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Nยบ1 revista de artes visuales
Laura Glusman Virginia Spinelli Ro s a l b a M i r a b e l l a Mรกximo Pedraza
Laura Glusman Virginia Spinelli Ro s a l b a M i r a b e l l a Mรกximo Pedraza
r eve r s i b l e
www.revistareversible.com
Encontrá la información completa de la edición en su pagina web tapa: Linea 2004. Laura Glusman
AGRADECEMOS LA PARTICIPACIÓN DE LAURA GLUSMAN, VIRGINIA SPINELLI, ROSALBA MIRABELLA Y MÁXIMO PEDRAZA DISTRIBUCIÓN GRATUITA, QUEDA PROHIBIDA SU REPRODUCCIÓN SIN PREVIO CONSENTIMIENTO DE SUS EDITORES. Editora propietaria Ana V. Ballestrini. Av. General Paz 15940.caba CP1439
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DONDE CONSEGUIR LA REVISTA
PROYECTO : Ana Bau ana@revistareversible.com COLABORADOR EDITORIAL: Pablo Mendez mendez.pablo.julian@gmail.com CORRECCIÓN Y TRADUCCIÓN: Paula Fernandez Busoni paulafb70@gmail.com MAYO 2011
1.2// PROLOGO A LA PRIMERA EDICIÓN.
3.4.5.6.7.8// DOSSIER: LAURA GLUSMAN.
9.10.11.12.13// DOSSIER: VIRGINIA SPINELLI
14.15.16.17.18.19// DOSSIER: ROSALBA MIRABELLA
22.23.24.25.26// DOSSIER: MÁXIMO PEDRAZA
Las teorías estéticas posmodernas emparentan el ejercicio artístico con las ciencias cognitivas y la filosofía. Buscando la definición de arte deben lidiar con la indefinición y la ambigüedad como ejes fundamentales en una trama paradójica. Me gusta imaginar que subyace cierto placer en el fracaso ante esta pregunta que excediendo el campo de la racionalidad es capaz de articular y cuestionar su fundamentación y sus herramientas argumentativas. Caso contrario en la praxis artística, cierta metodología filosófica prevalece en los artistas. Donde la obra se plantea como un dispositivo de tensión en una re- categorización sobre lo que es o no arte; no ya como obra con pleno derecho a su naturaleza artística. Este es uno de los giros más interesantes de la posmodernidad. El artista debe crear los preceptos para reafirmarse como tal, asumir el universo de su obra con plena autonomía y dudar del amparo de una cultura que se muestra tan auto-excluyente como reparadora. Todos estos movimientos alrededor del arte brillan sobre la precariedad de lo discernible, intensificando así la profundidad del deseo. La falta de límites nos fascina y nos sobre-exige. Pero no hay peor cárcel que la que podemos crear ante el vértigo de un espacio abierto. Cuando no hay espacios de seguridad posible, el arte puede ser una forma de asumir lo indefinido como parte de nuestra vida. Esta revista no tiene la intención de clarificar las obras; me veo en su propio proceso atrapada en los límites del lenguaje y caminando sobre mis propios pasos. Sí tiene la intención de ......................................................................................................................... The postmodern aesthetic theories make the artistic practice become related to the cognitive sciences and the philosophy. Searching for the definition of art, they must deal with the lack of definition and the ambiguity like fundamental axis in a paradoxical plot. I like to imagine that a profound pleasure lies under the failure when answering this question which exceeding the field of the rationality is able to formulate and question its foundation and its argumentative tools. Contrary case in the artistic praxis, certain philosophical methodology still remains in the artists. Where the work is presented as a device of tension in a re-categorization about what is or is not art; not anymore as a work which has a right to its artistic nature. This is one of the most interesting turns of
the postmodernism. Artists must create the precepts to strengthen their hold as artists, assume the universe of their work fully autonomously and doubt the protection of a culture which seems as self-excluding as refreshing. All this movements around art shine over the precariousness of the discernible, thus intensifying the depth of desire. The absence of bounds fascinates and over demands us. But there is no worse jail than that we can create when faced with the vertigo of an open place. When there are no spaces of possible security, art can be a way of assuming the undefined as part of our lives. This magazine is not aimed at clarifying the works; I am trapped in its own process in the bounds of the
