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Maestro Maestro Félix Carrasco. Enrique Bátiz. Excepcionales directores de orquesta mexicanos.
El concepto de la música Silvino Jaramillo Página 3 La ciencia del arte musical Enrique Bátiz Página 5 La música, entre la pasión y el mito Patricia Liliana Cerda Pérez Página 20 El médium musical Félix Carrasco Página 21
CONOCIMIENTO Número 59, del 3 al 16 de agosto de 2007
Ciencia y Música en la Edad Media y el Renacimiento Arnoldo Nerio Página 27 4 Siglos de ópera en el mundo Salvatore Sabella Página 30 La promoción de la música, una prioridad gratificante Myrthala Salazar Dávila Página 38
La ciencia de la
Música Idioma de
Dios
La riqueza rítmica de la música folklórica mexicana Elda Nelly Treviño Página 40
W. A. Mozart
Director Luis Eugenio Todd
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Presidente Los paquetes (5 ejemplares, 2 CD’s y el sobre esquela) podrán entregarse Ingeniero Juan Antonio González Aréchiga directamente o bien remitirse por correo certificado o mensajería especializada Director de Comunicación Social del Gobierno del Estado al: INSTITUTO DE ADMINISTRACIÓN PÚBLICA DE NUEVO LEÓN, A.C., Licenciado Omar Cervantes Rodríguez Ave. Alfonso Reyes No. 1000, Col. Regina, Parque Niños Héroes, Monterrey, Ingeniero Xavier Lozano Martínez N. L., C.P. 64290, a más tardar a las 18:00 horas del día 10 de Agosto de M. C. Silvia Patricia Mora Castro 2007 Doctor Mario César Salinas Carmona Doctora Diana Reséndez Pérez La frase que encabeza este editorial no es original de quien esto escribe, pues se Doctor Alan Castillo Rodríguez Ingeniero Jorge Mercado Salas le atribuye a Mozart, el genio austriaco, o a Beethoven, el tormentoso y creativo El Jurado Calificador estará integrado por académicos de universidades Director del Programa Ciudad músico alemán. y centros de investigación públicos y privados, representantes de la Internacional Del Conocimiento En cumplimiento de su propósito fundamental de promover el estudio Administración Pública Estatal, miembros del Consejo Directivo del Instituto Ingeniero Antonio Zárate Negrón y desarrollo de las ciencias administrativas, y a fin Las de estimular la partituras musicales parecen escritas en A.C. desorden y con del una fórmula de Administración Pública de Nuevo León, y un representante Instituto investigación teórica o práctica que contribuya a producir conocimiento Nacional Administración Pública, netamente creativa y de artística; pero, en A.C. el fondo, tienen una abstracción relevante e innovador para el mejoramiento de la Administración matemática y un método científico plenamente establecido, y se apoyan en el pública del Estado de Nuevo León y de sus Municipios, el Instituto de PREMIOS: intelecto para desbordar la emoción; o sea, la música no es sólo un arte, sino Administración Pública de Nuevo Léon a través del Comité Organizador Director General que seMartínez, convierteDe también en una suGobernador cercaníadel con las matemáticas del Premio Estatal Administración Pública Dr. Pedro Zorrilla conformidad con elciencia, Acuerdo ydel Estado, publicado en el está Doctor Luis de Eugenio Todd designado por el Titular del Poder Ejecutivo Periódico Oficial del Estado con fecha 3 de Febrero de 2006, los premios y bien documentada. Subdirector montos que se otorgarán a las obras ganadoras de los tres primeros lugares, Licenciado Juan Roberto Zavala consistirán en lo siguiente: Director Editorial Por lo anterior, se pensó en incluir en el tema del conocimiento, y ¿por qué no?, Félix Ramos Gamiño en el de la tecnología, es instrumental naturaleza propia, el bello Secretario Editorial PRIMERque LUGAR: La cantidad de $por 50,000.00 (Cincuenta mil Pesos 00/100arteciencia de la música, que, como dijeron autores antes mencionados, parece Maestro Rodrigo Soto M.N.), diploma y publicación dellos trabajo de investigación; A servidores estudiantes e Educaciónpúblicos, investigadores, académicos,convertirse, interesados en Ismael el desarrollo de Delgado la teoría y práctica de la Administraciónpor su profundidad, en el idioma de Dios; o sea, en algo metafísico Profesor Vidales SEGUNDO LUGAR: La cantidad de $ 25,000.00 (Veinticinco mil Pesos extraterritorial. Pública del Estado de NuevoyLeón y de sus Municipios, y a participar en el Ciencias Económicas Sociales 00/100 M.N.), diploma y publicación del trabajo de investigación, y PREMIO ESTATAL DE ADMINISTRACIÓN PÚBLICA Doctor Jorge N. Valero Gil DR. Ciencias PEDRO G. ZORRILLA