¿Qué es Anuario Arte? Anuario Arte nace de un diagnóstico: vemos que hay mucha gente produciendo y mucho talento dando vueltas. Es un hecho que ahora la mayoría de los artistas tienen páginas webs, flickrs u otras plataformas que les permiten exponer sus obras, pero ¿es suficiente? Creemos que no, que en la nebulosa online no se distingue, no se agrupa ni se registra este momento especialmente prolífico. Convencidos de que los espacios nunca son suficientes, AA nace para crear un registro, para el presente y el futuro, y para que los creadores y el público ajeno al mercado establecido del arte puedan conectarse, conocerse y valorarse. Nos interesan los artistas activos y propositivos, que creen en su trabajo y lo sostienen en el tiempo a pesar de la falta de recursos y oportunidades. Artistas que por opción, porque no pertenecen a la oligarquía del arte local o porque la naturaleza de su obra no cumple los requisitos establecidos por el circuito de galerías comerciales, carecen de la atención que merecen. Dibujantes, fotógrafos, pintores, diseñadores y graffiteros talentosos que vale la pena conocer y documentar. AA es una vitrina que llenan los mismos participantes: nosotros entregamos los materiales y los artistas nos devuelven una obra que puede ser vista y adquirida en nuestra misma página web y revista, para que la operación se siga realizando. Al final del primer año de funcionamiento, contaremos con un registro de 33 ilustradores, 33 fotógrafos y 12 diseñadores, que tendrá una manifestación física en un libro y dos exposiciones. La selección de este tercer capítulo comprende obras de artistas en su mayoría jóvenes, en categorías de ilustración, fotografía y diseño, y que consideramos ofrecen una mirada propia del lugar y tiempo donde fueron creadas. AA tiene las mejores intenciones y esperamos sumar a todos quienes tengan algo que aportar.
STAFF & COLABORACIONES Dirección Felipe Ríos · Joaquín Mora Editor de Contenidos Luis Felipe Saavedra Entrevistas Cote León · Burt Sacarach Diseño Joselo · www.indis.cl Diseño PDF Antonieta Corvalán Fotografía Entrevistas Josefina Astorga Reproducciones Josefina Astorga Fotografía Retratos FOCH Foto Portada Norton Maza Traductora Francisca Pinochet Colaboraciones Trafixxx, Camila Luchsinger, Mono Lira, Cecilia Avendaño, Mauro
Balzarotti, Beatriz Salinas, Anita Jorquiera, Francisco Marshall. 2
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INDICE ENTREVISTAS Trafixxx Ojo de Apolo Norton Maza
GALERÍA ILUSTRACIÓN Adolfo Bimer Francisco López
GALERÍA DISEÑO Santiago Salvador Camila Pino Gay
GALERÍA FOTOGRAFÍA Aymara Zegers Josefina Astorga Margarita Dittborn
COLABORACIONES INTERNACIONALES Merkley??? Andreas Kasapis Tomasso Meli “Pariah”
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Tr Trafixxx esto no es una galeria
Entrevista
En la esquina de San Isidro con Santa Isabel hay una galería que no parece galería. Y, claro, esa es su gracia. Su dueño y creador tiene 23 años y sólo revela su primer nombre, en un afán de mantener un cierto misterio, parte de una posible estrategia para crear un mito: el mito Trafixxx. Por: Cote León Fotos: Josefina Astorga
Trafixxx no puede tener un marco más ideal que la calle Santa Isabel, una de las más rayadas del centro de Santiago, donde esta galería pasa casi inadvertida. En su interior, las intervenciones no respetan límites, habitando el espacio casi en su totalidad, directamente sobre los muros, lo que testifica un trabajo grupal y de superposiciones, casi como de cueva paleolítica. El grupo de colaboradores que Trafixxx ha reunido en sus casi dos años de autogestionado trabajo incluye artistas, diseñadores, grafiteros, músicos e incluso tatuadores, convirtiendo la galería en un espacio en donde la principal estrategia es el encuentro y la creación de contactos entre participantes, sean artistas o público, en una especie de puesta en práctica del, tan en boga, arte relacional. Desmintiendo los rumores de que Trafixxx se acaba, Mister Trafixxx asegura que tiene todas las ganas de seguir con su proyecto, el que, según su propia opinión, es único en Chile y está ad portas de expandir sus redes al mundo del diseño y la producción de eventos, culturales y no tanto.
De Felipe a Mr. Trafixxx Felipe no estudió artes visuales pero desde niño hacía videos, dibujos y poesías. Al salir del colegio tomó cursos de literatura y, en ese mundo, el de las letras, se desenvolvió hasta que decidió irse a Argentina a estudiar en la Universidad del Cine. Si bien no terminó sus estudios de cine en Buenos Aires, de a poco se interesó en el mundo del arte, más específicamente en los espacios de exposición de arte contemporáneo, hasta que 6
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Entrevista
Trafixxx
en 2007 regresó a Chile e inauguró su propia galería en una casa que su familia tenía abandonada, inspirándose en la bonaerense Appetite, de Daniela Luna. -En Buenos Aires estuve en la Universidad del Cine por un año y medio. Ahí vivía al frente de Appetite, una galería que me encantaba precisamente porque no parecía una galería. En Buenos Aires existe mucho ese rollo de hacerse espacio en cualquier parte y quise traer algo de eso acá. De a poco empecé a acercarme para ver cómo funcionaba la cosa, preguntando todo. Creo ya me odiaban un poco por aguja– se ríe. El proyecto Trafixxx se manifestó desde sus inicios como una alternativa a los espacios tradicionales del arte, funcionando desde una cierta marginalidad espacial, alejada de lo que podríamos llamar “los barrios de arte” –Alonso de Córdova, Infante, Bellas Artes- y también desde un límite simbólico, al fusionar otras manifestaciones como el diseño o el grafiti. Sin embargo, es aquí donde surge una primera cuestión: esta marginalidad no daría resultado si no se da a conocer en el mundo del que, precisamente, se quiere tomar distancia. Es decir, ¿cómo aparecer como galería en el circuito de las artes sin ser definida como tal, en un sentido más clásico? Conciente de la necesidad de posicionar su nuevo espacio, Trafixxx se asesoró con el teórico argentino Jorge Sepúlveda para aprender las estrategias necesarias para llevar a cabo el evento inaugural de la galería de manera más profesional, desde la generación de textos hasta el armado de una propuesta curatorial. La primera exposición se armó rápidamente a fines de 2007, con nombres como Francisco Papas y Gastón Pérsico, entre otros. -Lo que yo quería era saturar el espacio, que pasaran cosas para que la galería se transformara en un espacio de vida para los amigos, de relaciones. El objetivo es el mismo hasta hoy- manifiesta.
