RGB Artes Plásticas by RGB revista

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Nยบ 10 ESPECIAL DE ARTES PLร STICAS

Editorial Se me hizo fácil El termino expresión nos hace pensar en un movimiento que va del interior hacia lo exterior, en el terreno del arte serían las emociones y los sentimientos que nos pueden transmitir toda obra, ya sea plástica o escénica. En este sentido, la expresión forma parte cotidiana de nuestros días, algunos la canalizan y la utilizan para crear sus obras. Podría decirse que todos somos generadores y realizadores de arte, desde el rotulista, pasando por el adolescente que tagea los asientos del transporte o hasta la Sra. Cecilia Giménez, que se tomó la libertad de modificar al famoso Cristo de Borja en España (2012). Es con este tipo de ejemplos y del quehacer diario de la revista, que entendemos cada día un poco más sobre la expresión, creemos también que todos somos piezas de arte y podemos crearlo también. El arte en general como medio de expresión ha sido abordado en nuestras planas con diversas temáticas y nunca hemos fijado postura alguna. En RGB hemos tenido siempre el mismo porte, dar un espacio, una luz a todo aquel artista joven emergente o consolidado que desee un foco de difusión y un merecido reconocimiento del trabajo que realiza como principal eje a través de la publicación. Era necesario, en un país donde tenemos una tradición plástica como la pintura, el grabado, el dibujo, la ilustración -entre otros-, tener un número dedicado a esta disciplina, en estos dos años editoriales siempre estuvo rondando la idea de concebir un especial como el que tienes en tus manos. Este número estimado lector-visor, ha sido especialmente esperado y difícil de concretar, pero seguimos como cada dos meses, en pie para continuar evolucionando este proyecto del que tú eres parte fundamental. Disfruta el penúltimo número de la revista RGB -al menos como la conoces hasta el día de hoy-.

Néstor Rocha 2

Portada original: Alas Suspendidas / Diana Flores

Staff RGB Director editorial Néstor Rocha Editor Cristina Cuéllar Diseño Laura Rojas Corrección y estilo Alfredo Padilla Coord. redes y web Cecilia Orozco Web Master Josué Reyes Distribución Ana Teresa Torres Anahí Franco Ventas Gabriela Sandate

Consejo editorial Cristina Ghetti José Castro Ferran Gisbert Manuel Garrido Barbera Juan Rodrigo Piedrahita Colaboradores: Viridiana Rocha, Arturo Moya, Pepe Luis Juárez Rdz Ricardo Zamora, Sandra Mena, Alan Zamora, Pablo Melgoza, Alejandro López, Kareline García, Joaquín Lostaunau, Arturo Contreras, Gustavo Alonso, Guillermo Padilla, Juan Pablo Isordia, Martha Elena Mtz

Revista RGB artes visuales es una publicación bimestral. Número de reserva al Titulo de Derechos de Autor: 04-2012-021609495300-01. Los trabajos aquí publicados son responsabilidad de los autores.

Contenido Red Light Juan C. Suárez JR Piedrahita Hazael Gzl Rocío Montoya

6 10 14 20

Green Light Diana Flores Yoliz Yorke Martha Franco Andrés Ordaz

26 30 34 38

Selección web Lola Cervant Jairo Maldonado Jesús Torres José Zendejas

44 45 46 47

Blue Light Alfredo Padilla Yellow light El gato negro

Red light Artistas con trayectoria

Juan Carlos Suárez JR Piedrahita Hazael González Rocío Montoya 5

Red light (artistas con trayectoria)

Juan Carlos Suárez Bosques de niebla Nace en la ciudad de Bogotá y desde los cinco años de edad reside en el Quindío, Colombia Inicia su recorrido y gusto por el arte desde muy joven, estudiando en diferentes instituciones, ingresa a la Escuela de Comunicación Gráfica “Taller Dos”, en el Municipio de Calarcá, Posteriormente vive de la dura Profesión de la Caricatura de fisonomía con la que participa en el festival Internacional de Humor Gráfico “Ricardo Rendón” en Rio negro Antioquia, obteniendo el primer lugar. No obstante, ve gran interés en recrear y plasmar sobre el Lienzo la majestuosidad e Imponencia de los bosques de niebla de su región, siendo esto lo que lo lanza en al mundo de la plástica como un gran paisajista y muralista. Actualmente prepara una más de sus Exposiciones personales a nivel Internacional que lo Catapultará como uno de los máximos exponentes del paisaje andino colombiano. Mago de la bruma y sensaciones atmosféricas este artista logra trasmitir al espectador mediante sus creaciones una sensación extraordinaria de paz y tranquilidad consiguiendo crear un ambiente maravilloso y puro, libre del estrés y el smog de las grandes selvas de cemento. Nos resulto impresionante tu serie Bosques de Niebla, ¿qué nos puedes platicar al respecto de este proyecto? Todo comienza al realizar salidas de campo; las cuales consisten en entrar en contacto con el bosque, sentirlo, respirarlo, analizar sus variadas formas, observar la perfección de su ecosistema, el acorde maravilloso de cascadas, el canto de las aves y diversos sonidos creando una sinfonía; todo esto en una grandiosa y perfecta armonía, de allí es donde nace mi inspiración. Podría decirse que no es pintarlo, sino sentirlo. Dejar que la mente y la motricidad actúen de manera coordinada y formen grandes creaciones.

Este tipo de paisajes únicamente los habíamos visto en la película Avatar de James Cameron, ¿te gusto el arte de la película? Es maravilloso y muy fantasioso. Todo el mundo compara mi arte con la película y en realidad este tipo de bosque está en todas partes lo que pasa es que realmente nadie se ha detenido a observarlo. Puede estar a la vuelta de la esquina e ignoran su existencia, la mayoría de personas viven gran parte de su vida en selvas de cemento o simplemente manipulados por el dinero. ¿Cómo fue tu paso en tu estancia en el Taller Dos? Cambio mi vida, antes no conocía las técnicas, como el acrílico. Después fue una gran herramienta para plasmar mis obras.

