Cocina molecular Las nuevas e innovadoras experiencias gastronómicas.
ABRIL 2018 Año I Número 1 MÉXICO $47.00
El poder del arte
Annie Atkins
Tatuaje en México
La gran capacidad del arte a la hora de construir un mundo mejor desde hospitales infantiles.
La diseñadora gráfica de Gran Hotel Budappest habla de su experiencia en el medio.
Tatuadoras mexicanas a las que puedes confiarles tu piel sin arrepentirte.
LOTE RI A- M AGA ZI NE.CO M . M X
INDICE
Abril 2018
40 En portada
Secciones
Artículos
6 El Catrin Restaurantes Mexicanos
Cocina molecular
14 Pantone ¿Por qué el Ultra Violet es el color del año?
56 La Estrella El cine mexicano que no se ve Cartas a Van Gogh Estrenos
20 Gutenberg 2018 Cómo se forjó la cultura del diseño 24Tatuadoras mexicanas A las que puedes confiarles tu piel sin arrepentirte 32 Arte El extraordinario poder del arte 52 Entrevista Annie Atkins
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LOS MEJORES RESTAURANTES
mexicanos
EL CATRÍN
RESTAURANTES MEXICANOS
ALREDEDOR DEL
MUNDO La gastronomía mexicana es una de las más ricas, tanto en ingredientes como en sabor, y los chefs son los principales embajadores de esta exquisita cocina más allá de las fronteras geográficas. Nueva York, Londres y España son algunos de los lugares que han probado las delicias de los platillos mexicanos en restaurantes locales.
Cosme, Nueva York de Enrique Olvera
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Viajes | Estilo de vida | Restaurantes
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La alta gastronomía cada día toma más fuerza en el mundo, hoy el comensal es más exigente a la hora de elegir con qué sorprender a su paladar y es por eso que los chefs han tenido que adaptarse a este nuevo público, ávido de experiencias. Hoy en día México está de moda, pero su cocina es valorada alrededor del mundo en los siguientes restaurantes mexicanos:
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EL CATRÍN
RESTAURANTES MEXICANOS
COSME, NUEVA YORK. De Enrique Olvera
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Enrique Olvera es uno de los chefs que han destacado en el mundo de la gastronomía por su impecable planeación, diseño y presentación de sus creaciones. Su amor por la cocina nace desde que él era pequeño cuando visitaba la pastelería de sus abuelos. Más adelante, tomó la decisión de irse a estudiar al Culinary Institute of America y cuatro años más tarde vuelve a México para abrir su restaurante Pujol. La visión del chef es utilizar y destacar al universo de ingredientes que su país tiene para ofrecer al mundo, combinando las técnicas contemporáneas con las milenarias. En “Cosme”, el maíz, el frijol y el chile conviven a la perfección con los ingredientes locales del valle de Hudson, volviéndolo uno de los favoritos de los restaurantes mexicanos en Estados Unidos y en el mundo
Cosme, Nueva York de Enrique Olvera
Ella canta, Londres de Martha Ortiz
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ELLA CANTA, LONDRES. De Martha Ortiz La chef Martha Ortiz se caracteriza por ser una defensora de la cultura y la comida de México y en su cocina ensambla las tradiciones culinarias de larga tradición con técnicas contemporáneas, pero sobre todo, con arte. “Ella Canta” será inaugurado el 15 de septiembre de este año en donde destacará la belleza, vitalidad y el espíritu mexicano moderno. Uno de sus restaurantes con más fama en la CDMX es Dulce
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Patria, el cual sirvió como inspiración y replicará platillos hechos por ella misma en la nueva propiedad de Londres. Uno de los platillos que provoca más expectativa es el Ceviche Vampiro con el esplendor del mango, así como un tamal de cerdo crujiente con amaranto. En su interior aguarda una arquitectura liderada por David Collins Studio y Simon Rawlings,
en donde hacen sutiles referencias de mediados de siglo de grandes modernistas mexicanos, a la par de ilustraciones contemporáneas. Además, el diseñador mexicano Eugenio Escudero pondrá su más fino toque en los muebles que adornan el recinto con una instalación de nogal, tallada a mano de piso a techo. “Ella canta” es uno de los restaurantes mexicanos que más prometen a nivel internacional.
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EL CATRÍN
RESTAURANTES MEXICANOS
MEXIQUE, CHICAGO. De Carlos Gaytán
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En Huitzuco, Guerrero nace en el mes de octubre de 1970 un hombre que se fue a seguir el sueño americano. Tocó la ciudad de Chicago y la volvió suya, fue en 1991 cuando tuvo su primer trabajo como indocumentado en un restaurante de la zona como lavaplatos, mientras estudiaba inglés simultáneamente. Fue así como se le abrieron las puertas y comenzó a escalar, ya que fue en el 1996 cuando obtuvo el puesto de Chef Garde Manger en el Union League Club of Chicago, posteriormente en el 2004 fue Chef de Cuisine en elBistrot Margot, hasta que por fin en el año de 2008 lanzó este icónico restaurante que a la fecha ha sido símbolo de la cocina mexicana. Tal fue el éxito del restaurante y del chef, por supuesto, que fue el primer mexicano que ha recibido una estrella Michelin en el 2013, y el Chef del año en 2011 por la American Culinary Federation. El concepto de este restaurante en la avenida Chicago es ofrecer una gran creatividad, amor y dedicación con técnicas de cocina francesas, pero con ingredientes de la cocina tradicional mexicana, haciendo una revolución en la gastronomía contemporánea y elevando a los restaurantes mexicanos.
Hoja santa, Barcelona de Paco Méndez
Mexique, Chicago de Carlos Gaytán
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EL MEJOR DE MÉXICO
HOJA SANTA, BARCELONA. De Paco Méndez
QUINTONIL, MÉXICO. De Jorge Vallejo
Paco Méndez y Albert Adriá realizaron un viaje por Oaxaca, región en donde vive la hoja más utilizada: la “Hoja Santa”. De ahí nace el nombre del restaurante y la inspiración natural de éste, la hoja también es conocida con otros nombres como acuyo, momo y hierba santa. El origen de la cocina mexicana es prehispánica y con técnicas ancestrales, las cuales han servido de inspiración y ejemplo para muchas otras culturas gastronómicas, así es como lo describen los chefs.
Este es el restaurante que ocupa el lugar número 22 de los 50 Mejores Restaurantes del Mundo y se encuentra en la CDMX, en la calle de Newton 55, liderado por el chef Jorge Vallejo. Consiste en una cocina mexicana contemporánea, inmersa en un ambiente minimalista, maridado con criterios de sustentabilidad, que lo posiciona como uno de los mejore restaurantes mexicanos.
En Hoja Santa, proponen una versión libre y moderada sobre la cocina mexicana tradicional, en donde hacen un recorrido por las diferentes regiones del país con recetas e ingredientes únicos, los cuales serán los personajes principales del platillo, secundados de salsas típicas mexicanas. Este restaurante cuenta con una estrella Michelin y obtuvo el premio Salsa de Chiles 2015 como mejor restaurante de comida extranjera.
Manejan ingredientes frescos y de la temporada por lo que los platillos pueden sufrir algunos cambios sin previo aviso, lo que habla de la autenticidad del recinto que, en conjunto con Alejandra Flores, Quintonil ofrece a sus comensales. Además de ser reconocido en una de las listas más importantes del mundo, también lo es en eventos culinarios como el Premio Millesime México al Mejor Restaurante en el 2015.
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ISLA CALACA, MÁLAGA. De David Ovadía Chef y propietario del grupo Bull & Tank Restaurant Group, en sociedad con Chava Orozco, David Ovadía aporta a España los exquisitos sabores de la comida callejera de México, como los singulares tacos con tortillas hechas a mano, y, por supuesto, en su menú no falta el guacamole. Aguachile, tortas o tlacoyos sorprenden al paladar europeo con los ingredientes protagonistas como el maíz y las salsas típicas mexicanas. Dentro de la selección de restaurantes mexicanos no puede faltar algo tan tradicional.