Existen miles de ejemplos de músicos a lo largo de ladehistoria, por su Básicas y delMARTÍNEZ Ambiente2007. TERCERque, LUGAR: La cantidad $ 15,000.00 Doctor Juan Lauro Aguirre característica clásica, han conservado durante de años suy publicación presencia en (Quince mil Pesoscientos 00/100 M.N.), diploma Desarrollo Urbano y Social del y trabajo de investigación. el mundo de los sonidos rítmicos armónicos que la música representa. A Ingeniero Gabriel CARACTERÍSTICAS DETodd LAS INVESTIGACIONES: esto se le denomina clasicismo, y tiene múltiples variantes, que van desde la Ciencias Médicas Si a juicio del Jurado Calificador no se presentan solidez estructural de Sebastian Bach o de Händel, hasta la fuerza de Wagner Doctor David Gómez Almaguer Sólo podrán participar los trabajos inéditos que se refieran trabajos que merezcan distinción alguna, podrán Ciencias Políticas y/o o el romanticismo, incluyendo los expertos en ópera, entre los cuales Verdi a los siguientes temas: declararse desiertos uno o de todos los premios. de Administración Pública es el más representativo, y muchos otros que han tenido su momento y su Contador Público José Cárdenas Cavazos Investigación aplicada en la solución de problemas La publicación de obra se realizará en coedición o historia, aunque han sido menos afortunados enla su permanencia. Ciencias de la Comunicación específicos de la Administración Pública en el ámbito del por cuenta del Instituto de Administración Pública de Doctora Patricia Liliana Cerda Pérez Estado de NuevoesLeón o de sus Municipios. Nuevo León, A.C. La Ciencia Cultura
El idioma de Dios: la música JURADO CALIFICADOR:
CONVOCA
BASES DE PARTICIPACIÓN
Todos los músicos son muy respetables, aunque, en su momento, algunos, en
Licenciado Jorge Pedraza Investigaciones el análisis comparativo su de inspiración, no hayan reflejado una estructura científica y matemática, pues, e ingenierabasadas Claudia en Ordaz las administraciones en los distintos ámbitos a defin de cuentas, la música es el supremo lenguaje universal de comunicación Educación Físicapúblicas y Deporte gobierno estatal o municipal, con relación al Estado entre de Doctor Óscar Salas Fraire los seres humanos. Los resultados del Premio se publicarán el día 29 de Nuevo o de sus Municipios. Lasleón Universidades y la Ciencia Agosto de 2007, en un periódico de circulación local y Doctor Mario César Salinas Pedro Zorrilla Martínez en el portallas en características Internet del Institutode de sus Administración Hay también músicos aborígenes, y todas expresiones Investigación teórica que profundice y aporte Redacción Pública de Nuevo León, A.C.: www.iapnl.org.mx dependen de su formación intelectual y de su entorno cultural. Por eso, la conocimientos a laAlma disciplina Licenciada Trejode la Administración Pública que sea competencia del Joloy Estado de Nuevo León o de sus Licenciado Carlos música, igual que la ciencia, influye en la cultura, y forma parte de ella. DERECHOS DE AUTOR: Municipios. Diseñador Licenciado Víctor Eduardo Armendáriz Ruiz El Instituto de Administración Públicaintérpretes de Nuevo León, A.C. se reserva lay en En económicos, nuestra ciudad tenemos extraordinarios y compositores, Investigaciones sobre aspectos políticos, jurídicos, sociales, Arte Gráfico publicación de la primera de los trabajos de investigación premiados. México existen prohombres de la edición música clásica como Revueltas, Moncayo, y culturales relacionados con la Administración Pública de Nuevo León o Arquitecto Rafael Adame Doria de sus Municipios,y desde una perspectiva teórica-práctica. Circulación Administración Juventino Rosas y ahora nuestro “joven” rebelde, Enrique Bátiz, director de Por el Comité Organizador del Premio Estatal de Administración Pública Profesor Oliverio Anaya Rodríguez orquesta de calidad excepcional. Dr. Pedro G. Zorrilla Martínez Investigaciones sobre funciones administrativas en el orden estatal o municipal, vinculadas con los Poderes Legislativo, Judicial o de LA REVISTA CONOCIMIENTO ES EDITADA Sería interminable hablar de esta temática; por eso, mejor dejemos que los organismos constitucionalmente autónomos de Nuevo León. POR LA COORDINACIÓN DE CIENCIA Y DR.un ALEJANDRO TREVIÑO MARTINEZ expertos lo hagan y se le dé lugar enJ.la ciencia a tan bella fórmula de
RESULTADOS:
DEPARA NUEVO EÓN, Y ABRE SUS TECNOLOGÍA FORMA Y PLAZO LALPRESENTACIÓN A LAS INSTITUCIONES DE EDUCACIÓN DEPÁGINAS LAS INVESTIGACIONES:
comunicación interhumana, y ¿por qué no?.... divina.