«Indispensable llevar siempre una buena cámara pues ocasionalmente me topo con un ave endémica, una gota de agua posando sobre una hoja o el reflejo del sol mañanero golpeando una húmeda hoja logrando grandes tonalidades» ¿Quiénes son tus influencias o maestros en este camino del arte? Realmente mi gran influencia ha sido el paisaje natural de esta región. He tenido grandes maestros de pintura acrílica como Arlex Herrera, entre otros.

Cuéntanos como es un día normal de Juan Carlos, abres la ventana de tu cuarto y ¿siempre vez ese tipo de paisajes que plasmas en tus cuadros? Mi jornada comienza a las cinco de la mañana, vivo cerca de un gran bosque y tengo dos mascotas increíbles que me acompañan casi siempre en mis caminatas diarias. Además tengo una gran crítica que es mi novia y mi hijo de doce años, ahh, indispensable llevar siempre una buena cámara pues ocasionalmente me topo con un ave endémica, una gota de agua posando sobre una hoja o el reflejo del sol mañanero golpeando una húmeda hoja logrando grandes tonalidades.

Red light (artistas con trayectoria)

JR Piedrahita Actitud espontánea

¿Dónde se gesta tu pasión por la pintura? Nace de una actitud espontanea propia de la infancia de poseer los objetos vistos y emular a la ves la primera impresión al ver las obras, Louis David, de Gros, Leyeune de los pintores neoclásicos historicistas que captaban grandes hechos dramáticos de la historia, vistos en los libros de historia en mi niñez. ¿Cómo vinculas tu formación de arquitecto con esta disciplina? Como arquitecto aplico en la composición el manejo de la simetría, equilibrio y distribución de objetos en un área espacio que es lienzo en sí mismo.

«Las muñecas representan a la mujer personaje misterioso a mí ver en la infancia» ¿Qué experiencia te ha dejado el trabajo con otros artistas? Todo artista te aporta algo de su trabajo que se puede aplicar al propio. Me ha servido conceptos, disciplinas y maneras de pensar de muchos artistas que son aplicables al proceso creador sin emularlos o imitarlos. Si los juguetes que pintas hablaran ¿Qué dirían de ti? Que estamos haciendo aquí, para donde vamos, alguien más nos mira, que otra aventura podemos hacer de más de esta vida. ¿Con que otros objetos, sujetos o circunstancias te identificas en tú obra? Con el paisaje de atmosfera metafísica como los de Giorgo Chirico, con imágenes de hechos históricos, tratar de pintar el silencio después de un gran ruido como las reliquias de guerra.

Si no hay un lienzo ¿en dónde pintas? Pinto sobre cartón, papel o madera según el caso. También sobre un modelo a escala que en sí mismo es como un lienzo. ¿Cuál consideras que es tú mayor aporte a la pintura? Considero que no he inventado nada nuevo en el acto de pintar. Como aporte personal aplico el recuerdo o la memoria de una época vivida como soporte argumental de la obra, a través de experiencias simples como jugar con objetos inanimados. Reviviendo fuertes emociones ya pasadas y compartirlas con los demás. De todos tus juguetes plasmados, ¿con cuál te falta jugar? Con las muñecas por obvias razones. Los juguetes propios eran más de drama, historias bélicas y conflictos con la naturaleza como el soldadito de plomo, el barco, los aviones, etc. Las muñecas representan a la mujer personaje misterioso a mí ver en la infancia.

Red light (artistas con trayectoria)

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Hazael González El artista y el contexto El hablar de Hazael González, es hacer mención de un artista visual que nos representa, a través de esa entrañable colaboración entre pincel y óleo, una producción pictórica dotada de un peculiar uso de tonos alusivos a luces y sombras que atribuyen a cada pintura de una psicología propia que traspasa al lienzo. La visión plasmada en sus obras presenta a un artista poseedor del gusto por lo sencillo y cotidiano, con la entera capacidad de preservar en pintura una íntima perspectiva a su propio entorno, sin la necesidad de caer en lo superfluo. Paisajes infra ordinarios, retratos inhóspitos y personajes veraces protagonizan cada cuadro, en donde las sombras, como antagonistas de la propia pintura, ocupan un rol fundamental dentro de la composición de la obra, incitando a que nuestra percepción sucumbe ante una emotividad translúcida. Por lo que no es sorpresa encontrarnos con un artista que ha desarrollado su vocación a la vez que se ha visto beneficiado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes con la Beca de Jóvenes Creadores en la categoría de Pintura, esto siendo solamente una de varias atribuciones por las que se ha visto destacado como becario. A primera vista, se alcanza a apreciar una propuesta pictórica que dentro de su desconcierto no se molesta en invitarnos a despertar nuestros umbrales de atención hacia cada pieza. Logrando despabilar a nuestros sentidos, se cumple esa funcionalidad de suprimir la indiferencia, nos resignamos a reaccionar y dejar que nuestras emociones respondan ante la visión de pinturas en donde la perspectiva, en esencia, define nuestra posición como observador de la obra. Simplemente, en cada retrato, a diferencia que en las ciudades, no evitamos que se crucen nuestras miradas. Una acción momentánea provoca el despertar de un sentido humano, fluyendo así una interacción unilateral en donde la pintura nos interviene a final de cuentas. Tal suceso no sería factible sin los contrastes latentes entre

tonos lumínicos y sombríos, el cuerpo y color manifiestos ante nuestro enfoque global del cuadro. En sí, la obra en su totalidad atribuye a cada personaje poseedor de su respectiva psicología, siendo producto de la mezcla de distintos elementos referentes a la composición de cada escena, tal y como si se pudiera dibujar a la esencia misma. Dentro de las distinciones presentes, es de notarse que se puede puntualizar el trabajo de Hazael González como una obra de la cual no es necesario plasmar lo ajeno. Todo parte de la relación entre el artista y contexto. Su continuo desenvolvimiento con el mundo que lo rodea en conjunto con el trabajo gráfico interactivo entre mente – mano – ojo, nos proponen a irrumpir en la mundo del artista, por lo que cada escena pintada resulta ser parte de una visión dotada de una intimidad simbolizada por medio del óleo, excelente confidente. Por: Ricardo Zamora