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PANTONE
ULTRA VIOLET
Ultra Violet 18-3838
¿Por qué el Ultra Violet es el color del año? Un tono púrpura radicalmente provocador y reflexivo, PANTONE 18-3838 Ultra Violet comunica originalidad, ingenuidad y mentalidad visionaria que nos señala el futuro.
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l pasado jueves, Vanessa Friedman, la crítica de moda de The New York Times lanzaba la exclusiva desde su columna On The Runway: Pantone había elegido por fin el color del año y era ni más ni menos que el “Ultra-Violet” Si bien adelantamos las candidaturas de la agencia de tendencias Trendstop, este vibrante color no figuraba en ellas, mientras sí que lo hacía en la lista que el propio Pantone elaboró con los 12 colores para la próxima primavera. Como cada año y desde 2012, cuando Pantone empezó a nominar colores por año, la noticia se ha hecho viral. Si en el pasado el color se elegía como reflejo a una realidad, en esta ocasión, tal y como apuntaba Friedman, el equipo de Pantone ha escogido este potente color con el objetivo de inyectar energía en un panorama político social crispado e inestable: “El Color del Año de Pantone se ha convertido en mucho más que “qué está de moda” en el mundo del diseño; es un reflejo auténtico de lo que necesita el mundo hoy”. Si en Estados Unidos el mandato de Trump ha impuesto la política de la ira, aquí el procés ha hecho saltar por los aires la aparente concordia en la que habían convivido desde la transición sensibilidades políticas opuestas. Así este lila poderoso, imaginativo, sanador y brillante se erige como la mejor terapia para esta realidad incómoda.
Hendrix, que usaron este color como expresión de la individualidad. La creatividad y la extravagancia suelen despuntar en tiempos convulsos y este tono intenso y profundo relata el poder transformador de la imaginación. De hecho, Ultra Violet es el nombre artístico de una de las artistas más destacadas de la factoría Warhol. Musa de Salvador Dalí, adoptó este apodo porque solía llevar el pelo de este color.
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CONFIRMA QUE LA CONCORDIA ENTRE CONTRARIOS PUEDE SER PRODUCTIVA. Este color es uno de los más complejos, explican desde el Instituto Pantone, porque necesita dos tonos que son diametralmente opuestos: el azul y el rojo, para crear algo nuevo. En un momento en el que la concordia y el diálogo no son la tónica imperante, resulta interesante la lección que ofrece este color: la unión de los opuestos, de contrarios puede ser productiva y positiva.
“Vivimos en una época que pide inventiva e imaginación. Y es desde un color como el PANTONE 18-3838 Ultra Violet de donde surge este tipo de inspiración creativa; un color que parte del azul y que lleva nuestra conciencia y potencial hacia un nuevo nivel. Desde la exploración de nuevas tecnologías y la inmensidad de la galaxia, pasando por la expresión artística y el reflejo espiritual, el intuitivo Ultra Violet ilumina el camino que queda por llegar”, explica Leatrice Eiseman, directora ejecutiva del Pantone Color Institute. Leyendo entre líneas los motivos que los expertos del instituto Pantone han dado, hacemos un pequeño repaso de por qué el Ultra-Violet ha sido coronado color del 2018.
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CELEBRA EL PODER DE LA CREATIVIDAD, LA IMAGINACIÓN Y LA INDIVIDUALIDAD Desde el Instituto Pantone mencionan el talento creativo de los iconos musicales Prince, David Bowie y Jimi
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REIVINDICA LOS ORÍGENES DEL FEMINISMO. Si bien el rosa se ha convertido en el nuevo tono de la cuarta ola del feminismo, el lila fue durante años el color que escogieron las primeras feministas para dar color a sus reivindicaciones. Hay quienes apuntan que la elección de este color se remonta al incendio provocado por el dueño de una fábrica textil en Estados Unidos en 1908 después de que sus trabajadoras se declararan en huelga. Murieron 129 mujeres y lo hicieron mientras trabajaban con telas de color violeta. Por otra parte, a nivel simbólico el violeta surge de la unión del azul y el rosa, colores asociados al universo masculino y femenino, y en consecuencia reclama igualdad.
4 PANTONE
ULTRA VIOLET
UN COLOR SIN GÉNERO. Si en 2016 la elección por primera vez de los colores Rosa Quarz y Serenity se hacían eco de la fluidez de géneros, la apuesta por el Ultra Violet, un color ambiguo abanderado por los iconos Prince o Bowie, iría un paso allá imaginando un futuro sin géneros.
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INVITA A DEJAR DE MIRARNOS EL OMBLIGO Y A ABRAZAR LA INMENSIDAD DEL COSMOS. En su breve comunicado Pantone señala la importancia de mirar al cielo y de conectar con el cosmos. Y es que en 2018 se preparan algunas misiones espaciales importantes que volverán a poner encima de la mesa el interés por el mundo exterior, algo que puede ser también importante para recuperar el orden cósmico. Y es que muchos de los problemas se empequeñecen cuando uno sube la cabeza hacia arriba y se pone a contemplar las estrellas.
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ABRAZA EL MISTICISMO Y LA MÁGICA PARA SOBRELLEVAR TIEMPOS CONVULSOS. Color de la amatista, el lila es también un tono habitual relacionado con las prácticas místicas. De hecho, lo llaman el color de la meditación, ejercicio que sin duda necesitaremos este 2018 para sobrellevar la intensidad con la que nos obliga a vivir el frenesí de las redes sociales.
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ÚLTIMOS COLORS OF THE YEAR
2017
PANTONE 15-0343 Greenery
2016
PANTONE
13-1520 Rose Quartz
2016
PANTONE 15-2919 Serenity
2015
PANTONE 18-1438 Marsala
2014
PANTONE
18-3224 Radiant Orchid
2013
PANTONE 17-5641 Emerald
2012
PANTONE
17-1463 Tangerine Tango
2012
PANTONE
17-1463 Tangerine Tango
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Gutenberg 2018 Cómo se forjó la cultura del diseño.
El sábado 3 de febrero de 2018, Europa conmemoró el legado revolucionario de la imprenta tipográfica y el 550 aniversario de la muerte de Gutenberg, personaje clave en la historia de la cultura y el progreso. Los diseñadores gráficos y todos los que amamos el arte gráfico y las disciplinas que derivan de él, deberíamos sentirnos concernidos, porque allí está el origen de nuestra cultura profesional.
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oy, los editores internacionales y gente del libro en general que acuden a la Feria del Libro de Frankfurt, están al tanto de que hay un tren en la cercana estación central, y tras un trayecto de apenas veinte minutos, pueden ir a parar donde está el origen de su oficio: en Maguncia (Mainz) la localidad natal de Johannes Gutenberg, hijo de una familia de orfebres y metalúrgicos, cuyo oficio le dio la idea de la invención tipográfica. Tipografía es, literalmente, escritura con tipos. En Maguncia está el Museo Gutenberg. Sabemos mucho de la tipografía, del arte gráfico, del grafismo y de las artes
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del libro. Existe una cantidad apabullante de artículos, libros, monografías y documentos sobre la tipografía. Pero quizás son pocos los que pueden decir con toda propiedad por qué la tipografía gutenberguiana fue la semilla del diseño gráfico, tal como lo entendemos hoy. LA SEMILLA DEL DISEÑO La invención de la tipografía, en 1450, es contemporánea de la aparición de una palabra engañosa: diseño. Digo «engañosa» porque venía del griego de signum, de ahí pasó a Italia y de ahí, del latín disegno, lle-
gó a España. Esta palabra, aunque en italiano se pronuncia «diseño», como en español, no significa diseño, sino «dibujo». La prueba es que la lengua italiana incluye la palabra «dibujo» (disegno), pero no tiene el equivalente de «diseño». Por eso utiliza el inglés design. Observemos de paso que design ya está en el griego design(um) y también en el español desig(nio), que tiene el significado de «proyecto». Esta es una clave fundamental que nos recuerda que el sentido de proyecto es la matriz de la palabra diseño. El sentido proyectual es «el alma del diseño». En todas sus variantes.
