RIOT ART
INVIERNO 2 013-14
NÚMERO 1
ARTE Y SUBVERSIÓN
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4. El ar te de la guerra 10 . EPOS 2 57. BATALLA PUBLICITARIA 12 . RODCHENKO: DISE O BOLCHEVIQUE 18. LA MUERTE DE LAS VANGUARDIAS 2 2 . GUERRILLA fEMINISTA 2 6. ON TOUR: PALERMO
FACEBOOK: RIOT ART FANZINE E-MAIL: RIOT_ART_MADRID@HOTMAIL.COM
"Todo acto es un disparo de revólver cerebral" TRISTAN TZARA
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E R im e a g c O
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“E te ve en Lo Ge
¡¡¡S alu dos!!!: Ya está aqu í el nue vo núm ero de Riot Art recién sali do de las trin che ras para disp ara r a die stro y sini estro con el núm ero se ha seg uid o la misma líne a en arte com o bal as. En este inte nta ndo ofre cer un am plio aba nico de ejelo que a artículos se refi ere , mé tod os a la hora de cre ar una obra mp los de arti sta s, épocas y antifascista. La noveda d rad ica en el disede carácter anticap itali sta y rea liza r de una form a má s atra ctiva y leg ibleño, el cua l se ha inte nta do para el person al, ¡¡ Gra cias por esa s críticas con stru ctivas! !! En este núm ero pod ras disfruta r del arte -va nda lism o del cole ctivo ruso Voi na, crim ina liza dos y perseg uid os, a la par que críticos, provocadores e irre verentes. Cum ple n los req uisi tos para ser uno s de los protag oni sta s del fan zine . Otro cole ctivo que se ha cola do en las pág ina s de Riot Art son EP OS 257 y su luch a con tra el terrorismo pub licitario. En la búsque da de person aje s históricos que se ada pte n a la líne a de Riot Art pre sen tam os en esta oca sión a imp orta nte fue en la Rusia Len inista.Rod che nko y su dise ño que tan encontrará s un aná lisis desde un pun to deCom o artículo má s teórico ana liza el fracaso de las van gua rdia s histvista de clase en el que se gén ero pre sen tam os en esta oca sión a las óricas. En el apa rtad o de con tra el sistem a patriarcal y cen tral ista del Gu erri lla Girls y su luch a On Tou r visi tam os la cap ital de Sicilia: Pal ermarte . Por últim o, en la sección o. ¡¡¡ Nad a má s!!! Qu e los disfruté is, oja lá cosas, o aun que sea sólo una , ya estare moos pod em os aportar mu cha s ya se dijo estam os abi ertos a tod o tipo de pros satisfe chos. Tam bié n com o posiciones, cola boraciones, críticasS ¡¡¡ Arte o mu erte !!! “ El corazón de Win ston se encogi ó al pen sar en el enorme pod er que ten ía enfren te, la facilida d con la que cua lqu ier inte lectual del Partido lo ven cería con su dia léctica, los sutiles arg um entend er y me nos con testar. . Y, sin em bargo,entos que él nun ca pod ría Los otros estaba n equ ivocados y él no. Hab era él, qui en ten ía razón. ía que defend er lo evid ente”. Ge org e Orwell, 1 984 .
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E T R A L E DE LARA R E U G 4
A Voina es el nombre de un colectivo artístico Ruso cuyo significado es poco sutil y diplomático: Guerra. El nombre de este grupo no hace sino explicar a la perfección como este grupo de activistas rusos entiende el mundo del arte, de una forma directa, sincera y sin tapujos. Sus obras son una guerra a la sociedad neo-liberal y al gobierno Ruso, una guerra en el sentido literal de la palabra, ya que las acciones provocativas y sin complejos del colectivo, son catalogados en muchos casos por la opinión pública y el gobierno de terrorismo. Reacción lógica de los verdaderos terroristas cuando se destapan las vergüenzas de este sistema podrido. Estas son las palabras de las desautoridades públicas sobre Voina: "El grupo artístico VOINA es un colectivo de extrema-izquierda radical y anarquista cuyo principal objetivo es realizar acciones públicas contra las autoridades, concretamente contra funcionarios policiales con el objetivo de desacreditarles de cara a la opinión pública. Existen células de VOINA en las principales ciudades rusas”. ¿Interpretación de estas palabras?: Los put@s am@s. 5
El colectivo fue fundado por Oleg Vorotnikov y Natalia Sokol el 23 de febrero de 2007.En un principio sus acciones se realizan en clandestinidad y el más absoluto anonimato, hasta el año 2008 cuando la sociedad conoce al grupo oficialmente y las actividades empiezan a ser revindicadas. Además, lo que empezó siendo la “locura” de dos personas se ha convertido en un colectivo con una militancia importante, llegando a los 200 integrantes en sus filas (entre ellas las conocidas Pussy Riot, que tienen su origen en este colectivo).
