Revista Fauna by Revista Fauna

Nﾂｺ 01 / Aﾃ前 1 Noviembre-Diciembre 2010

contenido

DATOS pág 06. CHE SANDOVAL pág 08. RODRIGO SALINAS pág 12. TIGERMILK pág 21. JAVIERA MENA pág 24. SONIDOS pág 32. MODA pág 40. RESEÑAS pág 48.

editorial

Directores Claudio Cárdenas K.B. Olivos

Comité Editorial

La idea de crear una revista cuyas páginas contengan información que no tiene cabida en otros medios es un sueño ambicioso, que nace de la necesidad de un grupo de profesionales jóvenes que desean formar parte de una plataforma, donde la multiculturalidad que existe en nuestra región y en nuestro país, se exprese libremente, sin tapujos ni disimulo. Para dichos efectos, el equipo gestor de Revista Fauna, comenzó a reclutar personas que creyeran en la posibilidad de materializar sueños, y que tuvieran las ganas de convertir aquellas ideas locas que vagaban pos sus cabezas en hechos concretos. Hoy vemos nacer la primera edición de un medio que ha sido armado con cariño y esfuerzo, pero que en un corto tiempo ha podido ver la luz para convertirse en un servicio que esperamos, sea del agrado de nuestros potenciales lectores, que son aquellos individuos que buscan tener un mayor acercamiento con la diversa fauna que habita en los apacibles y -a veces- salvajes parajes nacionales. El camino ya está trazado, ahora solo nos queda seguir buscando las formas para poder llegar a más personas y que Revista Fauna se convierta en un refugio cultural que cobije en su diagramación y textos, a aquellos personajes que son ignorados por otros medios, pero que sin duda, tienen mucho que decir y aportar a este complejo sistema en el que vivimos.

Claudio Cárdenas Pablo Guerrero K.B. Olivos Pablo Ponce

Director de Arte K.B. Olivos

Editor Periodístico Pablo Guerrero

Diseño

CUATRO MONOS Estudio Pablo Ponce

Periodistas

Isabel Agurto Sebastian Chávez

Colaboradores Carolina Cue Stjepan Ostoic Álvaro Lopez Gissella Cárdenas Natalia O’ryan Pablo Font Cristina Díaz María José Donoso Kamila Lopez

Fotografía

Claudio Cárdenas

Contacto

www.revistafauna.com contacto@revistafauna.com

IDENTIDAD E IMAGEN CORPORATIVA

diseño de papelería y folletería diseño editorial DISEÑO MULTIMEDIA

ANIMACIÓN FLASH diseño web

datos

ATELIER AC: Vestuario/Diseño/Arte

María José Donoso y Catalina Tapia son las dueñas de Atelier, un lugar donde distintas áreas convergen en un mismo punto, hilvanadas por un común denominador que se reconoce como creación: distintos artistas visuales, recolectores y diseñadores independientes, se presentan en un espacio de experimentación constante, donde se desarrollan activamente talleres de Artes Visuales. Desde el 26 de Octubre, se está impartiendo un taller de Pintura Contemporánea a cargo de María José, Licenciada en Bellas Artes. Atelier AC se encuentra en Avenida Prat 272, Local 4B.

QUE PENA TU SOUNDTRACK

Si te gustó la nueva película de Nicolás López, entonces vas a disfrutar de principio a fin su soundtrack; una selección con lo mejor de los nuevos exponentes del Synth Pop nacional. Efectos Espaciales, Valentina Fel, Astro, Picnic Kibun son parte del repertorio. Escuchalo a través de SOUNDCLOUD: www. soundcloud.com/quepenatuvida/sets/que-pena-tu-soundtrack

Datos Ciclísticos

HERRAMIENTAS: Casa&ideas nos presenta un compacto y novedoso kit de herramientas para la bicicleta. “El set al más puro estilo navaja suiza está conformado por llaves Allen, dados hexagonales, llaves dados, destornillador cruz y paleta y llave tuerca”. $2.990 TALLER: Bicicletería La Naranja realiza reparaciones, mantención y venta de bicicletas urbanas. Tel: 82588808 - (055)760855 REPUESTOS: Northbikes es una empresa antofagastina que vende accesorios, repuestos y bicicletas de alto desempeño. Visita www.northbike.cl ANTOFACLETA: El movimiento de ciclismo urbano realiza cicletadas los últimos sábados de cada mes. Búscalos en facebook por AntofaCleta.

QUE LATA

Constanza Herrera, estudiante de diseño en Santiago, ha creado estas latas de emergencias para salir del paso en situaciones que dan lata. Las hay para el aburrimiento, accidentes, cuando tienes hambre, etc. Un regalo diferente para las fechas que se aproximan. Visita su página web: www.quelata.cl Y contáctala a: contacto@quelata.cl cel: 95326091

MAQUILLAJE PROFESIONAL

EXPOSICIÓN: PANAL, HUMANO EN COLMENA

Rodrigo Rodríguez, connotado diseñador gráfico y fotógrafo de la zona, se encuentra exponiendo durante todo el mes de noviembre en las instalaciones de Biblioteca VIVA su proyecto PANAL, Humano en Colmena, una metáfora sobre la alienación que produce la tecnología en la sociedad actual. NOVIEMBRE. Mall Plaza Antofagasta, Balmaceda Nº 2355.

Paz Poblete, se desempeña como profesional del Maquillaje en el centro de estética Di Cabello y ha trabajado maquillando para la televisión, realiza asesorías y maquillaje a domicilio. Entre los estilos que ofrece están: maquillaje para novias, graduaciones, eventos, fantasía, Body Paint, teatro, etc. También da clases con productos Oriflame a $2.000 por persona. Para contacto y consultas llamar al: 966362593

CHÉ SANDOVAL //////////////////////////////////////////////////////////////////// Entrevista K.B. Olivos / Fotografía: María José Donoso Agradecimientos a Ché Sandoval por la imágen central

EL DIRECTOR DE “TE CREÍS LA MÁS LINDA (PERO ERÍS LA MÁS PUTA)” CONVERSA CON REVISTA FAUNA ACERCA DE SU ÓPERA PRIMA Y NOS CUENTA SOBRE PROYECTOS FUTUROS.

José Manuel todo el mundo lo conoce como el “Che”. Y nos referimos a todo el mundo puesto que el “Che” Sandoval se ha hecho muy popular gracias a la cinta independiente que dirigió y que ha causado furor este último tiempo: Te creís la más linda…(Pero erís la más puta), película que ha sido premiada en varios festivales, nacionales e internacionales, y que en nuestra ciudad pudimos disfrutar gracias al festival ANTICINE, organizado por el equipo de El Otro Cine y la productora Círculo 3. Este chico estudió Dirección en la Escuela de Cine de Chile, de donde precisamente surge su ópera prima. “Te creís la más linda…”narra las desventuras de una noche que vive Javier (Martín Castillo), un joven que arrastra la frustración de no haber “rendido” ante su nueva novia vagando por las calles del barrio Bellavista. Los personajes y situaciones a los que se ve enfrentado conforman una comedia entretenida que retrata “en una jerga muy coloquial” el estilo de vida de un grupo de amigos de clase media alta en Santiago. En la siguiente entrevista el Che Sandoval nos comenta los pormenores y anécdotas que hay detrás de la cinta y algunas novedades de sus futuros proyectos.

CUÉNTANOS DE TI, DONDE ESTUDIASTE Y COMO SURGE LA PELÍCULA: Estudié Dirección de Cine en la Escuela de Cine, ahí puedes tomar especialidades como dirección, dirección de arte, sonido o producción. En el segundo y en el cuarto año se juntan cursos de las diversas áreas y se hace un largometraje de bajo presupuesto. “Te creís la más linda” es la cinta de egreso para mí como director y también para la directora de arte, la productora, etc. El guión lo desarrollé yo; tuve un ramo con Galemiri (Benjamín Galemiri, dramaturgo) que nos hacía escribir hartos cortos de diálogos y había un personaje que yo siempre repetía. Usé unos cortos que habían quedado en el tintero, por ejemplo la escena de los ladrones fue un corto en su minuto, y quería hacer una película con este mismo personaje que estuviera en distintas situaciones, de ahí parte esta cosa que quería contar: una noche de un joven, tipo noche eterna. Yo vivía en La Reina y carreteaba mucho en Bellavista, me tocaba volver a dedo para la casa, entonces también quise incluir algo de eso, la historia misma y los cuatro personajes principales tienen una cierta cercanía con la realidad también. Así nació.

FOTOGRAFÍA: María José Donoso

entrevista

Ché Sandoval presentando “Te creís la más linda (Pero erís la más puta)” en el festival ANTICINE, en Antofagasta.

¿CÓMO SURGE EL NOMBRE DE LA PELÍCULA “TE CREÍS LA MÁS LINDA…”? Fue como un piropo. “Te creís la más” “te creís el más” se usa mucho en Los Simpson y lo estábamos usando coloquialmente entre los amigos también. Alguna vez escribiendo estos cortos que te contaba salió la frase y no tomé conciencia de cúan buena era, después la caché y me pareció genial, sobretodo en el contexto de la película y el personaje principal que estábamos haciendo, que es un tipo bastante resentido, entonces me pareció un buen título, que podía enganchar bien.

