Rockaxis #141 by Rockaxis

Enero 2015 rockaxis.com

Revisamos la historia de la banda, la personalidad de Dave Grohl, su documental â&#x20AC;&#x153;Sonic Highwaysâ&#x20AC;? y exclusiva con Taylor Hawkins.

SUMARIO ROCKAXIS 141

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Dave lo explica todoida v Enseñanzas de hl ro de Dave G

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Dirección general:

Alfredo Lewin Cote Hurtado

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“

EDITORIAL

20 años, hemos estado haciendo esto por 20 años exactamente. Un 17 de octubre de 1994 entré en un estudio en Seattle y grabé varias canciones yo solo. Estas canciones eventualmente se convertirían en Foo Fighters. En estos 20 años hemos estado en todas partes, en todo el mundo, pero siempre es “un día acá, un día allá”. Nunca tenemos la oportunidad de sentir una vibra de los lugares en los que nos encontramos y de lo que tienen para ofrecernos. Asi es que para nuestro vigésimo aniversario decidimos hacer del proceso creativo algo novedoso, algo que nunca hubiéramos hecho antes…”-Dave Grohl (noviembre de 2014). Todo fue inspirado por la idea de que el ambiente en el que grabas un disco resulta una influencia directa del sonido. No es solo el estudio, es la gente y la historia del lugar que lo contiene. Grohl declara que al escuchar sus discos anteriores recuerda todo de la “experiencia”, es como escuchar los recuerdos. Por eso el líder de los Foo Fighters piensa que si todos nosotros supiéramos más de la gente y de los lugares en que la música es registrada estaríamos más conectados a la misma, como un todo. Así fue como Foo Fighters se propuso buscar inspiración en aquellas grandes ciudades de los Estados Unidos, relacionándose con músicos, productores y dueños de estudio para deducir qué los inspiraba a ellos. Porque todo viene de alguna parte. Como es muy possible, quizá hayas leído una buena cantidad de venenosas críticas dirigidas a la que se convirtió en la nueva serie documental musical de HBO, “Sonic Highways”. Las acusaciones han sido del orden de “respetabilidad por proximidad” hasta “nada más que la promoción para el nuevo disco de los Foo Fighters”. ¿Un truco barato? No lo creemos así después de pensarlo un mes y medio y haber visto las ocho entregas de la serie. Parte del asunto es demasiado sobre lo que conoce Dave Grohl en cada ciudad -o a quien conoce- en lugar de la pura y dura historia musical del lugar. Las omisiones a veces son bien rudas, sin embargo, ésta no es la columna para desarmar la tremenda construcción de estas carreteras sónicas. Claro que podríamos prescindir del “detalle” de que todos los episodios terminen con una canción Foo Fighters. ¿Pero qué le vamos a hacer? Es Foo Fighters, la banda que hace unos años se sugirió como la cara más reconocible del rock actual. Y si hay un rostro y un contacto, ése es justamente el de Dave. Con cualquier serie de defectos que pueda tener, Foo Fighters ideó un concepto de hacer un álbum como nunca antes se había hecho, de canciones inspiradas en un lugar diferente de un país que es en realidad uno y de un sonido que las unifica al final. ¿Cómo no valorar en “Sonic Highways” los primeros recuerdos de los pioneros punk norteamericanos, las historias de los ingenieros de sonido de antaño, los comienzos de Chess Records en Chicago o el Club 09:30 en Washington? ¿Cómo no valorar el aprender cosas de las que no teníamos idea de ciudades tan ricas como Austin y New Orleans? No había sido hace mucho que Dave Grohl nos sorprendió con su debut como director en su película, “Sound City” -un documental que relata la historia de un solo estudio de grabación, donde se dio cuenta del poder de la música y el documental juntos. Y de verdad es que frente al esfuerzo audiovisual desplegado en “Sonic Highways” la misma música puede parecer hasta uni-dimensional. Es impresionante como Grohl hoy está al tope de sus condiciones (y recursos ejecutivos) y juega a ser antropólogo cultural con el mismo entusiasmo con el que toca la batería o compone letras. Lo que se agradece de “Sonic Highways”, la aventura documental, es verlo y entender que hay una razón por la que el jazz vino de Nueva Orleans, lo mismo el country en Nashville o el blues en Chicago. Y solo un tipo como Grohl pudo haber tenido la oportunidad de entrevistar a tanta gente para contar una historia que se remonta a casi todo el siglo XX y que nos ha tocado a todos. Este número es un especial de Foo Fighters con las opiniones de fans de Chile y Colombia sobre la llegada del grupo, una revisión a su discografía y videografía, revisión capítulo por capítulo de este mentado “Sonic Highways”, los 20 años del debut homónimo de la banda; más notas aclaratorias sobre quien diablos es “Dave Grohl”. ¿Lo conoces? Te invitamos a hacerlo.

BACKSTAGE REDES

Rockaxis

¿Cuántos quieren de regalo una entrada a Lollapalooza Chile 2015?

Lo que se dice en TWITTER ‘Mad Beans’ Hooper (@CoreyTaylorRock)

Estoy comenzando una petición para que declaremos el sarcasmo como una lengua distinta, porque pocas personas la usan e incluso menos personas la entienden.

(7 de diciembre)

Gerald Casale (@Gvc3Casale)

Chile estuvo en llamas! Gracias Santiago por ser tan buenos anfitriones. Los fans fueron los mejores!

(10 de dic.)

The Darkness (@thedarkness)

Nuestra nueva baterista no es una comediante iconica británica, @almurray es una increíble fuerza de increíble talento

(20 de dic.)

realjohndolmayan

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(John Dolmayan de System of a Down)

(Jesse Leach de Killswitch Engage)

REDES SOCIALES

ROckaxis rockaxiscontodo facebook.com/rockaxisonline youtube.com/rockaxistv vimeo.com/rockaxistv flickr.com/rockaxistv

De vuelta a la primera consola en que grabé

Grabando voces para un “secreto” de último minuto de Killswitch Engage. Emocionado! #AdamD en controles, va a ser una noche larga!

BACKSTAGE Estoy toy a aquí para decirte, d cirte Gene, que equivocado. Te estás eq digo que el rock está vivo y pateando. Mi nombre es Brian, ¿cómo te va? Brian Johnson de AC/DC en relación a los dichos de Gene Simmons de Kiss sobre la muerte del rock

139.000

Copias de “The Endless River” de Pink Floyd, se vendieron en su primera semana de lanzamiento en el Reino Unido

Karen O confirmó en una entrevista que Yeah Yeah Yeahs está en receso: “Estamos como en una pausa en este momento, así que no tenemos nada. Tenemos que esperar a sentir la urgencia, la picazón. El momento necesita ser el adecuado y estamos de acuerdo en esperar eso, creo”. De momento, los tres integrantes de Yeah Yeah Yeahs han estado ocupados. Karen O en promocionar “Crush songs”, el guitarrista Nick Zinner en diversos proyectos artísticos y colaborativos, al igual que el baterista Brian Chase. El pasado 22 de diciembre, falleció Joe Cocker. El representante del músico nacido en Sheffield, Inglaterra, dio a conocer la noticia a través de la BBC, donde señaló que la causa de la muerte fue un cáncer de pulmón, enfermedad que el cantante batalló durante años, dando la última pelea a los 70 años. Visitó nuestro país en dos oportunidades, la última de ellas en marzo de 2012, en el Movistar Arena.

través de un llamado en nuestro sitio, los lectores de Rockaxis eligieron lo mejor de la temporada pasada en rock, metal, vanguardia y xcore. Éstas fueron sus opciones. ROCK Pink Floyd - “The endless river” AC/DC - “Rock or bust” Damon Albarn - “Everyday robots” Mastodon - “Once more ‘round the sun” Royal Blood - “Royal blood” The Black Keys - “Turn blue” Beck - “Morning phase” Robert Plant - “Lullaby and... the ceaseless roar” Slipknot - “.5: The gray chapter” Anathema - “Distant satellites” Black Label Society - “Catacombs of the black vatican” Brody Dalle - “Diploid love” Foo Fighters - “Sonic highways” Interpol - “El pintor” Kasabian - “48:13” Mac DeMarco - “Salad days” Mark Lanegan - “Phantom radio” The Vines - “Wicked nature” Weezer - “Everything will be alright in the end”

METAL Judas Priest - “Redeemer of souls” At the Gates - “At war with reality” Opeth - “Pale communion” Accept - “Blind rage” Behemoth - “The satanist” Exodus - “Blood in blood out” Machine Head - “Bloodstone and diamonds” Obituary - “Inked in blood” VANGUARDIA Bigelf - “Into the Maelstrom” Mogwai - “Rave tapes” Unisonic - “Light of dawn” XCORE Eterna Inocencia - “Entre llanos y antigales” Lagwagon - “Hang” Rise Against - “The black market”

Chris Broderick rompió el silencio para explicar su salida de Megadeth. Contrario a lo que muchos esperaban, el músico descartó problemas con el conjunto, aclarando que el motivo fue que “Simplemente era el momento. Estuve en Megadeth por siete años y realmente quería ser capaz de tener esa libertad creativa para escribir cualquier cosa que quisiera, ir a cualquier parte que quisiera y dirigir mi propio rumbo”. Además, la renuncia del baterista Shawn Drover le ayudó a hablar con David Ellefson y Mustaine, para no entorpecer la grabación de un próximo disco. Sobre la reacción del líder, “Él estaba definitivamente decepcionado... No es algo que él deseara oír o algo así”. Luego de ser una carta segura para el primer trimestre, la esperada gira de The Rolling Stones por Sudamérica se habría movido para fines de 2015. Reportes desde Brasil aseguran que el legendario conjunto inglés está cerca de cerrar sus presentaciones en el Cono Sur. En dicho país, los conciertos se harían entre los días 15 y 24 de noviembre, en Sao Paulo, Rio de Janeiro y Porto Alegre. En esta oportunidad, las negociaciones tienen un punto irrenunciable: si surge un imprevisto, no habrán nuevas fechas y todo se suspende.

BACKSTAGE

Los discos que pasaron lejos de nuestro radar… GARY CLARK JR. LIVE

¿Qué? Devo lanzará el registro en vivo “Hardcore Live!” en Blu ray ¿Cuándo? 10 de febrero ¿Dónde? Tiendas y sitios web especializados

The Tea PARTY THE OCEAN AT THE END

Editado el 23 de septiembre de 2014 Sello: Warner

Editado el 8 de septiembre de 2014 Sello: Anthem Entertainment

La estrella del blues rock contemporáneo, Gary Clark Jr., lanzó casi a fines de 2014 un registro en vivo que demuestra tanto su poderío en el escenario como el alma que pone en sus canciones. El hombre de Austin, Texas, repasa covers como ‘Three O’Clock Blues’ de Lowell Fusion, y ‘Catfish Blues’, un estándar del Delta, junto a lo mejor de su álbum “Blak and Blu”, que lo catapultó como la figura esencial de la música del alma del nuevo milenio. El registro doble es incendiario y da cuenta de la fuerte influencia de Steve Ray Vaughan y Jimi Hendrix en Clark, pero con su propia mirada.

“The Ocean at the End” es el octavo disco de estudio de la banda canadiense The Tea Party, y el primero desde que la banda se reuniera en el 2011. Este trabajo apareció una década después de “Seven Circles”, y prueba que a pesar de la separación, el fuego siguió vivo. El album sonoramente atraviesa las influencias orientales, hasta un poco de electrónica y estructuras más pop. Pero, en la sumatoria, los doce temas son unidos por una potencia contagiosa, que exclaman atemporalidad. Para los fanáticos, valió totalmente la espera, y para los neófitos, sirve como una introducción muy apropiada al catálogo de Jeﬀ Martin, Stuart Chatwood y Jeﬀ Burrows.

SANTANA CORAZÓN

Editado el 6 de mayo de 2014 Sello: Sony

¿Qué? King Crimson lanzará un disco en vivo llamado “Live at the Orpheum” ¿Cuándo? 27 de enero ¿Dónde? Tiendas y sitios web especializados

Santana continúa con la fórmula que lo ha hecho comercialmente llamativo en el último tiempo: canciones pegadizas con una lista de nombres que han figurado en el mundo pop reciente, desde Romeo Santos a Pitbull. En este disco, interpreta versiones de clásicos en español como ‘Mal bicho” de Los Fabulosos Cadillac junto a Flavio Cianciarullo, ‘La flaca’ de Jarabe de Palo, interpretada junto a Juanes y una extremadamente plástica versión de ‘Oye’, entre otras. No se niega la calidad de Carlos Santana como guitarrista, pero sí cuánto está dispuesto a sacrificar artísticamente en pos de la presencia en los rankings. En eso no ha fallado, e incluso este disco vendió más de 120 mil copias en su debut en el mercado norteamericano.

ENO DE ROCK!

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BACKSTAGE MI COLECCIÓN

Director de mktn. Casa Amarilla

MI COLECCIón BACKSTAGE

Pese a que a primera vista la colección de Mauricio Dell no es necesariamente llamativa, cuando se empieza a hurgar y revisar cada uno de los vinilos, se abre una historia diferente con cada uno ellos. Los álbumes que posee en algún momento pertenecieron a amigos suyos que dejaron el país y que confiaron en que Mauricio cuidaría y atesoraría cada una de sus piezas. Casi todos son ediciones de los setenta y ochenta, ediciones originales, que pasan desde el rock progresivo (Fred Firth, Yes) a un sonido rocanrolero más directo (Aerosmith, AC/DC). Algunos de sus favoritos son rarezas como la que muestra acá, “The History and Collected Improvisations

of Frank Zappa and The Mothers of Invention”, una colección de cinco vinilos, sin numerar, diferenciados solo por colores y que fue distribuido solo para las radios norteamericanas, y que fue adquirido por un amigo cercano que luego se lo obsequió; así como “Shut Up ‘n Play Yer Guitar” también de Frank Zappa y “Guitar Solos” de Fred Firth, su único vinilo autografiado. Dice que no es de los que se ha subido al carro de la moda de las 33 rpm, y que su único disco “nuevo” es “Sky Blue Sky” de Wilco. El resto, solo clásicos. Texto: María de los Angeles Cerda Foto: Ignacio Gálvez

BACKSTAGE CASI FAMOSOS

PRODUCTOR El californiano cuenta con la reputación de haber descubierto a bandas como At The Drive-In, Korn, Slipknot y Limp Bizkit. Acá revisamos parte de sus hitos. 1991 En ese año, realizó su primer trabajo como productor, en el disco “Concrete” de Fear Factory. Había ganado experiencia tras las perillas grabando con sus propias bandas thrash metal, Detente y Murdercar, y como ingeniero asistente en el disco conceptual de W.A.S.P, “The Crimson Idol” (1993).

Piel de gallina Eso es lo que busca Robinson cada vez que termina de grabar un disco. Por eso, ha tenido la fama de ser tenaz, incluso arroja objetos a los músicos con tal de conseguir el objetivo.

3 discos ha producido para Korn, incluyendo su álbum debut (el homónimo de 1994), “Life is Peachy” de 1996, y el reciente “Remember Who You Are” (2010).

Jonathan Davis lo responsabiliza por su recaída en sentimientos depresivos y suicidas. “Incluso mi siquiatra estaba chato de Ross –mencionó Jonathan Davis para la salida de ‘Remember Who You Are’- cuando le mostré las letras, me las sacaba en cara, se metió en mi cabeza, me hizo sentir mal. No hablé con él como por tres meses, pero me di cuenta de lo que había hecho y cómo repercutió en el disco y finalmente, lo llamé para decirle gracias”.

BACKSTAGE Los discos favoritos del equipo de Rockaxis del último mes Alfredo Lewin I “Rock or Bust” (2014) de AC/DC.

Esta podría ser la primera concesión a la edad que hoy tiene el quinteto australiano. Tipos viejos que quieren hacer temblar tus cimientos, no repetir “Back in Black” precisamente. Y con unos aires algo ochenteros lo lograron, cuando nadie lo veía venir. Cuando fue más difícil.

Cote Hurtado I Box Set (2014) de Weichafe. ¿Qué? Mad Season se presentara en vivo con Chris Cornell y Duff McKagan ¿Cuándo? 30 de enero ¿Dónde? Seattle

Disfrutando nuevamente la discografía del mejor power trio Chileno.

Maria de los angeles Cerda I “Freedom of Choice” (1980) de Devo.

Disfruté muchísimo el concierto debut de los norteamericanos en Chile y no he podido dejar de escucharlos una y otra vez. No hay amalgama como la de ellos, entre una propuesta inteligente pero a la vez lúdica.

Francisco Reinoso I “The Artist In The Ambulance” (2003) de Thrice.

Las virtudes de Bad Religion y Metallica amplificadas en una vocación hímnica sobresaliente. La inminente reunión del cuarteto es la razón perfecta para rememorar la clase de uno de los mejores álbumes que el rock americano facturó a principios de siglo.

¿Qué? Papa Roach lanzará “F.E.A.R”, su octavo disco de estudio ¿Cuándo? 27 de enero ¿Dónde? Tiendas y sitios web especializados

Jean Parraguez I “Monuments to an elegy” (2014) de The Smashing Pumpkins. Hay que aceptarlo: los mejores momentos de inspiración no aparecen desde hace mucho, pero no por eso hay que menospreciar a “Monuments to an elegy”. Melódico hasta decir basta, Billy Corgan se ilumina en nueve canciones de corta duración, aunque de largo alcance.

Hector Aravena I “Live” (2014) de The Thing & Thurston Moore.