SUPERIOR PARA LA PUBLICACIÓN DE ARTÍCULOS Y
En NOTICIAS cuanto a DE la CARÁCTER forma y plazo de presentación de las investigaciones, CIENTÍFICO. TELÉFONOS éstas deberán cumplir obligatoriamente con los siguientes requisitos: EN LA
REDACCIÓN: 83 46 74 99
Y
83 46
51 info@conocimientoenlinea.com Los73 trabajos de investigación deberán presentarse bajo seudónimo, SOLICITADO PREVIAMENTE CON EL REGISTRO evitando incluir, en cualquiera de sus partes, indicio alguno que permita identificar participante. NOMBREalDE CONOCIMIENTO.
Pienso, luego existoMayores informes: DESCARTES
El texto deberá ser inédito, en español, con un mínimo de 100 páginas LAS OPINIONES EXPRESADAS de contenido.
Ave. Alfonso Reyes No. 1000 Col. Regina, N. L.sólo C. P. 64290 La música es el idioma deMonterrey, Dios, no la Tels. y Fax: (81) 20-20-97-25 al 28 abstracción rítmica de la ciencia. E-mail: iapnl@yahoo.com
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La ciencia de la música. El idioma de Dios www.conocimientoenlinea.com
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Número 59, del 3 al 16 de agosto de 2007
Música 3
El concepto de la música
53 Rock, la música siempre joven
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La ciencia del arte musical
54 El lenguaje musical, tan antiguo como
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La llave
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La dirección de orquesta desde otro ángulo
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La música clásica en la sociedad actual
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La música, antídoto para las tensiones de la vida moderna
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la humanidad misma
La música, entre la pasión y el mito
55 Corresponder al regalo
Educación 61 Agotado el modelo clásico para la enseñanza de las matemáticas, afirma Guy Brousseau
El médium musical
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Composición: el arte supremo de pensar
27
Ciencia y música en la Edad Media y el Renacimiento
30
Cuatro siglos de ópera en el mundo
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El canto y el problema de la variación
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El piano en la época actual
38
La promoción de la música, una prioridad gratificante
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La riqueza rítmica de la música folklórica mexicana
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La música New Age rompe paradigmas
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¿Cuándo volverá la música a nuestras escuelas?
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¿Qué le aporta a un niño recibir formación musical?
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El futuro de la música sinfónica en manos de los más jóvenes
Cultura y Ciencia 62 Exhiben fotos de Pura Música
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E C
mile Litré afirma que si la ciencia tiene varias on su llegada hace 60 años, definiciones, es porque no Carmen Cortés rompió muchos necesita ninguna. ¿Por qué no paradigmas y actitudes que podríamos afirmar lo mismo de la los regiomontanos tenían respecto al música, cuando nos encontramos arte y los artistas. La maestra-artista una serie de definiciones, de fundadora del taller de Artes Plásticas las cuales pocas son las que de la Universidad, llegó a la ciudad en dejan satisfacción completa a la 1948, procedente de España; época inteligencia? en que emergió el interés por las actividades artísticas en una ciudad Juan Jacobo Rousseau concibió de 300 mil habitantes, donde reinaba una definición que vivió por un sistema muy estructurado de vida muchos años en la mente de los enfocado al trabajo. melómanos: “Arte de combinar los sonidos de una manera “La cultura no les hacía mucha gracia”, agradable al oído”; tal vez de ahí puntualizó Bertha Alicia Cantú, quien partió la definición de la música junto con Gerardo Cantú y Antonio que se le adjudica a Napoleón: Pruneda revivieron los recuerdos “El menos desagradable de los y contaron algunas anécdotas del ruidos”. nacimiento del taller de artes pláticas, el jueves 26 de julio a un nutrido La primera definición vino a grupo reunido en la Pinacoteca de chocar, tiempo después, con Nuevo León. Con la llegada de Carmen los filósofos de lo objetivo y lo Cortés empezó a cambiar la actitud subjetivo, sobre todo, cuando a de la gente, la pintura ya no era una la combinación de los sonidos de cuestión de dos dimensiones, los que habla Rousseau se le agregó la belleza que, según el sentir de las mayorías, va inherente al arte de la música.
El
concepto
música de la
artistas tuvieron la oportunidad de la pintura un concepto, un elemento usar su creatividad a la vez de disfrutar que adquirieron hasta entonces los de los desplantes de la maestra, quien artistas locales.“Nos trajo teorías Maestro Periodista Silvino Jaramillo les hablaba de las grandes figuras del adelantadas, abriendo un espacio Catedrático, FCC / UANL postimpresionismo con quienes había para el conocimiento de las artes”, mencionó el artista. convivido en París. “Nos enseñó a pintar, no a copiar”, dijo Pruneda.
La definición de Napoleón es la que podría esperarse de un l Museo de Historia Mexicana general “con oídos de artillero”, recibió el certificado de calidad acostumbrado solamente a ISO 9001:2000 que le acredita escuchar “el sonoro rugir del como una institución comprometida cañón”. No se le puede negar, sin con la calidad en todos sus procesos embargo, cierta sensibilidad al operativos y administrativos para cónsul en su expresión. lograr la satisfacción plena de sus visitantes. Esta certificación coloca Los compositores contemporáal MHM en la lista de instituciones neos, al trastocar con sus internacionales como el Centre experimentos la estructura de la música, llegaron a una definición. ¿Podrían quedar satisfechos
E
Este evento se realizó para celebrar la llegada de Cortés y para enfatizar el valor de la obra “La labor de la Casa”, que fue exhibida como la pieza del mes de julio en la Pinacoteca, ubicada en el Colegio Civil, Arte Cultural Universitario. Esta obra fue realizada en 1948, poco tiempo después esta artista maestra fundaría el Taller de Artes Pláticas de la UANL.
