellos
extranjeros como Taschen y Phaidon se ocuparon de figuras, movimientos y corrientes artísticas universales. Otras colecciones, como Photo Poche o Aperture
Masters
of
Photography,
hicieron algo similar con la fotografía. En los últimos años, las editoriales nacionales retomaron esa tradición en la forma de rescates, homenajes o el registro de una obra en curso. Varios artistas conciben el desarrollo de sus trabajos de manera conceptual y el libro
representa,
además
de
un
1
inventario, una obra aparte. Teniendo
en
cuenta
estos
antecedentes, tomamos como objeto de
estudio
contemporáneo
al
artista Juan
argentino
Doffo,
quien
posee más de 30 años de trayectoria. Realizó en la Argentina 21 muestras individuales en sitios como el Centro Cultural
Recoleta,
Centro
Cultural
Borges, Fundación Osde y el Palais de Glace y
del ámbito artístico argentino en 2007. 1
Daniel Gigena. “Los libros de artistas desembarcan en la escena editorial argentina”, en La Nación, Buenos Aires, 7 de mayo de 2016. [Fecha de consulta: 20-10-2016]
Algunos artistas que han recibido dicho 1
Premio Anual otorgado por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires al primer ganador.
reconocimiento son, entre otros:
Como el mismo Doffo afirma:
Carlos Alonso, Guillermo Roux, Antonio
supongo que son la aprobación de una
Seguí, Eduardo Mac Entyre, Ary Brizzi,
fuerza creativa, de mis búsquedas
Miguel Ocampo, Miguel Dávila, Victor
estéticas y conceptuales, la continuidad
Chab, Josefina Robirosa. En el 2009 es
y afirmación de un pensamiento que se
declarado “Personalidad destacada de
fue construyendo paulatinamente y que
por la legislatura de la
en estos momentos tiene sus frutos y
Ciudad de Buenos Aires. (2008). El 2
una mayor visibilidad. Seguramente el
de
fallece
jurado avaló mi permanente respeto a
imprevistamente Titi, su querida y única
la gran tradición de la pintura, a la
hermana, y Juan realiza una gran
integración del placer pictórico con la
pintura en homenaje a su memoria.
reflexión conceptual y la consecuencia
Paradójicamente,
honesta
la Cultura”
abril
de
2010
con
esta
obra,
de
abrir
caminos
cargada de dolor, obtiene el Gran
contemporáneos
Premio de Honor del Salón Nacional de
vivencias y filosofía transformadas en
Pintura Palais de Glace;
signos plásticos.1
importante
premio que la Nación Argentina otorga anualmente a una artista especialista en pintura. Fue distinguido como Socio Honorífico por la Sociedad Central de Arquitectos por su contribución a la cultura
nacional
(2008);
declarado
“Personalidad destacada de la Cultura” por Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires (2009) y “Personalidad destacada de la Cultura de la Provincia de Buenos Aires” por el Senado de la ciudad de La Plata (2009 y 2011). También ganó la
valorización de su trayectoria y de que la obra fue acompañada, observada y respetada por la comunidad artística durante años.
mis
Por otra parte su obra está presente en importantes colecciones privadas
y
públicas
de
museos
nacionales como el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, el Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén y el Museo Eduardo Sívori y en algunos internacionales como Bronx Museum of the Arts (NY, EEUU), University of Essex Collection of Latin American Art (Essex, Inglaterra) y Galería de las Américas (Habana, Cuba).
Beca Banco del Acuerdo en 1980. Estos reconocimientos son una
respetando
Con publicaciones,
respecto en
la
a
las
Web
se
encuentran publicadas entrevistas por escrito como las realizadas por Luciano Giusti para el blog Entrevistarte en 1
María Paula Zacharías. “Juan Doffo” en La Nación, Buenos Aires, 12 de octubre de 2008. [Fecha de consulta: 2-6-2016].
2011; por Angie Pagnotta para el sitio
catálogos (en los que solo se menciona
BD Baires Digital; por Stella Sidi para
su nombre y figura una de sus obra),
Artea Mundo y otra por estudio de
notas
fotografía
suman
muestras, o catálogos de muestras
alrededor de 23 videos en YouTube en
individuales o colectivas de las que
los que se incluyen entrevistas y visitas
participó.
CHAS
35.
Se
a su taller y promociones de las muestras que realizó.
periodísticas,
prólogos
de
Además, en 2016, la artista visual
Gaby
Messina
presentó
el
crítica
proyecto “Maestros. El Bosque y el
periodística Doffo fue reconocido por la
Árbol”, en el cual agrupa 112 retratos
misma.
de
En
cuanto
Como
a
se
la
lee
en
los
los
artistas
visuales
más
comentarios de Laura Feinsilber para
importantes del país, exhibidos en las
Ámbito
puede
salas 41 y 42 del Museo Nacional de
incluírselo (a Juan Doffo) en la lista de
Bellas Artes. El proyecto es el resultado
aquellos que fatigan y se fatigan en
de cuatro años de trabajo, durante los
múltiples
premios,
cuales Messina fotografió y entrevistó a
exposiciones aquí y allá, presionado
quienes, con sus obras marcaron la
por producir sometiéndose a las leyes
historia artística de la Argentina en las
Financiero:
No
salones,
2
del mercado. O en los comentarios de
últimas décadas. La exposición estuvo
Albino Dieguez Videla para La Prensa:
acompañada
La carrera ascendente de este artista
musicalizado por Gustavo Santaolalla,
argentino
y de la presentación de dos libros. Uno
singular,
definitivamente
documental,
de ellos, con título homónimo, editado
selección de cuadros que se exhiben
por el sello Retina y la Fundación
en la galería Soudan - Arenales 960. 3
Mundo Nuevo, recopila las fotografías
escrito
en
un
la
Por
sedimentada
aparece
de
y publicado
en
formato papel, podemos encontrar un total de 158 publicaciones que en su mayoría se tratan de entradas de 2
Laura Feinsilber. “Doffo reformula el concepto del paisaje”, en Ámbito financiero, Buenos Aires, 21 de septiembre de 2007. [Fecha de consulta: 10-5-2016]. 3
Albino Dieguez Videla. “Distintas naturalezas Juan Doffo como nunca”, en La Prensa, Buenos Aires, 25 de abril de 1993. [Fecha de consulta: 10-5-2016].
en exhibición y el otro, “Saber ver”, editado por Penguin Random House e Ideoma,
reúne
las
entrevistas
completas donde los maestros narran sus procesos creativos. Dentro de esta selección, que contó con la asesoría del curador y crítico de arte, Rodrigo Alonso,
se
encuentra Juan
Doffo,
además de otros artistas como, Luis Felipe
Noé,
Delia
Cancela,
Andy
Goldstein, Cristina Santander, entre
otros.
Alonso
comenta
acerca
de
Massimo Scaringella y del Dr. José
“Maestros. El Bosque y el Árbol”: es un
Luis Puricelli y fue presentado en el
proyecto de una potencia singular:
Centro
registrar la actualidad de grandes
Septiembre de 2016. Esta publicación
artistas del arte argentino con el fin de
de 160 páginas se refiere al camino
dejar un legado visual y audiovisual a la
formativo y creativo de este artista
posteridad.
contemporáneo.
Simplemente,
el
de
Cultural
Borges
Más
el
20
allá
de
de
su
aquellos que con su trabajo y su obra
contenido, esta publicación tiene un
han sentado las bases de lo que el arte
alcance
argentino es.
distribución
Si relacionamos a Doffo con otro artista de los presentes en el libro, podemos hacerlo con Ernesto Pesce. No sólo por su contemporaneidad, sino también por sus puntos en común,
limitado y
en
cuanto
difusión.
a
su
Únicamente
acercándose al Centro Cultural Borges se puede adquirir un ejemplar, mientras que
librerías
comerciales
y
otros
medios no están habilitados a venderlo al público.
como haber expuesto en la galería
A pesar de todo esto la obra de
Rubbers y haber obtenido el Gran
Juan
Premio Municipal del Salón Manuel
información ordenada y actualizada
Belgrano, por su activo rol de docentes
sobre su carrera y obra en internet. Los
o tener obras en la colección de la
datos que se encuentran se componen
University
de dos biografías breves, una en el
of
Essex,
Inglaterra.
Centrándonos en sus producciones, ambos
toman
Tarkovski
al
como
cineasta inspiración
algunas de sus obras. Además, Pesce forma parte de la colección permanente del
Museo de
Artes Visuales de
Mechita, creado e impulsado por Doffo.
dispone
de
escasa
portal Bola de Nieve y otra en Artebus.
Andréi para
Doffo,
Tampoco cuenta con página web
propia,
sociales.
El
ni
perfiles
difícil
en
acceso
redes a
la
información acerca de la vida y obra se ejemplifica
cuando
se
intenta
determinar cuál es la galería que lo
La Fundación Tres Pinos a
representa actualmente. Se trata de la
través del apoyo brindado por el nuevo
galería Rubbers, la cual ofrece en su
Museo
Contemporáneo
página otra pequeña biografía del
MARCO y la Ley de Mecenazgo,
artista. Sin embargo, el interesado en la
publicó el libro titulado Juan Doffo con
obra de Doffo que ignora este dato, no
el objetivo de destacar su obra dentro
dispone de las herramientas necesarias
del contexto general del arte en nuestro
para
país. Este escrito cuenta con textos de
encontrar al artista.
de
Arte
identificar
en
qué
galería
Este
proyecto
de
difusión
representará una ayuda práctica para resolver este tipo de situaciones, con la que
el
público
pueda
acceder
rápidamente a la información que busca, ya sea que se trate de una búsqueda
sobre
datos
biográficos,
registros de exposiciones o un posible análisis y lectura de la obra de Juan Doffo.
Foto: archivo diariodemocracia.com
BiografĂa y Trayectoria
Juan Doffo nace el 25 de Julio
En 1979 realiza su primera
de 1948, en Mechita, un pequeño
exposición individual en la galería
pueblo
llanura
Witcomb4 y en 1980, la segunda, en la
pampeana en la provincia de Buenos
Galería Praxis5 en la que expone
Aires. Comienza a formarse a través de
pinturas y acuarelas.
ferroviario
de
la
lecciones por correspondencia de la Escuela
Panamericana
Arte1,
de
paralelamente entra en contacto con la pintura
universal
de
los
grandes
maestros a través de la colección “Pinacoteca de los Genios”2
El
premio-beca
“Banco
de
Acuerdo” (1980) organizado y exhibido en el Museo Nacional de Bellas Artes, le permite instalarse en 1981, un año en Europa y un mes en Nueva York. Viviendo en Europa tiene acceso al
A los 21 años se radica en
conocimiento directo de los grandes
Buenos Aires, en el barrio de La Boca,
maestros clásicos y contemporáneos
para trabajar mientras cursaba sus
del arte universal y si bien, dicho
estudios en la Escuela Nacional de
contacto no significó un cambio radical
3
Artes Visuales “Prilidiano Pueyrredón”.
en su obra, terminó de condensar sus
Egresa en 1977 con Medalla de Oro al
años
mejor promedio en Pintura de su
Redescubre a Marcel Duchamp1 y
de
estudio
y
conocimiento.
promoción. Ese mismo año comienza a participar en certámenes de pintura obteniendo numerosos premios. 4
1
Escuela Panamericana de Arte (ex Escuela Norteamericana de Arte), escuela de dibujo orientado al arte gráfico de la historieta fundado por Enrique Lipszyc en 1954, de la que participaron profesores como Hugo Pratt y Alberto Breccia. 2
La Pinacoteca de los Genios fue una colección de fascículos de arte editada por la desaparecida Editorial Códex dedicada a los grandes maestros del arte. 3
La Escuela Nacional de Bellas Arte Prilidiano Pueyrredón, fundada en 1940, hoy convertida en la Universidad Nacional de Artes (UNA), es la academia de artes más importante y reconocida de la Argentina. La misma tiene sus orígenes en los talleres de dibujo, pintura y escultura creados en 1878, por la Sociedad Estímulo de Bellas Artes.
