Segundo Número: Revista Red Mundial de Arte sede Argentina by redartemundial.arg

La Red Mundial de Arte sede Argentina es un proyecto independiente y autónomo que nace en México, y desde allí se irradia hacia distintas ciudades de Argentina donde se afianza dando continuidad a su expansión. Su propósito es constituir lazos nacionales, latinoamericanos y mundiales, para promover la investigación, el intercambio y la divulgación de múltiples y diversas manifestaciones artísticas y culturales. La fotografía de la tapa es obra de Abby Brown.

Septiembre - 2020 Nº 2 Equipo de redacción: Miriam Mancini – Eduardo Lualdi – Abby Brown – Pablo Felizia Diagramación: César Heínitz – Pablo Felizia Diseño de Tapa: Lucía Puntín

redartemundial.arg@gmail.com Facebook: Red Mundial de Arte sede Argentina Una obra de “Tito” Müller de la serie Amado Poeta Amigo: El AMOR brujo - Xilografía - 40 x 40 cm. La obra pertenece a la colección particular del autor, en una de las paredes de su casa junto a Los 7 locos y Los Lanzallamas. También se encuentra en poder de la familia de Rafael Amor y pronto habrá una estampa en el Centro Cultural El Zócalo de La Plata.

Editorial Así presentamos y festejamos la segunda aparición de nuestra revista para la Red Mundial de Arte, sede Argentina. Lo hacemos en un contexto difícil para nuestros pueblos, golpeados por una pandemia que aún no cede y una crisis económica dura y compleja. Desafíos de las expresiones artísticas y culturales en tiempos de pandemia y postpandemia, es el título de la primera nota de esta edición y fue escrita por María Inés Pietrangeli. Lorena Pérez aportó su fotografía y bajo el título Tango pandémico: los firuletes de la supervivencia, Gustavo Benzecry Sabá y Luciana Guido nos hablan del tango y sus desafíos actuales. Son ellos los protagonistas de la fotografía de la tapa, obra de Abby Brown. Los diarios visuales, de Erika Kuhn, recorren parte de su trabajo, ilustran una poesía de Miriam Mancini y cierran la edición. El número anterior contó en su portada con una obra de Walter Davenport, para nosotros fue un éxito. Por eso, en este número, Eduardo Lualdi le hizo una entrevista que tituló: Observo, luego existo. Pero también tenemos la alegría de poder anunciar a los

Poetas de la Cafetera; a Celerina Patricia Sánchez Santiago de la nación originaria Ñuu Savi (Mixteca) México; a la poesía de Noel Alonso Ginoris ilustrada por Javier Toledo; y a Tomás Modesto Galán con su No hay collusion. Ariel H. Oliveri y Santiago Fabián Mancuso ofrecieron sus cuentos; y René Araoz y Cibeles Camila Sánchez Pimentel también hicieron lo propio con sus poesías. Como recibimos mensajes de amigos lejanos, abrimos la sección Carta de lectores e incorporamos un cuento que nos llegó titulado ¿Hace cuánto no hueles una flor?, de Juan Núñez. Y así vamos por el camino, de la risa al dolor y del llanto al amor, como escribió Víctor Heredia. Desde Argentina y para el mundo, a pesar de los caídos en pandemia, de amigos enfermos y encerrados, de familiares que no la pasan bien, de compañeros sin un mango; más allá de los teatros, de los centros culturales y de las bibliotecas cerradas; y aunque nos canse vivir prendidos a una Internet como podemos, aquí hay mujeres y hombres que hemos vuelto a levantar el telón porque eso es lo que sabemos hacer.

María Inés Pietrangeli

Desafíos de las expresiones artísticas y culturales en tiempos de pandemia y postpandemia Magister en Política, Sociedad y Género, Licenciada en Trabajo Social, Especialista en Trabajo comunitario y territorial, y en Consumos problemáticos de drogas. Coordinadora del Espacio Social y Cultural El Zócalo –La Plata Argentina. elzocalo.laplata@gmail.com

Magister in Politics, Society and Gender, Graduated in Social Work, Specialist in community and territorial work, and in problematic drug use. Coordinator of the Social and Cultural Space El Zócalo –La Plata Argentina. elzocalo.laplata@gmail. com

En un mundo tan complejo como el de hoy, necesitamos conocer nuestra historia, nuestro pasado y nuestro presente de un modo crítico. Necesitamos conocimientos y vivencias que nos ayuden a navegar entre sus contradicciones, y las expresiones artísticas y culturales son un medio para ello. Sabemos que, a pesar de la mejoría relativa de los indicadores económicos y sociales en estos 20 años del siglo XXI, las desigualdades persisten en América Latina, que sigue siendo la región más desigual del mundo, aunque no la más pobre. Esas desigualdades se han agravado en el contexto de la pandemia y la crisis sanitaria que transitamos. Es una característica histórica y estructural en nuestra sociedad latinoamericana, que se ha mantenido y profundizado aun en momentos de crecimiento y prosperidad económica. Estos altos niveles de desigualdad son uno de los obstáculos para el ejercicio de los derechos de las personas. Desde antes de la pandemia podíamos observar que más de la mitad de la población de nuestra región vive en condiciones de pobreza o es vulnerable a caer en la pobreza. Y que, por otra parte, la clase media susceptible de ingresar en la pobreza, representa el 40 por ciento de la población. Ade-

más, dentro de esa clase media vulnerable hay un importante contingente de población que posee empleos informales y por lo tanto no tiene ningún tipo de protección social. De acuerdo a los datos de los últimos tres meses, la CEPAL (Comisión Económica para América latina y el Caribe) pronostica un aumento mayor de la pobreza y las desigualdades. Si bien, antes de la pandemia se preveía un crecimiento de alrededor del 1,3 por ciento, y ahora se prevé una recesión en torno del 5 por ciento, la peor de la historia. Esta breve descripción nos permite situar la encrucijada que se nos presenta, junto con la crisis de salud provocada por la pandemia. En medio de esta crisis, el mundo de la cultura es el que nos ha acompañado desde el primer día. Ha sido y es una forma de sostener la vida. Nos hace más fuertes, nos hace más críticos, nos vincula y nos hace más libres también. La cultura es un modo de acercarse y enfrentar la realidad. Por eso es importante considerar a la cultura como un proceso de reflexión que nos permite conectar con nosotros mismos y con los demás, a través del tiempo, de la distancia y de las fronteras.

María Inés Pietrangeli

En los últimos años, la práctica de la gestión cultural se ha acercado a la idea de proyección: acercarse a otras culturas, proyectando la cultura propia. Sin embargo, desde hace un tiempo esta idea se está redefiniendo, se está re-significando el concepto de proyección: porque proyectar ya no es suficiente. De lo que se trata es de conectar, de fomentar los vínculos duraderos entre las personas a través de la cultura. Adoptar una visión de la cultura mucho más transversal, definiéndola como un concepto que va más allá de las artes, aproximándose a ella en conexión con otros ámbitos y en dialogo intercultural. Y por otro lado, entender la cultura como un proceso de conexión, es decir de intercambio para favorecer la comprensión y el entendimiento mutuos. Unir fuerzas, hacer juntos lo que no podemos hacer por separado. Y en el contexto actual esta perspectiva adquiere importancia relevante. Es una crisis global y requiere soluciones globales. Debemos unir fuerzas para salir. Nos preguntamos, de qué manera ha sido afectado el mundo de la cultura por la crisis que se agudizó en el marco de la pandemia. Pudimos observar la rapidez, la inmediatez con que las manifestaciones culturales encontraron su paso a lo virtual. Posiblemente no se trata de un “cambio” permanente, pero sí de un fenómeno para analizar. Porque contiene características especiales, como la gratuidad de las propuestas, la caducidad, la inmediatez. Y otras no tan positivas, como las técnicas utilizadas, ya que en las producciones artísticas hay directores de fotografía, camarógrafos, sonidistas, editores, –se trata de un trabajo en equipo– y la ausencia de participación de muchos de ellos en estas producciones alternativas que estamos viendo, ponen de manifiesto que estas personas se encuentran sin trabajo y por lo tanto sin salarios. Otro aspecto a considerar es la falta de masividad para alcanzar a todos los públicos, tanto por motivos de su producción, como por la brecha tecnológica propia de nuestros países, donde las desigualdades definen también que no toda la población cuenta con los dispositivos apropiados para acceder a estas ofertas, o si los tienen, son compartidos por va-

rios miembros de las familias, generándose contradicciones en su utilización o en la elección del espectáculo a disfrutar. Internet no es la solución. Solo es una herramienta. Y una herramienta que es muy fácil de manipular o mal utilizar con falsos informadores o sustracción de autorías, etc., etc. Además, nunca podrá suplir la emoción de estar de forma presencial delante de una obra de arte. Pero puede ser utilizada para prefigurar junto a los públicos una posterior relación presencial con las obras, mediante videos, catálogos, guías, explicaciones, imágenes, acceso a información, difusión, educación. Se puede fortalecer y diversificar esta herramienta de manera conjunta entre artistas, productores, gestores culturales y públicos. Por otra parte, debemos tener en cuenta que así como, gracias a la generosidad del mundo de la cultura, que se ha puesto a disposición de las comunidades de manera desinteresada ofreciendo en forma gratuita y abierta todos sus recursos para que se pudiera disfrutar en las pantallas de las artes escénicas, la música, las exposiciones, y otras expresiones artísticas; en la misma medida, esto pone de manifiesto que sus protagonistas no tienen ingresos económicos, y que hoy no pueden vivir de su trabajo. Lo mismo ocurre con los ámbitos cotidianos en los cuales estas manifestaciones culturales se disfrutan: las salas de teatro, los centros culturales, los espacios de ensayos, grabación, capacitación y formación. Todos ellos se encuentran cerrados a causa de la pandemia y muy pocos han logrado una modesta “reconversión” a través del desarrollo de otras actividades alternativas, como la venta de comidas o de productos típicos regionales o gestiones similares, que ni siquiera son suficientes para cubrir los gastos fijos del mantenimiento de los espacios. Según datos de la OIT (Organización Internacional de Trabajo), la mitad del empleo en América Latina es informal y justamente ese es el sector más perjudicado, constituido por 130 millones de trabajadores que viven con su ingreso al día: las medidas de cuarentena para ellos, al igual que para las y los desocupados, no son una opción porque necesi-