La invención de la imprenta tipográfica fue, una síntesis de la mentalidad técnica —que sería el germen pionero de la cultura industrial del siglo XVIII—. Esta mentalidad técnica gutenberguiana ya era multidisciplinar, y así incluyó los trabajos como los de autores de textos (historiadores, literatos, poetas y fuentes tradicionales); los aspectos del grafismo (dibujo de los caracteres, las familias tipográficas, las cifras, los signos de puntuación, las letras ornadas, viñetas, ilustraciones y la pauta para la compaginación); la carpintería y la metalurgia (para el torno); la fundición (para los tipos de plomo); la química (para la fabricación de la tinta y del papel).
los tres lenguajes gráficos fundamentales: la Imagen, el Signo y el Esquema; es decir, las ilustraciones librescas, el dibujo de tipos de letra y la pauta de diagramación, la proporción áurea que incorporaba al libro la belleza geométrico-matemática. El aporte de los artistas gráficos a la imprenta tipográfica es lo que hemos llamado el «lenguaje bi-media» (imagen-texto) pero monocanal en la percepción visual. Ese lenguaje que articula imágenes y textos era obra del arte combinatoria de Ramon Llull creada en el siglo XIII. La combinatoria es el centro de la creatividad, y la combinatoria imagen-texto está en la base del diseño gráfico, todavía hoy.
En esta gran movida, los artistas gráficos, grabadores, dibujantes, ilustradores y calígrafos, acudieron entusiasmados a la llamada de Gutenberg. La idea no les era extraña del todo, porque en aquella época renacentista, todos ellos eran grabadores y conocían bien la estampa, la estampación, es decir, el sistema de la copia múltiple, una propiedad que no existía en ninguna otra forma de arte: arquitectura, escultura y pintura. Pero esta misma propiedad múltiple del grabado había desprestigiado el arte del dibujo en el mundo de las Bellas Artes, considerándolo arte menor precisamente por el hecho de ser múltiple. En aquel tiempo, el Arte, el gran arte, tenía que ser obra única e irrepetible, con su hic et nunc,es decir, que sólo podía estar en un sitio aquí y ahora. Esta condición de pieza única era considerada un valor supremo del Arte.
El sublenguaje del Color no era técnicamente posible en tiempos de Gutenberg y por eso los libros eran impresos en negro sobre blanco. Es curioso que todas las técnicas derivadas de la imagen hayan empezado así: no sólo la tipografía, sino también la fotografía, el cine y la televisión primero fueron incoloras.
GRAPHEIN El origen de todo esto tenía un nombre griego: Graphein. Que traducimos por grafismo. El grafismo gutenberguiano todavía no era diseño, pero fue su embrión. La sabiduría griega se había anticipado, sin saberlo, a lo que fue la sangrienta gran batalla ideológica del Escrito contra la Imagen, como si fueran el Bien contra el Mal. Esa idea llevó al enfrentamiento feroz de los iconoclastas, enemigos de las imágenes, y los iconófilos, sus defensores. Una guerra que duró de 717 a 842. El Antiguo testamento había prohibido explícitamente producir imágenes, y esa guerra entre las imágenes como falsas y engañosas que querían suplantar la realidad, y el escrito como producto del pensamiento puro y de la verdad, fue determinante de la conformación del pensamiento europeo. Los sabios griegos habían dicho que no hay contradicción ni conflicto entre las imágenes y lo escrito. «La
Los artistas gráficos, acostumbrados al inmenso campo de libertad que el arte les ofrecía, acudieron gustosamente a la causa de Gutenberg y se adaptaron a las exigencias de la técnica. Así fue cómo se afirmaron
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GUTEMBERG 2018
mano que escribe es la misma que dibuja». La expresión grafismo abarca todo el universo de «lo gráfico». Y lo gráfico —el grafismo— es el ámbito del Dibujo (figurativo, geométrico, abstracto), de la Escritura (el código del alfabeto latino) y del Esquema (la geometría de lo invisible).
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Los grafistas gutenberguianos se acomodaron al rigor técnico, a las exigencias del medio, y artistas célebres como Urs, Graf, Holbein o Dürer dibujaron familias tipográficas de las que ellos mismos crearon las reglas canónicas, de las que la escritura manual carecía. Las bases geométricas y matemáticas de la proporcionalidad estaban en el dibujo de cada letra, de cada signo. . LA MATERIA DEL GRAFISMO La materia del grafismo, aquello que lo hace trazable, manejable y visible, es la Línea. La sequedad mínima de la línea —ella misma abstracción pura que emerge del gesto, energía biológica—, ella, con sus arabescos, sus garabatos, sus trazos y sus trazados. Negro sobre blanco. En la hoja de papel, el lápiz fija un punto y hace fluir la línea, que se convierte en letra, en pájaro, en laberinto... El filósofo alemán Walter Benjamin habla de línea gráfica, línea de la escritura, línea de la geometría y línea del signo absoluto (el arte). La línea dibuja también la estructura de
las cosas invisibles que están en el entorno y en el propio pensamiento: los esquemas. El primer libro impreso por Gutenberg fue la famosa «Biblia de 42 líneas», en referencia a las líneas de texto por página. La Iglesia alemana fue la primera clienta. Le encargó que tendría que parecer escrita a mano, y para realizarla tuvieron que fabricar trescientos caracteres. Gutenberg era un humanista y el encargo de que la Biblia pareciese caligrafiada le hizo pensar. Cómo hacer que la fragmentación propia del sistema tipográfico, hecho letra a letra, signo a signo, pudiera parecerse a la letra ligada de la escritura manual. Encontró la idea en las abreviaturas: et, etc. y otras. Esas letras ligadas podían darse en una sola unidad tipográfica, un solo punzón y una misma fundición en plomo. Siguiendo esta lógica, estudió aquellas palabras que repiten unas mismas letras juntas. Pongámoslo en español: la letra q va seguida de una u, y luego vienen generalmente una e o una i (queso, quien), entonces, que y qui podían ser unidas tipográficamente en tipos de tres letras ligadas. Así fueron dibujados estos conjuntos, que además de introducir ligaduras en los textos imitando el manuscrito, ahorraban tiempo a los tipógrafos y cajistas, que componían los textos signo a signo, buscados
en sus cajetines correspondientes, y después de imprimir regresarlos de nuevo allí. Además, Gutenberg hizo dibujar letras para finales de los párrafos con trazos libres, rasgueos y arabescos que recordaban la escritura manual y los adornos y acabados de la caligrafía. Gutenberg quiso darles un nombre a esas letras ligadas. Si cada «tipo» se llama así porque cada signo alfabético tiene una forma (un tipo) diferente; y si cada tipo es un signo del alfabeto; entonces esos tipos ligados en uno no provenían del alfabeto sino que (como hemos visto con las abreviaturas y los fragmentos de palabras) venían de las palabras. Del griego logos, que significa palabra, discurso, Gutenberg tomó el prefijo y le añadió el sufijo tipo: acababa de inventar el logotipo. Aldo Manuzio en Italia creó los caracteres itálicos o cursivos, que seguían también un rasgo de la escritura manual: la «cursividad». Cuanto más rápido escribimos, más las letras se inclinan a la derecha. Y si todos los caracteres eran dibujados bajo el modelo ortogonal (el ángulo recto) y el cuadrado, los caracteres itálicos rompieron con el canon tradicional: la libertad de la mano que escribe. Así, el humanismo, fundador del Renacimiento, permanecía de algún modo en la obra gutenberguiana.
