Libro PUNTO by Revista EXCLAMA

EXCLAMA DIRECTOR: JUAN PABLO VALENCIA. CONSEJERA EDITORIAL: ÚRSULA OCHOA. EDITORA: ISABEL C. PRADILLA S. DISEÑO: CAROLINA VARGAS. COLABORADORES PLUMAS: ÚRSULA OCHOA. PAULA BUILES. ARTISTAS INVITADOS: FRANÇOISE BUCHER. ANGÉLICA TEUTA. JHON MARIO ORTIZ. PABLO GÓMEZ URIBE. EDINSON QUIÑONEZ. NADIA GRANADOS. LILIANA ANGULO. MARÍA ELVIRA ESCALLÓN. NATALIA CASTAÑEDA. JOSÉ HORACIO MARTÍNEZ. ARTISTAS DOBLES PÁGINAS: ADRIANA CUELLAR. JOSÉ ARAMBURO. JUAN URIBE. NICOLÁS CUESTAS. SANTIAGO REYES VILLAVECES. Agradecimientos especiales: MARÍA FERNANDA MANCERA. Portada: MELANCOLÍA, 2018, NATALIA CASTAÑEDA. Impresión: IMPRESOS S.A.S.

EXCLAMA ; PUNTO 2019

ÍNDICE PRÓLOGO;P.6 FERIAS DE ARTE;SOBRE EL MERCADO COMO CANON: ÉTICA, GALERÍAS Y FERIAS DE ARTE. P.10 GUÍA PARA COMPRAR ARTE;¿TIENE ARTE? DATOS PARA CURIOSOS Y ENTUSIASTAS SOBRE CÓMO INICIARSE COMO COLECCIONISTA. P.19 EXPOSICIÓN;DISRUPCIÓN Y CONTIGENCIA P.26 ENTREVISTA;MARÍA WILLS. P.94 MANUELA VELÁSQUEZ. P.98 CARLOS URIBE. P.102

PRÓLOGO

Trata una obra de arte como un príncipe, deja que te hable primero. Arthur Schopenhauer. Texto: Úrsula Ochoa

Realizar un libro sobre arte contemporáneo colombiano no parece una tarea fácil; primero, porque se asume la responsabilidad de ofrecer al público un contenido sobresaliente entre muchos otros que encontramos en librerías, y cuyo criterio a veces parece perpetuar estrategias de creación y artistas a quienes les ha sonreído el mercado; eternizando la falsa creencia de que el arte más valioso es aquel que más se cotiza cuando paradójicamente, muchas veces no lo es. Y en segundo lugar, la producción del arte nacional se encuentra conformada por las propuestas de tantos y tantos artistas, que hacer una selección adecuada para que haya no solo un contenido de entretenimiento, sino también de formación, implica tener la claridad de entender que el arte en Colombia no se limita al arte de la capital, y que el arte en Colombia no tiene por qué estar inmovilizado en un discurso exclusivamente sociopolítico debido a las penosas circunstancias actuales. Para esta publicación hemos querido ofrecer una mirada mucho más diversa en relación con los procesos creativos, los lenguajes y los discursos de cada uno de los artistas que componen el libro, pues no está de más recordar, que el arte, siempre seguirá siendo eso: otro misterio que sobrepasa cualquier clase de utilitarismo ideológico. Como propuesta inicial se ha realizado una selección importante de diez artistas colombianos que se han destacado durante los últimos años por ser reaccionarios frente a las imposiciones sociales a partir de sus ideas sobre cómo funciona el mundo: cada una de sus obras señala un grado importante de autonomía frente a las exigencias o los prejuicios del siglo. En este sentido, es necesa-

rio destacar que esta publicación no está enfocada a tratar el arte como un tema de entretenimiento superficial o frívolo. Distinto a eso, y aún estando dirigido a nuevos públicos, tanto las obras seleccionadas como sus creadores y los demás contenidos que aquí asoman responden a preguntas importantes que se están debatiendo actualmente en los espacios teóricos del arte, donde se plantea que si el arte no es un medio complejo para cuestionar y resignificar la verdad solo sería un asunto de gusto, cuya importancia se establecería exclusivamente dentro del orden estético del objeto o la imagen. Escrito lo anterior, proponemos una invitación a cuestionar nuestra realidad desde distintas perspectivas, aunque a veces no sean tan agradables, porque si el arte fuera solamente un fenómeno para complacer el gusto entonces sería tratado exclusivamente en términos de mercado, cuya finalidad se resumiría en existir como un producto de consumo, decorando las salas de estar de una sociedad absorta en hipocresías y prejuicios, perdiendo por completo su independencia y su poder de transformar las realidades, cuando solo complace la mirada. Como segundo componente, se han ubicado en el libro unos temas de reflexión sobre la importancia que han tenido las ferias de arte de

EXCLAMA ; PUNTO 2019

la mano de aquello que durante un tiempo se llamó «El ¡BOOM! del arte colombiano». Aparentemente, ese llamado ¡BOOM! generó un aumento sustancial en la proliferación de espacios, artistas y eventos, entre los cuales se destacan las ferias de arte alternas que se han desarrollado alrededor de la más importante del país: la Feria Internacional de Arte de Bogotá, ARTBO. En el texto Sobre el mercado como canon se buscó abordar algunos aspectos como el criterio y la calidad artística frente a las demandas del mercado, con el propósito de acercar a los lectores a ciertos debates que nos permiten comprender un poco más algunas dinámicas del arte que estamos produciendo ahora. Paradójicamente, justo después de un texto crítico sobre el papel que han jugado dentro del contexto nacional las ferias de arte, ofrecemos unos tips de la galerista y experta en mercadeo del arte Paula Builes, quien expande algunos conceptos y nos proporciona información sobre las bases necesarias que se deben tener presentes al momento de adquirir una pieza de arte o iniciarse en los caminos del coleccionismo. Esto porque sabemos mantener una posición crítica pero al mismo tiempo abierta, y no podemos desconocer la importancia que tiene para el dinamismo y el desarrollo del campo del arte la configuración de las galerías, y las transacciones tanto materiales como simbólicas que se generan en los espacios comerciales.

Así mismo, sumado al propósito de dar a conocer al público más sobre las dinámicas que administran la investigación, la producción y la difusión de las obras, presentamos tres entrevistas a personajes destacados del arte nacional que han realizado un trabajo juicioso manteniendo un sentido crítico desde sus distintas especialidades. María Wills, Manuela Velásquez y Carlos Uribe, son las voces que nos llevarán a reflexionar sobre temas vitales para los debates actuales del arte compartiéndonos cuáles son sus percepciones sobre ellos. Además, hemos decidido brindar al público una especie de presente con algunos artistas invitados por EXCLAMA que se han dedicado a la tarea de elaborar una obra inédita exclusiva para esta publicación, de manera que este libro será valioso y único. Así, para la elaboración de PUNTO, hemos tomado como criterio fundamental reconocer que la fuerza del espíritu creativo debe sostener el sentido de su producción, no protegiéndose del análisis y mucho menos de la crítica, sino siendo autocríticos en el análisis mismo; pues no deberíamos olvidar que siempre hemos apelado al arte como una especie de síntesis superior, es decir, el arte como el principio y el fin de la realidad humana.

ARTISTA INVITADO. JosĂŠ Aramburo. Nada es mejor que algo, 2019. Hoja de papel arrugada.

FERIAS DE ARTE

SOBRE EL MERCADO COMO CANON: ÉTICA, GALERÍAS Y FERIAS DE ARTE. TEXTO: ÚRSULA OCHOA.

FOTOS: ARTBO: CORTESÍA ARTBO, UN PROGRAMA DE LA CÁMARA DE COMERCIO DE BOGOTÁ. BARCÚ: SELECCIÓN DEL ARCHIVO BARCÚ. FERIA DEL MILLÓN: FOTOS DE LA FERIA DEL MILLÓN. ODEÓN: CORTESÍA ESPACIO ODEÓN. FOTO POR AMBIENTE FAMILIA.