Por varias razones, la forma de llevar a cabo estas ideas a la práctica es mediante el arte urbano. La primera ya está explicada y se refiere a la colectivización del arte, frente a la tónica actual de privatización. La segunda razón tiene que ver con la tradición artística rusa, buscan revivir el arte callejero medieval ruso, de la cultura de los comediantes y del carnaval. El colectivo Voina tiene un fin totalmente político e intenta llevar a cabo un proyecto de larga duración en el tiempo. Para ello buscan la formación de un frente artístico de izquierdas que imite a las vanguardias de principio del siglo XX, como fue el futurismo ruso de los años 20. El arte político debe renacer en el mundo. Ese movimiento de guerra artística debe adquirir un carácter global que luche contra la extrema derecha, la represión y el sistema patriarcal. Para Voina la guerra que acaba de comenzar acarreará "el triunfo de la justicia sobre la tierra artística”.
El grupo Voina, de clara tendencia Anarquista, tiene una línea clara de pensamiento y actuación. Buscan la vuelta al artista romántico, en contra del arte comercial y conceptual actual, un artista que refleje un héroe que lucha contra el mal. Este ideal de artista intelectual está para crear una obra vivida, expresiva, sincera, que despierte las emociones de una sociedad aletargada y atrofiada. Producen obras monumentales para conseguir una emoción colectiva, utilizan la gran magnitud de las intervenciones como reacción al carácter privado del arte contemporáneo, así consiguen hacerlo visible a toda la sociedad, y dotarlo de carácter público. También es fundamental para ellos una renovación en el lenguaje artístico. Un lenguaje que responda a las necesidades sociales, políticas y culturales y no a las económicas como nos tienen tan acostumbrados las expresiones artístico-elitistas actuales. El cambio de lenguaje conllevará la eliminación de un arte glamuroso, superfluo y banal, además de devolverle un carácter bromista, alegre y sarcástico.
OBRAS
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Ahora expondré una serie de obras de Voina para demostrar como llevan todos los conceptos que promulgan a la práctica. Una de sus más celebres actuaciones, que despertó un polémica impresionante se produjo en el año 2008. El nombre de la performance era el de “Fuck for the Heir Medvedev’s Little Bear!”. La acción tuvo lugar en el museo de biología de Moscú después de la elección de Medvedev como presidente de Rusia, donde organizaron nada más y nada menos que una orgía. Con ello querían demostrar la farsa que habían sido las elecciones y el periodo preelectoral, “donde todo el mundo jode a todo el mundo y un presidente ilegítimo disfruta del espectáculo”.
“A Cop in a Priest’s Robe” es otra intervención de Voina donde Oleg Vorotnikov se vistió de policía con un traje de cura. Con este estrafalario disfraz Oleg iba realizando todo tipo de actos que en muchas ocasiones rozaban la ileglidad, como coger objetos de los supermercados y pasar por la caja a vista de todos sin pagar. ¿Cuál fue la reacción? Ninguna. Ninguna llamada de atención o reproche. Con esta actuación “Voina” quería denunciar la impunidad en las actuaciones de los dos cuerpos de represión por excelencia, uno de represión física y el otro de represión moral. En palabras de Oleg Vorotnikov: “Un policía vestido de cura es como Satán –podría hacer cualquier cosa que quisiera.”
la ciudad. Los gatos fueron lanzados al interior del establecimiento donde empezaron a comerse la carne (por llamarle de alguna manera) que había en el local para después salir corriendo. Acabaremos la exposición de sus obras con dos de las que han levantado más ampollas. Una de ellas consistía en volcar e incendiar coches de policía. La obra de nuevo servía para denunciar las torturas y el abuso de poder del que hacen gala las fuerzas de seguridad rusas con total impunidad. Pero su obra más impresionante, provocadora y reivindicativa es “Dick Captured by KGB!" . Un puente elevadizo sobre el río Volga situado enfrente del Kremlin. Los participantes asciende al número de 9, y van ataviados con 66 litros de pintura blanca. Los activistas comienzan a pintar, hasta que hace acto de presencia la policía que agradece a los chavales su
El día uno de Mayo, téngase en cuenta la simbología de la fecha, el colectivo Voina apareció en un Mc Donald´s de la capital Rusa, con unos gatos callejeros hambrientos que habían recogido a las afueras de
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creatividad con una ensalada de hostias (uno de ellos acabó detenido). El momento álgido llega en el momento en que se eleva el puente. Un gran pene de 60 metros pintado en el asfalto se eleva frente al Kremlin.¡¡Bestial!!. En palabras de Leonid Nikolayev, miembro de Voina: “Nosotros no besamos violentamente a los policías en la boca, les damos por el culo con una polla de 60 metros”. Poco más que apuntar de la obra. Todos los videos de las intervenciones se encuentran fácilmente en internet.
políticos. En su honor quemaron un camión perteneciente a los servicios penitenciarios el día de año nuevo. El grupo Voina está consiguiendo conjugar el arte y la vida , romper la frontera propuesta por la sociedad de clases y dotar al arte de un carácter vital. Para ello utiliza la provocación, la ironía, e incluso el vandalismo.