EL EFECTO GUTENBERG La invención de la tipografía tuvo un eco cultural en toda Europa. La fiebre impresora se extendió por el mundo, y la enorme producción de las imprentas se estimaba inaccesible, por lo que, para poder abarcar todo el conocimiento producido por la humanidad, se consideró necesario compilarlo y sintetizarlo en obras enciclopédicas como la de Diderot o D’Alembert. El gran esfuerzo realizado por los hijos de la Ilustración para llevar a cabo esas monumentales empresas editoriales tenía como objetivo «la difusión del saber acumulado que, gracias al uso efectivo del arte tipográfico debía permitir el triunfo final de la razón sobre la revelación y de la ciencia sobre la superstición» (Albert Corbeto). Gutenberg había inventado la comunicación masiva, la difusión del conocimiento. Y había sembrado el grafismo funcional como herramien-
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ta creadora de la tipografía que, cuatro siglos después, desembocaría en el diseño gráfico. Hijo del Arte y de la Técnica.
fue morada de Leonardo de Vinci, en la que murió, y fue convertida en museo donde se conservan los inventos mecánicos del genio.
Hubo un momento, por cierto poco conocido, en que la imprenta de Gutenberg, pionera del diseño gráfico, se cruzó con el pionero del diseño industrial, Leonardo da Vinci, el primer artista industrial designer de la historia. Leonardo había imaginado una prensa de impresión en la que aparece por primera vez una noción de automatismo. En este proyecto, en efecto, la acción del tornillo de presión se transmite al mármol donde reposa la forma por medio de un cabestante, de modo que la composición, perfectamente accesible para las correcciones tipográficas, viene a situarse sobre la platina cuando el tornillo desciende y se libera por gravedad el muelle de retroceso cuando éste remonta. El prototipo en madera de esta prensa se encuentra en el Clos-Lucé, junto al castillo d’Amboise, en Francia, que
Así se cruzaron los ancestros del diseño gráfico y el diseño industrial en el Renacimiento. Pero el diseño gráfico llegaría más tarde, con la invención del Cartel por los artistas gráficos. Gracias al advenimiento de la litografía en 1796 inventada por Aloys Senefelder en Praga, los artistas plásticos llevaron la verticalidad del cuadro, la tabla o el mural a la vía pública. El mundo de la Línea explota con la Forma y el Color. Después, la escuela de la Bauhaus reúne el arte, el trabajo y la artesanía bajo la idea matriz de proyecto (el proyecto arquitectónico como referencia). Y todo aquello que nace del espíritu proyectual se considera disciplina de diseño. Fue así como el grafismo funcional gutenberguiano devino diseño gráfico.
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TATUADORAS MEXICANAS
Tatuadoras Mexicanas E
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A LAS QUE PUEDES CONFIARLES TU PIEL
sin arrepentirte
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Hay varios factores importantes al momento de elegir a una tatuadora, desde el estilo que estás buscando hasta la química que esa persona te genere. Piensa que es alguien que pondrá en tu epidermis algo que llevarás toda la vida, así que es importante que la dinámica entre ustedes fluya bien y te sientas en confianza para ponerte en sus manos.
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TATUADORAS MEXICANAS
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n México el tatuaje tiene una práctica histórica, siempre acompañada de un propósito social que a partir del XIX se estigmatizó negativamente. Hace aproximadamente 25 años aparecieron los primeros estudios de tatuaje en la ciudad quienes poco a poco han ido formalizando esta práctica cambiando la opinión negativa. “El tatuaje es importante en México porque por medio de él reafirmamos creencias, costumbres, ideales estéticos y filosóficos”, explica la tatuadora Lil’ Van-pira al respecto. El tatuaje, al igual que muchas disciplinas creativas, rompe esas barreras culturales y sociales generando tolerancia y libertad de expresión. Los artistas que usan el lienzo vivo se enfrentan al reto de poder traducir las ideas de otras personas a su lenguaje. Entre tatuador y tatuado se genera un diálogo que vuelve ese encuentro en algo íntimo, se rompe una barrera espacial que genera confianza, complicidad para crear algo que durará para siempre. “Creo fervientemente que cuando decides ponerte una marca en el cuerpo es como mostrarle al mundo cuáles son tus creencias. Cuando las personas deciden ponerse imágenes o “lunares personales” –como me gusta llamarlo– hay un parteaguas donde se genera un diálogo y otras personas comienzan a saber quién eres”, explica la ilustradora y artista del tatuaje Xian of the Death. Este tipo de comunicación entre tatuador y cliente ha generado un nuevo término: el tatuaje de autor, que va más allá de sólo tatuar una imagen solicitada, sino ambos proponer, retroalimentar el diseño visualmente, con líneas, formas y texturas coherentes.
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«El tatuaje es importante en México porque por medio de él reafirmamos creencias, costumbres, ideales estéticos y filosóficos.» En la Ciudad de México existe una gran cantidad de estudios y tatuadores independientes que a través de su versatilidad ayudan a sus clientes a plasmar en su piel un mantra personal, un recuerdo constante de algo o alguien importante en nuestra vida. “Como tatuador, siempre está la responsabilidad de saber que lo hacemos es para siempre y que debemos manejar todo con higiene y precaución. Echarle ganas siempre. Hay que ser coherentes y orientar a la gente para dirigirlos hacia lo que quieren hacer”, comenta Pablo Díaz Gordoa, quien al igual que Alan Shepar, de Soy Feliz; Valentin Palmieri, de Marvin Morgan Co, y las tatuadoras independientes Lil’ Van-pira y Xian of the Death encontró en la ilustración –y después en el tatuaje– la magia de llevar en la piel un momento especial para siempre. “En el tatuaje tiene que haber coherencia para no sólo hacer cosas bonitas, sino que tengan un significado para que haya unión entre el
tatuado y el tatuador, ya que es algo que permanece en ti toda tu vida”, puntualiza Valentin Palmieri. Si lo tuyo es conectar con el Woman Power del mundo de los tattoos, aquí te recomendamos a algunas tatuadoras mexicanas cuyo trabajo seguramente te animará a tomar le decisión de “rayarte” de una vez por todas. Hay para todos los gustos y estilos.
VANPIRA @vanpriegonova Si buscas algo artístico y con una técnica impecable, entonces debes poner tu piel en las manos de esta tatuadora, cuyo estilo recuerda a las pinturas clásicas de Sandro Botticelli, Miguel Ángel o Caravaggio.
La artista originaria de Villahermosa, Tabasco, se especializa en el uso de tonalidades negras y grises para crear sus diseños. Tatuarse con ella es adquirir una verdadera obra de arte.
LILIAN RAYA @lilianraya Si eres fan de la estética pop de Lisa Frank, entonces te vas a enamorar de los diseños coloridos de esta artista, que sabe cómo transformar la piel en un hermoso arcoíris surrealista. Sus tatuajes a menudo incluyen personajes fantásticos como unicornios, mujeres vampiro, brujas, sirenas y caricaturas que seguramente veías cuando eras pequeñx.
Eso sí, si quieres tatuare con ella vas a necesitar mucha paciencia, ya que además de viajar por el mundo tatuando, cuando está en México suele tener la agenda bastante ocupada, y no es difícil entender por qué.
CHRISTIAN CASTAÑEDA @xianofthedeath Christian –Xian, para los cuates– es ilustradora, muralista y tatuadora. Lo suyo son las líneas delgadas y bien trazadas y la estética con tintes esotéricos, mágicos y cósmicos. Sus tatuajes, a los que llama amuletos, son diseños únicos que se crean a partir de la interacción que Christian tiene con sus clientes. Como nos explicó en la entrevista que le hicimos hace algunos años: “Cada tatuaje lo pienso y lo deseo como un símbolo potenciador de cosas bonitas… Creo en el tatuaje como un ritual, como un intercambio de energía entre el que está siendo tatuado y yo”.
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FHER VAL @fherval
TATUADORAS MEXICANAS
Sus trazos son fluidos y generalmente abrazan figuras orgánicas como flores, plantas y animales. Es muy probable que ya te hayas topado con alguno de sus diseños, pues tanto su ilustración de la perrita Frida como la figura de la República mexicana rodeada de flores se convirtieron en un bálsamo tras lo vivido en el sismo del 19 de septiembre y rolaron por muchas redes sociales. Otro sello distintivo de esta artista son sus ilustraciones y tatuajes de corazones humanos reinterpretados de un sinfín de maneras, los cuales forman parte de su proyecto Corazón Fher Val. Si quieres sacar cita, Fher tatúa en Soy Feliz Studio.
