Y . COMO

Italo Calvino utiliza un verso extraído de un soneto de Cavalcanti (“y blanca nieve que cae sin viento”) y otro tomado del Infierno de Dante (“como nieve en los Alpes, si no hay viento”) para hablar de dos concepciones completamente diferentes que describen un hecho semejante, donde la conjunción Y, del primero, une visiones, en que las imágenes se suceden y los cambios son continuos, y el adverbio COMO, del segundo, encierra la escena, de manera que la metáfora hace referencia a una realidad concreta. Igualmente, el Y - COMO, tomado como título del presente proyecto, hace referencia, del mismo modo, a una visión de lo evanescente y leve, y, otra, de lo estable y definido.

Italo Calvino uses a verse from Cavalcanti’s sonnet (“and the white snow that falls without wind”) and another one from Dante’s Inferno (“as the snow in the Alps, if there is no wind”) to talk about two completely different conceptions that describe a similar fact, where the conjunction “AND”, in the first case, brings together visions, where the images happen/occur /follow and the changes are continuous, and the adverb “AS”, in the second, encloses the scene, in such a way that the metaphor makes reference to a specific reality. Equally, the “AND-AS” (“Y - COMO”) taken as a title for this project, refers, in the same way, on the one hand to a vision of the evanescent and light and, on the other hand, to one of the stable and defined.

Roberto Batista

COMO Y

Medín Martín Roberto Batista

Dos miradas distintas de la existencia, dos diálogos diferentes con la naturaleza Los seres humanos tenemos una necesidad innata de elaborar una expresión artística de nuestra situación existencial, pues de nosotros trata el sueño.

El mundo de Sofía, Jostein Gaarder

Los artistas palmeros Roberto Batista y Medín Martín han dedicado buena parte de su vida a dos disciplinas que pertenecen al atractivo mundo de las bellas artes, la pintura y la escultura. A través de ellas, nos ofrecen, de manera conjunta en esta exposición, sus últimas creaciones, Des-signación y Atrapa.

En la pintura de Roberto y en la escultura de Medín, no solo podemos disfrutar de la expresión de sentimientos estéticos y artísticos. Las obras de los dos autores responden a la actitud ante la vida, a la concepción de la existencia que posee cada uno de ellos. Una idea de la existencia diferente, que se antoja más positiva y contagiosa, en Medín; más silenciosa y reflexiva, en Roberto. Los espectadores, diversos, tendremos la opción de identificarnos con una concepción más pasional, la del escultor; o con una más existencial, la del pintor. Algunos, incluso, podemos captar, reflejados en las dos obras, momentos distintos de nuestra experiencia personal, instantes o etapas que se han ido conjugando a lo largo de nuestra vida.

Medín concibe sus piezas como una existencia formada por realidades que, durante el proceso de creación, sufren una hermosa metamorfosis hasta dar origen a nuevas formas de vida que signifiquen modernos e innovadores avances, grandes y profundos progresos. La pintura de Roberto persigue comunicar la idea de que una existencia digna y humana solo es posible desde la resistencia. Siguiendo las ideas de Gilles Deleuze, el pintor nos dice: “Debemos resistir al presente, a una actualidad plana, transparente y positiva, y hacerlo desde el recogimiento, la reflexión y la toma de conciencia, desde la profundidad de lo marginal”.

Para materializar esta forma de interpretar el mundo y de posicionarse ante él, los dos artistas se funden en un tierno abrazo con la naturaleza. Medín dialoga con la madera mientras va modelando distintos elementos relacionados con el mundo orgánico. Son realidades diferentes que se convierten en metáforas de nuestra sociedad plural; realidades que se vinculan con la ciencia y la tecnología, y que se encaminan hacia una vida sostenible e inteligente.

Roberto viste sus lienzos con tres elementos naturales –el Agua, el Aire y la Tierra– que, junto con el Fuego, constituyen las energías arquetípicas que influyen en nuestra conciencia y forma de entender el mundo, en nuestra capacidad para sobrevivir, pues constituyen la síntesis de todas las manifestaciones físicas y psíquicas de cada ser. El Agua, el Aire y la Tierra son los protagonistas de estos cuadros en los que el pintor nos presenta un único lugar abstracto y universal que se convierte en anclaje de esta serie que se incluye en un proyecto mayor, continuo, que lleva por título Re-sistencia.

Para Medín, el universo y la naturaleza responden a un orden y se asemejan a una cadena cuyos eslabones corresponden a las causas y a los efectos que originan las distintas realidades. Él considera que existe un orden natural y racional de las cosas y defiende, como Séneca, que “la armonía total de este mundo está formada por una natural aglomeración de discordancias”. La idea que Roberto tiene de la naturaleza está lejos de esa concepción estoica de Medín.

Nuestro pintor cree que en el mundo natural reina el desorden, el caos, la aleatoriedad. Él, como Italo Calvino, piensa que el universo es un todo que “se precipita sin remedio en un torbellino de entropía”.

La obra de Roberto, elegante y poética, nos habla de un hombre reflexivo que valora la calma y huye de las multitudes; de una persona que prefiere el silencio y la soledad a las emociones elevadas; de un artista que transmite todo el espectro de sentimientos humanos. Las piezas de Medín, vigorosas y artísticas, nos permiten conocer a un hombre que se emociona positiva o negativamente por las cosas de su cotidianidad; a una persona que, en su búsqueda de la felicidad, sabe qué pasos debe seguir para alcanzar lo que desea con ahínco; a un artista que busca la estimulación y rechaza la rutina.

Medín crea un universo de formas y volúmenes con movimiento que atrapan todos los conocimientos e información, la experiencia vital y los sueños que se van acumulando en el mundo natural y en la historia del ser humano, y que dan lugar a una sociedad moderna y avanzada.