María Inés Pietrangeli

tan su ingreso cotidiano. En cuanto al empleo formal, las expectativas no son mejores, ya que en la región el 64 por ciento pertenece al sector servicios, que justamente es el más afectado en el marco de esta crisis sanitaria. La CEPAL prevé que el desempleo aumente casi un 4 por ciento más, así como la pobreza. En suma, el mundo de la cultura ha sido uno de los primeros en ser afectados por el impacto que la pandemia ha producido en las sociedades. Aunque resulte paradójico o extraño que pensemos en las y los artistas, artesanos, productores y gestores culturales como trabajadores, lo son: trabajadores del arte y la cultura, que viven de su trabajo. Esta situación de crisis enmarcada por la pandemia, pone nuevamente en evidencia que los poderes públicos en general dedican muy poco presupuesto a la cultura. Y por su parte, el mundo de la cultura habla muy pocas veces con los poderes públicos sobre su realidad y sus necesidades, y sobre el significado que tiene en la economía, poniendo en valor lo que aporta al producto bruto interno de los países. En medio de la gravedad de la crisis contemporánea, y más aún en el marco de la pandemia que como una moldura agudiza la crisis, vemos que hasta los padres del libre mercado, y del “achicamiento del Estado”, están cambiando sus posiciones: observamos medidas de emergencia en países como Francia, Alemania, EEUU, Brasil, etc. que están totalmente en divergencia con sus modelos y políticas económicas. Es posible que estos movimientos dejen huellas para una amplia modificación de los patrones sociales que estamos viviendo. En los comienzos de la pandemia y del confinamiento, se vio que era imprescindible sostener desde el Estado, los municipios y las provincias, a los sectores más desfavorecidos de las sociedades, y el mundo de la cultura es sin duda uno de ellos. Había que apuntalar a las redes culturales, a las y los artistas y productores culturales, a creadores y exhibidores, a los espacios culturales, por ser parte de los eslabones más débiles de las comunidades. Fueron de los primeros en sufrir la imposibilidad de compartir el espacio público del modo

en que lo entendemos o entendíamos. Si no fuera posible sostener esos tejidos culturales, facilitándoles la continuidad de sus expresiones, habría que sostenerlos a través de los servicios de empleo. Es innegable cómo, desde los primeros momentos, la cultura cobró un protagonismo inesperado, inusitado, por su propia iniciativa y por las demandas del público, como pudimos vivenciar con la música y el canto compartidos desde los balcones, las representaciones teatrales, de cuenta cuentos y de standaperos, por nombrar algunos, que con los recursos a su alcance acompañaron y acompañan a sus vecinos: con este solo hecho se legitima la acción de sostenerla desde los gobiernos. No podemos considerarla perecedera. Las expresiones culturales de los pueblos han superado crisis de todo tipo, terribles guerras y pandemias a lo largo de los siglos y han ido adaptando su modo de comunicarse y conectarse con los públicos: desde los teatros griegos en sus magníficos anfiteatros, a los cuenta cuentos en las plazas de Marruecos, a los juglares y artistas callejeros recorriendo los pueblos más remotos, o los actuales artistas plásticos urbanos, raperos, fotógrafos, poetas y escritores, todos han ido modificando sus modos de expresión. Y como señala Rafael Spregelburd “El arte parecería ser una especie de radiografía de síntomas de las situaciones todavía no lexicalizables del estado de una sociedad”.

Lorena Pérez

En cuarentena Las fotografías de esta sección conforman una serie realizada por Lorena Pérez. Fueron tomadas en cuarentena, manteniendo distancia social, el 9 de julio de 2020. Locación: C.C. La Calle Larga, Avellaneda, Buenos Aires, Argentina. Artistas: Cata y Martín. LORENA PÉREZ Nacida en 1º de febrero de 1978 en Avellaneda, Buenos Aires, Argentina. Estudió Derecho en la Universidad de Buenos Aires, se especializó en derecho laboral, profesión que ejerce en la actualidad. En paralelo al inicio de sus estudios universitarios, en 1996, comenzó a estudiar fotografía en un taller dictado en la Universidad de Buenos Aires. Es ahí donde tuvo contacto con su primera cámara analógica, una Seagull que todavía conserva, con el proceso de revelado manual y con el laboratorio blanco y negro. En 2010 se acercó a la fotografía estenopeica, asistiendo al taller coordinado por Karlo Sosa, para posteriormente formar parte del colectivo de fotografía estenopeica “Atalalata”. En 2013, la publicación del cuento ilustrado “Carta a una señorita en París” de Julio Cortázar, versión estenopeica, permitió la participación en el “Año Cortázar 2014: Cien años con Julio”, con la muestra “Una reiteración visible de su alma: Ilustración estenopeica para Julio”, en el hall central de la Tv Pública. Otras actividades que tuvieron lugar entre 2015 hasta 2019 fue la realización de talleres en diferentes espacios de la Ciudad de Buenos Aires, como ser: CCK, Museo del Cabildo, Evita, Mitre, Bicentenario, Palais de Glace, entre otros. A partir de 2016 toma contacto con la fotografía de artes escénicas y es en el Centro Cultural La Calle Larga donde comienza a desarrollar esta área de la fotografía. En 2018 tomó un taller dictado por Máximo Parpagnoli, fotógrafo del Teatro Colón desde hace más de 20 años. En cuanto a danza, su afición al baile flamenco hizo que eligiera, fotografiarlo casi exclusivamente, tanto en Buenos Aires

como en España. Obras de teatro registradas: - Poeta en Nueva York - Moreno de verde luna - Tiempos de agua - Pluma y la tempestad de estos tiempos - Que bicho nos picó - Bodas de Sangre. - El estigma ardiente - El dueño del circo - La Camiseta - 1811. Las voces silenciadas de la revolución - Y ahí viene el beso - El circo de la Nuriesca - Caminos del Sur - Trasplantado. La raíz latinoamericana que vive en el baile flamenco - A la luz del Flamenco - Lucero del Alba flamenco Entre otras. Muestras fotográficas llevadas a cabo entre 2017 y 2019. - “De opresiones, revoluciones y liberaciones”. Centro Cultural La Calle Larga. - “A tierra, sentir flamenco” (fotografía de flamenco). Centro Cultural La Calle Larga. - Muestra colectiva “Mujer”. Centro Cultural La Calle Larga. - “La obra de la obra” (fotografía de teatro). Centro Cultural La Calle Larga. - Sueño de una noche de escenario (fotografía de artes escénicas). Centro Cultural La Calle Larga. - Sentires. Dos miradas fotográficas de un mismo escenario, el flamenco. (fotografía de flamenco), Plaza Conesa, Quilmes. - Lucero del Alba. Documental fotográfico del proceso de formación de la obra de danza teatro Lucero del Alba). Pan y Arte Teatro.

Lorena Pérez

LORENA PÉREZ Born on February 1, 1978 in Avellaneda, Buenos Aires, Argentina. She studied Law at the University of Buenos Aires, specializing in labor law, a profession he currently practices. Parallel to the beginning of his university studies, in 1996, he began to study photography in a workshop held at the University of Buenos Aires. It is there that he had contact with his first analog camera, a

Una habitación

Seagull that he still has, with the manual development process and with the black and white laboratory. In 2010 he approached pinhole photography, attending the workshop coordinated by Karlo Sosa, to later become part of the “Atalalata” pinhole photography collective. In 2013, the publication of the illustrated story “Letter to a young lady in Paris” by Julio Cortázar, pinhole version, allowed participa-

Lorena Pérez

tion in the “Cortázar Year 2014: One Hundred Years with Julio”, with the exhibition “A visible reiteration of his soul: Pinhole illustration for Julio ”, in the central hall of Public TV. Other activities that took place between 2015 and 2019 were workshops in different areas of the City of Buenos Aires, such as: CCK, Museo del Cabildo, Evita, Miter, Bicentenario, Palais de Glace, among others.

Encierro

Starting in 2016, he made contact with performing arts photography and it was at the “La Calle Larga Cultural Center” where he began to develop this area of photography. In 2018 he took a workshop dictated by Máximo Parpagnoli, a photographer at the Teatro Colón for more than 20 years. As for dance, her love of flamenco dance made her choose to photograph it almost exclusively, both in Buenos Aires and in Spain.

