FCITEC
``De la antigüedad a los métodos modernos de impresión``
Materiales y Técnicas de Realización I Aguilar Bustamante Rebecca S. 2020-1
FCITEC
``De la antigüedad a los métodos modernos de impresión``
Materiales y Técnicas de Realización I Aguilar Bustamante Rebecca S. Alma Gloria Moreno 2020-1
Índice
Apartado A ............................................................................................................. 6 Amanuenses y origen de la imprenta. ..................................................................... 7 El grabado y el grabado en mexico ...................................................................... 11 Tintas y sustratos .................................................................................................. 14 Offset ..................................................................................................................... 17 Flexografía ............................................................................................................ 19 Tampografía .......................................................................................................... 21 Hot stamping ......................................................................................................... 24 El papel ................................................................................................................. 26 Impresión digital y Corte de vinil............................................................................ 29 Serigrafía ............................................................................................................... 31 Sublimación…………………………………………………………………………...….34
Apartado B ............................................................................................................ 36 Linograbado .......................................................................................................... 37 Camafeo ................................................................................................................ 40 Huecograbado (Punta seca).................................................................................. 42
Apartado C…………………………………..………………..……………………..... 43 Alberto Durero………………………………………………………………………… 44 Francisco de Goya……………………………………………………………………. 45 M.C. Escher…………………………………………………………………………… 47 José Guadalupe Posada……………………………………………………………. 48 Kathe Kollwitz………………………………………………………………………… 49
Gustavo Dore…………………………………………………………………………. 50 Rembrandt……………………………………………………………………………. 52 Francisco Toledo……………………………………………………………………… 54 Katsushika Hokusai………………………………………………………………….. 56 Taller de Gráfica Popular ……………………………………………………………. 58 Andy Warhol…………………………………………………………………………… 60
Apartado A
Amanuenses Amanuenses y origen de la imprenta. Los amanuenses eran profesionales que, durante la Edad Media, El Renacimiento, y aún mucho después de la invención de la imprenta se destacaron cumpliendo una importante labor cultural, pues eran los encargados de reproducir los libros que transmitían el conocimiento; las cuales era una persona cuya profesión y oficio consistía en escribir o copiar libros a mano. Escribían libros por encargo, copiaban libros antiguos para su conservación, su labor destaca en la difusión de los libros hasta que apareció la imprenta. Tenían gran importancia en la época y eran muy valorados ya que no todos sabían leer y escribir en la época. En sus tiempos se les consideraban
a
estas
personas
como
verdaderos artistas por su forma de escritura con manuscrita, debido a que dominaban el área
de
la
caligrafía
de
una
manera
impresionante. Para ellos el escribir un manuscrito les podía llevar varios meses en terminar. Los utensilios que utilizaban eran los siguientes: Penna (la pluma o péñola), Rasorium o cultellum (raspador), Atramentum (tinta). La técnica empleada era sujetar la péñola con la mano derecha y el raspador con la izquierda, que le servía tanto para corregir los errores en la escritura como para subsanar las irregularidades del pergamino, vitela o papel, este último usado en Occidente a partir del siglo XIV. Con la invención de la imprenta muchos tuvieron que dejar de ser copistas y dedicarse a ser profesores para los niños debido a que en esa época era contada la persona que sabía leer y escribir. La imprenta en China tiene una larga historia, empleando en sus inicios de imprenta en bloques de madera. Los chinos hicieron el libro más antiguo que
existe, el Sutra del diamante, hecho el día 11 de mayo del año 868. Al hablar del origen del libro, tenemos que acercarnos a Mesopotamia y remontarnos a la época de los sumerios para entender de donde nacieron. Los sumerios vivieron en el sur de Mesopotamia, entre los ríos Tigris y Éufrates, desde el 3.500 a.C. ellos también fueron los inventores del primer sistema de escritura: la escritura cuneiforme.
El origen de la imprenta inicio cuando el alemán Johanes Gutenberg, la implanto como la imprenta moderna. Aunque también
sabemos
que
antes
de
Gutenberg se sabía que las primeras impresiones remontan
con a
la
específicamente,
tipos
móviles
antigüedad, a
los
se más
primeros
punzones que se utilizaban para hacer monedas desde el siglo V a.C. en Grecia. Las primeras impresiones de la civilización minoica ellos utilizaban el estilo del estampado para muchos de sus objetos; el famoso disco de Phaistos, el cual fue elaborado con sellos jeroglíficos que se reconoce como uno de los primeros documentos de la impresión de tipos móviles, al cumplir con todos los criterios de la impresión tipográfica. En distintos lugares se utilizó de distintas maneras como en las siguientes partes: los romanos 400 años a.C. utilizaban moldes de arcilla, los chinos fueron los primeros en imprimir en papel, en el siglo XI utilizaban piezas de porcelana para hacer reproducciones y en Europa, durante la baja edad media se utilizaba la xilografía para imprimir carteles y panfletos. Un poco más tarde fue que nació la imprenta moderna pero ahora los tipos móviles en vez de seguir siendo como habían iniciado los chinos con madera, a finales, en el año 1440 aproximadamente, nació la imprenta moderna de tipos metálicos y móviles. Gutenberg lo que hizo fue intercambiar las tablillas
clásicas por moldes de madera con la totalidad de letras del alfabeto que después rellenaron con plomo. El proceso que llevaba la imprenta de Gutenberg, era sencillo se trataba de elaborar pequeñas piezas de metal con una letra o signo en relieve, y a la inversa, para elaborar el texto, sólo era necesario componerlo una sola vez para crear todas las copias y así sacar cantidades grandes de copias de la misma ya acomodada. Más específicamente como era que esta imprenta conocida de Gutenberg era que funcionaba; los tipos estaban compuestos de plomo, que previamente era fundido en un horno, el plomo se vertía en unos moldes con las letras y los signos; Luego se pulían, el compositor se encargaba de introducir los tipos en unas cajas de madera formando columnas, una vez el texto hecho, la composición se entintaba, se trataba de impregnar los tipos con aceite y hollín, esta composición se calcaba en papeles y se dejaban secar y a si era como salían las impresiones.
En el año de 1452 se inicia la impresión de la obra más importante en el mundo de la impresión, la “Biblia de 42 líneas” o “Biblia de Gutenberg”, marcando el inicio de la Edad de la Imprenta. Los Tlacuilos, eran hombres y mujeres instruidos que escribían pintando códices en hojas de corteza de árbol, como el amate, o pieles de venado. Los Tlacuilos trabajaban donde quiera que se necesitara el apoyo de alguien que llevara registros, como mercados, templos, palacios y así era como ellos trabajaban; estos tenían una educación muy privada lo cual los formaban en los secretos de la religión, los rituales, el orden de las festividades, las ciencias del calendario y la astronomía, las matemáticas, la historia y el arte de gobernar, así como a pintar los caracteres, a leerlos y memorizar los textos que los acompañaban. Los tlacuilos tenían un rol fundamental en la
sociedad mesoamericana, ya que eran básicamente los “constructores” de la historia, de los saberes y del destino de los pueblos. Esto cambió profundamente durante la colonización española, ya que se les persiguió como herejes y fueron orillados a abandonar sus prácticas tradicionales.
El grabado
El grabado es una disciplina artística en la que el artista utiliza diferentes técnicas de impresión, que tienen en común el dibujar una imagen sobre una superficie rígida, llamada matriz, dejando una huella que después es pasada por tinta por medio de un dedillo y finalmente será transferida por presión a otra superficie como papel o tela, lo que permite obtener varias reproducciones de las estampas creada la cual la llamaremos matriz, debido a su gran cantidad de impresiones o así también llamada copias que se pueden reproducir a medida de es placa. Esta matriz depende de la técnica que se esté utilizando o material puede ser de metal normalmente usadas (cobre o zinc), madera, linóleo, piedra; sobre cuya superficie se dibuja con instrumentos punzantes, o también llamado gubias o navajas, cortantes o mediante procesos químicos. Actualmente también se utilizan placas de diferentes materiales sintéticos que se pueden grabar de manera tradicional con punzones o mediante procedimientos fotográficos, digitales o láser, pero eso ya más conocido en la época moderna de la era de hoy. La primera civilización en producir originales grabados fueron los sumerios en Mesopotamia, hace 3000 años; tallaban sus diseños en piedras pulidas con forma cilíndrica que luego hacían rodar sobre arcilla blanda dejando la impresión del diseño original, posteriormente en China, tras la invención del papel, en el año 105; surgen las primeras impresiones sobre este material realizadas con matriz de piedra. Europa, los primeros grabadores que se conocieron datan del siglo XIII; la mayoría eran orfebres y plateros, o dibujantes expertos que realizaban grabados sobre metal. En el siglo XV, con la llegada de las técnicas de fabricación del papel, que el grabado en relieve o más bien conocido como xilografía adquirió mayor importancia; las primeras xilografías que se conocen son hojas de calendarios y naipes; producidos en Alemania a comienzos del siglo XV. En Japón el grabado tuvo su auge entre los siglos XVII y XX, en los que se encuentran imágenes paisajísticas, del teatro y de zonas de alterne, realizados
con la técnica del Ukiyo-e, muy conocida una de sus grandiosas obras llamada, la gran ola de Kanagawa como muchas otras.