En solo dos extensos tracks, la banda logra hacer una completa apología de lo que es improvisar en el mundo del noise y el avant-garde. Ruidismo apocalíptico, caos ordenado por la intuición, aventura sin tapujos con el sonido, instrumentos llevados al máximo de sus posibilidades.

CLAUDIO TORRES I “Blood for the Blood God” (2014) de Cruachan.

Tremendo es reencontrarse con una agrupación irlandesa que le inyecta un fuego más oscuro a su música, las raíces del folclore celta se entrelazan con la fuerza del black metal del norte de Europa. Los de Dublin viven en colores una propuesta única y ancestral donde al final la historia se escribe con sangre.

¿Qué? Sleater Kinney editará “No Cities to Love” ¿Cuándo? 20 de enero ¿Dónde? Tiendas y sitios web especializados

Cristian Pavez I “The Best Of Foreigner 4 & More” (2014) de Foreigner.

Los discos en vivo poco tienen que aportar en el mundo audiovisual de hoy, pero Foreigner hace la excepción a la regla, con un disco de sólido hard rock que muestra toda la potencia de su actual encarnación, donde una vez más el vocalista Kelly Hansen borda los clásicos de la banda y los lleva a una nueva y mágica dimensión.

BACKSTAGE EN EL ESTUDIO

EN EL ESTUDIO BACKSTAGE

Finalmente y tras una espera de casi siete años, el nuevo disco de Fiskales Ad Hok camina a paso seguro. En diciembre, la banda grabó batería, bajos y guitarras en los estudios Audiocustom bajo la supervisión de Sebastián Puente (Nuclear). “Hicimos una mini pre producción con Seba semanas antes de entrar a grabar. De 17 temas dejamos 11 originales y un cover de los Smiths para ‘Sweet and Tender Hooligan’ que quizás saquemos aparte con algún single, no lo tenemos claro”, afirma el cantante Álvaro España. El proceso para este álbum fue bastante atípico. Primero por el trabajo a distancia con Roli Urzua (bajista), quien hace un buen tiempo está radicado en el sur, también por el hecho de trabajar con una nueva dupla de guitarristas: Jaime Alarcón (Curasbún) y Pollo (Malgobierno). España aclara la dinámica de esos meses para dar forma al repertorio. “El Roli grababa maquetas y nosotros las cachábamos acá con el Seba y el resto del grupo. Nos juntábamos cada 15 días para repasar los temas. Jaime es seco, un gran compositor y el Pollo va a todas las paradas”.

La visión de Sebastian Puente fue fundamental a la hora de afinar las ideas previas a entrar a grabar. “Todas esas juntas en la sala de ensayo me aclararon la película para abordar el disco. Luego de un par de ensayos, decidí grabarlos en vivo, todos juntos tocando. Efectivamente, el metrónomo es de gran ayuda, pero al compartir con Fiskales en esas sesiones, percibí que ellos hacían cosas increíbles en el momento y no quería perder ningún detalle. Resultó todo súper bien”, cuenta el también guitarrista de Nuclear. El álbum se llama “El flagelo” y coincide con el espíritu de vida que la banda ha defendido a lo largo de su historia: “tiene que ver con lo rancios que somos nosotros dentro de una forma positiva (risas). Somos unos huevones felices. Estamos mucho más prendidos que otros locos de nuestra edad que se los comió el sistema y están hechos mierda”. La salida de este trabajo está prevista dentro del primer semestre de este año. Por Francisco Reinoso Foto: Ignacio Galvez

BACKSTAGE PLAYLIST

Youwouldn’tlikemewheni’mangry’

‘Broken As Me’

‘

de Thom Yorke

El hombre de Radiohead dio que hablar durante el 2014 con el lanzamiento del disco “Tomorrow’s Modern Boxes” a través de Bittorrent, y continúa exponiendo su último trabajo con este tema, que pertenece a la versión de Bandcamp de este trabajo. La pieza continúa en la senda experimental electrónica del inglés.

de Papa Roach

El grupo encabezado por Jacoby Shaddix lanzará el 27 de enero el álbum “F.E.A.R.”, que sería a la fecha el disco más incendiario de la banda, aunque se alejan de la crudeza de las composiciones de los inicios. Éste es su tercer adelanto. (Escúchalo en youtube.com/watch?v=X_zuC4rVvq8)

‘The Wrong Year’

(Escúchala en thomyorke.bandcamp.com/track/youwouldntlikemewhenimangry)

Megatron’

‘

de Crazy Town

Los angelinos terminaron su receso de más de una década preparando lo que será su nuevo trabajo de estudio, “The Brimstone Sluggers”, que saldrá el 27 de enero. La canción ‘Megatron’ funciona como avance de este tercer disco de los californianos.

de The Decemberists

The Decemberists siguen preparando el lanzamiento de “What a terrible world, what a beautiful world”, su próximo álbum, del que se desprende este tercer adelanto. Después de dar a conocer ‘Make you better’ y ‘Lake song’, Colin Meloy y los suyos se atreven con ‘The wrong year’, que se sumerge en el folk. El sucesor de “The king is dead” aparecerá 19 de enero. (Escúchalo en youtube.com/watch?v=98XFrVREkm8)

(Escúchala en youtube.com/watch?v=wHqNJxfMBF8)

‘Una extrana sensación’

‘Uncontrollable Urge’

de Emociones Clandestinas

de Devo

El conjunto norteamericano se alista para lanzar el 10 de febrero un registro en vivo llamado “Hardcore Live!”, grabado en Oakland, California, durante una gira que revivió canciones que estuvieron más de treinta anos sin ser interpretadas en un escenario. Este es el adelanto. (Escúchala envimeo.com/113966181)

El grupo enfrentado por Yogui Alvarado rompió su silencio el pasado mes de diciembre, presentando en vivo este nuevo single que se incluirá en su eventual nuevo disco de estudio. El tema es un retrato de la bohemia de Concepcion, la ciudad que aloja al conjunto. (Escúchalo en soundcloud.com/emociones-clandestinasch/01-emociones-clandestinas-una-extrana-sensacionsingle-2014)

ENERO

Gaz Coombes

Gang of Four

26 de enero

24 de febrero

Matador

Funeral for a Friend

Torche

27 de enero

24 de febrero

Chapter and Verse

Restarter

A Place to Bury Strangers

Europe

17 de febrero

2 de marzo

Transfixiation

War of Kings

Scorpions

Noel Gallagher’s High Flying Birds

20 de febrero

2 de marzo

Return to Forever

What Happens Next

Chasing Yesterday

Marilyn Manson The Pale Emperor 20 de enero

Después de varios meses de votación, el Salón de la Fama del Rock and Roll entregó los nombres que serán inducidos, destacando el ingreso de Lou Reed como solista (antes lo había hecho con The Velvet Underground) y Green Day, junto a Ringo Starr ,The “5” Royales, The Paul Butterfield Blues Band, Joan Jett & the Blackhearts, Stevie Ray Vaughan & Double Trouble, yBill Withers. Dentro de los nominados que quedaron fuera, sorprenden los casos de Nine Inch Nails, The Smiths y Sting. La ceremonia de ingreso se hará el 18 de abril, en Cleveland, Ohio.

Def Leppard ha dedicado gran parte de este año a componer su próximo trabajo. La banda ha confirmado recientmente su regreso al estudio para terminar la grabación. El vocalista Joe Elliot está confiado en el proceso, lento pero seguro, asegurando que el material estaría listo para mediados de año. Por su parte, el baterista Rick Allen dice que la agrupación cuenta con 16 o 17 buenas canciones en las que el guitarrista Vivian Campbell ha tenido una gran participación, luego de estar en tratamiento para el Linfoma de Hodgkin. Weichafe estrenó un tema que se incluirá en su próximo disco de estudio. La canción lleva por título ‘Incendiando infiernos’ y se puede encontrar en Portaldisc.com. Ésta es la primera grabación del conjunto desde su separación en 2009. John Lydon descartó reunión con Sex Pistols. El músico estuvo en la Universidad de Oxford, promocionando su autobiografía “Anger is an energy”. Ahí se produjo una rueda de preguntas, en donde se le preguntó si consideraría reunir otra vez a los creadores de ‘Holidays in the sun’, fue enfático y divertido: “Oh, no, eso ya está finiquitado. Quiero decir, ¿nos has visto? Todos estamos en nuestro peso pero el Señor Jones (Steve, guitarrista) está llegando a las 500 libras”. Sex Pistols está inactivo desde el 2008, cuando ofrecieron una serie de conciertos en varias partes del mundo.

IMPERDIBLES

Foo Fighters

15 de enero Pista Atlética del Estadio Nacional El conjunto liderado por Dave Grohl se presentará por segunda vez en Chile, tras su debut en Lollapalooza 2012, para msostrar su último álbum, “Sonic Highways”. Prometen que el show se extenderá, al menos, por tres horas.

The Sirens

(Anneke Van Giersbergen, Liv Chrstine, Kari Rueslatten) 3 y 4 de febrero Teatro Nescafé de Las Artes El proyecto formado por las reconocidas vocalistas estarán visitando territorio sudamericano interpretando canciones de su catálogo, desde The Gathering a Theatre of Tragedy y The #rd and the Mortal.

Festival Latitud Sur

Anathema

4 de febrero Teatro Caupolicán El conjunto inglés vuelve a nuestro país para presentar su nuevo álbum, “Distant Satellites”, que cruza desde las sonoridades de Radiohead a Pink Floyd. Apto para melancólicos.

7 y 8 de febrero Pichilemu Febrero será un mes distinto en las playas de Pichilemu, porque la primera versión del FESTIVAL LATITUD SUR debutará con diferentes escenarios, feria de música, zona de camping y un diverso cartel artístico. Pasarán músicos como Los Tres, Los Jaivas, Manuel García y Weichafe.

FUTURA ADVERTENCIA

TWIN PEAKS TENTADOS DE LA RISA

on 20 años de edad en promedio, los integrantes del cuarteto Twin Peaks se perfilan como nuevos héroes de la activa escena garajera de su natal Chicago, donde se conocieron cuando iban en la enseñanza media. Pese a su juventud, cada uno llevaba cerca de un lustro participando, en calidad de público o músico, del estimulante circuito de tocatas caseras de la Ciudad de los Vientos, lleno de lugares que facilitan la transición de bandas nuevas desde sótanos o piezas hasta escenarios formales. En tiempo récord, se convirtieron en los niños prodigio de la comunidad DIY local y aprendieron el oficio de presentarse en vivo. De hacer show. Su exultante ímpetu incluso se ha tornado problemático: durante el último festival Pitchfork, el guitarrista Clay Frankel rompió su instrumento y empezó a lanzar trozos al público; los guardias le prohibieron que siguiera y el grupo tuvo que disculparse ante una audiencia hipster poco habituada al salvajismo. Para ellos, fanáticos de los escatológicos conciertos de Black Lips (abundantes en fluidos corporales), una pizca de destrucción Discografía Sunken (2013) Wild Onion (2014)

no es nada del otro mundo. Su debut en estudio, “Sunken”, fue registrado a la rápida, de forma doméstica y sin equipos profesionales en 2013, básicamente “para tener algo que vender en la primera gira que emprendimos”. Y funcionó muy bien: sirvió para atraer prensa y público. Eso sí, para el disco siguiente, “Wild onion”, aparecido el año pasado, cambiaron la estrategia. Grabaron en un estudio real y, ante la imposibilidad de editar un álbum doble como sus favoritos “Exile on Main St.” o “The Beatles”, le inyectaron 16 canciones que abarcan distintas aristas del rocanrol, la única etiqueta que aceptan a la hora de autodefinirse. La variedad está asegurada: de los cuatro, todos componen y tres cantan. Cuando el bajista Jack Dolan toma el micrófono, predomina la angustia adolescente del punk; si lo hace el guitarrista Cadien James Lake, la balanza se inclina hacia el pop. Aunque definitivamente la figura es Clay Frankel, un tipo que es la segunda venida de Ric Ocasek, pero con un fuerte complejo de Lou Reed. El protagonismo le pertenece en el single estelar del grupo, ‘Making breakfast’, una canción muy Tom Petty cuyo peculiar video posee la facultad de arreglarle el día a cualquiera en apenas dos minutos.

Canciones recomendadas Making breakfast Strawberry smoothie Flavor

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Sitio web twinpeaksdudes.com

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Por Francisco Reinoso

A los 13 años, Dave Grohl ya tenía instalada su pasión por el rock. Titanes como The Who, Kiss, Rush y, sobretodo, Led Zeppelin, comenzaban a alentar ese entonces pasatiempo, pero una simple visita a la casa de unos familiares en Evanston, Illinois, bastaría, meses después, para dejar de lado toda esa grandilocuencia de estadios y descubrir un fascinante mundo paralelo. Tracey era un primo punk rocker y dentro de su abundante discografía yacían varios de los secretos mejor guardados del ascendente hardcore/punk americano, dichos estímulos fueron devorados por este adolescente hambriento de acordes y actitud. 26

os manifiestos corrosivos y canciones expeditivas de nombres como Naked Raygun, Dead Kennedys, Bad Brains y Black Flag, revolucionaron la mente de Grohl; el imaginario extravagante de Devo más las siniestras cadencias de Killing Joke también causarían el impacto necesario para, finalmente, tomar la decisión de involucrarse en la música a través de un rol más potente que el del fan casual. En el verano de 1984, Dave decide viajar a Washington, ahí, tras conocer a un par de chicos ligados a la movida punk local, logra audicionar en Freak Baby, banda emergente en la que ingresaría como segundo guitarrista. Después de seis meses, finalmente Dave opta por cambiar de rol y aventurarse en la batería. Su estilo, súper distintivo para el circuito, reformuló la banda completa, al punto de cambiarse el nombre a Mission Impossible. El proyecto adquirió notoriedad en el circuito de Washington e incluso lanzaron un single editado por Dischord Records, llegando a compartir escenario con nombres de la talla de Troublefunk y Fugazi. Desafortunadamente, para los planes y expectativas de nuestro personaje, la banda, llamada Fast en su ciclo final, tuvo que separarse porque dos de sus miembros (Bryant Mason y Chris Page) optaron por ingresar a la universidad. Ya no había vuelta atrás: sin siquiera alcanzar a asimilar el quiebre de su más reciente grupo, Dave recluta al bajista Reuben Radding y opta por sumar a su compañero en Freak Baby, Dave Smith. Así surge Dain Bramage, formación inspirada en la experimentación de los clichés del rock clásico bajo el filtro del noise y el punk; la mezcla de sonoridades, bien metidas también en la herencia y esencia de combos experimentales como Mission of Burma, no obtuvo una positiva respuesta por parte del público y la gente involucrada en revistas y fanzines. “Todos nos odiaban. Aparentemente, si no formas parte de un sello como Dischord o eres amigo de Ian MacKaye no existes o es muy difícil salir adelante”, confesaba, años atrás, Dave Grohl al biógrafo oficial de Nirvana, Michael Azerrad. El demo de Dain Bramage llegaría a los oídos de Reed Mullin (Corrosion Of Conformity), quien linkea al grupo con el sello independiente Fartblossom. “I Scream Not Coming Down” se tituló el elepé debut del proyecto y se fabricaron mil copias, pero el destino prepararía desafíos mayores.

SUEÑOS EN TRÁNSITO Desde su fundación en 1979, Scream lograron construir un estatus de leyendas dentro del mundo subterráneo próximo a Washington D.C. Su mapa de influencias se detiene en nombres de distinto perfil pero coincidentes en la radicalidad de sus propuestas: Subhumans, The Damned, Black Sabbath, Venom, Bad Brains, entre otros. El debut del combo, “Still Screaming” (1982), fue producido por Ian MacKaye y llegó a ser votado como disco del año por los lectores de la influyente revista Suburban Voice; la fascinación de Grohl hacia la banda de los hermanos Franz y Pete Stahl se produciría a partir de “This Side Up” (1985). “Ellos suenan como Aerosmith. Amo eso, además son de Virginia y tengo raíces ahí. Me encanta que tengan el pelo largo y no sean straight edge. Además la mezcla que hacen de hard rock con hardcore es alucinante”, señalaría Dave a Alternative Press para un especial del 2003 acerca del boom hardcore en los ochenta. En el invierno de 1987, la salida de Kent Staxx abriría una vacante para baterista. Varias tiendas locales tenían avisos al respecto y uno llegó a la persona indicada: “decía que Scream estaba buscando baterista. Compadre, he visto a la banda un millón de veces y son toda mi onda. Tengo que llamar”. Lamentablemente, lo rechazaron en el primer intento por lo joven, pese a que dijo que tenía tres años más de su verdadera edad (17), pero él persistió y se quedó con el puesto. Dain Bramage no pudo continuar sin Dave. Smith y Radding intentarían hallar un reemplazante pero en pocas semanas se dieron por vencidos. Para Franz Stahl, la llegada de Grohl fue una infusión de energía y el amor era recíproco. “Por aquellos días, pensar en de-

dicarme a la música era un sueño distante. Nunca estuvo en mis planes. Irme de gira con Scream, ganar siete dólares por noche, recorrer el país en furgoneta, era como si me ganara la lotería. Mis padres se asustaron en un comienzo, pero terminaron apoyándome porque veían la pasión que ponía en esto. Siempre les estaré agradecidos por aquello”, rescataría Dave al periodista Michael Heatley, autor de la biografía no oficial “Nothing To Lose” (2006). El vínculo entre Pete y Dave se estrecharía aún más cuando descubre la verdadera edad de su baterista. Grohl relata esa experiencia: “Pete tenía diez años más que yo. Estábamos de gira y su postura fue la de asumir una figura paterna. Me enseñaron a divertirme, también ponerme serio a la hora de optimizar recursos cuando estás en la carretera y cómo sobrevivir con muy poco. ¡Era un pendejo de 17 años!”. La primera aventura de Dave junto a Scream en el estudio fue “No More Censorship” (1988), álbum lanzado por RAS, sello focalizado al reggae y que vio en el grupo una buena forma de conquistar un público rockero emulando el caso de los Bad Brains. La herencia más ragga seguiría su curso en “Fumble”, trabajo en el que se incluye la primera composición de Grohl (‘Gods Look Down’) y demoró tres años y medio en ser editado. Pese a lo interesante de su propuesta, las dificultades para encasillar a Scream dentro de un circuito definido terminaron matando la proyección de la banda. Ese panorama adverso, más el aviso de Buzz Osbourne (Melvins) sobre Nirvana y su búsqueda de baterista, agilizaron una decisión complicada pero necesaria: abandonar a sus partners y emprender rumbo a Seattle. Nuevamente, había que seguir el instinto.

