Exhibiciones de Nueva York que sorprenden al mundo

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SUPLEMENTO

ESPECIAL

La Razón | Sábado 29.12.2018

LA RAZÓN RECORRE EN LA GRAN MANZANA LAS MUESTRAS MÁS ACLAMADAS Y CHARLA CON SUS CURADORES Y CURADORAS ACERCA DE LAS OBRAS EXPUESTAS, MUCHAS DE LAS CUALES SE PRESENTAN POR PRIMERA VEZ EN ESTE CONTINENTE.

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MUSEO METROPOLITANO DE ARTE DELACROIX

NEUE GALERIE FRANZ MARC Y AUGUST MACKE: 1909-1914; KLIMT Y SCHIELE: CENTENARIO DE 1918

MUSEO SOLOMON R. GUGGENHEIM HILMA AF KLINT: PINTURAS PARA EL FUTURO

MUSEO WHITNEY DE ARTE ESTADOUNIDENSE ANDY WARHOL—DE LA A A LA B Y DE REGRESO

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II / III

La Razón | Sábado 29.12.2018

P O R J AV I E R C H ÁV E Z E N N U E VA YO R K , E U

1 1 Autorretrato con chaleco verde Ca. 1837 Óleo sobre tela 65 x 54.5 cm Musée de Louvre, París 2 Mujeres de Argel en sus habitaciones 1834 Óleo sobre tela 180 x 229 cm Musée du Louvre, París

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3 Grecia en las ruinas de Missolonghi 1826 Óleo sobre tela 213 x 142 cm Musée des Beaux-Arts, Burdeos

4 Retrato de Aspasie Ca. 1824 Óleo sobre tela 81 X 65 cm Musée Frabre, Montpellier 5 Cristo en la cruz 1846 Óleo sobre tela 80 x 64.1 cm The Walters Art Museum, Baltimore

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có la la importancia de ampliar la visión que se tiene del artista, por lo que invitó al público a mirar a Delacroix con detalle, es decir, conociendo los elementos de los cuales se valía el francés en sus obras. “Una de las cosas que hemos hecho es que hemos integrado pinturas, dibujos, impresiones, así como manuscritos del artista para dar una idea de cómo era su proceso creativo”, explicó Miller. “Parte de lo que se revela con el solo hecho de tener su obra en las galerías es la conversación que tienen las pinturas entre sí. Lo que realmente buscamos es que la gente no sólo conozca la evolución del artista, sino que realmente observe su obra. No son ilustraciones en un libro, son sus pinturas, y es muy raro verlas, pues muchas no han sido exhibidas en décadas. La oportunidad de tenerlas reunidas en un solo lugar es verdaderamente impactante”. Divida en los tres periodos creativos del artista, que al principio de su carrera llevaba un diario, el cual interrumpió por casi 30 años, la exhibición se presenta de manera cronológica y temática, concepto curatorial que permite apreciar su evolución. También queda latente la importancia temprana que le dio al retrato, al principio con imágenes de familiares y amigos e incluso autorretratos. Como parte de su primer periodo, conocido como La Docena, que abarca de 1822 a 1834, la exhibición reúne retratos en los que utilizó a modelos reales, como los que elaboró de su primo, Léon Reisener y Retrato de Aspasie, pintura que el autor conservó en su propio estudio casi hasta el final de su carrera y en la que utilizó a una modelo mestiza que muestra parcialmente un seno, obra que conjunta elementos de un estudio y de un retrato, además de claroscuros.