Por supuesto que todas las acciones han supuesto agresiones policiales, detenciones, juicios constantes (se han abierto contra ellos más de 20 causas penales), y temporadas a la sombra. Cabe destacar que varias de las cuantiosas multas fueron pagadas por el afamado graffitero Bansky. El dinero sobrante de las ayudas al colectivo en sus juicios ha servido para echar un cable a otros compañeros que son también presos
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Terminaré con la reflexión de Alex Plutser-Sarno (miembro de Voina): “El objetivo de un artista es destruir los reglamentos arcaicos para crear un espacio en el futuro. Esto quiere decir que el artista se convierte en criminal y deja de preocuparse por las leyes políticas y gubernamentales. ¡Viva el artevandalismo! “. Nada más que añadir. ¡ah sí! ¡¡¡ VIVA EL ARTEVANDALISMO!!!
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57 2 S EPO A L L A B AT A I R A T I C I L PUB
Estas armas están compuestas por una pistola de “paintball” y una especie de tubo (un clásico lanza patatas) que hace las veces de bazuca. La munición de estas armas está compuesta por bolas de pintura, mezclada y compuesta por los miembros del colectivo, de diferentes tamaños y colores. Con toda esta parafernalia los artistas del colectivo Epos 257 se lanzan a la jungla urbana ( Praga) , como si fuese Sierra Maestra, con sus armas preparadas y sus enemigos bien claros. ¿Sus trincheras? Las cunetas de las carreteras de la capital checa cuando cae la noche. ¿Sus enemigos? Los grandes postes de publicidad que atacan a los conductores con sus "recomendaciones".
Abre un ojo, pon el pie en el suelo y las agresiones comenzarán a sucederse. Contaminación visual, lumínica y acústica que se dedica a escupirte en la cara como debes ser, como tienes que vestir, como debes comer, y como ocupar tu tiempo libre. Todo ello para conseguir el consumo deseado, acompañado de una conducta y actitud de “piensa bien”. Sigue los consejos proporcionados y serás un buen ciudadano (ahora conocido como consumidor). Contra este “delito premeditado” que es la agresividad publicitaria se rebela un colectivo checo conocido como Epos 257.
Los participantes de la acción postrados en las cunetas comienzan a disparar bolas de pintura contra las grandes lonas publicitarias de fondo blanco. La carretera funciona como un valle en el cual se desarrolla la batalla, con los guerrilleros de un lado, con el capitalismo del otro. Esto me suena de algoS será que la herida sigue abierta.
Su obra “Urban Shoot Painting” es un ataque literal contra la publicidad. La intervención tiene gran influencia de lo que se conoce como los movimientos de Arte guerrilla surgidos en los años 60 en la ciudad de New York, los cuales manipulaban los anuncios publicitarios para cambiarles el significado y dotarlos de una base crítica. En este caso la actuación no es contra un anuncio en concreto, sino contra el concepto publicitario que atesta los espacios públicos. La obra tiene su epicentro en el gesto, en la preparación de la intervención, no en el resultado de la obra propiamente dicho. Para llegar a ese resultado final se crea toda un ambiente guerrillero: ropa oscura o de camuflaje, el rostro cubierto y armas.
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El resultado de la obra son unas lonas de fondo blanco impregnadas de manchurrones de diferentes colores. El estilo de la obra resultante es abstracto, no tiene ninguna apariencia formal, y sinceramente dudo que se busque. La fuerza y la importancia de la obra está en su preparación, en cómo se lleva a cabo y la metáfora que esos gestos representan. Si se observase solo el resultado final, a la mañana siguiente de la batalla
no se entendería el significado de la obra, por lo tanto es fundamental conocer lo que hay detrás de ella para darle su verdadero sentido antes de hacer las típicas afirmaciones demasiado aventuradas y desafortunadas que se suelen hacer sobre el arte abstracto. De estas obras se debe conocer el gesto que las produce, ya que teniendo en cuenta esto, seguramente dejen de ser tan abstractas. En definitiva la obra del colectivo Epos 257 representa una defensa del ciudadano ante las agresiones publicitarias que pretenden transformarlo en consumidor, realizando una intervención que representa de forma metafórica la resistencia a la esclavitud en forma de consumo.