FERIAS DE ARTE

Lo mejor que se puede decir de muchas galerías y artistas es que si engañan a los demás, lo hacen porque, con toda la sinceridad de sus corazones, primero han tenido éxito engañándose a sí mismos. James Gardner Cuando James Gardner autor del libro ¿Cultura o basura? (1993), escribía que no hay nada de malo en el deseo de hacer dinero, y que, incluso, el deseo frenético del mundo del arte por hacer dinero era lo más agradable que podemos decir de él; no parecía estar muy equivocado. En primer lugar, la discusión sobre la corrupción y la ética en los asuntos que tienen que ver con ventas y dinero siempre afloran en las conversaciones sobre arte pero lo hacen con un grado de discreción que a veces parece bastante sospechoso. No es sano, por lo tanto, el hecho de que esta codicia nunca aparezca expresada como la cuestión que está detrás de lo que hace la mayoría del mundo del arte, sino como un detalle accesorio1 porque no lo es. En el año 2012 el crítico de arte Guillermo Villamizar publicó una muy interesante investigación sobre la procedencia de una de las colecciones más importantes de arte latinoamericano: la colección Daros, así como las relaciones discursivas de varios artistas que trabajan sobre asuntos sociopolíticos que hacen parte de esta colección, entre ellos: Doris Salcedo, Miguel Ángel Rojas, Luis Camnitzer, Alfred Jaar entre otros. La razón de su suspicacia era más que justa; pues mientras estos artistas promueven unas ideas altruistas y humanitarias o muy comprometidas con el mundo y sus crímenes, sus benefactores promueven exactamente lo contrario. Existe, por lo tanto, una peligrosa tendencia que podemos evidenciar en las ferias de arte cuando se empeñan en comercializar con insistencia aquellas obras que contienen una carga sociopolítica mayor2, y esto 1 ¿Cultura o basura? Una visión provocativa de la pintura, la escultura, y otros bienes de consumo contemporáneos, 1996, p.38. 2 En este sentido, recordemos cómo en la feria de arte

definitivamente no funciona en términos éticos aunque sí lo haga en términos de mercado porque como bien lo mencionó Villamizar: [...] mientras desde el campo de la producción se plantean determinados temas sensibles para la sociedad en general, el camino final de las obras y su conversión en artículos de lujo por el mercado del arte pareciera desdibujar completamente los contenidos iniciales de las obras de arte y, aún más, reducir el papel del artista a un cínico jugador en este mercado que prefiere ignorar las cosas que suceden a su alrededor, para poder continuar alimentando sus arengas estéticas sin que deban ni tengan que asumir ninguna responsabilidad ética por ello3. Sobre lo mismo, Claudia Díaz escribe una serie de notas en su texto Arte Político y Simpatía Ética y una de ellas bien que podría ilustrarnos también sobre lo anterior: «Se comercializa con la posibilidad de los sentimientos compasivos del público, como una iglesia que trafica con el Amor» 4. Ahora bien, ya sabemos que en Colombia las ferias acaparan toda nuestra atención los doce meses del año; pues no hemos terminado de asimilar lo visto en ARTBO y las demás ferias alternas cuando ya estamos escuchando sobre ARTBO Fin de Semana5 o sobre la insipiente expansión de la Feria del Millón en otras ciudades —Medellín, Barranquilla, Cali—. Es allí donde todo empieza a mezclarse, en tanto que las contemporáneo de Madrid ARCO 2015 con Colombia como país invitado gracias a ese llamado «¡BOMM! del arte Colombiano», el tema por excelencia era el conflicto, la violencia y el narcotráfico. 3 Guillermo Villamizar, Daros Latinamerica: memorias de un legado peligroso. En: Pensar la escena. Debates del campo del arte contemporáneo en esfera pública, p. 147. 4 Claudia Díaz, Cambio de Piel, Arte Político y Simpatía Ética. En: Pensar la escena. Debates del campo del arte contemporáneo en esfera pública, 2019, p. 204. 5 [...] un evento que promueve la difusión, circulación y comercialización de los artistas y de sus obras en diferentes espacios expositivos de Bogotá. Durante 3 días las principales galerías, museos, fundaciones y espacios autogestionados de la ciudad ofrecen una programación especial, gratuita y “en horario extendido a sus visitantes”. (Tomado de la página oficial de la feria ARTBO).

FERIAS DE ARTE

transacciones comerciales parecen danzar «armónicamente» con los espacios no comerciales como los museos o los centros culturales en una simpática mascarada. Ya he comentado en algunas ocasiones que la configuración y la evolución de ARTBO produjo una especie de «giro comercial» que opera como la base de todas las manifestaciones artísticas, paradójicamente incluso de aquellas que se indican como «no comerciales», y con ello los falsos valores que promueven aquellos que corrompen al sistema artístico, gracias a una serie de conflictos de intereses son trasladados a estructuras de poder como los museos, todo basado en el poder del mercado que ahora parece el nuevo canon. Sin duda alguna, el interés de Villamizar por la investigación sobre la colección Daros, surgió a raíz de su inquietud por conocer el por qué había una estrecha relación entre los ciclos expositivos del Museo de Arte de la U niversida d Nac ional en Bogotá y su di recto ra /curadora con dicha colección. Así, siendo este solo un pequeño ejemplo que se puede rastrear fácilmente en ciudades como Medellín, cuando la influencia de las galerías impone sus nóminas a los museos y a otros espacios no comerciales para el arte, el criterio y el juicio sobre lo que vale la pena exaltar está determinado por nociones que nada tienen que ver con la calidad de la obra o con el mérito del artista, sino por el valor de la transacción; es decir por este aparente nuevo canon. El precio es al juicio estético lo que los relojes digitales a nuestros relojes de arena, afirmaba James Gardner. En medio de la falta de un criterio verdaderamente crítico, el precio —hemos creído— parece ser un punto infalible para identificar qué vale y qué no vale la pena exaltar. ¡Aquí está la nueva verdad sobre el objeto de arte! ¡aquí está todo lo que uno necesita saber! Así, sobre este

telón de fondo, el problema que me interesa señalar es la falsa creencia de que todo lo que hace parte de un evento como ARTBO tiene ganado el mérito de ser reconocido como lo más destacable del arte nacional, cuando los criterios bajo los cuales se mueven estas selecciones distan mucho de los criterios que rigen las intenciones más profundas sobre el ser de las obras de arte y las motivaciones de sus autores. Escribía Luis Camnitzer —no sin ironía— que, «arte es aquello que pasa por el mercado, mientras que lo que no cabe, es tratado como algo ajeno a este campo». Las discusiones en el mercado no prestan ninguna clase de interés en la calidad del objeto en lugar

de la escala de valores que determina esa calidad, y tampoco se interesan en hacer una diferencia entre la función cultural y la función comercial de la pieza de arte porque de hacerlo, se verían atrapados en un gran embrollo. Por lo mismo, todo queda agotado bajo el mismo nivel de profundidad en una feria, y todo lo que esté insertado allí manipula las percepciones que tenemos de una imagen, un objeto o una obra, tanto como las causas de los fetiches que administran el gusto más popular o el más «refinado». Continúa Camnitzer: Si los efectos de esta relación de poder consistieran solamente en la aceptación de cierto arte periférico6 6 Cuando se habla de arte periférico, estamos haciendo alusión al arte de los países latinoamericanos, pues como bien lo mencionó un organizador de la casa de subastas Christie’s: «Hay una tendencia muy marcada de una mirada hacia las periferias, hacia el arte latinoamericano

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en el mercado hegemónico, y en la comercialización de sus productos comercializables, el tema no merecería mayor discusión [...] Pero las disyuntivas referentes a la corrupción discutidas a nivel individual también operan a nivel colectivo. Los elementos identificatorios, una vez digeridos por el mercado como un elemento formal, retornan a la periferia como un reflejo formado por un espejo autoritativo y autoritario7. Quizá, y con razón, los más críticos consideran que la única forma honesta de ver una obra de arte es olvidando su autor, su procedencia y definitivamente su precio; una fantasía imposible de realizar en tanto que la adquisición de obras en la mayoría de los casos, no responde a una afinidad por el gusto, sino a un interés de inversión. En estos casos, tanto los artistas como las galerías que hacen parte de esta maquinaria monetaria, navegan en el dilema de «cómo utilizar la corrupción sin corromperse», cómo separar unos intereses institucionales del campo comercial, cómo tener la agudeza de promocionar mejores artistas basados en la calidad de su obra y de cómo, por supuesto, no caer en la falacia de promocionar como arte una cantidad de bricolajes y manualidades que muchas veces ni siquiera cumplen con la ordinaria tarea de servir como decorado. *** Ahora bien, atacar al mercado y a las ferias de arte como algo perverso, o señalar incluso su absurdo grado de frivolidad, porque «la sobriedad y el ascetismo del artista de vanguardia, ensimismado en su búsqueda espiritual, queda ya tan lejos como el arte de los griegos», también es bastante fácil; incluso implica cierto nivel de dogmatismo e ignorancia, en tanto que el verdadero reto sería encontrar algunos puntos positivos que nos hagan el trabajo más justo y equilibrado. Más aun, es necesario señalar que el grado de internacionalización que han tenido muchos artistas colombianos, se lo deben, evidentemente, a las dinámicas del mercado.