Cómo y qué se expone El evento como punto de encuentro y teorías más especificas como las del arte relacional se mezclan en el discurso de Felipe, quien se muestra con la inquietud y ansiedad de quien busca definir su quehacer. Dentro de estas definiciones también aparece la curatoría como cuestión fundamental: la mayoría de los artistas que han expuesto su trabajo en la galería son amigos o conocidos de Trafixxx, quien reniega de la palabra “escena” y prefiere referirse a una “hermandad”, con una confianza completa, algo ingenua, en la buena voluntad de sus amigos. -La línea curatorial de la galería está definida por el gusto y los contactos. En Trafixxx no ha habido nada que no pase por mi gusto, no soy de la onda de recibir dossier porque prefiero que el espíritu de trabajo sea más fluido y así ha funcionado hasta ahora. La persona es más importante por la sintonía que puedo generar con su proyecto, no por su currículo- explica. Obras de Paula Duró y Mono Lira
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Entrevista
Si bien la galería como proyecto vive un proceso de constante mutación, los objetivos de Trafixxx podrían ser resumidos en generar un punto de encuentro entre disciplinas, funcionar efectivamente como una galería comercial con proyecciones internacionales y crear un movimiento de arte basado en la experiencia de sus colaboradores. Todo lo anterior, junto a la necesidad de vender y hacerse un sitio dentro del circuito sin la obligación de pertenecer a él. A Trafixxx no le interesa generar movimiento o apertura en un circuito extra artístico, que bien pudo aprovechar en San Isidro por su condición de barrio, pero eso simplemente no está dentro de sus objetivos. El movimiento es claramente una cuestión interna y un tanto contradictoria, en cuanto las bases de la galería se fundarían en el hecho de compartir y abrir los lenguajes entre personas y disciplinas.
Nuevo espacio, nuevas proyecciones Debido a que la familia de Felipe decidió vender su casa en San Isidro, galería Trafixxx se cambia de locación, lo que necesariamente también se traduce en un cambio en su estrategia de trabajo. La galería seguirá de todas maneras y lo que se espera es que permanezca en su estética de casa abandonada, “lista para ser intervenida”, aunque aún no se sabe dónde.
Entrevista
artistas, ilustradores y diseñadores, en una onda que se autodenomina, autoalimenta y pretende generar movimientos y ruidos donde vaya. En este espíritu nómade, en 2009 Trafixxx comenzó con la exposición “Advance Yogui”, de Matías Solar, Elías Santis , Pilita García , Nicolás Oyarce, Francisco Papas y Ubses, en la galería Florencia Loewenthal de Santiago, y tiene programada para el mes de mayo su representación en la feria ArteBa, en Buenos Aires. Proyectos como el de Trafixxx abundan en países como Argentina o México, siguiendo una corriente internacional que busca abrir los espacios y los límites del arte para volverlo, nuevamente, una necesidad de primer orden. No se trata de un lujo o un código que sólo algunos tienen la capacidad o los medios para entender. No obstante, el movimiento que se genera en dichos espacios generalmente depende del mercado, soporte que en Chile todavía no opera de manera masiva, porque se plantea como una contradicción. Ante eso, Mr. Trafixxx se define. -La idea de hacer de Trafixxx un espacio completamente comercial estuvo siempre ahí, pero igual hay que ser consecuente con la idea de mantenerse en una posición externa. Claro que queremos vender, pero acá la cosa es más floja. En otros países está lleno de galerías que venden grafitis y eventos como obra y se mantienen así. Eso es a lo que quiero llegar.
En su nueva etapa, Trafixxx ya no sólo funcionará como espacio físico, sino que pasará a ser más un conglomerado que un lugar: una especie de sociedad anónima de galeriatrafix.blogspot.com 10
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Entrevista
Quien vio a Jorge Cortés en tugurios capitalinos como la Picá de ‘On Chito o el Taller Sol azotando su batería en el cuarteto Supersordo a mediados de los ‘90, jamás imaginó que años más tarde ese mismo personaje fundaría el pionero sello de electrónica experimental Ojo de Apolo y menos que hoy produciría música que se puede bailar en clubes. Pero Jorge Cortés, primero Cáncer y ahora Receptor, ha esquivado con elegancia los lugares comunes de lo que debería ser un desarrollo musical “tradicional”, y acaba de refundar su sello para editar música propia y la de su gusto. Mientras Jorge Cortés participó en Supersordo -banda inclasificable, de una energía demoledora y oscura, en los bordes del metal, el punk y la experimentación- siempre fue un paria. Poco sociable, nunca se sintió muy a gusto en la escena punk rock en que se desenvolvía la banda, además de que sus intereses iban mucho más allá de lo que sonaba en esa época en el Chile que recién se abría al mundo. Por eso, tras la disolución de Supersordo hacia 1997, y después de tocar un año en el trío Niño Símbolo, dejó las baquetas. No quería más rock.