El grabado nació en la época de las cavernas las cuales iniciaron utilizando huesos grabados que eran figuras grabadas, como decoraciones en cerámica, así como haciendo impresiones con las huellas de los dedos, valvas de moluscos, entre otras. El grabado en metal más antiguo que se conoce, hecho a partir de un repujado en plata del orfebre Tomasso de Finiguerra en el año de 1452, Florencia, Italia; lo cual es conocido como Calcografía. Y fue creciendo el grabado en distintas maneras; también comenzó el grabado gótico con el establecimiento de molinos de papel en varias zonas de Alemania, Francia e Italia en el siglo XV, aparecieron los primeros grabados del mundo occidental, los primeros dibujos, de estilo gótico, fueron tallados toscamente en madera, entintados y estampados; se utilizaron principalmente como: estampas para elaborar naipes, estampas que representaban historias de la Biblia y que la iglesia distribuía a los devotos y libros ilustrados. En el renacimiento de la calcografía en el siglo XVII se perfeccionaron las técnicas del grabado calcográfico en detrimento del xilográfico, que era mucho más difícil de trabajar. En Holanda aparecieron los primeros aguafuertes y puntas secas; el grabado en cobre permitía un trazo ligero, curvilíneo, más parecido al dibujo, y fácil de ejecutar, luego más tarde se convirtió en la técnica de pintores y dibujantes. Luego más tarde el grabado en Alemania Alois Senefelder el cual fue inventor de la litografía, en el año de 1798 cambió las placas de metal por piedra caliza para
aminorar los costos de impresión, el uso de un fluido grasoso hecho de negro de humo, agua de lluvia, jabón y cera que repelía el agua y absorbía la tinta, lo cual fijaba la imagen al papel sin estar invertida en el siglo XIX: Goya, Daumier, Géricault, Delacroix, Odilon Redon, Vuillard, Bonnard, en el siglo XX: Eduard Munch, Emil Nolde, Matisse y Braque y Picasso y a finales del siglo XIX ToulouseLautrec la utilizó en los primeros carteles que se conocen y fue que nació el cartelismo. El grabado en España Goya fue un pintor y grabador, su obra refleja los duros tiempos que vivió, particularmente la guerra de la Independencia y sucesos pasando en la época que le tocó vivir. Goya era uno de los que solía experimentar en sus grabados, distintas técnicas ya conocidas anteriormente; su famosa serie ¨Los Caprichos¨ que fue compuesta por 80 grabadores y refleja una sátira de la sociedad española y sobre todo echa sobre la nobleza y clero. Estos eran los tipos de grabados conocidos; el grabado en relieve, la xilografía, linografía, grabado en plano, litografía, serigrafía, monotipia, grabados en hueso, al buril, punta seca, aguafuerte, aguatinta y algunas técnicas indirectas que se utilizaban.
Tintas y sustratos
Da origen una de las primeras pinturas rupestres creadas por el hombre en sus primeros descubrimientos en las cuevas y en sus paredes rocosas en las cuales se encuentran restos de emulsiones coloridas con las cuales pintaban sus trazos. Se decía en que estas pinturas estaban hechas de extracto de plantas naturales, y hasta llegaron a usar sangre animal. En la época de los egipcios la tinta era utilizada para realizar escritos en papiros o pirámides con una combinación de carbón y óxido de hierro para lograr de otra manera el tono rojizo, la cual era una característica de esta cultura.
México prehispánico Comenzaron a descubrir distintas tintas en las cuales podían encontrar variedad de colores en ellos, insecto y parásito del nopal, los cuales se deja secar en particular la hembra y así era como se obtenía colorantes rojo; el achiote es un árbol que da una semilla de estas obtenían colores rojizos amarillentos; xochipal esta es una flor que tiñe, según los informantes de Sahagún, produce un amarillo fino, aunque también de ella pueden obtenerse rojos o anaranjadas; Flores de la Commelina, yerba del pollo de esta se obtenían y se sacaba el color azul cielo; el heno o musgo cuapascle, este se forma en el árbol quappachtli. se genera el color moreno oscuro o un amarillento oscuro. Cuando se le agregaba un barro llamado palli, surge un color leonado, semejante al café. Tinta china (Sumi-e) es una tinta usada principalmente en caligrafía china, japonesa y caligrafía coreana, en la que se usa más frecuentemente el sumi-e. Posteriormente llegó a Japón durante el siglo XIV en la era Muromachi y se empleó
para realizar pinturas monocromáticas en tinta, las cuales poseían una profunda influencia de la cultura china y que fue propagada por los monjes zen, precursores de la técnica del sumi-e. Es un polvo u hollín que se recoge de los humos producidos
por
la
combustión
de
materias
resinosas, denominado negro de humo, disuelto en agua. No necesita aglutinante, ya que las moléculas
de
carbono
se
encuentran
en
suspensión coloidal y, al secarse, forman una capa resistente al agua.
En la Edad Media se utilizaban dos tipos de tinta negra: la tinta de carbón (una suspensión de carbón, agua y goma) y la tinta ferro gálica (obtenida de agallas de roble). La tinta de carbón se utilizaba ya en el 2500 a. C. mientras que la ferro gálica se empezó a usar a partir del s. III d. C. y fue la que emplearon personajes como Leonardo da Vinci, Johann Sebastián Bach, Rembrandt van Rijn y Vincent van Gogh. Las tintas pigmentadas tienen la ventaja de que cuando se emplean sobre papel, permanecen sobre la superficie aplicada, característica deseable, porque cuanta más cantidad de tinta queda sobre el papel se necesita menos cantidad para obtener la misma intensidad de color. Los colorantes son generalmente mucho más fuertes y pueden producir más color de una densidad dada por unidad de masa porque el tamaño de partícula es menor que el de un pigmento.
La tinta en México 1943. La invención de la tinta indeleble, esto surgió a medida de que Filiberto Vázquez Dávila fue el invento de esta debido a la ley que a todos los votantes se les tenía que marcar el dedo pulgar para poder identificarlos, las personas que ya habían votado y así tener un control para que restas no volvieran a botar; y por esa razón fue la invención de esta tinta indeleble la cual no se puede eliminar con ninguna sustancia, por la razón de que esta tinta hace una reacción química con la piel para que esta no sea eliminada después de días.
Offset En la historia hemos conocido muchos métodos de impresión, hay uno llamado offset conocido como un método de impresión también, también reproducción de documentos e imágenes sobre distintos soportes, el proceso es simple, aplicar tinta sobre una plancha metálica, un proceso parecido al de litografía, pero la manera de funcionar es lo interesante, ya que este ha sido el método de excelencia a la hora de imprimir sobre papel y es un punto favorable a la impresión digital. Trabaja de la siguiente manera, directamente el papel no pasa a la plancha, si no que a un caucho y de ahí al soporte final como ya lo hemos visto, esta técnica maneja una buena flexibilidad que hace que la tinta sea capaz de impregnarse en las posibles superficies con texturas irregulares, lo cual nos da mayor calidad. El desarrollo de la imprenta offset se dio a través de dos inventores, en distintos lugares del mundo: En 1875, por el inglés Robert Barclay, quien desarrolló una versión para impresión en metales (estaño), en 1903 por el estadounidense Ira Washington Rubel, para la impresión sobre papel. La litografía offset, una variante indirecta de litografía, se descubrió a través de un accidente cuando la plancha imprimía la imagen sobre una superficie de caucho y el papel entraba en contacto con esta, la imagen que el caucho reproducía era mucho mejor que la que venía de la plancha directamente. Cuando se trabajó con esta idea de pasar indirectamente la imagen de la plancha a una base de caucho, también conocida como mantilla y de ahí al papel, se empieza a imprimir sobre papeles de peor calidad, y a un precio mucho más económico de lo normal, que esto fue lo que realmente impulso de cierta manera el uso de esta técnica, a partir de este momento se comienza a usar como el nuevo método tradicional para la imprenta comercial.