Que Colombia haya sido el país invitado en la feria ARCO del 2015, o que varias exposiciones a nivel internacional hayan mostrado su interés en Colombia, como por ejemplo Colombia Narrada, una muestra con la cual la casa de subastas Christie’s en Nueva York decidió poner en la mira de importantes coleccionistas al arte nacional, no son casos aislados de este fenómeno; y a pesar de que la atención la reciben generalmente los mismos artistas: Doris Salcedo, Beatriz González, Antonio Caro, Oscar Muñoz, entre otros, esto ha despertado el interés sobre artistas de generaciones más jóvenes que se están concentrando en producir un arte de alta calidad; no solo para las ventas, sino también para contribuir en la evolución de las producciones para el mismo campo del arte. El dinamismo comercial que produjo el interés internacional por el arte colombiano y la atención que es reclamada por una feria como ARTBO con sus múltiples programas pedagógicos y académicos, además de toda su conocida parafernalia, necesitaban ser equilibrados en la medida en que si bien los artistas incluidos en ARTBO podían sentirse amparados bajo una «corriente principal»8; una variedad desbordada en las producciones y los procesos de los artistas fue lo que produjo, en suma, la aparición de otras ferias insulares muchas veces más interesantes —aunque más pequeñas— que la misma feria ARTBO.

que ha sido rotativa: ha pasado por el arte mexicano, el arte argentino, el venezolano. Ahorita está en el mercado colombiano». En: El “boom” del arte contemporáneo colombiano se siente en Nueva York. (10/05/15). Recuperado de: www.elespectador.com/noticias/ cultura/el-boom-del-arte-contemporaneo-colombianose-siente-nue-articulo-559732 7 Luis Camnitzer, La corrupción del arte/el arte de la corrupción. En: De la Coca Cola al Arte Boludo, 2009, p. 56

8 Cuando hablamos de «La corriente principal», realmente estamos hablando del éxito en el mercado. La corriente principal presupone la existencia de un grupo reducido de agentes culturales. «La expresión es el nombre de una estructura de poder que promueve una autoasignada cultura hegemónica». Luis Camnitzer, Acceso a la corriente principal. En: De la Coca Cola al Arte Boludo, 2009, p.23

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Barcú, por ejemplo, es una feria que se encuentra ubicada en un barrio histórico de Bogotá y que presenta una selección de galerías que exhiben en casas con más de 200 años de historia; propuestas de arte urbano, performances, música y talleres para niños son componentes que no aparecen visibles en la feria principal. Por otra parte, en La Feria del Millón, nos encontramos con la particularidad de que las obras que están a la venta tienen el valor de un millón de pesos o menos, convirtiéndose indudablemente en una oportunidad única para los nuevos coleccionistas de conocer el trabajo de artistas emergentes, dado que otra de sus apuestas es la de promocionar artistas que no hayan estado representados por galerías, aunque muchas veces este propósito no se cumpla a cabalidad. Estas dos ferias, por su parte, ya han configurado un público casi específico, activando positivamente otra clase de posibilidades para los artistas de entrar en las burbujas —pequeñas o grandes— del mercado, aunque la calidad de la obra siga siendo un factor secundario. Así mismo, La Feria Odeón, que durante varios años se consolidó como la feria de arte alternativa más importante del país, y que los más críticos consideraban como la feria más interesante de todas, supo mantener durante sus siete versiones un equilibrio entre la calidad de las galerías, las obras presentadas y las dinámicas comerciales que se manejaban allí. Sin embargo, el informe presentado sobre el año 2017 señalaba que la competencia durante los días de la feria era bastante grande y que, a pesar de que la utilidad que dejaban las ventas era considerable, debían plantearse seriamente si el evento seguiría realizándose. En la actualidad, Espacio Odeón continua siendo una de las propuestas alternati-

vas a la feria ARTBO, y aunque ya no está sujeto a dinámicas comerciales continúa destacándose por promover un arte mucho más experimental, donde la interdisciplinariedad y la investigación son sus ejes centrales. Nuevamente volvamos a la frase de Gardner: «No hay nada de malo en el deseo de hacer dinero», pero el criterio sobre lo que vale la pena o no exaltar de las producciones del arte nacional no puede seguir sujeto al criterio que impone el mercado; se debe ser analítico, se debe tener un espíritu que necesite indagar sobre aquello que nos están mostrando, pues como afirmaba Francesca Bellini, directora de Portafolia y profesora de mercadeo del Sotheby´s Institute: «la información está disponible hoy más que nunca», y aquel que esté interesado en guiarse sobre el arte y su mercado «[...] debe visitar exposiciones, ferias y museos. Debe volverse un hábito de vida pues es la manera más eficaz para educar el ojo y desarrollar un pensamiento crítico». Los precios de las obras sin duda revelan algo más que sencillamente un «amor por el arte», porque el arte es algo con lo que cualquier persona, incluso sin ninguna clase de formación, comienza a tener estatus. Aquello que en algún momento constituía la más grande exaltación del espíritu humano, con lo que se asemejaba a su creador, también es la cuna de las más grandes banalidades y el mercado ha sido el responsable. No obstante, este mismo mercado se encarga de que sus artistas puedan surgir dentro de esta cultura de la globalización para ser parte de la nómina de aquellos que hacen «buen arte». Lo paradójico de este asunto es que siempre habrá una feria con piezas de pésima calidad —procesual, discursiva, formal— que alimente el gusto de toda clase de públicos, porque hasta un vaso medio lleno de agua ahora es negociable9. A fin de cuentas, y parafraseando a Roy Liechtenstein cuando alguna vez comentaba sobre la venta de sus cuadros, es difícil encontrar una obra que sea tan despreciable que nadie la quiera comprar, todo el mundo compra de todo; lo que aborrecían en algún momento era el arte comercial, pero en apariencia ya no lo siguen aborreciendo tanto.

9 Recordemos del caso de el Vaso medio lleno de Wilfredo Prieto en la Feria ARCO , 2015.

FERIAS DE ARTE

ARTISTA INVITADO. Adriana Cuellar. Volvernos a conocer, 2019. Técnica mixta: acrílico y velo rojo sobre papel.

Juliรกn Urrego. Amor Amor Hilo sobre papel. 21 x 14 cm. 2013.

GUÍA PARA COMPRAR ARTE

¿TIENE ARTE?

Datos para curiosos y entusiastas sobre cómo iniciarse como coleccionista. TEXTO: PAULA BUILES

Piense en un día cualquiera de su vida: va a mil por hora, de reuniones en reuniones, pasando horas en el tráfico de la ciudad, bajando el scroll del celular como un tic y recibiendo incontables notificaciones en todas sus aplicaciones. Ahora, imagínese que llega a su casa o a su oficina y se encuentra con un objeto que le proporciona una pausa en el día, que lo saca de su rutina y le baja revoluciones —o se las aumenta por el sentimiento que esa pieza le produce—. Ese objeto es una obra de arte y esa sensación no tiene precio. El arte es lo que le va a permitir darse una oportunidad que se puede describir de varias maneras: un alto en el camino, una interiorización, un respiro. No necesariamente va a llegar a la iluminación espiritual pero, en ocasiones, va a poderlo confundir hasta con una meditación. El arte es ese antídoto que le permitirá mirar la realidad de una manera distinta a como está acostumbrado a verla. Será el que le hará observar y experimentar el mundo a través de un lente de conocimientos y sensaciones que le permitirán vivir con un afán diferente al que los tiempos actuales proponen. Coleccionar arte, entonces, se vuelve un ejercicio de desconexión y conexión a la vez: podrá salir de su rutina mientras se conecta con ideales, causas y hasta con la misma humanidad mediante la contemplación, la observación y la reflexión. Si todavía no está familiarizado con esa sensación y desde hace rato viene rondándolo la idea de comprarse una obra de arte, ya sea porque fue a un museo o a una galería y le gustó lo que vio en esa exposición, o porque quiere incursionar en el maravilloso mundo del coleccionismo, siga leyendo. Algunos empezarán buscando una obra de arte que los atraiga estéticamente, pero esté preparado, porque con el tiempo es más