EN LA CINTA EL ELENCO ESTÁ CONFORMADO POR UN GRUPO DE AMIGOS QUE NO SON PRECISAMENTE ACTORES PROFESIONALES ¿PIENSAS REPETIR ESTA TÉCNICA EN FUTURAS PRODUCCIONES? Sí, encuentro que las películas pierden la magia cuando aparecen rostros que hemos visto en la tele; pierde todo lo genuino, sobre todo en un cine como el mío, que me gusta que parezca bien de calle, retratar la realidad. No tiene sentido que aparezca Benjamín Vicuña en medio de eso. Con respecto a los amigos, siempre es más cómodo trabajar así, además tenía el

tema del lenguaje, elegí a estos dos cabros que eran amigos del colegio y que usaban una jerga a la cual yo apuntaba. En realidad ellos dos son los más amigos, en cuanto a las dos chicas de la película, una es actriz y la conocimos en un casting y a la otra la encontré en un carrete. La idea siempre fue que los 3 amigos, que son la novia de Nicolás, Nicolás y Javier, tuvieran el mismo tono de hablar porque eso da cuenta de una amistad larga, necesitaba que hablaran de una manera similar. Era una de las cosas fundamentales en la tesis, probar una teoría respecto a el tema de “el habla”: que uno habla lo más cotidiano posible y lo

más particular posible también. No estaba buscando un lenguaje de los jóvenes chilenos, quería que hablaran como lo hacen mis amigos. ¿CÓMO HA SIDO EL RECIBIMIENTO DE LA PELÍCULA EN FESTIVALES DE CINE EN EL EXTRANJERO?

das a la anterior. Creo que la gracia es que las generaciones jóvenes están cada uno haciendo su película, es súper versátil pero el punto en común es el modelo de producción que existe, el concepto social y el concepto industrial que hay para hacer cine que hace que uno sea mucho más

a tener un boom tan grande, realmente fue un éxito de taquilla impresionante. Lo que pasa es que en Hoyts –me voy a meter en un tema bien técnico- solo aceptan películas de 35 mm. Y hacer ese traspaso cuesta 25 millones de pesos. Yo no tenía el dinero para eso, y la sala

“ENCUENTRO QUE LAS PELÍCULAS PIERDEN LA MAGIA CUANDO APARECEN ROSTROS QUE HEMOS VISTO EN LA TELE, PIERDE TODO LO GENUINO, SOBRE TODO EN UN CINE COMO EL MÍO, QUE ME GUSTA QUE PAREZCA BIEN DE CALLE, RETRATAR LA REALIDAD. NO TIENE SENTIDO QUE APAREZCA BENJAMÍN VICUÑA EN MEDIO DE ESO.” Depende del lugar pero en general bueno. En Latinoamérica, especialmente en Argentina fue impresionante como funcionó. De hecho la vamos a estrenar allá y en Estados Unidos pegó bien. En Europa ha pegado pero como que no entienden, creo que tiene que ver con las clases sociales de los personajes, no sé si existe en Europa los cuicos sin plata, tienden a pensar que son pobres y para mí no es así, para mi son cuicos. Igual se ríen, pero se extrañan más de lo que se identifican, la ven más ajena. No así en Latinoamérica y Estados Unidos. FORMAS PARTE DE LA NUEVA GENERACIÓN DE CINEASTAS CHILENOS, ¿CUÁL CREES TÚ QUE ES LA PRINCIPAL DIFERENCIA QUE LOS SEPARA DE LAS PRODUCCIONES ANTECESORAS?

Los años determinan las generaciones, y la de ahora está determinada por la tecnología que hay hoy día no más, sería una lata que la nueva generación haga películas pareci-

libre al momento de contar una historia o el modo en el que va a grabar. No creo que pase por la temática, lo que va a marcar diferencia es el contexto en el que estamos, la salida del HD, así como la salida de persona de diversas universidades, cosa que nunca había pasado. Está saliendo gente de la Católica, Desarrollo, entonces creo que por ahí se van a ir generando nuevos discursos. Ojalá esta generación levante mucho más el cine chileno. EN ANTOFAGASTA PUDIMOS DISFRUTAR DE TU PELÍCULA GRACIAS AL FESTIVAL “ANTICINE”, Y EN SANTIAGO COMERCIALMENTE SOLO FUE PROYECTADA EN EL CINE ARTE ALAMEDA. ¿TE HABRÍA GUSTADO TENER UN ESPACIO EN LA CARTELERA DE CADENAS DE CINE?

O sea, obviamente sí, pero no era una cosa que no haya estado ahí porque no la aceptaran, si no que opté por salir en circuito digital, además que cuando la estrené tampoco sabía que la película iba

digital que tienen se arrienda y si después llega Toy Story te sacan, entonces el trato es mucho más macabro porque tienen todo el derecho a hacer su negocio. En cambio en el Cine Arte Alameda me ofrecieron un mes en cartelera si me iba en exclusiva y finalmente funcionó muy bien, estuvo 4 meses en cartelera, fueron más de 7 mil personas. Fue re bueno para estar con una sola copia. FINALMENTE: ¿EN QUÉ TE ENCUENTRAS AHORA? Y ¿QUÉ SE VIENE PARA EL FUTURO EN CUANTO A UNA NUEVA PRODUCCIÓN? En Enero grabo con L90, que es una productora de Felipe Braun, es una secuela de esta película, todavía no tengo el título y es la misma noche del personaje de la barra, el que pega el combo, espero tenerla lista a fines del 2011.

Jugando a que trabajo RODRIGO SALINAS ES EL TIPO DE AMIGO QUE TODOS DEBERÍAMOS TENER. LEJOS DE CULTIVAR EL ESTATUS DE CELEBRIDAD, UTILIZA ESTAS PALABRAS PARA DESCRIBIRSE A SÍ MISMO,“VIVO CON MI FAMILIA Y NO ME DROGO, COMO VEN NO SOY MUY ARTISTA”. ACCESIBLE, AMABLE, CREATIVO Y LÚDICO, AUNQUE NO LE GUSTE MUCHO ESTE ÚLTIMO TÉRMINO. Entrevista K.B. Olivos / Figura en plasticina: Carolina Cue / Agradecimientos a Rodrigo Salinas por facilitar las imágenes.

ntre las diversas ocupaciones que ha realizado, destacan su trabajo como ilustrador y editor de historietas, fundador del colectivo La Nueva Gráfica Chilena y guionista del equipo de 31 Minutos y Experimento Wayapolis. Todas las empresas en las que se ha embarcado surgen siempre como un sueño; nadando contra la corriente y esquivando la perspectiva de lo razonable. A crear solo por el amor de hacerlo. Su comienzo en el mundo de la creación fue en la carrera de Bellas Artes en la Universidad de Chile, pero la incursión en el mundo de la plástica no fue lo que él esperaba. “Me di

cuenta que el arte era muy serio y las influencias que yo tenía, las cosas que me gustaban eran los cómics. La formación que tenía era prácticamente de historietas”. Sin embargo, su paso por la institución no fue en vano, pues allí conoció a Rodrigo Adaos, fundador de Kiltraza, un fanzine de gráfica experimental e historietas. En Kiltraza se desempeñó como editor por 4 años, pero luego de este periodo una diferencia editorial produjo un quiebre entre él y Adaos, lo que derivó en su salida de la revista. Este fue un momento clave en su vida, ya que a partir de este hecho surgió una nueva alianza, esta vez con Rodrigo Lagos.

entrevista

LA NUEVA GRÁFICA CHILENA “La nueva gráfica chilena (LNGCh) nace de la necesidad de autoeditarnos, que era algo que había entendido en Kiltraza. En el fondo, la única manera de hacer revistas como uno quería era haciéndolo uno mismo. Lo que ya es un poco complicado porque tienes que ponerte con el tema de las lucas y con todo. Desde pensar la revista, hacer la convocatoria, editarla, imprimirla -imprimíamos en Arturo Prat, donde imprimían boletas- y organizar el lanzamiento. O sea, pasarlo mal haciendo revistas y yo venía de eso, entonces tenía ganas de pasarlo bien. Y así parte LNGCh, pensando, quizás vamos a sacar menos revistas en el año en comparación a Kiltraza, pero de mejor calidad y más pensadas”.

bajar. La manera para que las cosas funcionen más rápido es tener la menor cantidad de comités, directores o estructuras, el lema es al que se le ocurre lo hace y nadie lo va a hacer por ti”. Rodrigo siempre ha visto a sus obras como proyectos de bajo

Bajo esta premisa, LNGCh se desarrolla como un colectivo editorial pero que luego -al surgir nuevas inquietudes- va generando proyectos como video arte, performances y películas. Fue precisamente gracias a este último formato, específicamente al filme La Cordillera de los Andes -grabada en video y proyectada en un centro cultural- que Rodrigo junto a parte del equipo de LNGCh (Rodrigo Lagos, Matías Iglesis y Daniel Castro), fueron llamados por la productora Aplaplac para formar parte de la producción de un programa de televisión infantil basado en un grupo de títeres. ¿Su nombre?, 31 Minutos.

“Fue heavy pasar de ese formato (LNGCh) a uno tan masivo como lo es la televisión. Nosotros comenzamos a hacer un programa de títeres y de repente lo veía todo el mundo.”

“En LNGCh somos varios, cada uno tiene también su carrera en solitario y nos complementamos. Se van armando proyectos solos y no necesitamos el permiso de nadie para tra-

i m p a c t o, con un equipo que nunca ha sobrepasado las 30 personas, otorgándole un carácter de bajo costo. En Kiltraza la especialidad era hacer números únicos y cuando había tiraje no sobrepasaban los 500 ejemplares. “Una vez sacamos 1.000 ejemplares y fue la cagá”, señaló Salinas.