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hacer extensiva a través del armado de los dossier parte de esta experiencia que las obras desencadenan. En la actualidad los artistas tenemos las puertas más abiertas que nunca a la experimentación, pero gran parte del circuito artistico está atrapado por las leyes de un mercado dogmático. Con normativas de auto-preservación el ingreso al circuito del arte sólo puede hacerse bajo determinados parámetros de producción y condiciones políticas. El armado de paquetes conceptuales inconexos con las obras es una característica habitual de muchas gestiones culturales al igual que el uso de un lenguaje críptico que encubre la arbitrariedad del discurso. Todas estas características recrudecen las tensiones clasistas, ególatras y económicas que nos segregan del mundo de significados del arte y principalmente cohíben la validez de la experiencia personal como puerta de acceso a la experiencia artística. Esta revista, como espacio comprometido y experimental, forma parte de los emprendimientos independientes que reaccionan ante esta circunstancia. Siempre creí que el arte no era la obra física sino esa experiencia que la obra puede depararnos. No hay forma de justificar, adulterar o simular la experiencia. De la misma manera no la hay de falsificar el arte. Reversible se proyecta como una dinámica más introspectiva que exhibicionista. Apela a ese lugar donde se producen las obras, se experimentan los procesos y se reflejan las subjetividades. La otra cara de sí. Un ensayo expuesto y riesgoso como el golem equívoco del arte. Ana Bau ......................................................................................................................... language and I find myself walking over my own steps. It is aimed at making part of this experience which the works unchain extensive, by the preparation of the dossiers. Nowadays artists have more possibilities to experiment than we have ever had, but a big part of the cultural circuit is trapped by the rules of a dogmatic market. In the presence of rules of self-preservation, we can only enter the circuit of art in certain parameters of political productions and conditions. The production of conceptual packets unconnected with the works is a typical characteristic of many cultural administrations along with the use of a cryptic language which hides the arbitrary of the discourse. All this characteristics intensify the economic egomaniacal classist tensions which
segregate us from the world of meanings of art and mainly suppress the validity of the personal experience which every person is able to live. This magazine, as an experimental and committed space, is part of the independent businesses which react to this circumstance. I have always thought that art was not the physical work but that experience which the work may bring to us. There is no way of justifying, falsifying or feigning the experience. Just as there is no way of falsifying art. Reversible is projected as more introspective rather than exhibitionist. It appeals to that place where the works are produced, processes are experimented and subjectivities are reflected. The other side of itself. A risky and exposed essay like the equivocal golem of art.
LAURA GLUSMAN
// linea. 2004
// azulejos. 2000
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LAURA GLUSMAN
// cueva. 2006
// jaula. 2009
LAURA GLUSMAN
// casas escondidas. 2010
// cueva. 2006
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LAURA GLUSMAN
// musgo. 2010
// trailer. 2009
LAURA GLUSMAN ¿Qué me quieres Laura Glusmán? Laura Glusmán comenzó su trabajo con un conjunto de obras llamadas Línea, planteando disrupción general con la idea de “paisaje” que tanto ató a la imagen fotográfica en sus inicios del medio. En este caso las imágenes funcionan por sí solas encapsuladas en el título general de la serie, pero lo que nos presenta es una línea imaginaria, inexistente. Línea a la que históricamente aspiramos y que de alguna forma evidencia lo que no vemos, o denota el más allá. El horizonte como una idea que permite la construcción de cualquier lugar en ese espacio. Y así empieza a delinear lo que yo considero el cuerpo más fuerte de la obra de Laura, que es los supuestos paisajes. Añado la palabra “supuestos”, porque en un paisaje se supone que el género muestra una extensión de terreno y si bien en su trabajo esto aparece claramente, también se denota una ausencia que lleva a la introspección. Por lo que sería un paisaje de auto-exploración. Relacionaré esta idea con otra de sus series llamada Cuevas, donde en teoría se nos muestran cuevas. Me pregunté tras verla qué es lo que diferencia un pozo de una cueva. Si bien ambas son excavaciones, en una cueva hay una historia, un ser que habita, un relato por construir. Mientras que el pozo en principio vendría a servir a alguien y pareciera no contar demasiado. Es acá donde encuentro el asunto cruzado con el espectador en la obra de Laura. Si podemos postular que para todo ser humano el problema es lo otro, genéricamente en sociedad el otro, y que uno actúa en función de lo que cree o supone que el otro quiere