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que probable que empiece a sentir que comprar arte se le volverá algo más: una obsesión, una pasión, una manía e, incluso, una enfermedad incurable. Sentirá que ese antídoto para combatir el tedio y la rutina será necesario en su vida, le hará falta y lo buscará para sentirse mejor intelectual y emocionalmente. Una vez empiece, es muy probable que no haya vuelta atrás. En un principio, las compras estarán acompañadas de miedo, de prudencia y hasta de una seguridad estética. La recomendación es buscar la opinión de alguien bien informado y, aún así, debe saber que no existe una fórmula: puede empezar a comprar piezas de grandes maestros o de artistas emergentes, cada uno le dará diferentes satisfacciones. Si elige empezar con un presupuesto menos osado, los artistas jóvenes son su mejor opción y es hacia ellos que se enfocará este artículo. A lo primero que le debe hacer caso es a la emoción. Usted quiere disfrutar diariamente esa obra porque va a convivir con ella; no compre arte solamente porque está esperando que esa pieza o ese artista se valorice, y tenga presente que por tratarse de arte contemporáneo el consenso aún se está formando y puede ir cambiando. Los artistas jóvenes, como cualquier otro profesional, se pueden equivocar o tomar un rumbo diferente al que usted creyó que iban a tener; eso hace parte de la vida y de la carrera del artista y es lo que le permitirá descubrir el camino que quiere tomar, lo que lo hará crecer y fortalecerse en su trayectoria artística. Por eso, lo más importante es que se haga la pregunta que nadie puede responder por usted: ¿quiere que esa obra haga parte de su vida? Ahora, independientemente del presupuesto que haya destinado, si la obra que compró se empieza a valorizar, eso le confirmará que su olfato fue bueno y, aunque no quiera venderla nunca, esa pieza le dará una mayor satisfacción cuando sepa que ahora vale más de lo que inicialmente invirtió. Los artistas jóvenes, a medida que se les presentan más oportunidades, van avanzando en sus carreras y de ahí que sus proyectos vayan adquiriendo un mayor valor. Al invertir en ellos usted está contribuyendo a fortalecer la escena desde la base de la pirámide: les permite seguir en el mercado del arte, para que investiguen

y mejoren en su trabajo, para que participen en futuras muestras y eventos. Así, la relación coleccionista-artista es directamente proporcional tanto para el crecimiento de sus trayectorias, como para su colección. El asunto con la compra de una obra de un artista joven es que es una apuesta, y eso es lo maravilloso del arte contemporáneo: su decisión se convierte en una parte del puesto que ese artista ocupará en la historia del arte. Por algún lado tiene que empezar y qué mejor sentimiento gratificante que saber que empezó el despegue de su trayectoria gracias a una contribución suya. Ahora, es bueno hacerle caso a su intuición, pero también es muy recomendable que se informe y se asesore. En el caso de las primeras compras, su mejor opción será el mercado primario, es decir comprarle a los principales marchantes del artista que habitualmente son las galerías. Esto, en el caso de los artistas que tienen representación. También hay artistas que prefieren trabajar solos o que aún no cuentan con una galería que los represente. En este punto, lo que usted debe observar, además del gusto por la obra, es la trayectoria del artista, por más joven que este sea. El arte es un oficio, que como cualquier otro, tiene ciertos parámetros. A la hora de realizar una adquisición, es importante que tenga en consideración lo que el artista estudió, en dónde hay publicaciones suyas, en qué muestras individuales y colectivas ha estado; si ha participado en exposiciones en galerías, espacios independientes o en instituciones como museos; cuál es la declaración de ese artista y si es coherente con ella; cuál es el recorrido de su obra y si ve que hay una evolución. Algo importante que debe tener en cuenta es que debe ser respetuoso. Si el artista no es representado, no le pida descuentos como si usted fuera un marchante o un galerista. Póngase en el lugar imaginario en el que su jefe le negocia un porcentaje de su salario, y tenga presente que el artista no tiene quincenas aseguradas. Ahora, si la obra que tanto quiere es de un artista representado por una galería, entonces respete esa relación entre artista-galerista. Las galerías están ahí no solo para acompañar la carrera de sus artistas, sino también para impulsarlos, para

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hacerlos crecer y eso finalmente es lo que más le conviene a usted, porque esa obra se va a valorizar en el tiempo y porque el galerista también velará por su colección: por darle coherencia, peso y sentido. Muchas veces se encontrará con una pieza que lo enamore pero se encontrará en una coyuntura en su vida en la que no contará con todo el presupuesto para comprarla. En ese caso negocie plazos con su galerista o con el artista. Lo importante es tener palabra y ser decente: cumpla los plazos y demuéstrele a ese artista que en realidad valora su trabajo. Ser coleccionista tiene muchas emociones y satisfacciones, pero también viene con ciertas responsabilidades. Su deber será, más que cualquier cosa, estudiar. Pero esto no tiene nada que ver con esa materia que le hacía la vida imposible en la universidad, sino con dedicarle tiempo a lo que más le gusta, así que aquí se va a divertir. Con el tiempo se dará cuenta que lo que empezó como un pasatiempo empezará a transformarse en una fuente de satis-

facciones a medida que va aprendiendo: se encontrará separando fechas en su agenda con inauguraciones y eventos de arte, leyendo revistas y sitios Web especializados y hasta asistirá a conversatorios y seminarios. Estudiar historia de arte siempre será una acertada decisión y no solo lo podrá hacer en universidades, también hay instituciones de educación no formal que ofrecen estos cursos. En sus viajes, buscará y visitará galerías, museos y se programará para ir a bienales y eventos que ocurren en específicas fechas cada cierto tiempo. Empezará a tener un grupo muy diverso de amigos o conocidos con los que compartirá eso tan raro que le produce el arte y que algunas personas de su círculo cercano no entienden o comparten. Este grupo será multidisciplinar: entrarán a su vida artistas, escritores, periodistas, coleccionistas, galeristas y personal de museos. Se encontrará teniendo conversaciones fascinantes, a veces complejas y exigentes y otras veces, simples y graciosas.

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Entenderá también que al estar informado y al tanto de lo que sucede en la escena del arte tendrá un mejor contexto, podrá tomar mejores decisiones en cuanto a sus adquisiciones y también podrá participar más activamente en este interesante mundo. Su responsabilidad como coleccionista se convertirá en un beneficio directo para los artistas: al hablar de sus proyectos y compartir su experiencia con quienes lo rodean, le permitirá a más personas acceder a las obras de estos artistas. Empezará a recibir, incluso, llamadas de instituciones para exhibir algunas de sus piezas en ciertas muestras, y sin saberlo se convertirá en guardián y promotor de esos artistas, ayudando a dinamizar un mercado que hace que como seres humanos nos conectemos mejor: porque a través del arte y del pensamiento de los artistas entenderá, conocerá y disfrutará mejor el mundo en el que vivimos. Además, se dará cuenta de que aquello que le produce una sensación casi espiritual también se convertirá en un continuo deleite de poseer y perpetuar esa búsqueda de «joyas» más preciadas. Coleccionar arte será su orgullo y su refugio al mismo tiempo, lo importante es que lo disfrute y que tenga siempre presente que el arte es eso que le permite sentir lo extraordinario en lo cotidiano. En esta etapa, usted ya llegó a un punto en el que muchas veces una obra lo encuentra sin que usted la busque: en un viaje, en una inauguración o hasta en la casa de otro coleccionista amigo. Aquí, usted sabrá que por más que lo intente batallar y negar, no hay más opción que obtener esa obra para su colección. Ese es el punto del no retorno: el momento en que su estómago le grita que debe adquirir esa pieza y que la pague sin ni siquiera pensar si la va a ubicar en su cuarto, en su estudio o en la sala de su casa. Recuerde esa fecha y esa pieza porque es el día en el que usted dejó de ser comprador para convertirse en un coleccionista.

Con el tiempo llegará también a una fase en donde se encontrará eligiendo obras que nutran su colección para volverla más contundente. Se dará cuenta que la parte estética no necesariamente será la que prima en el momento de escoger una obra, sino una que defina su propia individualidad y personalidad en el contexto del vasto mundo del arte. Buscará obras que aboguen por un ideal o una causa, o se enfocará en artistas de un contexto geográfico o temporal. Quizá escogerá obras que se enmarquen en un movimiento específico o, incluso, sus adquisiciones serán fundamentadas en ciertas técnicas. Aquí, habrá llegado a otro nivel y seguramente no volverá a comprar ciertas piezas, pero esas obras fueron las que le ayudaron a entrenar su ojo y su mente para llegar al lugar en que se encuentra su colección. Sus piezas serán un mapa de su vida y recordará acontecimientos, relaciones, logros y aprendizajes con cada una de ellas. Déjese, entonces, enamorar del arte y disfrute coleccionándolo. Es muy fácil, es muy bonito y será una relación duradera, emocionante y, sobre todo, placentera.