Roberto imagina, con líneas y trazos, veladuras y colores, un lugar anónimo y atemporal que huye del grito, del ruido, de todo elemento perturbador que siempre supone un atentado contra la naturaleza. Persigue un contacto, una plática directa con ella, una relación que excluye la presencia del hombre –en sus cuadros no existen formas humanas–, cuyos actos han provocado la pérdida acelerada de la biodiversidad, síntoma de la degradación del planeta.

Dos miradas distintas de la existencia, dos diálogos diferentes con la naturaleza: colores pasionales, sensuales y sublimes –rojo, oro y plata–, frente al dominio de tonos grises y neutros; formas y volúmenes diversos que nos hablan de un orbe más plural y heterogéneo, frente a líneas y trazos uniformes de un cosmos más sobrio y homogéneo. Son características relevantes de estas obras de arte que nos invitan a realizar un doble viaje: uno, por el complejo mundo interior de los dos artistas; y, otro, por nuestra propia existencia.

María Eugenia Padrón San Juan

Two Different Views of Existence, Two Different Dialogues with Nature We human beings have an innate need to elaborate an expression of our existential situation, for the dream is about us.

Sophie´s world, Jostein Gaarder

The two artists from La Palma, Roberto Batista and Medín Martín, have dedicated most of their lives to two disciplines that belong to the attractive world of the fine arts, painting and sculpturing. Through them, both artists offer us, in this exhibition, their latest creations, Des-signación and Atrapa.

We can enjoy more than just the aesthetic and artistic expressions from Roberto’s painting and Medín’s sculpture. The works of both authors respond to their attitude towards life, and to the conception of existence that each one of them possesses.

An idea of the different existence, that seems more positive and contagious in Medín; and more silent and reflexive in Roberto. We, the diverse audience, will have the option of identifying ourselves with a more passionate conception, that of the sculptor’s; or with a more existential one, that of the painter’s. Some of us, moreover, will be able to capture, reflected in both works, different moments of our personal experience, instances or stages that have been conjugating through all our life.

Medín conceives his pieces of work as an existence formed of realities that, during the process of creation, suffer a beautiful metamorphosis till they give origin to new forms of life that signify modern and innovative advances, great and profound progress. Roberto’s painting seeks to communicate the idea that a dignified and humane existence is only possible from resistance. Following Gilles Deleuze’s ideas, the painter says: “We have to resist the present, a flattened present, transparent and positive and do it from seclusion, reflection and the raising of awareness, from the depth of the marginal.”

To materialize this way of interpreting the world and taking a stand, both artists blend in a tender embrace with nature. Medín dialogues with the wood while he sculpts different elements related to the organic world. They are different realities that become metaphors of our plural society; realities that link to science and technology, and that walk towards a sustainable and intelligent life.

Roberto dresses his canvas with three natural elements—Water, Aire and Earth—that along side with fire constitute the archetypal energies that influence our conscience and way of understanding the world, in our capacity to survive, for they constitute the synthesis of all the physical and psychic manifestations of each being. Water, Aire and Earth are the protagonists of these paintings where the painter presents a unique abstract and universal place that becomes the anchor of this series that is included in a major project, continuous that is titled Re-sistencia.

For Medín, the universe and nature respond to an order and they are similar to a chain where the links correspond to the causes and the effects that originate the different realities. He considers that there exists a natural and rational order of things, and he defends, as Seneca did, that “The total harmony of world is composed of a natural agglomeration of discordances.”

Roberto’s idea about nature is far from Medín’s stoic conception. Our painter believes that disorder, chaos and randomness reign the natural world. As Italo Calvino, he thinks that the universe is a whole that “precipitates hopelessly into a whirlwind of entropy.”

Roberto’s work, elegant and poetic, talks to us about a reflexive man that appreciates calmness and evades chaos; about a person that prefers silence and solitude to high emotions; about an artist who transmits the whole spectrum of human emotions. Medín’s pieces of work, vigorous and artistic, allow us to acquaint a man who gets positively or negatively emotional with things from his everyday life; a person in his search of happiness, who knows which steps he should follow to endeavor his desires; an artist who looks for the stimulation and rejects routine.

Medín creates a universe of shapes and volumes with motion that trap all the knowledge and information, the vital experience and dreams that accumulate over time in the natural world and in the history of the human being, and that bring about a modern and advanced society.

Roberto imagines, with lines and streaks, glazes and colours, an anonymous and timeless place that flees from the cry, the noise, from all the disruptive elements that always entail an attack against nature. He pursues a contact, a direct talk with it, a relation that excludes the presence of human beings -in his paintings there are no human shapes-, whose acts have provoked the accelerated loss of the biodiversity, a symptom of the degradation of the planet. Two different views of existence, two different dialogues with nature: passionate colours, sensual and sublime-red, gold and silver-, opposed to the mastery of greys and neutral colour tones; diverse shapes and volumes that speak to us about a more plural and heterogenous globe opposed to uniform lines and streaks of a more restrained and homogenous cosmos. These relevant characteristics of the works of art invite us to make a double journey; one, through the complex interior world of the two artists, and another journey through our own existence.

María Eugenia Padrón San Juan

Medín Martín nos sorprende, en esta exposición, con esculturas que atrapan en su interior un sinfín de conocimientos, experiencias, ilusiones y sueños que se han conjugado a lo largo de varias generaciones y de cuya simbiosis se alimentan sucesivamente los nuevos avances. Son piezas que, a manera de metáfora, guardan celosamente las claves de la evolución humana, tema muy presente en la vida diaria del escultor y en su trabajo creativo: toda existencia, efímera por naturaleza, termina metamorfoseándose para dar origen a otros modos diferentes de vida. De ahí que, en sus obras, ensaye la búsqueda de nuevas formas que aporten a lo cotidiano innovadores significados, lo que permitirá extraer modernas miradas de un mundo que se transforma incesantemente.