Teniendo todo un mundo por pintar ¿Qué te ha motivado a realizar retratos? Coincidieron varios aspectos, la figura humana me interesó desde mis primeros dibujos y pinturas, usualmente inventaba y ocasionalmente hacía autorretratos directos del reflejo del espejo, en el año 2000 compré mi primer cámara fotográfica y comencé a tomar fotos, empecé a pintar la figura humana partir de la fotografía y sin darme cuenta ya estaba pintando retratos, ese mismo año hubo una exposición en el Museo de Arte Moderno “Una mirada fuerte” en la que vi “Reflexión (autorretrato)” de Lucian Freud que me impactó intensamente, desde entonces a la fecha, hice varias fotos de mis amigos y comencé a pintarlos, seguí y sigo haciéndolo hasta ahora. Caí en cuenta años después que las personas son sumamente importantes para mí, vitales en muchos casos, sentí que sin la gente estaría perdido. Normalmente pinto a las personas con las que tengo contacto, así no solo veo su apariencia y percibo mucho mas de ellas, principalmente me enfoco en su actitud corporal y psicológica, eso es lo que quiero presentar plásticamente al hacer retratos. ¿Cómo fue que llegaste a definir tu propio estilo como artista contemporáneo, qué influyó en tú desarrollo? Por lo pronto no creo haber llegado a definir un estilo propio, pero puedo percibir que la semilla del estilo personal está germinando y quizá en algunos o muchos años me volvería a plantear las dos preguntas y revisar mi desarrollo para explicar como lo logré. En este asomo estilístico te puedo decir que lo ha influido todo lo que he vivido y conocido, lo que recuerdo y lo que he olvidado pero que está ahí, aquí en mí. En este desarrollo inicial hay aspectos concretos que están influyendo en mi forma de pintar, artistas que admiro y que conscientemente reviso plásticamente como: Van Gogh, Caravaggio, El Greco, Lucian Freud, David Hockney, Eric Fishl y varios en menor grado. En el momento de volver a crear algo nuevo ¿A qué elementos de la composición de tus obras le dedicas más trabajo? A la imagen en relación con el formato, al tratamiento de las pinceladas, a los contornos y al color, a la luz y sombras.

«El proceso artístico es una ruta que se va construyendo en la marcha y que al mismo tiempo guía las obras futuras, el proceso es un camino que he tomado, que sigo caminando y que espero sea el correcto» ¿Qué puedes destacar de la evolución de tu proceso artístico desde tus inicios a la actualidad? El proceso artístico es una ruta que se va construyendo en la marcha y que al mismo tiempo guía las obras futuras, el proceso es un camino que he tomado, que sigo caminando y que espero sea el correcto. Cada nueva pintura conduce a la siguiente y esta a la que sigue y así como una cadena con eslabones que se engarzan consecutiva y permanentemente. Hablando de evolución de mi proceso artístico creo destacar que precisamente la evolución se da en el proceso porque invariablemente se convierte en experiencia y esta a su vez colabora con lo siguiente. Puedo destacar que siempre reviso obras que me interesan para aprender de ellas lo más posible. Años atrás noté que la pintura me da respuestas, si tengo una relación constante con ella me sugiere lo que debo hacer y cómo lo tengo que hacer, y cuando le hago caso, los resultados son buenos. La pintura es estricta e intensa. Me fascina escucharla cuando al pintar me habla. ¿A qué le hace Hazael González mientras no pinta? Entre otras cosas, a dar clases de dibujo y pintura, a leer, a mi familia que tanto quiero y a procurar que el estrés y el miedo se diluyan lo más pronto posible. Personalmente, ¿qué te complementa? La música, mis amigos y los viajes me son necesarios.

Red light (artistas con trayectoria)

Rocío Montoya El antes y el después “Estas son las ultimas cosas. Una casa está aquí y al día siguiente desaparece.” Paul Auster Nos encontramos frente a una realidad de apocalípticos desbordados. De alguna manera, se han establecido nuevos momentos a partir de la publicación de los comunicados de WikiLeaks. Parte de su importancia radica en exhibir, que lo que postulamos como verdades son mentiras. Por esto, la concepción del mundo, antes y después de WikiLeaks ya no es la misma. El antes y el después. La realidad y la mentira, o una realidad construida, es decir, inventada. Encontramos esta intención de Rocío Montoya, desmaterializar el entorno para construir a partir de la destrucción. Vernos sumergidos en el caos, permitirnos perdernos en él. Hacer un collage de irrealidad para construir una nueva historia que resulta quizá mucho mas convincente que la propia realidad. Ella propone una construcción simbólica del desorden a partir de la confusión, mostrando un paisaje a flor de piel, irónico. Juega con la eterna pero delgada línea de la realidad. Imágenes contundentes por su inminente motín, ante una estética que se desborda. Así la cruel destrucción se convierte en la mejor de las virtudes.

Por Rodrigo Meneses.

Tus “dibujos” como los describes en tu sitio web, tienen muchos complementos, ¿Cómo descubriste esa habilidad para el dibujo? He dibujado toda la vida, de muy pequeña se convirtió en un pasatiempo disfrutable, no sabría decir con precisión cuándo ni cómo. En la adolescencia tomé una clase de dibujo de cuerpo humano con técnicas de la academia clásica. Allí comencé a construir dibujos de muchas horas de producción en varias sesiones, pero lo más importante fue educar el ojo, aprender a observar. Estoy convencida que la habilidad en el dibujo deviene de saber observar el exterior o las propias ideas. Supongo que ese fue el momento en que supe que podría crear cualquier universo, existente o no, en una hoja blanca.

Tus imágenes son situaciones muy claras, ¿de dónde las tomas? Son situaciones extraídas directamente del imaginario colectivo. Surgen del bombardeo de imágenes de los medios y las impresiones diarias. Sumergida en ese mar, es un trabajo de pesquisa y apropiación hasta encontrar o generar la imagen precisa que construya esa situación en particular.