Fotos>Cortesía del Museo Metropolitano de Arte

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Qué más se puede decir de Eugène Delacroix que no hayan señalado ya grandes como Cézanne o Picasso? El primero lo dijo de manera simple y llana: “nos puedes hallar a todos nosotros… en Delacroix”; el segundo fue más directo: “ese bastardo es realmente bueno”. Incluso en el primer piso del Museo Louvre de París, en la sala Mollien, una de sus obras capta la atención de los visitantes que recorren la galería dedicada al romanticismo francés. Es la segunda más fotografiada después de la Mona Lisa, de Leonardo Da Vinci. Se trata de La Libertad guiando al pueblo, la más icónica de las pinturas del artista, uno de los más importantes en la historia y cuya influencia se puede apreciar, como bien lo apuntó Cézanne, en todos los impresionistas, desde Monet y Gauguin hasta Van Gogh. Sin embargo esta pintura, que lo mismo aparece en portadas de libros que en pósters, ha tendido un velo de oscuridad sobre el propio artista, cuyo nombre es reconocido, pero no así su obra, la cual sigue siendo desconocida y hasta incomprendida, considera Asher Miller, el curador de la exposición Delacroix, que desde el otoño pasado se exhibe en el Museo Metropolitano de Nueva York, luego de cuatro años de trabajo. “En el Louvre sólo hay una obra directamente relacionada con la política, que es La Libertad guiando al pueblo. Él no estaba desinteresado de la política, pero vivió durante una era de turbulencia. Esta pintura es, en muchos sentidos, la más singular de sus obras porque no es un tema que haya abordado antes o después en su carrera. Hay mucho más qué ver. Es la oportunidad de ver todos las aristas de un gran pintor y un gran filósofo”, dijo en entrevista para La Razón. Esta enorme y prolífica carrera de un pintor que a menudo es calificado de genio queda claramente representada en la exhibición del Met, que reúne la mayor cantidad de obras de Eugène Delacroix desde 1963, cuando engalanó las galerías del Louvre en la primera gran retrospectiva del autor en el siglo XX. Con más de 157 piezas entre pinturas de gran formato, manuscritos y bocetos, muchos de los cuales jamás habían sido exhibidos en este continente, Delacroix es la primera y más exhaustiva muestra en América dedicada al artista melómano, que prefería la amistad de escritores como Stendhal y Baudelaire y de músicos como Chopin, Pagannini y Schubert, antes que la de pintores. “Se trata de un artista cuyo nombre es bien conocido, sin embargo no hay un entendimiento de su obra por parte del público en general e incluso de académicos”, comentó Asher Miller. “Él es una figura compleja y profundamente reflexiva. Su reputación se basa principalmente en un número pequeño de sus pinturas en gran formato, que están en el Louvre, pero su carrera se extiende a lo largo de cuatro décadas, en las cuales fue tremendamente prolífico. Su obra no es muy conocida entre el público”. En este sentido, el curador del Met desta-

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LA MUESTRA DE

EN MÉXICO, EL MAESTRO DEL CLAROSCURO ES EVIDENTE la influencia del tenebrista Carvaggio en Eugène Delacroix, cuyo maestro, Thédore Géricault, se inspiró en obras del italiano y de Rubens para su Oficial de cazadores a la carga , su primera gran obra que se exhibe en el Salón

CON 157 PIEZAS entre pinturas, dibujos, bocetos y manuscritos, la exposición explora el lado desconocido de uno de los artistas más importantes del siglo XIX; influyó en Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Monet, Degas y hasta Picasso A este mismo periodo pertenece otra de las joyas de la exhibición: Grecia en las ruinas de Missolonghi, obra en la que Delacroix retoma iconografía cristiana, como la bata blanca y el albornoz azul, comúnmente asociados a María Inmaculada y que el autor utiliza para representar a una Grecia que abre las manos en señal de impotencia y tristeza. La obra está inspirada por el sitio de Missolonghi a manos de fuerzas otomanas en 1825, que culminó con la masacre de la población griega al intentar romper el cerco para escapar de la hambruna y las enfermedades. Desde esta temprana época, Eugène Delacroix subrayó la importancia del color en su obra. Con este tipo de pinturas, además de sus lienzos monumentales, que se conservan en el Louvre, el autor buscaba la fama, la novedad y la libertad; objetivos que tuvo durante esos 12 años en los que se encumbró, al grado de que el director de los Museos Reales, Auguste de Forbin, se aseguró de que el Estado francés comprara la obra del artista. Pero los eventos históricos no fueron la mayor fuente de inspiración de Eugène

de 1812, en el Louvre.

MÁS GRANDE EN AMÉRICA

En México, el público tuvo la oportunidad de admirar una de las pocas obras de Caravaggio existentes en el mundo: La buenaventura. Esta pieza, que retrata el momento en que una gitana roba un anillo a su cliente, estuvo expuesta por primera ocasión en el Museo Nacional de Arte entre el 22 de febrero

Delacroix, apunta Asher Miller. El artista reinterpretó y buscó inspiración en textos de novelistas como Lord Byron y Walter Scott, quienes escribieron épicas ideales para que el artista les imprimiera acción y movimiento. “Delacroix sostenía que los temas que él elegía eran dignos de un gran arte equivalente a las obras de los grandes maestros, cuyas pinturas vio en el Louvre, donde él se inspiraba”, señaló Miller. Delacroix, quien ocasionalmente recurría a la provocación, pues tenía claro que la opinión pública era determinante para construir la fama y reputación, retrata la orgía y la sangre de La muerte de Sardanápalo, inspirada en una historia del novelista inglés Lord Byron, y en la que elige el exoticismo descrito puntualmente con claroscuros y detalles de telas y alhajas en una escena brutal. La obra, una de las más importantes de Delacroix, es un ejemplo de la creación del artista en el periodo de 1835 a 1855, el cual estuvo marcado por sus murales y un diálogo con la tradición, como en sus recreaciones de La Batalla de Nancy o La Batalla de Poitiers, obras que están en la muestra.