Lorena PĂŠrez

Pienso y te busco

Lorena PĂŠrez

Te miro, te encuentro

Gustavo Benzecry Sabá y Luciana Guido

Tango pandémico: los firuletes de la supervivencia Desde que el pasado 11 de marzo la Organización Mundial de la Salud concluyera que “la COVID-19 puede considerarse una pandemia”, varias actividades se vieron suspendidas. El deporte y, más aún, el entretenimiento se vieron obligados a desaparecer temporariamente, en algunos casos, o a readaptarse. Pero sin lugar a dudas, entre todas las actividades, la del tango bailado es la más afectada durante la pandemia –al menos en Buenos Aires, Argentina– dado un conjunto de características que la hacen única: el contacto cuerpo a cuerpo dentro de un amigable contexto social; la gran cantidad de adultos mayores que ayer fueran transmisores de una tradición y hoy conforman los grupos de riesgo; y la comprensión de que la danza de tango es una pasión y, como tal, difícil de sofocar. No obstante, el tango encontró su pausa desde que el 17 de marzo pasado el gobierno nacional determinara el cierre de fronteras y dispusiera por decreto de necesidad y urgencia Nº 297/2020 un aislamiento social preventivo obligatorio. Por consiguiente, en virtud de las circunstancias, se redujo el turismo hasta su totalidad y la comunidad de tango porteña debió resguardarse en sus hogares. Se trató no solo de una fuerte caída laboral y pérdida de relaciones sociales para parejas profesionales de baile y enseñantes de tango, sino también para figuras relacionadas con la organización de milongas, disc-jockeys, personal de servicio, locales de ropa, calzado, accesorios, publicaciones, orquestas, festivales, encuentros, etcétera. En torno a ello, viéndose en el peor de los escenarios, las parejas profesionales, en forma individual o conjunta, encontraron otras formas de mantener viva la llama del tango: a través del uso de la comunicación online.

Así pues, bajo el concepto de que lo que no se adapta desaparece, las pantallas de las computadoras se encendieron para transmitir el tango en sus diversas formas y romper incluso con las fronteras. Vía streaming, los miembros de orquestas, diseminados en sus hogares, continuaron la producción musical en forma conjunta gracias a la magia de la edición de video; los parejas de bailarines difundieron su arte a través de diversas plataformas como “Zoom”, “Patreon” o “YouTube”, sea para dar clases o conferencias, recibir donaciones por sus enseñanzas, o fuere simplemente para difundir el métier en cualquiera de sus múltiples aspectos. En efecto, ya no hizo falta viajar para presentar un show u organizar una milonga, si bien la comunidad de tango aún espera con ansias regresar al salón, a los locales y a los aviones. Más allá de ello, simpatizantes del tango argentino en Alemania, Francia e Italia, entre otros países europeos, aprovecharon la ansiada temporada veraniega para salir a las plazas u otros lugares abiertos que les permitiera seguir disfrutando del abrazo –signo distintivo del tango–, el baile y la música. Si bien todavía prima el distanciamiento físico, el temor a contagiar y ser contagiado y la incertidumbre de una “nueva normalidad” –o no–, el tango ha demostrado su carácter de supervivencia con más de 150 años de vida. En efecto, el tango no es solo un baile: es un encuentro en el que se construyen lazos sociales, afectivos, emocionales y hasta familiares con personas que comparten la pasión por la danza y la cultura que la música rioplatense representa. Para muchos de nosotros ir a bailar a la “milonga” (nombre con el que se conoce a los salones de baile de tango) también simboliza relacionarse socialmente. Allí, permanecemos horas conviviendo con “milongueros/as” locales y extranjeros. Compartimos una mesa, una copa de champagne, una empanada

Gustavo Benzecry Sabรก y Luciana Guido

Foto: Abby Brown

Gustavo Benzecry Sabá y Luciana Guido

y una charla prolongada con quienes nos une la complicidad de pertenecer a una misma comunidad. Con la pandemia todos estos encuentros pasaron al recuerdo. Con nostalgia añoramos retomar nuestro ritual tanguero. Pero no solo se trata de una melancolía por no poder bailar. Junto con estas limitaciones, también nos encontramos con la crisis social y económica que el cese de la actividad supone: el cierre definitivo de estudios históricos y emblemáticos de la enseñanza de tango, la interrupción de giras internacionales de bailarines y orquestas y la pérdida de trabajo de personal afín. Asimismo, las milongas y los espacios de práctica cancelaron sus actividades, se perdieron las posibilidades de intercambios culturales entre locales y personas de distintos países y también las ganancias económicas que sus participaciones dejaba. Junto con ello, se suspendieron los festivales y campeonatos de tango metropolitanos y mundial desarrollados ininterrumpidamente desde hace 18 años. Eventos que convocaban a cientos de bailarines/as y curiosos/as de diversos países que, a su vez, contribuían a poblar las milongas. En efecto, en “temporada alta”, los salones de baile recibían a un promedio de 400 personas que asistían a algunas de las 40 milongas organizadas por fin de semana. Sin embargo, “¿quién dijo que todo está perdido?”. El ingenio porteño o argentino (y también –mal que nos pese– la costumbre de sobrevivir a crisis económicas cíclicas) nos ha llevado a reiventar y resignificar el tango “pandémico”. En consecuencia, se organizaron festivales online así como aumentaron las campañas solidarias por medio de la realización de donaciones a organizadores de milongas en situaciones críticas y a bailarines/as con delicados problemas de salud o falta de recursos. A su vez, varios profesionales han tenido que dedicar parte de su tiempo a otras actividades en función de mantener una economía estable, tales como venta de diversos productos o enseñanzas de idioma, entre otros. Cierto es que todavía no se ha dado un reconocimiento desde el gobierno nacional y de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires a quienes trabajaron y

Foto: Abby Brown

trabajan aun por mantener y difundir la cultura porteña. No obstante, a todos nos une la esperanza de un reencuentro – vacuna mediante–, que nos permita revivir el baile, la música y las emociones que nos depara un buen abrazo. Gustavo Benzecry Sabá y Luciana Guido son bailarines, maestros e investigadores del tango danza Para más información se puede ingresar a www.tangomilonga.com.ar o escribir a info@tangomilonga.com.ar

Gustavo Benzecry Sabá y Luciana Guido

Gustavo y Luciana dictan clases y realizan exhibiciones desde 2017, principalmente en Buenos Aires, Estados Unidos y Europa. Son una pareja reconocida en el ambiente de tango como grandes maestros, por su trayectoria, su calidad de enseñanza y su difusión por la cultura del tango danza.

Buenos Aires) así como “La Historia del Abrazo en la Danza de Tango” (2018).

Regularmente realizan giras, con participación en festivales internacionales. Dictan seminarios, clases de técnicas para hombres y mujeres, y conferencias, así como también musicalizan en diversas milongas y proyectan documentales sobre la historia de la danza de tango.

Es Licenciada y Profesora en Sociología (UBA), Magíster en Sociología de la Cultura (IDAES/UNSAM) y Doctora en Ciencias Sociales (UNQ). Entre 2014 y 2016 realizó un posdoctorado en París, Francia, mediante una beca externa, donde también ha dictado clases regulares de tango en la Cité Internationale Universitaire de Paris. Se desempeña como investigadora en CONICET, docente en la Universidad Nacional de Quilmes y como maestra y bailarina de tango argentino.

GUSTAVO BENZECRY SABÁ Nació el 26 de abril de 1959 en Buenos Aires, Argentina. En 1982 se licenció en periodismo. Durante quince años trabajó como conductor y redactor en diversos medios gráficos y radiales. Casi a la par fue videógrafo y diseñador gráfico. En 1999 publicó “La mujer de los dioses”, cuentos fantásticos. Asimismo algunos de sus trabajos pueden encontrarse en la antología “Cuentistas de fin de siglo”. Ambos publicados a través de la editorial Vinciguerra. En los ’90 ingresó al tango danza y pronto comenzó su carrera como docente y bailarín. Ha publicado “Glosario de Tango Danza - Términos claves en la danza de tango” (2004); “La Pista del Abrazo - Técnicas y Metáforas entre el Tango y la Vida” (2006); “Nuevo Glosario de Tango Danza” –cuyo DVD bilingüe español-inglés se ha transformado en un referente para docentes y bailarines (2010)–, “Tango FAQs - Español - 60 preguntas frecuentes en la danza de tango argentino” (2012) y “Los Legionarios del Abrazo - Historia del Tango Danza 1800-1983”. Como videasta presenta en diversos festivales internacionales sus documentales “Historia del Tango Danza (1940-1960) - Los años dorados” (declarado de Interés Cultural por el Ministerior de Cultura de la nación argentina y la Legislatura de la Ciudad de

LUCIANA GUIDO

Erika Kuhn

Los diarios visuales Erika Kuhn nace en la ciudad de Toluca, Estado de México. Se graduó en la Licenciatura en Educación y en el 2007 se gradúa también como Licenciada en Artes Plásticas con la especialidad de Gráfica en grabado, en la Escuela de Bellas Artes de Toluca, obteniendo mención honorífica. En el 2010 obtiene el grado de Maestra en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas UNAM, haciéndose acreedora a la Medalla Alfonso Caso, distinción otorgada al mérito Universitario por su tesis: “Fragmentos de una Cotidianidad. La Producción Artística como Estrategia para la Constitución de un Sujeto”. Cuenta con cerca de 25 exposiciones entre colectivas e individuales, una de ellas como ganadora del concurso “Arte Abierto, Arte para todos” que convoca el Museo Universitario Leopoldo Flores. Fue seleccionada en la segunda Bienal internacional Universitaria convocada por la UAEMéx. Ha obtenido diversas distinciones en concursos de dibujo y sus imágenes han sido publicadas en revistas y libros de distribución Nacional e Internacional en países como Argentina, Colombia, Venezuela, Brasil, Italia, Francia, Portugal y España así como también en blogs, artículos literarios, y revistas digitales. Actualmente labora como Docente y Asesor Metodológico en la Licenciatura de Artes Plásticas en la Escuela de Bellas Artes de Toluca, además de ser Productora Plástica desde 2006 a la fecha.