Discografía de Foo Fighters En diciembre pasado Billy Corgan los partió: “simplemente no han evolucionado, hacen la misma música”. ¿Fue justo el líder de The Smashing Pumpkins para definir una discografía de ocho álbumes, en exactas dos décadas? Con 25 millones de copias vendidas en todo el mundo, once premios Grammy, y una decena de números uno en los rankings de rock alternativo de Estados Unidos, Foo Fighters es una banda de indiscutido éxito y que en general ha gozado del aprecio de la crítica, con relativos bemoles. Veamos por qué. Por Marcelo Contreras

Cuando repasas el contexto de cada disco de Foo Fighters asoma de inmediato una alternancia de estados. O la pasan muy bien grabando, o el ánimo componiendo y en la sala no es de los mejores. EL TÍTULO HOMÓNIMO DE 1995 resultó literalmente un trabajo solista de Dave Grohl. Toca todos los instrumentos, excepto en X-Static donde Greg Dulli de The Afghan whigs, pone su guitarra. A 20 años, aún impacta su fuerza, frescura, y la presencia tácita de Kurt Cobain. Debe ser el registro más gritoneado de FF, pero también ofrece tempranas muestras de ese interés del baterista, cantante y guitarrista –en ese orden sus talentos-, por abordar el pop angulado desde un rock ruidoso. ‘This is a call’ y ‘Big me’ (de inolvidable video), son los mejores ejemplos de esa ambición que persigue hasta hoy.

THE COLOUR AND THE SHAPE (1997) fue producido por Gil Norton, el hombre tras títulos claves de Pixies como “Doolittle” (1989), “Bossanova” (1990) y “Trompe le monde” (1991). Norton le sacó el jugo a este primer disco de la banda como tal, con el bajista Nate Mendel, Pat Smear, y el baterista William Goldsmith, buscando cómo imprimir su gusto por el pop desde la perspectiva del indie rock. Pero el ambiente no era el mejor. Grohl se estaba separando, y el trato con Goldsmith fue humillante: su trabajo apenas figura en las grabaciones. Tiene al menos tres clásicos del repertorio de FF: ‘My hero’ (que no está dedicada a Cobain como se especuló), ‘Monkey wrench’, y ‘Everlong’, otro corte con un memorable video a cargo del director Michel Gondry.

El siguiente título THERE IS NOTHING LEFT TO LOOSE (1999) debe ser uno de los álbumes con mejor sonido en toda la carrera del conjunto. Nuevamente el papel del productor es clave. Acá el hombre es Adam Kasper, que de alguna manera trasladó parte de la rúbrica alcanzada con Soundgarden en “Down on the upside” (1996), con un sonido más espeso, ambiental, y detallitos de lisergia, más experimental si se quiere. Lograron maridar de la mejor forma la combinación de rock duro con vetas de pop. Este es el disco en que hicieron asados tras cada jornada. También les reportó su primer Grammy como mejor álbum rock de la premiación 2001. Incluye otro clásico como ‘Learn to fly’.

ONE BY ONE (2002) es disco clave porque entra Nick Raskulinecz, un joven ingeniero con hambre de productor que a partir de este álbum se convierte en uno de los más reputados en su puesto, con firmas para Deftones, Rush y Alice in chains. Foo fighters nuevamente atraviesa un periodo de tensiones, basadas en la desconfianza de todo el grupo hacia la calidad de las composiciones y su ejecución en estudio. De hecho, las primeras sesiones (que tenían nuevamente a Kasper como productor) no funcionaron. Grohl y Taylor Hawkins se gritaban, mientras el guitarrista Chris Shiflett pasó días en los estudios sin hacer nada. Cuando se editó, obviamente el grupo dijo que contenía algunas de sus mejores canciones –por cierto incluye un éxito como ‘Times like these’. Años después fueron más honestos y coinciden en apuntarlo como un momento bajo de su trayectoria. Aún así, les reportó otro Grammy.

La siguiente jugada fue épica para quitarse el mal sabor de “One by one”. IN YOUR HONOR (2005) es álbum doble, un formato de la vieja escuela de los setenta prácticamente desterrado, con una primera parte de ampuloso rock duro a la vena, con evidentes ganas de conquistar estadios, y una segunda cara acústica de gran elegancia. Aunque parte de la crítica dictaminó que una sola entrega condensando la electricidad con las guitarras de palo, habría sido una mejor solución, contiene pasajes donde practican el power pop con maestro dominio, cortes como ‘No way back’, el single ‘Best of you’ (otro clásico), y ‘The last song’.

Giles Norton volvió para ECHOES, SILENCE, PATIENCE & GRACE (2007), y con su presencia otra vez se dio un duro trabajo buscando la esencia melódica de cada tema. Es uno de los álbumes que los consagró en Inglaterra, y también donde demostraron que ponían atención a la crítica: lograron montar canciones con giros entre lo acústico y poderosos riﬀs.

Nuevamente como una reacción a la experiencia anterior, de dura faena junto a Norton, el siguiente título WASTING LIGHT (2011), buscó relajar la mano (grabaron en un garaje) y traer a viejos compinches de Dave Grohl como Butch Vig para la producción, y Krist Novoselic para tocar bajo y acordeón en ‘I should have known’. De este disco se habló más de cómo se grabó rescatando técnicas ya descartadas, que de las canciones.

El último capítulo con SONIC HIGHWAYS (2014), el álbum que pretende trazar una cartografía musical de Estados Unidos con sus ocho canciones grabadas en igual número de ciudades de categoría sónica en el país norteamericano, resultó fallido porque cuesta una enormidad, sino es más bien imposible, rastrear a qué urbe pertenece cada composición.

Por Andrés Panes

Si hay una característica de Dave Grohl que lo convierte en un tipo cercano es su amor por los discos. El tipo es una verdadera enciclopedia andante.

a redundancia se vuelve necesaria para hablar de Dave Grohl: es un músico muy musical, por raro que suene. “This is a call”, la investigación del periodista inglés Paul Brannigan publicada en 2011, establece en sus páginas que no hay forma de entender al líder de Foo Fighters sin detenerse en la historia de los circuitos que frecuentó en su temprana juventud. De las 416 páginas del libro, una considerable cantidad está dedicada a la escena punk de Washington en la que Grohl se involucró primero como fan y luego como actor creativo. Brannigan, ex editor de la revista Kerrang!, fue criticado por desplegar doctorales conocimientos sobre terceros en detrimento de los convencionales detalles íntimos que suelen aportar las biografías. Pero no quedaba otra alternativa: es imposible adentrarse en la vida de un melómano activo sin comprender los omnívoros gustos que lo llevaron al oficio del rock. Porque Grohl, aparte de

perder la razón por Black Flag y otros grupos emblemáticos, es un ávido consumidor de discos. Y ahí está uno de los motivos de su enganche con Kurt Cobain durante la época que compartieron en Nirvana. En “This is a call”, Cobain es recordado por su ex batero desde una dimensión humana y enternecedora: “Parecía un paria iconoclasta, pero amaba a Abba. Bailamos canciones de Abba cientos de veces. Cuando pienso en el, pienso en Abba”. La llama de ese eclecticismo sigue flameando: en los últimos años, nuestro héroe del mes ha dado señales inequívocas de sensibilidad pop. A la neozelandesa Lorde, una de las vocalistas invitadas a la inducción de Nirvana al Salón de la Fama del Rock and Roll, la sindicó como embajadora del espíritu “Nevermind” para las nuevas generaciones; al ‘Gangnam style’ de Psy lo declaró uno de sus temas favoritos de la década; a Deadmau5 y Skrillex les declaró su amor, “aunque no sé cómo hacen lo que hacen”.

Los 10 discos favoritos de Dave Grohl (Melody Maker, año 2000)

“The Beatles” de The Beatles (1968) “¿En qué año salió? Tiene algunas de mis canciones favoritas de los Beatles: ‘Blackbird’, ‘Revolution #9’, ‘Revolution’, ‘Helter skelter’. Es divertido imaginarse a esos lindos cuatro Beatles años después en ácido. ¿Qué salió mal, escribiendo cosas como ‘Helter skelter e influenciando a Charles Manson? Es un clásico sin tiempo”. “The B-52’s” The B-52’s (1979) “Recuerdo haber visto a los B-52’s en “Saturday night live” y eso me introdujo al mundo de la música rara. Era joven y mis papás estaban dormidos. Canciones como ‘54 girls’ y, por supuesto, ‘Rock lobster’ definitivamente abrieron un mundo para mí”. “Coda” de Led Zeppelin (1982) “Led Zeppelin moldeó completamente la forma en que toco batería. Nadie puede negarle nada a esa banda. Sus discos son grandiosos. Prefiero “Houses of the holy” y “In through the out door” antes que los dos primeros, pero “Coda” es el mejor porque tiene ‘Bonzo’s Montreux’, la sinfonía de John Bonham para batería. Yo solía trasnochar trabajando en ella. Podría tocarla ahora mismo”. “Rock for light” de Bad Brains (1983) “Este debe ser mi favorito de todos los tiempos. Fue la primera vez que escuché a una banda hardcore con calidad musical suprema, pero que lo hacía parecer todo simple. Cuatro tipos negros de Washington DC que dejaban en ridículo a todos los demás punks. Eran impresionantes. Eran rastafaris, así que suavizaban las cosas con un poco de reggae. Y eran la banda más increíble del mundo en vivo. Eran grandiosos. Realmente, realmente, realmente, realmente grandiosos”. “Yo! bum rush the show” de Public Enemy (1987) “Una total revolución hip hop. Y la dualidad de Flavor Flav y Chuck D es asombrosa. Era necesario que un tipo tan recto y duro como Chuck D tuviese un contrapeso. Las letras de este disco y los sonidos de este disco los hacían parecer una pandilla con su propia escena. Fui a verlos en vivo en el Malcolm X Park una vez y alguien escuchó un balazo y todos salieron corriendo. DC era la capital del asesinato en ese entonces. Fue espeluznante”.

“Gluey porch treatments” de Melvins (1987) “Los Melvins empezaron tocando hardcore punk veloz, pero después se convirtieron en unos Black Sabbath fangosos. Tocaban lo más lento que podían para que la gente los odiara y gritara que tocaran más rápido, solo con el fin de incomodar. Eran los reyes del punk caprichoso. “Gluey porche treatments” suena como grabado en un sótano, pero es más pesado que cualquier cosa hecha por Dio o Slayer”. “Surfer rosa” de Pixies (1988) “Resultaba necesario en esa época que alguien incorporara elementos del extraño punk al dulce pop. Influenció a una generación entera de bandas, que a su vez influenciaron a otra generación, así que este disco es uno de los más influyentes de los últimos 15 años. Probablemente fue el disco que hizo de Steve Albini alguien famoso como productor. Nirvana siempre se aseguró de que todo el mundo supiera que plagiaba a los Pixies”. “The winding street” de Mark Lanegan (1992) “Oh, hombre, este disco es el más hermoso. Es un disco para domingos en la mañana, acústico, de un blues con alma. Lanegan tiene la voz más linda. Imagino que así sonarían los corazones si pudieran cantar. Este disco salió después de que me mudé a Seattle, así que para mí representa toda esa época. Mark cantaba en los Screaming Trees, así que tiene otra faceta, pero en Seattle se apreciaba mucho la pureza de la música real”. “Frank Black” de Frank Black (1993) “Lo escuchaba mucho. Por un momento, creí que se convertiría en una gran estrella de pop y que recibiría el reconocimiento que merece. Hay grandes canciones en este disco, pero su música es demasiado rara y nunca podría traducirse a audiencias masivas. Había pasado un tiempo desde “Surfer rosa” y este fue probablemente su álbum de pop más cohesivo hasta entonces. Tiene cosas de Bowie y todo tipo de influencias, y a veces era crudo y torcido. Como letrista, Frank Black era realmente grandioso. Sabio y extraño”. “Blues for the red sun” de Kyuss (1993) “¡Dios mío! Este disco cambió mi vida. Tenía 24 y los grooves y los sonidos de guitarra, bajo y batería hacían nuevos ruidos que para mí sonaban familiares, como si vinieran de comienzos de los 70. Pero nunca me habían parecido tan buenos. Kyuss reinventó el hard rock setentero”.

Por Ignacio Reyo

Para celebrar el veinte aniversario de Foo Fighters, Dave Grohl ha decidido crear su nuevo disco bajo un prisma totalmente novedoso. Simultáneamente a la grabación, el casi omnipresente batería de la que fuera una de las mejores bandas de la historia, ha grabado una serie de documentales para la prestigiosa cadena de pago HBO.

través de ocho documentales, cruzando Estados Unidos, el multifacético Dave Grohl está explicando no sólo la grabación, en analógico, de su nuevo disco, sino la historia de los estudios en los que graba y la ciudad que los acoge. Uno de los matices más interesantes, es que Grohl no quiere perder su sonido de marca, pero sí se ha dejado influenciar, a nivel de letras, de las vivencias que los colaboradores en el disco, y lo que otras figuras importantes aparecidas los documentales, le han ido contando mientras él estaba en un segundo plano, ejerciendo de entrevistador. Lo máximo que vemos del grupo es al final de los documentales, en el estudio donde han grabado, tocando en play back la canción registrada y encima de las imágenes las letras que evocan directamente lo que ha pasado frente a nuestras retinas. No alcanzan la pureza de las canciones que Grohl empezó a grabar el diecisiete de octubre de 1994 que terminaron en el disco homónimo y que, exceptuando un par de invitados, Greg Dulli y Barret Jones, se hizo cargo de todos los instrumentos. Grohl estuvo a punto de convertirse en el batería oficial de Tom Petty and the Heartbreakers, tocando en Saturday Night Live. Pero decidió seguir su instinto, y aunque algunos lo prefieran tocando la batería, logró crear de la nada un icono cuyo símbolo es reconocible alrededor del globo terráqueo, y “Sonic Highways”, por el método utilizado, es uno de los más llamativos álbumes del combo. En el capítulo inaugural explica que quiere hallar esa novedad que sintió ese mes de octubre hace veinte años. Hablamos con la persona que consiguió el puesto fijo de batería en los Foo Fighters, Taylor Hawkins. Un tipo que tuvo su bau-

tizo de fuego en los conciertos masivos siendo batería de Alanis Morissette, en donde ya sobresalía, intercambiando papeles con la canadiense y cantando una destartalada “We Will Rock You”. Una vez asentado en Foo Fighters, poco a poco ha ido erigiéndose en el segundo portavoz del grupo, explayándose en una variedad de propuestas. Ya sea con miembros de Rush, Slash o Eric Avery. Puede presumir de haber cantado en un single de Foo Fighters, “Cold Day In The Sun”. En solitario ha publicado tres álbumes, dos bajo el nombre de Taylor Hawkins and The Coattail Riders, y uno este año como Birds Of Satan. Participó en un grupo de versiones de The Police y él mismo fundó Chevy Metal, otra banda de versiones, ésta más amplia en su repertorio, abarcando hasta Black Sabbath, Aerosmith, Van Halen… A la hora de efectuar la entrevista, está claro que a pesar de la circunstancia de que el grupo lleve unido varios años, es obvio que el que toma las decisiones finales es Dave Grohl. Los demás son sus compañeros de viaje. Lo deja claro en sus preferencias musicales Taylor Hawkins en la ciudad del viento, Chicago, al soltar que no le importa en exceso el bagaje blues, lo que le encanta es la conexión con Cheap Trick. En los documentales asume su papel y no interfiere. Escucha y aprende de lo que esas personas entrevistadas por el guía de Foo Fighters le ofrecen, a nivel oral o musical, en el apartado de los cameos que realizan en “Sonic Highways”. Antes de la entrevista, Taylor saluda en español, y a lo largo de ella, se nota que es una persona que no se muerde la lengua. ¿En qué afectó al disco grabarlo en ocho estudios distintos de ocho ciudades?