La muerte de Sardanápalo 1845-1846 Óleo sobre tela 73.7 x 82.4 cm Musée du Louvre, París

En cuanto al papel que la literatura jugaba como inspiración, la exhibición muestra aguafuertes que el artista realizó sobre Fausto, de Goethe, y al Hamlet, de Shakespeare, en óleos de mediano formato. En una de las salas de Delacroix, los estudios sobre tigres y caballos dejan ver el interés del pintor por otras culturas, en particular su atracción por la África del Norte, fuente de inspiración para una de sus pinturas más famosas, Mujeres de Argel en sus habitaciones, donde una vez más se refleja el manejo osado que tenía de los pinceles y del color. Hacia el final de su carrera artística, periodo que abarca inmediatamente después de su gran retrospectiva de 1855 hasta su muerte, en 1863, el pintor retoma su diario y comienza a interesarse más en los paisajes y en el papel creativo que juega la memoria. A esta etapa pertenecen flores y naturalezas muertas. En general, la muestra permite al visitante conocer la obra de este pintor, cuyos objetivos siempre fueron la búsqueda de la singularidad y el poder expresivo de la pintura. “Delacroix es uno de los grandes genios en la historia del arte”, concluyó Miller.

y el 20 de mayo de 2018.

La buenaventura 1596 Óleo sobre tela 115 x 150 cm Musei Capitolini, Roma

MUSEO METROPOLITANO DE ARTE

Abrió sus puertas el 20 de febrero de 1872, en Manhattan. Alberga más de dos millones de obras de arte de todo el mundo en colecciones que van desde piezas de la antigüedad clásica hasta la época contemporánea, visitadas por siete millones de personas al año.

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IV / V

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P O R J AV I E R C H ÁV E Z

A

1 La estrella de siete picos, No.1 1908 Témpera, gouache, y grafito en papel sobre tela 62.5 x 76 cm Fundación Hilma af Klint, Estocolmo 2 Caos primordial, No. 11 1906-1907 Óleo sobre tela 51 x 37.5 cm Fundación Hilma af Klint, Estocolmo 3 Caos primordial, No. 5 1906-1907 Óleo sobre tela 53 x 37 cm Fundación Hilma af Klint, Estocolmo

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mediados de la década de los sesenta, Erik, un funcionario naval de la armada sueca, recibió una llamada. Quien le hablaba era un granjero de Ösby, que quería desocupar el almacén que durante los últimos 20 años albergó 1,200 pinturas, 26 mil páginas llenas de notas, 125 cuadernos y al menos 100 textos de su tía. El hombre incluso amenazó con quemar todo, por lo que Erik se apresuró a vaciar ese estudio en el que trabajó Hilma af Klint hasta el día de su muerte, a los 82 años de edad, tras ser arrollada por un tranvía en Estocolmo, en 1944. Perteneciente a una familia con una gran tradición naval en la historia de Suecia, Hilma af Klint, la única artista del clan, nacida en 1862, estipuló en su testamento que su obra, la cual heredó a su sobrino, tenía que ser mantenida en secreto por al menos 20 años más después de su muerte. Con tal de cumplir la voluntad de su tía, Erik trasladó toda la obra al ático de su casa, donde estuvo guardada durante varios años más en cajas de madera, debajo de un techo de hojalata, expuesta a temperaturas de hasta 30 centígrados en el verano y -15 en el invierno. Y aunque enseñó el trabajo de la artista a varios museos de Suecia, ninguno mostró interés, pues se trataba de una mujer. Fue hasta hace 32 años, en 1986, cuando el curador Maurice Tuchman incluyó sus obras en la exhibición De lo espiritual en el arte, en el Museo del condado de Los Ángeles, que el mundo conoció a Hilma af Klint, la mujer que llegó a la abstracción y a experimentar con la escritura y pintura automáticas a principios del siglo XX, al menos cinco años antes de que Kandinsky se atribuyera la creación de la primera obra abstracta. Af Klint, creyente y practicante de Teosofía, estaba convencida de que el mundo no estaba listo para comprender su propuesta artística, idea que fue alentada por Rudolf Steiner, fundador de ese movimiento, quien le sugirió ocultar sus cuadros por 50 años. Esto es lo que el público que visita el Museo Guggenheim puede apreciar desde el pasado 12 de octubre y hasta el 23 de abril de 2019 en la exhibición Hilma af Klint: Pinturas para el futuro, que muestra más de 170 trabajos de la artista sueca en su más grande exhibición individual en América. “El hecho de que jamás mostró su trabajo en toda su vida, a excepción de una exhibición que tuvo en Londres, hizo que su obra abstracta permaneciera prácticamente oculta. Incluso cuando muere, en 1944, el mismo año en que Kandinsky fallece, deja instrucciones para que su trabajo no se muestre a nadie sino hasta 20 años después, ya que pensaba que el mundo no estaba listo para los mensajes que expresaba en sus pinturas”, explicó a La Razón la curadora en jefe y directora de Colecciones del Guggenheim, Tracey Bashkoff. La experta destacó el carácter histórico que tiene la exhibición, que de acuerdo con la crítica especializada, es una de las más importantes de este año. Bashkoff indicó que pese a su relativo ais-