Si en el mundo editorial la escuela de Salinas fue Kiltraza, en el mundo televisivo lo fue Aplaplac. Así describe la experiencia: “fue heavy pasar de ese formato (LNGCh) a uno tan masivo como lo es la televisión. Nosotros comenzamos a hacer un programa de títeres y de repente lo veía todo el mundo”. En dicho programa Rodrigo realizó la labor de guionista, se involucró en la creación de personajes y prestó su voz para algunas de las marionetas.

entrevista

RATONCITO Revisando una edición de la desaparecida revista Fibra, pudimos encontrar una ilustración de Salinas donde uno de los personajes es un niño que lleva un sombrero con orejas de ratón. Al consultarle por la figura de Ratoncito y saber cuándo surge en su imaginario, nos responde: “Siempre ha estado junto a mí, desde chico. Siempre me ha gustado Disney, había hecho una historieta que se llamaba Rata Galdames, que era una versión penca de Walt Disney, más bien como un guarén. Era como chilenizar o hacer el universo Disney, más feo. Además siempre he querido disfrazarme de ratón. Hice un programa después de 31 Minutos que se llamaba Experimento Wayapolis y ahí hice de mapache, que es como un primo lejano. Y bueno, cuando me disfracé de Winnis (un superhéroe de LNGCh), también tenía orejas de ratón, y esas orejitas de ratón las ocupé en el colegio cuando estábamos en un grupo de teatro, hicimos un musical y yo era el ratón. O sea para mí es normal. Yo diría que es un personaje que vengo trabajando de los 2 años aproximadamente. Es por la admiración que siento por el mundo Disney. Fui a Disneyworld grande, cuando tenía 30 años y ha sido de los mejores momentos de mi vida”. Su incorporación al Club de la Comedia surgió en un momento crítico. “Yo estaba tra-

plemento es lo que genera proyectos entretenidos. En ninguno de los trabajos en los que he estado tomaba conciencia de que estaba laborando, yo iba por huevear”.

bajando en la ciudad empresarial, había fracasado en mi vida, trabajaba en una productora que era lo peor y don Pedro Ruminot me dijo: “guatón, no hagai esa mugre y vente a trabajar con nosotros a Chilevisión para hacer de guionista. Fui guionista primero y luego le pedí permiso a Pedro para trabajar en unos sketchs puntuales y ahí pude hacer a Ratoncito. Todo fue gracias a Dios y a don Pedro Ruminot que me dio una mano cuando estaba muy mal”. El humor ha marcado la carrera de Rodrigo Salinas, su sentido de lo absurdo y el toque infantil con el que tiñe sus proyectos, se ha transformado para él en casi una filosofía de vida. “He tenido la suerte de trabajar en grupos como en LNGCh, 31 Minutos o El club de la comedia, y me han tocado amigos con lo que nos reímos de las mismas cosas, ese com-

Durante nuestra entrevista le comentamos a Rodrigo que El club de la comedia muchas veces se suele comparar con el fenómeno que produjo el Jappening con Ja en la década de los ochentas. Para Rodrigo Salinas no hay muchas similitudes al respecto. “Por el tipo de humor no se parecen, porque el Jappening era un programa más musical, pero sí en el sentido que es un programa muy masivo, quizás tanto como lo fue el Jappening en su momento. El humor que se podía hacer en dictadura no es el mismo que se puede hacer ahora. Rie cuando todos estén tristes, porque todos estaban tristes de verdad... y con miedo, lo que es distinto a hacer un programa en el 2010 en el que las libertades están aseguradas. Yo entiendo la comparación, pero si esto fuera el Jappening yo sería Gladys del Rio”, señaló.(risas). Como últimas palabras de la entrevista, Rodrigo quiso enviar un mensaje para que se publicara y al que por supuesto accedimos: “Quiero mandarle un saludo a la Tamara, que no sea tan pesá”.

entrevista

OPCIÓN POLÍTICA “A mi me cargaron desde chico a la izquierda, yo me llamo Rodrigo Salvador Salinas, Salvador es por Allende. Desde chico mis papás me hablaban del tema y recuerdo haber crecido con miedo de que estaban los milicos. Para mí la derecha siempre ha sido innombrable y el primer recuerdo cívico que tengo de felicidad fue cuando ganó el NO, recuerdo haber visto junto a mi mamá como contaban los votos. Eso de que se pudiera ganarle a Pinochet, que era el demonio en opinión de mi familia, que se le podía ganar al mal pero con votos fue increíble, en el fondo fue vencer a la muerte votando y votando NO.”

del canal?, si me van a echar fue porque me robé algo o porque hago mal mi pega, no me pueden echar por pensar distinto. “Hay una parte de la canción del NO que dice porque digan lo que digan yo soy libre de pensar, encuentro que es la parte más bonita. Alguien puede decir yo soy de derecha y no le va a pasar nada, lo pueden empapelar a chuchás, pero no lo pueden matar. En el fondo, no podís tener miedo a decir lo que tu quieres. Yo soy de Concertación y espero que en 4 años más que se reorganicen porque no quiero que el próximo presidente sea Lavín, o sea, ¿quién viene

“Me siento muy orgulloso de haber defendido una idea que en el fondo la misma Concertación no estaba defendiendo. Lo de Meo fue asqueroso, que la misma gente de la Concertación termine dándose vuelta la chaqueta lo encuentro asqueroso.” “Más encima la campaña del NO era tan bonita con el arcoíris de la Concertación. Me encantó la huevada. De hecho la mayoría de mis trabajos están influenciados por eso, por el arcoíris, la Concertación.” “Ahora siendo una persona conocida, saliendo en la tele, me invitaron a participar a la campaña de Frei y les dije por supuesto. Fue la primera vez que me ofrecían algo, me hicieron un ofrecimiento real, oye querís apoyar la cuestión y fue la raja lo de No da lo mismo, era obvio que tenía que defender hasta el último momento el ideal de que en el fondo la derecha no podía volver a gobernar después de lo que hicieron. Pero bueno, perdimos.” “También encuentro súper agradable el tener derecho a dar tu opinión y que no te pase nada por eso, porque muchos me decían ahora te van a echar del canal, ¿por qué me van a echar

después?, ¿Patty Maldonado?.” “Me siento muy orgulloso de haber defendido una idea que en el fondo la misma Concertación no estaba defendiendo. Lo de Meo fue asqueroso, que la misma gente de la Concertación termine dándose vuelta la chaqueta lo encuentro asqueroso. En www.vendetta.cl publiqué MEOPRÉN,que en el fondo era un cómic contra Marco Enríquez (Ominami), que para mí representaba lo peor: la gente traidora. No hay nada peor que un traidor dentro de un mismo lugar, porque una persona que fue votada, que fue elegida por votos de la Concertación y que después se le traicione, repudio ese tipo de cosas. Por eso me cae mal Pinochet, porque él era una persona de confianza de Allende. En la vida tu tienes dos posibilidades, tratar de mantenerte recto por un camino o ir dando vueltas por donde te convenga, y yo generalmente prefiero lo primero, aunque eso quizás no te traiga beneficios instantáneos, tienes mas posibilidades que te vaya mal así, siendo consecuente.”

Spin Off de MEOprén. Colaboración de Salinas y Ozyoso

El comic publicado por Salinas: Marco MEOprén.

COMPILADO LNGCh Fue para el Congreso de Diseño y Cultura Gráfica Sudala 2009 que LNGCh decide lanzar el compilado donde se reúne el trabajo de una década, aunque más que trabajo, Rodrigo Salinas lo describe con lo que según él “científicamente se llama hueveo”. “Han sido 10 años de trabajo pero para nosotros no ha sido nada, no nos hemos dado ni cuenta. Lo que yo hice fue compilarlo, pensé que sería bueno recopilar lo que hemos hecho, seleccionar los trabajos más importantes, le pedí a algunas personas que escribieran un texto, la idea era en el fondo darnos cuenta que habíamos trabajado ene sin darnos cuenta”.

entrevista

Entrevista: Isabel Agurto / Agradecimientos a Paulina Tala por la foto

Una emergente artista antofagastina ha comenzado a sonar en las radios nacionales. Es Tigermilk, que ha logrado posicionar el single The Departure de su primera producción, Social Songs From The Woods- en la radio Horizonte, a punta de talento y perseverancia. Paulina Tala tiene 30 años, es antofagastina, pero hoy vive en Santiago, es periodista de profesión y artista por pasión. Con una notable inquietud por la música y el talento necesario para desarrollarla, decidió emprender un proyecto independiente llamado Tigermilk. “Tigermilk nace en el año 2006, por la necesidad de crear temas propios. Antes no me atreví a hacerlo más que nada por timidez, de hecho aún me complica el tema de tocar en vivo”, cuenta Paulina.

¿También fue por timidez que optaste por un nombre de fantasía y no preferiste darte a conocer como Paulina Tala? Nunca me ha interesado darme a conocer. Importa la música y no la persona que la hace. No quiero que mi nombre se identifique tanto

con la música, ya que es solo una de las cosas a las que me dedico.

¿De dónde viene el nombre Tigermilk? Lo tomé del disco debut de Belle & Sebastian, pero fue algo espontáneo. No sabía que nombre ponerle, y entre varios, ese me pareció atractivo. Tigermilk ha surgido a pulso, gracias al ahínco, la constancia y la capacidad de autogestión que permiten hoy las nuevas tecnologías y redes sociales. “Hace 20 años nadie se imaginaba que existiría la posibilidad de hacer música que fuese accesible en cualquier parte del mundo, sin ser parte de un sello multinacional”, detalla la autora. “Gracias a internet y a las nuevas tecnologías puedes grabar lo que quieras y difundirlo vía myspace u otros sitios. Jugar bajo tus propias reglas”.

entrevista

www.tigermilkmusic.com www.tigermilk.blog.com www.myspace.com/ tigermilklikelassie

Arte de el single The Departure

Arte para el EP Social Songs From The Woods

INFLUENCIAS Y PROYECCIONES The Cranberries, Bel Canto, Cocteau Twins, The Cardigans, A Camp, U2, Peter Gabriel, los trabajos solistas de George Harrison, entre otros, son los que menciona Paulina al hablar de influencias musicales. “Hoy en día también escucho Los Jaivas, Arak Pacha, Joakin Bello con el fin de conocer un poco más de nuestra cultura: de fusiones así salen cosas interesantes”.