GUร A PARA COMPRAR ARTE

Juliรกn Urrego. No me cures Hilo sobre papel. 21 x 31.5 cm. 2015.

ARTISTA INVITADO. Santiago Reyes Villaveces. Fiebre de Chocó (Atrato) II, 2019. Grafito, oro de 24 quilates y hojilla de oro sobre papel. Pieza Única. Cortesía Instituto de Visión.

EXPOSICIÓN ; DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA

Disrupción y

Contingencia. Curaduría: Úrsula Ochoa

EXPOSICIÓN ; DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA

DIEZ ARTISTAS CONTEMPORÁNEOS EN COLOMBIA. Texto: Úrsula Ochoa

En el transcurso de las últimas décadas, el arte contemporáneo se ha convertido en un tema de actualidad. Por una parte, la atracción que generan sus polémicas cuando el culmen de los debates confronta el sentido y los límites del propio arte; o, por otra parte, porque se trata de un fenómeno (Phenomena, apariencia-manifestación) en cuyas prácticas se exploran las formas que comunican otras posibilidades de ver el mundo, sea porque el artista reconoce en su tiempo, no solo las luces de lo presente, sino también sus sombras; o porque a través de sus trabajos responde a la necesidad de crear sus propios espacios simbólico, tangibles o imaginarios. Nunca el arte nos ha dicho que el sentido del mundo es una cosa o la otra; pero siempre nos ha mostrado sus posibilidades de ser una cosa o la otra. El arte contemporáneo, entonces, fluctúa entre la disrupción y la contingencia: es decir, en ocasiones nos saca de manera abrupta de nuestras zonas de confort y nos muestra crudamente aquello que no queremos afrontar, o nos sumerge en un mundo ambiguo donde la eventualidad puede surgir como algo cierto o falso, como fantasía o realidad dentro de múltiples posibilidades. Así, observemos al arte como un fenómeno en el cual los intentos de transformación del mundo son regularmente promovidos por artistas, quienes parecen manifestar una justa inconformidad sobre las imposiciones históricas y culturales de las cosas; y observemos también las formas estéticas en las que funcionan estos intentos. No obstante, dentro del marco de esta selección, lo que ciertamente me es interesante, es la capacidad de cada uno de los artistas de haber comprendido a cabalidad lo que implica entenderse como un artista contemporáneo en un contexto como el nuestro. En este sentido, se debe hacer énfasis en lo que implica esa noción de «contemporaneidad», porque va mucho más allá del uso

ordinario del término que asegura que se trata de «todo el arte que producimos ahora». Ser un artista contemporáneo implica una condición más compleja que haber nacido en una época, en tanto que la profundidad en el uso del término con tempus, engloba —como bien lo describe Terry Smith— la capacidad de «hacer referencia a una multiplicidad de relaciones entre el ser y el tiempo»; es decir, de tener la conciencia en el aquí y el ahora. Por lo mismo, cada uno de los artistas que hacen parte de esta selección, instauran en sus propuestas tres condiciones desde las cuales experimentamos la contemporaneidad con todas sus arbitrariedades a saber: En primer lugar, aparece el concepto de globalización y la hegemonía frente a una diferenciación cultural producto de la descolonización, así como la desmedida explotación de los recursos naturales. En segundo lugar, la desigualdad entre personas, clases e individuos, consecuencia de fundamentalismos e ideologías culturales y religiosas que propician en algunos creadores, la necesidad de hacer una denuncia y al mismo tiempo de encontrar dinámicas que nos acerquen a los otros, de manera que sepamos mantener unas relaciones sanas con la naturaleza y con nuestra misma especie. Y en tercer lugar, nos encontramos inmersos en un aluvión de imágenes y de información desmedida donde no es posible ya diferenciar lo verdadero de lo falso, gracias a que vivimos dentro de un régimen visual del mundo; por lo tanto y paradójicamente, cada una de estas obras/imágenes configuran testimonios visuales de esas «contemporaneidades». *** El artista François Bucher se destaca por realizar una obra enigmática y compleja pero con una carga poética innegable. Sus proyectos Que muera conmigo el misterio que está escrito en los tigres (2016), Un explorador

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de ruido de fondo cósmico (2017-2019), y Anisotropía # 8 (2018) que hace referencia a la propiedad de la materia según la cual sus cualidades pueden variar dependiendo la dirección en que es examinada, hacen parte del proyecto Contact, título basado en la novela de Carl Sagan que dio origen al film de 1997, y se conforma por una correlación entre imágenes superpuestas, objetos, sonidos y experimentaciones formales que crean una tensión particular entre lo real y la ficción. Bucher se interesa en revisar los sistemas de comunicación entre lo humano y lo «Otro absoluto», y nos advierte que estamos inmersos en un mundo donde cada parte del universo está conectada con un todo de naturaleza infinita a veces desconocida por nosotros. John Mario Ortiz se encuentra interesado en las relaciones que conjugan la ciencia, el arte, la arquitectura y el urbanismo, revisa la noción del habitar —el universo, el planeta, la ciudad—, con agudas reflexiones que afloran en sus trabajos. Atlas (2015), consiste en una serie de dibujos con capas de papel pergamino que tienen como referencia diversas proyecciones de mapamundis; sin embargo, estos no muestran ningún dato geográfico, salvo sus formas geodésicas que sintetizan las diferentes visiones del mundo que habitamos. Nivelaciones (Siembras Nocturnas) (2015), se inspira en los dibujos que Francisco José de Caldas realizó con el fin de estudiar las nivelaciones de las plantas. En la obra, se entrelazan narrativas de la historia y de las ciencias, con el propósito de explorar las relaciones entre la producción del conocimiento y el contexto donde este se genera. En Plan maestro (Dameros) y Estructura para tótem (Pabellón de los mitos de la selva), ambos del 2018, nuevamente toma una figura destacada de la historia, esta vez al maestro Pedro Nel Gómez de quien rescata una serie de proyectos que no fueron llevados a cabo, pero que el artista trae de nuevo al presente para generar una propuesta colaborativa y multidisciplinar. Por su parte, siguiendo con un interés en las formas de resignificar los espacios, la

artista Angélica Teuta tiene una producción amplia de obras interactivas y habitables. Su proyecto REplace/ REquest (2013), es la transformación de un lugar cerrado en un espacio abierto a partir de distintos elementos como proyecciones, sonidos, objetos, entre otros, para generar un ambiente que simula un puerto marítimo, invitando a los visitantes a pasar un momento contemplativo y agradable. Por su parte el proyecto Un poco de nostalgia (2014) tiene la forma de una casa en el árbol y al mismo tiempo parece una torre de vigilancia que posee una ventana falsa con una animación de un paisaje natural; nuevamente hay aquí un lugar para ser intervenido y habitado. Así mismo, en los dos proyectos siguientes Arquitectura emocional: Kiosko (2015), y Arquitectura emocional: Haciendo refugios (2015), la artista genera a partir de la construcción de estructuras en madera y otros elementos, espacios habitables donde se puedan estrechar las relaciones entre los individuos que ocupan estos lugares. Ahora bien, si hay una simbiosis entre el arte, la arquitectura, el urbanismo, así como las formas particulares en las que habitamos el mundo en las obras de los artistas anteriores, Pablo Gómez ve necesario incluir factores como la forma en la que los conflictos sociales y políticos se materializan directa o indirectamente en esa conjunción. En sus obras Todos somos mágicos #1 y #5, que hacen parte de la serie Versiones y/o actualizaciones de las apariencias (cosméticas) en la época del narcotráfico en Medellín (2007); utiliza el recurso semántico con la palabra «mágico» y lo convierte en un vocablo ambiguo en tanto que «mágico» es un término popular que se origina en la ciudad de Medellín para describir a un narcotraficante; con ello, el artista marca una especie de tensión entre el significado literal y la connotación adversa. En los trabajos siguientes La realidad desmorona la representación (2014); Ladrillo de piedra pómez natural sin probar # 1,2,3,4,5 (2018), obra en la cual leemos MEDENYAL, una conjunción de su doble ciudadanía (Medellín y Nueva York);