¿Qué opinión te merece el uso de lo digital en las artes plásticas? Es fascinante que los nuevos medios digitales pueden ser utilizados en cualquier parte del proceso creativo, aún dentro de los procesos de los medios más tradicionales, no es necesario que aparezcan como el soporte final. Los artefactos electrónicos e interfaces digitales han permitido la creación de un espacio virtual capaz de generar percepciones antes inimaginadas en el arte, o fungir como materia prima en las artes plásticas. Creo que, a estas alturas, son pocos los artistas o propuestas que no utilizan o se cuestionan sobre los medios digitales, de algún modo. Y me parece que justo al arte le corresponde cuestionar este nuevo espacio digital y virtual que se ha abierto en la vida cotidiana. Trabajas otras disciplinas en el arte, ¿qué te apasiona de cada una y cómo las vuelves una misma en tus obras? Me formé en una generación intermedia, donde la técnica sobre los medios tradicionales aún era relevante en las escuelas de arte; pero también incrementaban velozmente las propuestas multi e inter-disciplinarias, la curiosidad por las plataformas digitales; y por otro lado, el “bum” de la utilización de lo ya producido, la descontextualización, la re significación, etc., de algún modo mi trabajo es resultado de todo eso. Yo encontré en el dibujo y la fotografía los medios donde lograba aterrizar de un mejor modo las ideas. Por supuesto, de ambos me apasionan sus procesos más tradicionales, “la cocina”, pero también me fascina su

transición a las nuevas tecnologías. La creación de objetos, la intervención y lo escultórico, han aparecido seductores en momentos, sobre todo cuando se me presenta un espacio en específico con el cual trabajar. Sin embargo, más que casarme con un soporte, lo que procuro es darle seguimiento a una intención, a una forma. Así, en ocasiones se vuelve necesario dialogar con otras disciplinas y medios, hasta encontrar la plataforma más conveniente acorde a lo que se esté buscando.

Eres muy joven y haz recibido ya varios estímulos y reconocimientos ¿cómo se llega a tener esta calidad en el arte a tan corta edad? Lo primero es el trabajo, pero no se trata sólo de hacer, sino de comprometerse con lo que uno hace, con las ideas, con el medio, con la razón por la cual producimos y, de algún modo, con el propio arte. Y luego, es un asunto de pura insistencia, de insistir con una intención e insistir en el lugar adecuado. El mundo del arte tiene muchas esferas, es importante encontrar en la cual cobra sentido lo que hacemos.

En tu vida diaria, ¿qué otros potenciales desarrollas? Pues, disfruto mucho bailar, nadar, construir o arreglar cosas con las manos. Me encanta tejer y lo relacionado a la moda.

Green light Artistas Emergentes

Diana Flores Yoliz York Martha Franco AndrĂŠs Ordaz 25

Green light (artistas emergentes)

Diana Flores Experiencias de vida

¿En qué momento empiezas a interesarte por la pintura? Tuve un gusto por los colores, crayones y papel, distinto al que le tenía a otras cosas recién descubiertas durante mi infancia, eran mucho más que juguetes. Desde ese momento, recuerdo, mis pensamientos acerca de esto estaban orientados al concepto del juego, pero al mismo tiempo era algo más que jugar… en el momento en que comencé a pintar, se comenzó a formar un modo de expresar lo que observaba en el mundo nuevo, que vino a convertirse hoy, en mi pasión. Jamás desprecié los juguetes, pero siempre prescindí de ellos si tenía mis pinceles o colores. Mi primera clase formal fue a los 6 años. Recuerdo mi primer cuadro, Girasoles, para lo que mi maestra me auguró una semana. Mi diversión me obligó a terminarlo en dos horas. Desde ahí supe que pintar significaba algo más en mi vida.

¿Cuáles fueron tus influencias artísticas de niña? En uno de mis primeros libros de arte se incluía la obra de Salvador Dalí, El surrealista, y esa niña conoció seres que no sabía que existían y al mismo tiempo, sabía que no existían: los seres e imágenes de su mente y que podía expresar al dibujarlos, así como los había en mi propia mente, y a través del óleo pude conocer los suyos y me encantaron. La niña quería meterse a sus cuadros para verlos desde adentro. René Magritte y Diego Velázquez fueron también los primeros nombres en mi niñez, y el último impresionó en mí una época que me cautivó por el detalle que transmite en su pintar, me pareció como trasladarse a través de los siglos por el simple hecho de observar. Además de que la música ha sido, desde siempre, fundamental para desarrollar la imaginación y plasmarla en dibujos y pinturas, transformarla en el ambiente en que se sitúa la expresión de cada acción de mis pinceles.

¿Qué hay detrás de tus pinturas? Hay emociones, recuerdos, historias contadas con pinceles y experiencias de vida. ¿Te sientes parte de un movimiento artístico en especial? No, ninguno. Siento que en mi trabajo hay una combinación de ellos, no me dedico a uno solo, ya que siento fascinación por diferentes movimientos pictóricos. Me gusta moverme entre el surrealismo, expresionismo y el realismo para los retratos. ¿Tu condición de mujer te ha influido en la manera de interpretar el arte? No lo creo, en realidad eso no es parte de mi interpretación del arte. ¿Cuáles son los géneros pictóricos de su preferencia? Retrato y pintura histórica. ¿Tienes alguna preferencia a la hora de elegir los temas que llevas a tus lienzos o soportes? Depende de lo que voy a pintar, si es un retrato, me gusta pintar a las personas con elementos que se identifiquen con su personalidad y esencia, ya sea de una forma mística o naturaleza. Y si es algo libre, me gusta plasmar acontecimientos y circunstancias de la vida, como un cuento pero en pintura. También me guío mucho por la música, depende de lo que escuche vienen ideas, cada género musical es un color diferente.