La Galería Witcomb es una reconocida e histórica galería de arte argentino que tuvo un lugar protagónico en la escena artística porteña de fines del siglo XIX y buena parte del XX. Hoy, todavía en funcionamiento, conserva en su nombre el apellido de su fundador. Alejandro S. Witcomb estableció la galería en 1878, en la calle Florida al 364, ubicada en la capital de la Ciudad de Buenos Aires. Esta galería está asociada a las grandes manifestaciones de arte argentino, prestando sus salones y su estímulo en partes iguales a artistas consagrados y a aquellos que se inician. En sus salas han expuesto los más grandes del arte argentino como Xul Solar, Emilio Pettorutti, Antonio Berni, etc. 5
La galería Praxis International Art es una galería de arte fundada en 1977 por Miguel Kehayoglu en Buenos Aires. Su misión es fomentar el arte moderno y contemporáneo latino americano a nivel internacional realizando muestras con características y calidad museística. 1
Marcel Duchamp (1887 -1968) es uno de los
profundiza en la obra de Joseph
del Retiro” de Julia Lublin6, dos galerías
Beuys.4 Viaja por casi todos los países
importantes de arte contemporáneo en
de Europa Occidental visitando los más
ese momento en Buenos Aires. En la
importantes
última
museos
de
arte
y
de
éstas
muestras
coleccionista
Ámsterdam y París.
adquiere varias de sus obras. Además, la
realiza una muestra colectiva junto a
Argentina, con el golpe militar iniciado
Guillermo Kuitca y Eduardo Hoffman en
en 1976 cuyo gobierno se sostiene
su galería en Mendoza.
hasta
situación
1983
Reorganización
con
política
el
en
Lo
Bue7,
repartiendo su tiempo entre Positano,
La
Giacomo
el
Proceso
Nacional,
fue
de muy
crítica respecto a ciertas producciones del campo artístico. Tanto en Europa como en Nueva York (EEUU), Juan
1985 marca el comienzo del dictado de clases particulares en su taller, experiencia que fue creciendo con los años.
Doffo accede a la literatura, al cine y a
En 1986 es invitado a realizar
las nuevas corrientes filosóficas y
su primer muestra antológica, “Juan
artísticas que se sucedían allá y se
Doffo: resumen 1974 – 1986 en la
encontraban coartadas en Argentina.
histórica
“Fundación
San
Telmo”
Así toma conciencia de los cambios de paradigmas filosóficos y estéticos que estaban teniendo lugar. A su viaje por Europa y Nueva York, le sucede un prolífico período creativo. Se dedicó de lleno a crear y exponer en nuestro medio y posteriormente en el exterior.
con los mismos lineamientos, primero con el nombre La Galería y luego con su nombre. Después de haber cerrado al público algún tiempo, en junio de 2008, Jacques y su hija Clara, reabren la galería Jacques Martínez en una nueva sede en la Avenida de Mayo. 6
En 1984, es invitado a exponer en la primer Bienal de La Habana, Cuba. Además exhibe sus obras en las galerías “Jacques Martínez”5 y “Galería
4
Joseph Beuys (1921 - 1986) fue un reconocido artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación y perteneció al grupo Fluxus. 5
Jacques Martínez comenzó su actividad como director de la Galería Carmen Waugh en 1974. En 1977 le compró el fondo de comercio a Carmen y siguió operando en el mismo lugar y
Del Retiro, la galería de Julia Lublin que tuvo un rol protagónico en los años 80. 7
Giacomo Lo Bue nació en Sicilia, Italia y en 1947 llega a la Argentina con sus padres. Se formó trabajando, de manera autodidacta: aprendió con su tío en Italia, yendo a muestras y hablando con artistas. En los ’70 regresó a Mendoza y comenzó a trabajar como marchand y decorador. Allí instala la Galería de Arte Giacomo Lo Bue en 1982. En 1987 mudó la galería a Córdoba y se convirtió en un gran referente del coleccionismo en el país y sobre todo en el interior, no solo por el caudal y las características de las obras que fue adquiriendo, sino por el renombre que ganó con la producción distinguida de afiches y publicaciones en torno al mundo del arte.
dirigida
por
el
coleccionista
Jorge
8
“Extraña substancia”, que el artista
Helft.
El centro cultural Palais de Glace9, cobija en 1998 su segunda muestra antológica titulada “Segundo Resumen 1987/1997. Allí, por primera vez
exposición de fotoperformances titulada
mostró
fotografías
una
retrospectiva
de
gran
de
realizó durante varios años y en la que participó la gente de su pueblo. La simbología del fuego actuó como leit motiv de sus grandes fotografías a lo largo de su carrera.
formato,
Ese año realiza una nueva
conjuntamente con los diez últimos
exposición individual de pinturas en
años de pintura e instalaciones. Si bien
Zúrich, Suiza, en la galería “Jörg
apenas llegado a Buenos Aires, la
Stummer”11, y en el 2005 expone
fotografía
individualmente en ArteBA.
comenzó
herramienta
como
puramente
una
documental
para su obra pictórica, fue adquiriendo un lugar como medio expresivo.
Cultural
Recoleta
presenta
Debbie Frydman mostró una serie de pinturas y, por primera vez, una de
En el año 2003 en el Centro 10
De la mano de la marchand
una
fotografías donde su mirada focalizaba el movimiento de los astros en la noche de Mechita. Al mismo tiempo presentó
8
Jorge Helft, hijo y nieto de anticuarios, comenzó a coleccionar arte argentino contemporáneo estando en el país. El coleccionismo lo llevó a la gestión cultural en instituciones privadas de visibilidad pública. Fundó y fue presidente de la Fundación San Telmo y dirigió la Fundación Antorchas.
su obra en la galería “Boltax Gallery” de
9
fundación de Mechita, en el 2006
El Palais de Glace o Palacio Nacional de las Artes es un centro de exposiciones ubicado en el barrio de Recoleta de la ciudad autónoma de Buenos Aires, Argentina. Desde su inauguración en 1910 las utilidades de dicho edificio fueron variando, desde pista de patinaje hasta anexo del estudio televisivo de Canal 7, finalmente a partir de 1960 vuelve a ser sala de exposiciones, función que perdura hasta la actualidad. 10
El Centro Cultural Recoleta es un espacio multidisciplinario que registra e impulsa desde hace más de 30 años los movimientos culturales de la Argentina y el mundo. Inaugurado como capilla del Asilo en 1885 sufrió múltiples reformas y cambios respecto a su utilidad hasta que, finalmente como parte de los festejos del cuarto centenario de la fundación de la ciudad de Buenos Aires, la municipalidad dispone en 1979 la transferencia de este edificio a la
Shelter Island12, Nueva York de Karen Boltax. Con motivo del centenario de la
comienza la gestación de lo que se convertiría en el Museo de Artes
Secretaría de Cultura para la creación de un espacio de exhibición. 11
Jörg Stummer fue una galería de arte en la ciudad de Zúrich, Suiza. Finalizó sus actividades en el 2008, tras la muerte de su dueño y director Jörg Stummer. 12
Galería de Arte de Karen Boltax, ubicada en Shelter Island cercano a los Hamptons en Nueva York. Desde 2011 representa artistas emergentes y de media carrera en las disciplinas de pintura, dibujo, fotografía, escultura, instalaciones y video arte.
Visuales de Mechita - MAV. Se erige
hasta hoy perdura. Exhibió en dicho
primero
espacio
un
edificio
de
reducidas
medidas que luego, en 2010, se
obras
de
pintura,
dibujo,
esculturas, instalaciones y videos de grandes
artistas
argentinos
que
realizaron sus creaciones inspiradas en diversos aspectos del pueblo. Incluye obras de Nigro, Ernesto Pesce, Paula Senderowicz, Hernán Dompé, Jorge
primera
de
muchas
muestras de sus obras.
amplía. La colección del MAV cuenta con
la
En el año 2011 realiza su Tercera Exposición Antológica en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Allí el artista pudo exhibir una serie
de
obras
de
gran
formato
compuestas por pinturas, fotografías, dibujos e instalaciones junto a un video que registraba sus inspiraciones y el
Meijide,
Roberto
Rey,
Graciela
Traquini,
Teresa
Pereda,
Germán
Wendel,
Adriana
Gibello,
Marcelo
Al año siguiente, realiza su
Torreta, César López, Marta Ares,
tercera exposición individual en la
Miguel
galería
Rosino,
Ernesto
Bertani,
paisaje de su pueblo.
“Rubbers
Internacional”
Claudio Gallina, Marcelo Lo Pinto,
compuesta por pinturas y fotografías
Susana Barbará, , Juan Lecuona,
realizadas a lo largo de muchos años e
Martín
Mutis,
inspiradas en los distintos films del
Marcelo Pellisier, Juan Andrés Videla,
cineasta ruso Tarkovski14 que el artista
Gabriel Sainza, Jorge Diciervo, Tute,
siempre admiró.
Groisman,
Daniela
Luis Naviero, Mariana Shapiro, Omar Panosetti, Osvaldo Monzo, Patricio Larrembebere, Santiago Lombardi y Alejandro Cantor. En 2007 comienza una larga relación con Natalio Povarché de la galería “Rubbers Internacional”13 y que 13
La galería Rubbers Internacional fue inaugurada en el año 1957, por Natalio Jorge Povarché y su mujer Elena Montero Lacasa de Povarché. A lo largo de su historia, Rubbers ha representado numerosos artistas nacionales e internacionales de renombre como Andy Warhol, Fernando Botero, Xul Solar, Pedro Figari, Luis Feliep Noé, Antonio Seguí, Carlos Gallardo, Jorge Gamarra, Dalila Puzzovio, Tulio De Sagastizábal, Juan Doffo, Jorge Pietra, Eduardo Médici, Liliana Golubinsky entre otros. Galería Rubbers participa regularmente de
ferias nacionales e internacionales desde 1978. Su objetivo es promover el trabajo de sus artistas en la escena artística nacional e internacional, además de asesorar en la formación de colecciones particulares e institucionales de Argentina y el extranjero. 14
Andréi Arsénievich Tarkovski (1932 –1986) fue un director de cine, actor y escritor ruso. Es considerado uno de los más importantes e influyentes autores del cine ruso en tiempos de la Unión Soviética y uno de los más grandes de la historia del cine, a pesar de haber realizado únicamente siete largometrajes a lo largo de veinticinco años de carrera, antes de su prematura muerte, y del carácter notoriamente anti-comercial de la mayoría de sus películas. Hoy en día Tarkovski es recordado por su extrema exigencia a la hora de preparar y dirigir sus proyectos, por sus teorías sobre el arte en general y el cine en particular, y por su renuencia a acatar los dogmas culturales y las
En el año 2012, fue convocado para realizar dos obras monumentales para el hall de entrada del centro cultural Constantino en ocasión de la remodelación total del viejo Teatro Constantino15,
que
fuera
un
monumento cultural histórico en la provincia de Buenos Aires.
limitaciones ideológicas de finalmente lo llevaron al exilio.
su
país,
que
15
El Teatro Constantino ubicado en Bragado, provincia de Buenos Aires, fue fundado por Florencio Constantino en 1912. Oriundo de España Florencio se radica en1889 en Argentina donde comienza su carrera como cantante, que conseguirá rápidamente reconocimiento internacionalmente. Para homenajear la ciudad que lo adopto, realiza un teatro de ópera con capacidad para 2000 personas. Los esfuerzos actuales por revalorizar la figura de Constantino y sus acciones, han dado obra a la construcción de un complejo cultural que lleva su nombre.
