N° 001 15/07/15
Pop Art Bocetea y dá acavados directos en la pantalla de tu ordenador. (pág. 20)
ORIGEN DEL POP UP
S/.5.00
LA ILUSTRACION EN EL PERU
Historia,evolucion, actualidad. (pág. 6-11)
ACUARELAS la maxima expresion en colores. (pág. 28-31)
El arte del papel doblado. (pág. 24-27)
“Mi trabajo es la imagen fresca y contemporánea de lo que es ser peruano” (pág. 16-17-18)
EDITORIAL EDITORES: LLactahuaman Lipa richar. Zarate Bolivar yordy Consejo de redacción: prof: Seminario, Juan Consejo asesor: Prof: Seminario, Juan Agradecimientos: Prof: Seminario, Juan ISSN 0212-1573 Dipósito legal: B.27.071-1982 INSTITUTO EDUCATIVO IDAT Departamento de comunicación y diseño 08193 Bellaterra (perú). lima Tel. 93 581 15 27. Fax. 93 581 32 39 REVISTA DE DISEÑO GRAFICO EDICIÓN Y CULTURA ESCRITA N° 001 - INVIERNO DE 2015 - PERÚ CARRRERA DISEÑO GRAFICO INSTITUCIÓN IDAT
Style.com@hotmail.com
indic LA PINTURA 6 EN LA HISTORIA DEL PERu
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familia tipogrรกfica Garamond
tabla periodico
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pop art
QUE ES UN POP UP ??
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acuarela el arte en agua
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LA PINTURA EN LA HISTORIA DEL PERu Durante las Épocas preincaicas y en el incanato, el poblador peruano plasmó su arte principalmente en la cerámica.
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on la caída del virreinato, el Perú sufrió cambios drásticos y radicales en todos los aspectos, incluyendo el campo artístico, el cual toma otros estilos, otras formas, otras tradiciones y otros temas distintos a periodos pasados. A un arte religioso, idealizado, pisos ajedrezados, fondos arquitectónicos, los cortinajes exagerados y de rebuscado misticismo cambian a temas históricos, nacionales o literarios y de técnica académica demuestran claramente la preferencia por lo barroco. Los artistas mas representativos de esta época son sin duda José Gil de Castro, Pancho Fierro y otros también importantes Pablo Rojas y Pedro Díaz son herederos de técnicas virreinales aplicadas a propósitos republicanos, estos pudieron plasmar en sus obras la época de transición entre el estilo barroco y el estilo neoclásico. José Gil de Castro o el mulato Gil como se le conocía se caracterizo por su dedicación exclusiva al retrato de los generales próceres, y personalidades de la independencia americana. “el realismo ingenuo de sus composiciones, tan ajustados a los detalles, como el uso liberal de textos y cartuchos explicativos otorgan a sus creaciones un inesperado matiz poético. Son celebres sus representaciones de San Martín y de Bolívar”1 . Por otro lado, el caso de Pancho Fierro fue diferente, ya que el plasmo el proceso de transformación y adaptación al nuevo sistema liberal y republicano, se inicio en el género de las pequeñas láminas a la acuarela en las cuales representaba toda la gama de la vida social, popular y política de sus días. El arte en la época de la Republica se pudo caracterizar por ser sencilla y clara, en la presencia de cuatro periodos, de los cuales mencionaremos algunos y llamar estilos.
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Pintura de la Escuela CusqueĂąa
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La Pintura Colonial. Esta se inicia en 1533 con la llegada de los conquistadores. Según r egistros el primer cuadro realizado es por Diego de Mora, Capitán de milicias y pintor, español. Se le menciona como el precursor de la pintura europea en el Virreinato del Piru (P erú). Nos dejó un retrato del Inca Atahualpa realizado en Cajamarca, así figura en el Diccionario Benezit y en el diario de doña Inés Muñoz, esposa de Martín de Alcántara, medio hermano del conquistador Francisco Pizarro, La pintura en el virreinato floreció con los pintores italianos llegados a Lima: Bernardo Bitti, en 1575; Mateo Pérez de Alessio, en 1588 y Angelino Medoro, en 1600. Se instalaron grandes Talleres de Enseñanza.