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y La silla sin asiento (2018), el artista retoma nuevamente el recursos semántico y algunos objetos evocativos que advierten que la aparente permanencia de la cosas, está siempre en peligro de decadencia y desaparición. No obstante, los relatos sobre los conflictos que en la obra de Gómez se manifiestan a partir de revisiones a las ideas de progreso, Édison Quiñonez los remarca de una manera mucho más cruda y humana, donde ya no hablamos de arquitecturas o espacios simbólicos y semánticos, sino que es el cuerpo que habita estos espacios lo que constituye el eje central de su producción. En La herida sana la cicatriz queda (2013), Silueta del departamento del cauca (2014) y Relatos de hechos violentos (2015-2016) el artista, quien ha vivido en carne propia los agravios del conflicto político debido a sus raíces indígenas y a proceder de una región vulnerable, señala que el privilegio de vivir una vida digna es de unos pocos, revelando las consecuencias de un país lleno de corrupción y desigualdades. En el performance Mejor acogida en el más allá (2014), el artista utiliza la hoja de coca para recordar una costumbre indígena en la cual se le colocaba una hoja de coca a los difuntos para que tuvieran una «mejor acogida en el más allá»; permitiéndoles también entrar en contacto con sus divinidades. Y si el privilegio es algo que le pertenece a unos pocos, como bien lo ha remarcado Quiñonez, la artista Nadia Granados en Carro limpio conciencia sucia (2012), evoca el poder fálico proyectado por múltiples objetos de consumo, como por ejemplo la posesión de un automóvil; en este caso, una camioneta que la artista limpia mientras un hombre desde su interior le lanza preguntas y obscenidades para luego cubrirla con una bolsa e introducirla en la maleta del vehículo. Jugando de nuevo con los imaginarios sociales que evocan feminización y sexualidad, en Derramada (2013) Granados utiliza la leche, que tiene connotaciones sexuales, para transgredir esta noción y desestabilizar la sexuación a partir de lo abyecto. Finalmente en Entrevista al

sicario más famoso de las redes sociales (2018) y Colombianización (2018), busca cuestionar el mito transnacional audiovisual de lo narco que se ha convertido en una forma de contar una versión manipulada de la historia de Colombia. Así, mientras Granados grita que vivimos en una sociedad machista e hipócrita, Liliana Angulo advierte que, además, es una sociedad que juzga por el color de la piel y la raza. En obras como Objetos para deformar colonizados que hace parte del proyecto Un negro es un negro (1999), la potente serie de fotografías Mambo negrita (2007), Presencia Negra (2007), y el proyecto ¡Quieto pelo! (2009) en el que retoma el conocimiento de las mujeres afro alrededor de los peinados, la artista conecta a la comunidad y les invita al empoderamiento a partir de la autoconciencia, puntualizando en el fenómeno de la identidad y la representación de la gente negra. Con obras irónicas pero poéticas, Liliana Angulo enfatiza en su trabajo que en un mundo como el nuestro el lenguaje y las imágenes también constituyen sistemas de opresión y diferenciación entre las personas. Por otra parte, sabemos que las relaciones entre el arte y la naturaleza han sido relaciones muy estrechas durante siglos; así, la artista María Elvira Escallón se pregunta por las existentes entre la naturaleza y la cultura en trabajos como la serie Divino fragmento (2003-2005), o en su serie Nuevas floras (2003), donde acentúa las intervenciones hacia la naturaleza, cuyo proceso consistió en tallar sobre seis árboles de un bosque nativo algunas formas arquitectónicas y decorativas que pueden ser encontradas en la ornamentación de los altares coloniales. Por otra parte, la obra En estado de coma, de la serie Cultivos (20052007), consiste en una hierba que crece sobre una cama como si esta fuera el cubrelecho sobre el colchón; la obra nos habla de ausencia y del paso del tiempo. Así mismo, en su obra Polvo eres (2012), sintetiza de manera eficaz, utilizando una frase tallada sobre un muro, la impermanencia y al mismo tiempo la fragilidad del hombre en el mundo. Finalmente

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en Pequeño Museo del Aerolito de Santa Rosa de Viterbo, Eclipse, (2015), se basa en una investigación sobre el aerolito de Santa Rosa de Viterbo que cayó el Viernes Santo de 1810. Natalia Castañeda, por su parte, contempla el paisaje, lo siente, lo estudia y se deja inspirar por este para realizar sus creaciones. Sus piezas son especialmente poéticas y evocan continuamente las cualidades de la materia y el paso del tiempo. En obras como Melancolía (2008), recordamos el enigmático grabado de Alberto Durero donde vemos a una figura alada meditabunda, acompañada de varios elementos, entre ellos un rombo truncado que es el poliedro que aparece en la obra. En el proyecto Ficciones para un mundo presente (2011), propone el reconocimiento de la mirada que observa y se observa, donde los elementos escultóricos y la pintura como una ilusión cobran tras la mirada del espectador un valor especial. En Caricias y pellizcos (2018), el gesto y la huella juegan un papel

importante en un medio como la cerámica, proponiendo un dialogo «entre la izquierda y la derecha, lo duro y lo maleable, lo orgánico y lo artificial, la simetría y el defecto». Finalmente el artista José Horacio Martínez nos lleva de la mano por una maravillosa senda de colores donde la pintura se manifiesta de manera radiante y autónoma. Obras como Pintura roja, de la serie Dibujos nómadas (2008), Memorias del platanal (2014), Manjar blanco en la nieve (2014), El país de Onán, (2018) o Buenaventura-Cali-Madrid, (2015) así como su obra en general, nos recuerda que la vida es en colores, que es movimiento, evidenciado en ese dinamismo chispeante que hay en cada uno de sus trabajo. Martínez manifiesta que sus obras no son para verse de paso, pues en ellas se esconden detalles y pequeños mundos que son creados para darnos la posibilidad de entender la vida con otros ojos.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA; FRANÇOIS BUCHER

El significado oculto de las cosas.

FRANÇOIS BUCHER (Cali, 1972).

«Nuestra propia ciencia con sus radiotelescopios gigantes y computadoras monstruosas es igualmente incapaz de mostrarnos lo que está viendo, de otra forma que no sea a través de su propio teatro de imágenes artificiales codificadas… que son otra historia, creada con el fin de hacer alusión a algo que es esencialmente incomprensible». François Bucher comenzó su formación artística en la Universidad de los Andes en Bogotá que complementó con una maestría en Cine en The School Art Institute de Chicago, luego de lo cual fue premiado con una beca de investigación por el Whitney Independent Study Program en Nueva York. Hasta el 2015 fue profesor visitante en la Academia de Bellas Artes de la Universidad de Umea, Suecia, donde realizó un doctorado en prácticas artísticas. Su trabajo e investigaciones han abarcado una amplia gama de intereses y medios, centrándose en las

cuestiones relacionadas con los problemas éticos y estéticos del cine y la televisión, temas que han sido centrales tanto en sus escritos como en sus proyectos artísticos. Hasta el año 2008 su trabajo puede ser calificado de conceptual y de posicionamiento político. Desde entonces, las ideas de Bucher acerca del mundo han tomado un giro abrupto. Su nueva producción está en diá logo con cuestiones que se pueden describir como interdimensionales. En su obra todo está ínter relacionado: los distintos trabajos están asociados a los demás, formando múltiples suturas que a su vez producen nuevos sentidos inéditos. Las piezas crean elipsis, espacios inéditos de pensamiento que subyacen el campo del conjunto. Sus proyectos artísticos tratan de deconstruir la jerarquía del conocimiento materialista contemporáneo, indagando también en la relación del hombre, su cuerpo y su entorno.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA; FRANÇOIS BUCHER

Que muera conmigo el misterio que está escrito en los tigres, 2016 Emulsión de Gelatina de plata a partir de negativo, 40 x 60 cm.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA; FRANÇOIS BUCHER

Que muera conmigo el misterio que está escrito en los tigres, 2016 Emulsión de Gelatina de plata a partir de negativo.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA; FRANÇOIS BUCHER

Un explorador de ruido de fondo cósmico, 2017-2019 Arriba: Conchas, alambre de acero, 19 x 27 x 12 cm. Abajo: Impresión de pigmento de archivo en papel de algodón.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA; FRANÇOIS BUCHER

Un explorador de ruido de fondo cósmico, 2017-2019 Impresión 3D, 50 x 20 x 30 cm.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA; FRANÇOIS BUCHER

Anisotropía # 8, 2018. Filtro polarizado, acrílico, PET, panel de luz LED, 35 x 35 x 35 cm.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;ANGÉLICA TEUTA

Arquitectura emocional.

ANGÉLICA TEUTA (Medellín, 1985).