Foto: Amparo BernabĂŠ
Actualidad
Juan
Doffo
continúa
dando
clases en su casa y taller en el barrio
enseña y ayuda a realizar su memoria descriptiva y statement1 a cada uno.
de Palermo. Su veta de profesor llegó casi por casualidad, cuando era joven no se imaginaba dando clases. Sin embargo, años más tarde, cuando ya era un artista reconocido, se animó a la docencia. Por su taller han pasado artistas actualmente reconocidos como Ana Gallardo, Dino Bruzzone, Ernesto Ballesteros, quien destaca la actitud de Doffo como docente y pasó por su taller entre 1985 y 1988. Miguel Rothschild, Fernando Brizuela, Paula Senderowicz,
Como
mencionó
anteriormente, el artista mantiene una relación
de
representación
con
la
galería “Rubbers Internacional”, la cual le
dedica
cada
aproximadamente,
dos una
años, muestra
individual. Además, proyecta crecer a nivel internacional: gracias a un artículo en una publicación chilena en el año 2016, comenzó a relacionarse con el campo artístico de dicho país2
Gachi Hasper, o Pablo Ziccarello, quien presenta una clara influencia
se
Finalmente
Doffo
divide
su
de su
tiempo entre Capital Federal y Mechita,
maestro en la serie “Fuego Amigo”
su pueblo natal, lugar al que siempre
2014, por ejemplo. A pesar de diferir en
retorna y que aún funciona como
los formatos, acuarela en este caso y
principal inspiración para él y su obra.
fotografía en el de Doffo, ambos
Sigue produciendo, tanto fotografía
artistas utilizan la temática del fuego
como instalaciones y pinturas. El año
como elemento protagonista de la obra.
2016 realiza un proyecto en Mechita,
El tratamiento de la ciudad que aparece
relacionado con las huellas de la
diluida por los efectos de la luz en las
naturaleza estampadas en diferentes
obras de Ziccarello, es otra huella de
superficies.
las enseñanzas de Doffo. Sus clases se diferencian del estudio clásico académico, son más libres y cada alumno trabaja en lo suyo. Basándose en su propia experiencia como estudiante, elige enseñar desde un
punto
considera
de que
vista
distinto.
primero
Doffo
viene
la
inspiración y luego lo formal. Por este motivo, trabaja sobre la estética de la obra según cada alumno. Además, les
1
Declaración que debe estar presente en todo curriculum de un artista. Allí explica su obra: el por qué, cómo y para qué. El statement de un artista brinda la oportunidad de ver la obra a través de los ojos del lenguaje y validarlas desde otra perspectiva. 2
Nadia Paz. “Lo regional como intención universal – Reseña de la obra de Juan Doffo”, en Revista Arte al Límite de Chile, 7 de diciembre de 2016. [Fecha de consulta: 15-122016]
Modo de Trabajo
Foto: Amparo BernabĂŠ
Está íntimamente relacionado con
su
formación
en
ejemplo, en el 2016 desarrolló una obra
relación al color, la composición, la
llamada “El pequeño abismo” en donde
perspectiva y los detalles. Doffo trabaja
por primera vez en su producción, el
a partir de fotografías que él mismo
fondo fue pintado de rojo. Los cielos en
toma, tanto en Mechita como en
Doffo suelen estar teñidos de azul, pero
Buenos
cámaras
como él considera que el abismo es lo
fotográficas analógicas de la compañía
contrario al cielo, elige en éste caso
Aires.
japonesa Mamiya.
académica
trabajando en cada momento. Por
Utiliza 16
representarlo con el color rojo.
Por lo general, elige trabajar en
La utilización del color en su
grandes formatos, lo que no le impide
obra está relacionado a la utilidad: “Es
ser minucioso. Es más, el detalle de la
como si fuese un músico y tuviese que
ciudad o pueblo que retrata en sus
hacer una sinfonía para chicos y otra
obras es algo de lo que se ocupa
para
detenidamente. Este tipo de formato le
instrumentación adecuada para cada
permite tomarse ciertas licencias y
caso”. Posee una especie de “canon de
utilizar
y
colores” establecido que usa a menudo
oportunidad,
en sus trabajos, una especie de
utilizó escobas de paja como pincel,
sistema simbólico en el que cada color
elemento que le remite a su infancia, a
representa un sentir: por ejemplo para
su pueblo natal y al campo, como por
la melancolía recurre a tonos grises y
ejemplo en obras como, Mi Pueblo y yo
marrones y el color negro representa el
(1986) y Raíces celestes (2010).
concepto de fuerza (a diferencia de
diferentes
herramientas.
En
elementos una
Con respecto al color, elemento compositivo fundamental en su obra,
un
funeral,
cambiaría
la
otros artistas para los ese color está más ligado al miedo o a la angustia).
no funciona como una herramienta
Podríamos decir además, que el
poética, sino que está ligado a lo
audaz uso del color de Doffo, tiene sus
musical. El color también se relaciona
raíces en lo simbólico. Obras como
con lo curatorial y con lo que él esté
Mechita y el Cosmos, Somos gotas en el río de Heráclito y Orión y el laberinto
16
Mamiya es una casa japonesa fabricante de cámaras fundada en 1940 que se especializó progresivamente a la fabricación de cámaras profesionales de medio formato. Constituyeron uno de los primeros modelos de cámaras de consumo masivo y fueron perfeccionando y ampliando sus modelos, que hoy siguen vigentes.
de la pasión demuestran esta relación cromática.
Como sus obras parten del desarrollo de una idea previa, en muchos casos las arrastra y elabora casi inconscientemente por años. En un momento particular “despiertan” y las plasma finalmente en un lienzo. El formato, el espacio, los elementos más adecuados para su materialización, etc. los encuentra después, en un segundo momento. Mechita y el Cosmos (1975), acrílico sobre tela, 90 x 43 cm.
Somos gotas en el río de Heráclito (2010), acrílico sobre tela, 200 x 200 cm.
Orión y el laberinto de la pasión (2007), acrílico sobre tela, 200 x 300 cm.
Foto: Amparo BernabĂŠ
Obra
El desarrollo de la obra de Juan
Italiana19 (con respecto al lenguaje
Doffo se inserta en la problemática de
formal) y fundamentalmente Giorgio
los años 80, etapa en que se da el
Morandi20 desde su forma despojada
quiebre de las vanguardias, y donde se
de
percibe un regreso a la pintura pero sin
asociaba el silencio, la horizontalidad y
perder
arte
los paisajes de la llanura pampeana
donde
con la estética y el pensamiento de
la
herencia
conceptual.17
Sus
del
obras,
diversas ideas sobre la vida, la muerte,
expresión.
En
ese
entonces
Paul Klee21 y Mark Rothko.22
la sexualidad, el poder, la mitología y las preguntas del hombre ante el universo
(constantes
indagaciones
visuales)
en
sus fueron
señaladas como pertenecientes a la generación del 80,18 pero resulta difícil encasillarlo en relación a los modelos del arte norteamericano o europeo contemporáneo. Su
obra
fluctúa
entre
la
abstracción y la figuración con una impronta local, nacionalista muy fuerte. En sus comienzos tuvo dos fuertes influencias:
la
pintura
metafísica
19
La pintura metafísica es el nombre de un movimiento artístico italiano, creado por Giorgio de Chirico y Carlo Carrà. Sus pinturas como sueños de plazas típicas de ciudades italianas idealizadas, como también las aparentemente casuales yuxtaposiciones de objetos, representaron un mundo visionario que se entrelazaba casi inmediatamente con la mente inconsciente, más allá de la realidad física, de ahí el nombre. El movimiento metafísico proveyó de significante ímpetu para el desarrollo del Dadaísmo y el Surrealismo. 20
Giorgio Morandi (1890 - 1964) fue un pintor italiano. En un primer momento siguió a los futuristas y al movimiento Novecento italiano, tras establecer contacto con Boccioni, Carrà y principalmente Giorgio de Chirico. Parte esencial de su iconografía fueron los utensilios de la vida diaria: vasos, botellas, etc. Dichos objetos, colocados sobre una mesa, se convertían en los máximos protagonistas de sus cuadros. 21
17
Este regreso a la pintura se originó como una reacción opositora a partir del descontento generado por las corrientes conceptuales existentes en la segunda mitad del siglo XX, que implicaban la desmaterialización, la autorreferencialidad y la hermenéutica del arte posmoderno. Este suceso enunciado en todo el mundo tuvo tres epicentros definidos: en Alemania con el Neoexpresionismo Alemán en contra del arte conceptual del grupo Fluxus y Joseph Beuys; en Estas Unidos con el Neoexpresionismo Americano en contra del Minimalismo y en Italia con la Transvanguardia Italiana en contra del Arte Póvera. 18
Massimo Scaringella y Dr. José Luis Puricelli. Juan Doffo. Ciudad Autónoma de Buenos Aires: Fundación Tres Pinos, 2016, p.52.
Paul Klee (1879 -1940) fue un pintor nacido en Suiza, cuyo estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción. En 1911 entró en contacto con el grupo del Blaue Reiter (El jinete azul) con V. Kandinsky y F. Marc. En París se relacionó con Delaunay y el clima cubista y centró definitivamente su interés en el movimiento y el tiempo, la luz y el color, con primacía sobre los valores psicológicos de las formas. Su vida de recogimiento espiritual dio como resultado una prolífica obra. 22
Marcus Rothkowitz (1903 - 1970), conocido como Mark Rothko (en letón, Marks Rotko), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto. A partir de 1947 su estilo cambió y comenzó a pintar grandes cuadros con capas finas de color.
En su producción se vuelve una constante
la
integración
la
hombre y su existencia en el mundo,
naturaleza y la cultura, aquello que el
desde la representación del espacio.
hombre
Desde
construye,
sus
entre
su leit motiv23: la representación del
universos
una
especie
de
biografía
espirituales y materiales. Las imágenes
personal, anclada y nacida de los
tomadas de su tierra natal son siempre
lugares que poseen un valor afectivo
los
fundante para él, se despliega una
escenarios
en
los
que
se
desarrollan su imaginería, utilizándolas
imaginería
como punto de partida para materializar
preguntas universales, inherentes a la
la realidad del hombre íntegramente,
condición
no en un único lugar específico sino
universo. El hombre está siempre
con valores universales.
presente pero no visible.
Su
obra
aspectos
presenta
cargada
del
símbolos
hombre
frente
y
al
notables
constructivos
y
arquitectónicos mediante los cuáles plasma sus característicos cielos o infiernos
abovedados,
espacios
ambiguos en los que la civilización se vuelve pequeña, mínima, a veces incluso imperceptible –piezas como Nostalgia (2000), Suspensa eternidad que cae (2005) y En sentido del arte (2012) son un fiel reflejo de dichos sentimientos-. El interés por la teosofía, la filosofía
y
pensamiento
distintas
corrientes
de
espirituales, se hace
palpable en cada una de sus obras, convirtiéndose, de alguna manera, en
La mayoría de sus composiciones tomaron la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras. Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura.
23
Juan Doffo. Comunicación personal (entrevista realizada por Paz Murtagh, Guillermina Fernández, Sasha Hrycaniuk y Clara Nosiglia), 19 de agosto de 2016.
Posibles ejes de lectura
Como
se
ha
mencionado
y
sus obras en un transcurrir de su
desarrollado anteriormente, la carrera
producción gracias a la transparencia
profesional de Juan Doffo proporciona
con la que él mismo se expresa en
los argumentos para afirmar que se
cada caso. En una charla con Massimo
trata de un artista contemporáneo
Scaringella, Doffo reflexiona sobre la
consagrado dentro del campo artístico
misma y confirma lo planteado:
argentino e internacional. Sin embargo,
Massimo
es la madurez pictórica de su obra y las
Juan,
particularidades de su modus operandi
Scaringella:
parecería
producción
que lo distinguen y constituyen su
que
su
estuviera
compuesta más por ciclos
identidad como artista consagrado.
que por simples etapas y
Esta madurez se manifiesta en la
que cada obra forma parte
coherencia y homogeneidad temática
siempre de un todo único
orquestante en cada obra.
en el cual los elementos
Se vuelve posible, a partir de una
son
convocados
a
investigación completa de su corpus de
interactuar
obra, delinear cuáles son los núcleos
recíproca. ¿Vos lo ves así?
temáticos a los que Doffo refiere. personales
del
artista
Cuando en mi sensibilidad
y
se
remiten de forma directa a su infancia puntos
temáticos.