Hay que escuchar la música y mantenerla Por su parte, Gerardo Cantú dijo que dentro de uno mismo, no para entenderla, la maestra Cortés no se dio cuenta de la dimensión de su obra al formar a un sino para conocerla y, conociéndola, grupo importante de artistas plásticos en la localidad, mujer con mucha saberuna qué es visión que “trajo” los mejores pintores del mundo a Monterrey, que dio a
Certifican a Museo de Historia Mexicana LA BELLEZA, SUBJETIVA Así, la “bella combinación de sonidos” pasó a ser tema de discusión por lo subjetivo de la belleza: lo que para unos es bello, para otros puede no serlo y, por lo tanto, como la belleza no es inherente a la combinación sonora, la definición de música no explica satisfactoriamente la naturaleza de este arte.
Música Cultura y Ciencia
Disertan sobre Carmen Cortés
Pompidou, en Francia, Museo Jurásico de Asturias (MUJA), en España; y el Museo Marítimo de Ushuaia, en Argentina.
Buscan voluntarios
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l Museo del Noreste, MUNE, nuevo espacio museográfico que abrirá sus puertas en septiembre con una exposición permanente sobre la historia regional del noreste de México y Texas, invita a los interesados en unirse al grupo de guías voluntarios para compartir sus conocimientos con el público visitante.
nuevo recinto cultural. Los interesados pueden presentar un currículo breve y una fotografía reciente para su identificación. El horario del MUNE permitirá que personas con obligaciones laborales o escolares puedan participar durante los fines de semana. Mayores informes con el licenciado Miguel Posadas Herrera, jefe de Servicio Social y Voluntariado, ssocial@museohistoriamexicana.org. mx o al teléfono 2033-9898, ext. 108 y en sitio: www.museohistoriamexicana.org. mx
MUNE iniciará labores durante el Fórum Universal de las Culturas Monterrey 2007 por lo que se espera una gran afluencia de visitantes extranjeros, nacionales y locales al
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Música
músicos y melómanos al escuchar que “todo sonido organizado es música”? ORGANIZACIÓN DE SONIDOS INTELIGENTES Organizar es disponer las partes de un todo de tal manera que puedan funcionar; organizar es ordenar, disponer, armonizar, coordinar, concertar. Cualquiera de estos significados podría servir para hacer música. La organización de los sonidos debe partir de una idea, de un objetivo, nunca al arbitrio del ordenador, del organizador. Un organizador de sonidos que muestre a la música con Ludwig van Beethoven. las cualidades orgánicas de un cuerpo, sin otra justificación que la de su propia germen dormido, de súbito sacudido y existencia, la de su propio ser, la de su despertado; esta revelación de lo más propia esencia. Para que haya música, puro entre las lobregueces de la vida; es necesaria una organización de esta garantía de lo eterno prometida al sonidos “inteligentes”, en el sentido espíritu ansioso en el nombre augusto de que cada uno de ellos este ahí por de lo bello… La música es el hombre una razón determinada, no por una escapado de si mismo: es el ansia de ocurrencia. lo ilímite surgida de lo limitado y de lo estrecho: es la armonía necesaria, Luego no todo sonido organizado es anuncio de la armonía constante y música; puede ser música, pero no venidera. Aquí la música se siente; lo es por el simple hecho de estar hay otro mundo en que la música se organizado. habla”. LA DEFINICIÓN ESTÁ EN UNO MISMO Boecio aconseja al oyente buscar la definición de la música dentro de él mismo, cuando dice: “Cualquiera que sea capaz de descender a sí mismo sabe lo que es la música”. Hay que escuchar la música y mantenerla dentro de si mismo, no para entenderla, sino para conocerla y, conociéndola, saber qué es. Cada ser humano puede hacer su propia definición de la música. Ésa será la mejor definición, la más apegada a la verdad, porque parte de una experiencia personal, una verdad que se obtiene a través del contacto con ella. Cuanto más se conoce a la música, mejor se le puede explicar, determinar, precisar, definir. José Martí “descendió a sí mismo” y de ese descenso surgió este ideal concepto de la música: “La música es la más bella forma de lo bello: -arrullar, adormecer, exaltar, gemir, llorar; el alma que se pliega a un arco; el oído que subyuga, se extasía, se encadena; este pobre ser,
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José Martí encontró el concepto de la música –la definición.- dentro de sí mismo, dejándose arrebatar por la fuerza desgarradora de la música misma. No le hizo falta más para encontrar su propio concepto de la música, el concepto personal que es el que todo aficionado a la música encuentra casi sin buscarlo. ARTE VIVO EN EVOLUCIÓN La música es un arte vivo, en constante evolución, gracias casi la mayoría de las veces, a las osadías de creadores que se atreven a romper los moldes establecidos; así que, en la evolución del arte musical, se advierte un progreso que va de la reproducción de ideas generales a la expresión de