Jorge Cortés
Ojo de apolo
-A veces era interesante porque te haces de amigos, en vez de salir a trotar vas a ensayar. Pero a veces también te daba lata y daban ganas de quedarte viendo tele en la casa o escuchando música-, evalúa con el tono calmo que lo caracteriza. Jorge ya había tenido acceso a la electrónica que marcaba la pauta en esos años, como Aphex Twin, Autechre o Boards of Canada, y halló en ese sonido un espacio donde poder desarrollar sus inquietudes musicales de manera más cómoda.
Del casete hecho en casa al vinilo. De la música “aislacionista” a la bailable. De Chile a Europa. Son los particulares recorridos de Jorge Cortés, un músico que en la década pasada tocó batería en Supersordo, luego compuso electrónica abstracta y con el cambio de milenio se volcó a la pista de baile. Ojo de Apolo, el sello que fundó a mediados de los ’90, fue pionero en la experimentación electrónica en Chile y hoy está de regreso y abierto al mundo, con exclusivas ediciones de música “micro/sexy/deep/house”.
Sin mucho conocimiento en tecnología, Jorge Cortés, ya bautizado como Cáncer, se abocó a crear una música hermética, con sonidos granulares y texturas profundas, que al poco tiempo denominó “aislacionista”. Con un Mac de la época, un teclado y un deck, compuso y
Por Burt Sacarach · fotos: Josefina Astorga
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Entrevista
Ojo de Apolo
fabricó en su casa sus primeros tres casetes, que repartía entre amigos y en la desaparecida disquería Background, epicentro noventero de la música más inquieta. Esas grabaciones no tardaron en llegar a oídos de Sergio Díaz, entonces conductor del espacio “Interfase” de Radio Beethoven, y por medio de él Jorge conoció a otros músicos que iban por un camino similar, como Ottavio Berbakow (L.E.M), Óscar Burotto (Sembe, también en L.E.M.) y César Nieto (SK30). Con ellos, más Congelador y El Hombre de la Atlántida, participó en el compilado Pulsos, en 1998.
cos de Cáncer, ADN, El Hombre de la Atlántida, Sembe, Flipper, Bios, Receptor y Danieto, un trabajo que en el siglo XXI han continuado etiquetas como Jacobino Discos, Impar o Pueblo Nuevo. Pero, producto de que varios integrantes del colectivo reemplazaron la música por otras ocupaciones y también debido a diferencias en gustos musicales, el sello entró en receso. -¿Cómo analizas el trabajo de esa primera etapa de Ojo de Apolo? -La etapa la valoro como algo estimulante que estaba poco explorado. Eso lo considero un aporte, aunque fue algo corto y no en un entorno “pro”. Por ende, encuentro un poco pretencioso destacarnos mucho. Otro asunto a rescatar fue el hecho de que algunos hayamos empezado a editar en el extranjero.
La aparición de Pulsos fue el detonante para fundar el Colectivo Ojo de Apolo, que hizo su primera aparición en sociedad abriendo el recordado show de los norteamericanos Tortoise en el Teatro Novedades a fines de 1999. Por esos años ya existía Crisis Records, también de electrónica, pero fue Ojo de Apolo quien inauguró en Chile una nueva forma de concebir la música generada con medios digitales, más experimental y abstracta, en plena época del boom del “tecno bailable”.
A principios de esta década Jorge Cortés comenzó a viajar periódicamente a Europa, particularmente a Berlín, una de las capitales mundiales de la electrónica. Fue en esos viajes que descubrió su gusto por el beat, por el minimal y el house: por lo bailable, y optó por trabajar bajo el nuevo nombre de Receptor.
-¿Ojo de Apolo surgió como una reacción ante la electrónica más mainstream que sonaba esos años? -No se debió a llevar la contra ni nada, sino sacar música acorde a la que estábamos escuchando en el momento, y se dio la casualidad que no era algo común que gente de acá la produjera. Los pocos que la hacíamos tarde o temprano nos topamos, ya que la escena siempre ha sido pequeña y más aun antes. Las razones fueron otras: se debió a poder juntar fuerzas y compartir en común gustos musicales, conocimientos técnicos de máquinas y programas, ya que antes de conocernos partí solo y entre todos el sello agarró más vuelo.
-¿Qué significó el cambio de nombre de Cáncer a Receptor? -Primero, pasar de un nombre duro a uno más amigable y lo mismo iba reflejado en la música: pasar de un sonido mucho más abstracto y hermético a algo más bailable y digerible. Tiene que ver con épocas y etapas en donde lo que estoy escuchando me va influenciando, así como también una que otra vivencia personal, lo que me ha hecho querer tomar una nueva línea. Me gusta ir refrescándome. Mucho rato de lo mismo cansa. Gracias a algunos contactos que hizo en Europa, tocando en clubes de Alemania, Holanda, Francia o Italia, y producto de la lectura de revistas especializadas, Jorge supo dónde quería editar sus trabajos y se dio a la tarea de
Entre 1999 y 2002, Ojo de Apolo canalizó las más inquietas búsquedas musicales a través de la electrónica, editando en CD’s caseros dis14
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Entrevista
mandar demos a los sellos que le interesaban. Logró bastante: Altona (2004), su primer trabajo como Receptor, salió por el netlabel (sello online de MP3’s) austriaco Comatronic, y de ahí en adelante sus siguientes discos, colaboraciones y remixes, por reconocidas etiquetas como Adjunct (Estados Unidos), Plong! (Alemania), Them (Alemania) y Citymorb Music (Italia), entre muchísimos otras, ya sea en Mp3, CD o vinilos de 12’.