“El efecto es que solo es que grabamos en ocho ciudades, y eso fue increíble. Poder grabar en ocho diferentes estudios, experimentar en un disco de esa forma me hace sentir entusiasmado”. También se han grabado documentales sobre cada una de las ciudades en las que grabaron cada tema. “No tengo mucho que ver con el documental. Solo dije que era un gancho. A veces me volvía loco porque movían los micrófonos. Está bien. Es algo de Dave, algo que él quería grabar. Para mí es otro disco grabado en distintos sitios”. ¿Crees que es lo mejor hoy en día? Realizar este tipo de documentales. “Sí, creo que sí. Debes hacer algo más hoy en día que un vídeo, porque ya no tienen la importancia de antes. Me gusta esa manera, me gusta esa aproximación. Los vídeos apenas se ven, no afectan. La gente no ve MTV para ver vídeos como antes, nunca será lo mismo”. Es su segundo disco producido por Butch Vig. ¿Qué interacción existe entre la banda y él? “Genial, realmente genial. Es buenísimo. Trabajar con él es un buen síntoma. En mi caso particular, tenemos una gran relación de trabajo. Sabe lo que se siente. Te deja expresarte. Hay diversión, y saca lo mejor de ti. Me encanta Butch”. Las letras de este disco son más introspectivas, diría que incluso más profundas que en anteriores álbumes. ¿Estás de acuerdo? “Sí. ¿Te gustan?”.

Claro, creo que han crecido en ese aspecto. Son más maduras. “Es fascinante para nosotros, un nuevo enfoque, y hace que la música se aprecie de una forma distinta. Se nota. Las letras suelen ser emocionales, y todavía lo son. Todavía hay historias de amor, siempre hay canciones de amor, pero depende de cómo lo hagas. Puedes tratar el tema de manera usual o de algo específico y más inteligente. Las personas se enfrentan a la música de dos maneras; algunos dan importancia a las letras y a otros les importa una mierda sobre qué traten. Creo que pueden coger nuestras letras y hacerlas suyas. Todo el mundo puede entender la canción ‘Something From Nothing’. En mi caso, prefiero que trate de algo que nos haya sucedido en Chicago, me parece más interesante”. El disco está repleto de grandes estrellas de la música en las canciones. ¿Qué aportaron al conjunto? “Una parte. Me gustó que cada uno colaborara de distinta forma. Rick Nielsen grabó unas guitarras alucinantes por encima de lo que habíamos trabajado. Es un hombre inspirador, en cada disco. Luego, Joe Walsh, por otra parte, se apropió de la canción, de ‘Outside’. Incluyó un solo tan melódico, que es como su canción. Ya sabes lo que quiero decir”. Son muy especiales los arreglos que añade Tony Visconti en ‘I Am A River’, el tema que cierra el disco. “¿Cuál es tu canción favorita?”. La que te acabo de mencionar. “Oh. Algunas personas piensan que es la mejor canción que hemos compuesto en

toda nuestra discografía”. No es una excepción que colaboren con estrellas de toda índole. ¿Qué se siente cohabitando el mismo escenario que Brian May y Roger Taylor de Queen, o Jimmy Page y John Paul Jones de Led Zeppelin, por ejemplo? No dejan de ser dos de las bandas clásicas que todos los que escuchamos rock hemos empezado escuchando. “Bueno, depende. Estoy siempre emocionado, siempre. Con Roger Taylor o Brian May, son familia para nosotros. Los conocemos casi desde la eternidad. Vienen a nuestros conciertos. Con ellos es divertido, te sientes como un niño. Con Jimmy Page, ocurrió en un concierto, no lo conocía como persona muy bien. Fue asombroso. Todos estos encuentros han sido geniales. Uno de mis favoritos es con Gary Clark Jr., un gran tipo”. Han conseguido un éxito masivo en una época que es bastante difícil para los grupos de rock alcanzar posiciones altas en las listas. “Es genial, ya sabes los seguidores tan fieles que tenemos. En la música rock todo está ahora mucho más abierto, muchísimo más. Hay muchos estilos de música y no creo que la música rock sea lo predominante, como solía ser previamente. Van y vienen diferentes estilos, el grunge, pero al final del día, los grupos, Arctic Monkeys o Queens Of The Stone Age, no dejan de ser bandas de rock, y durarán mucho tiempo. No es algo sobre lo que piense demasiado”. Para algunas personas, ese éxito les cambia la vida, y a veces no en su mejor as-

“Lo odié. Nunca más. No me gusta actuar. Deja eso a quien actúa bien, no es para mí”. Soy muy fan de Queen, es mi banda favorita, y querría terminar hablando de ellos, sé que eres muy fan. “Sí, totalmente. Estamos locos, necesitamos terapia. Nos deberíamos ayudar mutuamente (risas)”.

pecto. La gente de la industria que me ha hablado de ti dice que no eres alguien que se sienta superior al resto. “Espero eso, espero que piensen así. Siempre he sido un poco alocado. Y no creo que haya cambiado, ni que el éxito haya hecho mella en mi personalidad. Si estás en un gran grupo como los Foo Fighters con un líder como Dave Grohl no puedes alardear de que eres el mejor del mundo. Al fin y al cabo es sólo música. Otros músicos están por otras cosas, por el culto a sí mismos o el dinero. No siento que tenga mucho en común con esa actitud. Estoy más metido en la música y buscar mejores experiencias. No quiero decir con esto que no quiera tener éxito. Me encanta que los Foo Fighters tengamos éxito, pero haciendo lo que queremos. El éxito con Foo Fighters me deja realizar otros proyectos, porque sigo amando la música incluso más que cuando era un crío”. ¿Qué recuerdas de tus primeros pasos en el grupo? Todavía no había una formación definitiva. Entraste en la gira del segundo álbum. “Los recuerdo como algo duro. Estaba en la banda de mis sueños y al mismo tiempo tenía dificultades en encontrar mi sitio en ella, al haber dos baterías. Fue difícil para mí. Estoy más cómodo y contento ahora que en aquella época. En los primeros años pensaba que todo podía explotar, todo era repentino, no pensábamos en el futuro o el próximo año. Todo era quizá. El próximo

álbum era tal vez. Podíamos ser una banda o no…También pasaba por problemas personales y familiares, y ahora me siento mejor de hecho. El problema, bastante extraño, era que éramos una banda dentro de una banda, siguiendo a Dave. Y el siguiente paso era cómo íbamos a solucionar ese dilema. Porque no éramos como un grupo de chavales que llevan diez años tocando desde el instituto, tipo Arctic Monkeys. Era la banda de una persona, sigue siéndolo, y tardó bastante en convertirse en un grupo homogéneo. Ya sé que es una respuesta muy amplia”. Hablando de otras facetas tuyas, al igual que Dave Grohl, has sido muy prolífico a la hora de involucrarte en distintos proyectos, que has mencionado antes. Uno de los más especiales fue terminar una canción, ‘Holy Man’, en la reedición del disco de Dennis Wilson “Pacific Ocean Blue”. “Fue una experiencia especial. Estoy muy agradecido por esa oportunidad. No sabía si lo merecía necesariamente. La gente me hablaba. Es un asunto muy importante para mucha gente. No me había dado cuenta de lo importante que es Dennis Wilson para el público. Simplemente vino hacia mí, tuve mucha suerte. Fue relativamente fácil, y la reacción ha sido muy positiva”. Actuaste de Iggy Pop en la película “CBGB”. ¿Repetirías esa experiencia frente a las cámaras?

Tu primer concierto de espectador fue en Boston, su última gira en Estados Unidos en 1982 con Fred Mandel a los teclados, promocionando “Hot Space”, un disco muy infravalorado. “Un disco increíble. Me encanta. Es una cápsula de ese periodo. Freddie diciendo ‘voy a hacer lo que me dé la gana’. Me encanta ‘Body Language’, es divertida, hilarante. La verdad es que en el corazón, la esencia de cada canción de Queen, observas que es una gran canción. En ‘Hot Space’ están ‘Dancer’, ‘Staying Power’, ‘Body Language’. La segunda cara del disco probablemente sea el lado más clásico de Queen. ‘Las Palabras Del Amor’, ‘Put Out The Fire’, ‘Life Is Real’. ‘Life Is Real’ es de mis favoritas. Me gustan las canciones normales, pero cuanto más pasa el tiempo te diría que me gustan más las canciones disco, más que lo que me parecían en mi juventud. Cada vez me va gustado más todo lo que sacaron. Recuerdo que de joven, el disco ‘The Miracle’ no me gustaba, ni la producción, ni las canciones. Y cuando salió ‘Radio Ga Ga’, fue vergonzoso para mí. Les dije a mis amigos que me gustaba Queen y justo acababan de lanzar esa mierda. Ahora aprecio lo genial que es. Lo veo de otro color”. ¿Y el concierto? “El primer concierto me puso en otra órbita. No pude dormir en varios días. En cuanto lo vi, supe que quería hacer eso. He tenido suerte de poder tocar en el mismo recinto un par de veces con los Foo Fighters allí, siendo cabezas de cartel. Fue muy especial para mí. Billy Squire abrió para Queen, absolutamente brutal. Uno de los mejores días de mi vida. ¿Cuál es tu favorito?”. Diría que por el valor sentimental, “Innuendo”. Objetivamente elegiría “A Night At The Opera”. “Oh. Lo que voy a escuchar hoy primero es ‘News Of The World’ y luego ‘A Kind Of Magic’”.

1. CHICAGO. El viaje comienza desde las raíces del rock, el blues, las circunstancias que llevaron a la población afroamericana a mudarse desde el sur de Estados Unidos a la ”ciudad de los vientos” y la formación de figuras tan relevantes como Buddy Guy y Muddy Waters. Luego, visita la escena del punk rock y se inicia una conversación con el productor Steve Albini, famoso por la producción de “In Utero” de Nirvana. Para finalizar, Rick Nielsen de Cheap Trick se une a Foo Fighters para la grabación de ‘Something From Nothing’. 2. WASHINGTON D.C. Dave Grohl vuelve al lugar donde creció y modeló su gusto por el punk rock. Conversa con Ian McKaye, dueño de Dischord Records, y revisa el movimiento del go go. Grohl también entabla una charla con Don Zientara, dueño de los estudios Inner Ear , que “creo la banda sonora de toda mi juventud”. La banda graba ‘The Feast and the Famine’. 3. NASHVILLE. El episodio inicia con la misma imagen que cualquier fanático del rock tiene sobre el country: no tenemos idea de lo que ocurre en este mundo paralelo. Se explica la importancia de la ciudad como centro del country y de la industria del estilo, pasando por la obra de nombres como Dolly Parton, Tonny Joe White y Emmylou Harris. Se integra Zac Brown, un prodigioso guitarrista local, para grabar ‘Congregation’. 4. AUSTIN. La historia se concentra en la importancia del programa de televisión Austin City Limits, que ha reunido a algunas de las figuras más relevantes de la música popular de Estados Unidos. A pesar que la ciudad no posee una fuerte escena, sí ha visto emerger nombres como Stevie Ray Vaughan, que cambió el blues rock, y es sede del multitudinario festival SXSW. El brillante Gary Clark Jr. se suma en el registro del tema ‘What Did I Do?/God As My Witness’. 5. LOS ANGELES. El quinto capítulo de la serie es el que menos representa la imagen de la ciudad, omitiendo la potente escena del punk rock, el hair metal y el metal alternativo iniciado por Jane’s

Addiction y Red Hot Chili Peppers. Grohl prefirió concentrarse en los años formativos de Pat Smear en el punk y conversa con Joan Jett sobre el sonido glam rock de los setenta. Paralelamente, visita a sus amigos en el desierto californiano y explica cómo se creó el sonido stoner rock en Palm Desert. Graban ‘Outside’ en Rancho de La Luna. 6. NUEVA ORLEANS. Ésta es la historia de una ciudad resiliente. De una ciudad que enfrenta a la muerte sin miedo. Pese a las numerosas contrariedades que ha sufrido, Nueva Orleans es el centro del jazz y no lo ha dejado sucumbir. La costumbre se ha mantenido viva a través de más de cinco generaciones de músicos que no se han marchado y que continúan cultivando su sonido, a veces con porfía, pero con mucha más convicción. Foo Fighters graban con la Preservation Jazz Hall Band el tema ‘In the Clear’. 7. SEATTLE. Éste debe ser el capítulo más emotivo de todo “Sonic Highways”. La razón es obvia: Grohl se transforma más que nunca en un protagonista de la historia, por su llegada a la ciudad y a integrarse como un miembro de Nirvana. Revisa la emergencia del grunge con bandas como Soundgarden, Alice in Chains y Pearl Jam, entrevista a uno de los fundadores de The Sonics –a quienes los sindica como una especie de proto-grunge- conversa con el productor Jack Endino y explica el auge y caída del género. Graban ‘Subterranean’ con Ben Gibbard de Death Cab for Cutie. 8. NUEVA YORK. La cultura de la gran manzana ha influido no únicamente a la música nortamericana, sino a todo el mundo. Fue cuna del hip hop (Run D.M.C, Public Enemy), el punk (The Ramones), centro de un rock más intelectual (Patti Smith, Talking Heads y Television), y, por supuesto, de otro sonido que invocaba diversión (Kiss). El último capítulo condensa la grandeza de una ciudad que ha tenido que reinventarse más de una vez, y que se ve en el reflejo de su manifestación artística. “Sonic Highways” culmina con la grabación de ‘I am a river’ junto a Tony Visconti.

Videografía de Foo Fighters Junto con la serie “Sonic Highways”, que recopila más de ocho horas de material, la banda liderada por Dave Grohl también ha editado registros en vivo y un documental que se extiende en la historia del grupo. Acá los revisamos uno a uno.

Everywhere But Home 2003

Skin and Bones 2006

Más de tres horas de material en vivo, fotografías, wallpaper, y archivos de audio incluye el primer DVD de Foo Fighters. Es más, si se accede desde el computador, se puede descargar un calendario de la banda y además una lista de sitios web que recomienda el grupo. Todo en un solo disco. El recorrido comienza en la ciudad canadiense de Toronto, con un registro completo del concierto que realizó la banda en aquel sitio durante el tiempo de la gira “One by One”. El recital, y el DVD, comienzan con el tema ‘All My Life’, donde el dueño y maestro de la banda hace gala de todo su carisma y su manejo de masas, especialmente en ‘Breakout’: el público obedece a cualquier orden que haga Grohl, abandonándose en su euforia y en la energía notoria que brinda el grupo en sus shows. También son notables las escenas en que Grohl se dirige a la audiencia en ‘For All the Cows’, la performance grupal en ‘Monkey Wrench’ y la versión acústica de ‘Times Like These’. Otra de las imágenes en vivo que se exhiben en este DVD es en Slane Castle, la mítica explanada irlandesa. La pantalla se reduce y se divide en dos, mostrando tanto a los Foo como a la multitudinaria concurrencia de aquel concierto en dos canciones, ‘All My Life’ y ‘Everlong’. Luego continúa con un recital acústico en Washington D.C., que incluye las canciones ‘Doll’, ‘See You’, ‘For All the Cows’ y ‘Everlong’. Cada uno de estos conciertos, el de Toronto, Slane Castle y Washington, fueron grabados con distintas cámaras, pero específicamente en el show de Washington, el foco se centra en la figura de Dave Grohl más que en el resto de la banda. El último registro es el de Reykjavik, donde sólo se cuenta con una versión en audio, mientras corren fotos del cuarteto como diapositivas, y que funciona más como característica extra, un mero agregado, en lugar de aportar al resultado final. A pesar de este detalle, el DVD es una clara muestra de la potencia que logra la banda en sus espectáculos no sólo en EE.UU., sino “en todas partes, menos en casa”.

La presentación que complementa el disco acústico que la banda lanzó en noviembre de 2005 es un hito imborrable en la trayectoria de los Foo Fighters. Como parte de una breve gira que realizaron sólo por algunas ciudades de Estados Unidos, este show, que se llevó a cabo en el Pantages Theater en Los Angeles, muestra que la banda tanto en este formato de ‘mini-orquesta de rock’ como grupo eléctrico ruidoso, puede causar la misma empatía y la misma conmoción cuando interpretan sus canciones. El concierto se pasea por gran parte de la discografía de la agrupación de Dave Grohl, y se centra principalmente en aquellos temas que contaban con el sonido acústico. El registro comienza con una imagen del vocalista recorriendo el backstage del teatro, mientras toca ‘Skin and Bones’ y luego, con una suerte de ‘ensayo’ en el que la banda entera navega por un río tocando la misma canción. Luego se da inicio al recital en sí, con el tema ‘Razor’ (extraído de “In Your Honor”), con recuadros de la banda tras el escenario, y después con la interpretación de Grohl frente a la audiencia. Algunas de las mejores escenas vienen con la interpretación de clásicos como ‘Next Year’, ‘Everlong’ (ya casi cerca del final), ‘Walking After You’ o ‘My Hero’, con la que se muestran una intensidad tan inmensa que la respuesta del público es una ovación ruidosa e irresistible. Cada canción está intercalada con algunas palabras de Grohl, que se alarga antes de ‘Friend of a Friend’, cuando relata con su característico buen humor la historia de cómo conoció a Kurt Cobain y cómo llegó a ser parte de Nirvana. El DVD cuenta con un sonido de enorme calidad, que hacer que esa sensación de show en vivo casi sea palpable, y aunque por momentos se convierta en el espectáculo de Dave Grohl solista, este disco en su conjunto representa un imperdible para los amantes de Foo Fighters, sobre todo para los que disfrutan de esta faceta más íntima de las guitarras acústicas. ‘Best of You’, cerca del final, es inolvidable.