ideas determinadas, individuales y –si así pueden llamarse- intimas. Cada creador que haya experimentado con cualquiera de los elementos de la música quizá tenga su propia definición de la música, de su música, de su lenguaje musical, de su forma de hacer música. Quizá estos creadores tengan ya su propia definición de la música, pero no será aceptada por otro grupo de respetables compositores, quienes “ven desorden” donde los contemporáneos “ven orden y organización”, acusados de “vagar por los alrededores del arte, sobre todo en el de la música, en la que hemos caído en la simple acústica, en la experimentación tímbrica ajena a la función musical auténtica, en la que las formas musicales no deben manifestarse solamente en función del sonido, simplemente como elemento acústico, sino en función de la nota; es decir, en función de la nota como un sonido con significación funcional en una escala”. Así, Óscar Esplá ideó su propia definición de la música contra la de algunos contemporáneos. Beethoven, iniciador de la explosión liberadora de la música, nunca dio una definición, una explicación de su música: cuando una dama le pidió el significado de una sonata que acababa de tocar, el Genio de Bonn simplemente volvió a tocar la sonata y contestó a la dama: “He aquí lo que esta música significa…” Tal vez sea más conveniente, en lugar de buscar definiciones o explicaciones de la música, escucharla, degustarla, asimilarla y disfrutarla con fruición, como un obsequio de origen divino con el que los compositores están de acuerdo cuando, como lo dijo Federico Mompou, llegan al convencimiento de que “la música que hacemos, si es buena, no la hacemos nosotros”.
Silvino Jaramil o Es originario de Valle de Bravo, Estado de México, y su afición al arte musical despertó desde que estaba en la escuela primaria. De hecho fue maestro de la especialidad en primaria, y formó una banda infantil que tocó ante el presidente Lázaro Cárdenas en el Castillo de Chapultepec. También es maestro en la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la UANL. Se inició en el periodismo en los años 60, en El Porvenir, donde sigue colaborando hasta la fecha.
Música Educación
Agotado el modelo clásico para CIENCIA de las matemáticas, laLAenseñanza afirma Guy Brousseau
ARTE E MUSICAL DEL
Por Carlos Joloy l modelo clásico para la enseñanza de las matemáticas es un sistema que ya ofreció todo lo que podría dar, y actualmente muestra muchas limitaciones; por esa razón, es necesario desarrollar los conocimientos con dominio de la didáctica para cambiar el modelo, a pesar de que esto requiera un largo proceso de penetración, consideró el investigador en matemáticas, doctor Maestro Enrique Bátiz Director general de la Orquesta Sinfónica Guy Brousseau, durante una visita a del Estado de México Monterrey el pasado 19 de julio.
Dicta el científico francés la conferencia magistral “Hacia un nuevo contrato didáctico entre profesores y alumnos”
enrique_batiz.@mail.edomex.gob.mx
Al término de su conferencia de personas obran para enseñar a los magistral: l“Hacia un nuevo contrato niños”. arte de la música funciona, didáctico entre profesores y alumen muchos sentidos, de igual nos”, en elforma Museo delaHistoria Brousseau, quien es reconocido por que ciencia. MexiLa música cana, requiere Brousseau explicó que en la su destacado trabajo en teorías en de las matemáticas para actualidad es posible llevar a cabo las cuales la enseñanza se basa en lograr la precisión y exactitud que un cambio tan importante, debido a tiene “situaciones didácticas” para facilitar la construyen su belleza; la música que laalgo comunidad de matemáticos es aprehensión de conocimientos, exprede arte arquitectónico también, mucho más amplia que en el pasado, só su preocupación ante la necesidad porque una excelente obra musical y porsiempre ello es más sencillo realizar de hacer crecer los conocimientos encierra una estructura investigaciones en diferentes direc-hacer científicos, al mismo tiempo que estéticamente perfecta. Para ciones, así como darlas a conocer música es necesario ser analítico; se es den a conocer para desarrollar tanto decir, a losestudiar especialistas, como a la una a profundidad todo su cultura de manera sabia, que población interesada. aceptar y adaptar de manera esquema, lo cual da la posibilidad permita de paulatina nuevas alternativas que entender sus mecanismos y funciones DESARROLLO PROGRESIVO mejoren la enseñanza. en forma inteligente, como un excelente DE UNA CIENCIA MÁS SEGURA patólogo distingue hasta las mínimas “Pienso quede laun solución consiste en En ese sentido, el investigador francés partes organismo complejo. desarrollar progresivamente una mencionó que los instrumentos de ciencia más segura y máslapotente en divulgación juegan un papel muy Cuando se tiene disciplina de el aspecto didáctico. No es una parte importante, ya que muchas veces los estudiar a profundidad una partitura, y de una ciencia yaentrega existente; es se una pueden tomar de ahí nuevas a raíz de esa y rigor tienemaestros el rama privilegio que va enfocada desde el aquello punto que ideas que aplicar en sus clases y así de conocer todo de vista de la matemática, porque me evolucionar la forma de enseñar. comprende una obra musical -desde parece más necesario. su génesis, la historia, las ideas y el A TIEMPO propósito específico del compositor ESTAMOS en Aunque todas laslas ramas de las ciencias cada caso, corrientes musicalesEny entrevista, Brousseau concluyó que estánde involucradas enseñanza, es el tiempo adecuado para iniciar un pensamientoen dela la época en que fue podemos esperar que la gente tome proceso de cambio, que será largo y concebida- se da a luz al arte musical. conciencia de lo difícil que es, y que difícil, pero que sin embargo traerá se tiene que respetar lo que millones grandes beneficios. Subrayó que en
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Doctor Guy Brousseau
Guillermina Carmona, presidenta de la ANPM, doctor Guy Brousseau y Domingo Castillo, director de la Escuela de Ciencias de la Educación.