Ojo de Apolo
cer eventos, lo que se agradece dentro de este circuito que a veces resulta poco estimulante. Y bueno, también por una cosa de gustos musicales en común y amistad”, reconoce Cortés. -¿Cómo seleccionas los artistas de Ojo de Apolo? ¿Buscas un sonido en particular? -Al comienzo me hice una lista de artistas que me gustan y empecé a enviarles e-mails con la propuesta y los que se interesaron me mandaron sus demos. Dentro de cierto rango el sonido lo dejo libre y ecléctico, aunque eso últimamente lo quiero alternar con aires más houseros de gente cercana a ese género.
A primera vista, sólo triunfos. Pero Jorge Cortés producía mucha más música de la que finalmente se prensaba, y como no quería trabajar al ritmo de otros, decidió reflotar Ojo de Apolo el año pasado para editar la música que le gusta: “micro/sexy/deep/house”, como dice en la web del sello.
Los discos de Ojo de Apolo hoy se encuentran sólo en Europa, por medio de distribuidoras como VinylFrance, Juno o Neuton. Allá existe un circuito de clubes, tiendas especializadas y compradores que en Chile no. Sin embargo, Jorge Cortés tiene su centro de operaciones en Santiago, con Internet como principal aliado.
-Por suerte puedo morir en paz, ya que he sacado más de una edición en sellos de vinilos, pero es bastante difícil que te hagan caso -reconoce-. Mandar demos es como mandar currículum a pegas y casi siempre te responden “gracias, nos gustó, pero no podemos”. A su vez, empecé a averiguar cómo se hacia para crear y manejar un sello que edite este formato. La otra gran razón era tener plena libertad de editar lo que se me dé la gana, ya sea temas propios o de gente que me gusta su música.
-Lo manejo desde acá porque siempre he vivido acá, aunque viajo constantemente a Europa desde hace tiempo y por períodos largos- explica-. Si más adelante se regulariza un asunto que tengo de visa puede que me quede más tiempo por allá. Lo malo de no estar en Europa puede ser el hecho de no estar en contacto directo con la gente constantemente, eso funciona mejor que sólo por e-mails.
Esta nueva etapa se inauguró con el 12’ Fuerte y claro EP (+ Ion Ludwig remix) de Receptor, al que siguió Folder EP, del francés Bern, y hay programados lanzamientos de Christian Dittmann (con quien Receptor comparte el proyecto Alta Infidelidad), Kai, Milos, Dieb, Fantasna, Confetti Bomb, Keith Kemp, Joe Ellis y Le K.
-Has editado discos en algunos netlabels. ¿Cuál es tu balance de aparecer en sellos virtuales? -Positivo al principio. Empecé a hacer eso ya que era algo nuevo y original para mí, una manera fácil de acceder a la música y a la vez servia para difundir tu nombre, ya sea para acceder a sellos de vinilos o a la hora de mandar tu biografía cuando se anda buscando lugares para tocar. Pero después, dada la facilidad que es llevarlos a cabo, apareció una saturación de netlabels y a la vez el formato dejó de ser atractivo para mi. A estas alturas prefiero des-
Llama la atención que, de todos los nombres de Ojo de Apolo, aparte de Receptor, sólo un chileno figura en el catálogo: es Fantasna, alias de Sebastián Mella, uno de los fundadores del netlabel nacional Nomucho. “Me gusta el espíritu de fiesta del sello y su ánimo para ha16
tinar mis temas sólo para ediciones de vinilo, salvo raras excepciones.
pago a las distribuidoras. Pero para Jorge, que además de Receptor está trabajando bajo el nombre de Jorge C. nueva música en base a sampleos “de sonidos profundos que fusionan el house y disco”, especifica, tener un vinilo con su música en las manos o en la tornamesa justifica cualquier esfuerzo.
Una de esas “raras excepciones” es el disco compartido con Dieb, Wasted EP, aparecido el año pasado en el netlabel holandés Redevice. Pero el grueso de su trabajo Receptor quiere destinarlo a sellos que editan en vinilos, un formato que prefiere por sobre el CD o el MP3, no sólo por su presencia física y cierto aura del que carecen los medios digitales, sino que también por su sonido superior, capaz de reproducir todo el espectro musical, desde las frecuencias más bajas hasta aquellas que el oído humano ni siquiera puede captar.
-No vale la pena si buscas éxito comercial, pero sí lo vale si es por un gusto personal y llegar a un público específico que podría disfrutar del catálogo. Además, te vas dando a conocer a largo plazo, así como también puedes irte a la quiebra en corto o largo plazo, je je.