LAURA ANUNNAKI @anunnakitattoo Aquí hay puro amor kawaii. Ya sea que mueras por Sailor Moon, los personajes de Sanrio o las películas de Studio Ghibli, esta experta del color los lleva a otro nivel con intensas tonalidades y efectos de transparencias, fusiones y degradados. Tienes que estar muuuuuy pendiente y planear con anticipación si quieres conseguir una cita con ella, ya que suele viajar por Europa, Asia y América del sur llevando su magia colorida.
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XIMENA RAMÍREZ @ximenaramireze La precisión en los detalles y los juegos de sombras hacen que los trazos de esta tatuadora resalten de inmediato. Lo mismo ilustra una escena del viaje de Chihiro o un astronauta, que insectos meticulosamente detallados o un collage surrealista. Ximena suele trabajar con tinta negra explorando las muchas posibilidades que ésta ofrece.
DOONA @doonas Si la Alicia de Lewis Carroll se hiciera un tatuaje, seguramente sería con esta artista que mezcla la realidad y la fantasía en dibujos, en los que los animales –gatos, perros, conejos, zorros, pájaros– suelen ser los protagonistas. Si estás buscando hacerle un bonito homenaje a tu mascota, esta ilustradora es la adecuada.
MONTSERRAT FUENTES @bolitasmon Esta artista del tatuaje maneja diversas técnicas y estilos fascinantes, pero una de las que más nos gusta son sus flores a color. Su forma de trazar y mezclar diferentes tonalidades en la piel logra que el resultado sea una verdadera oda a la botánica. Mantiene su agenda muy cotizada, así que ten paciencia cuando busques tu cita con ella.
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ANA DORANTES @anadorantes Bajo la línea de los tatuajes americanos clásicos, la estética de Ana retoma ciertas técnicas, colores y efectos de los tatuajes de los años 50, lo cual le imprime a sus diseños una esencia retro maravillosa combinada con elementos modernos.
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Chicas con mejillas sonrojadas, flores, corazones y serpientes forman parte de su repertorio. NANCY ABRAHAM @nancy_abraham_tattoos Esta artista tiene como base Playa del Carmen, pero también la puedes encontrar viajando por el mundo. Lo que nos fascina de Nancy es la destreza y maestría con la que trabaja la tinta a color, para hacerla ver sobre la piel con distintas texturas como de acuarelas, crayones, carboncillo o plumones. NANCY JEHAGI @nancyjehagitattoo El trabajo de Nancy es impresionante y se distingue por su técnica de puntillismo y la paleta de colores que utiliza: siempre en negro y rojo. Sus clientes suelen ser bastante atrevidxs y no dudan en confiarle toda su espalda, pecho o piernas para que ella los decore con su talento. Si buscas un diseño único, complejo y llamativo, ella es la opción. Estas son tan solo algunas de las tatuadoras mexicanas que conocemos, pero no dudes en dejarnos más recomendaciones en la sección de comentarios.
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34 EL PODER DEL ARTE
el extraordinario poder del arte La organizaciรณn RxArt se sirve del arte contemporรกneo para convertir hospitales pediรกtricos en entornos creativos e inspiradores llenos de belleza, humor y optimismo.
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El arte gracias a su capacidad transformadora, juega un papel muy importante a la hora de construir un mundo mejor. Con esta premisa, la organización sin ánimo de lucro RxArt se ha propuesto convertir los fríos y estériles entornos hospitalarios, en lugares más cómodos para los pacientes y sus familias
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l poder terapéutico del arte es bien conocido desde la antigüedad. Artistas de todas las épocas han subrayado su capacidad para ahondar el alma y cambiar nuestro estado de ánimo, como Vasili Kandinski en su célebre ensayo De lo espiritual en el arte (1911). El artista Keith Haring señalo la relación entre arte y curación, y cómo el poder del arte para hacernos sentir más optimistas y aliviar la preocupación, es también una parte importante del proceso de curación. La confianza en el poder transformador del arte es la base de RxArt, pero su nacimiento se debe a una experiencia personal, la de Diane Brown, fundadora y presidenta de la organización. En una prueba médica, utilizó su imaginación como fórmula de escape, y recreó en su mente una obra de arte para sentirse menos intimidada. Tras esta experiencia, decidió ayudar a otras personas, convirtiendo los entornos hospitalarios en lugares más creativos y cómodos.
Diane Brown se sirvió de su experiencia en el mundo del arte, en el que se había mantenido activa como negociante, consultora y galerista para poner en marcha RxArt. Desde entonces, su objetivo ha sido el de convertir los entornos hospitalario en lugares más humanos, optimistas y creativos, aliviando de alguna forma la ansiedad de los pacientes y sus familias, y en especial, ofreciéndoles esperanza. Así, el trabajo de RxArt se ve continuamente recompensado por las muestras de agradecimiento de pacientes y familiares, pero también de v,isitantes y del personal que trabaja en los hospitales. Incluso en estas difíciles circunstancias, el arte cumple exactamente la función que se espera de él: dar al paciente la oportunidad de pensar en algo que no sea la enfermedad o el dolor. Además se ha demostrado que la presencia de obras de arte en los entornos hospitalarios es beneficiosa en todos los sentidos, ya que un ambiente inspirador,
Colaboración de Jeff Koons en el Advocate Children’s Hospital en Oak Lawn, Illinois.
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Diseño de Sam Falls, Urs Fischer y Laura Owens en el interior de la unidad pediátrica del Centro de Salud infantil Maxine Dunitz de los Ángeles, California
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lleno de belleza, humor y bienestar, no sólo acorta las estancias hospitalarias; también reduce la necesidad de medicación. La actividad de RxArt es constante: sus principales proyectos son las instalaciones en hospitales, para las cuales han colaborado con artistas como AVAF, Jeff Koons ó Kenny Scharf, además de con la Fundación Keith Haring, aunque también trabajan con artistas para crear productos para su tienda, como tazas, camisas o rompecabezas, e incluso series limitadas de obras de artistas contemporáneos. Entre sus próximos planes se encuentra la instalación de in proyecto site-specific del artista Dan Colen, en el cual los muros, suelo y techo de la sala de actividades del St. Mary’s Hospital for Children de Bayside (Nueva York) mostrarán una colorida lluvia de confetti. A principios del 2016 instalaron un gran proyecto en los techos de cada habitación pediátrica del Cedars-Sinai Medical Center en Los Ángeles. Los artistas Urs Fischer, Sam Falls y Laura Owens crearon una obra para cada una de las veinte salas. También instalaron cuatro cajas de luz del artista Walead Beshty en el Advocate Illinois Masonic Medical Center, cuyas imágenes han sido inspiradas por los colores de los medicamentos más prescritos. Otro de los proyectos estrella de RxArt es su libro de colorear, Between the Lines, a Coloring Book by Contemporary Artists. Que incluye más de 50 artistas contemporáneos como John Baldessari, Phyllidia Barlow, Keith Haring, Rashid Johnson, Uno Rondinone, Julie Mehretu, William Wegman y Jonas Wood. Una forma más de ayudar a los niños hospitalizados en su recuperación, inspirando su creatividad y ofreciéndoles una forma de evadirse de su enfermedad. Aunque el libro se distribuye gratuitamente en hospitales, también se puede adquirir en la tienda de RxArt para colaborar con la organización.
En los últimos 17 años, RxArt ha completado más de 40 proyectos con más de 60 artistas en hospitales de 15 ciudades de los Estados Unidos.
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EN PORTADA COCINA MOLECULAR
COCINA MOLECULAR
Preparaciones muy novedosas y, definitivamente curiosas para cualquier amante de la gastronomĂa no tradicional. La cocina molecular se abre camino, sin prisa pero sin pausa, entre aquellos que se dan la oportunidad de sumergirse en este mundo de laboratorio, abriendo asĂ la mĂĄs completa gama de emociones.