nuestro país ya existen las condiciones adecuadas para dar el siguiente paso en este objetivo. “Me parece que en México hay un interés muy relevante y muy importante para la educación. Si hay desarrollo de investigaciones, estamos en buenas condiciones, y hay que continuar con más posibilidades”. Maestro Enrique Bátiz
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Música
Hacer un análisis detallado de la música que va a interpretarse cambia profundamente la manera en que se escucha y cómo se entiende. En muchas ocasiones he escuchado opiniones en el sentido de que la música no requiere de vastos conocimientos, sino simplemente de tener una sensibilidad especial para escucharla. Estoy de acuerdo en que, al principio, ésa es la manera en que el intérprete, el público y el crítico pueden relacionarse con un instrumento y la pieza que se va a escuchar o tocar. CONOCIMIENTO CIENTÍFICO DE LA MÚSICA Es la forma en que Euterpe nos atrapa. Pero con el tiempo, ya con estudios profesionales, uno descubre paso a paso todas las conexiones que ofrece el arte de la música, y todo ese conjunto de conocimientos nos va a ayudar para distinguir mejor las formas, los ritmos, la estructura y el núcleo emotivo de cada obra. Uno entonces es como los científicos: sigue una cierta fórmula, pero construye algo nuevo a partir de ella, ensayando –que eso es como hacer experimentos, porque es la oportunidad que uno tiene para probar diferentes cosas y ver qué funciona mejor, cómo se obtiene un resultado óptimo. Este conocimiento exacto --científico-- de nuestra labor, nos hace amar aún más el arte de la música. Voy a plasmar aquí, como ejemplo, una breve biografía, y análisis de la Sinfonía No. 3 en Mi bemol Renana, Op. 97, de Robert Schumann. Toda información que nos ayude a vivir y comprender mejor la composición musical y, sobre todo en forma científica, nos balanceará mejor en el aspecto emocional, que es el que primero nos atrapa. Robert Alexander Schumann fue un compositor alemán, uno de los máximos exponentes del movimiento musical romántico del siglo XIX. Nació el 8 de junio de 1810 en Zwickau (Sajonia); por ser hijo de un librero, mostró un precoz interés por la literatura, y aunque su padre favoreció la vocación musical de Robert, quiso
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destinarlo a la carrera jurídica. A pesar de haber comenzado a estudiar piano desde muy niño, fue en 1819, tras escuchar al pianista Ignaz Moscheles, cuando quedó fascinado por el instrumento y la música en general. También desde muy joven demostró su habilidad en la escritura. FIRME VOCACIÓN MUSICAL A la edad de 18 años, tras la muerte de su padre, y siguiendo los deseos de su madre, Schumann ingresó en la Universidad de Leipzig, en 1828, para estudiar la carrera de Derecho, pero su vocación musical era cada vez más firme, y terminó por abandonar dichos estudios para dedicarse por completo al piano, decisión que no compartió con su madre. Su principal maestro fue Federico Wieck, padre de Clara, la futura esposa de Schumann. Schumann hubiese llegado a ser un gran pianista, pero una lesión irreversible que sufrió en uno de sus dedos, y que más tarde le causaría una enfermedad en toda la mano, acabaría con su carrera de pianista, causada por un artefacto que invento él mismo para realizar ejercicios de apertura. Esto favorecería el que Schumann se dedicase entonces por completo a la composición. En 1830 quedó impresionado cuando escuchó tocar a Niccoló Paganini. En 1834, por luchar contra lo que denominó “filisteísmo artístico”, fundó “La nueva Gaceta Musical” (Neue Zeitschrift für Musik) importante revista del progreso musical, y se dedicó a combatir el mal gusto de la música italiana reinante de compositores mediocres. Fue así como Schumann se convirtió en jefe de un partido, pero no sin que sus críticas mordaces le crearan enemistades. Durante 10 años fue redactor único de esa Gaceta, en la que escribió interesantes artículos sobre Chopin, Berlioz, Mendelssohn, etcétera. Fue Schumann quien reveló más tarde la aparición de Brahms. Su vida fue tortuosa y atormentada, y cruzó con frecuencia la línea que separa la cordura de la locura.