Hay que considerar, eso sí, que editar en vinilo es mucho más costoso que en otros formatos. Las ediciones que hace Ojo de Apolo son de quinientas copias y tienen un valor promedio de mil euros, a los que hay que sumar el
www.ojodeapolo.cl www.receptor-music.cl 17
Entrevista
Norton Maza Al amigo cuando es forastero
Después de muchos años de crianza y formación en el extranjero, Norton Maza volvió a Chile para juntar piezas perdidas en el rompecabezas de su vida. El exilio de su padre, los estudios en Francia y Cuba y su regreso son factores que determinan su obra: una reflexión acerca de contrastes socioculturales, mundialización y políticas varias, siempre vistas desde la posición extraña y casi limítrofe de un outsider local. Por Cote León · fotos: Josefina Astorga
LA CAÍDA DEL ORDEN Fotografía Análoga de la serie: Estudio para la Sinfonía del Poder Eterno
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Recorridos del Deseo Fotografía Digital impresa en Lambda
LA COCINERA Fotografía Análoga de la serie: Estudio para la Sinfonía del Poder Eterno
La historia comienza en Lautaro, localidad de la Araucanía chilena, en 1971. Allí nació Norton Maza, pero de esa niñez el artista guarda poquísimos recuerdos, debido al choque que significó para él y su familia abandonar forzosamente Chile cuando su padre, activista del Movimiento de Izquierda Revolucionaria, MIR, fue exiliado a Francia en 1975 por la dictadura de Pinochet. En ese país vivió hasta los nueve años, tiempo suficiente para conocer lugares, aprender el idioma y establecer una especial afinidad con las artes visuales, entre visitas al Louvre y el asombro frente a cuadros de gran formato de los, aun más grandes, maestros de la pintura occidental.
costó para que me identificaran como chileno”, dice ahora. A los doce, ingresó a la Escuela Elemental Juan Pablo Duarte de La Habana, donde vivió y estudió durante cuatro años dibujo, grabado, escultura y pintura, además de las clases normales. En 1987 pasó a la Escuela Nacional de Artes de La Habana (ENA) para realizar dos años más de especialización y en 1991 volvió a Francia para completar la licenciatura en Arte en el Bellas Artes de Bordeaux, grado académico que no terminó por burocracias que lo obligaban a estudiar dos años más. Esos viajes y las experiencias recogidas en Cuba y Francia, más su nacionalidad chilena, determinarían para siempre su obra.
Junto a su hermano Carlos y su madre, Maza emigró en 1980 a Cuba, país de donde todavía conserva ese acento nasal-sabrosón que lo caracteriza. “En los primeros años de mi regreso a Chile siempre me llamaban ‘el cubano’ y
La necesidad de jugar Una especial conciencia por los materiales y su ingeniosa reutilización alertaron a la madre de Norton durante su infancia en Cuba, que tomó 20
la decisión de inscribirlo en cursos de arte cuando apenas tenía diez años. Ese afán por reciclar, investigar y recolectar se manifiestan persistentemente hasta hoy en la obra de Maza.
“La necesidad de jugar” (Espace Culturel François Mitterrand, Périgueux, Francia, 2002) es una obra que bien puede ejemplificar dicho proceso, pues consiste en una serie de piezas de juguetes ensamblados, mitad plástico y mitad madera, que nacen de la reutilización de las estrategias de su niñez en Cuba, en la que palos de escobas, clavos chuecos y serruchos gigantes eran los materiales de construcción para grúas, autos y motos, que luego Norton montaba arriba de una televisión rusa de madera y miraba, analizaba, pensando en cómo esos juguetes se podían mover y ver mejor, preocupándose ya no tanto del juego sino de los objetos, su función e instalación.
-Cuando llegué a Cuba lo primero que me impactó fue el contraste de recursos, pues Francia y Cuba son países absolutamente contrarios en este sentido –observa- . En Cuba no se vivía pobreza sino precariedad, pues las necesidades básicas como salud y alimentación estaban cubiertas. Sin embargo, lo que yo necesitaba como niño eran juguetes y no había. Recuerdo que cuando llovía, con mis amigos del barrio salíamos a correr por una pendiente cerca de mi casa a perseguir un pedazo de palo imaginando que era un barco. La construcción de juguetes fue mi primer acercamiento con la escultura.
Luego de terminar sus estudios en Francia, en 1994 Norton decide viajar a Chile, guiado por un impulso más visceral que consciente, de curiosidad y nostalgia. 21
participar de la exposición colectiva “Anamorfosis” en el MAC (1999). Gracias a esta muestra su nombre empezó a sonar en el ambiente del arte chileno, aunque sin mucha reberverancia, al no pertenecer todavía al circuito institucional.
-Me habían hablado tanto de los cóndores y las empanadas que tenía que venir. En el ‘94 me vine con mi papá, que estaba haciendo teatro y venía de gira. Me acuerdo que llegamos al teatro San Ginés y me gustó mucho el centro de Santiago de noche, tenía algo parisino. Desde ese día no me fui más.
-Al llegar acá uno inmediatamente se da cuenta de cómo funcionan las cosas. En realidad nunca he sentido una real inserción en el mundillo del arte chileno y la verdad es que tampoco me resulta un problema -manifiesta-. No tengo ganas de irme de Chile en un sentido Latinoamericano, pero me sorprende hasta el día de hoy la manera en que opera la institucionalidad y el pequeño círculo que maneja las relaciones, los fondos, etcétera. Acá todos nombran la escuela antes de la persona, y eso choca porque si no eres de tal o cual universidad, en Chile eres un huacho.
Una vez en Chile, Norton se vio en la necesidad de trabajar en diferentes cosas, principalmente relacionadas con el diseño gráfico. Es en este periodo cuando toma distancia de todo lo que le rodeaba y reconoce su trayectoria profesional en perspectiva, identificando los elementos más importantes y recurrentes de su obra. De Cuba recoge la capacidad de reflexionar y crear, aún cuando las condiciones no fueran las óptimas; de Francia, la rigurosidad en la concepción del proyecto y montaje de las obras, tomando como referente todo lo que pudo observar in situ en los museos, esos que en Chile casi no existen. Así, opulencia y precariedad se vuelven temas fundamentales en el trabajo de Maza, no sólo en términos materiales sino también políticos y sociales, al caer en cuenta que en su país natal existen dos realidades simultáneamente.