El artista es consciente de la importancia que, en este sentido, tiene la transmisión de información. Por ello, la comunicación escultórica aparece combinada con otros lenguajes -el verbal, el matemático, el pictórico- que encierran todo el acervo vital e histórico, y que han sido los vehículos imprescindibles para crear los avances científico-tecnológicos, los progresos culturales y el bienestar social. El saber ha quedado atrapado, a través del tiempo, en los mensajes orales (fábulas, mitos, leyendas) y pinturas rupestres de los pueblos prehistóricos, en los jeroglíficos y papiros de la cultura egipcia, en las tablillas de arcilla sumerias con caligrafía cuneiforme, en la escritura alfabética y pergaminos de la sociedad griega, en los libros manuscritos y en los impresos, en los periódicos, en los soportes audiovisuales. Todos estos conocimientos han ido posibilitando, a lo largo de los siglos, la elaboración de nuevas teorías, el diseño de modernos proyectos, y la preparación y práctica de distintas actuaciones esenciales para la adaptación, renovación y evolución del ser humano.

Muchas de estas obras se presentan como figuras totémicas; con ellas, Medín desea venerar al mundo natural y al sobrenatural, al mismo tiempo que recuerda nuestra historia y la de otras culturas. Podemos definir el tótem como el ser que, en ciertos pueblos, era considerado como el progenitor o protector del grupo, un antepasado que se vinculaba al origen de la tribu, del clan; o como una escultura de madera o de piedra a la que una cultura le atribuía un poder mítico o una condición sobrenatural. Estas obras parecen atrapar el sentido mágico-religioso del ser humano y toman formas erótico-fálicas relacionadas con la procreación, con la continuidad de la especie.

Medín, en estas piezas, entabla un diálogo con la madera, material cálido y dúctil, para rendir un homenaje al árbol como elemento natural que, en su crecimiento constante, encierra todos los aconteceres ocurridos en su entorno -sequías, incendios, tormentas de arena-, acontecimientos que se transforman en principios de grandes cambios.

El artista presenta una obra en la que se combinan lo orgánico y lo geométrico, formas totémicas, esféricas, cuadradas y alargadas, con líneas curvas y rectas. Realidades que, en su proceso de creación, sufren una hermosa metamorfosis hasta convertirse en embriones, brotes y frutos que originan nuevas y diferentes existencias. Esculturas de madera y de bronce que se complementan con otros materiales, como el aluminio, el acero o el plomo, y que están embellecidas con aplicaciones del lenguaje pictórico, como los colores oro y plata -típicos de la veneración, la belleza, la elegancia y la solemnidad-, o el rojo -símbolo de la pasión, el deseo, la alegría y la sensualidad-.

En definitiva, Medín crea un universo artístico que nos invita a atrapar la información y el conocimiento, nuestras experiencias vitales, nuestros ensueños, y a convertirnos en pequeños tejedores de los avances y de la modernidad.

María Eugenia Padrón San Juan

Medín Martín surprises us in this exhibition with sculptures that trap in their interior endless knowledge, experiences, wishful thinking and dreams, that have been blended over several generations, from whose symbiosis the new advances are being nurtured successively.

They are pieces that, as metaphors, jealously guard the key to human evolution, a topic strongly present in the sculptor’s daily life and in his creative work: all existence, ephemeral by nature, ends up metamorphosing giving origin to other different modes of life. Hence, he rehearses the search for new shapes that provide the daily life with innovative meanings, which will allow us to extract modern view of a world that is transforming incessantly.

The artist is conscience, in this sense, of the importance that the transmission of information has. Therefore, the sculptural communication appears combined with other languages—the verbal, the mathematical and the pictorial—that enclose the vital and historical heritage, which have also been indispensable vehicles to create the scientific-technological advances, the cultural progress and social welfare. Knowledge has been trapped through time in the oral messages (fables, myths and legends) and the prehistoric cave art, in the hieroglyphs and papyrus from the Egyptian culture, in the Sumerian clay tablets with cuneiforms calligraphy, in the Greek society alphabetic writing and scrolls, in the books and manuscripts and leaflets, in the newspapers, and in the audiovisual formats. All this knowledge has allowed for the elaboration of new theories, the design of modern projects, and the preparation and practice of distinct essential performances for the adaptation, renovation, and evolution of the human being over the course of centuries.

Many of these works are presented as totemic figures. Medín desires to venerate the natural and supernatural world with them, as well as to remember our history and that of other cultures. We can define the totem as the being that was considered the progenitor or protector of the group in some villages; an ancestor that is linked to the origin of the tribe, the clan; or as a sculpture of wood or stone that a culture attributed it with a mythical power or a supernatural condition. These works seem to trap the magical-religious sense of the human being and take erotic phallic-shapes related to the procreation, with the continuity of the species.

In these pieces, Medín establishes a dialogue with wood, a warm and ductile material, to render a homage to the tree as a natural element which, in its constant growth, encloses all the happenings that occurred in its environment—droughts, fires, sand storms—, events that are transformed into onsets of great changes.

The artist presents a work where the organic, the geometric, the totemic shapes, the spherical, the squared and the elongated shapes are combined with curved and straight lines. Realities that, during the process of creation, suffer a beautiful metamorphosis until they become embryos, shoots and fruits that originate new and different existences. Wood and bronze sculptures that are complemented with other material, such as aluminum, steel and lead, and embellished with pictorial language applications, as gold and silver colours -typical in veneration, the beauty, elegance, and solemnity-, or red -symbol of passion, desire, joy and sensuality-.

Ultimately, Medín creates an artistic universe that invites us to trap the information and knowledge, our vital experiences, our reverie, and convert us into little weavers of the advances and modernity.