Si
de se
profundidad
lo
que
simbolizan
dentro
análisis
representan de
la
partir
Ejes
comprende
abre
un
universo
temático (siempre trabajo a
en la pampa argentina. Llamaremos a dichos
forma
Juan Doffo: Sí, es cierto.
Todos ellos tienen su origen en las vivencias
en
de
todos
en
plásticos
y
ideas los y
elementos los
visuales
lógica
previas) soportes
interactúan
recíprocamente
“doffiana”, el espectador será capaz de
para
converger en una unidad
identificar los diferentes elementos a
cíclica. Esto sucede hasta
los que el artista alude en sus obras y
que un nuevo tema convoca
generar una conexión entre las formas
toda mi creatividad.1
pictóricas y su contraparte simbólica. Juan Doffo logra transmitir en sus obras una coherencia temática que responde directamente a su historia personal. Define su identidad artística encadenando lógicamente cada una de
1
Massimo Scaringella y Dr. José Luis Puricelli.
Juan Doffo. Buenos Aires: Fundación Tres Pinos, 2016, p.78.
1.
Influencias Generales
Como
se
ha
mencionado
y
sus obras en un transcurrir de su
desarrollado anteriormente, la carrera
producción gracias a la transparencia
profesional de Juan Doffo proporciona
con la que él mismo se expresa en
los argumentos para afirmar que se
cada caso. En una charla con Massimo
trata de un artista contemporáneo
Scaringella, Doffo reflexiona sobre la
consagrado dentro del campo artístico
misma y confirma lo planteado:
argentino e internacional. Sin embargo,
Massimo
es la madurez pictórica de su obra y las
Juan,
particularidades de su modus operandi
Scaringella:
parecería
producción
que lo distinguen y constituyen su
que
su
estuviera
compuesta más por ciclos
identidad como artista consagrado.
que por simples etapas y
Esta madurez se manifiesta en la
que cada obra forma parte
coherencia y homogeneidad temática
siempre de un todo único
orquestante en cada obra.
en el cual los elementos
Se vuelve posible, a partir de una
son
convocados
investigación completa de su corpus de
interactuar
obra, delinear cuáles son los núcleos
recíproca. ¿Vos lo ves así?
temáticos a los que Doffo refiere.
personales
del
artista
Cuando en mi sensibilidad
y
se
remiten de forma directa a su infancia
puntos
temáticos.
Si
de se
profundidad
lo
que
simbolizan
dentro
análisis
representan de
la
partir
Ejes
comprende
abre
un
universo
temático (siempre trabajo a
en la pampa argentina. Llamaremos a dichos
forma
Juan Doffo: Sí, es cierto.
Todos ellos tienen su origen en las vivencias
en
a
de
todos
en
plásticos
y
ideas los y
elementos los
visuales
lógica
previas)
soportes
interactúan
recíprocamente
“doffiana”, el espectador será capaz de
para
converger en una unidad
identificar los diferentes elementos a
cíclica. Esto sucede hasta
los que el artista alude en sus obras y
que un nuevo tema convoca
generar una conexión entre las formas
toda mi creatividad.24
pictóricas y su contraparte simbólica. Juan Doffo logra transmitir en sus obras una coherencia temática que 24
responde directamente a su historia personal. Define su identidad artística encadenando lógicamente cada una de
Massimo Scaringella y Dr. José Luis Puricelli.
Juan Doffo. Buenos Aires: Fundación Tres Pinos, 2016, p.78.
El proceso de creación en Juan Doffo
conjuga
elementos
teórico sobre la estética y la cultura.
esenciales que son: su condición de
Analizaremos aquí, algunos de los
voraz lector, inquieto investigador de
elementos artísticos empleados por
temas espirituales (lo que no significa
Doffo y sus orígenes específicos.
específicamente
dos
obra y manejar un extenso repertorio
religiosos)
y
los
filosóficos entre otros. Y por otro lado, sus
vivencias
personales,
muy
ancladas en lo nacional y autóctono marcadas por un fuerte vínculo con la naturaleza y las vivencias propias en el campo. En síntesis: un intelectual, de un lado y por el otro, un chico de pueblo como lo define José Luis Puricelli.
La obra Pasatiempo (1997) que formó parte de la muestra retrospectiva “Segundo Resumen” en el Centro Cultural Palais de Glace, surgió a partir de una frase del ganador del Premio Nobel de Literatura, el escritor y filósofo Bertrand Russel. Esta instalación que se compone de una pileta de arcilla con pequeños nichos y con fotos de gente que está pasando el tiempo (uno lee
El mismo artista reconoce que
una revista, otro lava el auto, otro mira
parte de su inspiración surge a partir de
televisión, etc.), responde a una cita de
los conocimientos adquiridos en el
este autor, quien dice no comprender al
camino
curiosidad
ser humano que vive como si fuese
insaciable: Un director de cine, una
inmortal, por eso no justifica que pierda
corriente
espiritualista,
una
historia
el tiempo tan estúpidamente.
personal,
un
una
cultura
a
satisfacer
viajando,
libro
son
su
o
algunos
de
los
disparadores estéticos que suscitan algo en su sensibilidad. El artista investiga, se interesa y reflexiona sobre los
mismos
transferirlos
para,
a
curiosidades
sus o
finalmente,
lienzos.
Estas
inquietudes
son
empleados de forma indirecta y casi imperceptible. Para detectar y comprender las decisiones pictóricas generadas a partir de
la
influencia
conocimientos,
es
de
dichos
necesaria
la
explicación en primera persona de la
Pasatiempo (1997), instalación, arcillas, luz y fotografía, 400x 150 x 10 cm.
Otro autor que ha inspirado profundamente
a
Doffo
es
el
reconocido filósofo y sociólogo francés, Jean
Baudrillard.25
de
cada
momento;
que
la
eternidad es lo que vivimos en
mucho más abstracto y menos directo
cada minuto. También entendí
(aunque no menos poderoso), su obra
que, como decía Borges, -”la
“El crimen perfecto” se volvió un tema
vigilia es otra forma de sueño”- y
recurrente y trascendental para el
a veces siento que la muerte es
artista.
también una fantasía, aunque
sus
un
no existe nada antes y después
sentido
En
En
estudios del Zen que en realidad
escritos
sobre
la
posmodernidad, Baudrillard postula una
tremendamente
pregunta
Doffo
cuando uno está vivo, ella no está
inmediatamente, ¿por qué existe algo
y cuando ella aparece es uno el
en verdad? El cuestionamiento del
que no está. 26 (Juan Doffo)
que
sedujo
a
universo y el hombre con un marcado tinte de existencialismo, es un tema recurrente en su obra.
cruel,
Doffo interesado
porque
siempre
se
las
creencias
por
sintió del
hombre y la desesperada búsqueda por
En realidad la gran pregunta
encontrarle un sentido a la vida.
que me hacía era por qué existe
Estudió incansablemente las diferentes
el ser humano y si hay un sentido
cosmogonías
de trascendencia en él; quizás el
oriental
sentido sea la vida misma. No lo
occidentales) pero de todas ellas, la
sé hoy tampoco. Aprendí con
que más le interesó, fue la celta.
y
del
mundo
corrientes
(filosofía
ancestrales
Este pueblo, le rendía culto a 25
Jean Baudrillard (1929 – 2007) filósofo y sociólogo, crítico de la cultura francesa. Su trabajo se relaciona con el análisis de la posmodernidad y la filosofía del postestructuralismo. Jean Baudrillard fue ampliamente reconocido por sus investigaciones en torno al tema de la hiperrealidad, particularmente en una sociedad como la estadounidense. De acuerdo con sus tesis, Estados Unidos ha construido para sí un mundo que es más «real» que Real, cuyos habitantes viven obsesionados con la perfección, evitar el paso del tiempo y la objetivización del ser. En su libro Crítica a la economía política del signo se propuso explicar el surgimiento de la sociedad de consumo y la economía a través de la aplicación de las Teorías del Signo, originadas por la lingüística estructural de Ferdinand de Saussure, también adoptada por Roland Barthes.
las
fuerzas
de
la
naturaleza,
especialmente al océano y a los árboles. Su horóscopo, según la fecha de nacimiento adjudica un árbol y sus características
naturales
le
corresponden como por transferencia, a la persona.27 Doffo realizó múltiples 26
Massimo Scaringella y Dr. José Luis Puricelli. Juan Doffo. Ciudad Autónoma de Buenos Aires: Fundación Tres Pinos, 2016, p. 12. 27
Juan Doffo. Comunicación personal (entrevista realizada por Paz Murtagh, Guillermina Fernández, Sasha Hrycaniuk y Clara Nosiglia), 19 de agosto de 2016.
obras en donde la relación entre el
realizo muchos dibujos y fotografías en
hombre y la naturaleza se presenta
el sitio, influenciado por la relación
como el tema central. Asociado no solo
entre la naturaleza que crece en dos
a su crianza en el campo, resabios de
partes del mundo adaptándose a un
esta filosofía celta y otro tipo de
hábitat nuevo y el hombre, que de la
inspiraciones,
van
misma manera, debió adaptarse a esta
imágenes
y
más
construyendo más
complejas,
tejiendo y entramado sus vivencias en
nueva tierra para generar un arraigo y echar raíces.
un transcurrir cada vez más rico. En obras como La luz pasea sobre el tiempo (2008), En el confín de otra llanura (2008) y Titi ya no vive aquí (2010), el árbol aparece como referente esencial de la naturaleza, como una fuente inagotable de vida, gigante, milenario
y
mágico;
como
una
extensión de la fuerza del universo, hacia lo más alto del cielo o a lo más profundo de la tierra; como un techo abovedado impenetrable que protege a todos los seres, como la unión entre el universo y el hombre. Sus vivencias personales van enriqueciendo año a año
y
obra
a
obra,
elementos
iconográficos reiterados, pero cuyo
La luz pasea sobre el tiempo (2008), acrílico sobre tela, 200 x 120 cm.
significado se ensancha cada vez más. Su bagaje va creciendo, y con él, lo intrínseco de sus símbolos. El árbol también funcionó como inspiración a la hora de elegir un título para su muestra individual “Eje entre dos mundos” en la Galería Rubbers (2008). En un campo cerca de Mechita un hombre trajo un semilla de bambú de su tierra natal, Tokio, la que sembró
En el confín de otra llanura (2008), acrílico
y hecho raíces por todo el lugar. Doffo
sobre tela, 150 x 250 cm.
Exiliado en Italia Tarkovski decide filmar esta película que se convertirá en su obra maestra. En ella se evidencian las peripecias y angustias del director, quien termina por vivir sólo de los recuerdos de su patria. Nostalgia
influenció
profundamente a Doffo, desde su ambientación espiritual y metafísica, hasta
la
transmite.
carga La
emocional
casa
de
que
Tarkovski
colocada en el centro de una catedral en ruinas (la abadía de San Galgano en Siena)29 es retomada por el artista de manera muy alusiva y literal en Nostalgia y Suspensa eternidad que cae. Reemplazando la casa del director Titi ya no vive aquí (2010), acrílico sobre tela, 250 x 200 cm.
por la suya de Mechita, Doffo expresa su pérdida del hogar originario por la migración a Buenos Aires. Vuelve
Por otra parte, Juan Doffo es un gran conocedor y amante del cine. Su mayor afición es el cine independiente ruso. Entre algunos de sus directores predilectos
se
encuentra
Andréi
analógico su desarraigo al planteado por
el
director
ruso.
Representa
además, el drama del exilio sufrido por muchas familias italianas y españolas y otras nacionalidades llegadas al país.
Tarkovski (1932-1986). Nostalghia28 es
La exposición individual que en
su primer film realizado fuera de la
el año 2012 realizó en la galería
Unión Soviética
luego de que lo
“Rubbers Internacional” la tituló con el
censurara el régimen stalinista por
mismo nombre de la primera obra que
realizar obras demasiado espirituales.
realizó, en 1989, bajo la influencia del director: “Cuando Tarkovski plantó un
28
Nostalghia [película]. Dirección de Andréi Tarkovski. Producción de Daniel Toscan du Plantier. Guion de Andréi Tarkovski y Tonino Guerra. Italia y Unión Soviética, 1983 (121 min.). Disponible en https://www.youtube.com/watch?v=C6_kBg3_g1 0
árbol en mi casa”. Esta muestra estuvo compuesta por obras inspiradas en la sensibilidad poética del cineasta ruso.