María de los Ángeles Cerda

Live at Wembley Stadium

Back and Forth

Inglaterra siempre ha sido la segunda casa de los Foos y esta dupleta, realizada en el remozado recinto de Wembley, el 6 y 7 de junio de 2008, no es más que la corroboración de un romance firmado desde los primeros días que su álbum homónimo estaba en las disquerías. En el recorrido, se incluyen dieciocho canciones que visitan el repertorio de sus seis largos y evidencian vestigios de una formación sólida como roca, la que obtiene un plus sin refutaciones con los aportes de Pat Smear, en guitarra, el tecladista Rami Jaﬀee, el violinista Jessy Greene y Drew Hester, complementando las percusiones. Con un combo tan completo en las tablas, un grandilocuente y certero resultado en las interpretaciones es, a simple vista, garantía absoluta. Así se puede atestiguar en ‘The Pretender’, el flirteo acústico de ‘My Hero’, el lado b lanzado en un sencillo de Nirvana, ‘Marygold’, ‘Monkey Wrench’ o ‘All My Life’. Imposible también dejar de lado la emocionante versión de ‘Everlong’, con un Dave Grohl asumiendo el protagonismo completo en los ¾ de la canción, que culmina con toda la banda apoyando en la rítmica y el estadio entero coreando. Cuando ya todos yacían extasiados, se avecina la mayor sorpresa de las funciones. La irrupción a escena de Jimmy Page y John Paul Jones, quienes en compañía de Grohl y Taylor Hawkins (roles compartidos en batería y voz), interpretan los clásicos de Led Zeppelin, ‘Rock and Roll’ y ‘Ramble On’. “This is the best night of my fucking life”, añade un hiperventilado Dave, que aún no asimilaba el compartir por minutos unas notas con sus ídolos de toda una vida. La emotividad del momento, de sólo presenciarlo desde un monitor, es contagiosa; imagínense estando allí mismo en el concierto. El cierre lo otorga otra impresionante versión para ‘Best Of You’, replicada por 85 mil personas y una banda tocando como si fuera la última función de su carrera. A diferencia de sus pasadas piezas audiovisuales, aquí no hay material adicional, detalle que no enloda en lo más mínimo esta gran presentación con que Foo Fighters pretende sellar una etapa de logros incesantes. “Live at Wembley Stadium”, no es tan sólo una obligación para el melómano y ferviente seguidor de este personaje del rock contemporáneo, es una pieza de energía irrestricta para cualquier escucha que desee adentrarse en uno de los directos más pasionales del género, en el mundo. Dave, la hiciste de nuevo.

Ya lo había dicho Dave Grohl a comienzos de 2011: Foo Fighters no pasaría inadvertido. Junto con el lanzamiento de su muy bien recibido “Wasting Light” y la colección de covers “Medium Rare”, el conjunto preparó un documental que retrata toda la carrera de la banda, desde los días de “Nevermind” de Nirvana hasta la grabación de su último álbum en el garaje de Grohl. La propuesta suena atractiva para cualquier fanático del grupo. Desde un inicio, Grohl encarna un papel diferente dentro de lo que hemos acostumbrado a ver de él, deja de ser el chiquillo inquieto e hilarante para convertirse en el líder de una banda, el que toma las decisiones difíciles y el que carga con el peso casi eterno de ser el ex Nirvana. Incluso su semblante parece diferente, no hay muecas ni sonrisas, pero sí grandes cuotas de honestidad y de apertura, en particular cuando se refiere a la muerte de Kurt Cobain y a la sobredosis de Taylor Hawkins pre “One by One”. Así como él no teme abrirse, tampoco teme a la crítica de sus ex compañeros de banda y que él despidió a William Goldsmith y Franz Stahl, dejando a Grohl en un rol severo. La trayectoria de Foo Fighters no fue menos complicada. La sombra de haber sido parte del grupo más exitoso de los noventa más las rotantes formaciones que tuvieron hasta su álbum de 2002, permitieron esculpir el carácter de la banda y conformar una relación que se ha mantenido estable, con Grohl a la cabeza, más Nate Mendel, Chris Schiflett y Taylor Hawkins, incluyendo a Pat Smear, quien regresó luego de su salida de la gira de “The Colour and the Shape” al acústico “Skin and Bones”. Todo eso se confirma, sin esconder la crisis que vivieron antes de la salida de “One by One” –con la que temieron la disolución del conjunto- cuando el frontman fue invitado a participar del álbum “Songs for the Deaf” de Queens of the Stone Age. De ahí en adelante, todo color rosa, lo que queda más que claro en su inolvidable show en el estadio Wembley de Londres, un éxito que fue pavimentado por los discos “In Your Honor” que en el documental apenas goza de una mención, pero que sin duda fue significativo para el gran éxito conseguido a estas alturas. Lo que parece un film bien cohesionado, termina una larga sección dedicada al registro de “Wasting Light”, que calza perfectamente con la etapa actual de Foo Fighters, pero que pudo haber servido mucho más como característica extra para una edición especial de su último álbum que como un cierre para esta película. Sí, el proceso de creación y registro de “Wasting Light” fue totalmente distinto a lo que habían realizado con anterioridad, más aún considerando la contribución de Butch Vig y Krist Novoselic (donde se completa el círculo), pero ante tanta vanagloria, cabe la duda sobre por qué se le dio mayor importancia a ese álbum en lugar de formarlo como un capítulo más de la carrera de Foo Fighters. Aún así, es totalmente recomendable para indagar en la historia del conjunto.

Francisco Reinoso Baltar

María de los Ángeles Cerda

2008

2011

o n a d da

u i C El

l h o r G

El hombre más agradable del rock también es uno de los más agotadores: no hay día sin noticias suyas, es amigo de todos, y hasta para pelear resulta buena onda. Le gusta el Gangnam style, regala propinas fenomenales, probó las drogas pero las dejó, y regalonea a sus seguidores como pocos lo hacen. Acá el prontuario de acciones y declaraciones del líder de Foo Fighters. Por Marcelo Contreras

DE DICIEMBRE, 20:00 HORAS. EN 29 SEGUNDOS, GOOGLE ARROJA 319.000 RESULTADOS DE NOTICIAS AL ESCRIBIR EL NOMBRE DE DAVE GROHL. Los titulares cuentan que Kurt Cobain le dio un beso cuando escuchó demos de Foo Fighters, que nunca fue a un club nudista con Courtney Love, que Prince no lo pesca, que entrevistar a Barack Obama para el documental “Sonic highways” fue mucho más divertido de lo visto en cámara, que Oasis es la mejor banda en vivo de su vida, y cómo decidió dejar nuevamente las drogas. La primera vez fue a los 20 años cuando abandonó los hongos, el LSD y la marihuana, ahora tras ver volado un episodio de las Kardashian. Mucho. Diariamente da noticias con su chapa de amigable, y hasta parando los carros lo hace en buena, como sucedió con Gene Simmons cuando declaró el fin del rock (“no tan rápido señor dios del trueno”, lo atajó por Twitter), y al locutor radial Howard Stern, al intentar pelar a la viuda de Cobain. Grohl confiesa que de niño fue así. “Yo era un chico punk rock en la secundaria, pero más que ser un paria, era amigo de todos. Podía carretear con los volados, los nerds y los deportistas, nunca tuve un problema con eso. Son personas (…) Puedes ser Demi Lovato o el maldito baterista de Pantera. No me importa ¡tomémonos un trago!”.

TODA LA BUENA ONDA DE DAVE GROHL, NO SIEMPRE TIENE EL FEEDBACK QUE ÉL ESPERA. En 2011, mientras Prince hacía 21 fechas en el LA Forum, se enteró que el hombre de ‘When the doves cry’ tenía interés en armar una jam juntos. “Me instalé en la batería. Él agarró un bajo (…) entonces empezamos a tocar ‘Whole lotta love’, después tomó una guitarra. Tocamos durante cinco, ocho minutos. Terminamos y él dijo ‘estuvo bueno”, y yo ‘fue increíble’ (…), y él dice ‘¿qué haces la semana que viene?’. Y nunca más lo vi”. El músico también intentó contactar a David Bowie mediante el productor Tony Visconti, a fin de grabar una canción para una banda sonora. A pesar de intercambiar correos, la junta nunca sucedió por problemas de logística, según la versión de Grohl. SU MEMORIA CON LOS FANS, IMPRESIONANTE. La mejor historia sucedió en Inglaterra, 2008. Foo Fighters tocó en el festival de Reading y una chica con daño cerebral, fanática de la banda, acompañada de su hermana, esperó tras el show. Grohl caminaba por bastidores, las vio y se acercó para preguntarle si acaso era la seguidora que les había enviado fotos bailando sus canciones. Conversaron por 20 minutos y semanas más tarde, en un concierto de Queens of the Stone age, donde Grohl tocó batería, la reconoció y la invitó a asistir a la filmación de un video al día siguiente. Entre toma y toma, nuevamente el músico se la pasó charlando con la joven. Nunca hubo cámaras o asistentes alrededor.

DAVE ES COMO EL CHAPULÍN COLORADO. En 2011, mientras Cage the elephant teloneaba la gira de FF del álbum “Wasting light”, el baterista Jared Champion tuvo que ser operado de urgencia, tras estallar su apéndice. ¿Quién podría reemplazarlo? ¡Grohl! No tocó todo el concierto, pero se hizo cargo de los últimos cinco temas. Tampoco es apretado. Hace tres años dejó propinas por US$2000 en un bar en Filadelfia entre un viernes y un sábado, donde los cócteles costaban un máximo de diez dólares. AUNQUE SE HA ENCARGADO DE DEJAR EN CLARO QUE INCLUSO LA MÚSICA ELECTRÓNICA LE AGRADA, cada cierto tiempo repasa a los exponentes del género. “La gente se ha olvidado de lo que es realmente rockear, porque pasan el día entero delante del computador, que les tiene presos como un nuevo dios”. Según Dave Grohl, para hacer música, nada como la alineación de una banda. “La felicidad, la suerte o cualquier buen sentimiento está basado en la interacción entre humanos, en hacer a otra gente feliz, haciendo algo de corazón. La música es un medio perfecto para esto. Qué puede haber más humano que componer una canción con un bajo, una batería y unas guitarras?”. Curiosamente, para el guitarrista y baterista, uno de sus temas favoritos de la última década es un súper exitazo pop hecho solo con máquinas: “Puedo honestamente decir en voz alta que Gangnam Style es una de mis canciones favoritas de la última década”. GROHL DICE QUE NO LE GUSTAN LAS PELEAS, por lo mismo se desentiende de los escasos conflictos que ha tenido en su carrera. Por ejemplo, el despido del baterista de los primeros años, William Goldsmith, apartado de la banda porque se consideraba que no podría tocar tan bien como el líder (“desearía haber manejado las cosas de otra manera”, ha dicho sobre ese episodio). Y a pesar de su entusiasmo por el rock como una cultura aún poderosa, Grohl no es particularmente optimista sobre los nuevos grupos. “Los chicos de ahora son listos y dóciles. Una parte de mí siente que los músicos de rock no son tan vivos y criminales como solían. Mi generación, la que creció en los ochenta, éramos fumadores, fracasados escolares, y ladronzuelos”, le dijo a Rolling Stone. Grohl también cree que en el rock el tamaño si importa. “Me he dado cuenta de que los grupos son más bajitos ahora. ¿Qué mierda ha pasado? Son personas pequeñas. No sé si será la genética o la evolución… Recuerdo que los tipos en los grupos eran grandes. Cuando estaba en Queens Of The Stone Age con Josh (Homme), Nick (Oliveri) y Mark Lanegan, era como en la película “Los Guerreros”, de 1979. Cuando caminábamos los cuatro por bastidores, el pianista dejaba de tocar. Nadie jodía a esos tipos. Eran hombres grandes”.

Por AndrĂŠs Panes

Desde que se convirtió en una celebridad, Dave Grohl tiene una opinión sobre cada asunto de importancia que se le consulte. Y, de un tiempo a esta parte, es común que pontifique acerca de lo humano y lo divino. No es para menos: incluso veteranos como Paul McCartney (cuando quiso acercarse al rock pesado) o Stevie Nicks (en apuros por la mala promoción de su disco “In your dreams”) se han acercado al líder de Foo Fighters en búsqueda de orientación. “Uno de los errores más grandes que cometen las bandas es consumir drogas. Yo probé bastantes antes de cumplir 20 y nunca le diria a alguien ‘no lo hagas’ porque me convertiría en un hipócrita. Pero, si eres un músico joven, debes ser realmente cuidadoso con ellas. He visto gente morir y perderlo todo. Para mí, es el peor escollo: no es fácil ser jóven y las drogas sólo empeoran las cosas”. (Entrevista en BBC, 2009) “La culpa es un cáncer. Te confinará. Te torturará. Te destruirá como artista. Es un muro. Es un hoyo negro. Es un puto robo. Hará que te alejes de ti mismo”. (Charla en SXSW, 2013) “Cuando hay tanto por hacer, ¿por qué pasar el tiempo enfocándote en cosas que ya hiciste, contando trofeos o narrando historias sobre los viejos tiempos?”. (Charla en SXSW, 2013) “Es TU VOZ. Celébrala. Respétala. Nútrela. Desafíala. Amplíala y grita hasta que se haya ido porque todo el mundo fue bendecido con una y quién sabe cuánto va a durar. ¿Quién está autorizado para decir si una voz es buena o no? ¿”The voice”? Imagínate a Bob Dylan sentado ahí tocando ‘Blowin’ in the wind’ frente a Christina Aguilera”. (Charla en SXSW, 2013) “Quiero que la gente escuche nuestra música, no me importa si pagan un dólar o 20 por ella, pero que escuchen la puta canción (...) ¿Quieres que la gente escuche tu

música? Dales tu música. Y después anda a tocar en vivo. Si les gusta tu música, irán a ver el concierto”. (Entrevista con Digital Spy, 2014) “La música no debería tratarse de hacer carrera y cumplir ambiciones. No es física cuántica. Yo manejo esta organización llamada Foo Fighters sin zapatos y con una polera manchada con ají. Hay más en la vida que trabajo. Tu corazón debe estar funcionando para hacer lo que hacemos, escribir canciones y saltar al escenario después de estar dos años en la carretera. Te mataría si no lo hicieras”. (Esquire, 2007) “Para mí, la música era una vía de escape para no pasar la vida trabajando en una fábrica de muebles. Todavía la siento así. Al final del día, ¿importa cuánta gente está parada frente a ti mientras tocas una canción? Aun así vas a querer hacer música. Me sentiría igual de feliz que ahora si estuviese en un antro de mala muerte tocando covers de Creedence para seis personas”. (Esquire, 2007) “Tuve una revelación después de conocer a Neil Young y su familia: puedes hacer música para siempre mientras tengas algo fuera de ella que te mantengan inspirado. El tiempo que paso con la banda es asombroso y tan divertido que me dan ganas de vomitar. Pero el amor que recibo de mi familia me mantiene energizado y suficientemente vivo para seguir en la música. Estaría jodido sin una de las dos”. (Esquire, 2007)

“-¿Qué consejo le darías a un batero de 17 años? -Escucha “Back in black” de AC/DC”. (Sesión AMA en Reddit, 2013)

“No deberías sentirte intimidado por tus héroes, deberías sentirte inspirado por ellos. No mires el poster pegado en tu pared pensando ‘nunca podré hacer eso’. Mira el poster pegado en tu pared pensando ‘¡voy a hacer eso!’”. (Discurso en el Salón de la Fama del Rock and roll, 2014) “-¿Qué le dirías a un veinteañero que busca una carrera que lo sustente económicamente sin sacrificar sus pasiones? -Sólo serás grandioso en las cosas que amas hacer. No hagas carrera en algo que odias hacer”. (Sesión AMA en Reddit, 2013) “La fama te jode la cabeza, y si no tienes cimientos sólidos, barre contigo. Cuando Nirvana se hizo famoso, tenía sólo 21 años de edad, pero tenía cimientos sólidos. Cada vez que las cosas se ponían demasiado locas, volvía a Virginia y pasaba tiempo con la gente que más me quiere, y eso me mantuvo a salvo. Los chicos que ahora experimentan la fama, el dinero y los paparazzis, necesitan levantar el culo de los clubes nocturnos y hacer un asado con su jodida familia una vez a la semana”. (Entrevista con Maxim, 2007) “Es un gran honor porque “Wasting light” es un disco especial para nuestra banda. En vez de ir al mejor estudio del mundo en Hollywood, y en vez de usar las grabadoras más lujosas que el dinero puede comprar, lo hicimos en mi garage con algunos micrófonos y una grabadora a cinta. Para mí, este premio significa mucho porque demuestra que el elemento humano es lo importante de la música. Cantarle a un micrófono, aprender un instrumento, aprender el oficio. Eso es lo más importante que la gente puede hacer. No se trata de ser perfecto, no se trata de sonar absolutamente correcto, no se trata de lo que hay en un computador. Se trata de lo que hay en la cabeza y en el corazón”. (Discurso de aceptación del Grammy por Mejor Álbum de Rock, 2012)

s e n o i c n a Las 20 c úblico chileno favoritas del p

Preguntamos a los fans a través de nuestras redes sociales cuál es su canción favorita del conjunto de Dave Grohl y por qué. La lista está formada principalmente por temas que han impactado a los seguidores de la banda porque han marcado un momento de sus vidas y también por cuán distintivo es su sonido. 56