En 1798, se inventa esta técnica, en el año 1904 la técnica de la litografía y en el mundo de la impresión, llega a su punto máximo con el desarrollo de la impresión en offset, esta técnica nace de dos técnicas por forma independiente, por un simple accidente. Como ya lo mencioné esta técnica se trabaja en una superficie plana, lo que se imprime no es la zona del relieve de la plancha, conocida como rehundidas también conocido como huecograbado. Las zonas de impresión son los lugares donde ha quedado la emulsión tras poner la plancha al revelado posterior a un proceso similar al positivo fotográfico, en el que el negativo sería el fotolito, y el papel, la plancha. Dependiendo el cuerpo de las maquinas es el color que podrá imprimir, por ejemplo 5 cuerpos 5 colores. Esta técnica de impresión como todas tiene sus ventajas y desventajas, algunas de sus ventajas pueden ser que está abierta a distintos formatos de papel y la variedad de papeles, a una réplica exacta de la imagen a imprimir, también que es un proceso de preparación rápido y sencillo. Se sabe que este proceso es popular por ser económico para proyectos de tiradas medias, aun también puede funcionar en largas tiradas. Con esto vienen desventajas también, puede existir un exceso de tinta, el barniz puede traspasar el pliego de papel, una que ya conocemos es que el usar agua en el proceso de impresión, con la dificultad que esto conlleva para mantener el mismo color durante toda la tirada, aunque con las nuevas soluciones de mojado (agua-alcohol) y demás, el uso del agua ha dejado de ser un problema. Un claro ejemplo de cómo fue avanzando este método se puede ver a través de los anos, como es el caso del comienzo del año 1900, donde se utilizó técnicas manuales de litografía sobre piedra y zinc. Un proceso cuidadoso y delicado, que es parecido a algo que ya hemos trabajado, se prepara la superficie mediante soluciones acidas, de ahí se pule y se le pone polvo de piedra pómez, para con esto conseguir lo necesario y lograr el proceso deseado, con esto llegamos al primer proceso de fotomecánico de copia, en negativo con albumina-dicromato y en positivo con soluciones de goma arábiga dicromática.
Flexografía
Es el sistema directo de impresión rotativa que trabaja aplicándose en planchas flexibles, en alto relieve, que aplican el molde de la imagen directamente de la plancha a cualquier tipo de sustrato. Para empezar a trabajar con este método se trabaja con la elaboración del cliché, los procesos necesitan mucha paciencia, se prepara el cliché flexible mediante un tratamiento de luz UV, ya que es material que este material del chicle es fotosensible. También se elabora a partir de un espejado altamente contrastado de la imagen, que se coloca sobre el material fotosensible. El proceso del espejado y la luz UV modelan el cliché creando zonas de alto relieve en la superficie de este. Se lava el cliché con cepillos y un solvente para retirar el material no expuesto. El proceso de impresión es más complicado de lo que uno piensa, las planchas o la plancha que va a llevar el diseño para imprimir llevan la imagen en forma invertida. Las zonas a imprimir estarán en relieve. Hay que tener cuidado en que la plancha este perfectamente y se ajuste bien al cilindro o porta planchas y se engancha al sistema. El sistema se debe ajustar también al cilindro de cerámica o acero donde se aplica la tinta y la diseminara a través de sus huevos. El proceso de este cilindro es girar y entrar en contacto directo con la plancha y proporcionarle las tintas en la zona de relieve. El proceso continuo con la plancha entintada entrando en contacto con el material que imprime. Todo esto en función permite que mediante este simple sistema se imprima un color, para la impresión de varios colores se harán necesarios más cuerpos que desarrollen el proceso progresivamente. Ahora entendiendo el proceso que existe también debemos tener noción de las tintas utilizables, son de base alcohólica o acuosa, caracterizadas por una gran rapidez de secado. Los principales tipos de tintas flexográficas utilizadas son las tintas base solvente, las tintas bases de UV. Estas tintas flexográficas son translucidas, cuando se imprime una tinta encima de otra, el proceso hace que los colores se sumen y no los tape. Para lograr darles
opacidad se le da un base de impresión con tinta blanca. Se componen de resinas, materias colorantes, disolventes y aditivos al igual que otras tintas. Como todo proceso o técnica tenemos pros y contras, los pros pueden ser que las placas flexibles se adaptan a superficies desiguales, también que se pueden imprimir sobre una gran variedad de sustratos o soportes y que la forma impresora(fotopolímero) resiste grandes tiradas Banda ancha: 10,000. Uno de los contras de este método es que genera efecto squash, perjudicando la entonación y el ajuste de color, también para mantener un nivel de calidad elevado debe mantenerse un estricto control, si no el color puede ser desigual y la impresión puede tener halos o zonas desiguales, las características del chiche y los sustratos hacen que las lineaturas y tamaños mínimos de tipografía reproducibles sean más limitados que en procesos como el Offset o el huecograbado. Como bien se sabe las aplicaciones para esta técnica son muy útiles para casi cualquier mercado comercial,
generalmente
los
impresos
sobre
embalajes y etiquetas, que como se sabe son sus dos principales aplicaciones (véase imagen 1)
Como ya lo hablamos anteriormente, en el mercado existen variedad de máquinas, desde uso industrial y gran seguimientos, hasta maquinas más básicas y pequeñas.
Tampografía Es un proceso de reproducción relevantemente joven. Este consiste en una plancha metálica o plástica, la cual se reviste de una emulsión foto sensible, donde es que se graba la imagen por medio de un proceso químico, en el cual se forma un huecograbado, la cual es cubierta la placa de tinta y barrida por una cuchilla y a si posteriormente un tampón de silicona el cual es presionado sobre el grabado de la placa lo cual recoge la tinta del huecograbado trasportándola a la pieza o superficie que quiere ser impresa por contacto. Este tipo de sistema es actualmente muy utilizado para el marcaje de variedad de piezas industriales y publicidad. A si fue como inicio la tampografía, a mediados de los años 60 y principios de los 70s la tampografía se introdujo en la industria relojera suiza, como respuesta a sus necesidades. Fue gracias a la creación de una fabricación de una maquina tampografía manual a cargo de Pierre Schmid. Al principio de la creación de esta máquina echa para relojes en vez de ser utilizada con tampones como anteriormente mencionado que era como se utilizaba, esta máquina se utilizaba tampones de gelatina, cuya función principal era el cuidado y precisión para no maltratar los relojes, el cual ayudaba a disminuir los costos de fabricación y tiempo de decoración de los mismos. Antes de haber sido hecha esta máquina tampografía los relojes eran impresos o elaborados de manera artesanal y manual remontándose fundamentalmente a la teoría de impresión China desde hace 800-1000 años. Este proceso de impresión tiene unos cuantos elementos básicos de proceso: El cliché: La cual es llamada también placa. El diseño es grabado en una placa metálica. El grabado en el cliché es entintado, dependiendo del tipo de maquina será echo o con la espátula, o por el tintero cerrado; mientras eso ocurre el tampón se moverá en dirección de la placa o llamado cliché.
Trasferencia de la imagen: Después de a ver entintado el cliché, la cuchilla recoge el exceso que allá quedado de tinta y el tampón se pone sobre la placa del huecograbado y recoge la tinta de la imagen grabada. La impresión: El tampón aplica la tinta sobre la superficie e imprime la imagen que fue grabada. En la placa el cliché o placa de tampografía que se quiere imprimir se debe grabar sobre un cliché que son placas metálicas de acero o recubiertos de polímeros. El hueco grabado se lleva a la exposición de rayos UV. Al elaborar el cliché primero que nada tenemos una exposición de respaldo la cual se coloca de fotopolímero sobre la cama de la unidad de exposición con el respaldo de poliéster trasparente hacia las lámparas de exposición de luz UV la cual crea una capa de polímero endurecido que se convierte en el respaldo o piso de la placa. Entre más larga sea la exposición más gruesa será el respaldo. Y como segundo la exposición frontal, la cual se coloca la placa una vez más de fotopolímero sobre la cama de la unidad de exposición con la cubierta protectora hacia las lámparas. Se retira la cubierta, se coloca en los negativos sobre el fotopolímero y se aplica un cobertor que permite un firme contacto entre la plancha y los negativos, generándose un falso vacío. Las tintas tomográficas son tan versátiles como el resto de todo el proceso, las cuales pueden conseguirse de distintas marcas pero que sea determinada para distintos sustratos. Los silicones o también llamados como tampones que se encargan de imprimir la tinta en el sustrato para trasferir el sustrato a donde decíamos imprimir. La tampografía en la actualidad ha sido tan impresionante que ha tenido un impulso máximo en las últimas décadas, cada vez van sumando los sectores industriales que han recorrido a este tipo de impresión. Un dato importante investigado como dato curioso y trasladándonos a la realidad. Una de las empresas existenciales no comenta y nos hace saber que uno de los métodos o una de las técnicas de marcaje más utilizadas en los talleres de Evalcris es la tampografía. Se trata de una técnica moderna empleada para la reproducción
de diseños o logotipos en superficies muy pequeñas o con cierta curvatura. El cual explican el proceso de producción de la tampografía de una manera entendible.