Pintura Colonial
Pintura de la colonia
LaEscuelaCusqueña. La prestigiosa Escuela de Pintura Cusqueña o Pintura Colonial Cusqueña, se caracteriza por su originalidad y gran valor artístico. Fue el resultado de la unión de dos culturas, la
Pintura de la Escuela cusqueña
clásica europea y el anhelo de los pintores indígenas, criollos y mestizos de la Indias de expresar su realidad y su visión en el arte sacro. Es la única en el mundo que estofa con láminas de oro, pintando directamente sobre este metal. Existen maravillosas representaciones de este
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Pintura de la Republica. estilo de arte. Dentro de los pintores que trabajan en la sede del gran Imperio Inca, destacan en la majestuosidad de este arte, entre otros, el Inga Diego Quispe Tito, Basilio Santa Cruz Pumaccacallo y Antonio Sinchi Roca Inga, los que le darían reputación universal. El aporte del arte español y, en general del europeo, influye en la afamada Escuela Cusqueña desde época muy temprana, cuando se inicia la construcción de la primera Catedral de Cusco que data de 1534, hoy Iglesia del Triunfo aledaña a la Catedral Mayor, cuya construcción se inició el 11 de marzo de 1560, la misma que se consagró el domingo 19 de agosto de 1668. Inicialmente la pintura colonial fue de tema sacro, y realizada por frailes y legos de los diferentes conventos asentados en la ciudad imperial, los que llegaron acompañados de grabados.
La Pintura RepublicanaenelPeru. Este Texto ha sido recopilado textuamente del libro “Pintores Peruanos de la República” de Juan Villacorta Paredes. Por Pintoresperu. com Para los fines de una sencilla clasificación y de un fácil conocimiento de la evolución de la pintura peruana, llamaremos Pintura Republicana, a la producción plástica pictórica realizada durante el periodo de gobierno republicano en el Perú. Señalaremos el año 1820 como fecha aproximada de inicio, y como proyección en el tiempo, hasta nuestros días.
grandes periodos, que podrían llamarse estilos por las características definidas de cada uno. Así tenemos en respectivo orden, la imagen primogénita de una Pintura Costumbrista, a la que continua la Pintura Académica, sigue posteriormente la Pintura Indigenista. y concluye el proceso evolutivo. la Pintura Contemporánea o modernista.
Como se puede apreciar, el desarrollo histórico y estético de nuestra plástica se simplifica notablemente ante la existencia de cuatro corrientes y movimientos debidamente personificados, sin que esto signifique sin modo alguno, una La Pintura de la República canalización absoluta, puesto vista a través de su evolución, que la diversidad de atributos tiene la virtud de mostrarse espirituales. sencilla, clara y concreta de sus ejecutantes. P. R.(tapadasen limeñas) en la presencia de cuatro determinan cada periodo
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Ignacio Merino / Grabado del libro Lima
Pintura de Miguel Camargo
Pintura Académica (1860 – 1920) aprox.
de la República, y sigue siendo, la meta de nuestros artistas.
Pintura Indigenista (1920 – 1940) aprox.
Establecido es sistema republicano en el Perú, la cultura y el arte estimulados por un absoluto sentido de libertad se orientaron hacia nuevos confines, donde lograron nuevas experiencias, nuevos conocimientos y sobre todo, la forma de vincular nuestra cultura artística al desarrollo estético universal.
Así definido el ideal de nuestros pintores, queda taras la pintura costumbrista de tipo local para dar paso a una nueva estética depurada, académica, revestida de los mas ajustados y sutiles cánones del clasicismo.
En el devenir de la vida es necesario conocer un poco de mundo, para conocernos mejor a nosotros mismos.
Viajan entonces nuestros jóvenes artistas al viejo mundo donde el arte había logrado su mas alta expresión; unos por cuenta propia: otros enviados por el gobierno en razón a sus méritos y virtudes artísticas, pero todos van entusiastas y ansiosos de aprender y traer a nuestra patria lo mejor del arte europeo. Europa fue desde los inicios
Merced a este interés , el Perú pudo integrarse a la cultura artística universal y asentar bases sólidas en la enseñanza dentro del país. Conforman el grupo de pintores académicos: Ignacio Merino, Francisco Lazo, Luis Montero, Daniel Hernández, Teófilo Castillo, Carlos Baca Flor entre los mas destacados, pero también realizaron obras de considerable valor Federico Torrico, Francisco Masías, Juan Lepiani, Luis Astete, Abelardo Alvarez Calderón.