El proceso de consolidación de Maza en Chile comenzó más firmemente en 2000, cuando, pasando por un mal momento económico que casi lo obliga a volver con su familia, ganó un Fondart de creación. -Recuerdo muy bien que esa mañana me peiné para la ocasión, fui a comprar (el diario) La Nación y me lo puse bajo el brazo. Llegué al taller de un amigo a tomar un café para no ver los resultados solo, porque en realidad no tenía muchas esperanzas de ganar. Como yo no me atrevía a mirar los resultados, mi amigo agarra el diario y me dice “¡weón, te ganaste el Fondart!”. Y yo dije “¡cojones, esta es la mía!”. Nadie me llamó, y tampoco había cómo, si en ese tiempo no tenía ni teléfono –se ríe.
-Me impactaron mucho las diferencias sociales que existían en Chile cuando llegué, y bueno, que siguen existiendo –advierte-. En un mismo país vi reflejadas tantas diferencias, como si fuera una fusión de todo lo que había vivido antes, así que me sirvió mucho para definir un lenguaje particular en mi trabajo y decidir que me quedaría.
Al amigo cuando es forastero
La obra “Pulsaciones”, presentada en 2001 en el capitalino centro de arte La Perrera, tuvo una gran aceptación e incluso ventas que le permitieron viajar a Francia y concretar varias exposiciones, entre ellas la individual “Apnée”, inaugurada en 2004 en el Centro de Arte Contemporáneo Le Creux de’lEnfer, en Thiers, Francia.
A pesar de los ánimos y la insistencia en el hacer, fue varios años después de su llegada a Chile que el trabajo de Norton comienza a llamar la atención. En 1998, Caja Negra, grupo formado por los artistas Carlos Montes de Oca y Víctor Hugo Bravo, entre otros, lo invitaron a
TERRITORY (tercera etapa) Dormitorio y baño de niño Instalación con materiales de reciclados Frac Limousin - La Souterraine Francia 2006
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Entrevista
en el Museo Nacional de Bellas Artes de Plaza Vespucio, en Santiago de Chile en 2008.
-Yo mandé mi dossier y una semana después el curador de Le Creux me llama para que nos reunamos porque le había gustado mucho mi obra –recuerda-. Lo chistoso fue que en la comida, cuando nos reunimos, me confesó que antes de abrir mi dossier y ver la obra, el CD le llamó la atención por mi nombre, y me dijo: “A mí me llegan muchísimos dossier diariamente, pero el tuyo lo abrí de inmediato porque soy fanático de las motos Norton y no aguanté la curiosidad”. Fue una casualidad muy afortunada. Luego de mi exposición en Le creux de’ lEnfer, los ires y venires al extranjero se han hecho cada vez más frecuentes. He trabajado sin parar desde entonces.
El diseño de las piezas de esta gran casa corresponde a un estándar de vida elevado, con mucho espacio y supuestas comodidades a disposición de sus habitantes, de acuerdo a patrones internacionales de decoración, en contraste con la precariedad de los materiales, mezcla de lujo y deseo de posesión. La utilización de desecho y el reciclaje en su construcción crean el contrapunto necesario para vislumbrar la operación realizada, la que no sólo se funda en el contraste simple de la forma y los materiales como encuentro de aspiraciones de primer y tercer mundo, sino que, mucho más sutilmente, plantea una síntesis del desarrollo artístico-experiencial del artista y la existencia de estas contradicciones en una realidad más próxima, en el deseo del objeto de consumo versus la potencia de un techo de plástico y fonola o de un baño con puertas de cartón, y su emplazamiento en el marco dorado que significa el museo.
Y claro que ha sido así. Desde 2004 ha presentado su trabajo en numerosos escenarios nacionales e internacionales, entre los cuales destacan la galería Sextante (Bogotá, Colombia), Arteba (Buenos Aires, Argentina), Mavi (Santiago, Chile) y La Souterraine (Creuse, Francia) .
Territorios superpuestos
Resulta muy extraño que, a pesar de su consistente y sistemático trabajo, todavía en Chile el nombre de Norton Maza no suene con la potencia de lo internacional, cuestión que refuerza la idea de no ser profeta en la propia tierra. Sin embargo, al artista no le complica ser un guacho en la escena de arte chileno.
Desde 2004 Norton ha trabajando sistemáticamente en la obra que ilustra más claramente el desarrollo de su proceso creativo, casi como un resumen de sus temáticas y estrategias materiales. Se trata de “Territory”, un proyecto aún en proceso, que consiste en la construcción de una casa por módulos, donde cada habitación es construida con materiales construidos y/o reciclados, encontrados en la ciudad donde se expone. La obra consta de cinco partes, cuatro de las cuales ya han sido realizadas y expuestas: la cocina, presentada en la XI Bienal de Pancevo (Serbia, 2004); el dormitorio principal, presentado en la III Bienal Manif d’art de Québec (Canadá, 2005); el dormitorio del hijo, en La Souterraine de Creuse, Francia, con el auspicio de FRAC (Fonds Régionaux d’Art Contemporain) en 2006; y la habitación de la hija,
-Es complejo mantenerse en un cierto límite, pero eso también tiene sus ventajas, porque no le debes tu éxito a nada más que a tu propio esfuerzo y así puedes trabajar tranquilo. En realidad, me siento afortunado y orgulloso de no tener que forzar situaciones para tratar de pertenecer -concluye.