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1 91 7, Rusia, el mundo presenciaba una revolución clave, que iba a cambiar el mundo y los conceptos que lo habían regido durante siglos, una revolución que iba a dar la vuelta a la tortilla en la jerarquía social en la antigua Rusia zarista y que iba a conllevar el cambio en todos los campos sociales y culturales. Uno de los multiples objetivos del cambio fue el mundo artístico, el cual había sido un juguete en manos de las clases más poderosas hasta ese momento, por lo que se buscaron nuevos conceptos artísticos que representasen la sociedad que acaba de nacer. Uno de los artistas más prolíficos de estos primeros años de la revolución bolchevique, fue Alexander Rodchenko, cuya obra creció al amparo de Lenin y fue perseguida en época de Josef Stalin. La obra de Rodchenko, mediante la utilización del fotomontaje y el diseño gráfico es clave para la expansión de las ideas propuestas en época Leninista. La concepción bolchevique de la sociedad hace que los artistas se pregunten cuál es su posición en esta. ¿ Que debían hacer para pertenecer y servir a la revolución? ¿Qué papel concreto tenían en la sociedad proletaria? Dos tendencias son las que surgen. Por un lado artistas como Gabo y Pevsner que defendían una linea artística más tradicional y formalmente más pura. Sus ideas no cabían dentro de la concepción Bolchevique, por lo que tuvieron que salir de Rusia, hecho que fue fundamental para la expansión del constructivismo ,
por la zona occidental de Europa. La otra posición y que resultó triunfante en la URSS de Lenin estaba representada por Tatlin y Rodchenko entre otros. Estos abogaron por la destrucción del objeto de arte tradicional, el cual consideraban una parte más del juego burgués. Entiende que el artista debe salir de su burbuja y ponerse al servicio de la revolución, codo con codo con la clase obrera. Rodchenko es uno de los autores presente en el manifiesto Constructivista, donde se convoca a todos los artistas rusos a que sigan a la revolución rusa producida en 1 91 7. Para Alexander el arte debía tener una marcada función social. Rodchenko renunció de forma temprana al arte puro, es decir a las bellas artes clásicas( basada en las proporciones, armonia, simetría...) creando un lenguaje visual que sirviese a la sociedad proletaria rusa. Estas ideas constructivistas se expandieron por toda Europa e influyeron en muchos movimientos culturales europeos como el punk, que absorbe las ideas sobre grafismo y fotomontaje propuestas en la Rusia Leninista.
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Lenin se encontró con una situación compleja después de las revoluciones de Febrero y Octubre, la cohesión del estado era una quimera aún difícil de conseguir, por ello ganar la batalla del mundo artístico se convirtió en fundamental en la lucha por instaurar el ideario bolchevique en todos los rincones de la sociedad. Para ello entre 1 91 7 y 1 922
consiguió una alianza indestructible entre el estado y las vanguardias artísticas. Cuando Lenin tomó el control de Rusia, el nivel de analfabetismo estaba alrededor del 70%, por lo que transmitir las ideas bolcheviques de forma escrita era prácticamente imposible. ¿Solución? La manifestación visual, mediante la fotografía, fotomontaje y grafismo, actividades artísticas que Rodchenko manejó a la perfección. La cámara se convertiría en el medio de comunicación esencial para Lenin. Estás son ideas salidas de su propia boca: “que cada uno de los soldados debía portar no sólo un arma, sino también una cámara.” La propaganda Soviética se convierte en este momento en la más potente de la historia gracias a estos conceptos. Además de ser un medio totalmente efectivo en lo que se refiere a agitación y propaganda política, la fotografía y el fotomontaje era la representación de la sociedad industrial en la que se iba a convertir Rusia. Se olvidan los métodos de producción artística tradicionales (pintura,
de producción industriales. Gracias a esta concepción productiva del arte, el carácter de obra único se destruye. Las nuevas obras son reproductibles una y otra vez, característica intrínseca a la sociedad industrial. Esta idea respecto a la reproductividad de la obra estaba de acuerdo con el pensamiento Bolchevique. Una obra única solo la puede disfrutar uno, esto es representación del individualismo burgués. Una obra reproducible infinitas veces, llegará a los trabajadores de todos los rincones de Rusia. Rodchenko comenzó su carrera artística dedicándose a la pintura y a la escultura. Pero fue a principios de los años veinte cuando comenzó a realizar obras escultura...), de la antigua producidas con procesos sociedad extinta, ahora se utilizan industriales. Entre 1 922 y 1 924 medios tecnológicos, mecánicos, Alexander explotó la rama del químicosS Un nuevo concepto de diseño gráfico en todas sus ramas sociedad, produce una nueva industriales, textiles, forma de entender el arte. Una propagandísticasS El artista de sociedad industrial y proletaria no cabecera de los bolcheviques se iba a utilizar pinturas y cincel, lo convirtió en un artista polifacético lógico era crear las obras que tocaba todos los palos de la artísticas basadas en los metodos 14 producción artística.