Robert Alexander Schumann
Festival Internacional Cervantino
goza de gran felicidad personal por su matrimonio con Clara, y, por el otro, ha obtenido cierto prestigio público, y las piezas que había publicado con problemas a lo largo de los años anteriores, le valieron un reconocimiento que hasta entonces le había sido negado.
La introspectiva, el estudio y la búsqueda convertida en aventura de todos los fenómenos, interiores o exteriores, eran para él los objetivos fundamentales para la obra poética y artística.
Las composiciones de Schumann para piano suelen ser expresiones musicales sobre temas literarios y estados de ánimo. Su interpretación se considera de las más difíciles para este instrumento, no sólo por la densa escritura y dificultades técnicas, sino también por el clima fantástico y misterioso que debe acompañarlas.
Schumann hizo suyos los ideales formulados por Jean Paúl Richter en 1804, los de ser al mismo tiempo “poético, pictórico y musical”, encontrando en el seno del universo la armonía de las cosas y los seres y, a través de la vida oculta, revelar su verdadera naturaleza, así como sus más secretos sentidos. Después de muchas dificultades y a pesar de la negativa de Friedrich Wieck, Schumann se casó en 1840 con la pianista Clara Wieck, hija de su maestro y gran pianista.
Christa Cowrie / FIC
Clara fue pianista desde los ocho años, y compositora alemana. Nació en Leipzig. Al igual que Schumann, también estudió con su padre Friedrich. Cuando se casó con Schumann, ya era conocida en Europa. Dio a conocer muchas composiciones para piano de Schumann, incluido su Concierto para Piano y Orquesta en La menor, Opus 54 (1845). Editó las obras completas de su esposo, y desde 1872 hasta 1892 fue profesora en el Conservatorio de Frankfurt. También ayudó a promover la música de su amigo de toda la vida, Johannes Brahms. El amor de Clara le inspiró a Schumann algunas de sus obras más famosas, entre otras, muchos Lieder, y piezas para piano. Poco a poco fue desarrollándose en él el deseo de escribir obras mayores, que aparecen a partir de 1841. RECONOCIMIENTO A SU OBRA El año de 1840, marca el punto más alto de su vida, tanto a nivel personal como creativo, ya que por un lado
Música
INTERIORIDAD Y PASIÓN CREADORA Schumann es el prototipo del artista “romántico” en pleno sentido del término, y desarrolló una vida y una obra que se confundían y fundamentaban en la interioridad y en la pasión creadora.
Recién fundado el Conservatorio de Leipzig, fueron solicitados los servicios de Schumann para formar parte del profesorado, pero después de intentarlo, se sintió incapaz de enseñar y abandonó el puesto. En Dresde (1844), fundó la Sociedad de Canto Coral. En 1850 fue nombrado director musical de Dusseldorf, pero una enfermedad mental que padecía desde la adolescencia, lo hizo dimitir en 1854, después de un intento de suicidio arrojándose al Rhin. Milagrosamente salvado, fue internado en una clínica para enfermos mentales en Enderich, cerca de Bonn. Murió dos años después, víctima de una terrible enajenación mental, el 29 de julio de 1856, a los 52 días de haber cumplido 46 años. Schumann decía que toda obra debía ser concebida en un momento místico, bajo el impulso del corazón. Clara, después de la muerte de su esposo Robert, se convirtió en una de las mejores pianistas de su época, y realizó giras constantes para poder mantener a su familia. INFLUENCIAS DE LA OBRA DE SCHUMANN Schumann puede considerarse como la más alta expresión del Romanticismo musical en Alemania. Tiene una personalidad inconfundible; a quien más se asemeja, por su espíritu y por el carácter íntimo de toda su obra es a Chopin. En su música alternan constantemente los pasajes
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Música
impetuosos con melancólico.