1. THE PRETENDER. Porque cuando estás bajoneado lo pones a toda llave y te sube el ánimo. Es un T E M A Z O ! (Alejandro Matías) 2. WHEELS. Simplemente es imposible aburrirse de esa canción, y me siento afortunado por haberla escuchado cuando vinieron. (Simón Romero Guiñez) 3. I AM A RIVER. Me gusta porque esta canción tiene un poder fuerte en su melodía, cuenta una gran historia con la música y el inicio es genial. Viva Foo Fighters!!!!!! (Miguel Angel De Jesus Faundez Diaz) 4. BEST OF YOU. No existe la necesidad de saber la letra para entenderla, aunque Dave las canta todas con el corazón, en este tema lo resalta en su 200% (Alonso Jose De Ramón Medina Gomez) 5. WALK. Es que todos están tan insertos en la rutina, que el aprender a caminar nuevamente sin esperar a que las cosas pasen es la invitación diaria a hacer las cosas que se disfrutan, a despeinarse y dejar de preocuparse. Dejar de ser amargado y dejar de pensar en la miseria, no pensar mas en lo que pasó o en lo que pudo ser. (Laura Hurtado Verdugo) 6. THESE DAYS. Un tema que a pesar de ser de un disco más reciente, representa mucho lo que trasmite Foo Fighters, que siempre te van a pasar cosas malas de algún modo, y eso todos lo vivirán al fin y al cabo, siendo de algún modo, una manera optimista de ver las cosas. Si mal no recuerdo, en algún concierto importante, Grohl dedicó este tema a Cobain y a Novoselic, haciendo un homenaje así al fin de una banda increíble y al nacimiento de Foo Fighters. (Joaquin Diaz)

9. STILL. La sutileza, la delicadeza y la historia tan trágica que tiene combinan perfectamente en una sola canción (Sebastián Ortiz Reyes) 10. MONKEY WRENCH. Fue la primera canción de los Foo que me sorprendió, y ese disco “The colour and the shape”, es el más redondo que han hecho para mi gusto (Nicolas Grisanti Reiter) 11. GOOD GRIEF! comienza con una batería ensordecedora y muy poderosa, el ritmo es genial y te mantiene alerta y motivada. Es especial para comenzar el día (Fernanda Cronopia) 12. STACKED ACTORS. Es potente, rítmica y una buena patada para Courtney Love, excelente letra (Karem Loreto) 13. BREAKOUT. Porque hay veces que me dan ganas de reventar y decirle un par de cosas a algunas personas que creen que estoy para su hueveo. (René Cristian Valdovinos Mendoza) 14. LEARN TO FLY. Esta es mi favorita porque la escuché por primera vez poco antes de postular a la FACh (si, la misma fuerza aérea de Chile). Me motivaba harto en ese momento. Igual no me seleccionaron, pero quedó como mi canción favorita de Foo Fighters hasta ahora. (Daniel Briones Riveros) 15. WALKING AFTER YOU. Me recuerda al amor de mi vida. Se la dediqué cuando estábamos juntos (Joche Cerezza) 16. I’LL STICK AROUND. Protagonista de una bella historia de amor a primera vista. (Paulina Andrea Vidal) 17. ARLANDRIA. Me gusta instrumentalmente, el hecho de que uno le pueda dar más de un significado a la letra y que los cambios de ritmos son acertados (Pilar C.J. A.O)

7. FEBRUARY STAR. Es una canción hermosa tocada de manera magistral, la banda se nota muy afiatada en toda esa presentación de “Skin and Bones” y los músicos que los acompañan con los instrumentos adicionales en ese tema en particular se complementan súper bien. Ese estilo medio acústico les queda súper cómodo (Coti Pinochet) 8. EVERLONG. La letra es muy potente y por lejos es la canción más emotiva que tienen. Por algo siempre cierran los shows con ella.(Cristóbal Castillo)

18. ALL MY LIFE. Porque contiene la esencia del rock grunge, se acerca lentamente y de pronto te vuela la cabeza, como todo lo importante en la vida!!! (Gaby Dover) 19. MY HERO. Porque es la mezcla perfecta de emoción y rock, solo debes escucharla y sentirla, eso se explica por sí solo. Gracias Foo Fighters. (Marcela Luve Ortiz) 20. HEY, JOHNNY PARK! Porque tiene esa frescura de una banda nueva (Diego Finschi)

Foo Fighters Su debut en Colombia

Por Alejandro Bonilla

A veinte años de su primer trabajo discográfico el grupo llega por vez primera a Bogotá, el sábado 31 de enero. En dos décadas de espera su público por estas tierras es amplio y trasciende generaciones, sin embargo el deseo es el mismo: disfrutar y cantar a todo pulmón los títulos de un repertorio bien conocido por todos.

os liderados por Dave Grohl tomarán lugar en la tarima del estadio el Campín, espacio donde habitualmente disputan sus partidos los clubes Santa Fe y Millonarios. El recinto ha abierto sus puertas al género en contadas ocasiones dada su controversia por el acceso de multitudes al gramado: Una maratón de figuras del movimiento rock en español en 1988, la caótica visita de Guns N’ Roses en 1992, una aplaudido Bon Jovi en 1995 y solo hasta 2012,cuando el beatle Paul McCartney pudo deleitar a más de treinta mil espectadores su nombre de mencionó por algo distinto a la pelota.

El paso de Foo Fighters por Suramérica en el año 2012 pese a los fuertes rumores no fijó finalmente una fecha en Colombia. Ahora, con un disco recién puesto en tiendas y ‘Something From Nothing’ retumbando en el FM, se espera que este primer encuentro del quinteto estadounidense -a 2.600 metros de altura sobre el nivel del mar- con sus fans nacionales sea memorable. A propósito de la cita, hablamos con Diamante Eléctrico, la agrupación bogotana encargada de abrir el espectáculo al igual que con un par de seguidores de Foo Fighters. Las expectativas son altas.

DIAMANTE ELÉCTRICO La banda surgida en 2012 se caracteriza por un sonido melódico marcado por la crudeza y donde el alma blusera siempre está presente. Reconocen una influencia por parte de la banda anterior de Grohl, Nirvana. En 2013 publicaron su primer disco de título homónimo y del cual su segundo single, “Nos rompemos igual” llegó a primeros lugares en la radio colombiana. “Sabemos la gran responsabilidad que es abrir este show, pero lo recibimos con mucha emoción y humildad. Sabemos que somos una banda que se hizo tocando en vivo entonces nos sentimos felices de poder hacer lo que más nos gusta y de esta exposición a tantos nuevos oídos”, manifiestan sus integrantes sobre este reto. Sobre la banda que les precederá en tarima no quieren perder detalle: “Foo Fighters son una leyenda, tienen enormes canciones. Admiramos a Dave desde sus días en Nirvana, quiénes si no ellos para empujarnos a todos los que teníamos 12 años entonces tocar una guitarra”, aseguró su cantante y bajista Juan Galeano. El trío lo completan Daniel Álvarez en guitarra eléctrica y Andee Zeta en batería. Ellos esperan brillar en 2015, a la par que demostrar su dureza con una serie de presentaciones dentro y fuera del país para promover su segundo álbum,titulado “B”: “Vamos a re-

correr nuevas ciudades con bandas amigas, en los Estados Unidos, México y Argentina. Queremos llegar a mucha gente tocando como nos gusta, en vivo”. www.diamanteelectrico.com

HABLAN LOS FANS COLOMBIANOS Freddy Pinilla Director de Foo Fighters Colombia

“Soy de la generación que vivió la sequía de conciertos después del concierto de Guns N’ Roses, así que acudo a cuanto concierto puedo debido a que es difícil creer que artistas de este calibre regresen por aquí. Contemplar la banda con la cual se creció, que en estos momentos es la más grande del planeta y que poseen uno de los mejores shows en vivo es irreal. La verdad no lo he asimilado completamente… Entendimos que en 2012 fue complicado; son uno de los grupos con un precio más elevado en el mercado y siempre se han puesto obstáculos para el préstamo del estadio para actividades distintas al fútbol. Como cabeza del sitio Foo Fighters Colombia, me sorprendió que antes de anunciarse la presentación no había tanta gente integrada, ahora son muchos los que quieren hacer parte y saber más de ellos. Estoy seguro que será una noche magistral. Donde repasaran sus grandes canciones y se encontrarán con un público muy prendido. Era una deuda su presencia y el momento de saldarla ha llegado”.

Diana Carolina Pardo Diseñadora gráfica

“Una mañana escuché en la radio la noticia de que Foo Fighters tenían a Colombia entre pocos países de Latinoamérica para ser parte de su tour Sonic Highways. Sentí una indescriptible emoción, pues como fanática de ellos es una visita esperada por años. Quiero ser testigo de esa incontrolable y desbordante energía que los caracteriza en sus presentaciones, a su vez poder presenciar cada uno de sus grandes éxitos… los que los llevó a la cima de su carrera junto a las canciones más representativas de su último álbum, que lo encuentro excelente. Esta visita al país abre las puertas a otros grupos de talla mundial, demostrando que shows de ésta magnitud con un público dispuesto a pagar, asistir, y deleitarse con artistas legendarios es posible”. Datos del concierto Fecha: Sábado 31 de enero de 2015 Lugar: Estadio El Campín (Bogotá) Hora: 7:00 p.m. Más información:http://www.ocesa.co/

Dave Grohl hace 20 años “Like a Rolling Stone” Por Alfredo Lewin

El 17 de octubre de 1994, Dave Grohl entró a un estudio de Seattle con la intención de grabar sólo otro demo-tape. Tal vez tenía otra cosa en mente -ganas no le faltaban- pero no acababa de decidirse… o entenderlo. En aquellos días, Tom Petty le había ofrecido el puesto de baterista en sus Heartbreakers y, de aceptarlo, Dave se mantendría en un segundo plano, opacado por el brillo de un Kurt Cobain primero y ahora un Petty: Iconos americanos. Pero fue esa banda, la de Tom Petty, que lo tuvo de invitado tocando en vivo para un programa estelar de televisión, la misma que le aconsejó que se la jugara por su propio material. 62

urante meses, Grohl había sido devastado por circunstancias que no le eran propias, incapaz de decidirse a pensar en la música de nuevo. ¿De verdad estaba tan inhabilitado? Porque ahora aquí estaba, sin una ruta clara, no obstante acompañado de su viejo amigo y productor Barrett Jones quien lo veía volver a grabar justamente en donde se había registrado la sesión de grabación final de Nirvana, en enero de aquel mismo 1994. En esa semana de octubre Dave Grohl y Jones registraron aproximadamente 15 canciones que el baterista había estado trabajando desde años atrás. ¿Algo solo para los amigos? ¿O para la industria? CRISIS/OPORTUNIDAD El rumor estaba fuera de discusión. Tarde o temprano, el hiperkinético Grohl volvería a las pistas y las discográficas que estaban en plena euforia de reciclar todo lo que fuera Nirvana se lo pelearían. Dave lo sabía pero no terminaba de aceptarlo. La leyenda cuenta que todos los que oyeron aquellas cintas le rogaron que siguiera y muchos se sorprendieron al descubrir que el postergado baterista de Nirvana había estado tramando algo durante años -y por su cuenta- como si presintiese que lo de Nirvana estaba lejos de ser para siempre. De pronto, el hombre que había sido “el afortunado de no ser el próximo baterista reemplazado por Cobain” tenía una presión y “pretensión que le incitaba para iniciar su propia banda. Era una oportunidad. EL COLOR Y LA FORMA DE FOO FIGHTERS Mientras que algunos podrían argumentar que este debut carece del color y la emo-

ción del segundo disco, la verdad es que es esta misma primerísima colección de canciones la que fue espoleada por la muerte, la reacción a una separación obligada, al divorcio y en consecuencia tiene un sentimiento de más crudeza que cualquier otra cosa que Grohl haya hecho, la opción de seguir a toda costa. Y porque también fue el resultado de cuatro años de retoques, afinaciones de la fórmula y del desarrollo creativo de una persona que si bien estaba haciendo todo solo, y que no quería ser Lenny Kravitz precisamente. Los Foo Fighters han recibido más y mejores elogios por álbumes posteriores al debut (“The Colour and the Shape”, para empezar) pero la incertidumbre y crudeza de este disco es lo que ayuda a darle más intimidad; sí, un álbum “íntimo” que rockea como un huracán. Es que era Dave solo y con mucho que perder, el ex baterista tratando de formar su propia banda

después de la escisión de los más grandes de Seattle, algo que pudo haber llegado a ser un fracaso vergonzoso. Aunque no había manera de evitar pensar en el fantasma de Nirvana mientras escuchabas a Foo Fighters hace 20 años, desde el principio quedó claro que valían por sí mismos, y tampoco era un asunto de que “sonaran” tanto a Nirvana. Si bien los Foo Fighters surgieron de las cenizas de otra banda, por tanto su forma es “nirvanesca”, las verdaderas raíces de la banda yacen en los años de grabaciones personales trabajadas por Dave Grohl. El ex baterista de Nirvana había tocado la guitarra y escrito canciones desde que tenía memoria en Washington, DC, del adolescente que también acostumbraba a tocar la batería en varias bandas hardcore del área. A los 17 era el baterista de un reconocido estandarte del punk, Scream, y a los 22 se unía a Nirvana, no obstante lo anterior, siguió trabajando en su propio material, durante las pausas de las giras y del estudio. Después de terminar el “Nevermind” (1991) de Nirvana, Grohl había regresado a DC para grabar varias pistas, pero cualquier plan de hacer algo en serio con ellas quedó postergado por el lanzamiento del “In Utero” (1993) y la posterior muerte de Kurt Cobain (1994). PERSISTENCIA: I’LL STICK AROUND Ese mismo año nefasto de 1994, Grohl grababa lo que sería el primer álbum de Foo

Fighters, solo que él no lo sabía. El ahora único miembro o más bien “el solista” Dave Grohl tocó todos los instrumentos con la excepción de la canción ‘X-Static’, que contó con la guitarra invitada de Greg Dulli de Afghan Whigs. A pesar de que con Nirvana había escrito y cantado apenas una canción, el lado B “Marigold”, Grohl demostró en estas canciones un instinto para ganchos pop a la altura de Cheap Trick y para el rock de guitarras “moderno” para los estándares de los noventa. Luego vino el nombre de Foo Fighters, así le llamaban a algunos pilotos estadounidense de la Segunda Guerra Mundial quienes habían avistado extraños objetos, y luego la firma con Capitol. Tras ello Dave se vio en la obligación de formar una banda para un tour 1995, fue entonces que reclutó al bajista Nate Mendel, al baterista William Goldsmith de la recién disueltos Sunny Day Real Estate y a Pat Smear, el ex guitarrista de los Germs, que se había unido a Nirvana para la gira 1993. Pese a que fue grabado durante la tercera semana de octubre de 1994 en el estudio de Robert Lang en Seattle, “Foo Fighters” fue publicado ocho meses después a mediados de 1995, un álbum debut que está lleno de masticables con sabor a pop rock alternativo de dulce sabor, pero, por su-

puesto, blindado con una exuberante despliegue de guitarras pesadas que conformaban un muro-de-sonido muy grueso del que era difícil no prendarse. Cuando “Foo Fighters” finalmente apareció, Grohl fue citado diciendo que quería hacer todo lo posible para distanciarse del éxito de su anterior banda, para evitar ser rotulado como un spin oﬀ de Nirvana, una mera fuente de ingresos que le rendía tantos créditos a otras bandas de la época, que eran criticadas por lo mismo: parecerse a Nirvana. Grohl probablemente no esperaba algo tan meritorio como ganar Grammys o cosas así o dos ni menos posesionarse en el tope de la pirámide del rock moderno. Y es que al escuchar este disco, haciendo todo lo posible para situarlo fuera de contexto, es difícil imaginar que el sonido de los Foo Fighters iba a mutar en la quintaesencia del sonido “rock moderno”, en lo absoluto. Eso estaba por consumarse años después, probablemente con el “There is Nothing Left To Lose” (1999). I DON’T OWE YOU ANYTHING? ¿Es este álbum perfecto? Por supuesto que no. Es muy desprolijo, e incluso puede que suene como un demo-tape, sobre todo

conociendo la historia de su concepción. Pero a pesar de todos sus defectos, es el compendio de años de un trabajo privado -a veces suave, a veces enojado, a veces feliz, y a veces deprimente- de un tipo que estaba en el pie correcto para saltar al otro lado. Con las 12 canciones pasa lo usual, algunas son mejores que otras pero tampoco no hay nada acá que suene como relleno, aunque por ahí se mencione ‘Weenie Beenie’. Suponemos que esa es la ventaja del “ahorro” de Dave, de toda su energía transformadas en canciones, temas en los que invirtió a través de los años, de un sonido compacto y robusto que incluso daba la impresión de que siempre se trató de una banda completa siendo que entonces era solo Dave, eso era Foo Fighters. Más que un gran debut, un encanto a primera vista y simple escucha. Lo mejor de todo, es que gracias a las letras abstractas, el que lo oía podía hacer de ellas básicamente lo que se le ocurriera, y gracias a la gama emocional desplegada, es adecuado para cualquier tipo de estado de ánimo. Este es el verdadero secreto del éxito del registro y la razón del porqué aún hoy se empina tan alto como cualquier otra cosa que Dave Grohl haya hecho desde entonces. ¿Quién hubiera pensado que el baterista de Nirvana se iluminaría al mando de una banda que vendería estadios y ganaría Grammys? No pudo haber parecido posible en el año 1995 cuando Grohl lanzó este álbum “Foo Fighters” pero este “modesto” registro puso toda la maquinaria en movimiento. Desde sus melodías terrenales a la ciencia-ficción de la portada (aquella pistola desintegradora) este álbum es digno de todo el bombo y los platillos y, por lo demás, sigue siendo un gran lugar para empezar si estás buscando entrar en la discografía del grupo. A REY MUERTO... Kurt Cobain y Dave Grohl siempre parecieron compartir una gran cantidad de ideas similares sobre cómo hacer música pero fueron las pequeñas diferencias las que los distinguieron, Foo Fighters es una fundamental. Mayores y mejores cosas vendrían con el tiempo para el quinteto norteamericano pero esto sigue siendo un álbum más que digno de su tiempo. Y de nuevo, en cuanto a debuts, este es un punto de partida estelar, lo hubiera sido para cualquier banda, no solo para Foo Fighters.