En lo que se refiere al diseño gráfico Rodchenko se basó fundamentalmente en la fotografía ,que unos años después se convirtió en el eje fundamental de su carrera. La fotografía le sirvió para realizar diseños y montajes fotográficos con los que generó una prolífica cartelería al servicio del partido Bolchevique. El montaje fotográfico no era algo que inventase Rodchenko, ya que los Dadaístas lo habían utilizado como una actividad contracultural contra la primera guerra mundial y el fracaso de la sociedad burguesa, pero sí se puede decir que es el primer artista que elevó este tipo de creación a una categoría superior. Los fotomontajes realizados por Alexander Rodchenko, no funcionaban solo como elementos visuales, sino que eran auténticos poemas, repletos de referencias, sugerencias y composiciones estilísticas. Realizar este tipo de
composiciones era diferenciarse de las bellas artes clásicas que habían cultivado los burgueses durante los últimos siglos en Europa. El montaje gráfico era una forma de expresión más cercana a la clase trabajadora rusa, ya que eran creaciones más acorde a la vida urbana del proletariado y el tipo de cultura que consumían, como revistas o periódicos, que tenían una gran cercanía estética con los fotomontajes artísticos que estaban surgiendo. Que caprichoso es el destino y que inteligentes los cerebros capitalistas, pues estos fotomontajes constructivistas se convirtieron en la base publicitaria de la sociedad de consumo. Triste devenir, pasar de hablar de ideas bolcheviques a publicitar mierdas innecesarias. La utilización de este método para intereses publicitarios tiene fácil explicación, se debe a la eficacia que tiene para transmitir
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mensajes. ¿ A que no adivináis donde se produce el cambio de significado en el contenido de este tipo de creaciones? ¡¡¡Bingooo!!! En el país que todo lo que toca lo convierte en mierda: EEUU. En la segunda guerra mundial muchos miembros de las vanguardias europeas se trasladaron a Estados Unidos, entre ellos, miembros pertenecientes al constructivismo. Las ideas trasladadas por estos son desarrolladas en el país de las “oportunidades” por la conocida como la New Bauhaus de Chicago, donde se estudia el arte publicitario. A partir de ahí , anuncios publicitarios, portadas de revistas o periódicos han utilizado en cierta manera las técnicas experimentadas por Alexander Rodchenko. Se puede decir que la imagen postmoderna es gracias a la estética bolchevique. ¡¡¡ Lenin ha conquistado Times Square!!!. 16 16
Rodchenko utilizo sus montajes para representar el ideario y objetivos bolcheviques, pero también sirvieron para ilustrar el mundo cultural Soviético. Por ejemplo hizo una serie de montajes sobre el poema Pro Eto de Vladimir Maiakovski. También realizó cartelería para las películas los dos grandes monstruos del cine Soviético, Vertov y el introductor del montaje en el cine, Eisenstein (Odessa siempre será revolucionaria gracias a su acorazado Potemkin). La obra de Rodchenko se sitúa el década de los años 20, pero en los años 30 comenzó su declive. ¿El motivo? El giro político de la Unión Soviética. Para la Rusia de Lenin, el arte de Rodchenko era la expresión ideal de las ideas del partido Bolchevique. Pero esto cambió con la ascensión al poder de Stalin y su giro al realismo en
lo que a las artes se refiere. El concepto anti-narrativo de Rodchenko no era lo que buscaba Stalin, por lo que era imposible que ese binomio funcionase. Este artículo está enfocado a la producción de cartelería, diseño gráfico y fotomontaje de Rodchenko. Su obra fotográfica es impresionante, rica y novedosa, pero su análisis la dejaremos para otra ocasión. Espero haber arrojado algo de luz sobre una figura desconocida para el gran público, que aun sin saberlo tiene en el imaginario colectivo grabadas ciertas imágenes y fotomontajes de Rodchenko sin saberlo. También decirles algo a los prestigiosos publicistas occidentales ¡¡¡Joderos, vuestros orígenes están en la Rusia Bolchevique!!!.
LA MUERTE DE LAS VANGUARDIAS
"Toda idea que triunfa marcha hacia su perdicion. " andre breton
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C S r v s c h c e c e u e a m h i s r e s d o a c u L p r q E c t p p q p v c c e c 多 q p m v
Cubistas, Futuristas, Dadaístas o Surrealistas deben estar retorciéndose en sus tumbas al ver en lo que se han convertido sus obras. Los amos del salón contra los que las vanguardias históricas se expresaron, han conseguido encerrar sus obras en esas jaulas de oro conocidas como museos. Se han convertido en una especie de recuerdos de una cacería que muestra orgulloso en su salón cualquier asesino de animales de pacotilla. Los muestran de forma humillante, haciendo entender a esos pobres ilusos, que esas obras que iban a ser utilizadas como armas revolucionarias, ahora son expuestas por aquellos que iban a ser derrocados. Además de derrotaros, me lucro con vuestra obra, lo que conlleva diluir todo aquello que pudiese ser agresivo contra la sociedad burguesa. Es un acto macabro. Las vanguardias surgidas en la primera mitad del siglo XX rompieron con el objetivo clásico que habían tenido las bellas artes. Este objetivo no era otro que el de conseguir mediante diferentes técnicas clásicas como la proporción, armonía, o la perspectiva entre otras, una obra que perdurase en el tiempo y pudiese ser interpretada. Los vanguardistas tienen otro concepción artística. Pretenden convertir la obra artística en un elemento revolucionario que cambie la sociedad. ¿Cómo hacer esto? Lo primero que debe tener un grupo que pretenda cambiar el mundo es un manifiesto. Todos los grupos vanguardistas tienen el suyo. En