Erika Kuhn was born at Toluca City, Mexico State. She was graduated as Bachelor in Education and in 2007 obtained her degree with honorsas Bachelor in Plastic Arts especialized in graphic engraved at the Toluca School of Fine Arts. In 2010 she obtained her Master degree in Visual Arts at the National School of Plastic Arts in the UNAM and was awarded with the Alfonso Caso medal to the University merits due to her thesis: ¨Fragments of everyday life. Artistic Production as an Strategy for the constitution of a subject.¨ She has made part of around 25 collective and individuals vernisages. In one of them she obtained the first place in the contest ´¨Open art, art for everybody¨¨ convocated by the Leopoldo Flores University Museum. Her work was selected for the Second University Biennial de of the UAEMéx. She has several awards in drawing contests and her pictures has been published in magazines and books at national and international level in countries like Argentina, Colombia, Venezuela, Brazil, Italy, Portugal and Spain. Also she publishes in blogs, literary papers and digital revews. Today she Works as a Teacher and Methodological Advisor in the Plastic Arts field at the Toluca Fine Arts School and she is also a plastic producer since 2006.

Erika Kuhn

Equidistante

Erika Kuhn

¿Quién dijo que hacer un diario supone la búsqueda de la placidez? Es cierto que para poder realizar un sólo trazo es necesario pensar en caminos desconocidos, en encuentros inesperados, en despedidas que hace tiempo se ven llegar, en días cuyo misterio no está aclarado aún, en días sitiados por un sabor salado, en viajes, y aún así yo diría, no es suficiente saber pensar en todo esto. Es necesario aún, haber permanecido sentado junto a los muertos en la habitación, es necesario tener recuerdos, y aún así, tampoco basta con tenerlos. Es necesario saber ordenarlos cuando son muchos y olvidar otros tantos cuando de sobrevivencia se trata, tener la paciencia de esperar a que vuelvan en mirada, en gesto, esperar que regresen ya sin nombre y no se les distinga de nosotros mismos, hasta entonces tal vez, surgen los primeros trazos ya sin tanta angustia. A mediados del 2008 comencé a experimentar y a practicar de manera más consistente el dibujo como una nueva forma de escribir-me. Así que paralelo a mi diario personal (que al parecer cada vez contiene menos líneas), mis “diarios visuales” inauguraron un espacio en el cual mi insistencia, de alguna manera, era no dejarme desaparecer, descubriendo así en el dibujo el camino que permitiría singularizar mi falta. No sería difícil ponernos de acuerdo en definir un diario como, la práctica de un registro de un sujeto frente al fantasma que se ha construido de su falta y de su relación con el mundo, sin embargo, la manera en cómo puedo definir más específicamente a mis diarios visuales es, como un instrumento a través del cual, cada marca, cada trazo, lucha por convertirse en un índice de mi singularidad. De esta manera, el lenguaje escrito en mis dibujos, retiene el tiempo, lo estabiliza, lo ordena y en ese sentido las fechas se convierten en marcas para señalar diversos acontecimientos, vivencias que me llenan de identidad, de sentido, lo mismo que a los lugares y objetos que la contextualizaban. En mis diarios visuales, la construcción de cada una de las imágenes implica el afán de testimoniar un tiempo y construir otro distinto. En ellos no encontrarán una galería de retratos, se trata, más bien de gestos, actitudes, gritos, de tácticas de las

cuales los trazos han sido el instrumento para mostrar la vida en juego, con esto no pretendo decir que ha sido allí figurada o representada, sino que, de hecho, su libertad, su desventura, su mutilación, muchas veces aún su muerte y, en todo caso, su destino, han sido allí, al menos en parte, decididos. El tiempo de mis diarios visuales no es secuencial, con esto quiero decir, no es lineal. Ya que la producción de las imágenes a veces remiten a fechas específicas de mi diario personal y en otras ocasiones al mismo día de su creación. Es decir, los diarios visuales, de alguna manera tienen la posibilidad de atravesar todo, tiempos y espacios se conectan entre sí, pero no a partir de temáticas específicas o de un modelo jerárquico y de continuidad, sino de una manera más libre y aparentemente desordenada. Tal vez valdría la pena para ejemplificar esto que trato de decir, utilizar la metáfora de rizoma, que en biología, es considerado como un tallo subterráneo con varias yemas que crece de forma horizontal emitiendo raíces y brotes herbáceos de sus nudos. Deleuze y Guattari, en éste mismo sentido es que retoman el rizoma como la posibilidad de un modelo organizativo y epistemológicoEl poeta estadounidense Jack Kerouac no pudo haber expresado mejor la característica del rizoma al decir que éste tiene como tejido la conjunción “y...y...y”. Así mis diarios visuales, al igual que el rizoma, no empiezan ni acaban, siempre están entre las cosas, siempre están en el medio, por lo cual no me presupongo en ellos como un sujeto individualizado, separado y distinto de la realidad, sino al contrario, inmerso en ella, que a la par que la construyo me constituyo a mí misma, y entiéndase no en el sentido de que al decir “me constituyo como sujeto” aparezca con ciertas características que me definan o como una realidad sustancial, concreta y presente en alguna parte, por el contrario, si algo soy, soy sólo aquello que resulta del encuentro y del cuerpo a cuerpo que voy teniendo con los dispositivos de mi cotidianidad. Y eso que resulta de cada encuentro, eso que resta, sin duda, es cada trazo, cada línea, cada mancha, cada pegote, cada tachadura, cada letra que albergan mis diarios.

Erika Kuhn

Como quien se va

Erika Kuhn

Entierro

Erika Kuhn

El pรกjaro que fui

Walter Davenport

Observo, luego existo Por Eduardo Lualdi Walter Davenport es un gran ilustrador, caricaturista y diseñador gráfico. Trabajé con él varios años en la Agencia de Publicidad ADV Vázquez, en el área de producción gráfica. Walter es un tipo sensacional, sencillo, cálido en el trato y, por sobre todo, un gran artista. Luego de publicar una obra suya en la tapa de nuestra revista de la Red Mundial de Arte Sede Argentina, surgió en la redacción la necesidad de hacer un reportaje para bucear en el alma del artista Davenport. Walter se define a sí mismo cuando sostiene que “el boceto es el alma del dibujo”, un proceso dinámico de búsqueda y experimentación artística. Eso promete Walter Davenport para un futuro de calidad creativa. —¿Cuándo ubicás el comienzo del arte en tu vida? —Esta respuesta puede ser complicada y sencilla a la vez. Normalmente me preguntan si había antecedentes artísticos en mi familia y generalmente contesto que no, pero teniendo en cuenta que el arte se puede dar en las cosas más simples, cabe destacar la afición de mi abuelo y de mi padre con la fotografía, les apasionaba, eran muy buenos visualmente hablando. Como así también la música, mi padre cantaba tangos y yo toco la batería. La música es una gran inspiración artística. Empecé de grande a ilustrar a nivel profesional, ya que me dediqué al Diseño Gráfico gran parte de mi vida. Vos te acordás que en Vázquez hacía algunas ilustraciones y retoques fotográficos. Incorporaba ilustraciones en los diseños que hacía, por ejemplo, en los estudios en los que trabajé, estaba diseñando un packaging, precisaban una fruta y yo la ilustraba. O en mis propios diseños, mis packs eran muy visuales, tenían mucho de ilustración. Diseñaba y me hacía cargo de las ilustraciones, sin que me las remuneren como tales. Pero a

nivel profesional fue de grande, casi a los 40 años. Fue cuando empecé a publicar en Caras y Caretas en el año 2007, aproximadamente. Dibujé desde pibe. Dibujaba por hobby, desde que tengo conciencia dibujo. En el jardín de Infantes, fijate vos ¡en el jardín de infantes! Me felicitaban por mis dibujos. En la primaria me designaron abanderado porque dibujaba… Esas cosas locas de la escuela. Me acuerdo que en 4º grado en Ciencias Naturales me destacaba dibujando bichos, hojitas… una vez, no recuerdo por qué, dibujé un microscopio y yo me copé haciéndolo con una técnica muy rara. Porque cuando sos pibe dibujás con lo que te dan, una hoja y un lápiz. Había un papel especial para grafito, graduaciones en los lápices, entre otras cosas… y nadie te lo decía. Uno dibujaba con el lápiz más común, un HB que te daban en la escuela. Dibujaba con esos útiles, pero me encontraba con un problema, no lograba un degradado que fuera del blanco al negro pleno. El rango que me quedaba era limitado y no me conformaba. Entonces decidí usar una técnica mixta, tendría nueve o diez años. Yo dibujaba todo lo que podía con ese lápiz negro, y después se me ocurrió que sobre el grafito, al ser graso, el marcador lo podía esfumar con el dedo. Entonces lograba un degradé que, efectivamente, iba del blanco al negro pleno. La técnica que usé para hacer ese microscopio le llamó tanto la atención a la maestra y las autoridades del colegio que me tomaron como un bicho raro. “Mirá las cosas que hace este pibe”, habrán pensado. El colegio mandó ese dibujo al Ministerio de Educación en La Plata1 y en el Ministerio les llamó tanto la atención el dibujo que los tipos creían que era una foto y lo raspaban para comprobar si no los estaban verseando. Por desgracia no pude encontrar ese dibujo, tal vez 1 Ciudad de La Plata, capital de la provincia de Buenos Aires, República Argentina.