Hot stamping Técnica creada para la impresión por transmisión termina, su uso se caracteriza en su función por medio de pigmentos transferibles por el calor. En caso de usar rollos pigmentados o metalizados estos poseen una pigmentación de alta resolución que permite su traspaso en temperaturas que van de los 100°C a 300°C. El origen de esta técnica data del siglo XIX, donde inmediatamente se convirtió en la principal forma de ilustrar libros o grabados en cualquier tipo de obras. La primera patente fue de estampado en 1892, hecha por un alemán de nombre Ernst Oeser. Durante un tiempo esta técnica se mantuvo únicamente en áreas de tipo literarias, utilizando comúnmente en superficies como el papel o cuero. En el sigo XX empezó la expansión de la técnica de estampado sobre diversos tipos de superficies, llegando a ser la principal técnica usada. Era reconocida por ser más segura ya que no resultaba toxico su proceso ni uso y eso era una gran ventaja para quienes trabajan con el como para el mundo en el medio ambiente. El extenso tipo maquinas empleadas para esta técnica hace muy simple el utilizarla la misma ya que satisface las múltiples necesidades de producción y así muchos tipos de ramas de negociantes pueden hacer uso de estas desde automatizadas para líneas de alta producciones que permiten aplicar la técnica a un gran número de objetos como imprentas grandes y negocios mayorista, hasta por poca producción como maquinas manuales. Algunas de las formas más conocidas en el área de producción pueden ser los cuños, que son el diseño de logo o texto sobre un relieve de forma inversa o ilegible en la cual se ve como el diseño es transferido al material como magnesio, bronce, aluminio y polímero entre otros materiales altamente transferibles de calor.
También el Foil compuesto por capas de adhesivo activado por calor, aluminio, resina y film de poliéster. Su fabricación es en rollos y se transmite el proceso igual en altas temperaturas. Al introducirse en la maquina el foil prensa entre la placa y el papel, se adhiere la cara del material sobre el papel del cunó diseñado y se plasma. Los componentes de este proceso, un yunque que este generalmente hecha de una goma dura, hoja de papel rollo que es la tinta de operación de estampado caliente, el sustrato, una amplia variedad de sustratos tiene el mismo efecto en la estampación en caliente como lo hace en la impresión, el tronque de estampación en caliente es una placa grabada donde las áreas de no impresión se alivian. Este proceso simplificado es algo como: Calor más presión, más tiempo da igual a una lámina de folio de transferencia, esta se transfiere al sustrato cuando un troquel caliente obliga a la lámina sobre el sustrato contra el yunque. Existen muchos tipos de máquinas como ya lo hablamos anteriormente, comúnmente las empresas pequeñas y medianas usan maquinas estilo de; Accionamiento manual, estampación de la máquina, también papel de aluminio estampado neumático de la maquina y maquinas Foil Fuser. Las de gran tamaño y producción son: La categoría Web y alimentado de hoja de estampación o el repujado de la máquina. Son muy variables las aplicaciones de la impresión térmica, y se resume en que es posible estampar lo que sea en la superficie que se desee. El Hot Stampingtiene utilidad en los estampados de cajas, invitaciones, folletos o flyers, cualquier tipo de ilustración o grabado en estampados en libros, estampaciones de revistas, catálogos y muchos tipos de publicidades.
El papel El papel es un material que se presenta como una lámina fina o delgada, hecha de pastas de fibras vegetales o de otros materiales molidos, obtenidas de trapos, madera, paja y entre otras; lo cual es molido y mezclado con agua, finalmente secado para que esta sea endurecida y utilizada a lo que le llamamos papel, lo cual utilizamos para una variedad de actividades como escribir, dibujar, envolver entre otras. El papiro es una planta originaria de Egipto, donde en el imperio de la antigüedad usaba esto como su lámina de soporte para la escritura. Esta era una planta la cual daba hojas muy estrechas y ceñas de más de dos metros de altura, las cuales terminaban en un penacho en forma de espiga con flores pequeñas y verdosas; esta planta es conocida como Cyperus papyrus y esta crece en la zona del rio Nilo en Egipto.
Planta de papiro
Hojas de papiro
La producción artesanal del papiro en Egipto, parte de la cosecha de los tallos de la planta de papiro de los cuales se extrae la médula, la que se corta en largas tiras que son golpeadas y sumergidas en agua por tres días hasta que adquieran flexibilidad. Una vez concluido el paso anterior las tiras se cortan del largo deseado y se las coloca sobre una sábana de algodón de forma superpuesta cruzando tiras horizontales y verticales, sobre estas se coloca nuevamente una sábana de algodón. Seguidamente se prensan para que el algodón absorba toda la humedad de las plantas. El último paso consiste en presionar todas las tiras de papiro para formar una sola hoja de papel. Y a si era como ellos obtenían sus hojas en la antigüedad.
Los orígenes del papel, las primeras muestras de papel como ya sabemos inicio en China aproximadamente hace 200 años a.c y estos eran realizados con seda o lino, pero eran difícilmente aquellos papeles utilizados para la escritura. En Europa se utilizó material que fue de gran importancia y de gran trascendencia y este fue el pergamino era un material, el cual era elaborado con la piel de animales. En la actualidad se han al cansado o implementado otros niveles de producción, como Estados Unidos y Canadá uno de los mayore productores de papel mundialmente en la actualidad. Elaboración del papel. 1. Se talan árboles con diferentes tipos de fibras, tanto resinosas como frondosas. 2. Para preparar la pasta se cortan los troncos en rollizos de 2 - 2,5 m. Una vez hecho esto se introducen en una máquina cilíndrica con cuchillas en su interior que se encarga de descortezarlos, dejándolos limpios y preparados para el proceso de astillado 3. Tras el astillado de la madera se procede a la realización de la pasta según la que se desee obtener ya sea mecánica, termo mecánica, química o químico termo mecánica. 4. Se lleva a cabo la depuración, que, dependiendo del tipo de fibra necesitará unos u otros tratamientos. 5. En la tina de mezclas se realiza la formulación del papel, añadiendo fibras,
cargas y aditivos que se precisen. Esta mezcla pasa a una tina de reserva y a veces se da un nuevo refinado. 6. La caja de entrada regula la pasta de acuerdo con parámetros como la densidad, la consistencia y el caudal, homogeneizándola para luego, pasar a la mesa plana a través del labio que posee la caja de entrada. 7. Una vez la pasta está distribuida sobre la mesa plana comienza el proceso de desgote. Se utilizan distintos mecanismos de desgote empezando por los rodillos desmotadores que soportan la tela y ayudan a eliminar el agua. 8. Inmediatamente después de la tela el papel pasa por las prensas, donde se consolida la hoja forzándola a un contacto con el rodillo. La humedad se queda en los fieltros y el papel pasará posteriormente por la saquería. 9. Una vez hecho el papel, se puede aplicar una salsa de estuco que ennoblecerá su acabado y lo dotará de mejores condiciones de imprimibilidad. 10. Una vez hecho el papel, se puede aplicar una salsa de estuco que ennoblecerá su acabado y lo dotará de mejores condiciones de imprimibilidad. El papel en México La fabricacion de celulosa y de papel en mexico se remotaron alrededor del año 500 d.C, la cual fue elaborado conforme a un proceso el cual la corteza era ablandad a base de golpes y posteriormente tratada con agua y cal para remover la sabia formando hojas sobre tabals planas que se dejaban secar al aire, para despues ser desprendidas y asi emplerlas como papel. México es uno de los paices mas eficientes en la elaboracion de papel a partir del resiclaje, aproximadamente el 83% de la celulosa probienee del carton, las papleras han hecho un gran esfuerzo para poder ser menorer en contamintes en mexico.
Impresión digital y corte de vinil. Hablar de Impresión digital es hablar de la metamorfosis en la era creativa. Este mecanismo ha permitido la evolución de trabajos algo meticulosos. Ahora con ayuda de la tecnología, se han implementado formas de hacer el mismo trabajo de forma más eficaz en un tiempo menor. La impresión digital, este es un proceso que consiste en la reproducción de manera directa de un archivo o documento electrónico a papel, o a cualquier otro tipo de material. Existen muchos métodos, pero el más común es el de tinta en impresora de inyección por cartuchos, o por medio de tóner, en el caso de maquinarias láser. Este método fue desarrollado en 1993 gracias al lanzamiento de la primera impresora digital llamada Índigo. Esto significó una transformación para la industria, pues por primera vez el público podía obtener impresiones de calidad en corto tiempo y sin requerir de tantas copias. El nombre de la serie de impresoras viene de una compañía fundada por Benny Landa en 1977 para crear la copiadora más rápida del mundo. Este descubrió eventualmente que la tinta de su aparato, llamada Electroink, podía ser también usada en impresoras. Esta usaba pequeñas partículas de color suspendidas en el aceite para procesamiento de imágenes conocido como Isopar, las cuales podían ser atraídas o rechazadas por un diferencial de voltaje. Así, la tinta formaba una delgada y suave capa de plástico en la superficie del papel. Corte de Vinil Se considera corte de vinil cuando se trabaja con material vinílico ya sea de color, reflejante, metálico, esmerilado, brillante o mate. El corte se realiza con plotter de corte y consiste en enviar a través de un software vectores con los patrones de corte, estos mismos deben de estar a medida del área donde serán colocados. El corte en vinil puede ser usado para rotular vehículos, habitaciones, oficinas, señalizaciones y señalética, cajas de luz o anuncios luminosos, ya que su durabilidad es extensa además de ser resistente a exteriores.