......................................................................................................................... ¿Laura Glusmán started her job with a set of works called Línea (lines), causing general disruption with the idea of “scenery” which she tied to the photographic image in her beginnings in the field. In this case the images work by themselves, encapsulated in the general title of the series, but what she presents is an inexistent imaginary line. Line to which we aspire historically and which in some way evidences what we see, or it denotes the beyond. The horizon as an idea which allows the construction of any place in that space. And thus it begins to formulate what I consider the most strong part of Laura’s work, which is the supposed scenery. I add the word “supposed”, because in a scenery it is supposed that the type shows an extension of the land and even though this appears clearly in her
work an absence which leads to the introspection is also denoted. Reason why it would be a scenery of self-exploration. I shall relate this idea to other of her series called Cuevas (caves) where in theory we are shown caves. I asked myself after seeing it what is it that tells the difference between a pothole and a cave. Even though both of them are excavations, in a cave there is a story, a being that inhabits, a narration to develop. While the pothole in principle would serve someone and it seems not to tell too much. It is here where I find the matter intersected with the observer in Laura’s work. If we can postulate that for every human being the problem is the other, generically in society the other, and that we act according to what we believe or suppose the other wants from us, the artist also
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LAURA GLUSMAN de uno, parece actuar también así el artista al presentar una obra. Pero no es el caso de Glusmán: ella presenta un espacio de combate, debate, de concreción de la obra. Donde los últimos paisajes que realizó nos llevan a indagar en lo propio a partir de un recorte ajeno. Encontró el modo en que lo faltante se evidencie en un recuadro y cada quien complete la historia ausente en ese clima, escenario, situación representada. No nos da ya más que un sin título de orientación, quizás atisba un año, pero nada de eso importa, porque ahora estamos nosotros. Y me amparo en la palabra de Jeff Wall al decir: “…Poco a poco he llegado a sentir que el significado carece casi por completo de importancia. Por nuestra educación artística de los últimos veinte o treinta años, la gente espera relacionarse con el arte entendiéndolo, percibiendo lo que significa. Pero puede ser que yo haya vuelto a un punto de vista más antiguo y simple, a saber, que no necesitamos entender el arte, sólo necesitamos experimentarlo enteramente. Después viviremos con las consecuencias de esa experiencia…” Laura logró finalmente que en la superficie de la fotografía se libre un juego de emociones que afecte a cada uno por la multiplicidad de sentidos de un cierto grito mudo por parte de la artista. Será entonces cuestión de animarse a mirar, a modo de espejo, y permitir encontrar la experiencia que nos seduzca en su material. Pablo Méndez
A.A.V.V., Una conversación entre Jacques Herzog y Jeff Wall, Barcelona, Editorial Gustavo Gili, 2006 ......................................................................................................................... seems to act like that when presenting a work. But it is not the case of Glusmán: she presents a space of fight, debate, of realization of the work. Where the last sceneries she created lead us to investigate and that we act according starting from someone else’s cutting. She found the way in which the absent may be evidenced in a box and each of us may complete the absent story in that atmosphere, scenery, represented situation. She does not give us more than a non title of orientation, maybe she discerns a year, but nothing of that matters, because now we are present. And I seek protection in Jeff Wall’s word when I say: “…Little by little I have come to feel that meaning lacks importance almost completely. Because of our artistic education of the
last twenty or thirty years, people expect to be related to art understanding it, perceiving what it means. But it is possible that I have returned to an older and simpler point of view, to know that we do not need to understand art, we just need to experiment it entirely. Then we shall live with the consequences of that experience…” Laura finally managed that a game of emotions which may affect every one because of the multiplicity of senses of a certain silent scream on the part of the artist may get released in the surface of the photograph. So it shall be a question of daring to look, by way of a mirror, and let the experience which may seduce us in its material be found.