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en alguna de las tantas mudanzas que tuve se perdió, pero me gustaría tenerlo para volver a interpretar aquella técnica que usé de pibe, casi por intuición y si era tan así como decían. En el secundario ya se dio la típica: caricaturas de los profesores para burlarlos, la caricatura era ideal para eso. De pibe me gustaba mucho el fútbol. Algo muy común era juntar figuritas para completar el álbum y ganarte una pelota. Recuerdo un álbum en particular que completé, aunque no gané nada, se llamó “Los campeones del ‘76”, en el que trabajó el gran caricaturista Jorge de los Ríos, realizando las ilustraciones de todos los jugadores, y que casualmente, en ese entonces, si mal no recuerdo, Luis Ordóñez era su ayudante. A Jorge tuve la suerte de conocerlo muchos años después. Recuerdo que copiaba esas caricaturas, ahí fue cuando empecé a entender el sentido de la exageración. Así que primero por las figuritas de jugadores de fútbol, por revistas en las que aparecían los equipos de fútbol caricaturizados, por las que les hacía a los profesores de la secundaria, calculo que todo eso influyó para que le tome el gusto a la caricatura. También por entonces trataba de dibujar a partir de fotografías de revistas que encontraba por ahí. Era una cosa rara, porque yo no hacía un plantado o un boceto, dibujaba como si fuera una impresora. Me gustaba dibujar a los famosos de ese entonces como Starsky y Hutch, a la Mujer Maravilla, Olivia Newton-John… yo qué sé, cosas de nuestra época, los dibujaba de modo realista. Tenía buen ojo. Encontré esos dibujos hace poco y los veo bastante bien. Después conocí la revista “Humor”. Las tapas de “Humor” me impresionaron y fue cuando descubrí al genial Carlos Nine, ese señor me voló la cabeza. Esas tapas tenían una magia indescriptible. En mi página de Facebook acabo de publicar una serie de tapas de la revista “Humor” ilustradas por Nine. —Nombraste a Nine, te agrego un nombre, Izquierdo Brown. —Los lápices de Sergio Izquierdo Brown eran geniales, sus caricaturas, todo era genial. No sólo era caricaturista, era ilus-

trador e historietista. Brown, con un apellido de peso, pero hizo la suya. Un Brown que la “hippió”. A Brown no le interesó eso de ser un profesional “políticamente correcto”, a él le gustaba el arte y viajó a Europa donde

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residió un tiempo en España, más precisamente en Ibiza. Volvió a la Argentina, pudo publicar sus geniales trabajos y vivió de eso. No sé cómo lo trató el paso del tiempo, porque éste es un país que castiga a todos cuando se ponen viejos. En otros lugares a esos viejos extraordinarios se los pone en un pedestal y se los valora. Aquí no es así. Izquierdo Brown, para mí, fue una de las fuentes de inspiración de Carlos Nine. Nine arrancó en Humor pintando las tapas que dibujaba Izquierdo Brown. Ambos reconocían como referentes a viejos caricaturistas de la década del 20, de Caras y Caretas. Se trataba de varios caricaturistas, pero los dos citaban en especial a Julio Málaga Grenet y a Juan Carlos Alonso. El primero era un ilustrador y caricaturista peruano autodidacta que es considerado por muchos como el genio de la caricatura peruana, y el segundo era un genial dibujante autodidacta proveniente de Galicia que recalará siendo muy joven en la revista “Caras y Caretas”. Ambos fueros los referentes más importantes que influyeron en ellos. Nine estuvo piola con un tema: le escapó a las etiquetas. En este país lo que ocurre es que te etiquetan. Por ejemplo, “Walter Davenport es caricaturista”. La etiqueta te la cuelgan rápido. Pero yo no soy caricaturista cien por ciento. Soy ilustrador, soy diseñador, me gusta la caricatura que me permite expresar otras cosas. —La etiqueta reduce a un artista a una faceta única cuando eso no es así. —Exactamente. Nine no quiso ser etiquetado. Más allá de lo genial de su arte, lo que más se destacaba en él era su manera de pensar, su mentalidad. Yo creo que un artista se debe destacar por la cabeza distinta que tiene. Primero pasa por la cabeza, por las ideas y luego por la habilidad que tenés para expresar justamente eso que tenés en la cabeza, tus ideas. En cualquier faceta del arte a la que alguien se dedique, si las ideas son limitadas, su creación va a estar limitada. Si tenés una mentalidad abierta, seguramente tu arte se desarrollará de una manera extraordinaria.

Nine no quiso que lo etiquetaran como el caricaturista de una revista que en algún momento pasaba a ser considerada un “arte menor”, más allá de que eso no fuera cierto. Él se despega de la caricatura, y cuando empieza a publicar en la revista “Fierro”, abierta por Cascioli, empieza a publicar historias. Publica ¨Crímenes y Castigos¨, una especie de policial negro en retiración de tapa y contratapa en papel ilustración. Nine, con su técnica impecable de acuarela se destacó, y con esas creaciones edita su primer libro, que fue la recopilación de esas historietas publicadas en “Fierro”. Agarró todas esas ilustraciones, armó un libro a mano, artesanalmente, pegando las hojas, y lo mandó a Francia. En Francia encontró una editorial muy especial, porque sólo en Francia podían apreciar la obra de Carlos Nine… El mercado de EE.UU. es historieta de súper héroes, esos que les meten en la cabeza para que se hagan “súper”, para ir a la guerra y matar a todos. Pero en Francia había mercado para Nine, allí se apreciaron sus ideas, su forma lunfarda, de tango rioplatense, de ironía, y fue muy valorado en el mercado europeo. —A Nine lo mencionás como tu mentor y referente. —Así es. A mí me dicen “¿vos sos autodidacta?” Sí, básicamente es así. Yo nunca fui a aprender dibujo. Pero Nine fue un referente muy importante. —¿Nunca? —Nunca. Yo no fui a ningún lado a aprender dibujo. Soy autodidacta. Pero nunca podés ser cien por ciento autodidacta. Yo aprendí dibujando, pero siempre aparece un referente, alguien con quien te sentís identificado y esa es una manera de aprender. Carlos Nine fue uno de esos referentes. Jorge de los Ríos también puedo considerarlo un referente. Esas y otras influencias de grandes maestros como el genial Oswal y ni hablar de mi gran amigo Carlos Meglia, ambos de mi ciudad de Quilmes, son los que me marcaron en mi trabajo. Nine me partió la cabeza, porque la técnica de la acuarela que usaba era completamente extraña. Era un extraordinario acuarelista, hasta parecía que no era acuarela lo que usaba,

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porque lograba unos volúmenes que parecían hechos con aerógrafo. Y después la morfología. Él hacía caricaturas con una morfología muy particular, a veces una forma caprichosa que no tenía nada que ver con el personaje, pero que estaba dentro de ese personaje, y no se perdía la identidad del mismo. Mostraba un dominio total de la forma. Él entró en mi cabeza y me dejó metido en ese rollo creativo, que entonces me resultaba inaccesible. Años después lo conocí personalmente y de eso hablamos más adelante. Después me pregunté en dónde estaba la gracia de copiar lo que otros hacen y lo hacen muy bien. Pero yo quería poner algo más, y en la caricatura encontré la posibilidad de incluir ese “algo más” que era mí propia observación del personaje

o de la situación. Lo considero como “expresionismo”. Una caricatura puede decir mucho más que una foto. Más allá del chiste o el “yeite” que le metas, es descriptiva del personaje mismo… si lográs captar lo esencial de ese personaje, aunque pueda sonar pretencioso decir que uno captó la esencia de un personaje. A veces me dicen “vos captaste el alma del personaje”. Yo sólo dibujé y lo que produje es mi observación del personaje, como yo lo veo, interpreto y reelaboro, no solo de la cara sino de todo el personaje. En el siglo XVI comienza a emerger un espacio de juego y libertad que luego conoceremos como caricatura. Se creía haber inventado una nueva posibilidad expresiva, un “arte ligero” digamos, principalmente a cargo de los hermanos Carraci.