María Eugenia Padrón San Juan

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2017 Untitled, from the series Atrapa / Bronze Bronce / 186 x 36 x 30 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Sapely wood Madera de sapely / 28 x 74 x 10 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2017 Untitled, from the series Atrapa / Graphite and crayon on paper Grafito y creyón sobre papel / 42 x 90 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2018 Madera de naranjo y acero / 110 x 12 x 11 cm Untitled, from the series Atrapa / Steel and orange wood Soporte: hierro patinado / 220 x 80 x 80 cm Support: patinated iron Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / detalle / 2018 Untitled, from the series Atrapa / detail / Steel and orange wood Madera de naranjo y acero / 110 x 12 x 11 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2018 Untitled, from the series Atrapa / Steel and orange wood Madera de naranjo y acero / 110 x 12 x 11 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Sapely wood Madera de sapely / 49 x 37 x 20 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Sapely wood Madera de sapely / 49 x 37 x 20 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2015 Untitled, from the series Atrapa / Bronze, lead and riga wood Madera de riga, bronce y plomo / 33 x 16 x 15 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2018 Untitled, from the series Atrapa / Cupping wood Madera de cupreso / 96 x 35 x 32 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Bronze Bronce / 25 x 27,5 x 17 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Bronze Bronce / 25 x 27,5 x 17 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Bronze and cupreso wood Madera de cupreso y bronce / 18 x 33 x 30 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Bronze and cupreso wood Madera de cupreso y bronce / 18 x 33 x 30 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / detalle / 2019 Untitled, from the series Atrapa / detail / Bronze and cupreso wood Madera de cupreso y bronce / 18 x 33 x 30 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / detalle / 2019 Untitled, from the series Atrapa / detail / Bronze and cupreso wood Madera de cupreso y bronce / 18 x 33 x 30 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Bronze Bronce / 25,5 x 26 x 21 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Bronze Bronce / 25,5 x 26 x 21 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2018 Untitled, from the series Atrapa / Graphite and crayon on paper Grafito y creyón sobre papel / 55 x 45 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / detelle / 2019 Untitled, from the series Atrapa / detail / Chestnut wood Madera de castaño / 52 x 20 x 18 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Chestnut wood Madera de castaño / 52 x 20 x 18 cm Soporte: hierro patinado / 220 x 80 x 80 cm Support: patinated iron Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Chestnut wood Madera de castaño / 52 x 20 x 18 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2017 Untitled, from the series Atrapa / Graphite and crayon on paper Grafito y creyón sobre papel / 70 x 90 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / detalle / 2019 Untitled, from the series Atrapa / detail / Sapely wood and aluminum sheets Madera de sapely y láminas de aluminio / 17 x 69 x 10 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Sapely wood and aluminum sheets Madera de sapely y láminas de aluminio / 17 x 69 x 10 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / detelle / 2019 Untitled, from the series Atrapa / detail / Sapely wood and aluminum sheets Madera de sapely y láminas de aluminio / 17 x 69 x 10 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / detelle / 2019 Untitled, from the series Atrapa / detail / Lead and sapely wood Madera de sapely y plomo / 10 x 62 x 15 cm Foto: © Dani Martín

Medín Martín / S. T. de la serie Atrapa / 2019 Untitled, from the series Atrapa / Lead and sapely wood Madera de sapely y plomo / 10 x 62 x 15 cm Foto: © Dani Martín

La serie des-signación es parte del proyecto Re-sistencia, considerando la sistencia como categoría ontológica que trata de las experiencias y expresiones del ser. El prefijo Re viene a intensificar dichas acciones y reafirma la necesidad del ser humano de aprender a acceder al misterio de su ser, de su propia realidad y, al tiempo, a estar abierto a otras realidades, las del resto de los seres vivos y el mundo.

Des-signación es, en esencia, un ejercicio de desprendimiento. Nuestra relación con las cosas, con otros seres y con el mundo viene cargada de signos, de designaciones que otros establecen, que el poder prescribe como verdades, significantes que terminamos por asumir como normas o leyes que, aún sin serlas en su totalidad, condicionan directamente tanto como ellas, pero solapadas, enmascaradas, encubiertas y que en cada época erigen muros y delimitan la convivencia, las relaciones y las libertades.

Borrar dichas marcas, reconsiderar los caminos marcados por el poder, desprenderse de ciertas cargas que a través de la historia y la cultura hemos asumido a lo largo de los tiempos y que nos impiden el movimiento se vuelve prioritario, sobre todo porque ya sabemos que el ser humano ha marcado un claro y seguro camino hacia su autodestrucción, en el sentido de variar y modificar drásticamente las condiciones naturales que durante tantos siglos ha hecho posible un tipo de vida y relación con el planeta y el universo. Mirar exclusivamente hacia el futuro desde un presente atormentado, actuando como autómatas guiados por tantos signos y significantes que responden básicamente a los intereses del poder económico, es dejarnos llevar simplemente por aquello que el propio sistema plantea como salida y solución a los graves problemas que él mismo ha generado. Esperar que nuevos signos creados por el poder orienten nuestros pasos hacia el futuro es el mayor signo de fracaso que, como seres humanos, podemos admitir. Sería profundizar, ahondar y gravar en todo aquello que nos ha colocado en esta situación.