VIRGINIA SPINELLI
// Pajaro
// misal con escuercito
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VIRGINIA SPINELLI
// moaré de estío y carpincho
VIRGINIA SPINELLI
// misal de la virgen
// dibujo para ver con guantes
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VIRGINIA SPINELLI
// dibujo para ver con guantes
// dibujo para ver con guantes
VIRGINIA SPINELLI “…Una línea roja crecía de arriba hacia abajo, atravesaba el ojo y llegaba hasta el pómulo. Era muy delgada, pero se movía con velocidad. Después se desvió y cruzó la oreja, hizo el mismo trayecto que conocen las lagrimas de cuando se llora boca arriba…”* Teniendo en cuenta que narrar es referir una sucesión de hechos que se producen a lo largo de un tiempo y llevan a la variación o transformación de una situación inicial, podemos decir que los trabajos de Virginia son relatos auto-narrados, que se consustancian en sus distintas capas narrativas con su preeminencia simbólica sin perseguir un desenlace. El narrar es una forma de sacar a la luz, ya que algo es expuesto en su desarrollo; tiene una contingencia, un orden, un sentido aun sin ser deliberado; Virginia parece suspender en su narración esta búsqueda final, guiándonos por un camino de retorno en las múltiples experiencias de su obra. Sus imágenes se anudan y contraen constantemente sobre nuestros sentidos y no sobre nuestro intelecto. Esto hace que el humor, la sexualidad, lo grotesco y lo delicado que se narra se orille en su superficie y nos permita adentrarnos en una intimidad estrictamente estética, experimentando la latencia de su condición simbólica y no su manifestación. Ese vacío que se horada en su experiencia donde la obra se silencia y se abre con plenitud tiene mayor potencia en sus últimos trabajos, en los cuales el sentir de la belleza nos coloca frente a un espacio mudo de silencio perturbador. Ana Bau *Fragmento de Historia de amor de Virginia Spinelli. .........................................................................................................................
“…A red line grew from top to bottom, crossed the eye and reached the cheek. It was very slim, but it moved quickly. Then it changed its course off and crossed the ear, it did the same route tears know from when we cry being on our backs…”* Having in mind that to narrate is to relate a sequence of events which happen during a period of time and which lead to the variation or transformation of an initial situation, we could say that Virginia’s works are self-narrated stories, which are intimately identified with their symbolic preeminence in their different narrative stages without seeking an ending To narrate is a way to bring to light, since something is exposed in its development; it presents a contingency, an order, a sense however not
deliberate. Virginia seems to suspend in her narration this final search, guiding us in a return journey in the numerous experiences of her work. Her images get tied and they contract constantly over our senses and not over our intellect. This causes the mood, the sexuality, the grotesque and the delicate which is narrated to move over in its surface and to let us penetrate a strictly aesthetic intimacy, experimenting the latency of its symbolic condition and not the way in which it is manifested. That emptiness which is drilled in its experience where the work gets silent and it opens to the full has greater power in her latest works, in which the feeling of beauty places us in front of a mute space of disturbing silence.
// ROSALBA MIRABELLA / EL GIGANTE, fotografía. 2010
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ROSALBA MIRABELLA
// serie: album, el cumpleaños,fotografía. 2008
// treinta gobernadores. collage. 2010
ROSALBA MIRABELLA
// aliiasegunsvankmajer, pintura. 2009
// cuenta regresiva, instalaci贸n. 2006
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ROSALBA MIRABELLA <<…Alicia empezó a sentirse medio dormida y siguió diciéndose como en sueños: “¿Comen murciélagos los gatos? ¿Comen murciélagos los gatos?” Y a veces: “¿Comen gatos los murciélagos?” Porque como no sabía contestar a ninguna de las dos preguntas, no importaba mucho cuál de las dos se formulara…>>* Lo que me llamó la atención de la obra de Rosalba es que ya sea una instalación, una performance, series fotográficas, collages, dibujos o pinturas, su obra parecería insertarse en un mismo soporte. Por las series y proyectos que se formulan con la expectativa de ser retomados, sería más sencillo verla en su opuesto, como heterogénea y dispersa, características que en este caso son propias de la génesis de su proceso creativo, desconcertante y abierto. Sus trabajos son alimentados por un potente sentido de irrealidad, fruto de la exploración de la imaginación y la fantasía como mecanismos disruptivos en proyección concreta hacia lo real, estableciendo un dialogo constante entre nuestro ser ficcional —nuestra experiencia de la vida (vivencia)— y los limites externos —el tiempo y el espacio dado, lo adquirido—. Rosalba entra en estos espacios delimitados para fantasear con objetos y situaciones, para indagar su propia acción de preguntar y otorgar sentido. Entra en la realidad para verse en el espejo de su fantasía. Como un inside consciente, que encierra una paradoja transactiva su obra se convierte en un espejo que nos interpela sobre elcontenido en la construcción de la memoria (serie: álbum) o
......................................................................................................................... “Alice began to get rather sleepy, and went on saying to herself, in a dreamy sort of way, 'Do cats eat bats? Do cats eat bats?' and sometimes, 'Do bats eat cats?' for, you see, as she couldn't answer either question, it didn't much matter which way she put it.” What attracted my attention of Rosalba’s work is that be it an installation, a performance, photographic series, collages, drawings or paintings, her work seems to fall within a same support. Due to the quantity of series and projects which are formulated expecting to be taken up again, it would be simpler to see it as its opposite, like heterogeneous and dispersed, characteristics which in this case are typical of the genesis of its open, disconcerting and creative process.