Foto>Javier Chávez>La Razón

E N N U E VA YO R K , E U

LA MUJER QUE VIO EL FUTURO POR PRIMERA VEZ se muestran más de 170 piezas de la artista en este continente; apenas hace 32 años fue descubierta, aun cuando inventó el arte abstracto antes que Kandinsky

HILMA AF KLINT en su estudio en la ciudad de Estocolmo, Suecia, en 1895.

lamiento, af Klint era una artista comprometida y en la exhibición en Londres, en 1914, sus paisajes coincidieron con las primeras obras de Kandinsky y las pinturas de Franz Marc, sin embargo ella ya había hecho experimentos con trabajos no figurativos. “El trabajo de Hilma af Klint se puede describir como visionario. Por sí mismo, en cuanto a su composición, tamaño y seriedad como proyecto habla de cuál fue su visión y cómo es que ésta siempre se mantuvo a lo largo de su carrera artística. Ella estaba comprometida con expresar ciertos elementos y conceptos con su pintura, y eso fue lo que hizo toda su vida”, apuntó. “Para ella, la pintura y la espiritualidad eran inseparables. Estaba interesada en transmitir ideas en torno a nuestro mundo y otro mundo posible más allá de éste, acerda de la vida y un camino espiritual. Ella estaba pintando mundos desconocidos”. Aunque Estocolmo era una ciudad progresista para 1882, año en el que Hilma af Klint ingresó a la Academia Real de Artes como parte de la primera generación de mujeres en esa institución, la sociedad de la época privilegiaba a los hombres.

Pero eso no impidió que en 1887, cuando concluyó sus estudios, comenzara a trabajar como ilustradora en revistas de carácter científico, donde tuvo la oportunidad de dibujar figuras orgánicas, microscópicas y entrar en contacto con los avances de la época, tales como los rayos X y otros descubrimientos que fortalecieron sus creencias espiritualistas acerca de fuerzas inmateriales que conviven con la humanidad, comentó. “El trabajo de los hombres en las escuelas de arte era más valorado que el de las mujeres, pero ella se hizo un lugar en esa comunidad, y también gracias a su involucramiento con la sociedad espiritualista, donde encontró gente afín. Ahí es realmente donde este trabajo innovador floreció”, observó. El edificio diseñado por Frank Lloyd Wright, ubicado en el 1071 de la Quinta Avenida, es el escenario ideal para exhibir la obra de la artista, que entre 1906 y 1915 trabajó en la serie Pinturas para el Templo, un conjunto de 193 piezas que elaboró para mostrarlas en un edificio en espiral, justo como el Guggenheim. “Escribió en uno de sus cuadernos cuál era su visión para este templo, e incluso ya

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KANDINSKY Y SUS PEQUEÑOS MUNDOS FUE HASTA 1934, cuando radicaba en París, que Wassily Kandinsky comenzó a incorporar motivos y elementos provenientes del mundo de la embriología y la zoología en sus obras, tal como af Klint lo hizo a principios del siglo XX. Visitantes del Museo del Palacio de Bellas artes pueden admirar la

Fotos >Cortesía del Museo Solomon R. Guggenheim

VISITANTES observan las pinturas en gran formato de la serie Los 10 Grandes, en la primera rampa del recinto.