En
dichas
pinturas
rememoró
la
cualidad sublime y misteriosa de la vida y del arte. El prólogo de la muestra, a cargo de la periodista cultural Lorena Alfonso, esclarece aún más la íntima relación de Doffo con la obra de Tarkovski:
Juan
Doffo
pintó
los
momentos más conmovedores de las películas del cineasta ruso Andréi Tarkovski y construyó en sus paisajes metafísicos un magma de sensaciones que
contiene
las
experiencias
de
ambas individualidades comprometidas con el sentido universal del arte. 30
Nostalgia (2000), acrílico sobre tela, 150 x 150cm.
Escena final film Nostalghia (1983), Andrei Tarkovski.
Suspensa eternidad que cae (2005), acrílico sobre tela, 150x150 cm.
30
Massimo Scaringella y Dr. José Luis Puricelli. Juan Doffo. Ciudad Autónoma de Buenos Aires: Fundación Tres Pinos, 2016, p. 154.
de la naturaleza. El hombre moderno se
conmueve
con
la
exuberante
extensión, y a la vez se intimida por lo inabarcable,
de
la
naturaleza.
Lo
fascinante y sobrecogedor del universo paraliza pero genera al mismo tiempo cierta adrenalina o energía vital y admiración
del
universo
del
que
formamos parte. Esta
dualidad
sublime
es
retomada en la obra de Doffo, en donde vestigios de la cultura del hombre
son
dominados
por
los
imponentes paisajes o arquitecturas Cuando Tarkovski plantó un árbol en mi
monumentales (propias de dioses y no
casa (1989), acrílico sobre tela, 200 x 60
de hombres). En obras como El árbol
cm.
del
olvido,
Breve
instante
de
un
resplandor y Vestigios de una antigua llama,
la
naturaleza
caprichosa
y
Si relacionamos por asociación
temible domina el plano, relegando a
un movimiento pictórico de la historia
los elementos restantes y cargando
del arte a la obra de Doffo, ése sería el
dramáticamente la composición.
Romanticismo, más específicamente el Romanticismo nórdico. En este estilo, que alcanzó su máximo esplendor en Alemania en el siglo XVIII y tuvo ecos en todas las artes, incluyendo la literatura (con el nombre de Strum und Drang
-en
español,
“Tormenta
y
pasión”-) la idea de lo sublime como un punto medio entre lo bello y lo terrible, será
su
rasgo
distintivo.
En
la
paradigmática obra El caminante sobre mar de nubes (1818) de Caspar David Friedrich, se presenta lo sublime por medio de la cualidad inconmensurable
Breve instante de un resplandor (2008), acrílico sobre tela, 150 x 150 cm.
El caminante entre las nubes (1818), Caspar David Friedrich, 74,8 cm × 94,8 cm
Vestigios de una antigua llama (2009), acrílico sobre tela, 260 x 100 cm.
El árbol del olvido (2009), acrílico sobre tela, 200 x 300 cm.
Por otro lado, las Corrientes Espirituales, Simbolismo31, 31
específicamente podrían
el
funcionar
El simbolismo fue uno de los movimientos literarios y artísticos más importantes de finales
también como un referente pictórico ya que el artista mantiene un interés constante por las creencias espirituales y
las
diferentes
cosmogonías
del
hombre a lo largo de su vida. Su búsqueda
personal
e
incansable
inquietud respecto de la filosofía y la condición del hombre, coinciden con la carga
mística
que
muchas
obras
simbolistas tienen también.
del siglo XIX, originado en Francia y en Bélgica Los simbolistas, cuyos precedentes se encuentran en William Blake, los nazarenos y los prerrafaelitas, propugnan una pintura de contenido poético. El movimiento simbolista reacciona contra los valores del materialismo y del pragmatismo de la sociedad industrial, reivindicando la búsqueda interior y la verdad universal y para ello se sirven de los sueños que gracias a Freud ya no conciben únicamente como imágenes irreales, sino como un medio de expresión de la realidad.
2. La llanura, la Pampa
La
ciudad
y
el
campo
A lo largo de la historia, algunos
constituyen un par de opuestos
artistas argentinos, desde Prilidiano
que se implican mutuamente
Pueyrredón o Martín Malharro, hasta
como
la
Antonio Berni (serie Pampa y Cielo
cuales
1962) y Luis Felipe Noé (Se acerca la
imaginar el propio lugar en el
noche, 1994-1995) al igual que Juan
mundo. Ubican al individuo en
Doffo, representaron desde distintas
su relación con la naturaleza
concepciones el espacio nacional, la
pero también, y sobre todo, en
pampa.
relación con otros hombres y
conquista
mujeres, imbricado en una red
fundación de Buenos Aires en 1536 y el
de relaciones. Son, en realidad,
avance sobre el territorio hacia el sur,
algo más que lugares concretos.
la pampa tuvo con frecuencia un
Condensan ideas, sentimientos,
despliegue artístico en la literatura. En
deseos
en
las artes plásticas existen referentes y
relación con la sociedad y con la
representaciones que materializan las
política.
sólo
significaciones y re significaciones que
espacios sino también tiempos
dicho espacio tuvo en el imaginario
distintos: el del trabajo y el del
nacional.
localizaciones
cultura
desde
y
de
las
frustraciones
Confrontan
no
ocio, el de la naturaleza y el de la historia. Las ideas de cambio y de progreso encarnadas en la vida de la ciudad, así como la contemplación
bucólica
o
la
evocación nostálgica de una pastoral campestre como su contrapartida han sido tópicos que
nos
llegan
antigüedad,
desde
poniendo
la en
imágenes tanto literarias como visuales expectativas,
las
sucesivas crisis
y
decepciones que acompañaron la historia de los asentamientos y sociedades humanos.32
32
Desde la colonización y de
los
españoles,
Para la concepción europea del s
XIX,
el
paisajismo
y
la
representación del espacio que oscilaba entre lo pintoresco y lo sublime en los artistas viajeros, la pampa no se correspondía con ninguno de los dos ideales. El viajero inglés John Miers, que la recorrió en 1826, la describió como
“una
ilimitada
llanura
vacía de paisaje”. La llanura casi interminable carente de accidentes geográficos cubierta apenas por un pastizal y sin muchos rastros de vegetación, suburbio. Buenos Aires: Fundación OSDE, 2007, p. 7.
Laura Malosetti Costa. Pampa, ciudad y
la
no era lo que para la época se
concebidas
consideraba un escenario digno
romántica siguiendo el ejemplo de Lord
de representar. “El desierto no
Byron y la mirada de los viajeros
fue paisaje para los artistas
ingleses. Tal vez fueron las palabras –
viajeros del siglo XIX sino un
el peso simbólico de la llanura en las
escenario vacío en el que se
letras– uno de los grandes problemas
desplegaba el drama humano.
que enfrentaron los pintores en su
Sus representaciones visuales
búsqueda de representar el desierto.34
pertenecieron
más
bien
al
costumbrismo: un género que fue moralizante en el siglo XVIII y que se adaptó fácilmente a la curiosidad
del
ciudadano
burgués del XIX por los tipos y costumbres
de
los
confines
remotos del planeta”.33
La
desde
una
búsqueda
perspectiva
del
carácter
sublime en la inmensidad de la pampa argentina se volvió casi una obsesión, una suerte de desafío permanente para los artistas a lo largo del tiempo35. Las características espaciales de la pampa la volvían un escenario y objeto difícil de representar. Mientras que a lo largo
Sin embargo, a diferencia de las
del siglo XIX se volvió el gran tópico de
artes plásticas, gracias a la literatura la
discusión en el campo de las artes
pampa fue logrando el estatus de lo
visuales, a medida que avanzó el
representativo
tiempo, se hizo evidente la necesidad
nacional.
La
como
el
construcción
paisaje una
de una renovación en el lenguaje
identidad propia y generación de un
artístico, que iba a traer aparejado, una
nacionalismo,
nueva concepción de dicho desierto.36
preocupación
de
urgente
entre los ilustrados y conductores del país durante el siglo XIX, generó un despliegue de imágenes en torno al campo que, desde las artes visuales se centraba en la figura del gaucho (visible en obras de Malharro, Pueyrredón, Carlos Morel, etc.) pero desde la literatura
aludía
sin
duda
a
las
características de territorio propiamente dicho. Las obras casi emblemáticas son La Cautiva de Esteban Echeverría y el Martín Fierro de José Hernández, 33
Ibídem, p. 87.
34
Ibídem, p. 96. Ibídem, p. 102. 36 Esta cuestión fue planteada como un reclamo intelectual y estético a los pintores por los poetas que, como Rafael Obligado, asumieron la pampa en el siglo XIX como el “paisaje nacional”. En las discusiones que sostuvieron en el Ateneo en 1894, Eduardo Schiaffino argumentó que la belleza de la pampa era, en realidad, una invención de los poetas, y que en sede pictórica no había manera de representar la inmensidad si no se disponía de alturas (materiales) desde donde tender la mirada. Fue Eduardo Sívori quien siguió persiguiendo con tenacidad esa imagen sublime. Buscaba –en sus propias palabras– “pintar una pampa inmensa, inconmensurable, que asuste […] pampa y cielo, nada más”. Los temas como género debían desaparecer para abrir una 35
Para Juan Doffo la pampa tuvo
Además de sus pinturas en las
siempre un significado particular y muy
que
personal. Nacido cercano a la antigua
representación del paisaje, en otro tipo
línea de fortines en el Río Salado en,
de obras como las fotoperformance
uno de los tantos pueblos de la
Juan
provincia
que
representación de su pueblo y la gente
surgieron al costado de las vías del
que allí vive, volviéndolos objeto y
ferrocarril, su contexto y vivencias lo
participantes de la misma. Entonces su
marcaron de por vida. Desde un
obra no es simplemente la de un
lenguaje casi abstracto la concepción
paisaje, una concepción más, nueva o
del entorno y su pueblo se vuelven
distinta del paisaje nacional, sino que
paisajes
Extensos
es el retrato del pueblo, del drama
horizontes atraviesan los lienzos de
existencial del hombre en todos sus
gran formato como una representación
ámbitos, sus mitos y creencias y sobre
de infinito, ubicando a su pueblo en el
todo, su relación con el universo
centro
(Arquitectura
de
casi
de
Buenos
Aires
fantásticos.
sus
composiciones.