¿En qué proyecto estás trabajando ahora? Trabajo en diferentes proyectos, algunos de ellos son: Intervenciones Trasatlánticas, es un colectivo interdisciplinario que parte de la investigación, exploración y experimentación de artistas de diferentes disciplinas y nacionalidades. Sus campos de acción involucran la pintura, arte escénico, cinematografía y música. Partimos de la premisa de cohesionar ideas en un todo artístico que hablará desde distintas perspectivas. Trabajamos a distancia, ya que vivimos en ciudades diferentes. La primera intervención queremos presentarla en Madrid y Viena, hablando esta vez sobre la pasión, la razón y el recuerdo. También trabajo en un proyecto llamado GALERY, junto con la empresa de diseño de moda KOSZULKA, trata de plasmar en playeras, obras de diferentes artistas, con el objetivo de promover el arte. Se venderán en diferentes museos del país, librerías y galerías. Otro proyecto que realizo, es una exposición individual, que hablará de la relación entre la guerra y la fiesta, tomando como ejemplo culturas que, al estar siempre cerca de la muerte a causa de la guerra, viven de fiesta hasta el último momento de sus vidas con la creencia de que la muerte lo hace olvidar todo y los lleva a una nueva etapa para divertirse. La guerra que plasmaré será donde todos viven una versión deformada de la realidad.

Green light (artistas emergentes)

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Yoliz Yorke La fan de Radiohead

Yoliz ofrece una analogía de las situaciones de la vida y el imaginario colectivo convenido donde las cualidades humanas se equiparan con los atributos de los animales. El resultado provoca una reacción de sorpresa y una reflexión sobre la facilidad con la que se dan por hechas las convenciones sociales. Por Eleni Fazaki Yoliz Yorke ¿Qué significado tiene para ti? Mi nombre es Yoliztli Sánchez pero está muy difícil siempre que me presento, que compro mis boletos de camión tengo que escribirlo, batallo mucho para que lo escriban bien, entonces ese como apodo me lo puse yo cuando estaba como en la prepa, hice mi correo y cuando empecé a estudiar la carrera abrí mis paginas donde subía mis trabajos que iba haciendo en la escuela y pues a todo le iba poniendo ese nombre, y así la gente me fue conociendo por Yoliz Yorke también pues empecé a subir mi trabajo ya más formal con este seudónimo y decidí dejarlo así. El York viene porque si soy muy fan de radiohead (risas) ¿Qué es lo primero que viene a tu mente cuando se trata de empezar un nuevo proyecto? Pues casi todos mis proyectos son basados en lo que estoy viviendo, lo que dibujo, pinto o hago es lo que a mí me gustaría ver, pinto los colores que me gustan ver y así entonces cuando empiezo algo no empiezo de cero si no que empiezo de donde me quede el proyecto pasado, trato de decir esto que hice ya fue pero de ahí veo hacia dónde puedo partir para hacer algo nuevo. Así que mi obra es como la evolución de lo que soy como persona y cuando empiezo un proyecto es que ya traigo como cosas que a lo mejor en el proyecto pasado no pude hacer pero que no importa digo aquí lo puedo retomar y hacerlo de otra forma.

«Mi obra es como la evolución de lo que soy como persona y cuando empiezo un proyecto es que ya traigo como cosas que a lo mejor en el proyecto pasado no pude hacer» Tienes tu propia venta de obras ¿Has pensado en algún día tener tu propia marca? La idea de vender cosas salió por que la primer expo que tuve individual pues si invertí una lana y entonces dije lo más seguro es que no venda un cuadro es difícil a veces y así para yo poder sacar dinero decidí hacer suvenires de los mismos cuadros que había hecho, luego la gente llega y te dice “está muy padre tu obra” pero pues no te lo compra, así que esa vez hice como cuarenta botones y en ese rato los vendí todos y así en cada expo que tengo voy haciendo mercancía de las obras que voy a exponer, eso se me ocurrió, una para sacar dinero de lo que hago que me gusta, y también porque investigando en internet los artistas que me gustaban también hacían eso, me gusta mucho Miss van ella hace Grafiti y también expone en galerías ella ya tiene su tienda online y vende playeras, la ventaja es que así puedes mover tu propio trabajo y de esa forma se va llendo como a mas lugares, cuando viajo al DF o a Monterrey me llevo suvenires y haya los vendo. Si he pensado en tener mi propia marca ahora estoy trabajando con un amigo y estamos haciendo unas playeras con mis ilustraciones, ya hicimos la marca con el logo y ese es mi próximo proyecto.

¿En qué parte del mundo te gustaría intervenir? Expongo una colectiva de Mexico-Grecia “ Intersecciones”, esta obra se ira a Grecia, pero la verdad no lo habia pensado. Me gusta mucho ir al Marco (Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey) y al DF, pero en especial siempre me ha llamado la atención el centro de las artes de Monterrey que es donde está el parque fundidora, ahí están como unas naves antiguas y que ahora es una galería y siempre me ha gustado mucho ese lugar estaría bueno poder exponer ahí mi obra.

de repente te saturan con la figura humana, y pensé ¿Que hare para ya no pintar personas? Entonces hice una serie de unos conejitos eran caricaturizados y ese símbolo de conejo era para mí como un ser malvado, después de que acabe seguí haciendo animales pero ya no tan caricaturizados si no mas trabajados porque me gusta a mi hacer la textura de cada animal y pues si cada uno tiene su razón de ser los osos es la representación de lo masculino, el zorrito que para mí es como en el cuento del principito y el venado para mi es el símbolo de lo femenino.