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tenía en mente dónde podría estar. Imaginó un edificio redondo, de varios pisos, con una escalera en espiral en el centro. La gente andaría ahí y podría admirar las 193 pinturas que ella elaboró como parte de la serie Pinturas para el Templo”, dijo Bashkoff. “Es realmente maravilloso que nuestro edificio, que fue comisionado por Hilla Rebay, la artista que ayudó a crear la colección avant garde del Guggenheim, haya sido construido con la visión que ella llamó ‘Un 1 templo para el espíritu’. Es interesante que ellas no se conocían y pensaban en los mismos conceptos, casi al mismo tiempo”. Con este concepto curatorial, los seis niveles del Guggenheim trazan un diálogo evolucionista en la obra de af Klint. La muestra abre con Los 10 Grandes, una serie de pinturas de gran formato creadas en 1907, pintadas en gran parte sobre el piso, en las que af Klint elige como tema el ciclo de la vida. Los lienzos comienzan con la representación del nacimiento, donde destacan los tonos azul claro, seguidos de pinturas en naranja que simbolizan la infancia. A éstas se suman cuatro obras en las que la artista recurre al color lavanda para representar la adultez, y finalmente concluir con la senectud, plasmada en dos enormes cuadros en color rosado que termina por convertirse en blanco. La serie se puede apreciar tanto a un nivel microscópico como macroscópico, pues resulta difícil determinar si se trata de célu2 las o de planetas, además de que en ellas incluye referencias a la ciencia, la religión y el folklore sueco. Al avanzar en la espiral del Guggenheim, en la segunda rampa, está Caos primordial, primer grupo de 20 piezas que elaboró para Pinturas para el Templo. En esta dominan el azul, amarillo y verde, que de acuerdo con la teoría de color que retomó de Goethe, representan la masculinidad (amarillo), la feminidad (azul) y la perfecta armonía (verde). La serie comienza con un enorme círculo que representa la energía, que se rompe y se transforma en figuras y elementos que recuerdan organismos microscópicos. Pinturas para el futuro representa una oportunidad para conocer el trabajo que la artista sueca elaboró entre 1906 y 1920, cuando produjo pinturas abstractas y tremendamente imaginativas, que invitan a revalidar el modernismo y reclama el lugar 3 que la pintora merece en la historia del arte.

obra de Kandinsky en la exhibición más grande del pintor en México. Con piezas nunca antes exhibidas en el país, la muestra permite apreciar al autor integralmente, y acercarse a los mundos macro y microscópicos que plasmó en su obra.

Movimiento I 1935 Óleo sobre tela 117 x 89.8 cm The StateTretyakov Gallery, Moscú

EN SUS APUNTES destacan las instrucciones y el concepto para exhibir sus Pinturas para el Templo en un edificio con una estructura como la del Guggenheim.

MUSEO SOLOMON R. GUGGENHEIM

Hasta 1949 se llamó Museo de la Pintura Abstracta. Resguarda más de mil 500 piezas; tiene obras de Miró, Klee, Calder, Manet, Kandinsky...

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VI / VII La Razón | Sábado 29.12.2018