Herramientas utilizadas para la elaboración de impresión en vinil. Plotter: El plotter o trazador gráfico, es un dispositivo de impresión y corte de alta precisión; el cual está diseñado para alcanzar tamaños superiores a metro y medio y pueden llegar a representar toda la paleta de colores. Vinilo: Esta es una lámina plástica de PVC o poliuretano, a la que se le aplica un adhesivo en una de sus caras, el cual se protege con un papel siliconado para que este no se pegue.
Papel transfer o trasportador: Este es un tipo de papel que es utilizado sobre todo para estampar diseños o ilustraciones en prendas. Permite transferir el vinilo o grafismo ya descartado a la superficie final. Programa de corte de vinilo: Es un software que nos va a permitir el enlace con el plotter, y así poder obtener los cortes precisos; desde este programa enviaremos la ilustración o el diseño a cortar. La mayoría de ellos a parte de la función de corte están especializados como programas de diseño de gráficos vectoriales. Proceso de Elaboración Primero se debe tener la imagen o ilustración vectorizada. Ya que en esas líneas del vector es por donde la cuchilla del plotter va a cortar el vinilo; Luego que tenemos el diseño o el arte final, se procede a ajustar todos los lineamientos en el plotter. La mayoría de los plotters disponen de un ajuste de presión de corte, este ajuste dependerá del tipo de vinilo a utilizar y de las micras de espesor, a más espesor mayor presión de corte; los vinilos de fundición son entonces los que requieren menos presión de corte, los plotters llevan un sistema de test; y hacen un pequeño corte de prueba para así llevar un corte perfecto al cortar; depende del material a cortar, para saber el número en gramos que hay que seleccionar, el vinilo se descarta dejando pequeños puntos de unión que la cuchilla no ha llegado a cortar. En el vinilo cortado, se hace un pequeño recorte con tijera o cuchilla alrededor del diseño para minimizar el mismo vinil y papel transportador si se desea, se quita los espacios que no se usan en el diseño dejando únicamente las partes del diseño. Para cuando ya está el diseño, el papel transfer o transportador se pasa sobre el mismo. Se coloca sobre el transportador para adherir el vinilo al lugar u objeto.
Serigrafía. La serigrafía es una de las técnicas de impresión más conocidas, la más utilizada por las empresas para imprimir diseños en productos de distintos tamaños y materiales. En el sector comercial y artístico se utiliza desde hace más de 100 años y se implementa, principalmente, para imprimir imágenes y diseños en las camisetas, bolsas de tela, papel, madera, cerámica y otros materiales. Hay diferentes tipos de serigrafía, dependiendo del objetivo y el proceso de impresión utilizado. Entre ellas, se cuenta con la serigrafía gráfica, la artística o la serigrafía textil. Historia de la serigrafia. La serigrafía es un sistema de impresión la cual se dice que es milenario; Si bien se remonta a la antigua China, en la que según una leyenda utilizaban cabellos de mujer entrelazados a los que les pegaban papeles, formando dibujos que luego se laqueaban para que quedaran impermeables. Posteriormente se cambió el material por la seda, de ahí proviene su nombre: sericum (seda, en latín) graphe (escribir, en griego).
Los nativos de las Islas Fidji hicieron algunas de las plantillas más antiguas que se conocen, para imprimir tejidos. Recortaban agujeros en hojas de plátano y a través de éstos aplicaban tintes vegetales sobre cortezas y telas En la antigüedad se fabricaban unas calcomanías que se aplicaban en los artículos de uso diario, platos, vasos, etc. En Europa se utilizó para imprimir telas, en lo que se llamó "impresión a la lionesa", por ser el lugar en donde se aplicaba este sistema. Las primeras serigrafías sobre papel, carteles publicitarios aparecen en Estados Unidos sobre 1916 con una nota pendiente de concesión. Guy Maccoy fue el primero en utilizar la técnica de la serigrafía con fines artísticos. Realizó sus dos primeras serigrafías en 1932; tiró aproximadamente 40 copias de cada diseño. En 1938 tuvo su primera exposición individual, la primera de serigrafías en una galería. Es en Estados Unidos, y con el auge de la fotografía y los productos químicos, donde toma un impulso espectacular; por ser un método muy versátil para poder imprimir en muchos materiales y a si darle un nuevo impulso al mundo de la serigrafias y sus grandes aportaciones que hacía. Ahora en la actualidad la serigrafia es algo muy utilizado lo vemos en cada prenda de ropa, crear señales, producir marquesinas publicitarias, fabricar calcomanías y decorar cristales, y aun también nos permite reproducir obras de arte.
Materiales y método. Para realizar una impresión por serigrafía, se usan distintos materiales. Para empezar, se crea la trama de impresión, es decir, reproducir el diseño en una plancha para que traspase la tinta.
Se coloca el marco en la camiseta y con la ayuda de una espátula se filtran los colores es decir que se usa una capa para cada color, hasta un máximo de cuatro colores. Siempre que se aplica una capa con la tinta de la trama, se deja secar y luego se puede utilizar para una nueva aplicación. Este sistema permite repetir el proceso con toda precisión y rápidamente salen una cantidad del modelo de la misma si así lo decíamos, debido a que se pueden crear un modelo de placa y a si la impresión puede repetirse cientos de veces sin perder calidad y definición de impresión, sin tener que hacer todo el trabajo desde el inicio. A pesar de su artesanía en los últimos años, la serigrafía se ha modernizado, maquinaria y tintas de hoy disponibles le permiten obtener resultados en la calidad extrafina.
Sublimación. Dentro de la industria de la publicidad e impresión, es el término adoptado para referirse al hecho de transferir imágenes de un medio a otro, que por lo general son figuras impresas en un papel especial a cualquiera de los productos diseñados para recibir la imagen transferida. Estos elementos publicitarios pueden ser telas (textiles), cerámica (tazas, platos, vasos), metal (vasos, placas, distintivos), plástico (colores, llaveros, acrílicos, tazas), vidrio (vasos, laminas, tazas) entre otros. En la década de 1970, las computadoras todavía estaban dando sus primeros pasos. En esta época, hay un nombre que se dice que destaca y que es reconocido mundialmente como el “padre” de lo que hoy conocemos como la sublimación de imágenes computarizadas. Se trata de Wes Hoekstra, fue él quien llevó a cabo el desarrollo del primer sistema de sublimación por computadora, lo que lo llevó a ser conocido como su creador. Tras la invención de la impresora electrostática, tanto las copiadoras a color como las impresoras láser empezaron a hacer uso de cartuchos de tóner para poder transferir tintas de colores. Se debe tener en cuenta que, en sus comienzos, el sublimado no apareció como una técnica de impresión. Por el contrario, se lo considera como un producto de evolución, que luego de un estudio sobre la sublimación del agua se presenta en modo natural. Como imprimir este método. El proceso, en líneas generales, se compone del diseño de una pieza gráfica a través de una computadora, con programas específicos para el diseño, creas un diseño ya sea propio o de algo que nos guste. Es muy importante tener en cuenta que cuanto más personalizado sea el diseño, mayor será el valor agregado que
acabará teniendo el trabajo. Posteriormente, se debe imprimir el diseño realizado en un papel que es apto para la realización de la transferencia de la imagen. En este punto, es muy importante tener en cuenta las diferentes partes que intervienen en este proceso: la impresora, la tinta y el papel que se va a usar. Con la impresora cargada con tintas de sublimación, imprimir en papel transfer o papel de sublimación, antes de esto debemos estar con nuestro diseño bien pulido y listo para pasar a la impresión, la impresión se tendrá que hacer al revés (en espejo), colocar en la Prensa Térmica el objeto a sublimar, colocar sobre el objeto la impresión, cerrar la prensa térmica y aplicar la presión y temperatura adecuada y una vez prensado, se retira el papel y el objeto de la Prensa Térmica Quedará una imagen con colores vivos y de alta definición.
Apartado B
Linograbado La linografía es un estilo de grabado el cual se hace en relieve cortando el deseño con unas navajitas llamadas gubias, y al ser terminado entintarlo, preparando la tinta con un rodillo hasta que esta hace una textura como terciopelo y aplicamos en la placa que se le conoce matriz y pasamos por una prensa colocándolo arriba una hoja y hacemos pasar estas dos por el rodillo de la prensa y así obtenemos una impresión de nuestro diseño en linografía.
(Matriz)
P/E
P/A
Camafeo
El camafeo este es elaborado por medio de dos placas en alto relieve las cuales se les coloca tinta con un rodillo y primero se imprime una de ellas y ya que es pasado por la prensa se saca la hoja impresa y se pone a secar para luego tomar la misma e imprimir arriba de ella con la síguete matriz y así conseguir una impresión con dos colores o más.
(Matriz)
Materiales para la elaboraciรณn de grabado e impresiรณn. Gubias
Linรณleo
Tinta
Huecograbado (Punta seca) El huecograbado es un sistema de impresión normalmente en un cilindro grabado como dice la palabra en hueco en pocas palabras haciendo hueco; vuestra elaboración de este sistema de impresión fue realizado en una placa de poliestireno, elaborando un diseño, el cual se pasa arriba de la placa de poliestireno con una herramienta llamada punta seca o bien también utilizando la gubia plana # 6 para rayar y hacer el hueco lo cual es traspasado por líneas; una vez hecho esto se le aplica tinta entre los huecos una vez llena de tinta se limpia lo de su alrededor y se pone en la prensa para que pase por el rodillo a presión con la hoja que quiere ser impresa.