Por ello, lo primero es detenerse, tratar de des-significar aquello que determina nuestros pasos, aquello que se nos ha presentado como invariable, inamovible, fijo y permanente. La des-signación es un primer paso para ganar, al menos, ciertas parcelas de libertad real. Al des-signarlos, todos los signos, es decir las certezas, son puestos en duda, se les elimina la capa de intencionalidad dominante, esclavista, opresiva y controladora con la que el poder los cubre. Las certezas imponen una cotidianidad que nos calma, nos sosiega, nos adormece, nos posterga, nos dice lo que hay que pensar y cómo hay que pensarlo. Des-signar nos sitúa fuera de ese ámbito, nos separa de la actualidad, del pesado aire que nos inmoviliza, del espacio de confort, de la tendencia, como dice Alberto Savinio, «a buscar lo más sencillo, a hacer caso omiso de las oscuridades (…) a hacer de la vida una serie ininterrumpida de vocales (…)». Al contrario, nos aproxima a una postura anacorética que, como dice Alberto Ruiz de Samaniego, la huida del anacoreta al desierto «no significa tanto el anhelo de una vida nueva como la muerte del pasado: la evasión de la (propia) historia. Romper lazos representa liberarse de las cadenas que nos esclavizan en los dominios sociales».

Des-signar requiere, del mismo modo, situarse en un espacio virginal, como metáfora iniciática, el principio, estado salvaje, albor civilizatorio.

Emanciparse del «aeiouismo» actual del que habla Savinio. Un espacio que nos permita re-escribir la propia historia, ahora más ligera, con cierto espíritu nómada. Menos sujeto a entidades “sagradas”, a conceptos por los que merezca la pena entregar la propia vida. A sabiendas de que el mundo no se puede cambiar, entre otras cosas porque el tiempo apremia, porque cada vez desde hace mucho tiempo es ya demasiado tarde, como dice Georges Perec, porque nada hace pensar lo contrario, queda, desde lo personal, crear un espacio ligero, leve, ingrávido, en continua transformación, sin pivotes fuertemente atados al suelo, sin determinismos e ídolos a los que guardar pleitesía.

Queda retirarse, ausentarse, desligarse, escapar de las redes que el sistema extiende y la sociedad termina asumiendo como si esa fuera la única posibilidad realizable. Resta resistir en espacios que, por su infinidad, inmensidad y marginalidad, escapan a los ámbitos de control, núcleos de resistencia, dice Gianni Vattimo, como aquellos monasterios medievales en los que se copiaban manuscritos. Esperar pacientemente porque la vida, además, y sobre todo, puede estar ausente de objetivo. Esperar, aquietarse porque en sí misma es esta una actitud revolucionaria y, tal vez, el mayor acto de resistencia posible. Abandonar la trayectoria rectilínea, el continuo y acelerado avance, el ir hacia delante sin saber a dónde, como llevados en volandas por el movimiento social impulsado por el sistema capitalista, por el sistema de producción del mundo industrial y tecnológico.

Esperar y no hacer nada, pues, como dice Spinoza, «solo cuando no puedo hacer nada puedo pensarlo todo». Nos encontramos en un momento de la historia de la humanidad en el que hay que pensarlo todo y, sobre todo, no olvidarnos de las grandes preguntas que desde hace tres mil años nos hemos ido planteando, no tanto para encontrar respuestas como para que se conviertan en gérmenes de nuevos interrogantes.

Esperar, contemplar, mirar a lo lejos y tal vez así preguntarnos, como el narrador hace al personaje de Un hombre que duerme de Georges Perec, cómo es posible que no hayas «sabido nada de lo que hoy ya es inexorable», «En lo que llamas tu historia ¿nunca has visto fisuras?». ¿En qué mundo hemos vivido? ¿He sido capaz de levantar un mundo propio o simplemente he vivido el que me han dictado?

Esperar. Una espera serena, dice Heidegger y, así percibir, como Hermann Hesse, «cierto humor del aire y de las nubes, ciertos matices en los colores o ciertos cambios de fragancia y humedad» y, desde el mismo espacio, un espacio sin lugares, el espacio desértico y neutro del que habla Lefebvre al tratar sobre el grado cero de Barthes, viendo pasar las horas y los días y desgranando de ellos aquello hasta ahora perdido, abandonado por miradas nerviosas, precipitadas, inquietas, sin capacidad de percepción. Esperar a que lleguen las sombras, que los brillos duerman, y los tonos suaves y envolventes se enlacen unos con otros para construir todo el paisaje, sin cortes, sin saltos, como un continuo en permanente y pausada transformación.

Esperar y, tal vez, con suerte, la melancolía nos alcance, signo de que el pensamiento se ha activado. Esperar y dejarse llevar porque «si quieres oír los murmullos», dice Hermann Hesse, también has de sufrir los aullidos, «eres un pájaro en medio de la tormenta ¡déjala rugir! ¡déjate llevar!».

Matar el pasado es deconstruirlo de tal modo que podamos, en ese esfuerzo, tomar conciencia de todo lo que desde siglos nos ha venido impuesto, significantes que determinan también nuestra individuación. En este camino, el objetivo principal es, como dice Michel Foucault, «rechazar lo que somos», crear nuevas subjetividades. Si el hombre no es realidad sino posibilidad, siguiendo a Heidegger, solo la construcción personal de la misma puede dar acceso a su libertad. Dejar en manos del poder lo que es, en esencia, su naturaleza es dejar de ser.

Roberto Batista

The series des-signación is part of the project Re-sistencia, considering the sistencia as an ontological category that deals with the beings’ experiences and expression. The prefix Re intensifies these actions and reaffirm the need of the human being to learn how to access the mystery of his being, of his own reality, and in time, to be open to other realities, those of the rest of the living beings and the world.

Des-signación is essentially an exercise of release. Our relation with things, with other beings and with the world is loaded with signs, of designations that others establish, that power prescribes as truths, signifiers that we end up assuming as norms or laws, which without being totally that, they directly condition as much as laws, but underhanded, masked, concealed, and erect walls in each epoch and delimit cohabitation, relations and freedom.