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ellos se aprecia como los vanguardistas lo que pretenden es conquistar el mundo y cambiarlo, utilizando el arte como arma.La mayoría de los grupos de vanguardia tenían tendencias políticas izquierdistas, las cuales manifestaban en sus escritos. Todos menos los futuristas Italianos, una suerte de catetos alucinados con las nuevas tecnologías y el antiguo poder imperial de su país, que tenían una clara tendencia fascista. Ese fascismo trasnochado recibió su merecido, pues fue una de las vanguardias con menos recorrido. Los manifiestos vanguardistas desprenden tensión y un carácter bélico importante, generado por el ambiente que se respira en Europa en ese momento. Las vanguardias convivirán con las dos Guerras Mundiales y la tensión política e ideológica que precedieron a estas. Aquí un
ejemplo del manifiesto Dadaísta escrito por Tristan Tzara en 1 91 8:"Así nació DADA, de una necesidad de independencia, de desconfianza hacía la comunidad. Los que están con nosotros conservan su libertad. No reconocemos ninguna teoría. Basta de academias cubistas y futuristas, laboratorios de ideas formales. ¿Sirve el arte para amontonar dinero y acariciar a los gentiles burgueses? Las rimas acuerdan su tintineo con las monedas y la musicalidad resbala a lo largo de la línea del vientre visto de perfil. Todos los grupos de artistas han ido a parar a este banco a pesar de cabalgar distintos cometas. Se trata de una puerta abierta a las posibilidades de revolcarse entre muelles almohadones y una buena mesa”. Las Vanguardias no quieren consolidarse en el tiempo, sino que su obra tenga un impacto social, que provoque un cambio y
en ese momento se agote. A partir de aquí la obra ya no tiene utilidad, si se nombra o interpreta en vez de incrustarse directamente en la sociedad no ha cumplido su objetivo. La meta final es reventar la frontera entre la vida y el arte, buscando que la creación artística dejase de ser un círculo exclusivo de intelectuales y generadores de ideas. Este concepto contiene en su interior una conciencia de clase muy importante, ya que las ideas anarquistas y comunistas de la época calan profundamente en estos artistas. ¿por qué quieren destruir esa frontera entre arte y vida? ¿ Por qué no quieren que su obra sea objeto de interpretaciones? Que una obra sea interpretada o juzgada, no es otra cosa que la representación de la sociedad de clases en el mundo del arte. La interpretación de la obra implica que hay
culpa en que la obra no se introduzca en la sociedad, el mensaje quizas no ha sido el adecuado para transformar el arte en vida.
alguien que trabaja y no disfruta de su obra, y otro que disfruta del trabajo ajeno, es decir la organización social que ofrece el capitalismo. La forma de producción y división capitalista está presente en este acto que parecía inocente. Mientras las bellas artes clásicas están producidas con ese objetivo, las vanguardias decidieron que era el momento de revertir la situación Evidentemente esto nunca ocurrió, la sociedad capitalista y su modelo de producción y consumo sigue adelante, por lo que la frontera entre arte y vida sigue vigente. Las vanguardias son objeto de interpretación contínua. En la actualidad sólo quedan los restos de las batalla, las ruinas de la lucha. Restos de las vanguardias han quedado presos en museos, cumpliendo la función contraria para la que fueron creadas, en un entorno que ellos detestaban. Las armas ya no disparan, su significado ha sido diluido, y se convierten en objetos propensos a la especulación en el mercado artístico. La muestra en museos y colecciones es la mayor humillación que se puede llevar a cabo con las obras de vanguardia, son objetos muertos. Están mostrando al derrotado ante el gran público, haciendo visible que nadie puede luchar contra el capitalismo, dándoles a entender que el capitalismo se apropia lo que no puede destruir. ¡¡¡ No se te ocurra intentar nada, mira como vas a acabar!!! El artista también tiene su parte de
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El capitalismo utilizó con las vanguardias la misma estrategia que ha utilizado en infinidad de ocasiones. En cuanto surge algún tipo de expresión contraria a él, lo va haciendo suyo poco a poco, lo va contaminando, así cuando te quieres dar cuenta te encuentras con un objeto vacío de contenido, superfluo y fuera de contexto. ¡¡¡Objetivo conseguido!!! El capitalismo ha conseguido eliminar el mensaje y el objetivo principal de esas expresiones, convirtiéndolo en absurdas y mediocres producciones inofensivas para el sistema . El rock o el punk han sufrido este vaciado de contenido, con absurdos sucedáneos fabricados por las discográficas. Estos movimientos culturales han pasado de ser la voz de la calle, a ser un simple desinhibidor de la rabia social. Movimientos macabros del sistema, que me provocan una gran tristeza al ver una obra que intento cambiar el mundo, y ahora es solo un trofeo en una sala, la misma tristeza que me provoca ver el rostro de un revolucionario en una camiseta con etiqueta de multinacional. Solo queda la esperanza de que llegue ese movimiento artístico o cultural que rompa con la frontera arte-sociedad y rompa en pedazos la estrategia cultural capitalista, y por supuesto ¡¡¡que nos devuelva a los rehenes!!!