¿Hay experiencias no musicales que te inciten a crear? Creo que las experiencias de vida son importantes para madurar, moldean tu personalidad. Creces, aprendes, cambian tus gustos, tu manera de pensar y de expresarte; pero han sido las experiencias sonoras las que han marcado mi música, más que algún evento en particular de mi vida. Además, nunca escribo sobre lo

mismo, de hecho, la parte que más me cuesta es la letra, ya que no hablo de mí en las canciones. Por ejemplo, mi nuevo disco tiene canciones dedicadas a la cultura atacameña, sus festividades, creencias, etc.

diar un poco de lo que se sabe sobre los origines del pueblo atacameño, y como soy nacida y criada en Antofagasta, sentí la necesidad de hacer algo relacionado con el desierto y su cultura, que ocupan un lugar importante en mi vida.

El nuevo disco se llama Turi, ¿Qué más se viene para Ti¿qué más me puedes decir germilk en el futuro? sobre él? Por ahora me interesa que salTuri significa casa en kunza y todos los temas están titulados en esa lengua, por mí los habría hecho en kunza por completo, pero no domino el idioma, así que seguí componiendo en inglés, aunque también hay cosas en islandés e italiano. La idea es lanzarlo a fines de este año. Es un cambio en mi música, escuché muchas bandas folclóricas y la idea fue fusionar esos sonidos con mi estilo, además me dediqué a estu-

ga el disco, pero como proyectos, tengo la idea de grabar orquestas de escuelas rurales. Quiero orientarme a escuchar y registrar niños que viven alejados de la urbe y ver si salen cosas interesantes. También seré la banda sonora de la segunda película de Oscar Cárdenas, Una Parte De Mi Vida. Y, por otra parte, quiero desarrollar otras habilidades que no tienen relación directa con la música… y seguir estudiando, si se puede.

//////////////////////////////////////////////////////////////////// Entrevista: K.B. Olivos / Texto: Pablo Guerrero Agradecimientos a Andrés Panes por facilitar imágenes

Javiera Mena tenía una deuda con Antofagasta, su música cosecha excelentes críticas y el público la adora, pero su visita a nuestra ciudad nunca se había concretado. No obstante, la celebración de la fiesta Sri Krishnna Janmastami, realizada durante los primeros días de septiembre en la Academia Vrinda, fue la ocasión perfecta para que esta joven compositora se encontrara cara a cara con sus seguidores antofagastinos. Durante su estadía en la ciudad, la cantante conversó con Fauna acerca de su nuevo disco – Mena – y revisó algunos pasajes de su historia musical.

entrevista

El día de su concierto en la ciudad, fue el mismo en que Javiera lanzaba digitalmente su segundo largaduración titulado “Mena”. El disco, que cuenta nuevamente con la producción de Cristián Heyne, rota fuertemente en las fiestas de la capital y de todo Chile, además de ser considerado por sitios especializados, como uno de los grandes lanzamientos de este año. ¿Qué te pareció Antofagasta y la res- ¿Han habido diferencias entre la producción de Mena y Esquemas Juveniles? puesta del público? La ciudad la encontré linda... los cerros. Llegar en el avión y ver ese paisaje tan desértico fue impactante.

La gente ha sido muy buena onda, me hice muchos amigos cuando terminé de cantar, los encontré muy cultos. El público también, al principio estaba algo tímido pero después se fue soltando, eso pasa en todos lados. Estoy contenta, más encima justo toqué el día que salía mi disco, entonces estaba con una energía muy positiva.

¿Existe alguna temática particular en este disco?

Sí, hay una temática particular, al igual que el otro trata de las sensaciones fuertes que provocan las personas o las situaciones... eso traté de hacerlo con una lírica muy personal... me siento a pensar harto las letras. Mena es una continuación de Esquemas Juveniles, un poco de diario de vida, cosas que me han contado mis amigos, tratar de llegar a lugares comunes que es como funciona la canción pop. En el fondo la canción pop tiene que tener un centro fuerte que viene del coro, alguna palabra, algo que te enganche y eso es lo que yo quería hacer en este disco, canciones pop.

Sí, en el primer disco habían muchas canciones que traje directamente del computador. “Al siguiente nivel”, “Yo no te pido la luna”, eran pistas sacadas prácticamente de mi pieza y las otras las produjimos ahí, pero este disco fue más trabajo de estudio. También trabajamos con más sintetizadores análogos y el anterior fue más presets. Es muy diferente hacer un segundo disco, marca algo, una nueva etapa y creo que ahora va a ser más fluido para sacar un tercero, pero cuesta sacar un segundo álbum, sobre todo si el primero es -como yo sentí- tan querido por la gente, había un poco de inseguridad pero eso después se fue yendo. Quedé muy contenta.

COLABORACIONES En Esquemas Juveniles Javiera tenía como invitado a Gepe en la canción “Sol de Invierno”, uno de los singles del álbum. Entre aquel disco y su nuevo trabajo también la hemos podido escuchar en otros proyectos, mientras que en Mena, su nuevo trabajo, cuenta con la participación de ilustres invitados.

entrevista Tu nuevo album cuenta con invitados como Daniel Hunt de Ladytron y el sueco Jens Lekman, ¿cómo se forjaron dichas colaboraciones?

cual trabajó con varios vocalistas; con la Manu (que era parte de Compiuters); con la Nea; con Valentina Fel, que hace una música más afro-electrónica y la canción que tú mencionas. Nunca vi a Jorge, o sea de repente me llegó la canción terminada, “oye, metimos a Jorge”. Tengo una relación con Jorge, somos amigos, lo conocí en México, siempre nos mandamos canciones por Facebook y hay como una hermandad con él, siento que hay un lazo a pesar de que no nos conozcamos tanto, pero nunca lo vi para la colaboración.

zamos a hablar. Soy fanática de Ladytron, entonces para mí fue increíble que me escribiera, fue allí cuando le pregunté “¿oye querís hacer algo en un tema?” y me dijo “ya mándame las pistas”, él las saturó, le dio toda una producción diferente a una canción que se llama “Sufrir”.

¿Y te gustó el resultado?

La colaboración con Daniel Hunt fue gracias a que él recibió mi disco -se lo mandó Cristián Araya, que tiene un sitio que se llama Super 45-, él me ha ayudado mucho en mis asuntos. Cristián le pasó mi disco a ene gente y resultó que a Daniel Hunt le llamó la atención más que a otras personas, me escribió un mail y comen-

En la misma canción está Jens Lekman, que cuando vino a Chile lo iba a telonear, pero no pude porque tuve un accidente de tránsito, no pasó nada pero igual quedé shockeada, de todas maneras nos conocimos y hubo muy buena onda. Como quería una voz profunda en una parte de una canción, la voz de un hombre, se me ocurrió él ya que es súper masculino y varonil, le pedí que lo hiciera y me dijo “ya”. Recién me mandó un mail contándome que le había encantado el disco, así que buena onda con él.

En la radio se ha escuchado mucho una canción que fue una colaboración entre Jorge González y tú, ¿Cómo surgió aquel dueto?

En aquella canción hice la letra a medias con un chico que se llama Pol (Pablo Infante) que tenía un grupo que se llamaba Compiuters y que hizo un disco que se llama Efectos Espaciales en el

Sí, me encantó. Mucha gente cree que es mía esa canción, pero fue una colaboración.

Mena se lanzó ayer en formato digital y debutó en el primer lugar de Itunes ¿qué te parece que el disco alcance tan rápidamente esa posición?.

Sí, obviamente me informo porque el sello es mío (Unión del Sur) y de Cristián (Heyne), nosotros subimos el disco, por lo tanto estoy haciendo de artista y a la vez de sello, y me entero inmediatamente de todas estas cosas. Lo lanzamos digitalmente primero porque las copias podrían haber salido antes pero nos atrasamos en la imprenta porque el arte es medio complejo. Es mucho más fácil sacar un disco digital ya que se puede obtener en todas partes del mundo. En México por ejemplo -donde hay harta gente que me escucha- este formato es mejor, de hecho hoy se baja todo por internet. Las personas compran el disco cuando te van a ver a los shows, pero los más románticos, los que van a comprar un regalo van a una disquería, pero en general el público descarga el material por internet. Y de hecho el disco ya está pirateado, está en Taringa, en todos lados.

Existe una evolución en tu música desde que comenzaste hasta ahora. ¿Qué conclusiones sacas de dicha evolución?

Ha sido todo muy circunstancial en mi vida, siempre quise hacer canciones y nunca tuve nada, ni clases de música, entonces empecé a probar con la guitarra, con el synth, con el computador, después se me echó a perder el computador, entonces empecé a tocar más la guitarra y ahí salieron todas esas canciones folk, luego comencé a agarrar de nuevo al computador y conocí unos amigos, escuchábamos música electrónica, ahí comencé a trabajar en Esquemas Juveniles, comencé a recordar cosas del pasado como Carole King , The Carpenters y me dije “oh, me gusta mucho esta música, quiero hacer algo así”, salieron nuevas canciones, después como que no... la música disco, esto de bailar que me encanta salió en el disco de ahora, pero todo es parte de mi vida y tampoco es muy pensado, es como “quiero hacer esto”, “quiero hacer esto otro” , como que es un camino que se va dando, tampoco hay mucha ambición en ello, es solamente lo que se va dando, ha fluido así no más, esa es la con-

clusión, ha sido circunstancialmente y también ha sido un proceso lento, no es que de un día para otro yo haya saltado, como lo que se está dando ahora que estoy siendo más reconocida en México y lo de Itunes, creo que no es de un día para el otro, es un camino muy lento, un recorrido de años y años.

Hablando del pasado, ¿qué pasó con el proyecto de PRISSA (Ex televisa)? ¿piensan retomarlo en algún momento?