MARC, MACKE Y

ARTE TRUNCADO P

P O R J AV I E R C H ÁV E Z E N N U E VA YO R K , E U

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principios del siglo XX, la Primera Guerra Mundial y las pandemias diezmaron a la población mundial. Mientras el conflicto bélico arrebató la vida a alrededor de 17 millones de personas, la epidemia de la gripe española de 1918 dejó más de 20 millones de muertos solamente en Europa. Entre las vidas que cobraron la enfermedad y la guerra estaban las de jóvenes artistas como el austriaco Egon Schiele y los teutones Franz Marc y August Macke, quienes de manera paralela tuvieron carreras artísticas muy cortas, aunque extraordinariamente prolíficas. Por un lado, Macke y Marc sentaron las bases del expresionismo alemán y conformaron el grupo Der blaue Reiter, mientras que Schiele cuestionó la moralidad de la época con atrevidos dibujos cargados de un fuerte contenido sexual, que incluso en la actualidad son considerados demasiado atrevidos. La obra de estos tres artistas puede apreciarse en dos exhibiciones que la Neue Galerie, de Nueva York, inauguró en junio y en octubre de 2018, con motivo de los 100 años de la Gran Guerra, y que permanecerán hasta el 21 de enero de 2019. En la primera de ellas se explora la vida y el trabajo, así como el poder de la amistad entre Macke y Marc. De hecho, es la primera ocasión en la que las obras de August Macke se exhiben en un museo del continente americano y la primera muestra que reúne piezas de ambos autores bajo un mismo techo. “Compartían ideas acerca del arte y gracias a sus innovaciones ayudaron a crear el movimiento conocido como expresionismo en la Alemania de principios de siglo”, explicó en entrevista para La Razón la académica y curadora, Vivian Endicott Barnett. La especialista señaló que en la obra de Franz Marc se puede apreciar el valor simbólico de los colores, ya que su trabajo expresa significados según las tonalidades que ocupan. En tanto, su amigo, August Macke, solía pintar los alrededores de los lugares en donde vivió. La amistad de Franz Marc y August Macke comenzó cuando el segundo le escribió una carta y acordaron reunirse para intercambiar puntos de vista en torno al arte y a la vida en general. Recién llegado a la ciudad de Múnich, en 1909, Macke fue a visitar una galería donde había obras de Marc. Tras recorrerla, emocionado, pidió al galerista datos acerca del autor de esos cuadros que acababa de mirar y en los que se reconoció a sí mismo. Macke obtuvo la dirección de Marc y le envió una misiva. Ambos artistas se reunieron y de ahí en adelante se desarrolló

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CON MUESTRA que reúne decenas de dibujos del austriaco conmemoran el centenario de su muerte a causa de la gripe española; la otra, recorre la amistad de los jóvenes pintores que sentaron las bases del expresionismo alemán 1

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August Macke Paseantes en el lago II 1912 Óleo sobre tela Neue Galerie, Nueva York

Franz Marc Fresco de simios 1911 Óleo sobre tela Hamburger Kunsthalle, Alemania

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August Macke Jinete de burro 1914 Acuarela sobre papel Colección privada

Franz Marc La vaca amarilla 1911 Óleo sobre tela Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York

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2 5 Retrato del pintor Karl Zakovšek 1910 Óleo, témpera y carbón sobre tela Colección privada 6

Autorretrato con el brazo doblado sobre la cabeza 1910 Acuarela y carbón sobre papel Colección privada 7

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Amistad 1913 Acuarela, gouache y lápiz sobre papel Colección Privada

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MEMORIA DE LA IRA EN AMÉRICA LATINA

E Y SCHIELE

ARTE Y VIOLENCIA en la colección del Museo de Arte de Lima, expone la violencia vista desde la mirada de los creadores peruanos

O POR LA TRAGEDIA

contemporáneos. La exhibición conformada por 17 obras de los últimos 30 años, entre ellas la serie Piraq Causa (¿Quién es causante?), generó polémica en el país andino, donde se le acusó de hacer apología del terrorismo. Se trata de una crítica del proce-

un intercambio epistolar y una estrecha cercanía que se extendió por cuatro años. “Hasta antes de conocerse, ambos artistas trabajaban sus ideas en completo aislamiento y jamás habían montado una exhibición, por lo que el encuentro de alguien afín estimuló su creatividad”, dijo Endicott Barnett. Su relación queda manifiesta en la exhibición a través de 70 pinturas y trabajos, en la que los cuadros de los artistas entablan un diálogo de formas, composiciones y colores de ese expresionismo alemán germinal. A lo largo de cuatro salas, los visitantes pueden observar los paralelismos y conclusiones a las que llegaban los dos colegas, y que a pesar de que en algún momento cambiaron sus lugares de residencia, jamás dejaron de ser amigos, sino hasta que ambos perecieron con un diferencia de dos años en distintos frentes durante la Primera Guerra Mundial. A partir de las obras fechadas en 1911 se puede apreciar que sus trabajos se vuelven más dinámicos y coloridos, mientras que en 1913 exploran con creaciones cada vez más abstractas, aunque sin perder nunca sus tonalidades. Macke se concentraba en plasmar escenas cotidianas que transformaba en sensaciones gracias al uso de colores y geometrías; Marc se enfocaba en una visión espiritual, la cual expresaba a través de los colores y de figuras de animales. “Ambos fueron innovadores. Ambos comenzaron algo que era completamente original y desafortunadamente no continuó por sus trágicas muertes. Macke fue abatido en combate casi inmediatamente después de ser llamado a las filas del ejército, mientras que Marc murió en el frente francés. “Ellos comenzaron algo. Cada uno tiene su propia identidad. Son inconfundibles. Ambos privilegian el arte figurativo como un medio de expresión. Estaban buscando su rumbo y fueron los primeros artistas en marcar la dirección del expresionismo alemán”, apuntó la experta.