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EN PORTADA
COCINA MOLECULAR
Aperitivo en esferas de hielo. Caviar de aceite de oliva. Raviolis transparentes que desaparecen. ¿Suena bien? Bueno, estos son todos ejemplos de la gastronomía molecular. La Cocina Molecular combina la física y la química para transformar los sabores y texturas de los alimentos. ¿El resultado? Las nuevas e innovadoras experiencias gastronómicas.
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l término gastronomía molecular o cocina molecular se utiliza comúnmente para describir un estilo de cocina en el que los cocineros exploran posibilidades culinarias con herramientas del laboratorio de ciencias y los ingredientes de la industria alimentaria. Formalmente, el término gastronomía molecular se refiere a la disciplina científica que estudia los procesos físicos y químicos que ocurren durante la cocción. La gastronomía molecular busca investigar y explicar las razones detrás de la transformación química de los ingredientes, así como los componentes sociales, artísticos y técnicos de los fenómenos culinarios y gastronómicos.
A partir de eso empiezan a estudiar diferentes recetas, hasta que, a finales de los 80, comienzan a organizar talleres internacionales de Gastronomía Física y Molecular, que se han ido extendiendo como una filosofía y una ciencia.
El objetivo de esta disciplina es entender qué es lo que realmente sucede dentro de los alimentos en nuestras ollas, batidoras, hornos y heladeras. Nitrógeno, pipetas, jeringas son algunos de los elementos que usan los chefs moleculares para jugar con los sentidos. De acuerdo al estudio de las propiedades físico-químicas que se realizan de los alimentos es posible aplicar ciertos proLa investigación cesos que generan una transformación de la cocina específica.
Surge como disciplina en 1988, cuando el físico de origen molecular se inicia húngaro, fascinado en la cocina. por el mundo de las Muchos chefs moollas entre el que se dernos no aceptan movía su madre duel término cocina rante su infancia, Nicholas Kurti, y el molecular para describir su estilo profesor de química del Collège de de cocinar y prefieren otros térmiFrance y editor de ‘Pour la Science’, nos como “cocina moderna”, “cocina Hervé This, la definen como la “exmodernista”, “cocina experimental” ploración científica de las transforo “cocina de vanguardia”. Heston maciones y los fenómenos culinarios”. Blumenthal dice que gastronomía molecular hace que la cocina suene Ambos se juntaban en los congreelitista e inaccesible, como si ussos y a los dos les gustaba comer. ted necesitaría un título en ciencia Se empezaron a preguntar si todas espacial para disfrutarlo. Al final, la las particularidades que tenían las gastronomía molecular o cocina morecetas eran ciertas científicamente. lecular – o lo que quieras llamar a
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este estilo de cocina – se refiere a la cocina más experimental impulsada por el deseo de los cocineros modernos de explorar la gran variedad en el mundo de ingredientes, técnicas y herramientas. La investigación de la cocina molecular se inicia en la cocina, donde los cocineros estudian el sentido del gusto y el comportamiento bajo diferentes temperaturas, presiones y otras condiciones científicas. LAS POSIBILIDADES DE LA COCINA MOLECULAR SON INFINITAS Experimentos de la cocina molecular han dado lugar a nuevos platos innovadores como las gelatinas calientes, los aires, el caviar de imitación, ravioles esféricos, helado de cangrejo y espiral de aceite de oliva. Ferran Adria del restaurante El Bulli utiliza alginatos para crear su sistema de esferificación para crear esferas que literalmente estallan en la boca. Heston Blumenthal del restaurante The Fat Duck descubrió la capacidad de la grasa para mantener el sabor y creó un plato que tenía tres sabores de albahaca, aceite de
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oliva y cebolla - cada sabor se percibe en secuencia. El potencial de la gastronomía molecular es enorme. Está revolucionando la cocina tradicional y la transformación de la cena en una experiencia emocional y sensorial sorprendente. ¿ES SEGURA? Cuando la gente oye la palabra gastronomía molecular o la cocina molecular por primera vez, a menudo erróneamente la ven como poco saludable , sintética, química, deshumanizante y poco natural. Esto no es sorprendente teniendo en cuenta que la cocina molecular suele aprovecharse de fumante frascos de nitrógeno líquido, baños de agua con luces LED, las jeringas, las destilerías de mesa, medidores de PH y estantes de productos químicos con nombres como carragenina, maltodextrina y xantana. La primera reacción de mi esposa
cuando la sorprendí con un raviolo esférico líquido de guisante me dijo “¿Puedo comer esto? ¿Es esto seguro? ¿Por qué no lo pruebas tu primero? “. La verdad es que los “productos químicos “ que se utilizan en la cocina molecular son todos de origen biológico. A pesar de que se han purificado y algunos de ellos procesado, el origen de materia prima es generalmente marina, vegetal, animal o microbiano. Estos aditivos han sido aprobados por las normas de la UE y se utilizan en muy, muy pequeñas cantidades. El equipo del laboratorio de ciencia se utiliza en la cocina molecular sólo como ayuda para hacer cosas simples como el mantenimiento constante de la temperatura de agua de cocción (cocina al vacío), la refrigeración rápida de alimentos a muy bajas temperaturas (nitrógeno líquido) o para extraer el sabor de los alimentos (evaporador). Todavía hay cierta discusión sobre la salubridad de la cocina molecu-
«¿Puedo comer esto? ¿Es esto seguro? ¿Por qué no lo pruebas tu primero?» 45
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DATOS ACERCA DE LA GASTRONOMÍA MOLECULAR Es un arte
Cambiar la textura
La gastronomía molecular no busca cambiar el sabor de los platillos sino su textura. Por ejemplo, una fruta hacerla espuma o un ravioli volverlo transparente.
Menos
Los chefs energía experimentan de La cocina molecular busca evitar los procesos manera diferentes con de cocción o evaporación. cada platillo. La cocina Ésto debido al gran consumo molecular logra que de energía, al usar la ciencia Diferentes cada uno cambie logras que el costo de técnicas formas, olores y preparación sea No existe solo un tipo menor. sabores. de técnica para la cocina
Usan su propio jugo
molecular. Algunas de las opciones son, hacerlo espuma, cocinar al vacío, una cocción interna o con nitrógeno liquido.
Para darle más sabor a la comida en la gastronomía molecular lo que hacen es utilizar el propio jugo de los alimentos para darle Nada se fríe el sabor que buscan sin En la cocina molecualterarlos. lar ningún platillo es frito. Si quieren lograr la misma consistencia, lo que hacen es utilizar nitrógeno. Además esto hace que la comida sea más saludable.
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lar, pero personalmente creo que hay problemas de salud mucho más grandes en los alimentos que consumimos todos los días . Al final, usted no va a estar comiendo las esferas líquidas de guisantes todos los días de todos modos. ¿QUE TIPO DE PERSONAS DISFRUTAN LA COCINA MOLECULAR? ¿Eres un apasionado de la cocina ? ¿Usted tiene una mente creativa ? ¿Eres analítico y lógico? Entonces la cocina molecular probablemente podría convertirse en tu pasión. La cocina molecular requiere un buen equilibrio de pensamiento del cerebro izquierdo y derecho. La mayoría de las recetas de la cocina molecular necesitan un seguimiento con precisión. Los pasos se deben seguir en una secuencia muy específica o el plato puede ser un desastre. Las cantidades se miden en milésimas de gramo o fracciones de un porcentaje . Ligeras variaciones en los niveles de acidez de los alimentos podrían ser desastrosas para algunos platos . Me enteré de esto de la manera más difícil al hacer caviar por primera vez, al sustituir el melón con la granada. Al mismo tiempo, la cocina molecular se trata de experimentar, ser curioso, utilizar la intuición , jugar con las emociones y la creación de una experiencia gastronómica multisensorial con presentaciones artísticas, texturas, aromas, sabores e incluso sonidos. El plato es tu lienzo! Por otra parte, se necesita un plato? ¿Porqué no servir la sopa en una taza de té o una esfera en una cuchara doblada o una ensalada en una cesta de parmesano o una bruschetta en una malla de titanio? Bueno, tal vez la malla de titanio sea demasiado. Lo dejaremos para los caros restaurantes de cocina molecular.