Osos, venados, conejos, gatos! Cuéntanos acerca de ellos ¿Qué significado tienen en tu trabajo? Siempre he sido fan de los gatos, desde niña siempre los he pintado, cuando sali de la escuela hice La Niña Tv, ésta era una historia biográfica de una niña que era yo con su amigo el gato, bueno es que siempre ando con mi gato y luego después pensé que ya no quería hacer personas que ya no quería pintar figura humana, porque en la escuela

Vi una foto donde Juan de Torreblanca tiene la niña TV. Una de tus imágenes ¿Cómo llego el contacto con el? Esa historia está muy loca y me gusta mucho porque soy fan loca de él, hace como cuatro años fui al DF unos días y con quien yo me quedaba eran del ambiente del teatro, nos invitaron a una fiesta-reunión, ya en la fiesta comente que yo traía cosas para vender, llevaba mis botones y estampas, estábamos en medio de la reunión cuando de

repente tocan la puerta y era Juan Manuel Torre Blanca, en ese entonces pues no era tan famoso, se sentó cerca de mí y cuando se acabó la fiesta dije no me voy a quedar así, agarre uno de mis botones fui y se lo di, le dije que me gustaba mucho lo que hacía y le di mi botón! Y ya mucho después en un blog de moda vi que enseño su guardarropa y vi que en su colección de botones estaba el mío, de hecho hacia una mención que decía “Este me lo Regalo Yoliz Yorke” .

ese tema, de hecho actualmente está expuesta en el Parque de Morales en la expo “De apariencias, Absurdos y Realidades”.

Cada obra que has hecho tiene una historia o un porque ¿Cuál es la que más te ha gustado? En 2011 me seleccionaron para Arte Joven con la imagen “La pelea de las ofertas” y me gustó mucho que la imagen tuviera mucho impacto y me animo a seguir trabajando en

¿De quién eres fan dentro del arte visual? Pues soy muy fan de Miss van, Yoshitomo Nara él hace puras niñitas malvadas, y Marcos Castro que también hace animales como lobos y venados, mel kadel y souther Salazar.

¿Qué significado tiene el amor para un artista como tú? Esta como dividido, puede ser el amor de pareja, de familia, hacia el trabajo, hacia las cosas que te gustan, hacia tu mascota tal vez sería más la pasión por hacer las cosas, es algo muy relevante en todos independiente de lo que hagamos.

Green light (artistas emergentes)

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Martha Franco Conejos dañados

En la obra de Martha Franco Podemos, cada que pasamos por una habitación ajena, con la puerta entreabierta, echar un vistazo de reojo y seguirnos de largo, o bien entrar sin pudor para husmear por algunos de sus rincones. La obra de Martha Franco siempre esta así, entreabierta. Nos da la posibilidad de entrar o no; es decir, de indagar en sus imágenes para acabar escarbando en nosotros mismos. Su desorden más íntimo, sus obsesiones. Todo lo traduce en imágenes. Usa un lenguaje que franquea el límite entre lo palpable y lo impalpable. Además de su propuesta visual como parte de un imaginario femenino, personal y colectivo, podemos ubicar la obra de Martha como parte de una gráfica contemporánea, alternativa. Los cuentos de hadas han desempeñado un papel importante en el arte. Se han reescrito imaginando mitos por los cuales se guían en muchas ocasiones las mujeres contemporáneas. Y Martha Franco encaja muy bien aquí. Se ha representado a la mujer desde distintos puntos a lo largo de la historia. En gran medida vista por el hombre, como un espectáculo, como algo sintomático, como el objeto pasivo de una mirada masculina activa y poderosa. Esto viene de un orden en el que el hombre hace realidad, fantasías y obsesiones, ubicándola como a un ser estático, en su lugar, como portadora. Más no como creadora de significados. Pero ¿Qué pasa cuando la mujer es vista por sí misma, cuando comparte el placer, el deseo, su propia búsqueda? Sólo por mencionar algo. Cuando es la creadora que comparte su discurso visual, se convierte la relación, creador-espectador en un diálogo con una identificación de trans-género. La obra de Martha es el corazón de un lenguaje femenino; adquirido, en parte, por cultura, pero también implícito en su esencia más pura.

El interés que Martha tiene por el cuerpo, por su cuerpo, por su rostro, se puede plantear desde distintos ángulos, como icono, diosa, niña, mártir así como narcisista. Esa Narcisa que no tiene miedo de caerse al agua y ahogarse con sus propias emociones. Aunque podemos ver una marcada influencia de Arte Pop, las piezas de Martha Franco muestran desde ritos nahuales en plena urbe del siglo XXI, hasta quimeras perdidas en bosques olvidados. Su gemelo animal podría ser cualquiera, aunque sobra decir que prefiere a los conejos. Irónica, lúdica, confusa… Martha no nos lleva de la mano, más bien usa una correa para jalarnos a sus más necias obsesiones. ¿Reconoce sus fetiches? ¿Alumbra su camino con plena consciencia de sus rituales irreverentes? ¿Para conseguir qué? ¿Para encontrar a quién? Ese camino le pertenece a ella y lo conoce mejor que nadie. Si algo sabemos es que encontramos algo de ella en su obra; a la vez que encontramos algo de nosotros mismos. Su franca sinceridad, sin tapujos nos comparte un rico platillo lleno de espejos que podemos morder con la mirada y digerir con el corazón. Se dice que sin espectador no hay obra de arte. ¿Qué tanto nos podemos reflejar en su obra? Eso depende de nosotros. Por Elisa Urías (Artista visual)

¿Quiénes son tus referentes en el arte contemporáneo? Admiro la obra de muchísimos artistas pero de mis favoritos, Carlos Amorales, Kiki Smith, Banksy entre otros. Y aunque no todos son contemporáneos ni visuales estos hombres y su obra tienen una gran importancia en mi desarrollo creativo-emocional. Toulusse Lautrec, Charles Bukowski y Alejandro Jodorowsky . ¿Por qué la fascinación por los conejos? Los conejos han ido mutando a lo largo de mi obra, aparecieron en “Muñecas inflables” en el 2008 proyecto acerca de la mujer-objeto, el maltrato y la prostitución física, mental y emocional a la que eran orilladas algunas mujeres por la sociedad. En este caso la represente por medio de pin-ups y mujeres vestidas de conejito Play Boy. En 2009 “Sweet Bunny” hablaba sobre la perversión natural del ser humano a través de la inocencia, en ella los conejos hacían referencia a imágenes infantiles como caricaturas o conejos de peluche. Así poco a poco fueron transformándose, volviéndose más y más parte de mi obra pero más de mí. En “Réquiem para un Corazón“y “Memorias de un Jardín sin Horizonte” me autorretrato y retrato a través de ellos, de su cara, de su forma, su belleza retrata la tristeza, la amargura y el dolor qué estéticamente ya no me da la figura humana.