«Arquitectura emocional le apunta a la idea de que todos somos arquitectos. Todos somos arquitectos desde que construimos un castillo de sábanas». Artista visual y docente de la Universidad de Antioquia, Angélica Teuta da forma a sus ideas a través de la creación de instalaciones que dialogan con el espacio huésped y su necesidad de realizar ambientes oníricos, utilizando recursos como la construcción DIY (hágalo usted mismo), proyecciones análogas y digitales, materiales domésticos y sonido con el fin de que el visitante adquiera una experiencia de juego. Egresada de la maestría en Artes Visuales de la Universidad de Columbia, Nueva York (2015) gracias a la beca Jóvenes Talentos del Banco de la República, y graduada de la Universidad Nacional de Bogotá (2007) Teuta crea instalaciones específicas a través de las cuales sumerge al visitante en

un ambiente ficticio que habla sobre el contexto o las necesidades que el y su entorno experimentan. Teuta con frecuencia usa el concepto de paisajes naturales como una representación nostálgica de nuestro mundo perdido. Su arte es una experiencia perceptiva que impulsa a los visitantes a cuestionar el mundo en que vivimos hoy. La utopía, la fantasía, los recuerdos de la infancia, los espacios oníricos, los entornos zen y la naturaleza son temas predominantes en su trabajo. Su proyecto Arquitectura emocional combina instalaciones inmersivas ficticias con el interés por el diseño vernáculo y nómada, muebles de bricolaje y estructuras temporales diseñando microespacios dentro de otros espacios, salas ambientales y estructuras al aire libre que crean un universo fantástico y narrativo. «Soy artista visual que desarrolla sus obras a partir del medio la instalación que es un medio que me ofrece flexibilidad ya que me interesa sumergir al visitante, espectador, actor, publicó en una especie de escena- una escena que lo lleve más a un mundo onírico para que sus sentidos se alteren sin utilizar recursos extremos».

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;ANGÉLICA TEUTA

Re place / Re quest, 2013 Instalación inmersiva. Estibas recicladas, retroproyectores de acetato, papel recortado, celofán de colores, resortes, sonido, acrílico translucido de colores, fotografía digital impresa y sonido. Fotogalleriet, Oslo, Noruega en el marco de Colomborama.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;ANGÉLICA TEUTA

Un poco de nostalgia, 2014 Escultura interactiva. 3 x 3 x 4 metros. Madera, video-animación, audio, pizarra con tizas, acrílico y pintura. Galería Wallach, Universidad de Columbia, Manhattan, Nueva York, Estados Unidos

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;ANGÉLICA TEUTA

Arquitectura emocional: Kiosco, 2018 Escultura interactiva. 3 x 3 x 15 metros. Madera, video-animación, collage de tapetes. Galería Casas Riegner. Bogotá, Colombia

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;ANGÉLICA TEUTA

Arquitectura emocional: Haciendo refugio, 2015 Instalación, estructura temporal al aire libre. 3 x 4 x 10 metros. Madera, retazos de madera, video-animaciones, audio, alfombra, libros sobre construcción DIY, arquitectura vernácula y animales, gatos durmientes, acrílico. Centro de Arte Fisher Landau Center, Queens, Nueva York, Estados Unidos.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;JOHN MARIO ORTIZ

Proyectar la existencia.

el papel del arte en las dinámicas de JOHN MARIO ORTIZ transformación de la cultura y exploran (Medellín, 1973). los mecanismos de construcción del conocimiento sobre la realidad. «Me interesa explorar las dimensiones En el desarrollo formal de su obra, mental y física del espacio a escala Ortiz establece una relación tanto humana, arquitectónica, urbana, emocional como mental con los geográfica e incluso cósmica, pues en lugares donde se realiza ya sea de cada una se realiza la aspiración de forma permanente —en el estudio—, proyectar nuestra existencia». o temporal —en una residencia o una exposición—, pues le interesa El trabajo multimedia de John Mario explorar las dimensiones mental y Ortiz, magíster en Artes Visuales física del espacio a escala humana, de la Universidad Nacional, explora arquitectónica, geográfica e incluso las intersecciones entre disciplinas cósmica, pues cada una de estas como la arquitectura, el urbanismo, el constituye un ambiente donde se diseño, la geografía, las matemáticas realiza la noción de habitar. y el arte, campos de donde extrae eleA través de un amplio registro de mentos formales y conceptuales para medios que abarca instalaciones para pronunciarse en torno a las transforsitio especifico, esculturas, dibujos, maciones de la ciudad, la herencia objetos y fotografías, en conjunto con formal de la modernidad, la proyección elementos visuales como la luz, la de los espacios arquitectónicos, las geometría, los instrumentos técnicos, discrepancias entre naturaleza y entre otros recursos; su trabajo reciente cultura urbana y la construcción de se ha dedicado a interpelar la visión nuestras nociones de realidad. proyectiva del mundo construido por Con base en las transformaciones de el hombre moderno, analizando los la cultura visual y material heredadas efectos producidos en los entornos de la modernidad, sus proyectos inves- natural y urbano, así como a cuestionar tigan los fundamentos sobre los cuales las discrepancias entre las nociones de se sustentan los procesos de desarrollo proyecto y la realidad, entre los espacios urbano, revisan ideas aportadas por espacio físico y mental y ente la mentes visionarias, reflexionan sobre naturaleza y la cultura urbana.

DISRUPCIÃ&#x201C;N Y CONTINGENCIA;JOHN MARIO ORTIZ

Atlas, 2015. Papel pergamino, adhesivo, fome-cor negro, madera lacada y vidrio, 45 x 55 cm c/u.

DISRUPCIร N Y CONTINGENCIA;JOHN MARIO ORTIZ

Nivelaciones (Siembras Nocturnas), 2015. Mesas de madera, lรกmparas de escritorio, lentes de aumento, dibujo sobre impresiรณn y perlita expandida, 640 x 580 x 80 cm. (Detalle).

DISRUPCIร N Y CONTINGENCIA;JOHN MARIO ORTIZ

Pรณrtico (Cover), 2018. Madera, chapilla, laca, papel de algodรณn, acuarela y vidrio. 145 x 120 x 6 cm.

DISRUPCIÃ&#x201C;N Y CONTINGENCIA;JOHN MARIO ORTIZ

Plan Maestro (Dameros), 2018 Madera, chapilla y laca. 90 x 85 cm.

DISRUPCIร N Y CONTINGENCIA;JOHN MARIO ORTIZ

Estructura para tรณtem (Pabellรณn de los mitos de la selva), 2018. Madera, tornillos, malla y amarras plรกsticas. 280 x 540 x 540 cm.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;PABLO GÓMEZ

Semánticas arquitectónicas.

PABLO GÓMEZ URIBE (Medellín, 1975).

«Estoy interesado en lo traumático de experiencias que se convierten en marcas que generan nuevos paisajes urbanos y psicológicos». Pablo Gómez Uribe, quien actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York, es arquitecto, artista visual y maestro en diseño de Parsons, The New School for Desing. Nacido en Medellín, alcanzó la mayoría de edad durante las secuelas de los años más violentos de Colombia, en medio de la guerra contra las drogas y los incipientes procesos de paz. Antes de mudarse a Nueva York en 2008, estudió Bellas Artes y Arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia. Fue profesor asociado de Arquitectura en la Universidad Pontificia Bolivariana entre 2007 y 2009; además formó parte de la escuela de artistas del difunto Alberto Sierra.

A través de su formación en estudios de arquitectura, Gómez Uribe desarrolló un compromiso con la solidez estructural que ha inhibido su fascinación por la inestabilidad de las formas. Su trabajo sugiere formas en que lo social, lo político y lo económico chocan y desestabilizan la arquitectura. Sus más recientes exposiciones individuales incluyen presentaciones en la Galería De La Oficina y en la Sala de Arte Suramericana en Colombia. En Nueva York, su trabajo ha sido incluido en exposiciones en The Kitchen, Judson Memorial Church, Susan Inglett Gallery, Hunter College/Times Square Gallery y The New School’s Sheila C. y el Johnson Design Center, entre otros. En 2014 su trabajo fue presentado en la Bienal de Cartagena de Indias.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;PABLO GÓMEZ

Todos somos mágicos #8 (Serie 1/8), 2007. Acrílico y prismacolor sobre madera. 90 x 120 cm.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;PABLO GÓMEZ

Todos somos mágicos #3 (Serie 1/8), 2007. Acrílico y prismacolor sobre madera. 90 x 120 cm.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;PABLO GÓMEZ

La realidad desmorona la representación, 2014. Cartón, madera contrachapada perforada, suelo arcilloso amasado, gancho metálico. Intalación de dimensiones variables.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;PABLO GÓMEZ

Palimpsesto tridimensional/El acto creativo de una explosión, 2018. 5 ladrillos de piedra pómez tallados a mano. 7.5 x 3.5 x 2.5 pulgadas (cada ladrillo).