(El
se
ve
más
Doffo
claramente
ahonda
del
(2001),
fotografía,
tela, 150 x 250 cm y, Antigua conexión
analógica sin intervención digital, 122 x
de crepúsculos (2011), acrílico sobre
150 cm y, Movimiento continuo (2001),
tela, 300 x 700 cm).
fotografía,
desarrollan en Mechita, es allí donde se configura la inspiración para su corpus
toma
directa,
la
sentido del arte (2012), acrílico sobre
Sus imágenes surgen y se
toma
infinito
en
la
directa,
copia
copia
analógica sin intervención digital, 120 x 150 cm). Su ideología e influencias en su
de obras. Por medio de un lenguaje
producción
casi metafísico, abstracto, en el que
paisaje que es Mechita y su identidad,
predominan fuertes líneas horizontales
una y otra vez, apelando consciente o
y
o
inconscientemente a un colectivo: no
fragmentos de mapas o cartografías del
es su drama o vivencia personal, no es
cielo, el abordaje del espacio y sus
su espacio único y particular, sino el de
vivencias apela a una universalidad.
todos. Sus obras no remiten a lugares,
(Río infinito (2007), acrílico sobre tela,
personas, vivencias concretas propias,
100 x 300cm y, La noche (2004),
sino a la experiencia de la vida, con la
acrílico sobre tela, 200 x 140 cm.)
que todas las personas se pueden
verticales
como
apariciones
identificar. nueva posibilidad de abordaje al no paisaje que representaba la pampa.. (Ibídem, p. 103)
renuevan
ese
mismo
Las Fotoperformances
Nos
referimos
con
representaciones teatrales que a obras
fotoperformances a las fotografías que
de
Doffo
natal
cambios en los paradigmas del arte en
involucrando dos elementos esenciales
pos de establecer qué es el arte
de su lenguaje artístico: el fuego y
moderno. La posibilidad de un arte
Mechita. Este tipo de obras constituyen
relacional –un arte que tomaría como
la
contemporánea
horizonte teórico la esfera de las
dentro de toda su producción artística.
interacciones humanas y su contexto
No se trata de simples imágenes
social, más que la afirmación de un
fotográficas
concepto
espacio simbólico autónomo y privado-
trabajado y desarrollado por el artista
da cuenta de un cambio radical de los
en donde su rol se transforma, pasa de
objetivos
ser el artista-creador accionando sobre
políticos puestos en juego por el arte
un lienzo, a un artista-director que se
moderno.37
capturó
en
propuesta
su
más
sino
de
tierra
un
manifiesta a través de los participantes que protagonizan las performance. Por medio de una reflexión acerca de los paradigmas
actuales
del
arte,
el
empleo de técnicas contemporáneas y una meticulosa planificación, plasma, a través de su lente, la imagen que anhela. determinar
Bourriaud
analiza
estéticos,
El
autor
dichos
culturales
sostiene
que
y
el
verdadero arte contemporáneo debe apuntar a romper los lazos sociales modernos,
ya
convertido
que en
éstos
se
han
un
artefacto
estandarizado. Es decir, postula que los vínculos de lo cotidiano dejaron de ser
Para
arte.
espontáneos
para
seguir
las
rígidamente las normas que impone el
características específicas de dicha
consumo. En la posmodernidad la
producción y profundizar sobre los
felicidad del hombre radica en la
límites y alcances nos referiremos al
satisfacción de las necesidades que
crítico,
e
genera la sociedad del consumo. El
historiador francés Nicolas Bourriaud y
arte más fuerte será aquel que logre
su
interrumpir
conservador,
“estética
curador
relacional”.
En
1998
dichas
relaciones
analiza en su libro “Estética Relacional”
estandarizadas
para
la innovadora producción artística de la
generar
sociales
generación de artistas que llegó a la
Para ello, deberá tener una inserción
fama en Europa Occidental y Estados
en la praxis vital, liberando al hombre y
Unidos a principios de 1990 realizando
dándole un lugar protagonista al sujeto
obras
no
parecían
convencionales más
a
que
se
actuaciones
o
37
lazos
revivirlas
y
renovados.
Nicolas Bourriaud. Estética relacional. Buenos Aires: Adriana Hidalgo Editora, 2007, p. 8.
nuevamente.
Dichos
de
volviéndose un elemento constitutivo
vínculos
sustancial pero cambiante. En el arte
diferentes, alejándonos de las zonas de
performático, las obras no tienen un
comunicación
tiempo estandarizado, ellas mismas
socialización
espacios
suscitarán
impuestas
por
el
consumo.
administran su propia temporalidad.
Este enfoque tiene como objeto
En sus fotoperformances, Doffo
de estudio las relaciones que se
elige y prepara los predios a modo de
pueden generar entre el hombre y otros
producciones
sujetos. Se trata de un intersticio social,
convierten en eventos colectivos donde
sin forma ni tiempo estandarizado, que
los habitantes de Mechita se reúnen en
se explica porque es un arte que no
una causa común: la gente ayuda a
responde a la belleza formal presente
instalar los andamios, otros participan
en los paradigmas anteriores dentro de
como actores performáticos, etc. En
la historia del arte. La esencia de la
estas acciones particulares los lazos y
práctica artística residiría así en la
relaciones
invención de relaciones entre sujetos;
pueblo, que no sucederían si no se
cada obra de arte en particular será la
reunieran con el objetivo de crear
propuesta para habitar un mundo en
dichas obras, se transforman. Cada
común y el trabajo de cada artista, un
individuo
abandona
haz de relaciones con el mundo, que
habituales
para
generaría a su vez otras relaciones, y
equipo bajo las indicaciones de su
así sucesivamente hasta el infinito.38
director de orquesta. El sentimiento de
La formalidad de la estética relacional se constituye por los cambios que se generan en las relaciones del hombre, en el encuentro; la forma de la obra contemporánea se extiende más allá de su forma material: es una amalgama,
un
principio
aglutinante
dinámico39, se trata entonces, no de “forma” sino de formaciones. Respecto del tiempo, al momento que la obra se distancia del lienzo e inserta en la praxis 38 39
vital,
Ibídem, p.10. Ibídem, p. 18.
éste
se
reinventa,
cinematográficas.
entre
las
Se
personas
sus
trabajar
del
tareas
como
un
unidad entre los habitantes se refuerza en
una
situación
de
mutua
colaboración. Los vínculos vecinales se diversifican,
rompiendo
normalizada
de
situaciones
la
relacionarse. inusuales,
forma Las bajo
circunstancias por momentos adversas (como lo es trabajar con y cerca del fuego) y el cambio de roles: los voluntarios devenidos en performers amateurs, forjan entre ellos nuevos lazos de confianza, complicidad e intimidad.
Las convocatorias son abiertas
No
resulta
tan
sencillo
para toda las personas de mi pueblo
responderlo, si bien el resultado final
que quieran participar. Son voluntarios
plantea una dialéctica entre el concepto
que se suman con gran predisposición
de performance y fotografía mucho
a colaborar con mis proyectos, explica
más compleja que un insustancial
Doffo. Además, previamente, avisa a la
periodismo de sucesos, el peso o la
policía local acerca de qué es lo que se
intención última en algunas de las
realizará en el pueblo y ellos también
obras
participan de algún modo, cortando las
simplificación de ubicarlo en una única
calles
categoría.
para
que
nadie
invada
el
“escenario” de la performance. La duración de las mismas es variable, depende de la complejidad de cada proyecto. Generalmente, mientras se prepara todo y oriento a la gente, cada performance dura entre una y tres horas, señala Doffo.40 Son
estas
de
Doffo
Para
poder
claramente,
nos
imposibilita
delimitarlo referimos
la
más
a
las
distinciones que Jorge Zuzulich hace al respecto de la fotoperformance en su obra “La violencia del gesto”, en donde en primer lugar problematiza el rol del “autor/ fotógrafo/director”. Hace una
alternancias
y
distinción
fundamental,
anteriormente
dados “naturalmente” entre el artista,
quienes detentan la potestad sobre la
los performers, el tiempo y ese espacio,
fotografía como disciplina, idea que se
las que sustentan y cargan de sentido
vuelve extensiva a otros dispositivos
las
Resulta
técnicos como el video, y aquellos que
inevitable preguntarse entonces, ¿cuál
hacen un uso profano del dispositivo:
es la obra de arte? ¿Se trata de la
los
experiencia vivida o de las imágenes
Podemos
finales.
tomadas por la cámara?
41
artistas
Bauret,
“entre
modificaciones que sufren los vínculos
imágenes
por
planteada
contemporáneos”.42 identificar
más
acertadamente a Doffo con la segunda categoría.
40
Juan Doffo. Comunicación personal, 3 de mayo de 2017. 41 Es algo dado que la aparición de procedimientos tecnológicos en el campo de la performance tiende a tensionar el propio concepto de lo performático, en la medida que el aquí y ahora de la potencia de los cuerpos aparece mediatizada, reinstalada en el campo de lo representacional. Procedimiento que podría equipararse a lo que Walter Benjamin denominó pérdida del aura. Tempranamente, la performance asumió el cruce con medios esencialmente tecnológicos
Teniendo
en
cuenta
principalmente que se trata además de dando lugar a lo que podríamos señalar como la performance extendida, en especial en confluencia con la fotografía y el video, dando como resultante la fotoperformance y el videoperformance. (Zuzulich, Jorge. Performance. La violencia de gesto. Buenos Aires: Instituto Nacional del Arte, 2012, p. 91) 42 Ídem.
un fotógrafo amateur, claro está en su
posibilitando una recepción diferente en
producción artística, que la cámara
cada caso (acto, registro), que les ha
fotográfica como herramienta, no es
permitido transcender la instancia de la
más
acción-transformada-en-objeto
que
eso,
un
medio
para
“materializar” o plasmar eternamente lo
documentación.
efímero e irrepetible de un momento, un recuerdo, una vivencia. En su caso particular no se trata simplemente de “atrapar” el momento, condensarlo, sino además de un despliegue y desarrollo anterior que hace posible dicha actuación. Doffo no solo intenta captar la magia del momento producida en ese instante, sino que además se adelanta a lo que va a suceder, y desarrolla tanto una estrategia como una disposición particular de elementos elegidos cuidadosamente para generar dicha vivencia que luego además, se convertirá en imagen. Rodrigo
En
y
su
43
línea
con
lo
anterior,
Zuzulich además profundiza: Como variante de la performance registrada en
el
momento
de
su
acontecer
podemos encontrar otra modalidad en la cual quien registra la acción está inmerso dentro de la obra, forma parte de la obra. La cámara adquiere un estatus de la mirada de alguien que está dentro de la acción, de ese acontecimiento y, por lo tanto, esta parece dotada de una mayor intensidad que la mirada distanciada de quien se ha desprendido del suceso y lo observa desde afuera. En tal sentido, la obra
Alonso
escribe
al
incorpora su propia modalidad de
este
juego
o
registro. Sin embargo, es necesario
interdependencia entre las imágenes
señalar que esta modalidad se da en
resultantes
performance
limitados casos no se presenta como el
propiamente dicha: Las prácticas de la
modelo más definido de registro (…) Ya
foto-performance
no
respecto
de
y
la
y
la
video-
es
la
cámara
desde
afuera,
performance, por ejemplo, tienden a
objetivando el despliegue performático,
privilegiar al registro como soporte
sino que dentro del propio acontecer de
antes que la acción registrada” (…) “Lo
la obra es en donde se va a producir la
que en todos los casos resulta evidente
captura de su devenir.44
es que el registro no agota al acto y que éste no existe independientemente de aquél. Por el contrario, muchos artistas
tienden
a
dimensionar
o
rediseñar la propuesta performática en función del medio de registro elegido,
43
Rodrigo Alonso. “Performance, fotografía y video: la dialéctica entre el acto y el registro”. En Arte y Recepción. Buenos Aires: Centro Argentino de Investigadores de Artes, 1997. [Fecha de consulta: 29-04-2017] 44 (…) Con el transcurrir del tiempo ese registro se autonomiza, se separa de la obra originaria y comienza a circular dentro del mercado de arte
En
de
toma, pero es también él quien lo vive.