GUERRI L L A FEMI NI ST A
El mundo del arte, como tantos otros, ha sido un coto privado para el hombre, un espacio donde la mujer no ha tenido cabida como creadora. Su entrada en los círculos artísticos se suele producir en calidad de modelo y desnuda, es decir siempre como objeto y nunca como sujeto. An Internacional Survey of Painting and Sculpture fué una exposición organizada por el MOMA (Museum of Modern Art) en 1 985. En dicha exposición participaron 1 69 artistas, ¿Cuántas eran mujeres? Unicamente 1 3. Esto provocó las protestas de un pequeño grupo hasta la fecha desconocido, formado por mujeres, las cuales ocultaban su rostro bajo unas máscaras de simios. Sus quejas eran claras, no podían comprender como a finales del siglo XX las mujeres artistas aun tenían un papel secundario y no obtenían el reconocimiento que se merecian .El nombre bajo el 22
que actuaban: GUERRILLA GIRLS. Las integrantes de este colectivo eran anónimas pero se conocen ciertos datos sobre ellas. Todas las participantes era mujeres, de diferentes edades, nacionalidades y etnias. Todas ellas provenían de los diferentes estratos del mundo del arte, pintoras, escritoras, directoras de cine, así como también comisarias e historiadoras del arte. Los seudónimos que utilizaban eran nombres de artistas fallecidas que habían conseguido algún logro en el campo de la igualdad como Frida Kahlo. ¿Por qué utilizaban máscaras de simio inspiradas en King Kong? Porque esa imagen la entendían como símbolo del poder masculino. El disfraz también hacia referencia a la película “ La Venus rubia” donde Marlene Dietrich con un disfraz de gorila provoca el páncio entre los espectadores.
Las actividades de las Guerrilla Girls tenían como objetivo mostrar a la opinión pública la discriminación que todavía existía en el mundo del arte. Para ello no se cortaban en acusar directamente a las autoridades públicas que no hacían nada por revertir la situación. Su método se basa en la provocación e ironía para atraer la atención de los medios y de la población. A la primera acción realizada en el MOMA comentada anteriormente, le siguieron un buen número de actividades que pusieron en evidencia la igualdad entre generos. Los objetivos de las acciones variaban entre coleccionistas, propietarios y críticos de arte. Las primeras acciones constaban de carteles que hacían patente el problema de género en el arte. La magnitud de las protestas crecían y esos carteles llegaron a ocupar los laterales de los autobuses o las 23
páginas interiores de varias revistas. La estética de las composiciones responden al fotomontaje y al collage, de inspiración pop y punk. “¿Tienen las mujeres que estar desnudas para entrar en el Met. Museum? Menos del 5% de los artistas en las secciones de Arte Moderno son mujeres, pero un 85% de los desnudos son femeninos.” Esta frase estaba inscrita en un cartel que se colocó frente al Metropolitan de New York en 1 989. Este cartel es uno de los más conocidos del colectivo, en el aparece la famosa “Gran Odalisca” de Ingres, paradigma del desnudo femenino en la historia del arte. La obra de Ingres responde al ideal clásico de mujer pasiva que funciona como objeto del deseo masculino, pero este significado varia con el montaje realizado por las Guerrila Girls. El colectivo hace que la Odalisca se subleve contra la mirada voyeaur
del hombre colocándole la mascara simiesca, mirando de forma agresvia al espectador. Otra de sus intervenciones más afamadas es la realización de un cartel que enumera los prejuicios que se le atribuyen a una mujer artista. La obra rebosa ironía por los cuatro costados y entre las ideas que enumeran se encuentra la de que si eres mujer tus ideas se verán reflejadas en la obra de otro, que todo lo que hagas será catalogado de femenino o que solo seras incluida en versiones revisadas de la historia del arte. Racismo, aborto, violaciones, pobreza o conflictos bélicos como la guerra del Golfo también son protagonistas de las campañas de las Guerrilla Girls. Entre su producción se encuetra la edición de dos libros, la organización de
premios ficticios que revelaban el funcionamiento del mercado expeculativo del arte, dar conferencias en museos o enviar multitud de cartas de denuncia. Pronto surgieron grupos con el mismo nombre que las imitaban por todo el mundo. El obetivo de las Guerrilla Girls era que el porcentaje de obras realizadas por mujeres en los museos ascendiera de forma considerable (ya que la cifra se encontraba por debajo del 1 0 %). Luchaban contra los inventarios de producciones masculinas. También se opusieron al termino genio, por hacer referencia a un modelo patriarcal y no ser más que una construcción social, la cual no tiene nada que ver con procesos genéticos o espirituales. Las Guerrila Girls traducían la palabra “genius” como testículos,
razón por la que nunca se había designado genio a ninguna mujer. En el año 1 999 el colectivo llegó a su máximo apogeo con un número considerable de miembros, pero solo un año más tarde emepezó a disgregarse debido a problemas internos entre las diferentes secciones que acabó en un proceso judicial. Las Guerrilla Girls ponen sobre la mesa uno de los mayores problemas del arte y que es motivo de debate en la actualidad. Lo consiguen de una forma irónica, directa y provocadora que no deja indiferente a nadie. ¿ Pero cual es el problema de género en el arte? ¿Que no se ha dado voz a las mujeres artistas como dicen las Guerrilla Girls?, ¿ o realmente no han existido mujeres en la historia del arte porque las estructuras sociales patriarcales no lo han permitido como defiende Linda Nochlin (ver número anterior de Riot Art) ?