Tenemos un disco, me encantaría editarlo con Unión del Sur en un momento próximo, porque nunca ha sido editado, son puros demos, onda masterizarlo bien y terminarlo. La Pancha (la otra mitad de PRISSA)está en Berlín, vive allá, ella es artista, está metida en el arte, no se ha dedicado 100% a la música y yo me dediqué más a mi carrera solista, entonces es difícil, creo que cuando vaya a Europa… la otra vez nos juntamos cuando fui a Berlín y tocamos y fue increíble, fluye mucho la música entre nosotras, si es que la veo y me la encuentro me encantaría seguir haciendo cosas con ella pero nada concreto próximamente.

entrevista

GIRANDO EN EL EXTRANJERO Durante los 4 años de diferencia entre las dos producciones de Javiera, la artista ha estado girando en varias ocasiones por el extranjero. Argentina, México y España son algunos de los países donde ha obtenido una creciente popularidad, e incluso ha sido invitada a ser partícipe de importantes festivales como Vive Latino y Primavera Sound. Sin embargo, y a pesar del reconocimiento que ha obtenido, Javiera no ha podido presentar su música en muchos puntos del país.

¿Qué te parece que se te den las cosas para salir afuera y que todavía esté restringido el panorama de giras a nivel nacional?

Ahí te das cuenta que no hay un circuito en Chile tan potente para la música que hago, hay bandas que sí pueden girar mucho, bandas de rock, pero la música que hago es más de nicho todavía. Hasta el momento todavía no he podido girar mucho pero creo que es por eso, o sea, si en Santiago me van a ver 500 personas, en regiones va a ser menos y eso es lo que nos ha pasado hasta el momento, en todo caso ayer nos dimos cuenta que no, que igual había un montón de gente. Creo que eso puede cambiar y ahora puedo ir a tocar a otros lados porque más gente me conoce, pero también es más difícil ya que las distancias son más largas. En el norte, entre una ciudad y otra el trayecto es mucho y el pasaje en avión sale más caro... creo que por eso principalmente, por las grandes distancias que hay en el cono sur. De Buenos Aires a Santiago ya existe una gran distancia, cosa que no pasa en México, que tenís todas las ciudades más cerca, circuitos y mucha gente dispuesta a ir a recitales, a ver música.

¿Cómo fue la experiencia de irte de gira con Kings of Convenience en Europa? Fue super buena porque andábamos en un sleeper bus que tiene cama, tiene sillones abajo, tenía playstation, Internet. Jamás pensé te-

ner esa experiencia en mi vida y menos tenerla de un día para otro, estar en ese nivel con una banda que gira por todo el mundo,fue muy bonito e impresionante. Erlend Øye (parte de Kings of Convenience) me ha ayudado mucho en Europa, antes de salir él me presentaba, no era como un telonero -“bueno ahora les voy a presentar a Javiera Mena, que viene de Chile”-, eso me ayudó un montón y mucha gente de Europa me conoce gracias a Erlend. Fue Increíble. La recepción del público de Kings… fue super buena, me aplaudieron un montón, toqué en Portugal en un teatro lleno, como de ópera, muy elegante, y yo sola con el piano. Me sirvió un mucho para reforzar la confianza en mí misma que me ha costado igual. Después de eso quedé mucho más curtida.

Como ya salió el disco ¿tienes una agenda para el resto del año? Sí, voy a ir a México ahora, quiero armar una banda allá y, no sé, irme uno o dos meses a México. Además voy a tratar de anclar algo con Europa... Madrid y ahí de nuevo hacer shows en Santiago y si es posible para el verano de acá, hacer giras, de norte a sur ya que es mi sueño viajar por Chile que conozco tan poco.

¿Qué piensas que tienen en común esta nueva generación de artistas donde apareces tú, Gepe, Pedropiedra, etc.?

Las edades que tenemos. Estuve con Chinoy y Pedropiedra, nos fuimos juntos a Madrid, cada uno con su estilo, ellos hacen una música super distinta a la mía. Vivimos acá, vemos estos paisajes, nos hace en común la zona en que estamos, más que la música que estamos comunicando, también lo que decías de la radio, de escuchar música en inglés o de afuera y a la vez crear algo tan de acá, teniendo tantas influencias de afuera es super bonito. Eso es lo que creo tenemos en común.

sonidos

NI POR LA RAZÓN NI POR LA FUERZA

25 DISCOS DE ROCK CHILENO QUE HAY QUE ESCUCHAR ANTES DE MORIR

Por: Pablo Font Rojo, editor en jefe de El Otro Cine / con la colaboración de Francisco Diaspro y Wladimyr Valdivia

ace aproximadamente un mes, recibí un mensaje en Facebook de los dueños de Revista Fauna, proponiéndome escribir y encargarme de la sección de música de este medio. El por qué me eligieron todavía me lo estoy preguntando. No soy un melómano ni tampoco paso buscando música ni leyendo revistas especializadas por internet; pero bueno, ellos pusieron su confianza en mí y yo no los iba a defraudar. Así fue que comencé un arduo proceso de brainstorming para saber de qué diablos podía escribir y que no me reemplazaran por otro columnista luego de la primera entrega. Luego de diez tazas de café, media docena de pastillas de guaraná, cuarenta y ocho horas sin dormir y ver un capítulo completo de “El último pasajero” sin hacer zapping, fue que me cayó la teja y vi la luz: hablar de discos chilenos. En este tiempo donde todo lo que se realiza en materia gubernamental tiene el apellido “bicentenario”, la selección chilena jugó uno de sus mejores mundiales y todavía queda carne del asado del 18, no me pareció una idea tan descabellada dentro de todo este ambiente na-

cionalista. Pero no sé si fue la cafeína, el efecto del guaraná, el insomnio o el timbre de voz de Martín Cárcamo lo que generó ir un poco más allá y no hablar sólo por hablar, sino que hacer una selección de discos notables, imprescindibles e imperdibles dentro de los últimos veinte años en materia de rock nacional. El único requisito que me impuse fue que los discos no fueran compilaciones, mejores éxitos o tributos, debían ser LP`s legales y sólo elegir uno por banda o solista. La selección no tiene orden ni jerarquía, es una lista al azar que, según mi opinión, son veinticinco discos chilenos dentro de las últimas décadas que hay que escuchar sí o sí, quizás no son los mejores ni los más representativos; pero sí son álbumes que realmente hay que oír por lo menos una vez en la vida. Quizás faltan muchos, quizás sobran varios o quizás hay mucha diversidad… pero bueno, la idea es generar opiniones y debate entre los lectores. Sin más preámbulos, dejo con ustedes la selección de discos nacionales imperdibles de las dos últimas décadas: 25 discos de rock chileno que hay que escuchar antes de morir: Póngale play ¡los juimos!

sonidos 1. Los Prisioneros – “Corazones” (1990): Sin la presencia de Claudio Narea y dejando de lado las letras políticas y de crítica social, el cuarto disco de Los Prisioneros es un disco completamente profundo y maduro en su totalidad, con un sonido cargado de sintetizadores y baterías electrónicas, donde el desamor, la seducción, la ciudad y la soledad son temas recurrentes entre sus canciones. Un disco que marcó historia; odiado por algunos y amado por otros, pero de todas maneras, un ícono dentro de la discografía del rock nacional.

2. Los Miserables – “Futuro Esplendor” (1992): El segundo disco de estudio y el primero de larga duración de la banda más importante de punk rock de nuestro país, hace eco de la disconformidad que siente la agrupación por el sistema y la corrompida sociedad. Este disco es la declaración de principios más significativa que se haya musicalizado después de que lo hicieran grandes como Víctor Jara o Violeta Parra. Con un sonido ska que predomina, escasos acordes y pegajosos ritmos, es un álbum no apto para empresarios, curas ni violadores de derechos humanos.

3. Los Peores de Chile – “Los Peores de Chile” (1994): Tan sólo dos discos forman parte de la historia de esta emblemática agrupación punk. Su primer LP combina los más sucios acordes del punk rock con rockabilly, incorporando gotas de jazz y comandado por la voz desahuciada y “rottenizada” actitud de Pogo, su líder y vocalista. Para muchos, la única banda real de punk que haya existido en Chile, con temáticas radicales e intransigentes, apuntando con el dedo y a la cara a la iglesia, al dictador y al siempre maldito desamor. ¿Síndrome Camboya?, ¡todos contra el muro!

4. Christianes – “Ultrasol” (1995): Único álbum de una banda que tuvo entre sus filas a un joven Cristián Heyne (Shogún). El sonido psicodélico y noise influenciado por bandas inglesas del momento es el sello característico de este disco que presenta mucho más que el éxito de su single “Mírame sólo una vez”. Con letras y sonidos espaciales adornados con la angelical voz de su vocalista, Evelyn Fuentes, este trío dejó como herencia un disco que a lo largo del tiempo se ha adquirido estatus de culto dentro del rock nacional.

5. Los Santos Dumont – “Un día en el ático” (1995): Si bien le preceden dos trabajos anteriores en formato cassette e independiente (“Hipnotizándote” y “Santos City”), este disco es considerado el disco debut de esta banda penquista surgida de la disolución de Emociones Clandestinas. Es un disco lleno de psicodelia y sonidos lisérgicos, con canciones eléctricas que evocan mundos y estados de conciencia. Con un claro sello independiente e influencias del rock británico, este magistral disco es la obra de una banda adelantada para su época. Una joya para los oídos y un viaje para la mente.

6. Pánico – “Pornostar” (1995): Pánico irrumpió con fuerza con su primer LP en el escenario nacional post dictadura y le otorgó nuevos olores al trasnoche santiaguino. Con influencias del punk, el hardcore y el rock alternativo, este disco conceptual, de sonidos rudos, precarios, pero efectivos, adictivos y coherentes con la entrega de un material más que musical que valida su puesta en escena y estética, es un referente para las generaciones posteriores. “Rosita quiere ser una pornostar” es la canción que suena en el cabaret de esta ópera rock, visualizada en fotonovela que refresca la esquina orinada de un país en pañales.