Juan Doffo, el artista no solo participa
Podría entenderse como parte de su
de
“director”,
trabajo habitual para la construcción de
asistiendo a los performers, etc., sino
cualquiera de sus obras, comenzar a
las
que
las
fotoperformances
mismas,
en
algunos
como
además
partir de una fotografía de su pueblo
aparece dentro de las mismas. Se trata
para luego elaborar un paisaje en un
entonces de una imagen creada dentro
lienzo. Sus fotoperformances podrían
del núcleo mismo esencial de la
ser tanto el proceso inverso, como la
experiencia que se está viviendo.
materialización de esa imaginación
Podría
casos
45
argumentarse
bajo
dichos conceptos que la “composición” o teatralidad de las mismas (por cuya estructura
superficial
y
primera, la experimentación y vivencia en primera persona de aquellas cosas que lo conmueven.
estética
En
contraposición
Zuzulich
parecerían simplemente fotografías),
establece que: Es posible además, dar
responden
cuenta de otra modalidad que se
a
una
intencionalidad
premeditada y fueron estructuradas
diferencia
previamente, por lo que son parte del
expuesto: las performances para la
ejercicio de la performance. Tanto el
cámara. Una performance cerrada, una
medio por el cuál van a ser registrados,
performance sin público en donde el
como la disposición particular de los
único testigo de la realización del acto
elementos, son preconcebidos por el
es la cámara.46 Claramente, volviendo
artista
prevé
sobre el punto anterior, el componente
experimentar con la gente de su pueblo
de lo relacional en la obra de Doffo lo
el momento por él propuesto. La
distingue de este otro tipo de obras
fotografía
final
planteado por Zuzulich. Las obras de
entonces toma otro matiz, es él quien la
Doffo no pretenden ser un statement,
pero,
Juan
como
Doffo
resultado
substancialmente
de
lo
una imagen impactante, o un registro como objeto comercializable. De alguna manera, este hecho instaura una paradoja en relación con el sentido originario de lo performático, el cual se había instituido abstrayéndose de las leyes del mercado a partir de la fugacidad y desmaterialización que sustentaban su sentido productivo. (Zuzulich, Jorge. Performance. La violencia del gesto. Buenos Aires: Instituto Universitario Nacional del Arte, 2012, p. 95) 45 Misteriosa forma del tiempo (2005), fotografía, toma directa, copia analógica sin intervención digital, 100 x150 cm; y Superficie del sentido (2002), fotografía, toma directa, copia analógica sin intervención digital, 100 x 200 cm.
de su hacer
en solitario,
por
el
contrario, atraído por sus potentes fuentes de imaginación, Juan Doffo recurre una vez más a lo universal; al acercamiento
del
hombre
con
la
naturaleza, a logar una unidad más trascendente que el hombre aislado. 46
Jorge Zuzulich. Performance. La violencia del gesto. Buenos Aires: Instituto Universitario Nacional del Arte, 2012, p.96.
La
performance,
paulatinamente,
cuerpo intenso puesto en
va
acto crea una dinámica,
abriendo un espacio de
pone
intersección con el video,
fuerzas (...) a partir de la
con la fotografía y, en
co-presencia
menor
cuerpos, se mixtura con
medida,
con
el
en
contacto
sus
de
los
cine. Por lo tanto, las
las
posibilidades
especificidades en cuanto
expresivas de cada uno
al uso de los planos y del
de
montaje en el cine, a la
fotografía, cine y video.47
estos
lenguajes:
configuración del espacio y el uso de la luz en relación a la fotografía y, obviamente,
también
El
trabajo
previo
a
dichas
al
experiencias y el significado profundo
video, en tanto lenguaje
para el artista, más allá de las posibles
electrónico,
la
categorías en las que se lo pueda
usar
ubicar, son finalmente los factores que
partidas,
cargan de fuerza y sentido las obras. Si
wipes,
bien el sentido representacional se
con
posibilidad
de
pantallas solarizadas, ventanas,
mixturas
de
reinstala, no es menos cierto que la
texto,
potencial desplegada por el cuerpo
con
también se inscribe en la propia
sintetizadores de imagen,
imagen, de manera tal que su puesta
opciones de colorimetría y
en acto se torna visible.48 El peso de
distorsiones,
todas
los cuerpos (en el sentido amplio de la
posibilidades
palabra) y de lo experiencial, teniendo
imagen
y
operaciones
distintas
son
expresivas, también del
en
cine y de la fotografía, que
desarrollados
van a ir articulándose,
relacional, son los protagonistas de las
fundiéndose, hibridándose
imágenes, que exceden los límites de
con la performance.
la representación.
¿Qué es lo que aporta la performance
en
cruce?
intensidad
La
este
cuenta
bajo
aspectos la
ya
estética
Cambiando radicalmente el eje anteriormente pretendemos
generada por el cuerpo del acontecimiento. Ese
los
47 48
Ibídem, p. 93. Ibídem, p. 94.
desarrollado, profundizar
en
las
elecciones particulares del artista en
En todos los casos hay
este tipo de obras. Ahondar en el
una consideración positiva
porqué
de los lugares elegidos.
de
los
métodos,
lugares,
objetos y sujetos elegidos. Para ello
Más
nos referiremos al texto escrito por
“especificidad”
de
los
Valeria González “En busca del sentido
sitios
de
una
perdido”. La historiadora del arte elige
identificación en términos
diez muestras del campo artístico
de los valores estéticos y
argentino
para
ampliar
sobre
el
éticos puestos en juego
concepto
de
estética
relacional
precedentemente en sus
(tomando como referencia la definición
producciones artísticas. Si
de Bourriaud) o distinguirlo. Abre el
la búsqueda de espacios
espectro a la interpretación de nuevos
alternativos
tipos
manifestaciones
vanguardias respondían a
artísticas que ponen el foco en la
una actitud de negación
importancia o significación del espacio
del discurso general del
como
arte, aquí se postula un
de
obras
y
elemento
fundamental
y
aún,
deviene
compositivo, capaz de crear nuevos
territorio
vínculos
singular.
y
relaciones,
corriéndose
la
en
de
las
afirmación
Encontrar
el
específicamente de las connotaciones
lugar apropiado para el
que comúnmente se le adjudican a sus
trabajo,
elementos fundamentales como son el
artistas. Si ellos escapan
espectador, el tiempo y el espacio.
del sistema del arte, es en su
Valeria González sostiene que
sino
espacio radica no únicamente en que el
El
que
la
sus
dormidas
y
lugar
opera
como
instancia vital, inspiradora,
cada uno de esos espacios posee y, a
activar
componer algo con ellas.
los “lugares comunes” del arte, sino en
aporta
para
potencias
mismo sea público y esté “por fuera” de
además,
(…)
en él trasfondos oscuros
diferente, en donde la importancia del
particulares
neutralidad.
sitio, no es para develar
plantean un tipo de estética relacional
características
los
Cuando ellos eligen un
las diez muestras por ella analizadas
las
insisten
constitutiva49
composición
general. 49
Valeria González. En busca del sentido perdido.10 proyectos de arte argentino 19982008. Buenos Aires: Papers Editores, 2010, p. 15.
Al igual que Doffo con Mechita,
ancla en Mechita, su lugar de origen,
el lugar cobra vital importancia no sólo
su forma de mirar el mundo. En
por las características del espacio en sí
Mechita y a través de Mechita, él revive
mismo, ya que podría tratarse de
el mito, la naturaleza, su niñez, como
cualquier pueblo ferroviario o cualquier
forma de desarticular la preconcepción
campo abierto de la pampa. Doffo se
de dicho espacio y generar otro tipo de
plantea primero la importancia de ese
vínculo;
espacio
en
características
particular
de
despertar
el
espíritu
por
sus
aludiendo o sugiriendo lo ritual. A
ya
que
través
afectivas,
de
ese
contacto
con
la
representa un espacio significativo para
naturaleza, el desarrollo al aire libre, en
él. Su obra cobra sentido al potenciar la
la línea con el horizonte por medio del
esencia de ese lugar puntual y no otro
fuego,
y su intención artística.
novedosa,
Tal como dice el artista Julián D’Angiolillo: es la locación la que “caza” al locador y no al revés. La búsqueda de
estos
artistas
no
responde
a
contradecir o probar una vez más los límites instaurados en el campo del arte, sino que buscan conectarse con
se
activa
una
distinta,
experiencia
entre
los
que
participan de la misma. La forma de relación de los vecinos con el entorno y, el entorno con ellos y su autor, reconfigura el valor y el peso de los distintos
elementos,
alterando
las
cargas simbólicas y afectivas de los mismos.
elementos que resultan relevantes para
Walter Benjamin50 (observando
ellos, desde su biografía personal,
cómo los niños, en vez de aceptar el
haciendo de ellos una nueva forma de
significado
dado
comunicación.
aprenden
de
Así como algunos se inspiran en el rescate de técnicas olvidadas o interpretadas
hoy
como
obsoletas
(como el tejido, el bordado, la comida casera,
etc.),
otros
se
anclan
estrictamente en espacios en donde el tiempo “retrocede” o se congela (el del
de ellas
las
cosas,
tocándolas,
usándolas y transformándolas) postuló que existe en todos nosotros una suerte
de
potencia
revolucionaria
innata, una conexión sin censuras entre percepción y acción, que luego es reprimida por la socialización y la pedagogía burguesa.
parque Rivadavia en el caso de Julián D’Angiolillo, el museo de Ciencias Naturales de Romina Orazi, el Museo Ferroviario de Patricio Larramberere, etc.). De la misma manera, Doffo se
50
Valeria González. En busca del sentido perdido. 10 proyectos de arte argentino 19982008. Buenos Aires: Papers Editores, 2010. Pág. 17.
Si era necesario redimir
“despertarnos”
esta capacidad dormida,
sentidos.
el
papel
del
escritor idea
mucho al de un contador historias.
nuestros
artistas
medio
de
de
un
hombre
posmoderno
“anestesiado”,
(…)
desconectado
verdaderamente de la realidad a causa
son,
de los efectos estupefacientes que los
cada uno a su modo,
medios de comunicación tuvieron en él
contadores de historias.
y su transformación de la cultura.
Aun cuando se basan en
Sostiene que el modo de luchar contra
vivencias personales, a
ella no radica en el conocimiento o la
diferencia de la biografía,
conciencia revolucionaria sino en la
la importancia del relato
recuperación de la sensibilidad.
no descansa en la figura del individuo autor sino
No
se
trata
en la relevancia que los
sencillamente
de
sentidos
convocar
construidos
puedan
los
sentidos
operar
subordinados del gusto,
51
el tacto, el olfato (…)
objetivamente en otros.
los
Al respecto Benjamin plantea la
militante debía parecerse de
por
sino de establecer las condiciones para crear Alejándose de una concepción personal
cargada
de
principios
una
o
experiencia:
apropiación
la
de
un
tiempo
para
creencias personales propone, sugiere
espacio-
en quién lo observe, nuevas formas de
construir
la relacionarse con el mundo, de
común. Pienso que aquí
interpretarlo. Es una biografía que no
subyace
habla de su vida personal sino de la del
fundamental
hombre. Se trata de experiencias y
proyectos reunidos en
vivencias personales del artista que
este
funcionan
y
muchos otros, dentro del
disparadores de imágenes, formas,
campo multifacético de
colores, personas, etc. que parten del
la estética relacional.52
como
interruptores
uno para abarcar a un todos intentando
el
sentido
la
libro,
distinción de
y
los
la
de
Los rituales del fuego de Doffo son formas de evocar lo inefable. Y la
51
Ídem.
52
Ídem.
llanura pampeana, cargada de su
analógica
fuerte connotación nacional, única por
intervención posterior. Acompañando la
su paisaje no paisaje y marcada por el
idea de lo efímero y estrictamente
olvido en su vías abandonadas, es el
natural, el método de registro utilizado
escenario en donde ese fuego se carga
por el artista no permite múltiples
de un valor que en ningún otro lado
copias,
tendría. La horizontalidad del paisaje, la
tratamiento del paisaje sigue siendo
fuerza de la línea, la idea abstracta
orgánico incluso en la producción
constante y repetitiva del infinito del
posterior y en la materialización de ese
que
no
podemos
añeja
excepto
de
una
vez.
recuerdo.
existencia
del
máquina antigua, recuerda también a
hombre. Nuevas formas de plantear un
las motivaciones de algunos de los
tema ya muchas veces tratado, no solo
artistas tomados por Valeria González,
desde las artes visuales sino también
que por medio de técnicas o formas de
en las letras.
operar “antiguas” quieren revivir los
la
Pierre Nora53 afirmó que la historia como disciplina científica surgió cuando desaparecieron las sociedades con memoria, aquellas cuyos recuerdos estaban indisolublemente ligados a la vida cotidiana de la comunidad. El sentido
último
experiencias
de
resulta
este
tipo
intraducible
de al
lenguaje del arte.
una
valores que empapaban el hacer de otro
tiempo.