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ATKINS
La diseñadora gráfica de Gran Hotel Budapest LOTERIA-MAGAZINE.COM.MX
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ANNIE ATKINS
DISEÑADORA GRÁFICA
Detrás de las grandes producciones hay personas invisibles sin las cuales una película podría venirse abajo. Ese es el caso de Annie Atkins, la experta en diseño gráfico para producciones cinematográficas que está detrás de series como Los Tudor y películas como Titanic, Gran Hotel Budapest de Wes Anderson o Bridge of Spies, la última producción de Steven Spielberg.
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l trabajo de Atkins, que acaba de visitar Barcelona para impartir una conferencia en el festival OFFF, consiste en diseñar piezas gráficas como telegramas, mapas para escapar de prisión, pasaportes, periódicos, tarjetas de visita, cartas de restaurantes o el recibo de haber abonado el almuerzo. En definitiva, «todas aquellas cosas en papel que utilizan los actores en el plató», explica ella misma. Aunque se use en plató, el trabajo de Atkins no es el mismo que el de un decorador o un escenógrafo. «El profesional que hace los escenarios necesita una formación relacionada con la arquitectura. Para hacer lo que yo hago, es necesaria una formación clásica de diseño gráfico», indica. Además de la formación en diseño, para el trabajo de Atkins es necesario conocer otras disciplinas. Por ejemplo, historia, moda, técnicas de impresión, literatura… Pocos trabajos de diseño son tan completos y complicados como el suyo. «Cada vez que comienzo un nuevo proyecto me pongo muy nerviosa. Cada trabajo está relacionado con diferentes países o periodos históricos», especifica. «Para desarrollarlo tengo que aprender todo lo referente al arte de la época y cosas que nunca antes había he-
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cho. Por ejemplo, cuando hice mi primer proyecto, Los Tudor, que se desarrolla en el siglo XV en Inglaterra, no sabía como hacer vidrieras o cómo escribir con una pluma». El truco para que todo salga bien es «aprender muy rápido, ser consciente de que no lo puedes saber todo, pero tener la confianza de que al final va a funcionar». Aunque pocos trabajos en el campo del diseño son tan apasionantes como el de ella, lo cierto es que en ocasiones el esfuerzo que
requiere no se corresponde con la recompensa obtenida. Los meses de documentación histórica y de buscar las herramientas originales para hacer el diseño, darán lugar a piezas gráficas que tan solo se verán un par de segundos. «No me importa que los espectadores lo vean solo unos segundos. Para mí es muy importante buscar máquinas de escribir o papeles antiguos para hacer el trabajo. Si lo haces todo digital, las posibilidades de que te equivoques son mayores. Las tipografías de las máquinas de escribir, por ejemplo.
Si las haces muy grandes, se nota que no son de verdad. Además, utilizar las herramientas originales hace que el proceso sea más rápido. Se tarda mucho más en intentar que las cosas parezcan de verdad con técnicas digitales, que hacerlas directamente con herramientas de la época». La mayor parte del trabajo de Annie Atkins está relacionado con recrear piezas del pasado. Sin embargo, ¿cómo sería hacer piezas gráficas para una película del futuro? ¿Cómo es el diseño gráfico del siglo XXII?
«Cada vez que comienzo un nuevo proyecto me pongo muy nerviosa. Cada trabajo está relacionado con diferentes países o periodos históricos»
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ANNIE ATKINS
DISEÑADORA GRÁFICA
«Hubo una época en que me apetecía mucho trabajar en una película de ciencia ficción. Cuando lo conseguí, no me gustó nada. Cuando diseñas ese tipo de piezas estás sujeta a esa visión del futuro que han dado otros y no tienes apenas libertad. Aunque resulte curioso, con el diseño del pasado podemos hacer cosas más inesperadas y sorprendentes».
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«Para hacer lo que yo hago, es necesaria una formación clásica de diseño gráfico» Los que, después de asistir a la charla de Annie Atkins en OFFF o de leer esta entrevista, deseen zambullirse en el mundo del diseño gráfico para cine, ahora tienen la oportunidad de aprender directamente de ella. Periódicamente, Atkins organiza talleres de dos días en Dublín en los que comparte su experiencia. «En esos dos días intento que mis alumnos aprendan lo que yo he aprendido en diez años de trabajo. Son talleres intensos en los que cubrimos muchos temas, especialmente dos. El primero, que dejen a un lado sus ordenadores y hagan las cosas con las manos. El segundo, que en las películas está bien copiar. En otros trabajos se parte de una hoja en blanco y de la imaginación. En cine no pasa nada por partir de una pieza gráfica que ya existe para crear una nueva y original que a ti se te ocurra».
FILMOGRAFÍA A TRAVÉS DE LOS AÑOS 2008-2009 Los Tudor Serie de Tv 2011 Camelot Serie de Tv
2012 Titanic: Sangre y acero Mini serie de Tv 2013 Vikingos Serie de Tv 2014 El gran hotel Budapest Película 2014 Los Boxtrolls Película 2015 El puente de los espías Película 2017 Wonderstruck Película 2018 Isla de perros Película
Cine | Entretenimiento | Cartelera
EL CINE MEXICANO ...QUE NO SE VE DE LAS 85 PELÍCULAS NACIONALES QUE SE ESTRENARON EL AÑO PASADO; 33 NO RECIBIERON APOYO DEL ESTADO Y PASARON CASI INADVERTIDAS.
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Se imaginan una película mexicana con apenas 16 espectadores?, pues existe y se llama La Era de la Desconexión, un documental que se estrenó el 2 de noviembre del 2017 con distribución de Videocine y sí, vendió sólo 16 boletos. Según datos del Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine): 33 proyectos de los 85 (largometrajes y documentales) que se estrenaron en el 2017 no contaron con apoyo del Estado. En la lista aparece Soy Nero, con apenas 34 boletos vendidos. La película es una coproducción con México y es la historia de un mexicano que se alista en el Ejército
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estadounidense y quien recibe a cambio la deportación. Le sigue El Cuarto de los Huesos, que consiguió 41 espectadores en su estreno. Es un documental sobre madres salvadoreñas en busca de sus hijos. Casa Roshell narra la historia de un espacio utópico para aquellos hombres que viven reprimidos en sus deseos de feminización y travestismo, con 621 boletos vendidos. La Cineteca Nacional apostó y distribuyó Mis Noches Harán Eco y sí, el resultado fue pobre con apenas 1,587 boletos vendidos. Una película que llamó mucho la atención en redes sociales fue: Co-
meta. Él, su perro y su Mundo que fue distribuida en cines por Neverlanding y alcanzó 78,010 boletos en alrededor de 300 pantallas. Incluso películas apoyadas por estudios como Fox fracasaron: Condorito. La película vendió 564,759 boletos o el documental Molotov. 20 años: días de peda y de cruda distribuida por Cinépolis no emocionó a nadie: vendió 3,125 boletos. Para El ocaso del cazador, con Mario Almada y Hugo Stiglitz, buscaron apoyo de los medios de comunicación con una película sobre un caso real en Tamaulipas donde un hombre defendió su rancho de los narcotraficantes. La película era in-
teresante y la apoyó Cinemex pero no tuvo éxito, apenas tuvo 4,802 asistentes. A pesar de los pobres resultados del cine mexicano que se estrena casi en la clandestinidad; una película que tuvo todo en su contra triunfó: Me gusta, pero me asusta fue todo un éxito: 110.1 millones de pesos y 2.6 millones boletos vendidos. Es la tercera cinta en el top mexicano del 2017 y fue distribuida por Diamond Films. Se estrenó una semana después del sismo y aborda la historia de Brayan Rodríguez y su familia dedicada a negocios del narco. La película, Desde la independencia, logró poco más de la mitad de Hazlo como hombre, el éxito del cine mexicano en el 2017 con 200.81 millones de pesos y 4.33 millones de boletos. Incluso, el éxito de Me gusta, pero me asusta superó a muchos estrenos que sí recibieron apoyo del Estado como: Un Cuento de Circo & Love Song, debut como cineasta de Demián Bichir que fue distribuida por LATAM con apenas 50 espectadores en su estreno. Se espera que
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en el 2018 tenga un lanzamiento importante y con más apoyo. Camino a Marte tampoco cumplió con las expectativas y apenas alcanzó 558,494 boletos vendidos con todo y la presencia de Luis Gerardo Méndez y Camila Sodi. O Las hijas de Abril del director Michel Franco, que vendió 205,162 boletos, pese a que ganó el premio del jurado en la sección “Una cierta mirada” en el Festival Internacional de cine de Cannes. Según los datos de IMCINE, las 52 películas apoyadas por el Estado mediante algún mecanismo lograron vender 16.3 millones de boletos; mientras que las 33 películas independientes alcanzaron 4.3 millones de entradas que en conjunto suman 20.6 millones de entradas. En el 2017 se produjeron 175 largometrajes; 96 financiados con recursos públicos. Se estrenaron 85 películas (largo y cortometrajes) y las producciones nacionales obtuvieron 93 premios nacionales y 100 más alrededor del mundo. (Hasta el cierre del año, el cine mexicano reportaba que se alcanzarían más de 21.5 millones de entradas).