(Diseño)
(Placa de Poliestirenos)
(Gubia con punta plana)
Apartado C
Alberto Durero Alberto Durero nació el día 21 de mayo de 1471 en Nuremberg, Alemania; fue sin duda la figura más importante del Renacimiento en Europa septentrional, donde ejerció una enorme influencia como transmisor de las ideas y el estilo renacentistas, a través de sus grabados. Durero se inició al mundo del grabado a causa de posiblemente sus necesidades económicas, y a partir de ahí, la producción de grabados del artista acompaña toda su carrera hasta el punto de situarlo en la cumbre absoluta de la historia de las estampas antiguas. Como Rembrandt y Goya, Durero consideraba el grabado un arte autónomo, no subordinado a la pintura, y para él desarrolló técnicas pioneras y temas. Los grabados realizados, no hay que olvidarlo, gracias a la presencia de excelentes tipografías en Nuremberg, están en el origen de la notable difusión del arte de Durero. Afortunadas series de estampas, como la Vida de María, la Gran Pasión sobre cobre, fueron estudiadas por pintores de diversas naciones. Se formó en una escuela latina y recibió conocimientos sobre pintura y grabado a través de su padre, orfebre, y de Michael Wolgemut, el pintor más destacado de su ciudad natal. Después, realizó un viaje de estudios para ampliar su formación y conocer a otros artistas. Fue a Colmar con la intención de entrar en el taller del pintor y grabador alemán Martin Schongauer, pero el maestro había fallecido. Se dirigió a Basilea y a Estrasburgo, donde realizó ilustraciones para varias publicaciones. Y final mente regresa a Nuremberg en 1494, ese mismo año marchó a Italia y visitó Venecia, conoció la obra de Bellini, Mantenga y Pollaiuolo. El viaje duró dos años, pintó castillos, paisajes y panorámicas, apuntes que después empleará en sus obras. El artista se había formado en un entorno influido por la escuela flamenca y la tradición gótica alemana, pero al hacer su viaje a Italia le permitió asimilar y ver más allá de los postulados artísticos del Renacimiento italiano y allí despertó su interés por la geometría y las proporciones matemáticas. De regreso a su tierra Nuremberg, Durero comenzó con el estudio de las matemáticas y de las proporciones humanas. El dominio de la xilografía y el grabado hicieron que su fama fuera asentándose y que elabora un gran número de obras. Final mente fallece en Núremberg en 1528.
Francisco de Goya Francisco de Goya nació el día 30 de Marzo de 1746 en Fuendetodos, España; fue uno de los más grandes artistas de la historia. Siempre innovador, consiguió adelantarse a todos y cada uno de los movimientos pictóricos que aparecieron en Europa, desde el romanticismo al surrealismo, pasando por el impresionismo y el expresionismo. Es por ello considerado el Padre del Arte Contemporáneo. Simultáneamente, Goya empezó a pintar retratos y obras religiosas que le dieron un gran prestigio; En 1785 se convierte en pintor del rey Carlos III y en 1799 en pintor de cámara del rey Carlos IV. Inicia grandes retratos, La marquesa de Solana o La Duquesa de Alba, que culminarán en La familia de Carlos IV. Goya trabajó como retratista no sólo para la familia real, sino también para la aristocracia madrileña, y de hecho entre estos retratos. Goya vivió entre dos épocas históricas, el Antiguo Régimen, con las monarquías absolutas y los estamentos privilegiados y el Régimen Liberal, nacido de los principios revolucionarios franceses, con la exaltación de las clases medias y la soberanía popular. La Guerra de la Independencia en 1808, intensificó su veta pesimista y crítica. La relación entre artista y sociedad en Goya será evidente. Lo que ve en la guerra no es la lucha entre dos frentes, sino la violencia y la crueldad, la miseria humana, el aplastamiento del inocente, la desolación y el exterminio. Su estilo evolucionó desde el rococó, pasando por el neoclasicismo, hasta el prerromanticismo, siempre interpretados de una forma personal y original y siempre con un rasgo subyacente de naturalismo, del reflejo de la realidad sin una visión idealista que la edulcore ni desvirtúe, donde es igualmente importante el mensaje ético. Goya es una de las grandes figuras del grabado, no sólo por razones técnicas sino también por razones temáticas. Nuestro artista domina todas las técnicas de grabado de su época: el aguafuerte, la aguatinta, la punta seca, llegando a converger varias de estas técnicas en una misma estampa. En 1825, con setenta y nueve años, experimenta con una técnica nueva: la litografía. Pero su genialidad estriba en la completa compaginación y perfecta adecuación de la técnica con el contenido.
El grabado es la válvula de escape de los pensamientos y sentimientos de Goya. Es la forma más directa y democrática de conectar con sus contemporáneos, con lo que logra sacar al grabado del anquilosamiento que sufría en el siglo XVIII.
M. C. Escher Maurits Cornelis Escher nació el día 17 de junio de 1898 Leeuwarden; es uno de los más grandes artistas gráficos del siglo XX. Escher en su época era malísimo para la escuela tuvo que repetir año, y su clase de importancia y desempeño era la clase de dibujo. En 1919 comenzó a estudiar en la Escuela de Arquitectura, pero abandonó sus estudios. A cambio, comenzó a aprender la técnica del grabado en madera o xilografía de Samuel Jesserun de Mesquita, su maestro, que utilizaría posteriormente en muchas de sus obras. Vivió en distintas ciudades y por los desagradables climas políticos que se le presentaban. Hasta 1951 vivió básicamente dependiendo económicamente de sus padres. A partir de entonces fue cuando comenzó a vender sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de las litografías y grabados por encargo. También hizo por encargo diseños de sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera. En cierto modo le resulta gratificante y a la vez fácil, y se admiraba de tener en su taller una especie de «máquina de fabricar billetes» reproduciendo sus propias obras. Hasta 1962 su producción de trabajos fue muy constante. Entonces cayó enfermo y eso supuso un pequeño parón transitorio. En 1969 realizó su último trabajo original, Serpientes, que demostraba que su habilidad seguía intacta. Hacia 1970 ingresó en una residencia para artistas en Holanda, donde pudo mantener su propio taller. Al final de su carrera destruyó algunas de las planchas para que no se realizaran más reproducciones de originales. Falleció el 27 de marzo de 1972. Y hasta hoy en día existen estudios y borradores de muchas de sus obras, también varias versiones de algunas de ellas. Muchas de sus obras se vendieron masivamente poco después de su muerte y están esparcidas por el mundo. Un grupo importante está expuesto de forma permanente en el Museo Escher en La Haya, Holanda.
José Guadalupe Posada José Guadalupe Posada nació el día 2 de febrero de 1852 en Aguascalientes; fue un grabador, ilustrador y caricaturista mexicano. Célebre por sus dibujos de escenas costumbristas, folclóricas, de crítica sociopolítica. Posada manifestó una facilidad innata para la caricatura, de tal modo que su mentor logró introducirle en el mundo del periodismo y de la prensa gráfica como dibujante, y logró publicar sus primeras viñetas en el periódico como, El jicote en 1871. Ganó una plaza de maestro de litografía en la Escuela Preparatoria de León. Fue profesor durante cinco años, aunque compartió la actividad didáctica con lo que le gustaba en realidad: la litografía comercial, textos de anuncios y carteles y la estampación de imágenes religiosas. Por las grandes inundaciones que asolaron León en 1888 le obligaron Posada trasladarse a Ciudad de México, donde le hicieron rápidamente ofertas para trabajar en distintas empresas editoriales, entre ellas la de Ireneo Paz. Allí elaboró cientos de grabados para numerosos periódicos. Su nombre cobró una fama inesperada y su cotización se disparó, alcanzando cimas que pocos meses antes le habrían parecido inimaginables. Al tener este levantamiento económico le permitió abordar una serie de experimentos gráficos que culminaron con la exitosa utilización de planchas de zinc, plomo o acero en sus grabados. Tenía tanto trabajo por el gran número de encargos que se amontonaban en su taller le obligó a crear una técnica nueva, el grabado al ácido en relieve, mucho más rápida. Tristemente cumple su periodo como un increíble dibujante, trabajador incansable y un gran técnico del grabado y muere, tan pobre como había nacido, en Ciudad de México, el 20 de enero de 1913. Sus restos, que nadie reclamó, fueron sepultados en una fosa común. Veinte años después de su muerte, fue redescubierto por el pintor Jean Charlot, quien editó sus planchas y reveló la influencia de Posada sobre artistas de las posteriores generaciones.