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Debemos consignar que básicamente se trataba de un ejercicio “privado”, íntimo, una especie de divertimento entre los encargos del arte “serio” que obedecían los mandatos estéticos de la época. Recordemos que estaban en pleno manierismo. La palabra se originaba en “carricare” (cargar, burlar), y por primera vez se recurre a la búsqueda explícita de lo “cómico”, se valora lo cómico como zona de juego, fronteriza con lo revulsivo, y sobre todo porque la gente (los amigos, los íntimos) lo festejaban. De alguna manera es un guiño “populista” pero realizado en la intimidad del taller. Se trataba aún de ejercicios personales del artista, una forma de desahogo secreto y en el fondo, una burla a lo consagrado, al poder, del cual dependía su subsistencia a través de los “encargos”. Quizá fuera una forma de burlarse del patrón. Así como yo dibujaba a los profesores que a veces me resultaban medio pesados, prepotentes o graciosos, ellos dibujaban esos personajes medievales como una manera de descargar sus broncas. “Caricatura” no tiene que ver con cara, Se suele asociar “cari-cara” (rostro), porque hay una confusión en ese punto. “Carricare” del latín cargar, era un grotesco, burlarse de alguien. —Pero la forma en que vos representás un personaje, la morfología a la que te referís, tiene que ver con lo que vos captás de ese personaje. Algo vos percibís del personaje que se expresa claramente en tus obras. —Diste en el clavo. Cuando yo u otro da clases, cuando alguien quiere aprender caricatura, se puede explicar que hay un sistema, un método que se enseña y que se puede aprender. Cuando me ofrecieron dar clases, me resistí por mucho tiempo. Recién en 2015 acepté. Me encontré entonces que todo lo que yo aprendí de una manera “a la que te criaste”, en todo ese recorrido artístico y vital en el que conocí cosas buenas, malas, que me sirvieron o que descarté, me obligaba de alguna manera a teorizar mi experiencia y surgió que no me quedaba otra opción que seguir un “método”. El problema de enseñar con un método es que hace que todos salgan iguales. Cuando un profesor da caricaturas, incluso los mejores, tienen un

método y sus estudiantes salen con esa matriz. Una nariz se hace así, una oreja así, el ojo, la boca, etc. Al alumno hay que explicarle que gran parte de lo que se va a dibujar depende de uno mismo, de la manera que tiene uno de observar y no sólo de un método. Eso no se puede explicar mecánicamente. De mí mismo digo que no sé si soy un gran dibujante o un gran observador. A mis alumnos les digo que el ochenta por ciento del dibujo es saber observar, y un veinte por ciento técnica, buen trazo, buena línea. Pero en la observación está todo. Primero hay que observar, saber observar, no sólo para hacer caricaturas, para dibujar, para pintar… Uno tiene que educar la vista. Hay tres verbos en español para recrear en el lenguaje el sentido de la vista: ver, mirar y observar, pero no tienen el mismo significado. Ver implica percibir o conocer mediante el uso de la vista. Hacer un paneo general si detenernos en nada en particular. Mirar tiene que ver con “dirigir la vista hacia un objeto”, es decir, enfocar algo en particular. Observar es la acción de examinar atentamente una persona u objeto. Para poder observar algo debemos ver el objeto que requiere nuestra atención. La diferencia radica en que en este caso se presta atención cuidadosamente sobre el objeto o persona. Hay artistas que para dibujar una cabeza parten de diseñar una estructura, que es lo académicamente correcto. En cambio yo, más cuando dibujo modelo vivo, suelo hacerlo por manchas, o por contornos, o figura-fondo porque es lo que adopté como método propio y me resulta más fácil. Ir a lo abstracto me ayuda a olvidarme del modelo y de esta forma puentear al bocho sin que me interfiera de manera negativa. Si uno va al recurso anatómico entonces tenés que saber de anatomía y podés entrar en un camino sin salida. Lo que te permite o no dibujar es la cabeza ¡Estamos tan condicionados! Fijate que cuando los pibes dibujan lo hacen libremente. Lo más atávico en el arte es dibujar, la expresión más primaria de un niño es dibujar, no hablar. A un niño pequeño le das un lápiz y va a dibujar, va a hacer algo desinhibido, con total seguridad, no vas a encontrar en el dibujo de un niño vacilaciones; dibujan y colorean sin ningún prejuicio.

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Eso viene de fábrica, luego nos condicionan. Por eso Picasso dijo que “aprender a pintar como los pintores del renacimiento me llevó unos años, pintar como los niños me llevó toda la vida”. A los niños les pedís que dibujen un piso que tiene baldosas y no van a dibujar la perspectiva, sino cómo perciben ese piso de baldosas y las hacen como una grilla vista de arriba, como en el cubismo falsean el punto de vista. Es muy avanzado el arte primitivo de los niños, después nos vamos alejando, nos hacemos verbales, empezamos a escribir y vamos abandonando esa riqueza artística de la niñez. Algunos pierden eso más rápidamente, yo lo he conservado en gran medida como todo dibujante. En la observación está todo y eso tal vez sea algo distintivo en mi trabajo, representado en gran medida en la captación del personaje que se nota en mis caricaturas. —Hablamos de la morfología de tus dibujos, pero yo noto también una manera de expresarte con el color. —El color es a lo que todos le tienen más miedo. Cuando era pibe yo dibujaba sólo en blanco y negro. Papel y lápiz. A lo sumo la tinta. Prácticamente no pintaba nada. Empezar a trabajar profesionalmente en “Caras y Caretas”, se dio de un modo peculiar. Yo tenía algunos dibujos que hacía para mí o para algún trabajo para el estudio. Mónica, mi esposa, armó un blog mío, en el que empecé a subir algunos dibujos. El blog empezó a tener repercusión. Recuerdo que subí una Marilyn Monroe, un dibujo de Pappo. Los blogs eran una red social muy limitada pero era lo que se usaba, y se lograba cierta difusión. Previo a esto, calculo sería en el 2005, había intentado hacer un curso de caricatura en la escuela de Carlos Garaycochea, formadora de la gran mayoría de los dibujantes. El curso era anual, lo dictaba Jorge de los Ríos, pero yo entré en junio, así que ya me había perdido gran parte. Lo quise hacer para formarme más profesionalmente. Ahí conocí también a Santiago Dufour, que es un ilustrador que estaba colaborando con Jorge a dar las clases. Me sirvió para meterme en el mundillo de los dibujantes. Carlos Garaycochea, presidente de ADA (Asociación de Di-

bujantes Argentinos), todos los años organizaba la cena de los dibujantes. La entrada para la cena era un dibujo. Me dijeron “llevá un dibujo” y yo llevé un dibujo de Pappo que había hecho en el curso, realizado todo a pluma con puntillismo. Llevé una copia porque no tenía original, lo había hecho todo por partes, así que hice una buena impresión y la llevé. Pero para la cena se exigía que el dibujo fuera un original, no una copia. Cuando llegó el momento de intercambiar los dibujos Garaycochea pregunta: “¿Quién es el trucho que trajo esta impresión?” Me dije “¡uy! ¡La puta madre, que cagada!”. Así que tuve que levantar la mano y hacerme cargo. Traté de justificarme, dije que no sabía que había que llevar un original. Garaycochea me dijo “está muy bueno, pibe. Pero para la

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próxima traete un original”. Al otro año, hice la Marilyn. Tenía que ir a la cena y no había hecho nada. No tenía nada hecho. Así que dudaba de ir. Una hora y media entes me digo “¿qué hago?” Y veo que tengo una foto de Marilyn que había hecho Tom Kelly, un fotógrafo de Playboy, la primera foto que hizo Marilyn desnuda para Playboy, y en una hora y media, a las apuradas la terminé. La llevé y cumplí con entregar un original. En esa segunda cena conocí a Ezequiel Quines, un gran dibujante de 18 años que trabajaba para Caras y Caretas, quien me dijo “estaría bueno que publiques en Caras y Caretas. ¿Tenés un blog?” Él le avisó al director de arte de la revista, quien entró a mi blog y como le gustó, al toque me encargó una nota que era sobre Macri. Yo creía que me iban a mandar la nota para que la expresara en el dibujo. Creía que mi dibujo debía ser la narración visual de la nota. Pero cuando pedí la nota me dijeron “¡No, hacé a Macri! La nota no está.” ¿Y entonces qué dibujaba? ¿La cara de Macri? Lo que hice fue dibujar un Macri como boy scout, una especie de “siempre listo” en su carrera política. No estaba satisfecho con lo que iba a ser mi primera ilustración publicada, a lo que arremetí nuevamente, logré contactarme con el redactor y conversando con él pude hacer un Macri que tuviera que ver con el texto. Resulta que la nota decía que Macri era el último lobo del neoliberalismo. Entonces ese Macri boy scout que ya tenía dibujado mutó a una especie de Caperusita Roja, con una capa, un lobo por detrás maullándole a la luna y algunos detalles más. Después seguí publicando y adaptándome al sistema sin tanta info. Creo que la segunda caricatura fue de Cristina Fernández de Kirchner. Así se fue dando la publicación editorial. En Caras y Caretas fue más profesional y ya tuve que meter color, aunque me diera miedo. Me costó, pero sobre el color, que era un poco tu pregunta, se me fue dando naturalmente. Descubrí que era otro mundo y me dije ¡buenísimo! Tengo dibujos de modelo vivo con pasteles, porque cuando dibujo modelo vivo que son poses muy rápidas, me llevo los pasteles y ando con las manos llena de pasteles. El pastel está