El contacto con nuevos ambientes y nuevas realidades, nos permiten entender mejor nuestro ámbito vital. Así sucedió en la pintura, la belleza de esos mundos idealizados del arte académico y clásico, dio la posibilidad a nuestros artistas de conocer el significado real y concreto de nuestra tierra, de nuestros habitantes, de nuestra herencia artística. El excesivo interés y respeto por lo foráneo decae ante una nueva concepción del valor estético como exaltación primordial de lo propio. Algunos artistas que emigraron en afanosa búsqueda de conceptos
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Ivan Fernandez-Davila / Resaca originales, vuelven a la tierra saturados de nostalgia portando un mensaje de amor a lo suyo. Surge así la Pintura Indigenista, ávida de emoción local, deseosa de gozar y transmitir la belleza temática, formal y cromática de nuestros pueblos y de nuestros tipos. Tuvo el indigenismo su momento, laboro y produjo su aporte de claro y evidente nacionalismo, pero mirado con el desdén que se dispensa a lo aldeano, tuvo que pasar también y ceder camino a la reacción surgida en la lógica rutina de cambio dentro de la inmensa rueda del tiempo. Efímera, pero fructífera fue la vida del indigenismo en la pintura. Quienes operaron en el nuevo estilo supieron impactar hondo en la sensibilidad de nuestro pueblo, y hoy los nombres de José Sabogal, Jorge Vinatea Reynoso, Enrique Camino Brent, Camilo Blas.
Pintura Contemporánea(1940 – hasta nuestros días) El arte contemporáneo en el Perú tiene como carácter sustentatorio de su valor, la gran solvencia de recursos estéticos abstraídos a o largo del tiempo de las mas variadas fuentes artísticas de nuestra realidad y de las aportaciones permanentes que significan nuestras relaciones con el arte universal.
La producción plástica actual nos muestra un índice claro y evidente de nuestra madurez en materia de arte, merced al gran nivel cultural y artístico que ha logrado el Perú en los últimos tiempos. Por otra parte en las realizaciones plásticas de dimensión universalista que se practica en nuestro ámbito, se va percibiendo cada vez con mayor énfasis la presencia de una imagen eminentemente nacionalista, a través de reminiscencias estéticas preincaicas e incaicas y de épocas posteriores de fuertes influencias políticas y sociales.
La Pintura contemporánea en nuestro medio es ya una realización fundamentada en sólidos conceptos étnicos, Ha llegado pues la pintura filosóficos, estéticos y actual a una situación de técnicos. avanzada, y es posible que con las aportaciones que Es una producción de alta reúne oriente en el futuro escuela cuya calidad y hacia la consecución de una jerarquía se reconocen desde plástica propia y original hacia varias décadas en los en razón a sus elementos mas calificados certámenes estéticos auténticamente artísticos del mundo. peruanos.
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a b c d e f g h i j k l m n op q r s t u v w x y z ABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZ
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a familia tipográfica Garamond ha sido una de las más extendidas e influyentes de la historia de la tipografía. También es considerada una de las mejores romanas creada por Claude Garamond en el siglo XVI en Francia, luego de la muerte de Claude Garamond, el tipógrafo Christopher Plantin junto al tipógrafo francés Guillaume Le Bé y el tipógrafo alemán Conrad Berner compran algunos de los punzones originales realizados por Garamond, con los que hacen una serie de catálogos considerados las más exactas referencias para que las fundidoras produjeran una reedición de las tipografías.
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Garamond saltó a la fama en 1541, cuando tres de sus griegos tipos de letra (por ejemplo, el Grecs du roi (1541)) se solicitó una serie de libros magníficamente ordenada por Robert Estienne . Fuente griega de Garamond, Grecs du Roi, se utilizó como rey Francisco I propia fuente personal. Garamond también había publicado sus propios tipos de letra, así como su propia nuevo tipo de letra cursiva. primera fuente romana de Garamond había pedido al de la publicación del libro “Paraphrasis en Elegantiarum Libros Laurentii Vallae” por Erasmo. Principal influencia de Garamond por su primera fuente romana fue tomada de la fuente romana Aldo Manuzio ‘, que ganó el reconocimiento por el rey Francisco I de encargar Garamond por su propias letras exclusiva que se creará. Garamond basada estos tipos en el acta de Angelo Vergecio , bibliotecario del rey en Fontainebleau , así como la de sus diez años de edad, estudiante, Henri Estienne . Fuentes cursiva de Garamond fueron influenciados por la cursiva Aldine, que se sentía complementa sus tipos romanos. Según Arthur Tilley , los libros resultantes son “uno de los ejemplares más acabadas de la tipografía que existen.” Poco después, Garamond creó los romanos tipos a
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los que él más que recordar, y su influencia se extendió rápidamente por todo y más allá de Francia durante la década de 1540. En 1545, ingresó a la industria editorial en una asociación con Jean Barbé, un librero parisino. El primer libro publicado Garamond fue llamado, “Pio et Religiosa Meditatio” de David Chambellan. En noviembre de 1561, a raíz de su muerte, su equipo, punzones y matrices fueron inventariados y vendidos a compradores incluyendo Guillaume Le Bé , Christophe Plantin. , y André Wechel. Su esposa se vio obligada a vender sus golpes, lo que provocó la tipos de letra Garamond de casi desaparecer durante dos siglos.