Käthe Kollwitz Kathe Kollwitz nació el día 8 de julio de 1867 en Alemania, Königsberg; Pintora y escultora alemana, relacionada con el movimiento expresionista, cuya obra se caracteriza por su profunda crítica social. En 1881 comenzó sus estudios artísticos bajo la tutela de Rudolf Mauer, grabador que ejerció su profesión en Königsber, donde recibió clases del pintor Gustav Naujok. En 1885 se trasladó a Berlín para cursar estudios en la Künstlerinnenschule. De regreso a Königsberg en 1887, inició su producción pictórica, bajo la supervisión del pintor Emil Neide. Los dos años siguientes, 1888-89, se matriculó en la Künstlerinneschule de Munich, en la que recibió clases de Ludwig Herterich. Regresó a Königsberg ese mismo año, donde estableció su estudio y comenzó su producción pictórica a la vez que realizó su primera obra gráfica. Durante su estancia en la Weussennurger Strasse, Köllwitz abandonó progresivamente su faceta de pintora y empezó a cultivar el dibujo y el grabado, ya que ambas técnicas le permitieron desarrollar sus obras de profundo contenido social con mayor expresividad y dramatismo. La importancia de la obra de Kathe Köllwitz se basa como en su capacidad para transmitirles el sentimiento dramático que los caracteriza, ya sea en sus representaciones de las miserables condiciones de vida de los obreros, o en la de los dramas sobre la guerra; esto surgió debido a la pérdida de su hijo que falleció en la guerra. Su capacidad expresiva proviene tanto de su atenta observación de la realidad social que la circundó como de su profundo estudio de los medios técnicos de impresión. Practicó el grabado en sus numerosas variantes, desde la punta seca a los aguafuertes pasando por el entallado, aunque, a partir de 1910, la litografía se convirtió en su forma preferida de expresión plástica. Le suceden algunas cosas y en 1940, Muere su esposo. Su casa berlinesa fue arrasada perdiéndose dibujos y documentos. Se refugió cerca de Dresde como huésped del Príncipe Ernesto Enrique de Sajonia en el Castillo de Moritzburg y fallece en 1945, pocos días antes del final de la Segunda Guerra Mundial.
Gustave Doré Gustave Dore nació el día 6 de enero de 1832 en Estrasburgo, Francia; Pintor e ilustrador, fue uno de los más fecundos e influyentes dibujantes de la segunda mitad del siglo XIX. A los quince años presentó sus dibujos, de gran calidad, a Philipon, quien hizo que colaborara en el Journal pour Rire, y publicó su primer álbum de litografías sobre los trabajos de Hércules. Sus exuberantes fantasías constituyeron una importante fuente de inspiración para los pintores románticos, quienes compartían la atracción por el mundo que él representaba. En 1847 se trasladó a París, y entre 1848 y 1851 publicó semanalmente caricaturas en el Journal pour Rire, así como diversos álbumes de litografías; debe su fama, sobre todo, a sus xilografías destinadas a la ilustración de más de noventa libros creados. La mayor parte de las grandes ilustraciones son grabados interpretativos; él indicaba sobre la madera o a la aguada la composición principal y los principales valores. Luego, hábiles especialistas como Pannemaker, Gusman y Pisan se encargaban de terminar la obra. Una de sus litografías más valiosas representa la muerte trágica de Gérard de Nerval de 1855.
El magistral ilustrador experimentó también con la pintura, representando escenas de carácter histórico o religioso, y con la escultura, pero,
¨Divina Comedia¨
aunque obtuvo cierto reconocimiento, sus creaciones en estos medios nunca alcanzaron la vivacidad de sus ilustraciones.
Las visiones infernales interesaron al artista a lo largo de toda su carrera, mientras que los temas entrecruzados del amor y de la muerte resurgen en diversas ocasiones: al morir el poeta Gérard de Nerval, en el momento de la guerra francoprusiana de 1870, y tras fallecer su madre en 1879.
En torno al final de su vida, melancólico, a veces depresivo, abarca, en particular en el ámbito de la escultura, temas mórbidos o inquietantes. Doré acaba, así mismo, la ilustración del poema de Edgar A. Poe, El Cuervo, que pone en escena un escritor en duelo de la mujer amada. ¨El Cuervo¨ Después de haber sido un gran creador el cual había creado una cantidad magnific, Gustave Dore fallece de 51 años de edad el 23 de enero de 1883 en París, Francia.
Rembrandt Harmenszoon Rembrandt Harmenszoon nació el día 15 de julio de 1606 en Leiden (Provincias Unidas de los Países Bajos); Pintor holandés sus pinturas fueron especial sus retratos y autorretratos, su actitud humilde y su conocimiento del ser humano muy acertado, por lo que es uno de los artistas que producen mayor empatía entre sus colegas y sus estudios, que tuvo una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse a la pintura. De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y otro en Amsterdam, fue este último el que más influyó en el artista y el que le transmitió las tendencias italianizantes en boga. Sus primeras creaciones manifiestan una evidente influencia del estilo de Pieter
¨La ronda de noche ¨
Lastman. Rembrandt llevó a cabo gran cantidad de obras, cultivó el retrato, tanto colectivo como individual, la temática religiosa, el paisaje y también realizó grabados y dibujos. Entre sus características principales destaca el uso del claroscuro, empleando en ocasiones fuertes contrastes, y el dramatismo de sus escenas, adentrándose en la comprensión de la naturaleza humana.
Ningún otro artista fue capaz de jugar con la luz y la sombra como lo hacía Rembrandt. Enseguida se hizo popular como pintor y decidió regresar a la próspera ciudad de Ámsterdam en 1631. A pesar de ser un artista de gran talento
y muy respetado, Rembrandt vivió los últimos años de su vida en condiciones pésimas. Saskia, el amor de su vida, murió y las grandes deudas de Rembrandt le obligaron a vender su casa y sus posesiones. Varios años después, su amante, Hendrickje Stoffels, y su hijo Titus también fallecieron. Despues de un talento magnifico, Rembrandt murió en 1669 en la miseria.
Francisco Toledo Francisco Toledo nació el día 11 de junio de 1940, en Juchitán, Oaxaca, México; Polifacético artista mexicano, considerado el más destacado del país, que ha trabajado con extraordinario colorismo la acuarela, el óleo, el gouache y el fresco, pero también la litografía, el grabado, el diseño de tapices, la cerámica o la escultura en piedra, madera y cera, buscando siempre renovar formas y técnicas. Hombre comprometido con sus orígenes indígenas, es uno de los máximos promotores de la defensa del patrimonio artístico del estado de Oaxaca. Desde muy pequeño Francisco Toledo demostró una especial habilidad para el dibujo, y su padre alentó esa temprana tendencia al ceder a sus colores las paredes de la casa. Su abuelo Benjamín, zapatero del pueblo de Ixtepec, multiplicó su imaginación con salidas campestres en busca de resina vegetal, perladas de relatos populares en los que los seres fantásticos se entremezclaban con todo tipo de animales y personajes legendarios. El gran contraste y el mestizaje enriquecedor se produjeron entre 1960 y 1965, cuando Toledo vivió becado en París para estudiar y trabajar en el taller de grabado de Stanley Hayter. A los tres años de estar en Europa presentó su primera muestra en una galería parisiense; un año más tarde expuso en Toulouse, pero también en la Tate Gallery de Londres, con catálogo escrito por Henry Miller, y en Nueva York. En Francia fue reconocido en seguida como un artista singular. Toledo recupera técnicas antiguas e investiga con otras nuevas, tanto en la pintura como en la escultura y la cerámica. Diseña tapices que realiza con los artesanos de Teotitlán del Valle. El color y la riqueza étnica y cultural de Oaxaca catalizan su creatividad y su obra, como la de tantos otros artistas plásticos locales y
extranjeros. En 1977 viajó a Nueva York, ciudad a la que regresó en 1981 para ampliar sus técnicas en la cerámica. Un año antes, el Museo de Arte Moderno de México había organizado una gran exposición retrospectiva de su obra. En 1983 presentó el libro de grabados originales El inicio, e inició también una larga carrera como editor. Con los años, Francisco Toledo se afianzó como la gran personalidad de Oaxaca, capital indígena, provinciana y cosmopolita. El artista fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, que cuenta con el mayor acervo de obra gráfica de creadores internacionales y una completa biblioteca de arte, además de publicar El Alcaraván, una revista imprescindible en el mundo del grabado. En 2011, diseñó la urna donde descansan las cenizas del escritor Carlos Monsiváis en la Sala de Lectura del Museo del Estanquillo. Francisco Toledo, artista, activista y promotor cultural falleció en Oaxaca de Juárez, Oaxaca, el 5 de septiembre de 2019, a los 79 años enfermo de cáncer. Una de sus grandiosas obras:
¨Fabula de Esopo¨
¨Autorretrato¨
¨Langosta¨
Katsushika Hokusai Katsushika Hokusai nació el día 31 de octubre de 1760, en Edo; Pintor, dibujante y grabador japonés. Siendo niño fue adoptado por los Nakajima, familia de honda tradición artística. A los dieciocho años se convirtió en pupilo de un destacado maestro del ukiyo-e, género artístico que floreció durante el período Kamakura y que tendría en Hokusai a su más depurado estilista. Aunque también sería conocido como Taito o Iitsu, su gran reconocimiento llegó cuando tomó el nombre de Hokusai, el cual adoptó cuando ya gozaba de una posición económica holgada que le permitió ir por libre y ganarse la fama de genio bohemio. Tras la muerte de su mentor, se estableció de forma independiente e inició una brillante carrera artística en la que utilizó toda clase de técnicas, desde el grabado hasta la ilustración de libros. Hasta 1806 concentró su atención básicamente en la representación de paisajes y escenas históricas, aunque tras la muerte de su hijo mayor se introdujo en el más comercial soporte entre los que destacan sus Treinta y seis vistas del Monte Fuji en 1826 a 1833, culminación del ukiyo-e y una de las más delicadas muestras artísticas japonesas de todos los tiempos. Sus ukiyo-e creaban escuela entre sus contemporáneos y él, se jactaba de vivir para grabar y de ser capaz de proezas que otros ni soñaban. Entre ellas se cuenta que pintó un retrato de un monje zen en un papel de una superficie de doscientos metros cuadrados, o que hizo cuadros de golondrinas sirviéndose únicamente de un grano de arroz. Hoy resulta fácil imaginarlo como un artista de la performance más irreverente, así que en el Japón de su tiempo la fama bastaba para que sus obras triunfasen.