Traer
a
la
vida
nuevamente y por medio de dichas técnicas, los valores del pasado. El título de la obra de Valeria González, “En busca del sentido perdido”, alude inequívocamente a la obra de Proust, “En busca del tiempo perdido” en donde el factor del recuerdo, gatillado por
El registro que hace Juan Doffo
de
El
son
de
utilización
ninguna
escapar
universales
La
sin
medio
sensorial,
de
carga
algún
dispositivo
profundamente
de
de sus experiencias recalca esta idea
significado un objeto o momento actual.
de la importancia de la vivencia, casi
Acontecimientos que caen en esa rara
como alude al recuerdo únicamente
categoría entre el arte y las “cosas del
como fuente de registro. Las fotografías
corazón”.54Algunas
son
son:
tomadas
con
una
cámara
fotoperformance
53
Pierre Nora (París, 1931) es un historiador francés, conocido por sus trabajos sobre la identidad francesa y la memoria, el oficio del historiador así como su papel en la edición en ciencias sociales. Es el representante más significativo de la llamada nueva historia. Ocupa una posición particular, que él mismo califica de lateral, en la historiografía francesa.
54
Valeria González. En busca del sentido perdido.10 proyectos de arte argentino 19982008. Buenos Aires: Papers Editores, 2010, p. 18.
toma directa, copia analógica sin intervención digital, 120 x 150 cm.
Superficie del sentido (2002), fotografía, toma directa, copia analógica sin intervención digital, 100 x 200 cm.
Arquitectura del infinito (2001), fotografía, toma directa, copia analógica sin intervención digital, 122 x 150 cm.
Movimiento continuo (2001), fotografía,
El fuego y la luz
Uno
de
los
rasgos
más
representativos de la pintura de Doffo es el uso de la luz. Su sólida formación académica se refleja en el impecable manejo del color degradado por la luz. Gracias a esta maestría en la técnica, el artista es capaz de colocar múltiples fuentes de luminosidad, que resaltan el rasgo místico y fantástico de los
El latido del fuego (2007), acrílico sobre
ambientes, sin perder la coherencia
tela, 100 x 300 cm.
compositiva. Esto sucede en obras como por ejemplo El confín de la llanura y El latido del fuego. La luz funciona
en
la
obra
de
Doffo
principalmente, de tres maneras: para construir constelaciones, para iluminar caminos y casas o como herramienta temática y simbólica. La luz como
Para Doffo, el fuego no solo representa un elemento sublime y enigmático, sino que también simboliza un componente muy cercano a su pueblo natal y a su infancia. En una entrevista realizada para este trabajo, el artista confiesa su interés por el fuego:
fuente temática, es la que proviene del De chico era incendiario.
fuego.
Una vez salí a caminar con un amigo por las vías
del
ferrocarril
y
prendí fuego un pastito. Al
rato
se
estaban
quemando kilómetros
seis de
vía.
Salimos corriendo por los campos y vimos a lo lejos una línea de fuego en
el
horizonte.
Más
tarde llegó la policía y los El confín de la llanura (2008), acrílico sobre tela, 150 x 250 cm.
bomberos, pero tuvieron que cortar el servicio de trenes a Buenos Aires
por el día. –se ríe- Tenía 15 años.55 Esta experiencia la llevaría al lienzo años más tarde. De la misma forma también se inspiró en la quema en círculos de los campos linderos a Mechita
después
de
la
cosecha.
Algunas de las obras que expresan esta relación con el fuego y su niñez en Mechita son: Vértigo horizontal, Río infinito,
Memoria
de
una
llanura,
Río infinito (2007), acrílico sobre tela, 100 x 300 cm.
Galería de ecos y Aura II.
Memoria de una llanura (2012), acrílico sobre tela, 160 x 660 cm. Vértigo horizontal (1999), fotografía, toma directa, copia analógica sin intervención digital, 100 x 200 cm.
Galería de ecos (2001), fotografía, toma 55
directa, copia analógica sin intervención Juan Doffo. Comunicación personal (entrevista realizada por Paz Murtagh, Guillermina Fernández, Sasha Hrycaniuk y Clara Nosiglia), 19 de agosto de 2016.
digital, 122 x 150 cm.
que pierda su condición inmaterial. Utiliza estos chispazos para generar arquitecturas ilusorias que recubren la escena, de la misma forma que, en casos nombrados anteriormente, utilizó los árboles como techos para pueblos. El resultado es una composición con pequeñas vistas aéreas de paisajes rurales ordinarios, sumergidos en una galaxia estelar en forma de domo, que Aura II (2005), fotografía, toma directa, copia analógica sin intervención digital, 122
los
protege
y
al
mismo
tiempo,
deshumaniza.
x 150 cm.
En obras como Siete cielos, Palabras que borran la noche, Un pequeño infierno y Un pequeño cielo, la luz
aparece
de
substancialmente
una
diferente
forma al
caso
anterior. Mientras que el fuego es efímero, caprichoso e impalpable y su luz cálida y natural, Doffo genera en estas obras una luminosidad celeste expandida
con
una
fluorescencia
sobrenatural, que emana de un haz de luz
central.
Sobre
estas
auroras
celestes coloca pequeños destellos controlados
que
se
organizan
simétricamente en el plano, generando enlaces imaginarios entre cada punto que
conforman,
conjuntamente,
un
armazón, una estructura compacta. De la misma forma que la astronomía
representa
las
constelaciones con figuras realizadas a partir de líneas y puntos de unión (estrellas), Doffo manipula la luz para
Siete cielos (2005), acrílico sobre tela, 110 x 110 cm.
Palabras que borra la noche (2003), acrílico sobre tela 100 x 100 cm. Un pequeño cielo (2000), acrílico sobre tela, 200 x 150 cm.
En otros casos como Quizás el universo sea una creación de la mente, El confín de otra llanura y El cuerpo y Puente, el manejo de la luz se centra en destacar estas ciudades o casas mediante el uso más corriente para iluminar que posee el hombre moderno: la lamparita. Solitarios focos de luz bajan Un pequeño infierno (1997), acrílico sobre tela, 200 x 200 cm.
del
universo
como
arañas
colgando de su tela, para iluminar tímidamente
rastros
de
civilización
perdidos en la inmensidad. Doffo al alumbrar
estos
ambientes
rurales
aislados del mundo, no solo los dota de una
dolorosa
nostalgia,
sino
que
enciende una luz esperanzadora que realza el brillo de los pequeños pueblos del
interior
en
un
profundamente reivindicador.
sentido
Quizás el universo sea una creación de la mente (2013), acrílico sobre tela, 150 x 200 cm.
El cuerpo (1995), acrílico sobre tela; 170 x 170 cm.
El confín de otra llanura (2008), acrílico sobre tela 150 x 250 cm.
Puente (2002), acrílico sobre tela, 100 x 260 cm.
Lo abierto y lo cerrado
La dicotomía entre lo abierto y lo cerrado, entre el macrocosmos y el microcosmos, se desarrolla en la obra de Doffo alrededor de la relación del hombre con el universo. En relación a lo cerrado, en 1997, el artista comienza a incluir construcciones de monumental tamaño y exactas proporciones en sus obras.
Para
el
ser
humano
la
arquitectura representa seguridad: el hombre encuentra en los números exactos
equilibrio,
constancia
y
estabilidad, cualidades que a veces se desvanecen en su vida por lo pasional
Equilibrio (2005), acrílico sobre tela, 200
e irracional de su existencia. Por esta
x70 cm.
misma razón, en obras como Equilibrio, La buena memoria y Espejo frente a espejo coloca un péndulo o plomada colgando en centro de la composición. Al responder a las leyes de la gravedad este elemento de medición arrojará el mismo
resultado
invariablemente.
Mientras
que
el
hombre
encontrar
respuestas
intenta
imposibles
a
¿qué es la vida? y ¿por qué existimos?, las ciencias exactas pueden ser la estabilidad
que
necesitamos.
La
repetición de módulos arquitectónicos, es
la
forma
con
la
cual
Doffo
representa esta firmeza. La buena memoria (1995), instalación, 100 x 100 x65 cm.
s/a (2011). Estación de tren abandonada en Mechita. Espejo frente a espejo (1999), acrílico sobre tela, 200 x 200 cm.
No resulta extraño que vuelva a aparecer
Mechita
como
agente
comunicador del mensaje: en obras como Juego de adultos, Huellas de la ilusión
y
Un
encontramos
pequeño
estructuras
abismo, realizadas
con andamios, herramienta propia de la arquitectura, pero al tratarse de una obra de Doffo podríamos suponer que estas
estructuras
remiten
a
las
edificaciones de las estaciones de tren de su pueblo natal. De estilo inglés, los hierros entrecruzados de las estaciones conforman un armazón abierto similar a los
generados
constelaciones
a
partir
en
nombrados anteriormente.
los
de
las
casos
Juego de adultos (1997), acrílico sobre tela, 200 x 140 cm.
sintió particularmente interesado por el óculo (abertura circular) que presenta este monumento en el centro de su cúpula. Por ella ingresa la realidad, la lluvia, el sol, el viento: la relación entre lo abierto y lo cerrado se diluye. En obras como A veces abro los ojos para no ver, Substancia de tiempos, La noche, El tiempo y El espejo vemos Huellas de la ilusión (1997), acrílico sobre tela, 150 x 200 cm.
como Doffo repite el juego incoherente de ensamblar el adentro y el afuera en un único plano en su intento de construir la inmensidad (un interior en la parte superior y un el exterior en la parte
inferior).
La
realidad
del
espectador queda distorsionada en una metáfora engañosa: ¿se trata de un homenaje a las maravillas de ingeniería moderna? o ¿Doffo nos querrá decir que el dominio de la ciencia nos ha encerrado en un domo en donde sólo podemos ver la realidad a través de un pequeño óculo?
Un pequeño abismo (1997), acrílico sobre tela, 200 x 150 cm.
Doffo
también
se
sintió
fuertemente atraído por una de las construcciones más antiguas de Roma: el Panteón de Agripa.56 El artista se 56
El Panteón de Agripa o Panteón de Roma es un templo de planta circular erigido en Roma por
Adriano, entre los años 118 y 125 d. C. completamente construido sobre las ruinas del templo erigido en el 27 a. C. por Agripa, destruido por un incendio en el año 80, dedicado a todos los dioses (la palabra panteón, de origen griego significa «templo de todos los dioses»). En la ciudad, es conocido popularmente como La Rotonda, de ahí el nombre de la plaza en que se encuentra.
Panteón de Agripa. Mandado construir por Adriano en el lugar del templo erigido por
La noche (2004), acrílico sobre tela, 200 x
Agripa, construido entre 118 y 125; 43,4 m
140 cm.
de alto
A veces abro los ojos para no ver (2000), acrílico sobre tela, 60 x 200 cm.
El tiempo (2003), acrílico sobre tela, 200 x 200 cm.
Substancia de tiempos (2006), acrílico sobre tela, 100 x 200 cm,
misma. Es probable que esta sea la razón por la cual no utiliza la figura humana
en
ninguna
de
sus
composiciones. Al artista le interesa representar algo
más
trascendente
que
la
existencia del hombre, para intentar acercarse quizás a alguna respuesta y que así cobren sentido las cosas más simples. Para lograrlo se vale de bastos
campos,
cielos
profundos,
colosales arquitecturas y extensiones infinitas
de
espacio.
Los
colores
surreales y sus variaciones tonales (de amarillos a ocres, de naranjas a rojos sangre, de azules a magentas, etc.) también, lo ayudan a representar esta inmensidad imaginada. El espejo (1997), fotografía, 200 x 50 cm.
Doffo siempre se sintió muy atraído por los espacios abiertos. De pequeño se acostaba en los campos y miraba el firmamento, reflexionando sobre la pequeñez del ser humano con respecto a la naturaleza. No era más que un pastito ni menos que una estrella
afirma
Doffo.57
El
artista
siempre fue consciente de que la cultura y el hombre es una porción diminuta en la extensión de cosmos; para él no existe un dios, pero sí una fuerza de la naturaleza que rige la vida 57
Juan Doffo. Comunicación personal (entrevista realizada por Paz Murtagh, Guillermina Fernández, Sasha Hrycaniuk y Clara Nosiglia), 19 de agosto de 2016
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