Profesionalmente ¿A dónde va Martha? Profesionalmente no sé, a muchos lados (Risas) como la mayoría tengo aspiraciones... becas, premios, exposiciones etc. Pero la neta a mí lo qué me mueve de esto es todo lo que me provoca producir. El placer y la emoción (tanto felicidad como tristeza) qué me da crear, estar encerrada dibujando, oliendo el oleó, la tinta, embarrarme de pintura, fantasear con imágenes y libros. Esa emoción no me la da otra cosa. Lo hago por qué es la única manera qué conozco de exorcizarme, de sentirme plena. El éxito profesional solo con constancia, autocritica y aprendizaje diario. Estoy en eso (Risas), ya veremos.

«Es la única manera qué conozco de exorcisarme, de sentirme plena»

¿Qué proyectos inmediatos tienes, que estas pintando ahora? Actualmente estoy trabajando en un proyecto que se llama “Viaje a ningún lugar” gráfica, libros de artista y pintura, y estoy por comenzar “Persiguiendo al Conejo Blanco” que es intervención del paisaje urbano a través de gráfica. Tu estilo es muy particular. ¿De dónde surgen esos trazos? Mi obra siempre ha sido visceral, viene de mí, de mi experiencia cotidiana, del recuerdo, de los espacios transitados, del deseo, de la inconformidad, del amor, de la duda, del desamor, de la felicidad, de la magia, del abandono… Viene de vivir (Risas). ¿Para una obra vas coleccionando momentos de tu imaginación o sale todo de un jalón? Depende, la mayor parte del tiempo aunque yo no lo quiera me la paso alucinando con los proyectos que voy hacer o que estoy haciendo y de repente ¡boom! vienen un montón

de imágenes de golpe. Amo esto, aunque a veces es molesto, no me deja dormir. Por otro lado trabajo mucho con collage (fotografías, recortes, mapas, cartas etc.) entonces una imagen me va llevando a la otra, esto me pasa más con los libros de artista. Cuál de todos estos conejos, como personaje es tu favorito? Bugs bunny, el de las pilas, el conejito de las revistas. Ninguno, ¡los odio a los tres! (Risas) mentí, pero no es que ame todos los conejos, aunque solo sean imagen para mí representan mucho más, cada uno de mis personajes tiene un rasgo, una característica física que detona una emoción, tienen un papel especifico en mi obra qué representa una parte de mí misma, así que con los conejos que no son míos pasa igual tenemos que hacer click. Así qué si tengo que elegir un personaje conocido escojo al conejo blanco de Alicia en el país de las maravillas que tiene que ver precisamente con mi último proyecto “Persiguiendo al Conejo Blanco”

Green light (artistas emergentes)

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Andrés Ordáz Transformación permanente Andrés Ordaz, artista joven en transformación permanente Andrés Ordaz es un artista plástico y visual que tiene una atenta manera de leer la realidad, su obra dialoga con el mundo que le rodea, reflejándolo e interpretándolo. No sólo por la temática, sino por la manera de darla a conocer. Podemos ver su trabajo en las redes sociales, en páginas donde hospeda sus videos y, además, en la calle. Hace unos meses, presentó una exposición individual en el IPBA, Vivimos en Babilonia, y los que asistimos pudimos terminar, intervenir la muestra, ya que fuimos invitados a colocar estiquers encima de una pieza montada para ese propósito. Esa exhibición estuvo formada, principalmente, por xilografías hechas en diferentes soportes. Algunas piezas fueron impresas, otras eran las propias placas entintadas, inclusive, hizo una en una patineta. El tema central es la decadencia que advierte en la sociedad actual y, por ello, la comparación que hace entre ésta y Babilonia. A la manera en que Ítalo Calvino describe, a través de un ficcionado Marco Polo, Ciudades imposibles, Andrés desarrolla en sus obras una geografía fantástica, con su mitología propia incluida. Parte de los escritos del Nuevo Testamento, la tradición judía y de otros autores, como César Vallejo, para plasmar una denuncia a cerca de la discriminación, la violencia y la intolerancia en cualquiera de sus formas. Así mismo, para ayudarnos a dirigir la mirada hacia aspectos de nuestra dinámica cotidiana en los que, por múltiples razones, no reparamos. Eligió para desarrollar su planteamiento a una sociedad con mala fama, que estuvo en activo hace varios milenios, porque, a pesar de tener la mirada en el presente, Andrés es una persona con muchísima conciencia del pasado, del muy muy remoto y del reciente; así mismo, de su inmediata historia personal. Por ello, su actual trabajo lo está llevando, una vez más, a la raíz, en este caso, a la suya. Ha dejado un poco de lado la madera y está utilizando otros

«Andrés desarrolla en sus obras una geografía fantástica, con su mitología propia incluida»

materiales, principalmente el papel, sobre el cual incluye collage y practica la impresión sobre pétalos de flores; además, cose hilos de colores, en una muy clara referencia al quehacer de su padre, quien fue sastre. Como hace con el resto de la realidad, reinterpreta la labor de su papá y se vale de ella para la creación estética. Usa su obra para recordar a su padre, pero también para continuar dialogando con él, acaso para seguir conociéndolo y aprendiendo de él. Como Andrés dice, él mismo es una parte de su papá que sigue viva. Estamos, entonces, frente a un joven creador en constante transformación, que experimenta continuamente con técnicas y soportes, por lo que vale la pena que, desde ahora, vayamos siguiendo su trayectoria. Por Alejandra Elías.