www.nortonmaza.com 24
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Galería Ilustración
Adolfo
Bimer Adolfo Bimer (Santiago, 1985) es licenciado en Artes de la Universidad de Chile. En 2000 comenzó a pintar graffiti con el colectivo GFC y posteriormente ha publicado dibujos en fanzines y revistas nacionales y participado con pinturas, instalaciones y dibujos en exposiciones colectivas en la galería Animal y en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago. Sin embargo, considera de “infinita mayor relevancia” las exposiciones realizadas en su propia pieza: “Sin querer, queriendo” y “Sin título determinado”, ambas en 2008, donde presentó parte de su colección biográfica en dibujos, pinturas, fotos, muebles y objetos misceláneos. “Creo en el arte como una continua organización de unos pocos fragmentos de la vida a los que me logro aproximar. No tengo pinturas, ni dibujos ni mucho menos obras terminadas, aunque parezca lo contrario: sólo sé hacer una gran cantidad de apuntes para algo”.
www.flickr.com/photos/bimer www.adlofo.blogspot.com 26
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Adolfo Bimer
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Fragmento XXXII
Pastel seco sobre pizarra 61 x 78 cms
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Galeria Ilustración
Francisco
López
Francisco López Castro (Santiago, 1972) es licenciado en Bellas Artes con mención en Pintura en la Universidad Arcis, donde también se desempeñó como ayudante en el taller de pintura. Su propuesta formal ha sido, hasta ahora, el óleo sobre tela en clave fotorrealista. Ha expuesto la totalidad de su obra en espacios santiaguinos y en una oportunidad en Lima, Perú. “Mi pintura consiste, esencialmente, en la traslación de realidades cotidianas a partir de registros fotográficos que retratan eventos íntimos -familiares–, casuales o cotidianos (objetos, personas y paisajes). La autenticidad y simpleza, e incluso la marginalidad de estos eventos, son factores que me resultan muy atractivos y cautivantes a la hora de pintar. La presencia mágica que envuelve a la captura fotográfica y a la representación pictórica me resulta especialmente inquietante. Por un lado, la manera cómo suelen atribuírsele a la fotografía poderes que van más allá del simple registro en su proceso de sustracción de la continuidad espacio-tiempo, y por el otro, la pintura con un efecto totalmente opuesto: si se observa la reacción de las personas frente a la misma imagen, pero pintada, la pintura pareciera devolverle o suministrarle algo a la captura. Me agrada pensar que la pintura, a través del gesto, de cierta manera le restituye la piel al arrebato espacio-temporal fotográfico”.
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Francisco L贸pez
Obra AA
Tema Libre
Pastel seco sobre pizarra 61 x 78 cms
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Galeria Ilustración
Santiago Salvador Santiago Salvador (Santiago, 1983) es licenciado en Artes Plásticas en la Universidad Finis Terrae. Desde 2005 ha mostrado videos, animaciones, pinturas y dibujos en numerosas exposiciones colectivas en museos, galerías y ferias de arte, siendo la más reciente “Formato lúdico”, en 211 Galería de Santiago. Además, como VJ integra el colectivo Onda Hal Foster. Actualmente trabaja en su taller preparando una exposición colectiva de pintura para este año y un show con Onda Hal Foster. “Pienso mis pinturas y dibujos como construcciones. En ellas incluyo elementos reconocibles y otros que no, creando una composición que de alguna forma pierde una lógica narrativa, pero que en sí mantiene una estabilidad amigable y misteriosa. Creo que la pintura y la ilustración son un prisma hacia los reconocible, lo intimo y lo ambiguo que nos rodea”.
www.lampiask.blogspot.com 64
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Santiago Salvador
Obra AA
Sin tĂtulo
CerĂĄmica sobrecubierta pintada a mano
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Santiago Salvador
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Galería Diseño
Camila
Pino Gay Camila Pino Gay (Santiago, 1982) comenzó a estudiar arte en el Colegio Experimental Artístico de Las Condes, siguió cursos de grabado en el taller de artes visuales T.A.V. y en 2006 obtuvo la licenciatura en Artes con mención en Pintura en la Universidad de Chile. Sus pinturas han sido expuestas en museos y galerías de Chille. “El interés principal de mi trabajo está en las fotografías que utilizo como modelo para mis pinturas y la posibilidad de que éstas puedan ser trucadas. La fantasía que circula en torno a la existencia o inexistencia de ovnis o la polémica que existe sobre la veracidad de las fotografías de la llegada del primer hombre a la luna son un ejemplo de esto. Está la opción de creer o no creer, porque el hecho de que sean fotos es un índice de verdad pero, por otra parte, siempre está planteada la duda de que sean imágenes falsificadas. Con las imágenes publicitarias pasa lo mismo: la modelo o las fotos de comida son imágenes construidas para seducir. Por otro lado, me importa que sean temas cercanos a cualquier persona, no tan herméticos, pero que, al mismo tiempo, alcancen un grado de perturbación”.
www.artenlinea.cl/camila-pino-gay www.flickr.com/photos/enlaesquina 82
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Camila Pino Gay
Obra AA
Sin título
Cerámica sobrecubierta pintada a mano
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Galería Fotografía
Aymara Zegers Aymara Zegers Muller (Suiza, 1982) es licenciada en Artes Plásticas con mención en Escultura de la Universidad Finis Terrae y egresada del magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile. Actualmente expone “Piedras-Habitáculos” en uno de los jardines de la Galería Animal, participa de la exhibición colectiva “Cómo hacer de algo otra cosa” en Matucana 100 (curada por Camila Marambio) y para el presente año prepara la exposición colectiva “Calibre 14”, en el Museo de Artes Visuales de Santiago, junto a los alumnos del magíster. “Una de las temáticas que atraviesa mi investigación es la noción de Naturaleza, aquella que esta sucediendo, donde su formación, procesos y su acontecer matérico no están inscritos de modo simbólico en un contexto histórico. Este soporte se ve en constante mutación, afectado por una multiplicidad de factores, como podrían ser tanto las implicancias meteorológicas como la diversidad de cuerpos orgánicos que la habitan. Uno de los elementos que caracteriza mi trabajo es el intento de aproximación de las artes visuales al área de las ciencias naturales y el naturalismo, introduciéndose en modelos de acción de realidades que ya existen, como por ejemplo, la habitabilidad de animales en el caso de Piedras-Habitáculos y la reproducción de elementos que preexisten en ella. De esta manera, interpelo diferencias de proporción y de volumen de cuerpos propios de la Naturaleza y la relación entre estos, como por ejemplo, la fragilidad de una rama versus la robustez del cuerpo de un tronco, propuesto como una matemática visual”.