TOP 10 DEL CINE MEXICANO LAS QUE CUMPLIERON: Cómo cortar a tu patán Tempestad Las hijas de Abril Oso polar El tamaño sí importa
LOS ÉXITOS: Todos queremos a alguien 3 idiotas Mientras el lobo no está Me gusta, pero me asusta Hazlo como hombre
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56 LA ESTRELLA CARTAS DE VAN GOGH
CARTAS DE VAN GOGH: EL GENIO Y SU ARTE
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omo una proeza cinematográficamente creativa, Cartas de Van Gogh (Loving Vincent, 2017) muestra aspectos de la personalidad atormentada del genio pintor, padre del arte moderno que murió en la pobreza pese a que, irónicamente, sus obras son ahora de las más cotizadas entre los subastadores. Los realizadores Dorota Kobiela y Hugh Welchman utilizaron una línea narrativa sobre el misterio de la muerte del pintor, para mostrar una deslumbrante propuesta de arte fílmico, que es como un lienzo en movimiento. En esta producción nada importa tanto como la imagen. Ni siquiera la vida de Vincent, quien, por lo demás, ni siquiera es protagonista. La maravilla se encuentra en esta obra maestra de la animación, que pudo ser concebida únicamente por realizadores enamorados del holandés y su fascinante destino trágico, en el que se enlazan amor fraternal y locura. El hechizo por su técnica se encuentra en este insólito film, el primero de su tipo en la historia, que muestra miles de cuadros, cada uno pintado a mano por más de 100 magníficos artistas, que pudieron adentrarse en el prolífico legado pictográfico, y transportarlo a la imagen que adquiere vida.
los trazos furiosos del artista, que pintaba, de acuerdo con la leyenda, en un trance de insanidad y excesiva sensibilidad motivada por un desequilibrio emocional que, según conocedores, se plasma en sus colores sombríos y la crudeza de sus oleos. Vincent Van Gogh (Robert Gulaczyk) creó obras soberbias en el estilo postimpresionista, con una interpretación personalísima del mundo. Es en ese universo de colores palpitantes donde los personajes se sumergen y viven un drama que contiene, en su centro, el misterio sobre la muerte del creador de La noche estrellada. Un año después del deceso, Roulin (Douglas Booth), el hijo del cartero, va a la que fue la última parada del artista, en el sur de Francia. Busca a quién entregar una carta que le había enviado a su hermano Theo, ya
para entonces fallecido. En esos días conocer a personas que lo vieron y que fueron sus modelos. Además se entera de detalles sobre su muerte que, al parecer, no fue producto de un suicidio, como señala la versión oficial, nunca sólidamente confirmada.
Toda la historia transcurre en una sobrecogedora atmósfera que repite
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CARTAS DE VAN GOGH LA ESTRELLA
Los recorridos detectivescos de Roulin son una excelente excusa para que se muestren los cuadros del artista, en su forma original y luego, con movimiento. Los oleos de la naturaleza y los seres humanos vibran, con una mágica sobreposición de imágenes, que expresan una profunda dimensión emocional en esos rostros hechos con pinturas de aceite, con centenares de pequeñas estrías y facciones agresivas, como si los hubiera ensayado el mismo autor desde ultratumba. Pero, aunque la película es un excepcional trabajo de imagen activa, luce accesible únicamente para los iniciados. Cualquiera puede disfrutar del espectáculo del cine mezclado con la pintura, en esta originalísima propuesta, aunque el goce se completa con el conocimiento de la obra total, que muestra los autorretratos, los paisajes, y las personas que conoció y que fueron inmortalizadas por su pincel milagroso. Quien no sepa qué ocurrió con la oreja de Van Gogh probablemente se extraviará en el relato. De cualquier manera, con conocimiento o no de la herencia creativa del holandés, Cartas de Van Gogh es un deleite para los sentidos.
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Cada uno de los 62, 450 cuadros de la película, es una pintura al óleo, pintada a mano, por un grupo de 85 profesionales.
FICHA TÉCNICA Título original: Loving Vincent Año: 2017 Directores: Dorota Kobiela, Hugh Welchman Actores: Douglas Booth, Jerome Flynn, Robert Gulaczyk Fecha de estreno: 24 de noviembre de 2017
ESTRENOS ABRIL
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Tomb Raider: Las Aventuras de Lara Croft (Tomb Raider) Director: Roar Uthanug Actores: Alicia Vikander,Walton Goggins,Dominic West,Daniel Wu
Esta nueva adaptación Alicia Vikander intentará superar el buen trabajo de Angelina Jolie durante las primeras adaptaciones de Tomb Raider. Explorará la primera misión de Lara Croft, quien parte en busca de su padre desaparecido y de paso, con la firme intención de salvar al mundo de una amenaza global. La película ha llamado la atención por su inspiración en el exitoso videojuego del 2013, pero también porque marcará el largamente anticipado reboot a la exitosa franquicia cinematográfica protagonizada por Angelina Jolie.
ESTRENOS
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Titanes del Pacífico: La Insurrección (Pacific Rim Uprising) Director: Steven DeKnight Actores: Ron Perlman,Scott Eastwood,John Boyega,Cailee Spaeny
LA ESTRELLA
Han pasado 10 años tras la primera invasión que sufrió la humanidad, pero la lucha aún no ha terminado. El planeta vuelve a ser asediado por los Kaiju, una raza de alienígenas colosales, que emergen desde un portal interdimensional con el objetivo de destruir a la raza humana. Ante esta nueva amenaza, los Jaegers, robots gigantes de guerra pilotados por dos personas para sobrellevar la inmensa carga neuronal que conlleva manipularlos, ya no están a la altura de lo que se les viene encima.
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Un viaje en el tiempo (A Wrinkle in Time) Directora: Ava DuVernay Actores: Reese Witherspoon, Chris Pine, Oprah Winfrey
De la mano de la visionaria directora Ava DuVernay llega Un viaje en el tiempo de Walt Disney Pictures, una épica aventura basada en la clásica historia de Madeleine L’Engle, que transporta a la audiencia a través de diferentes dimensiones en tiempo y espacio. Con la ayuda de tres guías celestiales, una niña realiza un viaje transformador en el que descubriremos que la fortaleza interna se logra al aceptar nuestras individualidades, y que la mejor manera de triunfar sobre el miedo es viajar usando nuestra propia luz.
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