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;PABLO GÓMEZ

La silla sin asiento / Propuesta de A Park, 2018. Madera pintada. 32 x 14 x 15 pulgadas.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;ÉDINSON QUIÑONEZ

Relatos violentos.

ÉDINSON QUIÑONEZ (Huila, 1982). «El arte es de la élite social. El pobre no compra arte, pero la realidad es de él».

Maestro en Artes Plásticas y magíster en Artes Integradas con el Ambiente, representante legal, gestión, logística, montaje y equipo curatorial en Colectivo 83 desde el 201 y director del colectivo artístico Electrodoméstica desde el 2006, Quiñonez ha venido trabajando su propuesta a través de elementos del conflicto colombiano. Al trasladarse a estudiar y vivir en Popayán, el centro de su investigación, sus intereses han sido principalmente visibilizar la producción cultural y memoria ancestral indígena desde los procesos creativos y artísticos de las comunidades y poblaciones vulnerables, los sembradíos de plantas de coca, los raspachines y todo el proceso que lleva finalmente a producir la cocaína como un producto ilegal, estigmatizado, perseguido y generador de violencia rural y urbana. Aparte de generar una producción artística propia, Quiñonez se ha dedicado a una militancia cultural que lo ha obligado a asumir roles de gestor, curador y conferencista con el ánimo de proyectar sus obras e ideas así como las de varios de sus colegas emergentes

y consagrados; para ello ha utilizado lugares alternativos como bodegas y la cárcel, entre otros espacios, buscando así expandir los escenarios expositivos. «Mi obra comenzó a proyectarse en el segundo lustro de la pasada década en muestras colectivas tanto nacionales —Popayán, Medellín, Cali y Bogotá—, como internacionales —Bremen, Fortaleza, México D.F., Londres, San Francisco, Oslo y Quito—. Toda mi producción plástica e intereses son autorreferenciales. Marcan el tránsito de mi experiencia de vivir en el campo y después mi consecuente traslado para habitar la ciudad. Los modos de ver y percibir la hoja de coca, que van desde la planta ancestral y sagrada hasta las lecturas mediáticas relacionadas con el tráfico, los grupos organizados de mafias y la inevitable identidad de lo nacional relacionada no sólo como país productor sino generador detonante de violencia, es el tema que se trata en instalaciones, intervenciones, dibujos, fotografías y videos. Recreando, relacionando, develando, señalando y centrando un problema que ya parece hacer parte de nuestra idiosincrasia ». La obra de Edinson Quiñonez invita a pensar y reflexionar, elaborando un ejercicio de memoria y de reinterpretación de la misma, al tiempo que busca hacer cicatrices en la memoria, materializando el recuerdo y haciendo que este no se olvide.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA; ÉDINSON QUIÑONEZ

La herida sana la cicatriz queda (escarificación de tatuaje del Dios de la coca), 2013 Performance.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;ÉDINSON QUIÑONEZ

La herida sana la cicatriz queda (escarificación de tatuaje del Dios de la coca), 2013. Performance.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA; ÉDINSON QUIÑONEZ

Silueta del departamento del cauca, 2014 Silueta con balas reales.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;ÉDINSON QUIÑONEZ

Mejor acogida en el más allá, 2014 Morgue performance, proyecto falso O+. Fotografía 50 x 70 cm.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA; ÉDINSON QUIÑONEZ

Relatos de hechos violentos, 2015-2016 Balero de cráneo y hueso humano. Objeto escultórico, dimensiones variables.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;NADIA GRANADOS

Arte que incomoda.

y tecnológico, crea sus performances NADIA GRANADOS para distintos tipos de escenarios de (Bogotá, 1978). acceso público como la Web, la calle, cabarets y galerías, usando recursos «Lo obsceno está en la mirada que asociados a la performatividad de génetiene miedo del cuerpo. No me ro y la guerrilla de la comunicación. Desde el año 2015 ha estado siento obscena». dirigiendo laboratorios de creación La práctica artística de Granados, colectiva de Cabaret Político maestra en Artes Visuales de la Multimedia, con grupos de mujeres UNAM, plantea preguntas a las esartistas y activistas, entendiendo el trategias de manipulación que existen performance como una herramienta detrás de diferentes sistemas de de comunicación alternativa. representación que circulan en los Su trabajo ha sido presentado en medios masivos —noticieros, camexposiciones colectivas, festivales de pañas políticas, reggaetón, Narcotele- video, cine experimental y novelas, etc.— haciendo una critica performance, también en teatros, directa a estas estructuras de poder centros culturales, espacios simbólico utilizando recursos independientes y espacios públicos. audiovisuales . Sus performances se inspiran en los estereotipos sociales alrededor de la mujer latina sexualmente provocativa, una mujer extraída de las fantasías eróticas construidas por los medios masivos y la pornografía, quebrando estos clichés de la sensualidad con acciones donde de cruzan lo obsceno y lo grotesco para generar nuevas lecturas sobre estas corporalidades en relación con temas políticos. Su trabajo es a la vez performático

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;NADIA GRANADOS

Sin título. Vaste et Vague, 2012 Registro de performance. RIAP 2012. 17 encuentro de performance de Quebec. Centro de artistas Carleton/ Canadá. Foto cortesía de: RIAP 2012.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;NADIA GRANADOS

Carro Limpio Conciencia Sucia, 2012 Performance. RIAP Festival, Quebec-Canadá Duración: 1 hora 30 minutos. Foto cortesía de: RIAP 2012.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;NADIA GRANADOS

Derramada, 2013 Performance. Galería Pancho Fierro, Lima-Perú.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;NADIA GRANADOS

Entrevista al sicario más famoso de las redes sociales, 2018 Video performance, del proyecto Cabaret político multimedia, colombianización.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;NADIA GRANADOS

Colombianización, 2018 Del proyecto Cabaret político multimedia. Fotomontaje.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;LILIANA ANGULO

Una historia de resistencias.

LILIANA ANGULO (Bogotá, 1974).

«En los medios hegemónicos y en el circuito artístico, lo afro se entiende todavía como algo abstracto, lejos de las realidades de las personas, entonces hay mucha objetualización y simplificación respecto a lo que es nuestra cultura». Liliana Angulo, artista plástica afro descendiente nacida en Bogotá, graduada de la Universidad Nacional de Colombia con maestría en Artes de la Universidad de Illinois en Chicago, busca contribuir a través de su trabajo en diferentes regiones del país a las luchas de las comunidades afro desde lo colectivo y desde una práctica artística crítica que debilite las manifestaciones del poder cimentadas en la desigualdad social. Su obra explora la memoria y el poder a partir de cuestiones de representación, identidad, discursos de raza y desarrollo; además investiga el cuerpo y la imagen a partir de asuntos de género, etnicidad, lenguaje, historia y política. Angulo indaga estos temas a

profundidad desde prácticas performativas, tradiciones culturales, casos de reparación histórica y el trabajo directo colaborativo con organizaciones sociales de la diáspora africana como el Colectivo Aguaturbia, la red Wi Da Monikongo, y el Consejo Audiovisual Afrodescendiente de Colombia, de los cuales hace parte. Además de varias exposiciones individuales y colectivas en Colombia ha participado en exhibiciones en Europa, Asia, América y el Caribe. Entendiendo la práctica artística como integral se desempeña en todas las dimensiones del campo artístico.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;LILIANA ANGULO

Colonizados - Objeto para deformar – Nariz, 1999. De la serie Objetos para deformar. Proyecto Un negro es un negro. Fotografía a color. Objeto: Joya de filigrana de oro del Pacífico.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;LILIANA ANGULO

De la serie Mambo Negrita, 2006. Fotografía Digital – Instalación. Políptico (Detalle). 88 x 66 cm.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;LILIANA ANGULO

Proyecto Presencia Negra, 2007. Medellín: Retrato de Lucy Rengifo. Fotografía digital. Fotografía basada en la acuarela de Henry Price Medellín: Retrato de una negra,1852.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;LILIANA ANGULO

Peine puño del Poder Negro (Black Power Fist - Afro Pick), 2010. De la serie Afro-Souvenirs. Fotografía Digital.

DISRUPCIÓN Y CONTINGENCIA;LILIANA ANGULO

¡Quieto Pelo Buenaventura!, 2009. Proyecto de construcción colectiva sobre la tradición de los peinados y el cuidado del cabello en las comunidades afro descendientes. Peinadora: Antonia Olave. Modelo: Dora Sirley Angulo. Pastel de Colores. Fotografía Digital.