www.aymarazegersm.blogspot.com 102
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Aymara Zegers
Obra AA
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Polaroid 9 x 11 cms
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Cajas-nido Cajas-nido se manifiesta desde un formato escultórico, generando dialogo entre las esferas de las arte visuales, la conservación y las ciencias naturales. Consta en la instalación de nidos artificiales para distintos tipos de fauna alada, tales como gorriones (Passer domesticus), chercanes (Troglodytes aedon) y el murciélago cola de ratón (Tadarida brasilieansis). Dichos objetos son construidos desde la investigación de diseños previos de nidos artificiales. Estos funcionan como esculturas dinámicas que se activan por el cuerpo de los animales que las utilizan, así cumpliéndose las condiciones necesarias para una posible anidación. Construir e instalar cajas-nidos estimula la observación, dando la posibilidad de aproximase a cosas que están sucediendo constantemente y que no las habíamos percibido antes. Experiencias que se forman en tiempos pausados, donde el eje fundamental es la reiterada expectación de la fauna que habita en los lugares donde nos movemos.
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Piedras-habitáculos Piedras-habitáculos son reproducciones de piedras que funcionan como intersticios para la posible habitabilidad de reptiles e insectos, generando un punto de encuentro entre la piedra artificial disponible y el cuerpo animal. Los animales buscan piedras para posarse, tomar el calor del sol, tener una mejor visión desde las alturas para una posible caza, entrar en alguna grieta, rendija o hendidura para hacer de ese espacio un refugio. Las piedras artificiales se emplazan en lugares con vegetación y potencialidad de organismos vivientes. Cada piedra tiene un orificio de entrada que varía su diámetro para posibilitar los distintos tipos y tamaños de animales que puedan acceder a su interior y en su base cuentan con un sistema de drenaje para evitar la acumulación de agua y obtener ventilación. Estos simulacros de piedra tienen un carácter anónimo en cuanto a su aspecto para la percepción humana. No hay nada que indique su presencia excepto el relato de quien las emplazó o la indicación de estos como habitáculos.
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Galería Fotografía
Josefina
Astorga Josefina Astorga Ugarte (Santiago, 1984) egresada de Fotografía Profesional en el Instituto Arcos. Actualmente trabaja como Reproductora de arte y como colaboradora de AA. Trabaja con fotografía Análoga, compone fotogramas, videos, collage y dibujos. En el 2008 expuso su trabajo “Me fui de casa” en la Biblioteca de Santiago. “Mi Curiosidad se basa en el habitar y en la naturaleza, en las casas y sus habitaciones, En el dibujo casa que guardamos como registro de nuestra memoria o de nuestro inconciente, y en el como las personas se apropian de esto. La cotidianeidad de la imagen y en los objetos como huellas del tiempo. Los registros del pasado y sus soportes, mi fotografía esta repleta de errores técnicos y de impulsividades, ahí he encontrado su belleza”.
www.flickr.com/photos/corazondeoreja 126
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Josefina Astorga
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Nenas
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Galería Fotografía
Margarita
Dittborn
Margarita Dittborn Valle (Santiago, 1981) es artista autodidacta. Realiza fotomontajes digitales basados en citas a la historia del arte y de América, donde utiliza maquetas, personas, objetos y animales. Ha expuesto en Chile y el extranjero, asistido a ferias internacionales de arte contemporáneo y su obra es parte de colecciones en Chile, Perú, Estados Unidos, Argentina y Brasil. Su trabajo ha sido distinguido en varias oportunidades, entre las cuales destaca el reciente premio del Círculo de Críticos de Arte de Chile a la “Mejor exposición nacional de fotografía del año 2008” por su primera muestra individual, “Enfermas de amor”, realizada en agosto de 2008 en la galería Florencia Loewenthal. Actualmente prepara trabajos para muestras en Chile y el extranjero y trabaja como gestora cultural de la Sala Cero de la galería Animal, en Santiago. “Hago fotografía como una forma de pintar sin tener que hacerlo. No es que sepa pintar y no quiera hacerlo: es que no tengo la paciencia para aprender. Mi ansiedad por el resultado rápido me llevó a concentrar en la fotografía todo aquello que quiero realizar. Sin embargo, me gusta tanto la pintura que mi obra está muy relacionada con su historia, más específicamente con el barroco, cuya estética recojo y, junto con un imaginario propio, extraído de mi cultura y gracias a la tecnología digital, configuro nuevas composiciones”.
www.margaritadittborn.com 148
Fotografía por Andrés Bortnik
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Margarita Dittborn
Obra AA
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Nicolรกs Manning
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Colaboraciones Internacionales
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Colaboraciones Internacionales
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Colaboraciones Internacionales
Andreas Kasapis Atenas
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Colaboraciones Internacionales
Tommaso Meli “Pariah� Italia
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Anuario Arte Capítulo 3 Esperamos que hayan disfrutado de nuestra tercera publicación, los esperamos como siempre en www.anuarioarte.com Nuestros agradecimientos a los numerosos artistas y colaboradores que día a día hacen crecer este proyecto.
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