Green light Seleccionados web

Lola Cervant Jairo A. Maldonado JesĂşs Torres JosĂŠ Zendejas 43

Lola Cervant

Jairo Maldonado

JesĂşs Torres

JosĂŠ Zendejas

Blue light Textos libres

Alfredo Padilla 49

Blue light (textos libres)

Alfredo Padilla Pintura, decadencia, pintura Daniel Lezama Pintura, decadencia, pintura La obra pictórica de Daniel Lezama goza de una plétora de sinónimos que se agitan a partir de conceptos como lo decadente y lo bizarro, lo ilustrado y lo sedicioso, de lo garboso puede pasar a lo marginal en un segundo, a bote pronto; las pinturas de Daniel Lezama son un bajón al ánimo nacional de retóricas sin filo y de falsas libertades. A Lezama le interesan ese tipo de universos aminorados, una narrativa prodigiosa desenvuelta en los escenarios más desprovistos e insólitos de la pintura contemporánea mexicana. En la serie “La Clase de Historia”, sobre un templete verde, un niño azteca compuesto con parte del atuendo de guerrero águila, humedece con una esponja de baño el rostro de una mujer madura de rasgos indígenas, ataviada con una playera blanca de Los Ángeles Lakers y la solemne bandera de México en el cuello –a falta de toalla- en la parte inferior, un mago cubierto a la usanza de

«Los relatos son el método para volver a la pintura, para captar la melancolía, la tristeza, el irla pasando es el irse muriendo» Harry Houdini, le aporta a la mujer un elemento más, emerge de su sombrero de nigromante una serpiente, el réptil se pliega sobre las piernas de la hembra para darle titulo al cuadro: “El nacimiento de la ciudad de México”, y refiere perceptiblemente, al origen del escudo nacional mexicano, la Leyenda de la Fundación de la Gran Tenochtitlán: un águila posándose sobre un nopal florecido, en un pequeño islote ubicado en medio de una laguna. Este oleo sobre lino, pintado en el 2002, nos recuerda a las estampillas recortables o laminas escolares didácticas que

adquiríamos en la etapa colegial, y que tuvieron gran auge en la época que surgió la tecnología educativa, se trataba de bombardear a los estudiantes con un exceso material visual, monografías que presentaban apenas un esbozo de información con imágenes ridículas sobre un tema específico. Lezama parece recurrir a ese mismo sistema dogmático, yuxtapone iconografías, descontextualiza elementos, sintetiza efigies y las exhibe en su mayor miseria gráfica. Parte fundamental en la obra de Daniel Lezama es la semántica, (búsqueda de parecido de reproducción fiel de las realidades visibles). Se trata de transposiciones semánticas con las que crea contextos a partir de ciertas imágenes consagradas de la historia del arte. Una reivindicación de las efigies reveladas por la tradición y una fuerte introspección o radiografía del mexicano es la pintura de Lezama, cargada de alegorías que podrían ofender a unos cuantos galeristas conservadores, desnudos injuriosos, atmosferas populares, emblemas apostólicos fuera de su contexto devoto y la decadencia como personaje principal de cada cuadro, decadencia antes y después de la pintura, la de Lezama retoma la obra de autores mexicanos del siglo XIX y XX y la influencia de autores de fuerte alcance narrativo como Rubens o Goya, y de maestros del tenebrismo en el manejo de la luz como Caravaggio. Lezama evidencia su proyecto: “Obtener, a través de la pintura, las respuestas de vida y de arte que no se detengan en la literatura, pero que usen de la literatura para interpretar las reacciones del que contempla. Esta, creo, es una de las claves: los relatos son el método para volver a la pintura, para captar la melancolía, la tristeza, el irla pasando que es el irse muriendo.” -Carlos Monsiváis dixit-. Daniel Lezama nació en México en 1968. Estudió Artes Visuales en la Academia de San Carlos de la UNAM, y empezó su carrera artística en 1995. Ha sido becario del Fonca y del Conaculta en varias ocasiones. En 2000 ganó la Bienal de Pintura Rufino Tamayo.

Yellow light Colectivos

El gato negro 53

Yellow light (textos libres)

El Gato Negro

Galería de arte contemporáneo El gato negro y la importancia de los espacios independientes. No es la primera ni la ultima, pero sin lugar a dudas aparece en momento adecuado, pareciera que el gato se mantuvo agazapado; esperando… Si hablamos de contextos socioculturales a nivel nacional, podríamos decir que hasta hace poco nuestro estado estuvo dormido durante largo tiempo, aletargado y alimentándose de la esperanza y la fe depositada en las instituciones oficiales, con sus grandes mausoleos de piedra de dicados a la difusión del quehacer creativo, edificios reconstruidos, embellecidos pero sin contenido, creados e instalados de buena fe por las políticas sexenales en turno, espacios que si bien han realizado lo menos, nunca han podido lograr su objetivo, (posiblemente en un principio pudieron tapar el sol con un dedo) poco a poco estas moles de piedra, lindas, disfuncionales, muestran el deterioro causado por una política museográfica sin pies ni cabeza, donde los sitios dedicados a mostrar la obra de los artistas locales no cuentan con personal capacitado para el mínimo manejo de obra, o de una dirección que tenga un sentido crítico sobre

lo que se muestra, estos lugares ya no validan al artista y el artista no puede validarlos, llegamos a un punto donde la credibilidad de estas galerías se derrumba. Afortunadamente nos encontramos en un momento en el que la sociedad pide y espera, pero ya no espera mas del sistema oficial, en los últimos años hemos visto nacer y formarse colectivos, galerías y centros culturales, que buscan desde su independencia la creación de puentes que facilitan el consumo y producción de piezas artísticas, comprometidos desde el arte para la vida. La galería El Gato Negro es una de ellas, enfocada a la difusión de artistas emergentes y con trayectoria, el gato no cierra sus puertas, pero las cuida, desde sus muros invita a la reflexión y el disfrute, la sociedad aprecia y se acerca, consume y critica, no está dormida, vive y busca. El gato no está agazapado, ya no espera, pero tampoco acecha… El gato mira. El Gato Negro, no es la primera, pero tampoco será la última. Por Jorge Cabrera

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