Después de un gran recorrido el increíble Katsushika Hokusai en su lecho de muerte, murmuró: "¡Si el cielo solo pudiera concederme diez años más!" Luego, un momento después, cuando se dio cuenta de que había llegado el final, "si el cielo me hubiera concedido cinco años más, podría haberme convertido en un verdadero pintor". Con este arrepentimiento poco razonable en sus labios, Hokusai murió el 10 de mayo de 1849, en sus noventa años. Obras de Katsushika Hokusai:
¨ El sueño de la esposa del pescador¨
¨ La gran ola de Kanagawa¨
¨Las flores de cerezo¨
Taller de Gráfica Popular Fundada en 1937 formando parte de la liga de escritores y artistas revolucionarios, con personajes al frente como Leopoldo Méndez, Raúl Anguiano, entre otros, dieron comienzo a los fundamentos de sus primeras propuestas a favor de los intereses del pueblo. Su proyecto estaría ubicado en la plaza Belisario Domínguez. Es necesario saber que uno de los principios y eje vertebral de este taller sobresale por su capacidad de organización para la producción colectiva basada en convicciones artísticas, políticas, ideológica y proyectos individuales. A poco tiempo de los sucesos de las guerras mundiales, así como los cambios sociales en México, se vio la necesidad de que surgiera uno de los proyectos artísticos más interesantes que sería conocido como: El taller de Grafica Popular (TGP), siendo este un movimiento de artistas muy politizados que revolucionaria la gráfica mexicana para siempre. Entre los artistas conocidos dentro del taller uno de sus integrantes más jóvenes Arturo García, hace llamar a este taller como una proeza colectiva, es sabido que este lugar era donde la intelectualidad de izquierda era un arma efectiva contra las oligarquías e instituciones que mantenían una guerra declarada contra los trabajadores. Por esto la primera preocupación que tenía este colectivo era el utilizar el arte para fomentar sus causas sociales revolucionarias, esto convirtió al taller en un símbolo de actividad política y gran desempeño artístico. Algo de lo más reconocido es que durante la presidencia de Lázaro Cárdenas el taller apoyo las políticas del gobierno, incluida la expropiación petrolera. Tres años después en 1940 uno de los muralistas David Alfaro organizo un ataque armado a la residencia de la revolución rusa León Trotsky, que utilizo el taller como base de operaciones y algunos artistas lo apoyaron e hicieron un escuadrón.
Fue sorprendente la recepción de diferentes artistas que se unieron al taller gracias a su capacidad de organización abierta dejando a un lado todo y pudiendo discutir los temas de interés para los movimientos obreros, este trabajo fomento una gran vitalidad y creatividad hacia su frente común, que era su independencia económica y que sus propuestas no favorecieran a posturas ideológicas fascistas, trabajaban transfiriendo sus pensamientos y deseos al linóleo, piedra litográfica o madera entre otros materiales. Existieron momentos en el que el país era mas de la mitad analfabetas y casi nada de acceso ala cultura, lo que hacía un poco difícil el movimiento de transmitir esto atreves del arte, así que se vieron a la necesidad de hacer otro arte, uno que retroalimentara la realidad del país en aquel momento y al mismo tiempo se transmitiera en todo México. El taller se creó una marca “La estampa mexicana”, estos produjeron posters de héroes y de la cultura mexicana con los movimientos de la izquierda política mexicana e internacional y esta misma impulso otras causas que dio a luz a la nueva generación de calaveras, la tradición mexicana de caricaturizar políticos y otras figuras populares mediante rimas sencillas y caricaturas de estos personajes representados por esqueletos.
Andy Warhol Andy Warhol nació el día 6 de agosto de 1928 en Pittsburgh y fallecido en Nueva York; 22 de febrero de 1987, él era un artista plástico y cineasta estadounidense que fue una pieza clave en el nacimiento del Pop Art. Siendo ilustrador profesional, adquirió una fama mundial por su trabajo en el área del cine de vanguardia, la pintura y literatura, todo esto le vino bien gracias a su hábil relación con los medios y su rol de gurú de la modernidad, él fue el enlace entre artistas e intelectuales pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Sus obras fueron representadas con distintos medios como dibujo, la pintura, el grabado, la fotografía, la serigrafia, la escultura, el cine y la música.
Durante su vida estuvo envuelto en varias polémicas, los críticos lo tenían en el concepto de que sus obras eran pretenciosas y bromas pesadas. Era el tercer hijo de un matrimonio migrante a Estados Unidos, desde muy joven Andy empezó a sufrir de una enfermedad que provoca una afección del sistema nervioso que causa movimientos incontrolados de las extremidades y desorden de pigmentación en su piel, se convirtió en hipocondriaco y tuvo miedo a medios y hospitales, su infancia en pocas palabras fue estas mucho en cama, por esto mismo desarrollo otras habilidades que después lo convertirían en el artista que fue.
Estudio arte comercial en el Carnegie Melloon University, y en 1949 se fue a Nueva York para iniciar su carrera de ilustrador de revistas y gran publicista, que gracias a esto en los años 1950 gano una gran popularidad, sus anuncios le dieron grande fama y también sus dibujos a tinta que después fueron expuestos en galerías de Nueva York. En estos momentos una empresa lo contrato por manejar el estilo freelance para su departamento de diseño de portada de discos, cartelería y material promocional gracias a las nuevas tecnologías del vinilo y alta fidelidad. Para los años 1960 en una primavera, Andy cambio su perspectiva y se interesó por otras cosas gracias a la compra de un pequeño dibujo de otro artista, este lo impresiono debido a como los artistas estaban pintando la publicidad estereotípica. En el año 1962 tuvo su primera exposición individual que marco su debut en el movimiento del Pop Art en la galería californiana Ferusel, meses después inauguró una exposición completa en Nueva York. En esta época empezó con sus famosos dibujos de la sopa Campbell y las botellas de coca cola y al mismo tiempo fundo su estudio The Factory muy famoso y por el que pasaron muchos artistas, escritores, músicos y celebridades. Unos después un hecho muy fuerte en su vida fue en 1968 donde Valerie Solanas disparo a Andy y otro colega en la entrada de su estudio. Se dice que no compartían las mismas ideas a la hora de trabajar y que Solanas era muy insistente, al no ver apoyo por parte de Andy está llena de ira atento contra la vida de Warhol ya que en esos momentos en la vida de Solanas pasaba por una etapa de desequilibro mental e inestabilidad emocional. A comparación de otros años de su vida en 1970 fueron como un descanso para Andy ya que se convirtió en un emprendedor, para estos momentos Andy pasaba su tiempo con estrellas y famosos para demostrar su trabajo de retratista. Para el ano de 1975 la revista Interview público “La filosofía de Andy Warhol” en la que hablaba de su pensamiento y sentido del humor, ahora lo cito en una frase que es
muy cierta “Hacer dinero es arte, y el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte”. Tiempo después en 1974 Andy fue contratado por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de competencia de una manera única para que estos llamaran la atención, uno de sus mejores y más famosos trabajos de estos es con la firma de BMW, su gran creación el Art Car. También en 1979 exhibe en el Whitney Museum de Nueva York su serie de retratos portraits of the seventies. Para los anos de 1980 tuvo otro gran momento para la crítica y los negocios y esto se debía a que supo relacionarse con los grandes artistas del momento que conducían las tendencias del llamado neoexpresionismo. En 1981 empezó a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Botticelli y Uccelo, que después en 1983 pasa a hacer retratos para el artista español Miguel Bose. Podríamos decir en los 60 Andy Warhol tuvo su época de éxito.
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