Her works are fed by a strong sense of unreality, product of the exploration of the imagination and the fantasy as disruptive mechanisms in concrete projection towards the real, establishing a constant dialogue between our fictional being —our experience of life— and the external bounds —the time and given space, the acquired—. Rosalba enters this demarcated spaces to fantasize with objects and situations, to investigate her own action of asking and giving sense. She enters the reality to see herself in the mirror of her fantasy. Like a conscious inside, which contains a moving paradox, her work becomes a mirror which questions us about the contents in the construction of memory (series: album) or about the ambivalent projections of the art (in “Word inprogress”, where
ROSALBA MIRABELLA sobre las ambivalentes proyecciones del arte (en Word in progress, donde el taller que le asignan en el marco de una residencia se convierte en la obra que el taller debería alojar, y en exacta duración con la estadía de la artista). Si el sentido es el que define las condiciones y los límites de nuestra percepción del mundo, en su obra los mundos (soportes) se desdibujan y así adquieren la capacidad de homologar sus condiciones físicas en pos de un discurso, con la misma naturalidad con la que nos despertamos por la mañana para retomar la vigilia que luego abandonamos para retomar el sueño. Lo importante pareciera ser desarmar la dura caparazón de los límites que imaginamos conocer. ¿Qué edad tiene esta artista? ¿Qué espacio tiene el azar en su obra? Preguntas que nos hacemos mientras caemos a un pozo abierto en la inocencia. Si rastreamos la etimología de la palabra fantasía e imaginación, llegamos al griego phantasos —que significa hijo o servidor del sueño—, al latín imago —retrato— y al verbo imitari — imitación de la figura real—. Podríamos escribir a manera de juego: La hija o servidora del sueño que refleja su imagen en un espejo. Ana Bau
*Fragmento de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carrol. ......................................................................................................................... the workshop which is assigned to her as aresidence becomes the work which the workshop should accommodate, and in exact duration with the stay of the artist. If sense is what defines the conditions and the bounds of our perception of the world, in her work the worlds (supports) become blurred and thus acquire the capacity of recognize its physic conditions in pursuit of a discourse, as naturally as we wake up in the morning to go back to the wakefulness which we leave behind later to go back to the sleep. The important thing seems to be to dismantle the hard shell of the bounds which
we imagine we know. How old is this artist? What role does chance play in her work? Questions we ask ourselves while we are falling into an open pothole in the innocence. If we analyze the etymology of the words fantasy and imagination, we are led to the Greek term phantasos —which means son or servant of sleep—, the Latin term imago —picture— and the verb imitari —imitation of the real figure—. We could write by way of game: The daughter or servant of sleep who reflects her image in a mirror.
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Mﾃ々IMO PEDRAZA
// s/t. 2010
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Mﾃ々IMO PEDRAZA
// Herni, bronce. 2010
Mﾃ々IMO PEDRAZA
// Herni, bronce. 2010
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Mﾃ々IMO PEDRAZA
// s/t. 2010
MÁXIMO PEDRAZA Para entrar en la obra de Máximo tengo que recordar un atardecer de mi infancia donde la sensación de la vida requería de tal complejidad que el corazón enmudecía las palabras para salvarme del entendimiento imposible. Hacer un barco que se abra a la mar de mi naufragio como a todas las tristezas; creer que los niños y todas sus indefensiones florecen en la fantasía de los bosques, que el alma de un león cabe en los límites de una hoja. Que un perro sólo es posible a golpes de arcilla como un embrión inacabado que delata en su forma la embriagues de la lucha. Su trabajo es hogar de las pulsiones primordiales, su dios vive en el ensueño de sus vísceras y lleva su nombre. Ana Bau
......................................................................................................................... To enter Máximo’s work I must remember one dawn of my childhood where the sensation of life required such a complexity that the heart silenced the words to save me from the impossible understanding. To make a paper boat which goes into the sea of my sinking as it does into the sadness; to believe that children and their defenselessness bloom in the
fantasy of the woods, that the soul of a lion fits in the limits of a sheet of paper. That a dog only exists in clay like an unfinished embryo whose shape gives the elation of the struggle away. His work is the home of the basic drives, his God lives in the daydream of his entrails and has his name.
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