7. Los Ex – “Caída Libre” (1996): Causando un gran impacto en la escena musical nacional por sus duras críticas sociales y con un estilo certero simbolizado en la voz de su vocalista; Los Ex se ganaron un espacio en la década de los 90’s con su primer disco. Con la sola actitud de su líder, Colombina Parra, consiguieron rápidamente formar parte de la elite de la escena rockera capitalina. Y aunque Caída Libre presenta una rebeldía, si bien algo impuesta, sus composiciones irónicas acerca del machismo, las estigmatizaciones sociales y, por supuesto el amor, hacen de este, un imperdible de los últimos 20 años.

8. Lucybell – “Viajar” (1996): El segundo disco de Lucybell salió cuando todavía formaban un cuarteto. Este es el álbum más premiado de la banda y sin duda tiene méritos de sobra para serlo. Con sonidos más variados, temáticas más profundas en las letras y arreglos más trabajados en cuanto a su primer disco (“Peces”), Lucybell supo entregar, quizás, su trabajo más sutil y prolijo, sazonado con una enorme calidad y elegancia musical que se reflejó tanto en la recepción del público, como en los comentarios de la crítica especializada.

9. Mauricio Redolés – “¿Quién mató a Gaete?” (1996): Con el humor irreverente y el desenfado crítico hacia la sociedad chilena característico dentro del arte de Redolés, este disco es una declaración de principios de este anticantautor que mezcla la poesía urbana, el rock de inercias, la cumbia de mercados, el funk de traficantes, el bolero de espejos y el blues de insomnios. Redolés es un músico-poeta que no se va con rodeos y metáforas a la hora de decir las cosas y este álbum es una clara muestra de ello; cantado en pajarístico pero escuchado en español.

10. Chancho en Piedra – “La dieta del lagarto” (1997): Si pensamos en discos íntegros, debemos hablar del segundo hijo de esta gran banda nacional. Si bien “Peor es Mascar Lauchas” nos entrega la pureza de todo buen disco debut marcado por una bella suciedad rockera; este disco sucesor presenta una pronta maduración porcina, utilizando la mezcla perfecta de rock, funk, groove y disco, lo que indudablemente hace de este engendro la mejor factura de su discografía. Un camino musical difícil de acelerar o manejar, simplemente a dejarse llevar. Si tienes oído, podrás llegar al ovusol.

sonidos 11. Criminal – “Dead Soul” (1997): Segundo disco de esta banda radicada en Inglaterra, pionera en el movimiento thrash metal en Chile y cuyo disco a destacar es considerado por muchos el mejor de su discografía. Tras grandes críticas recibidas por parte de medios especializados en el extranjero y luego de vender más de 10.000 copias sólo en Chile, Criminal alcanzó un sonido de exportación, con un speed metal que se soporta sobre un bajo distorsionado, veloces compases y composiciones cuyos latidos se hacen sentir en cada golpe del doble pedal.

12. La Rue Morgue – “La Rue Morgue” (1997): Con un primer disco homónimo cargado de blues, jazz, rock y baladas de éxito radial, La Rue Morgue entra en la escena musical chilena con lo que es su mejor trabajo por lejos. Un verdadero cóctel de ritmo, literatura y bohemia nocturna que se sirve bien frío. Más allá del éxito de sus singles, es un trabajo íntegro, plagado de composiciones y sinfonías formidables. Un disco para escuchar de fondo en un bar, pedirle al barman el mejor trago de la casa y coquetear con la mujer sentada sola en la esquina.

13. Los Tetas – “La Medicina” (1997): La música de la mejor fiesta armada por la “familia chilenita del funk” a finales de los noventa, estuvo a cargo de Los Tetas. Segundo álbum y último con formación original, nos presenta una soleada mañana para caminar por la disco de hormigón y asfalto. Influenciada por íconos del funk como George Clinton, Herbie Hancock y James Brown, esta cinta audible para escuchar, nos desvela con su telúrico combinado de funk, soul y hip-hop, superando la explosión mediática de “Mama Funk” al ser, musical y líricamente, el trabajo más acabado de los chicos del Olimpo.

14. Los Tres - “Fome” (1997):

El cuarto álbum de estudio de Los Tres es un disco anárquico para algunos y un disco de antología para otros, incluso fue catalogado como el “Disco Blanco del Rock Chileno” por varios fanáticos (en alusión al Disco Blanco de The Beatles). Sin duda, este álbum presenta una exploración de estilos y arreglos musicales mucho más madura que en sus entregas anteriores, cuya particularidad es que la generalidad de los temas están relacionados, potenciando así mejor el concepto de “disco” como tal. Una excelente grabación por donde se le mire.

15. Solar – “Play” (1997): Primer álbum de esta banda liderada por Alejandro Gómez (Alamedas) que cuenta con claras influencias del rock y pop británico de la época. Con canciones y arreglos bien estructurados, cargados de guitarras y teclados, Solar realiza una interesante propuesta sónica en el ambiente musical chileno, reflejado en un disco armónico y potente en cuanto a melodías y temáticas. Un claro referente del excelente momento que pasaba el rock nacional en aquellos tiempos.

16. Canal Magdalena – “Teledirigido” (1998): Producido por Daniel Melero, el primer disco de la banda viñamarina es un disco cargado de rock y pop sónico, influenciado por la escena musical inglesa y por la escena argentina de aquellos tiempos. Cada tema que conforma este disco es un viaje melódico adornado con guitarras distorsionadas, teclados estridentes y bases poderosas donde la voz de Cristián Arroyo evoca mundos coloridos, mujeres angelicales y espumas sonoras. Lejos, el mejor disco de la banda.

17. Dorso – “Disco Blood” (1998): La banda de gore metal liderada por el “Pera” Cuadra, alcanzó la cima musical con su séptima placa, un álbum sólido con influencias del jazz y el metal progresivo que aborda temáticas crudas sin ningún tipo de inhibición. Violaciones, orgías y sacrificios satánicos superespaciales se entrecruzan en sonidos que evocan a las películas más sanguinarias del cine splatter B. Vocalizaciones guturales, grandes variaciones de ritmo y coros estridentes que, si no se está preparado, te pueden volar la cabeza.

18. Fiskales Ad-Hok – “Fiesta” (1998): Si bien sus dos discos anteriores pueden ser considerados como la expresión máxima de la música contestataria de los 90’s, su tercer disco es, para muchos, el de mejor calidad en términos musicales y con composiciones mucho más elaboradas. La pobreza, la desigualdad, y por supuesto, el alcohol y el rock están presentes en estas 15 cortas pero punzantes pistas del más clásico punk rock. “Campanitas” es, sin duda, el grito de angustia y opresión más latente en el historial del rock nacional.

19. Weichafe – “Tierra oscura del sol” (1999): El disco que levantó la bandera de lucha de este trío de guerreros, es sin duda, una obra maestra. Rock puro es una definición cercana, pero no definitiva de esta joya que conquista los territorios de lo experimental y de los sonidos rejuvenecidos del rock clásico. La fuerza que habita en este trabajo se combina a la perfección con la melancolía de un disco que entrega una lírica de alto nivel poético y una carga emocional difícil de evadir. Da Venezia, Hidalgo y Pierattini iniciaron así una batalla que duraría once años, y que los dejaría inscritos en los libros de historia del rock nacional.

20. Mostro – “HR=01” (2003): El proceso cerebral que domina a Mostro es una combinación de sonidos análogos que levanta estructuras instrumentales, unificando elementos del rock, el jazz y la electrónica. Autodefinidos como una banda de pop retorcido y bizarro, se transportan desde la rudeza a la sutileza permitiendo vivir una experiencia psicodélica delirante. Una experiencia que, sin la información certera, no vislumbra la posibilidad de ser construida con guitarra, teclado y batería, permitiendo entrar en un mundo sonoro alucinante e inquietante. Imperdibles en vivo, apuestan por una estética que grita sobre los ojos.

sonidos 21. BBS Paranoicos – “Capital” (2004): Un disco hecho con rabia, que cuenta doce pistas de sentimiento urbano, temáticas que van desde la crítica social a impresiones personales y con un sonido poderoso, único, a la altura de las mejores bandas de hardcore melódico del planeta. En cada una de las canciones se escucha la calle, los perros, las micros y la angustiante rutina de Santiago, el calor del cemento condimentado con riffs marcados y composiciones breves a la vena. La realidad de una capital consumida por el agobio y la brutalidad. Sin duda, de lo mejor del rock chileno.

22. Javiera Mena – “Esquemas Juveniles” (2006): El disco debut de Javiera Mena fue un trabajo esperado durante mucho tiempo, sin embargo la escena musical chilena ya tenía conocimiento de su talento. Esquemas Juveniles es un disco fresco, emotivo y que irradia una gran gama de colores, con letras nostálgicas y de ensueño mezcladas con sintetizadores y pianos. Las canciones del disco se mueven desde un electropop cósmico hasta un par de baladas románticas minimalistas, configurando así uno de los mejores discos pop que se han realizado en las últimas décadas.

23. Francisca Valenzuela – “Muérdete la lengua” (2007): Primer disco de esta joven cantante y compositora chilena que irrumpió bruscamente en la escena musical nacional. Un disco duro y melancólico a la vez, que mezcla el rock, el pop y el jazz con un poderoso discurso sobre el rol de la mujer en la sociedad actual. Con una clara influencia de artistas como Fionna Apple y Julieta Venegas, es un disco que retoma y saca a flote nuevamente al rock-pop de pianos y guitarras ahogado por momentos en un mundo de electrónica y sintetizadores indies.