muy bueno porque te permite hacer, por ejemplo, un esfumado, lo hacés con el dedo y te queda perfecto. Si querés hacer una línea la podés lograr con un trazo, es muy versátil y rápido, no es lo mismo que preparar acrílico o acuarela. Me hice muy amigo del pastel a la tiza. Cuando voy a modelo vivo, cuando veo del natural (distinto cuando me tengo que documentar con una foto), veo miles de colores. Me digo “¿cómo puede haber tantos colores?”, incluso algunos me preguntan “¿dónde ves tantos colores?” y yo les digo que los veo, ahí están, son miles. —¿Das consejos a jóvenes artistas? —Sí, tengo muchos alumnos. —¿De qué edad son tus alumnos? —Variada. Desde gente de nuestra edad a pibes. —¿Entonces qué recomendarías para un joven artista? —Todos llegan con mucha ansiedad... Lo primero que aconsejo es “mucho trabajo”. Hay personas que tienen condiciones naturales, lo que se llama el “don”. El talento se adquiere, no es innato. ¿Cómo se adquiere? Haciendo foco en algo y metiéndole mucho laburo. A mis alumnos por lo general les digo algo que siempre me interesó muchísimo, se llama “motivación intrínseca”. Primero tenés que trabajarlo para vos, como un hobby, la evolución se dará de forma natural, que te resulte placentero. Qué te divierta hacerlo. —Stephen King dice en sus consejos para escritores jóvenes, que la primera condición es que escribir sea un divertimento, un acto placentero. —Exacto. A eso hay que agregarle la auto exigencia. Porque uno puede hacer algo y entrar a una zona de confort, crees que lo que hacés está bueno y te quedás en esa zona. Eso suele ser suicida. Hay que auto exigirse y entonces uno va a poder apreciar su propia evolución. Hago un trabajo, tiempo después lo vuelvo a ver y me doy cuenta que ya lo superé, que evolucioné producto de que me exigí para seguir avanzando

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en el proceso de aprendizaje, en el proceso evolutivo. Divertirse, sentir placer, trabajar y auto exigirse. Cuando uno considera que el trabajo es profesional, recién entonces se puede salir a buscar donde publicar o trabajar. Pero fijate que muchas veces se arranca al revés. Lo primero que me preguntan es “¿Y dónde puedo publicar?”. Repito: divertirse, sentir placer, trabajar y auto exigirse. No dejar de experimentar, mucho de esto se trata de experimentar, probar, ver cosas buenas y malas que hiciste, rescatar lo positivo que se hizo, evolucionar de lo negativo y progresar. —Teniendo en cuenta esa idea de divertirse, trabajar y auto exigirse, ¿qué trabajos tuyos son los preferidos? —Pregunta nada fácil, tal vez podría decirte que estoy orgulloso, por ejemplo, de un Gardel que hice y que es sólo un boceto, ni siquiera es un trabajo terminado. Es un lápiz, nunca lo terminé, pero me encantó cómo le encontré la vuelta a un Gardel que siempre está estereotipado, que siempre tiene que tener la boca grande, la nariz chiquita, como por lo general se lo dibuja. No lo hice mirando a cámara, algo que me hizo notar una artista amiga. Ella me señaló que muchos dibujos míos no están mirando a cámara, sino que está ocurriendo algo en la escena. Es cierto. Mucho depende del punto de partida. A veces de una foto. Yo trato de no trabajar con una sola foto. Ahora estoy haciendo un trabajo nuevo sobre Tango, estoy haciendo intérpretes de tango. Para hacer el trabajo no me limito a una foto, busco varias, veo material fílmico. Trato de no basarme en una sola foto, soy obsesivo en mi manera de trabajar. Cuando una foto no alcanza busco videos o películas del personaje. Algo del “TOC” que tengo. —¿Quién no? —Claro. Yo soy así, busco, me cuestiono. Entrego un trabajo y luego me digo “no, si yo lo puedo mejorar”. —Se vincula a la auto exigencia de que hablaste antes. —Soy muy auto exigente. Nunca estoy conforme. Aunque hay un momento en que entiendo que encontré el rumbo.

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Ocurre que por ahí el rumbo lo encontré en el boceto. Para mí, el boceto es el alma del dibujo. Y ese boceto tiene que ser espontáneo, salir rápido, en poco tiempo, en minutos, hasta segundos. Ahí, en ese breve momento, se manifiesta nuestro inconsciente, la cosa espontánea, la soltura. Ese fue el camino de mi evolución, de aquel joven que dibujaba como si fuera una impresora tratando de copiar una foto, a tratar de captar la expresión más dinámica de un personaje o una situación. Uno, al hacerlo rápidamente, capta lo esencial y no vas al detalle. Un poco lo de que habla la gestalt, de ir de lo general a lo particular. Incluso esos bocetos los dibujo chiquitos, para no concentrarme en el detalle, centrando en la morfología, hasta con formas simples y básicas. El detalle queda para después, es lo artesanal, lo que alguien con técnica puede lograr, sombras, luces, brillos, esos detalles. Eso es lo que “vende” pero no es lo esencial, lo esencial está por debajo de eso, es lo primero que el artista captó y donde reside lo más concentrado de lo que se quiere expresar. Ahora, reflexionando sobre tu pregunta respecto a los trabajos que hice y cuáles son mis preferidos, agregaría que es difícil porque primero uno lucha y odia lo que está haciendo. Cuando lo lográs, te enamorás del trabajo, después viene la búsqueda obsesiva de errores. Y, como es el último, es al que más cariño se le toma. Tal vez no sea el mejor. Pero al último trabajo lo considerás el más evolucionado. Por eso es difícil elegir uno. Hace poco hice una caricatura del Guasón, lo hice de espaldas. Una locura que se me ocurrió a mí, tal vez si se lo presento a un editor me lo rebota. He visto decenas y decenas de este último Guasón, el que interpreta Joaquim Phoenix. Así que sufrí “el bombardeo” de imágenes más o menos parecidas. Y yo no quería hacer más de lo mismo. Siempre trato de ir por otro lado, caprichosamente y para no dejarme influir. Encontré una imagen que hablaba del personaje, de la personalidad, de su locura, de una escena clave y era el Guasón de espalda. Ahora, ¿cómo hacer una caricatura de un personaje de espaldas?

Me tiré a la pileta, lo hice de espaldas, porque antes te dije que caricatura no es sólo cara, porque otro rasgo distintivo de mi trabajo es que yo caricaturizo las manos, los brazos, las piernas, los cuerpos. Lo hice de espaldas con un leve perfil del rostro, mínimo que casi no se ve. Pero en ese gesto mínimo capté al Guasón, más allá de la técnica que usé, porque podría decir que es una técnica impresionista que la hice con pasteles. —En la tapa del número uno de la revista de la Red Mundial de Arte Sede Argentina, nos permitiste, para felicidad de todos los integrantes de la Red, publicar tu Cervantes ¿Cómo llegaste a él? —El Cervantes se dio de una manera muy peculiar. Tengo un amigo y gran ilustrador que, harto del maltrato aquí, se fue a Europa. Su nombre es David Pugliese. David fue designado comisario de la exposición “100 Caras de Cervantes” por los cuatrocientos años de Cervantes, organizado por el Instituto Quevedo de las Artes del Humor de Alcalá de Henares, de la ciudad de Madrid, España. A él le tocó seleccionar a 100 artistas de todo el mundo que ilustraran sobre Miguel de Cervantes Saavedra. Entre esos cien fui invitado junto a Hermenegildo Sabat, Pablo Lobato y muchos otros artistas argentinos y del mundo. Ilustrar, como dije, es expresar algo del personaje, de lo contrario no es ilustrar, es dibujar. El dibujo es una herramienta que puede servir para ilustrar. Ilustrar es narrar visualmente una idea o concepto. Con Cervantes empecé a bucear y se me ocurrió hacer el rostro de Cervantes en caricatura con un libro abierto desplegado, simulando esos raros cuellos que se usaban en esa época, para construir una imagen que sintetice al hombre y su literatura. Aunque debo decir que técnicamente no lo resolví bien, porque mi amigo conociéndome me apuró –yo podía pasar un año pensando lo mejor para ilustrar a Cervantes–, así que me conminó a que lo entregara. De la cara quedó un boceto, incluso en mi página de Facebook publiqué el boceto a lápiz de color celeste, que es como

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hago los bocetos, pero lo ajusté bastante bien. Como no tuve tiempo, lo pasé a blanco y negro y en el Photoshop lo uní con el libro. Pero en la ilustración se notan como dos lápices distintos, el libro muy detallista y la caricatura a la que por ahí le falta una vuelta de rosca. Pero así quedó, gustó mucho y fue expuesto entre los cuadros principales de la Feria. Después recorrió varias ciudades de España y también llegó a China, convirtiéndose en una exposición itinerante.

EL ESTILO

—En todo este trabajo lo fundamental y primario es tener una idea. Dibujar es una cosa, pero plasmar una idea y un concepto, es otra. Lo más importante es usar la cabeza y luego las manos. La habilidad se desarrolla, pero a las manos las manda tu cerebro. Si lo que se hace no dice nada, no sirve. Lo mismo ocurre para un escritor supongo. El ilustrador siempre busca un estilo. Lo que no sé es cuándo un ilustrador comprende que tiene un estilo que le pertenece. Yo trato de comprender si tengo un estilo y me dicen “¡por supuesto que tenés un estilo!” Mi temor es que se confunda “estilo” con estacionarme en una zona de confort y no seguir buceando, experimentando. Evolucionar me preocupa y ocupa. Este año me plantee ser más sintético, algo menos preciosista, pendiente del material fotográfico. Mi dibujo es poco académico, es desprolijo. Algunos suelen elogiarlo como un estilo de línea suelta, libre y expresiva. Qué sé yo, puede que estén todos locos, o tal vez eso sí sea parte de mi “estilo”. Toda la vida, el ilustrador busca un estilo y en esa búsqueda es que evoluciona. Yo creo que todavía no encontré mi estilo, eso me empuja a seguir experimentando y va a ser así hasta el fin de mis días. —Una opinión sobre el uso de las redes sociales. —Ahora con las redes sociales muchas cosas han cambiado.