It becomes a priority to erase those traces, reconsider the paths marked by power, release some loads that, through history and culture, we have assumed and which hinder our movement, mostly because we already know that the human being has marked a clear and safe way towards self-destruction, in the sense of changing and modifying drastically the natural conditions that have made possible a type of life and relation with the planet and the universe during so many centuries. Looking exclusively at the future from the tortured present, acting like robots guided by so many signs and signifiers that basically respond to the interests of economic power, is simply to get carried away by that which the system proposes as a way out and a solution for the serious problems that it has generated. The greatest sign of failure, that we as human beings can admit, is to wait for the new signs created by power to orient our steps towards the future. It would be to go in depth, delve into and burden with everything that has placed us in this situation.

To this end, the first thing to do is to stop, try to de-signify all that determines our step, that has been presented to us as invariable, fixed and permanent. The des-signation is the first step to win, at least, certain areas of real freedom. At des-signying them, all the signs, that is to say the certainties, are questioned, by eliminating the dominant coat of intentionality, slaver, oppressive and controller with which power covers them. The certainties impose an ordinariness that calms us, soothes us, numbs us, holds us back, they tell us what we have to think and how we have to think about it. To de-signate situates us out of this scope, it separates us form the present, from the heavy air that immobilizes, from the comfort zone, from tendency, as Alberto Savino says: “to look for the simplest, to disregard obscurities (…) to make of life an interrupted series of vowels (…).” On the contrary, it brings us closer to an anchoritic position that, as Alberto Ruiz de Samaniego says, the flight of the anchorite to the desert “is less to yearn for a new life than for the death of the past: Evasion from one’s history. To break bonds represents breaking free from the chains that enslave us in the social domains.”

To de-signate requires, in the same way, to position oneself in a virginal space, as an initiatory metaphor, the beginning, natural state, dawn of civilization. Emancipating from the present “aeiouismo” that Savinio talks about. A space that allows us to re-write our own history, now lighter, with a certain nomad spirit. Less subjected to “sacred” entities, to concepts that are worthwhile giving one’s life. Knowing full well that the world cannot be changed, among other things because time is at a premium, because every time since a long time ago it is too late, as George Perec says, because nothing makes us think the contrary, we still have to, from the personal, create a light, mild and weightless space, in continuous transformation, without pivots strongly tied to the floor, without determinisms or idols to whom we should keep obeisance.

What is left is to retreat, be absent, dissociate, run away from the nets that the system extends and society ends up assuming as if this were the only viable possibility. What remains is to resist in spaces which because of their infinity, immensity and marginality, escape from

the scopes of control, nuclei of resistance, says Gianni Vattim, as those medieval monasteries where manuscripts were copied. To wait patiently because life, in addition, and most of all, can be void of an objective. To wait, to calm down because this is in itself a revolutionary attitude and, maybe, the greatest possible act of resistance. To abandon the straight trajectory, the continuous and accelerated advance, to go ahead without knowing where, as if carried away in the air by the social movement impulse by the capitalist system, by the system of industrial and technological world production.

To wait and do nothing, for, as Spinoza says: “Only when I can do nothing I can think it all.” We are in a moment of the history of humanity where we have to think it all and, moreover, we should not forget the great questions that we have been bringing up for three thousand years now, not so much as to find answers but rather to let them become the germs of new questions.

To wait, contemplate, look far away and maybe in this way we ask ourselves, as the narrator asks the character in Un Hombre Que Duerme

by George Perec, how is it possible that you haven’t “Known anything about what today is already inexorable,” “in what you call your history, haven’t you ever seen fissures?” In which world have we lived? Have I been able to raise a world of my own or have I simply lived in the one that has been dictated for me?

To wait. A serene waiting, says Heidegger and, thus perceive, as Herman Hess “certain humour from the air and the clouds, certain nuances in the colours or certain changes in the fragrance and moisture” and, from the same space, a space without places, the desertic and neutral space which Lefebvre talks about when he deals with Barthe’s Degree Zero, watching the hours and the days passing by and threshing what was lost from them until now, abandoned by the nervous looks, precipitated, disquiet, without the capacity of perception. To wait for the shadows to arrive, for the brightness to sleep, and the soft and enveloping tones become connected with each other to construct all the landscape, with no cuts, without leaps, as a permanent continuum and an unhurried transformation.

To wait, and maybe, luckily, melancholy can reach us, a sign that thinking has been activated. To wait and let go because “if you want to hear the whispering,” says Hermann Hess, you have to suffer the howling too, “you are a bird in the middle of a storm, let it roar! Let go!”

To kill the past is to deconstruct it in such a way that we could, in that effort, become aware of everything that has been imposed on us for some centuries now, signifiers that also determine our individualization. In this path, the main objective is, as Michel Foucault says “to reject what we are,” create new subjectivities. If human being is not reality but rather possibility, following Heidegger, only one’s personal construction can give access to one’s freedom. To leave, what is in essence, one’s nature in the hands of power is to stop being.

Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Watercolor on paper Acuarela sobre papel / 17,5 x 25,5 cm Foto: Š Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Watercolor on paper Acuarela sobre papel / 77 x 113 cm Foto: Š Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 55 x 144 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 56 x 145 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Watercolor on paper Acuarela sobre papel / 38 x 65 cm Foto: Š Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 36 x 65 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 43 x 73 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 57 x 132 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Watercolor on paper Acuarela sobre papel / 77 x 113 cm Foto: Š Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 39 x 72,5 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 71 x 135 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 32 x 60 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Watercolor on paper Acuarela sobre papel / 13 x 14 cm Foto: Š Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 76 x 110 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 35 x 60 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 35 x 60 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Watercolor on paper Acuarela sobre papel / 14,5 x 19 cm Foto: Š Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 76 x 110 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 55 x 73 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Watercolor on paper Acuarela sobre papel / 14 x 19 cm Foto: Š Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 110 x 110 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 110 x 110 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 35 x 66 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 39 x 72 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Watercolor on paper Acuarela sobre papel / 18 x 28,5 cm Foto: Š Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 38 x 66 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Oil on canvas Óleo sobre lienzo / 130 x 195 cm Foto: © Roberto Batista