24. Gepe – “Hungría” (2007): En su segundo disco, Gepe explora mucho más el sonido electrónico y pop que su predecesor trabajo (“Gepinto”), sin dejar de lado la delicadeza de lo acústico y la impecable utilización de los silencios. Es un disco creativo y honesto, experimental en sonidos, con arreglos finos y temas cargados de pop sintético. Una obra madura y concisa que confirma el talento de Daniel Riveros como uno de los mejores músicos y cantautores chilenos del último tiempo.

25. Teleradio Donoso – “Bailar y Llorar” (2008): El segundo disco de Teleradio muestra el crecimiento de la banda en cuanto a la definición de su sonido como a la composición de sus canciones. Tal como su nombre lo indica, el disco está dividido en dos secciones, con una primera parte para transpirar y dejarlo todo en la pista de baile, y que gradualmente va descendiendo hacia una melancolía y tristeza extrema, componiendo así el segmento posterior de la placa. Con claros tintes de rock, funk, soul y pop es un disco para escuchar de principio a fin, con el mejor paso de baile al comienzo y con una gran caja de pañuelos al final.

En trabajo conjunto con Fundación Minera Escondida

l nuevo edificio comunitario de Fundación Minera Escondida alberga la primera Sede Regional en el norte de Chile de Balmaceda Arte Joven, equipada con salas de clases y exhibición para las disciplinas de Artes Visuales, Teatro, Literatura, Música y Danza.

Con esta nueva Sede, la Fundación Minera Escondida y Balmaceda Arte Joven, unen sus misiones institucionales en una alianza que busca generar oportunidades reales de desarrollo comunitario a través el arte. Balmaceda Arte Joven desde su creación en Santiago el año 1992, se ha consolidado como un espacio de integración social, de encuentro y como lugar en que emergen nuevos artistas y se forman nuevos públicos. A esta fecha, Balmaceda Arte Joven ha logrado delinear e implementar con éxito un modelo de docencia artística en el que se combinan la experimentación, el rigor, el profesionalismo y la diversidad enmarcado en un concepto de gestión cultural profesional, eficaz y flexible que se aplica en todas las sedes que tiene Balmaceda en el territorio nacional; Santiago, Sede Bío Bío, Sede Los Lagos, Sede Valparaíso y desde agosto 2010 Sede Antofagasta. Así, Balmaceda inicia en Antofagasta su labor, en cuanto se convierte en un importante referente para los jóvenes, especialmente aquellos que sienten una vocación por el arte o ven en él un camino para el desarrollo de su identidad y su enriquecimiento como personas. En este espacio en Fauna, podrás encontrar siempre información relativa a su acción en la ciudad y columnas que den cuenta de los objetivos de Balmaceda Arte Joven como referente en la ciudad de Arte Contemporáneo, de apoyo a artistas emergentes y de la formación de nuevas audiencias en las que esperamos que estés como lector de Fauna inserto.

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TV Skins: Habemus Nueva Generación Por Gissella Cárdenas

Todo seguidor de Skins sabe que cada dos temporadas el elenco se renueva para mantener la esencia de la serie. En esta nueva temporada, la novedad es que ninguno de los personajes que conocemos aparecerá en el elenco principal. Los seleccionados en esta oportunidad son Alex Arnold, Sean Teale, Sebastien De Souza, Freya Mavor, Jessica Sula, Will Merrick, Laya Lewis y Dakota Blue Richards, esta última es la más conocida en el reparto, ya que anteriormente la vimos en The Golden Compass, junto a Nicole Kidman y Daniel Craig. A pesar de que no hay detalles de los personajes, el sitio web oficial de la serie nos cuenta algo de ellos y de su paso por las audiciones. En este elenco nos presentan a personas sumamente comunes y eso es precisamente lo que se espera de Skins: jóvenes con aspecto normal que no sobrepasan los 19 años. La selección del nuevo elenco generó un intenso debate en los miles de sitios de fans dedicados a la serie inglesa, muchos fanáticos opinan que son muy feos o que no cuentan con las características del prototipo Skins, pero cuando se presentó el cast de la segunda generación, muchos criticaron argumentando que eran demasiado guapos. Ahora es al revés, los nuevos son demasiado normales y nunca podrán superar a la 2ª generación. Algo está claro, cuando veamos en acción a la nueva pandilla muchos cambiaran de opinión. El estreno de la quinta temporada está fijado para los primeros meses del próximo año. Por ahora pueden mantenerse al tanto de las novedades en el sitio oficial: http://www.e4.com/skins/

Leer El día de los trífidos, John Wyndham Por Álvaro Lopez

Colectivo Imaginario Nueva Nortinidad

Imagina que un día te operas de los ojos, y cuando van a sacarte las vendas, no llega nadie. Es más, no llega nadie y hay un silencio sepulcral en el hospital, interrumpido por aullidos brutales. Y cuando te encuentras con alguien, este se lanza por la ventana del quinto piso. Pronto, te das cuenta que todo el mundo en el hospital, está ciego. Y no solo en el hospital, sino en la ciudad, y aparentemente en el mundo. “El día de los trífidos”, novela del inglés John Wyndham, parte con la premisa de un mundo en el que, repentinamente, el 95% de la población se vuelve ciega. Y el planeta se comienza a llenar de criaturas que se vuelven una amenaza para la humanidad. La novela de Wyndham aborda, entonces, temáticas sumamente complejas e interesantes: ¿qué ocurre cuando se desarman los poderes que mantienen unida nuestra sociedad? ¿cómo se manejan las relaciones de poder? en suma, ¿cómo se comporta el ser humano cuando se encuentra abandonado a su propio arbitrio? Asimismo, un tema que cruza la obra es la reacción de los seres humanos frente a cambios profundos y radicales: cómo algunas personas, antes que aceptar que las cosas ya no son como eran se aferran a estructuras conservadoras, a principios en teoría incuestionables para ellos, como la religión o los valores morales, mientras que otros se refugian en sí mismos, rechazando al resto y aún otros, se dedican a sacar provecho y explotar la situación en propio beneficio, aplastando a los demás. Wyndham nos muestra al ser humano en todo el esplendor de su caleidoscópica y a veces sombría naturaleza, cómo dentro de una misma criatura, conviven el dictador, y el humanista, el racionalista iluminado, y el fanático religioso. En fin, nos muestra el abanico claroscuro que somos, y cómo, aunque creamos que la superficie de urbanidad y aparentes buenas intenciones son lo normal, bajo ello, conviven fuerzas brutales esperando a ser desatadas. El día de los trífidos, lo puedes descargar de acá: http://www.bibliotheka.org/?/opinion/24929/

COLECTIVO DE CICLISMO URBANO

¡ÚNETE!

Búscanos en Facebook por ANTOFACLETA 49

Cine El Nuevo Cine Chileno de Exportación Por Wladimyr Valdivia W. Director de “El Otro Cine” www.elotrocine.cl

Cientos de jóvenes directores a lo largo de todo el país han intentado por años para conseguir sacar a la luz sus trabajos, y el talento y la creatividad siempre han existido, por lo que hablar del “nuevo cine chileno” a causa de la nueva camada de realizadores nacionales y las nuevas temáticas que estas abordan, sería el peor error por cometer. El punto es otro. Y es que durante décadas, el mercado nacional que alcanzaba las salas de cine y los distintos circuitos de muestras y festivales internacionales, era dominado sólo por quienes contaban con los recursos, mientras que el sexo, los relatos político históricos, los extremos socioeconómicos, las adaptaciones narrativas y las realidades sociales por sobre las personales, eran lo que primaba, lo que vendía, lo que la gente quería ver. Cuando Matías Bize estrenaba “Sábado” el año 2003, jamás pensó que su cinta se convertiría en un grito generacional que haría despertar a productores, a la industria y a la sociedad espectadora, que se enteraban que existía otro cine, nuevas propuestas estéticas, géneros cinematográficos jamás abordados y, por sobre todo, mucho talento. Tras los intentos de Jorge Olguín por sembrar el terror y después de que Bize encerrara en una pieza a Blanca Lewin y Gonzalo Valenzuela, hoy agradecemos a Andrés Waissbluth, José Luis Sepúlveda, Sebastián Silva, Andrés Wood, Cristian Jiménez, Sebastián Lelio, J. Manuel Sandoval, Alejandro Fernández, Alicia Scherson, Rodrigo Marín, Elisa Eliash y tantos (as) otros (as), quienes, gracias a su intención e inventiva, han conseguido devolverle al cine chileno el sitial que merece, reflejándonos por fin en pantalla, como siempre debió ser.

Teatro Paul & John

Por Stjepan Ostoic

FOTOGRAFÍA: Wladymir Valdivia

La vida es cíclica. Llegamos desnudos, nos vamos igual. Vestidos con trajes elegantes y con maquillaje, pero a la vez desnudos, vacíos. Aunque el muerto sea famoso, no depende de él. La fama depende de quienes tengan memoria; de quienes te permitan un espacio en su cerebro o en su corazón. Paul & John, obra dirigida por Daniel Lattus, y basada en la homónima novela enana del psiquiatra Marco Antonio de La Parra (La Pequeña Historia de Chile, Estamos en el Aire); trata, como en muchas de sus creaciones, el complejo tema de la decadencia. Los Beatles carecen de un presente, estancados en aquel pasado de gloria que los abandonó, soñando con unir aquello que ya no existe. Los que quedan vivos no corresponden a George, Ringo, ni menos Paul. En el momento infinito de la vida sin sentido, los muertos se levantan, los vivos pueden estar muertos; las palabras que pronuncian esconden el terror de saber que su destino camina hacia ninguna parte, soñando con aquello que no volverá. Como puede esperarse, el texto es denso, difícil de digerir, a veces demasiado cercano a una corriente de la conciencia. Sin embargo, la puesta en escena ayuda a comprender mejor aquel texto en base a movimientos precisos, colores variados, y por sobretodo, música acorde, que los Beatles están muertos desde que Lennon fue asesinado. Disfrutamos de su decadencia sobre el escenario, a veces sin comprenderla del todo. En síntesis, Paul & John resulta una obra teatral interesante, repleta de momentos. Tiene ese humor “negro” que guarda una melancolía inmensa; la cual traspasa el hecho de ser o no ser un fanático de esta banda, y que a su vez hace pensar por qué razones debemos luchar en esta vida.