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so de violencia en Perú, a raíz de la presencia del Ejército y de Sendero Luminoso, una organización terrorista. Justo la muestra exhibe un conjunto de fotografías de carátulas de publicaciones que se incautaron a integrantes de dicha agrupación.

Incautados Pablo Hare 2014 Colección Museo de Arte de Lima

NEUE GALERIE

Creada en 2001, está dedicada al arte alemán y austriaco. Desde 2006 alberga el Retrato de Adele Bloch Bauer I, de Klimt.

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Fotos>Cortesía de Neue Galerie

LA MUERTE DE DOS GRANDES Aunque nacieron con 30 años de distancia tanto Gustav Klimt como su discípulo, Egon Schiele, murieron trágicamente en 1918, cuando acabó la Gran Guerra, en el mismo año en que el Imperio Austro-Húngaro dejó de existir. En una muestra que conjunta obras de ambos artistas, el visitante puede explorar las aportaciones de Schiele al arte moderno a través de decenas de dibujos, tantos que cada mes colocan nuevas obras del artista en los muros de la Neue Galerie. Hijo de Adolfo y Marie Schiele, Egon

quedó huérfano de padre a los 14 años de edad, por lo que su tío y padrino, Leopold Czihaczek, asumió su tutela. En el otoño de 1906, cuando Egon cumplió 16 años, su tío lo envió a la Academia de Bellas Artes de Viena, donde un año después conoció a su mentor, Gustav Klimt. Al cumplir los 18 años de edad, Schiele montó su primera exhibición y comenzó a desarrollar su propio estilo, abrazando el expresionismo, en lugar de l as artes decorativas. Con una carrera en pleno ascenso, el artista entró en contacto con el galicista Hans Goltz, en cuya galería expuso su trabajo junto a autores del grupo Der blaue Reiter. En los dibujos expuestos en la muestra, el inconfundible estilo de Schiele, dominado por intensas líneas expresivas y sus retratos de cuerpos desnudos, dejan ver la influencia del expresionismo en el artista. Desplegados alrededor dos vitrinas centrales, en las que hay joyas elaboradas por Klimt, el visitante puede apreciar desde el famoso autorretrato de 1914 hasta sus desnudos femeninos en posiciones que fueron objeto de censura a principios del siglo XX. Durante la Primera Guerra Mundial, Schiele fue destacamentado en Praga. Ahí tuvo la oportunidad de dibujar a militares y prisioneros rusos, a la vez que comenzó a concentrarse más en temas familiares. Para entonces, la carrera de Schiele, a pesar de la guerra iba en ascenso, sin embargo en el otoño de 2018 pereció a causa de la gripe, que tres días antes cobró la vida de su esposa, Edith.

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GALERIE

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VIII La Razón | Sábado 29.12.2018

EN EL MAM, LAS OBRAS COMPLETAS DE VARO EN MÉXICO también destaca una muestra retrospectiva que logró conjuntar todos los trabajos de la surrealista Remedios Varo. Exhibida en el Museo de Arte