Roberto Batista / S. T. de la serie Des-signación / 2019 Untitled, from the series Des-signación / Watercolor on paper Acuarela sobre papel / 17,5 x 25,5 cm Foto: Š Roberto Batista

MEDÍN MARTÍN Breña Alta, La Palma. 1955*

En 1972, inicia estudios de Dibujo Artístico, Pintura y Modelado en la Escuela de Arte de Santa Cruz de La Palma, para continuarlos más tarde en la Escuela de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife y San Fernando de Madrid, donde obtiene el título de profesor de Dibujo, especialidad de escultura, en 1978. Amplia estudios en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona en el curso 1978/1979.

En el año 1979, comienza su carrera docente, impartiendo la asignatura de Modelado y Vaciado (Volumen) en la Escuela de Arte Fernando Estévez de Tenerife. Ocupa la plaza definitiva por oposiciones en 1982, plaza que desempeña como Catedrático desde 2003 hasta su jubilación, en el año 2015.

Entre 1979 y 1983, imparte la asignatura de Estudios del Volumen en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna como profesor encargado del curso.

En 1981, presenta su Tesina para la licenciatura de grado en Bellas Artes, La madera; características y tratamiento.

En los años siguientes, participa en diversos cursos de Doctorado, destacando el titulado Evolución histórica de la fundición en bronce, impartido por el Dr. Eduardo Capa; asimismo asiste a diversos talleres de arte plástica, entre los que destaca el impartido por el escultor Jaume Plensa.

En la actualidad, desarrolla la actividad artística en Tenerife y realiza obras de encargo tanto para espacios públicos como privados. A la vez, lleva a cabo una labor de investigación y creación personal basada en el estudio de las formas orgánicas y su relación con el entorno y el mundo natural, así como su conexión con la geometría, aunando lo orgánico y lo geométrico. (…) acuñar la nada para dejar una impronta material del sueño es tarea propia de escultor (...). Con estas palabras del escritor Rafael Arozarena, recogidas en el texto de la exposición individual Cajas y Troqueles (1997, Galería Magda Lázaro), se quiere conectar con las últimas propuestas escultóricas que están basadas tanto en la reflexión de lo cotidiano como en estudios de nuestro acontecer histórico.

Idea que expresa en forma de pequeño homenaje, como la exposición a María Belén Morales, 9X90 (2019, Espacios Culturales, Universidad de la Laguna y Ayuntamiento de Tacoronte), o en series escultóricas, como Mirando el Cielo (2017, espacio Bronzo), Frutos Efímeros (2018, Sala Fleming 4) o Atrapa (última serie).

En especial la madera, que a veces se mezcla con otros materiales, sigue siendo el medio que le permite realzar y transmitir los valores que mueven y sostienen la existencia y evolución humana.

MEDÍN MARTÍN Breña Alta, La Palma. 1955*

In 1972, he begins his studies of artistic drawing, painting and modeling at the School of Art in Santa Cruz de La Palma, to continue later at the School of Fine Arts in Santa Cruz de Tenerife and San Fernando in Madrid, where he obtains the title of Drawing teacher, sculpting specialization in 1978.

He widens his studies at the Faculty of Fine Arts in Barcelona during the academic year 1978-1979.

In 1979, he starts his career as a teacher, teaching Modeling and Casting (Volume) at the School of Art Fernando Estévez in Tenerife. He gets his definitive post there through a civil service exam in 1982, a post that he performs as a professor ever since 2003 till he retires in 2015.

Between 1979 and 1983, he teaches the subject Studies of Volume as the professor in charge of the course at the Faculty of Fine Arts in the University of La Laguna. In 1981, he presents his Dissertation about La Madera; características y tratamiento (Wood: Characteristics and treatment) for his bachelor’s degree in Fine Arts.

The following years he participates in diverse Doctorate courses, highlighting the one titled Evolución histórica de la fundición en bronce, imparted by Dr. Eduardo Capa. He also attends diverse workshops of visual arts, among which be singled out the course imparted by the sculptor Jaume Plensa.

Currently, he carries out an artistic activity in Tenerife and he makes commissioned works for public and private spaces. At the same time, he carries out a research work and personal creation based on his studies on the organic forms and their relation with the environment and the natural world, as well as their connection with geometry, bringing together the organic and the geometric. (…) coining nothingness in order to leave a material impression of the dream is the sculptor’s own task.(…). With these words by the writer Rafael Arozarena, gathered in the text for the artist’s individual exhibition Cajas y Troqueles (1997, Galeria Magda Lázaro), the artist wants to connect the latest sculptural proposals that are based on the reflection about the daily life as much as on the studies of our historical happenings, an idea that expresses in the form of a little homage , as María Belén Morales’s exhibition, 9X90 (2019, Espacios Culturales, Universidad de Laguna y Ayutamiento de Tacoronte), or in sculptural series, as Mirando el Cielo (2017, Espacio Bronzo), Frutos Efímeros (2018, Sala Fleming 4) or Atrapa (The latest serie).

Especially wood, that sometimes is mixed with other materials, still is the media that allows the artist to enhance and transmit the values that move and sustain human existence and evolution.

ROBERTO BATISTA Villa de Mazo, Santa Cruz de Tenerife, 1954* Licenciado en Bellas Artes.

Ha sido profesor de Pintura en La Facultad de BBAA de Santa Cruz de Tenerife, y de Educación Plástica y Visual en Secundaria. Durante 30 años, combina la labor pedagógica con la artística. A partir de 2011, se dedica plenamente a su actividad artística.