Música The Walkmen ‘Lisbon’

[Fat Possum / Bella Union] 2010 Por Sebastian Chávez P. Puede que no solo la euforia desatada en los conciertos de la capital portuguesa haya servido como inspiración para el nombre del sexto trabajo de The Walkmen, pues es indudable que “Lisbon” suena diferente, como si una grata caminata por las cálidas calles de esa bella ciudad europea los hubiera conquistado, y a la hora de componer simplemente la banda tiñera su música del color de las plazas y las fantásticas playas cercanas a Lisboa. “Lisbon” es el retrato de un paisaje seductor, y por la mesura que evoca el añejo sonido de las guitarras, la sensación es doblemente placentera. La -a veces- rabiosa y-otras-complacida voz de Hamilton Leithauser continúa siendo el sello particular del grupo, pero es la fineza y calidad del trabajo instrumental lo que realmente sorprende en esta ocasión, fortaleciendo la claridad de sus melodías al mismo tiempo que el sonido vintage que han venido trabajando desde sus inicios, lo cual hasta hoy, han logrado perfeccionar considerablemente. En relación a su disco anterior, ‘You & Me’ (2008), que sonaba como el amargo desquite de una desenfrenado sábado por la noche, ‘Lisbon’ -un disco corto pero intenso- trae a la memoria floridas imágenes de un reposado verano, con la melancolía siempre presente, pero en esta ocasión vista como una amena postal que, en la sencillez de su composición, provoca más que una sonrisa. Canciones como la fantástica “Juveniles”, “All My Great Designs” o “Torch Song”, son las que mejor representan la esencia del álbum, sin embargo The Walkmen no dejan de lado el fantástico surf-punk de sus composiciones anteriores, y menos en un disco tan estival como este; es así como lo mejor del álbum se logra apreciar mejor en la tremenda “Angela Surf City”, en la cabalgata nocturna de “Blue as Your Blood” o en la genial “Woe Is Me”. De todas formas, el tono taciturno que luce la banda en esta placa no es el mismo que el de hace algunos años, pues incluso han logrado manejar la desilusiones existenciales desde una perspectiva diferente, tal es el caso de “Stranded” y sus trompetas mariachis, o “Lisbon” (la canción), doliente tonada que además sirve para cerrar el disco de la misma forma y con la misma pena que se despiden las vacaciones.

Música No Age ‘Everything In Between’ 2010 [Sub Pop]

Por Sebastian Chávez P. Después de la asombrosa experiencia que fue ‘Nouns’ (2008), el dúo californiano No Age da una impensable vuelta de tuerca a su punk-noise de garage y vuelve a sorprender a medio mundo con ‘Everything In Between’, tercera placa de estudio que logra su cometido en busca de una necesaria evolución, tanto en la composición como en el sonido de sus canciones. Tras firmar con el sello Sub Pop en 2008, pareciera que Randy Randall (guitarra) y Dean Spunt (voz y batería) comenzaron a mirar con mayor claridad el futuro de sus creaciones, presentando en este álbum una propuesta muy diferente, más soleada y de matices más asequibles al público en general; aunque esta hazaña no permita abandonar el espíritu lo-fi de efectividad instantánea que ha caracterizado al grupo desde su aparición hace tres años. El disco cuenta con grandes temas de clara tendencia pop, como la inmejorable “Glitter”, la hipnotizante “Skinned” o la pegajosa “Chem Trails”, y que en busca de recalar su sencillo juego de guitarras ruidosas y percusiones en tierras más firmes, cruza con determinada sutileza los senderos del shoegaze y el rock experimental enfatizando más la voz de Spunt y cuidando la melodía como eje principal de las canciones, y no así esas ásperas atmósferas que tuvieron mayor protagonismo en discos como ‘Weirdo Rippers’ (2007). No Age juega con todos los elementos a su alcance, y ahora las canciones suenan más gruesas y armoniosas, y eso que explorar el ruido como elemento complementario aun continúa siendo la insignia de la banda. La inclusión de más loops y bases programadas, más las capas de guitarras acústicas y otras más etéreas son el compendio perfecto de un perspicaz pop-punk, más envolvente y acogedor, especialmente en canciones como “Common Heat” o “Valley Hump Crash”. ‘Everything In Between’, es un disco que mejora si se escucha más de una vez, y que se disfruta aun más por la variedad de tendencias en su tracklist, donde incluso la experimentación más estrepitosa ahora suena evidentemente más sólida y con un norte mejor definido. Sin embargo, es en el terreno del punk de garage donde mejor se nota la madurez y la renovada actitud de la banda, pues canciones como “Depletion” o “Fever Dreaming” son la prueba de que No Age están puliendo la condición de su música a un pulso envidiable.

Música Deerhunter ‘Halcyon Digest’ [4AD] 2010

Por Sebastian Chávez P. Bradford Cox es uno los músicos más valiosos de la actual escena indie rock. Su sensibilidad para dar vida a través de su música queda patentada no sólo en Deerhunter, banda que lo puso en boga a comienzos de la década pasada, sino también en sus múltiples colaboraciones, y por supuesto, en Atlas Sound, proyecto en solitario por el cual ha sido enérgicamente aplaudido, editando bajo este seudónimo el sorprendente ‘Logos’, seguramente el mejor disco del año pasado. Cox es un músico inquieto, y este año le ha tocado la difícil tarea de trabajar en el cuarto álbum de estudio de Deerhunter, una labor ardua tomando como referencia el fuerte impacto que tuvo su magnífico predecesor, “Microcastle/Weird Era Cont.” en 2008. Sin embargo, como todo fluye por su cauce natural, el grupo no ha tenido problemas en editar “Halcyon Digest”, un excelente disco de canciones tristes que suenan como felices, y –en su conjunto- un paso adelante para su discografía. La música de Deerhunter es una evocación espectral del pasado, una ilusión que sacude con cierto deje de nostalgia sensaciones ya vividas, para resolverlas por medio de un método infalible de particular intencionalidad en cada acertada propuesta de sus álbumes. Y si bien “Microcastle…” eran los rayos solares que penetran a través de la ventanilla de un viaje por la carretera, “Halcyon Digest” es el mágico golpe de la lluvia en el techo de algún cálido hogar. Una experiencia gratificante de igual forma. Hay cierta oscuridad tenue que envuelve cada gota que cae de la nube de “Halcyon Digest”, y que trae consigo una gélida brisa anunciando con optimismo el final de algo refulgente. ¡Pero cuidado! La lúgubre portada no es más que un señuelo para dirigir al oyente, porque los resquicios de luz no faltan en canciones como “Revival”, en el etéreo desfile de guitarras perpetrado en temas como “Desire Lines” o “Fountain Stairs”, y en otras como la apacible “Memory Boy”, por muy cabizbajo que en esta última Cox susurre: “Try to recognize your son, In your eyes he’s gone…”. En “Halcyon Digest” se nota la madurez con la que Bradford apela a la memoria maldita. La denotada sensibilidad con la cual conforma la banda sonora de las heridas de siempre, son revividas en grandes momentos como “Don’t Cry”, el homenaje al fallecido músico Jay Reatard en “He Would Have Laughed”, o en la que es por lejos la mejor canción del disco: “Helicopter”, pieza maestra que resume el sonido incursionado en la niebla de esta añorada travesía.

Sala de conciertos

Sala de conciertos calendario

NOVIEMBRE / DICIEMBRE sab. 06

vie. 03

Ciclo Deluxe (ELECTRÓNICA)

Dj Fat Pablo (DRUM & BASE / DUB)

jue. 1 1

sab. 04

“Café concert con crema” (COMPAÑÍA KARAMANCHEL)

Ciclo Deluxe (ELECTRÓNICA)

vie. 13 Primavera de Praga

Fernanda Aguilera Carolina Cue Silva Instituto AIEP Universidad Santo Tomás Alberto Beckers Manuel Barrera Academia Vrinda Romina Ljubetic Belén Venegas Xaviera Urrutia Kamila Lopez Álvaro Lopez Ximena Araya Krasna Pereira Ada Barraza Mario Cabrera Cristina Diaz Francisco Diaspro Rodolfo Meneses Andrés Panes Rodrigo Salinas Rodrigo Rodriguez Michael Alfaro Lorena Cisternas

ESTO SE LLAMA, DE FONDO HEY DE PIXIES Por: Kamila Lopez

Esto es muy poco importante parece la imagen de un obrero camino a casa o un órgano estrellándose contra los pulmones. Hoy no te vi entrar en mi televisor sé que rehuyes de la fama, pero nadie más podría televisar esto esta desestructura Tengo que sentarme en un bar y olvidarme de mí misma llenarme con algo la mente olvidar la psicodinámica organizar desarmar empacar empaquetar embolsar volver a organizar mientras de paso pierdo la forma y se me caen más los pechos tú te burlas desde el sofá y luego lo escribo en una hoja así como para un poema y te lo digo imaginariamente y casi no puedo ni leerlo hablo en voz alta no digo lo que pensaba pienso en lo que me hace perder el tiempo pienso en esta canción en el cansancio después del cansancio en que odio que te tengan agarrado de un testículo y que apenas me permitas tomarte una mano.

www.johnpaulthurlow.blogspot.com

AGRADECIMIENTOS

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