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: R U O T N O O M R PALE
Fundada en el siglo VIII por los Fenicios ha sido una de las ciudades más prolíficas del Mediterráneo, por encontrarse enclavada en la isla de Sicilia, una situación estratégica inmejorable para estar en la vanguardia de los círculos comerciales y culturales. Por ello esta ciudad ha sido conquistada por multitud de civilizaciones como griegos, cartagineses y romanos. En la edad media fue dominada por bizantinos y después árabes para convertirla en una de las mayores y más ricas urbes del mundo. Su máximo esplendor llego en el siglo XI gracias a los normandos, que la convirtieron en el paradigma de ciudad multicultural en ese momento. En la edad moderna Españoles y Napolitanos ejercieron su poder sobre ella hasta la creación del estado italiano hasta el siglo XIX.
reinado de los Normandos, el intercambio de culturas se producía de forma natural en la ciudad. Pero lo que más pone de las calles palermitanas son las frases que escupen muchos de sus muros desconchados. La mayoría de los ejemplos encontrados en la zona vieja de la capital son frases con estilo descuidado y algunas plantillas, pocas son las muestras de piezas con figuras, colores y de cierta dificultad técnica. Uno se siente como en casa paseando entre callejones que gracias al uso de Sprays de lo más cutre te dicen cosas tales como: “ Basta Pace Sociale, Sbirri Morti”, “ Odio eterno per stato e governo” , multitud de “ACAB” y esvásticas tachadas. Parece que las piaras no tienen sitio por estos lares.
No hay más que darse una vuelta por las decadentes calles palermitanas para comprobar los restos deestas culturas. Calles que bajo un calor terrible, no hay más que recordar que Vulcano tiene su fragua a unos kilómetros de la capital siciliana, muestran cierto abandono y pérdida de esa grandeza que caracterizo a Palermo. Según apuntan los lugareños los culpables de hacer invivible la calles fue la mafia, ¿ Se referían a la Cosa Nostra o al gobierno y policía? A pesar de esta decadencia, los muros de Palermo transmiten una potencia brutal. Edificios en los que se entremezclan estilos y diferentes culturas, como la árabe, la normanda o la aragonesa, los cuales se encuentran desperdigados por la descuidada orografía de la urbe. Parece ser que durante el
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Pero siempre hay alguna frase que se te quedará grabada en la mente , que consigue sacarte una irónica sonrisa, que te gana para la eternidad. La acción discurre en un callejón que desemboca en una gran plaza con nombre de santa mojigata que alberga una impresionante iglesia Barroca (Fdo.: Monarquía española, quien si noS) que te apabulla con su exuberante decoración, con sus luces y sombras y con sus mareantes curvas. Después de esa ostia recibida tratas de recuperarte y buscas una sombra, para ello das la espalda al gigante arquitectónico y allí te encuentras, de frente a la iglesia una frase que pone su pistola en la sien de la conciencia eclesiástica. Esta dispara lo siguiente: “ Chiesa infame, viva Giordano Bruno”. Tremendo. ¿Es esto arte? Por
supuesto. El gesto, el contexto y la idea que hay detrás de esta frase lo convierte en ello. Giordano Bruno fue asesinado en nombre de Dios por la respetuosa iglesia católica en el año 1 600. Algo malísimo tuvo que hacer para que una institución tan pulcra como esta se manchase las manos de sangre. Bruno criticó la estructura jerárquica de la iglesia y la creación de figuras como las de los santos, santas y mártires que no conducían más que a la idolatría a objetos en la mayoría de los casos, separándose del mensaje base. Pero lo que más mosqueó a las autoridades eclesiásticas de Roma, fue las enseñanzas astrofísicas que llevó a cabo Giordano Bruno. Este aceptó las ideas propuestas por Copérnico casi un siglo antes. Promulgó con el heliocentrismo, el movimiento de los astros y la infinitud del universo. Por estas ideas científicas en el juicio fue condenado por brujería, además de otras cosas tan “graves” como poner en tela de juicio la virginidad de María. Además puso sobre la mesa temas más filosóficos como la existencia de otros mundos, la
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encarnación o el espíritu. De Giordano queda hoy su recuerdo en el campo di Fiori en Roma, donde una escultura recuerda su asesinato en la hoguera El resto de ciudades Sicilianas visitadas no tienen representaciones de este tipo que merezca la pena reseñar, seguramente debido a la ausencia de grandes urbes en la isla, donde predomina el medio rural. Solo alguna placa desgastada dedicada al desembarco aliado en la isla el verano de 1 943. Catania nos recibió con pintadas de los ultras del equipo local, de carácter fascista y poco más. Y la tercera ciudad en importancia de la isla, Siracusa, capital artística del mediterráneo en época Griega, parece que sigue con la comedia, ya que solo aparecen pintadas de carácter nazi en unas calles cuyo origen poco tienen que ver con lo ario; griegos, cartagineses, romanos, árabesS en fin gilipollas hay en todos los sitios. Los muros de las grandes ciudades de la isla estan ocupados por intervenciones de poca calidad, pero de una gran pasión y carácter, relfejo de la naturaleza Mediterraneo de los habitantes de Sicilia.