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rear una fuente. Pasos principales.
1.Cogerlápizypapel. En mi opinión esto es “a gusto del consumidor” (o, más propiamente, “del diseñador”). Muchos preferirán usar tabletas de pintura digital, o trabajar directamente con software vectorial (InDesign, etc...). En cualquier caso, empezar con un lápiz y una goma de borrar puede ser la forma
pues es obvio (aunque cabe decir, tal y como se recoge en el artículo de DesignModo, que la mayoría de autores recomiendan un escaneado a 300 dpi, es decir, en alta resolución, para poder trabajar mejor después). Sobre el segundo paso de esta fase, el relativo a convertir los dibujos escaneados en más sencilla, cómoda y rápida formas vectoriales editables y para crear los caracteres escalables, requiere un poco principales, que luego más de revisión. afinaremos digitalmente. La vectorización de las formas * Truco: Para crear puede hacerse de muchas una tipografía, se formas, desde directamente recomienda empezar por a mano creando un trazado las letras o caracteres de curvas bézier con software HAMBURGEVONS (y vectorial (Illustrator, etc...), hamburgevons en minúscula a realizar un “calcado” o o “caja baja”), pues el resto vectorizado del dibujo de letras podremos crearlas escaneado (en ese momento a partir de ellas. Al parecer, todavía en modo “mapa de en estas letras se encuentran bits”). todos los trazos principales de un alfabeto latino. Esto puede hacerse a través de herramientas automáticas presentes habitualmente en 2.Escanearyvectorizar. las últimas versiones de este tipo de software. Una vez tengamos más o menos perfilada nuestra En este segundo caso, fuente, el siguiente paso será convendrá realizar primero escanear los dibujos a lápiz y un trabajo de edición del vectorizar las letras. Sobre el dibujo escaneado mediante primer paso no me extenderé, Photoshop o programa.w
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Pop Art 18
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l Pop Art o Arte Pop es un movimiento artístico visual, que nació tanto en Inglaterra como en Estados Unidos en la década de 1950. Surgió de algunos artistas como u n a reacción en contra del expresionismo abstracto, que considerab an que no era entendible para la persona común. El Pop Art se caracterizó por utilizar temas y técnicas basados en la cultura popular de producción masiva como
publicidad, comics, y otros objetos culturales. El término “Pop Art” es acreditado al crítico británico
Lawrence Alloway, que en 1958, se refirió así al arte popular en su ensayo The Arts and the Mass Media (Las Artes y los Medios Masivos). Sin embargo, el movimiento nació en Londres, Inglaterra, con una obra de Richard Hamilton llamada “¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”, un collage considerado la primera obra del Pop Art. Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes, y ajeno por completo a la Naturaleza. Utiliza las imágenes
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conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Andy Warhol en su Filosofía de B a A y de A a B, recoge muchas de las ideas que subyacen en su concepto de lo “pop”. En el Pop-Art, la belleza es susceptible de ser encontrada en cualquier objeto de consumo. Se aceptan desde los materiales nobles hasta los plásticos, papeles, cartones, latas y botellas de coca-cola. Entre otros artistas, Andy Warhol y Roy Lichtenstein son de los más representativos.
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Características Rechazo del Expresionismo abstracto e intento de volver a poner el arte en contacto con el mundo y la realidad objetual. Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo. Temática extraída de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: cómics, revistas, periódicos sensacionalistas, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo. Ausencia del planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples “motivos” que justifican el hecho de la pintura. Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles. Representación del carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva. Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra: flores de plástico, botellas… en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos (Neodadaísmo). Preferencia por las referencias al status social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos).
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¿Qué es un pop-up?
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e llama libros pop-up a aquellos que contienen en sus páginas elementos tridimensionales o movibles que permiten la interacción física entre el libro y el lector. Algunos de estos mecanismos tridimensionales pueden ser desplegables como pestañas, lengüetas, figuras tridimensionales, entre otros; estos elementos dinámicos no se elaborar de forma exclusiva en papel, sino que pueden estar hechos, tanto de papel distintos tipos y texturas, como de cualquier otro material- tela, plástico, etc. Los pop-ups, obras dinámicas de arte gráfico, también forman parte del arte literario; desde su origen y a través de los años se les ha encontrado una utilidad didáctica. En literatura, este tipo de libros son ideales para introducir a los niños a la literatura, por medio del juego y la manipulación de sus piezas.