Pensá que ahora yo me meto en internet, busco a un personaje y surgen cosas que te ayudan a darte una idea amplia de lo que estás necesitando. Pero antes no era así. A muchos de esos viejos caricaturistas e ilustradores apenas les darían una foto, en el mejor de los casos. Esas tapas de Nine de las que te hablé, sus cuerpos, gestos, situaciones… todo eso salía de su cabeza, él creaba la escena. Porque sus personas hablaban, se asombraban, se enojaban. Eso era su creación. Ahora es mucho más fácil. Hasta para venderse hay más herramientas que antes. Cuarentena y actualidad —La pandemia para el ilustrador empieza cuando decidiste dedicarte a esto, porque vivís encerrado, trabajando en el estudio o donde puedas. Desde ese punto de vista, estamos acostumbrados al encierro. Un poco me desespera porque yo soy de andar por la calle al aire libre. Necesito aire, sol, energía. Ahora, la situación de trabajo esta heavy, complicada. Vos sabés que el campo editorial, más precisamente el de prensa, está complicado, muy monopolizado. En cuanto ilustración de prensa, trabajan los que ya están establecidos, muy buenos por cierto. Otros son los “hijos de” o muchos amigos de fulano o mengano. Mucho amiguismo. Desde ya que me gustaría entrar a trabajar en un medio argentino o del exterior, cualquiera, diario, revista, editorial, pero no está fácil tampoco a nivel mundial. He llegado a editores que me dicen “qué bueno, qué lindo, pero por ahora no”. Desde que se cortó Caras y Caretas no pude volver a publicar. Todos los trabajos son particulares. La situación está complicada. No digo que paso hambre, pero hay que galguear día a día.

Poesía

Poetas de la Cafetera He decidido tomarme un café en la Cafetera de la calle El Conde. Este lugar arrastra recuerdos y estando ahí he podido escuchar voces de poetas que desde el 1929 han frecuentado el lugar. No puedo negar que es un lugar agradable para los poetas, en cada tertulia que realizan allí va dejando en las paredes una marca indeleble que aún hoy 23 de julio 2020, se puede respirar poemas con aroma a café. Ya son tres años donde el colectivo de poetas en la Cafetera se instaló e hicieron su morada, cobijada de versos y buscando en aquellos poetas del pasado una oportunidad para seguir escribiendo. ¿Cómo no recordar a los inspiradores de la poesía sorprendida? agrupación literaria que marcó un hito en la historia de la narrativa en la República Dominicana. Cada uno de ellos frecuentaba La Cafetera del Conde y, ahí reunidos, empezaban a tejer sus versos. El origen de la Poesía Sorprendida, ligada a los Triálogos que hicieron los poetas Alberto Baeza Flores, Domingo Moreno Jiménez y Mariano Lebrón Sabañón. ¿Cómo no recordar a nuestra poetiza Aída Cartagena Portalatín, a los poetas Franklin Mieses Burgos y Antonio Fernández? La Cafetera es el lugar de estos poetas; pero de otros también, que como Manuel del Cabral, Pedro Pei y nuestro poeta Nacional Pedro Mir, nos dejaron este lugar cargado de poesías. Poetas en la Cafetera, donde la poesía tiene su espacio, donde tenemos la oportunidad de darnos un baño de cultura dominica en cada una de sus actividades. El colectivo se hace presente en cada celebración por el Día Internacional de la Poesía, participa en la Feria del Libro Internacional de la República Dominicana; pero sobre todo, en las tertulias que realizan cada viernes acompañado del olor a versos y las coplas colándose en el aire, en La Cafetera de la calle El Conde. ¡La Poesía es el clamor del poeta, que vive la vida en el canto del tambor, en el aroma del café y se levanta cada mañana alzando un grito de libertad! La poesía recobra Sonoridad desde el Silencio en las letras

de Alfonso Torres Ulloa quien nos presentó su última obra. El Colectivo de poetas de la Cafetera se honra en acompañar a la poetisa dominicana, Sugel De la Cruz, quien puso a circular su libro: Desnudando el Alma. ¿Que cuesta un verso...? ¿Quién me regala uno...? ¡Tendré que robárselo a la nostalgia! Puede ser corto o largo, pero también que diga la verdad, sin mentiras, sin engaños, solo un verso que procure amar. Así el colectivo Poetas en la Cafetera hizo presentación del libro: “LA DANZA DEL FÉNIX” del poeta, Ricardo Bogaert-Alvarez. Otros libros fueron presentados de los poetas Domingo Acevedo (Antología del Asombro), Ramón Estrella (Nostalgia por tu Ausencia), Alejandra Liera (Latidos), entre otros. Una cosa que no podemos dejar de mencionar, es que en cada Festival de Poesía que realiza el colectivo, reafirma el compromiso de los poetas en mantener viva la Poesía. Ahora compartimos con ustedes escritos de algunos poetas del colectivo de Poetas en la Cafetera:

Poesía

La Poesía

Jacinto Sención Mateo La poesía es el susurro del alma, un canto al deseo, una mirada que compromete. Delata todo aquello que escondemos, que callamos; pero al final, una musa va inspirando cada momento, se alargan las noches, florecen los días y en cada poema, la vida vuelve a renacer. La contemplamos desde los Grisones allá en los Alpes dando origen al Rin, amamantado por arroyuelos cristalinos que como el vino, infunden alegría y sonoridad de la creación que a todos ha de llegar. Tan sólo un canto se teje en toda la Amazonía, donde drenan sus aguas coloridas, encumbradas en las más altas ternuras de las montañas. Armonía irradia, una vegetación que parecería inverosímil para nuestras agrestes miradas, hoy que el mundo camina sin la humanidad. No así el poeta, siempre a la puerta, con el canto de la poesía, escuchándolo todo, las noches que duermen, los días que bailan, mientras que él, sigue amando la vida cada vez más.

Emancipación

Willfrido Velázquez Gómez Suturados espacios, de las fauces del machismo; in-tolerar las penas del desgarramiento, Rosa Parks en un punto, de las intervenciones ante el racismo; valiente fórmula de retribución; por la emancipación; contra un cuento bien elaborado, de particulares beneficios; marginada la esperanza, postura vertical de las gárgolas del templo. Avistadas las incertidumbres, flameante llamas del desprecio, 8 de marzo y 25 de noviembre, nacidos del fuego y la opresión; abismo que digita las manipulaciones. Tus alas de mariposas, hilo indeleble que suscita la columna vertebral de tus auroras; en tu vientre, el verdor de las onomatopeyas, que incrementan el esplendor de las clorofilas de tu valle de primavera, en la absoluta voluntad de tu determinación; hacia las probabilidades de lo imposible. En la mirada inaudita, que frecuenta la vida; en la espera del milagro que cauteriza las imperfecciones en el absoluto enmarcado de tu protagonismo; que difiere de la muerte...

Poesía

El sonido lapidario de la sangre Domingo Acevedo

I El Sonido Lapidario de la Sangre. voy danzando en la voz del viento más allá de la transparencia de los días por venir hasta la unánime presencia del ocaso donde el sol curva el agua en lumínicos destellos donde un oleaje de sombras lo cubre todo donde los árboles azules de la fantasía echan raíces en los escombros perfumados de la noche y donde el olor de las azucenas recorre los caminos sin fin del olvido. II Voy cantando en la voz del viento más allá de los corredores interminables de la sangre donde los espejos repiten la imagen mutilada de mi estirpe donde hay lirios de agua destrozados en los balcones de la alborada donde cuelga del viento un ramillete de pájaros fantásticos por donde unicornios de jade recorren los valles, submarinos de la memoria hasta alcanzar la luna que amanece en los ojos de la quimera. III Escuchen, hay una profunda herida en mi voz en la conciencia de la humanidad retumba el sonido lapidario de la sangre. Dedicado al periodista José Silvestre, asesinado en la Rep. Dom.

Poesía

Luz Del silencio Deivy López

Del silencio la materia va clavando mi mente su ruido casi demente aloca la cordura seria. Mi interior nunca calla del silencio, sonoridad me enseña con caridad duro ruido que no falla. Muchos llegan a locura los que desean el ruido al que medita su fluido lo viste esa armadura. A sabios, verdad ilumina voz elocuente callada en los humildes tallada luz inaccesible germina.

Mutez en silencio clama y sacia de luz mi alma me das saber y calma verbo sonoro que ama. Me hace crecer, la duda al juzgar con la verdad me da gran tranquilidad queda mi palabra muda. Del ruido llega la muerte que distrae mis sentidos los sentidos distraídos impide muy claro verte. De la palabra, solo idea va expresando canción metafísica: mi mansión veo el mundo que crea.