LA SUMMA DEL REY DEL POP ART P O R J AV I E R C H ÁV E Z E N N U E VA YO R K , E U

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n el nivel cinco del Museo Whitney, a escasos metros del enorme ventanal desde donde se puede ver el gris metálico del río Hudson, está la más grande de las piezas de Andy Warhol–de la A a la B y de regreso, primera muestra retrospectiva del artista desde hace casi 30 años. Se trata de una pintura en gran formato del líder chino Mao Tse Tung, la cual destaca entre las más de 350 obras de la exhibición por sus 4.5 metros de altura, su técnica, y por pertenecer a una etapa de la carrera de Andy Warhol en la que se pensaba que estaba agotado. Eran los setenta, y el artista ya había alcanzado la cima en el mundo del arte, que junto con Robert Rauschenberg, James Rosenquist y Roy Lichtenstein cambió irreversiblemente. Para ese momento la crítica ya no confiaba más en un Warhol que se convertía poco a poco en el sujeto famoso que solamente asiste a inauguraciones de arte. Pero con su lienzo de 1972 Warhol sorprendió al utilizar en un solo y gigantesco cuadro todas las técnicas que perfeccionó desde que comenzó su carrera en 1948. La obra, además de combinar serigrafía y óleo, también intro1 ducía un discurso político en plena Guerra Fría, momentos después de la primera visita del presidente Richard Nixon a la República Popular China. La historia de cómo eligió a Mao para representarlo, como casi todo lo que hacía Warhol, tenía que ver con la fama. Luego que se le sugirió hacer un retrato de Albert Einstein como la persona más célebre del mundo, el artista pop decidió que el líder chino era el más famoso en ese momento. “Lo diferente en esta obra está en la esquina inferior izquierda del lienzo, con el tratamiento que hizo a la pintura. Warhol pintó esta pieza a mano, salvo por las secciones serigrafiadas, por lo que se pueden ver sus huellas dactilares”, comentó Donna De Salvo, curadora en jefe y directora de Iniciativas Internacionales del Museo Whitney. 2 Andy Warhol–de la A a la B y de regreso se concentra en revalorar ese periodo menos conocido del artista, aunque sin dejar de lado su etapa de estudiante en el Carneggie Institute of Technology, su paso por el arte comercial y su pop de la década de los sesenta. La muestra supera en número de actividades y en obras a la realizada en 1989 en el MoMa de Nueva York, sólo dos años después de la muerte del artista, por lo que su acervo todavía no estaba catalogado exhaustivamente. Tan es así que ocupa tres de los seis niveles del recinto diseñado por el arquitecto Renzo Piano con pinturas, cápsulas de tiempo, videos y audios del artista pop. Aunque al cierre de esta edición el Whitney no tenía una cifra exacta de cuántas personas han visitado Andy Warhol–de la A a la B 3 y de regreso, personal de esa institución refirió

1 Mao 1972 Acrílico, tinta de serigrafía y grafito sobre lino 4.48 x 3.47 m The Art Institute of Chicago

Autorretrato 1964 Acrílico y tinta de serigrafía sobre lino 50.8 x 40.6 cm The Art Institute of Chicago

3 Superman 1961 Caseína y crayón de cera sobre algodón 170.2 x 132.1 cm Colección privada. Cortesía de DC Comics

Fotos> © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS) Nueva York

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Coordinación Javier Chávez Adriana Góchez

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Diseño Carlos Mora

Retoque digital Mónica Pérez

Moderno desde el 19 de octubre de 2018 y hasta febrero de 2019, Adictos a Remedios Varo. Nuevo

ES LA RETROSPECTIVA más grande del artista en casi 30 años; además de sus icónicas latas de sopa Campbell, el visitante puede adentrarse en una faceta menos conocida y experimental del autor a La Razón que la muestra ha sido tan popular que ha superado las expectativas. Instalada desde el 12 de noviembre pasado, los visitantes podrán admirar desde las clásicas latas de sopa Campbell y las iconográficas reproducciones de Marilyn, hasta colaboraciones de Warhol con Jean-Michel Basquiat y Keith Haring, así como su serie de muerte y desastres, encabezada por 129 die in jet, de 1962, en la que reproduce la portada de un periódico con la noticia del accidente aéreo más grande de la historia de Estados Unidos hasta ese momento, y en el que murió un grupo de artistas que iba a una gira en Europa. De acuerdo con las fichas curatoriales, Warhol destacó desde el principio de su carrera, cuando elaboró dibujos de zapatos e ilustraciones para Time y The New York Times. Abiertamente gay, se rebeló contra el machista expresionismo abstracto de Jackson Pollock y exploró nuevas vetas artísticas. Conocedor del poder de la imagen, Warhol la replica hasta convertirla en un producto cultural y abrió la puerta para nuevas expresiones artísticas. “Muchas décadas antes, Warhol anticipó las creaciones, estilos y formas que hoy dominan el ambiente digital”, concluyó De Salvo.

legado 2018 incluye obras inéditas donadas por la familia Gruen Varsoviano, entre las que destacan cartas, poemas, 55 piezas prehispánicas, 75 fotografías, 79 libros de su biblioteca y 220 objetos personales, como la receta para provocar sueños eróticos, descrita por la artista.

Le dernier Romantique a été enculé par le Maréchal Pétain 1979 Óleo sobre tela Museo de Arte Moderno, México

MUSEO WHITNEY

Fue fundado en 1931. Reúne más de 23 mil piezas de más de 3,000 artistas de EU.

WHITNEY

Ilustración Ismael Flores

Corrección Ricardo Callejas

Ventas Ileana Salinas

Contáctenos Conmutador: 5260-6001. Publicidad: 5262-8170. Diario La Razón de México. Nueva época, Año de publicación: 10

28/12/18 21:02


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