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La ingeniería en papel
Comenzó desde la remota edad media. Se tienen registros de que el primer libro que contaba con estas características dinámicas fue un texto sobre Astrología, escrito y diseñado alrededor del año 1306 por un filósofo y poeta mallorquín llamado Ramón Llull. En el libro, Llull empleó, para explicar una de sus teorías filosóficas, un mecanismo llamado “volvelle”, un disco giratorio de papel que
revelaba o apuntaba imágenes o palabras. En una biblioteca de El Escorial es posible consultar una antología de su obra bajo el título de “Ars mangna”, manuscrito del siglo XVI en el cual es posible encontrar estas figuras giratorias que intentan explicar la existencia de Dios a través de la numerología A partir del uso que Llull había dado a esta técnica, los pop-up comenzaron
pop up basico.
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pop up arquitectonico podían ser levantadas. Uno de los ingenieros del papel más destacados del siglo XIX fue Meggendorfer, (Alemania 1847), quien diseñó de manera ingeniosa variados mecanismos de alta complejidad que implementaba en escenas burlescas irónicas de la sociedad.
Posteriormente, durante el siglo XIX, la empresa de los pop-up creció, impulsada por varias casas editoriales inglesas y norteamericanas, que buscaban mejorar e innovar sus diseños para rivalizar con las demás editoriales. En un principio estos libros fueron comercializados bajo el nombre de “Libros retrete”, debido a que contaban con tapas que
Sus libros eran de un alto costo y los mecanismos eran a la par de complicados, delicados, y aún así, fueron bien acogidos por el sector social que podía costearlos, e incluso llegaron a ser traducidos a varios idiomas.
En 1974, tras la creación de Intervisual Communications Inc. Waldorf Hunt revivió la empresa de los pop-ups; empleó a algunos de los ingenieros del papel más destacados, con los cuales trabajó en el mejoramiento de los materiales y de los diseños de los libros. Una de las principales diferencias fue que en los libros se incluyeron distintos mecanismos animados en cada página; el resultado de este experimento fue uno de los libros pop-up más famosos “Haunted House”.
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Acuarela
a acuarela palabra que proviene del italiano acquarella,1 es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillo y soltura en la composición que se está realizando. En Japón, la acuarela ejecutada con tinta es denominada Sumi-e. En la pintura china, coreana y japonesa ha sido un medio pictórico dominante, realizado frecuentemente en tonalidades monocromáticas negras o sepia.
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HistoriadelaAcuarela La pintura a la acuarela empezó con la invención del papel en China poco después de 100 a. C. En el siglo XII los árabes introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde. Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492 . El antecesor de la acuarela en Europa fue el fresco pintura mural usando pigmentos en un medio acuoso sobre yeso húmedo. Un buen ejemplo de fresco es la Capilla Sixtina, iniciado en 1508 y completado en 1514.
quien pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices. En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593), influida por las creaciones de Durero. Otros famosos artistas usaron la acuarela para completar su obra al óleo, incluyendo a Van Dyck (1599-1641), Thomas Gainsborough (1727-1788), y John Constable (17761837). En la Gran Bretaña del siglo XVIII, Paul Sandby (1725– 1809) fue llamado padre de la acuarela británica.
Uno de los acuarelistas más famosos es Joseph Mallord El primer uso conocido de la William Turner (1775acuarela en Europa es por el 1850), precursor de las pintor renacentista italiano técnicas que posteriormente Raffaello Santi (1483-1520), desarrollarían las
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También se pueden realizar lavados del pigmento una vez seco, dependiendo del papel, del pigmento y la temperatura del agua. La limpieza con esponja u otro elemento absorbente, el raspado, son algunos ejemplos de las amplias posibilidades que ofrece la acuarela.
Soporte Técnica La acuarela da muchas posibilidades: la técnica del lavado permite crear degradados o lavados uniformes, incluso superposición de colores. Con la técnica húmedo sobre húmedo se pinta con la acuarela sobre el soporte previamente humedecido, obteniendo un efecto diferente.
El soporte más corriente para esta técnica es el papel y hay gran variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos estándar: Papel prensado en caliente (hp), tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una superficie demasiado resbalosa y lisa para la acuarela. Papel prensado en frío (no), es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos. Papel áspero, una superficie granulada, cuando se aplica
un lavado se obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel. El gramaje del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un papel más grueso tiene menos tendencia a ondularse. Para evitar que el papel se ondule hay que tensarlo.
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