4 1 0 2 e d R O J E M O L 14 de enero 28 de enero

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o e tu Smartph v d s e d s o iv h rc n rockaxis.t Revisa los a e r o d ta u p m Tablet o Co /RockaxisTV youtube.com ockaxisTV vimeo.com/r osiano) in Reinoso (@Re o h c n a P : e c u Cond

DIsCOS Black Veil Brides IV

El otrora productor de Metallica, Bob Rock, estuvo detras de la produccion del ultimo trabajo de los angelinos, donde consigieron una formua mas radial, que les ha significado un creciente exito a nivel global.

Emigrate Silent so long Richard Kruspe, uno de los guitarristas y compositores de Rammstein, presento su segundo trabajo con su proyecto Emigrate, un disco que amalgama el rock y el metal industrial, con toques electronicos y goticos que fluyen y crecen en cada escucha.

En esta edición DISCO DEL MES

The Smashing Pumpkins “Monuments to an Elegy”

DESTACADOS POR ESTILO: VANGUARDIA:

Faust, “j US t” METAL:

Hielo Negro El gran camino El gran camino es una nueva historia de fidelidad hacia la musica de ruta, complementada por un kilometraje en constante incremento: Hielo Negro debe ser una de las bandas mas activas en Chile. Sin apelacion, este album mantiene al trio como una de las agrupaciones punteras de la escena local.

Primordial, “Where greater men have fallen” XCORE:

The Ghost Inside, “Dear Youth” DVDAXIS

Ozzy Osbourne, “Memoirs of a madman” 67

DISCO DEL MES

n una vieja entrevista con Rockdelux, previa a la salida de “Mellon collie and the infinite sadness”, Billy Corgan enumera cuatro cosas que le desagradan: la estética Sub Pop, tocar en grandes festivales, que el público se distraiga en sus conciertos y el autobombo. Con el revival grunge en plena marcha, la fiebre festivalera en su máximo apogeo, los celulares con cámara e internet al alcance de todos y la proliferación de la egolatría mediante las redes sociales, suponemos que los últimos años deben haber sido infernales para el único integrante estable de Smashing Pumpkins. Su discografía reciente apoya la conjetura: los palos de ciego han sido la tónica de una carrera antes primorosa. Si bien “Adore” y los dos “Machina” sufrían falencias, simbolizaban movimiento en nuevas direcciones, una inquietud que dejó de manifestarse desde “Zeitgeist” en adelante. Los Pumpkins se quedaron atrás y su líder acabó convirtiéndose en algo así como el Internet Explorer de los rockeros alternativos: un producto desfasado en el tiempo, incómodo de mirar y de rendimiento decepcionante. Justo cuando casi nadie daba un peso por el “grupo”, aparece “Monuments to an elegy” para recordarnos que un genio, aunque esté en apuros, sigue siendo un genio. A partir del powerpop de ‘Tiberius’, guiado por una guitarra con un zumbido muy Rivers Cuomo, la ansiada rehabilitación creativa de Corgan entra en marcha por fin. Atrás quedaron los delirios progresivos de “Oceania”: los 32 minutos que dura el álbum, repartidos en apenas nueve canciones,

sorprenden por su concisión y economía, términos recién incorporados al vocabulario de un músico famoso por su pomposidad. Incluso la participación de Tommy Lee, sentado en la batería en reemplazo del joven Mike Byrne -un tipo con menos de la mitad de su edad-, se mantiene austera, a menos que sea necesario que acentúe un verso (“tocaré esta batería hasta el día de mi muerte”) en la sentida ‘Drum + fife’ o que intervenga con ahínco en el par de canciones que mejor cumplen la promesa de Corgan sobre el contenido del disco: “guitarras, guitarras, guitarras y más guitarras”. Hablamos de ‘One and all’ y ‘Anti-hero’, dos cortes destinados a satisfacer el paladar de fanáticos antiguos en búsqueda de sabores tradicionales. Ornamentado por sintetizadores que no ocultan su admiración por New Order, y que de tanto en tanto asumen las riendas (‘Dorian’, ‘Run2me’), “Monuments to an elegy” se basa principalmente en las seis cuerdas. Evade, eso sí, la categorización de rock simple y llano a través de temas con aroma funk (la contundente ‘Anaise!’) o emo (la sensiblera ‘Being beige’). Como los mejores discos de los Pumpkins, fue hecho con un equipo de rostros familiares: el guitarrista Jeﬀ Shroeder, miembro oficial desde 2007; el productor Howard Willing, responsable de “Adore” y de ambos “Machina”, detrás del vidrio; y el masterizador Howie Weinberg, partícipe de los gloriosos “Gish” y “Siamese dream”. Moraleja: hasta los tiranos como Corgan necesitan gente de confianza para sacar lo mejor de sí. Andrés Panes

DISCOS

BLACK VEIL BRIDES Black Veil Brides IV LAVA/UNIVERSAL REPUBLIC

Siguiendo la estela de éxito del álbum “Hail to the king” de Avenged Sevenfold, los Black Veil Brides de Los Angeles decidieron replicar la fórmula en su cuarto

disco para lograr su trabajo más exitoso, comercialmente hablando, hasta la fecha. ¿La receta a imitar? Simplificar los arreglos, utilizar un solo riﬀ principal por canción y meter muchos coros radiales y gancheros que funcionen a la perfección, quedándose con facilidad en los oídos del auditor. Y si hay alguien que sabe cómo producir a bandas de rock de estadios, ese no es otro que el legendario Bob Rock. El maestro de las perillas hizo sonar el disco como un cañón y pulió cada detalle: mejoró las intervenciones del cantante Andi Biersack de manera exponencial, cuidó cada coro y cada armonía vocal, sacó lo mejor de la dupla de guitarras de Jake Pitts y Jeremy Ferguson, y dejó simple y directa (pero totalmente efectiva) la base rítmica del bajista Ashley Purdy y el baterista Christian Coma. En

FOREIGNER

The best of Foreigner 4 & more SONY

Es cierto que, desde su regreso a la escena el 2004, el combo liderado por el guitarrista británico Mick Jones sólo ha editado un LP con material nuevo y el resto han sido una serie de DVD en vivo, discos acústicos, regrabaciones y clásicos compilados de “Greatest hits”. Pero hay poco de qué quejarse cuando la banda entrega un CD tan aplastante y de suprema calidad como este “The best of Foreigner 4 & more”, un álbum en vivo que rebosa potencia y una interpretación magistral de parte de toda la banda. Tal como su nombre lo indica, el disco incluye nada menos que siete cortes de “4” (1981), el disco más vendedor en la historia del grupo con cifras que superan los diez millones de copias. Sin respetar el orden original del disco de estudio, van cayendo los temas de “4”, como el fenomenal ‘Woman in black’, que suena infinita-

síntesis, creó un disco de hard rock mainstream puro, de potencial atractivo para todo tipo de público. Está claro que, en lo concerniente al mercado americano, bandas como Avenged Sevenfold y Black Veil Brides son las llamadas a tomar la antorcha y constituir el relevo generacional del hard rock y el metal en vivo, cuando los grandes dinosaurios poco a poco se vayan extinguiendo de los escenarios. Y, a la luz del éxito del disco, las Novias de Velo Negro apostaron al todo o nada con esta cuarta entrega, a pesar de esa portada de videojuego claramente dirigida al público adolescente. Pero, al menos en lo musical, el resultado es bueno. Pulgares arriba. Cristián Pavez

mente más pesado. ‘Urgent’ destaca el gran trabajo dual de las guitarras del jefe Mick Jones y Bruce Watson, y por supuesto también aparece el inolvidable saxofón de Thom Gimbel, acoplado a las otras canciones como un tercer guitarrista. ‘Waiting for a girl like you’ es de esas baladas inmortales, un mega hit donde toman protagonismo las teclas de Michael Bluestein, pero siempre manteniendo la base rockera, como en la sensacional ‘Break it up’. Las bellas ‘Girl in the moon’ y el hit ‘Say you will’ reciben un tratamiento acústico muy intimista y delicado: pareciera que Foreigner está tocando en el living de la casa de Mick Jones en vez de una gran arena. Algunos preguntarán dónde están ‘Double vision’ y ‘That was yesterday’, pero aquí hay 80 minutos de pura magia musical de una banda que, junto a Journey, Survivor, Toto y Boston, puso al rock melódico en lo más alto de los charts para la posteridad. Cristián Pavez

LYNCH MOB Sun red sun

RAT PAK RECORDS

El prolífico héroe de la guitarra, George Lynch, está de vuelta con un nuevo álbum de su pandilla Lynch Mob. “Sun red sun” es el nombre de la placa y también como se le conoce al intenso y abrasador sol del desierto de Arizona, lugar de residencia de Lynch y el entorno donde se grabó el disco. Esa vibra árida, desértica y calurosa se percibe a lo largo y ancho del disco, sobre todo en la soberbia rendición de ‘Burnin’ sky’ un gran cover de Bad Company, donde Oni Logan brilla con su voz llena de blues y Lynch mete unos fills propios de su clase, algo que se repite en la gran balada llena de soul del tema titular. Pero hay mucho más, y el inicio con ‘Believers of the day’ posee el gancho habitual de Lynch y sus grandes solos, que repite de forma

impresionante en la tremenda ‘Play the game’ y su extenso lead. También nos encontramos con una interesante instrumental en ‘Black waters’, que realmente sitúa al oyente en medio del desierto. Robbie Crane (ex Ratt) continúa en el bajo y Scott Coogan en la batería ‘Subliminal dream’ suena pesada, lo mismo que ‘Erotika’, en que el bajo de Crane aporta poder, para luego dar paso a cuatro temas previamente conocidos y editados en el EP “Sound Mountain Sessions” del año pasado. En su visita a Chile durante el 2013 con Big Noize, Lynch comentó que debía trabajar mucho, lo que queda manifiesto en el incesante ritmo de producción de sus proyectos paralelos a Lynch Mob, como T&N, KXM y Sweet & Lynch (con el vocalista de Stryper, Michael Sweet), que será lanzado a comienzos de 2015 por Frontiers Records. Como ven, hay magia y virtuosismo del maestro para rato. Cristián Pavez

FAUST j US t

BOUREAU B

La leyenda del rock alemán sigue en el camino creativo y de exploración musical que comenzó a principios de la década de los 70 y que, en los últimos años, ha entregado excelentes álbumes. Bajo las directrices de los miembros originales Jean-Hervé Peron y Zappi Diermaier, la banda ha sabido mantener su impronta estética cruda, radical, ruidosa y en las antípodas de lo refinado, como lo demuestra, una vez más en su historia, este nuevo registro. Los provenientes de Hamburgo han forjado, en estos largos años de labor creativa, una identidad musical propia y específica: no son cultores o continuadores de determinada corriente. Al contrario, han sido ellos mismos quienes han inventado un lenguaje musical que no podríamos llamar de otra manera: Faust. El LP exhibe el universo musical tan particular de los germanos. “Fundaciones musicales”, según las notas de la disquera. Por ejemplo, la apertura con ‘Gerubelt’ es

la quintaesencia del Faust más dañino –o dañado, severo, ruidístico, electrizante y aparentemente caótico. O en ‘80hz’, el experimentalismo improvisado se hace presente con fuerza inusitada: crujidos, ruidos y melodías inconexas que dan el paso a la más hipnótica ‘Sur le ventre’, una pieza que fusiona declamaciones, sonidos de bajo y batería, en el estilo único de Peron y Diermaier. Dos piezas claves del álbum, que sirven como muestra de dos facetas de la banda, aparecen en la brutalidad experimen-

talista de ‘Ich bin ein pavian’ y la lisergia cósmica de ‘Ich sitze immer noch’. A la luz de este nuevo disco de los pioneros alemanes, quienes crean que la vitalidad es patrimonio de los jóvenes, están totalmente equivocados. La originalidad musical no es dominio de ningún grupo ni sector, sino de quienes, con el corazón abierto y los cojones necesarios, son capaces de construir una nueva estética musical. Ese es, sin duda, el caso de Faust. Héctor Aravena A.

EMIGRATE

Silent so long VERTIGO

Un silencio demasiado largo fue lo que hubo entre el pobre, plano y discreto disco debut homónimo de Emigrate (2007) y su sorprendente, tremendo y muy bien logrado segundo disco, “Silent so long”. Richard Z Kruspe, uno de los guitarristas y compositores de Rammstein, y el cerebro detrás de Emigrate, esta vez se puso las pilas. Su duro trabajo rinde frutos con un álbum que evidentemente hará las delicias de todos los amantes de la amalgama de rock y metal industrial con toques góticos y electrónicos. Un disco poderoso, muy estético, cinemático y visual que fluye muy bien con cada nueva escucha y donde Kruspe, consciente de las limitaciones de su voz, acertadamente invitó a otros vocalistas para a dar un brillo extra: hay participaciones rutilantes de Ian “Lemmy” Kilmister de Motör-

head, Jonathan Davis de Korn y el reverendo Marilyn Manson. Para la grabación, el combo se completó con Olsen Involtini en guitarra rítmica, la bella bajista francesa Margaux Bossieux y el baterista finlandés Mikko Sirén de Apocalyptica. Con un arranque excelente y ganchero, un poderoso gancho de metal industrial al mentón en ‘Eat you alive’, el disco atrapa de inmediato. Todo sigue con la electrónica y sensual ‘Get down’, que cuenta con la solista canadiense Peaches, quien hace del tema una experiencia sofisticada y elegante. El disco consigue el mérito de que los cortes cantados por Kruspe mantengan el nivel, a pesar de que su voz es algo lineal y carente de matices (‘Rainbow’, ‘Born on my own’ y ‘My pleasure’). El toque sensual lo pone la voz femenina de Margaux Bossieux en ‘Happy times’, para cerrar el álbum con una nota alta. “Silent so long” se perfila como uno de los elepés más atractivos de la temporada, con una producción de lujo. No hay que dejar escapar ni por un segundo este disco.

NICKELBACK

No ﬁxed address REPUBLIC

Salvo el primerizo y casi anónimo “Curb” de 1996, todos los discos de Nickelback empiezan igual. Siempre parten con alguna canción de enérgicas guitarras eléctricas ejecutadas con nervios de acero. En “No fixed address”, la octava entrega de los canadienses, ‘Million miles an hour’ perpetúa la costumbre de arrancar pisando el acelerador. Aunque luego desaceleran porque, lo sabemos, variables rockeras como la velocidad y la fuerza carecen de importancia en la vía por la que se dirigen. ‘Edge of a revolution’ dirá lo contrario. El problema, en este caso, es la trivialidad de la letra. Chad Kroeger se salvaría de objeciones si no fuese porque maltrata y manosea un concepto sagrado: la revolución. Por dinámica que suene, es un patético intento de canción protesta. Igual de chocantes, pero creíbles al menos, son los acercamientos

Cristián Pavez

a la línea musical que predomina en los rankings Billboard. Suman a la sección más comercial de su catálogo, compuesta de las baladas empalagosas que conocemos, la sintetizada ‘What are you waiting for?’. Hacia el final del disco, cuando el sub rapero FloRida hace su entrada en ‘Got me runnin’ round’, el espanto ya está curado. Incluso se aprecia el esfuerzo en percusiones de Daniel Adair y el correcto uso de bronces. Como el redoble de batería reggae de ‘Get ‘em up’, o las bien logradas atmósferas de ‘The hammer’s coming down’, son detalles que redimen a un grupo capaz de ahogar sus guitarras en ‘Believe’ con tal de lograr un sonido inocuo. “No fixed address” los deja en una situación bastante curiosa, un trance incómodo que será el regocijo de sus inclementes detractores. Pero, tal vez, ese era el plan desde un comienzo: después del trolleo, no queda más que la reivindicación. ¿O ya olvidamos que Weezer, Foster the People y Katy Perry terminaron peleándose a Kenny G? Andrés Panes

SOUNDGARDEN

Echo of miles: scattered tracks across the path A&M

Lo nuevo entre comillas de Soundgarden, es una montaña recopilatoria que de ser una novela, parte prometedora y cuesta terminar. Caben gemas y también piezas sin mucho valor. Son tres discos y el primero resulta lejos más interesante. Titulado “Originals”, se resume en una guía para advertir la evolución en el sonido y la composición de la banda de Seattle. Abre ‘Sub pop rock city’, publicada en el compilado “Sub Pop 200” (1988) del sello homónimo, que reunió a bandas como Nirvana, The Screaming Trees y Tad. Con ‘Heretic’, el tercer corte compuesto por Kim Thayil y Hiro Yamamoto, del EP “Loudest love” (1990), surge la primera pieza digna de admiración: el riﬀ inicial roba el ulular de sirena de Tony Iommi en ‘Ironman’, y gira hasta un tiempo de vals, con la guitarra en espectral ataque. El siguiente eslabón es otra belleza hard rock de fina artesanía:

PRIMORDIAL

Where greater men have fallen METAL BLADE RECORDS

‘Fresh deadly roses’, también de “Loudest love”, misteriosa, gótica, con un coro que parece susurrado desde el más allá, y la voz de Chris Cornell en extraordinaria forma. El segundo álbum, titulado “Covers” exhibe la faceta de la versión en la que Soundgarden ha insistido en su carrera, sin mucha suerte. Canciones de The Beatles, The Rolling Stones, The Doors, Black Sabbath y Devo son expuestas sin capacidad de sorpresa. El tercer título, “Oddities”, es el más flojo, incluyendo jams que solo un ultra fanático puede saborear y una serie de remezclas que sin gracia maridan efectos de consola y electrónica. Mucho de este material era rastreable hace años, o derechamente fue publicado en otras antologías. Lanzamientos así, claro, agrupan toda esa labor coleccionista. Le quitan el polvo, agregan fotos y parece resplandeciente. “Echo of miles…” es una interesante posibilidad de lectura de Soundgarden, pero no tiene nada de imprescindible. Marcelo Contreras

nombre al disco y desde su inicio empapa de la típica épica celta que caracteriza a los irlandeses, pero esta vez las melodías están trabajadas bajo un halo mayormente melancólico, donde es notoria la sensación de abatimiento que entrega el álbum en casi su hora de duración. Esta placa, definitivamente, posee atmósferas más aletargadas, lo cual requiere aún más atención. Las expectativas y sensaciones que los discos de Primordial han generado luego

de que editaran “To the nameless dead”, el año 2007, han sido contraproducentes y un tanto injustas para la banda. Sin embargo, el quinteto logra replicar su producto, respondiendo a sus fans, y logrando entregar nuevos matices en pos de la atemporalidad o, al menos, han creado un interés que despierta el oído inquieto de los que aún no los conocen. Sebastián Lazo

Han pasado más de 20 años desde que los irlandeses irrumpieran en la escena con su demo “Dark romanticism... Sorrow’s bitter harvest...” (1993). De ese ímpetu juvenil y recalcitrante paganismo black metalero con que la banda arremetió en sus inicios, ya sólo quedan atisbos y hoy ha oscilado hacia un estilo mucho más sesudo e inclusive artísticamente más complejo. Esto los ha situado en una posición intempestiva en relación a otras agrupaciones que le son contemporáneas, ya que ellos optaron por un sonido más introspectivo, dejando a un lado la vorágine del black metal que se generó en los noventa. No obstante, los oriundos de Dublín, en su evolución musical, han logrado plasmar un sonido que los hace únicos. “Where greater men have fallen” (2014) es el sucesor del elogiado “Redemption at the puritan’s hand” (2011). Este nuevo registro de Primordial irrumpe con el track que da

HIELO NEGRO El gran camino ALGO RECORDS

zadas defendido hasta hoy por Hielo Negro, también hay que mencionar el aporte de Matías Alarcón (bajista), súper visible, por citar un caso, en la base rítmica de ‘Ángeles y mis muertos’. Aparte de las visibles señas de identidad sónicas registradas en cada álbum, la noche y sus vivencias siguen siendo la musa inspiradora del trío: ‘Serpiente’ se alimenta de los excesos y el precio que uno tiene que pagar por ellos, relatos sacados de esa de vida bares y carretera que sigue alimentando el alma de Hielo Negro.

Sin apelación, “El gran camino” mantiene a Hielo Negro dentro de las formaciones punteras del rock nacional. Tres corajudos músicos nacionales en la constante búsqueda del riﬀ perdido. Nadie les ha regalado nada y las invitaciones a eventos del calibre de Maquinaria, RockOut y Lollapalooza no son casualidad. Una historia jodidamente auténtica. Al menos acá, las ruedas del rock and roll continúan siendo imparables. Francisco Reinoso

“El gran camino” es una nueva historia de fidelidad hacia la música de ruta y el rock de viejo cuño, todo complementado por un kilometraje en constante incremento: la banda debe ser una de más las activas en términos de tocatas a lo largo de todo Chile, tendencia potenciada a partir del ciclo promocional de “Altas mareas” (2011). Sin sacrificar su reconocible inmediatez, al escuchar ‘Del camino’ o ‘Cosmos blues’ ya podemos destacar aproximaciones hacia un blues rock con clara simpatía psicodélica; en otros momentos del disco, la banda luce sólida a la hora de ampliar su paleta de estilos e integrar a su esencia neurálgica acertados recursos como un órgano Hammond en la lúgubre ‘Enfermeras’ o aplicarse en un banquete instrumental sin agotar la fórmula (‘Bagual’). Dentro del rock duro de cadencias ralenti-

THEWHO

The Who hits 50! POLYDOR

Aunque este álbum doble celebra medio siglo de vida de una de las mayores instituciones paridas por el rock –padrinos del punk, los discos conceptuales y reyes del power pop-, “The Who hits 50!” es también el testimonio de una conjunción de caracteres y talentos propicios a la genialidad, la autodestrucción y el rápido desgaste. El cuarteto inglés ha practicado numerosas retrospectivas de su carrera tempranamente y el listado oficial marca con este título el vigésimo sexto compilado. El primer disco con veinticuatro temas testimonia sus mejores años grabando y en directo. Abre la anodina ‘Zootsuit’, el primer single de 1964 cuando se llamaban The high numbers y el manager Peter Meaden (amigo de Mick Jagger), les escribió la letra. Luego viene una seguidilla de clásicos sin discusión como ‘I can’t explain’, ‘Anyway, anyhow, anywhere’, ‘My generation’, ‘Substitute’, ‘I’m a boy’ y ‘Pictures of Lily’, junto a ‘Pinball wizard’ y ‘I’m free’.

Son composiciones inapelables, brillantes, pero empacadas una y otra vez por décadas. Las relativas sorpresas asoman, por ejemplo, en el cover de ‘The last time’ de The Rolling stones, bastante respetuoso del original, y en la remezcla de la tenebrosa ‘Boris the spider’. La segunda parte se inicia con el último peak creativo del grupo, el álbum “Who’s next” (1971), hasta el muscular single ‘Be lucky’. El listado grafica cómo The Who fue perdiendo gradualmente la chispa y la inmediatez en los años setenta. La legendaria energía y audacia está impresa en canciones conocidas de sobra como ‘Baba O’Riley’ y ‘Who are you’. Como celebración de cincuenta años de actividad, este compilado resume la gran mayoría de las mejores canciones de The Who, aunque se extrañan más selecciones de álbumes como “The Who sell out” (1967) y “Tommy”. No es una selección muy jugada la de esta antología, más bien mezquina con una banda que tenía una moral en las antípodas: dar siempre el máximo. Marcelo Contreras

WILCO

What’s your 20? Essential tracks 1994-2014 NONESUCH RECORDS

“What’s your 20?” suma 38 temas en dos discos, que funcionan perfecto como puerta de entrada a una discografía de ocho títulos para neófitos. Al contrario, para el conocedor no representa novedad alguna. El listado de canciones demuestra la plasticidad para moverse desde el sonido electrificado de country rock alternativo que heredaban sin mucho filtro de Uncle Tupelo (la anterior banda de Tweedy) en su primer álbum “A.M.” (1995) –cortes guitarreros como ‘I must be high’, la stoniana ‘Casino queen’-, al terreno de carácter experimental, intimista y explosiva de la entrega doble “Being there” (1996), a partir de una canción como ‘Misunderstood’. De ese mismo álbum, que instaló de inmediato a Wilco en otra división, figura también ‘Red-eye and blue’, la picardía del southern rock en ‘Monday’ y ‘Outtasite (outtamind)’, y los fenomenales ambientes que subdividen ‘Sunken treasure’ entre sonidos acústicos,

THE GHOST INSIDE Dear youth EPITAPH

Forman parte de un circuito más que saturado, y detractores no les faltan (Scott Vogel de Terror, uno de los más reconocidos), pero hay algo especial que hace de The Ghost Inside un número particularmente destacado dentro de esta nueva generación cultora del metalcore. “Dear youth” se enmarca en el décimo aniversario del combo angelino y, aparte de continuar con el sonido defendido en “Get what you give” (2012), propone una pronunciada mirada existencial, sin llegar a abusar de la estructura del álbum conceptual. Muy oportunamente asesorados en el estudio por la dupla responsable del voraz suceso de A Day To Remember (Jeremy McKinnon y Andrew Wade), “Dear youth” muestra el claro anhelo del grupo por seguir creciendo, sin caer en mudanzas forzadas. La precisión matemática en los quiebres

y pasajes de soberbia electrificación. De “Summer teeth” (1999), desfilan ‘She’s a jar’ y ‘Can’t stand it’, entre otras. La segunda parte abre con ‘I am trying to break your heart’, la primera pieza del fenomenal “Yankee hotel foxtrot” (2002), una de las obras maestras del rock de este siglo. De aquel título también brilla ‘Ashes of american flags’ y el dream pop perfecto de ‘Heavy metal drummer’. Un espectacular bordado de guitarras reluce en ‘Impossible Germany’ de “Sky blue sky” (2007), como ‘Wilco (the song)’, del disco homónimo de 2009, exhibe el pleno dominio del cancionero y las sonoridades del soft rock hasta mediados de los 70. Los 20 años de Wilco afloran monumentales y variados, una clase de progreso musical y artístico a partir de un líder como Jeﬀ Tweedy, compositor complejo, intenso, y a la vez resuelto a escribir canciones accesibles y memorables, como un héroe del rock de bajo perfil que ha hecho mucho más por la causa, que otros paladines más ruidosos. Marcelo Contreras

tras ‘Move me’ o el groove implacable en ‘With the wolves’, evidencian las fortalezas de TGI ya firmadas en sus anteriores trabajos, pero también hallamos en los coros y acordes de la titular ‘Dear youth (day 52)’ una latente vocación expansiva: el tema es un hit dentro de los parámetros del grupo y todo indica que el anteriormente citado tándem de productores tuvo mucho que ver. ¿Hardcore? ¿Metal? Vigil y los suyos no pierden el tiempo en rótulos y defienden con clase sus potencialidades como tam-

bién su apetito por mostrar más de alguna arista pop. ‘Wide eyed’ refleja a grandes rasgos esta transición, gracias a la luminosa incursión del versátil cantante de Letlive, Jason Aaalon Butler. En puridad, aunque “Dear youth” no rompe ningún molde, sí enfoca a The Ghost Inside dentro de los actos más consistentes y potentes en el círculo de habitués del actual Warped Tour. Respetable camino. Francisco Reinoso

DVD / BLURAY

OzMzemyoiOrs sofba omadumranne Epic

ara todos los nostálgicos del video análogo, época cuando se almacenaban largas horas de videoclips en cintas VHS, “Memoirs of a madman” del sempiterno John Michael Osbourne será una delicia. Claro, porque el nuevo DVD doble de Ozzy hace un exhaustivo repaso a su carrera solista, permitiéndonos volver a ver muchos de sus videos más icónicos de la era MTV, así como abundante material nunca antes lanzado extraído del “Ozzy’s bunker”, la videoteca personal del Príncipe de las Tinieblas. El primer DVD trae absolutamente todos los video clips oficiales de Ozzy desde la canción ‘Bark at the moon’ (1983), hasta ‘Let it die’ (2010), con todo lo que editó entre medio. Nada menos que 26 videos con la única excepción de ‘Shot in the dark’, canción por la cual existe un largo litigio legal por derechos de autoría, por lo que no puede aparecer aquí. La imagen con blur y desperfectos del obvio traspaso de cinta a un formato digital no hace más que aportar un emotivo flashback a la travesía. Videos como ‘So tired’, ‘Lightning strikes’ o ‘Miracle man’ no han perdido un ápice de su magia original, potenciados con un audio remasterizado de gran factura.

Pero el verdadero tesoro para los fans se encuentra en el disco 2, donde hay gemas invaluables, como varios temas en vivo junto al mítico y jamás olvidado guitarrista Randy Rhoads en un show en Rochester en 1981, filmado para la televisión. Cuatro canciones que no tienen desperdicio alguno, así como un tema registrado en 1982 en Albuquerque, de la gira del disco “Over the mountain”. También hay abundante material en vivo con Brad Gillis (Night Ranger), el guitarrista que ocupó la plaza de Rhoads tras su trágica muerte; con Jake E Lee de la gira de “Ultimate sin” y también de los diversos períodos en que Zakk Wylde estuvo en la banda, incluso rarezas como una versión de ‘Perry mason’ en vivo en el Ozzfest de 1996, con el gran guitarrista Joe Holmes (próximo a editar el disco debut de su nueva banda, Farmikos). El material en vivo es complementado con muchas entrevistas de diferentes épocas, apariciones en programas de televisión, algunos making of de los videos, Ozzy y su banda grabando en el estudio; todo compilado en extensas cuatro horas y media de duración de un material que realmente no tiene desperdicio alguno. Cristián Pavez

CARTELERA

T TEATRO O 10 años de Teatro Mori Por Tania Araya

n 2015 Teatro Mori cumple 10 años de vida y la celebración comenzará en enero con una cartelera especial con lo mejor de 2014 más invitados especiales en sus cinco salas de teatro. Durante este mes destacan como invitados los montajes “Gladys”en Mori Parque Arauco,obra escrita y dirigida por Eliza Zulueta, ganadora de cuatro premios Altazor en 2012 y que hasta hoy se sigue exhibiendo en los teatros más importantes del país; “Las criadas” en Mori Bellavista, texto del francés Jean Genet bajo la dirección de Rodrigo Soto;y “El evangelio según San Jaime” en Mori Plaza Vespucio, un clásico teatral chileno deJaime Silva que en esta oportunidadadapta y dirige Mauricio Bustos y que viene de una extensa gira itinerante por la capital. Volverán a la cartelera dos coproducciones Moriestrenadas el año pasado: “El feo”, comedia negra alemana protagonizada por Gonzalo Valenzuela, Nicolás Saavedra, Diego Muñoz y Andrea GarcíaHuidobro, y “Cock”, del dramaturgo inglés Mike Bartlett, aplaudida por la crítica chilena y que cuenta con las actuaciones de Héctor Morales, Daniela Ramírez, Felipe Braun y Edgardo Bruna. A esto se suman los mejoresestrenos de Teatro Mori2014 como “Otra vuelta!” de los hermanos Quintana, “Sentido del humor”escrita y dirigida por Mateo Iribarren, “El abuelo que saltó por la venta-

na y se largó” de la compañía Teatropan, “La escala humana” protagonizada por Paola Volpato y dirigida por Francisco Albornoz, y “Edmond” de David Mamet bajo la dirección de Antonio Campos y Gabriel Urzúa. El Festival Internacional Santiago a Mil se presentará como invitado especial con tres montajes: desde México llega a Mori Parque Arauco “Baños Roma”, de la compañía Teatro Línea de Sombra, y en Mori Bellavista las obras nacionales “Acceso”, dirigida por Pablo Larraín y protagonizada por Roberto Farías, y “Paso del norte”, de Juan Rulfo bajo la dirección de Cristian Plana. Para el resto de 2015 “hemos diseñado una programación especial, haciendo énfasis en la realización de producciones propias, ya que como teatro tenemos el deber de generar nuestro propio contenido y que éste a su vez sea un aporte a la cartelera nacional, lo que se relaciona directamente con la importancia que este centro le da a las artes escénicas”, dice Andrea Pérez de Castro, directora de programación de Teatro Mori. Además, para celebrar la primera década del teatro, este año estará marcado de estrenos y reestrenos de importantes hitos Mori, la participación de invitados especiales nacionales e internacionales, una tercera gira nacional, una nueva y consolidada versión de FAMFEST, y diversas actividades de extensión.

live reviews

Cierre Escudo Masters - Teatro Caupolicán Astro

Cierre Escudo Masters - Teatro Caupolicán Camila Moreno

Cierre Escudo Masters - Teatro Caupolicán Gepe

Cierre Escudo Masters - Teatro Caupolicán Escuderos

Lanzamiento Chevrolet Tahoe - Cerro San Cristóbal Carmen Gloria Arroyo, Bernardo Borgeat, Omar Oyarce, Macarena Torres, Pedro Rivadeneira.

Lanzamiento Chevrolet Tahoe - Cerro San Cristóbal Jorge Álamos, Dino Ferdinandi, Rosa de la Porte, Marcelo Soto

Lanzamiento Chevrolet Tahoe - Cerro San Cristóbal Christian Aguirre, Federico Wassermann, Luis Veloso, Ricardo Olguín

Lanzamiento Chevrolet Tahoe - Cerro San Cristóbal Nicolás Larraín, Paz Bascuñán, Hermann Mahnke

Mastecard presenta Bazar ED - Parque Bicentenario María Sepúlveda y Juan Pablo Sepúlveda

Mastecard presenta Bazar ED - Parque Bicentenario Paz González y Fernanda López Mastecard presenta Bazar ED - Parque Bicentenario Amparo Hernández y Vale Ortega

Pepe Jeans en el VIP de Primavera Fauna - Piscinas Espacio Broadway José Jara y Sebastián Aguilar

Mastecard presenta Bazar ED - Parque Bicentenario Pía Álvarez y Nicole Yunge

Pepe Jeans en el VIP de Primavera Fauna - Piscinas Espacio Broadway Camila Zepeda, Luis Miranda y Paola Beher

Pepe Jeans en el VIP de Primavera Fauna - Piscinas Espacio Broadway Nicolás Dabanch Ruiz Tagle y Gino Costa

Pepe Jeans en el VIP de Primavera Fauna - Piscinas Espacio Broadway Matías López