Desarrolla su trabajo en la ciudad de San Cristóbal de La Laguna, donde tiene su estudio y residencia habitual, siendo la pintura el medio expresivo con el que más identificado se siente y que siempre ha formado parte de su itinerario artístico -óleo, acrílico, acuarela y grafito son procedimientos generalmente presentes en su obra-. También la fotografía ocupa un importante espacio en su quehacer artístico.

Los temas recurrentes en su obra, especialmente a lo largo de los últimos veinte años, han sido la huella, los espacios de confluencia y sus transformaciones, la pérdida de identidad, los espacios artificiales, el olvido y la indiferencia, lo residual, el lugar como ausencia, la relación con la naturaleza como hábitat y el cosmos como interrogante, las perspectivas truncadas, la mente conquistada y la conciencia perdida.

Plantea el trabajo en series como una forma de utilizar diferentes palabras y establecer distintos razonamientos para hablar de las mismas preocupaciones, esas que forman parte de su ideario personal. Un modo de comunicar las mismas ideas que subyacen como depósito de aquello que en él la realidad va generando.

Después de series desarrolladas tomando como referente visual la creación de atmósferas envolventes en las que las formas tendían a perder su identidad, como una especie de filtro que conducía lo particular a su pérdida de identidad (Silencio, Salinas, Nada, Testigo y Confín), el trabajo actual se centra en un constante proceso de deconstrucción que pretende convertir la imagen en un espacio difuso y, por ello, abierto a infinidad de interpretaciones. Sus dos proyectos en marcha, PASSAROLA, sobre textos de José Saramago y RE-SISTENCIA, indagan en los parámetros que, como condicionantes sociales, coartan nuestra existencia. En el primer caso, guiado por los pensamientos del nobel portugués y, en el segundo, recién comenzado, considerándolo como un proyecto de más amplio recorrido, producto de una indeterminada red de relaciones que, de la mano de los referentes personales, conformen a lo largo de los años un discurso abierto, incompleto, lleno de interrogantes, reflejo de un mundo fragmentado que precisa meditación, introspección, deconstrucción.

Una existencia digna y humana solo es posible desde la resistencia. Resistir al presente, como dice Deleuze, a la confusión y el desorden de la actualidad, y hacerlo desde el recogimiento, la reflexión y la toma de conciencia, desde la profundidad de lo marginal.

ROBERTO BATISTA Born, Villa de Mazo, Santa Cruz de Tenerife, 1954* A Degree in fine arts from the University of La Laguna

He has been a professor of Painting at the Faculty of Fine Arts in Santa Cruz de Tenerife and of Plastic and Visual Education in Secondary Education. For 30 years he has combined pedagogical and artistic work and of 2011 he is now fully dedicated to his own artistic activity.

He develops his work in the city of San Cristóbal de La Laguna, where he has his studio and habitual residence. Painting is the expressive medium he feels most identified with and it has always been part of his artistic journey. Oil, acrylic, watercolor and graphite are procedures which are generally present in his work with photography also occupying an important space.

The recurrent themes in his work, especially over the last twenty years, have been the footprint, the confluence of spaces and their transformations, the loss of identity, artificial spaces, oblivion and indifference, the residual, the place as absence, the relationship with nature as a habitat and the cosmos as a question. The perspectives truncated, the mind conquered and the consciousness lost.

He raises the work in series as a way to use different words and establish different reasoning to talk about the same concerns, those that are part of his personal ideology. A way of communicating the same ideas that underly as a repository of what reality generates in it.

After the series was developed taking as a visual reference the creation of enveloping atmospheres in which the forms tended to lose their identity, as a sort of filter that led the particular to its loss of identity (Silence, Salinas, Nada, Witness and Confín) The current work focuses on a constant process of deconstruction that aims to convert the image into a diffused space and therefore is open to many interpretations.

His two ongoing projects; “PASSAROLA, on texts by José Saramago” and “RE-SISTENCIA”, explore the parameters that, as social constraints, restrict our existence. In the first case, guided by the thoughts of this Portuguese nobel and in the second considering it as a project of a more extensive journey, the product of an indeterminate network of relationships that from the hand of personal reference conform over the years to an open discourse, incomplete, full of questions, a reflection of a fragmented world that requires meditation, introspection and deconstruction.

A dignified and human existence is only possible through resistance. As Deleuze said resist the present, the confusion and disorder of today and do it through recollection, reflection and awareness, from the depth of the marginal.

EXPOSICIÓN / EXPOSITION 24 enero - 27 marzo / 24 January - 27 March

2020

C/ Salvador Manrique de Lara, s/n, 35640 La Oliva, Fuerteventura Las Palmas, Canarias, España Tel. 616 531 930 / 928 868 233

GERENTE / MANAGER Belinda Delgado PRESENTACIÓN / PRESENTATION María Eugenia Padrón San Juan ARTISTAS / ARTISTS Medín Martín www.medinmartin.com

Roberto Batista www.robertobatista.com

CATÁLOGO / CATALOGUE EDICIÓN / EDITION

DISEÑO Y MAQUETACIÓN / GRAPHIC PROJECT

Medín Martín - Roberto Batista

Roberto Batista FOTÓGRAFOS / PHOTOGRAPHS Dani Martín - Roberto Batista

CORRECCIÓN DE TEXTOS / CORRECTION OF TEXTS María Eugenia Padrón San Juan TRADUCCIONES / TRANSLATIONS Violetta Jojo Verge Presentación - Atrapa - Des-signación - Biografía de Medín Martín / Presentation - Atrapa - Des-signación - Medín Martín biography

Queila Batista Biografía de Roberto Batista / Roberto Batista biography

IMPRESIÓN / PRINTING Makarográfica

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Edición enero 2020 / Edition January 2020