los
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carácter
Estos dos aspectos de su personalidad los manifiesta el mismo Schumann en las figuras simbólicas de Florestan y Eusebius. En casi toda la música Schumanniana hay una gracia refinada y una riqueza rítmico-melódica que no es frecuente hallar en las obras de sus contemporáneos. Sus dos méritos principales son: el haber llevado la música de piano a una altura extraordinaria, usando este instrumento como un verdadero poeta; y el haber igualmente llevado el Lied a un grado de perfección suma. Su influencia como pianista y como compositor de Lied ha sido enorme, no sólo por la novedad de su técnica, que es original, sino por el contenido ideológico y sentimental que encierra siempre su música. Brahms es uno de los compositores que ha sufrido más directamente su influencia. SINFONÍA NÚMERO 3 EN MI BEMOL, RENANA, OPUS 97 Hacia 1850, Schumann fue nombrado director en Dûsseldorf, un corto periodo en el que compusiera su Concierto para Violoncello y la Sinfonía Renana. Esta obra debe su titulo al ambiente germánico de la Región del Valle del Rin, siendo un gran logro en el contexto de la música alemana de su tiempo. Asimismo, Schumann aplica a la denominación de sus cinco movimientos, la terminología alemana como sigue: Lebhaft (vivo) Scherzo: Sehr massig (muy moderado) Nicht schnell (no rápido) Feierlich (solemne) Lebhaft (vivo) Los movimientos primero y quinto son brillantes y expansivos y, sobre todo en el primero, la heroica tonalidad de mi bemol mayor es categóricamente afirmada por los cornos y trompetas. El segundo movimiento tiene el carácter de un Landler, danza campesina austriaca de la que derivarían, entre otras cosas, algunos elementos de vals, y de los tríos de los Scherzi de
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las sinfonías de Bruckner, y algunos momentos importantes de las sinfonías de Mahler. El tercer movimiento de la sinfonía Renana es lírico y contemplativo, y en el cuarto hallamos una referencia anecdótica muy directa. En este movimiento entran por primera vez en la obra los trombones y entonan
una melodía solemne, de contornos góticos. Se dice que esta melodía fue creada por Schumann con el recuerdo de una ceremonia religiosa en la que un obispo fuera investido como cardenal en la catedral de Colonia. La sinfonía Renana fue estrenada el 6 de febrero de 1851, bajo la batuta del compositor y, como es históricamente conocido, el estreno no fue tan brillante como pudiera haber sido, ya que, una vez más, Schumann demostró escaso talento para la dirección orquestal. Un par de años después, Schumann se vería obligado a renunciar a sus actividades como director de orquesta, y se iniciaría la última, dolorosa etapa de la enfermedad mental que habría de perdurar hasta su fallecimiento. ANÁLISIS DE LAS OBRAS Esto es lo que hago yo con todas las obras que dirijo. Tomo todo el tiempo que me lleve analizar cada obra, hasta terminarla y así sentirme listo para estar frente a la orquesta y el público. La idea es la excelencia, no sólo cuando estoy sobre el pódium, trabajando con la orquesta, sino todos los días, en la tranquilidad de mi estudio (que es para mí como el laboratorio para el científico), para estar preparado. Uno nunca deja de aprender, aunque nunca llega a saberlo todo. Así como los científicos no se dan por vencidos ya que siempre buscan hacer nuevos descubrimientos, los músicos siempre estamos buscando nuevos caminos hacia la excelencia en nuestro arte. Por esa razón he tenido lo más importante, que es felicidad interna y externa al dedicarme de tiempo completo al conocimiento de la buena música.
Enrique Bátiz El maestro Bátiz es actualmente director de la Orquesta Sinfónica del Estado de México y fue director fundador de la misma en el año de 1971. Es asesor musical y director invitado de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato. Fue director de la Filarmónica de la ciudad de México durante ocho años, y es huésped permanente de la Royal Philharmonic Orchestra, de Londres.
Música
LLAVE
La
Maestro Raúl Gutiérrez Director asistente de la OSUANL draul.gutierrez@gmail.com
EL VIAJE La música y la suerte me llevan nuevamente a Portugal. Desde que início el vuelo me abandono a ese mar de rumores, de sonidos, de idiomas: francés, portugués, inglés, italiano... otros que no reconozco, y un sinfín de matices para el español; y en este delicioso sopor, como piedra que cae al fondo de un pozo. mi oído va más allá... LA CAÍDA Primero, en la superficie, son los murmullos que se van diferenciando, como islas; los leves gritos de las voces apagadas; el susurro del hablar franco. Después, van tomando forma las conversaciones; se puede reconocer si son serias o informales, forzadas o fluidas... y poco a poco se percibe, leve, vagamente al principio, pero cada vez con más fuerza, lo que no se dice, pero da cuerpo a la comunicación: la persuasión, la imposición, el cariño, la aceptación, la defensa... no necesito
entender el idioma para intuir, mucho más allá, las intenciones humanas, no de raza, credo ni siquiera género, simplemente humanas, las que han movido el mundo y sus culturas desde siempre. Finalmente, tocando fondo, al terminar la caída, las emociones que conllevan. Las emociones que todos poseemos, las que nos agitan cada día, el cuerpo de los sueños .... Es aquí donde entra la música, el destilado de emociones más puro y perfecto, el más concentrado extracto de sentimientos hecho sonido; claro, no podía ser de ninguna otra manera, sonido y sólo sonido. LA CAÍDA En el principio fue el verbo. Una traducción, no usada por impráctica, pero literal, dice: “en el principio es lo que se oye”; también “lo que suena”. Son tantas las religiones y mitologías que hacen audibles a sus divinidades mucho antes de hacerlas visibles; y
hay, me parece, una razón de peso. El sonido va directo al fondo del alma, y frente a esto estamos indefensos; vivimos con los oídos abiertos. Casi todo lo que vale la pena en nuestras vidas llega a través del oído. Antes de nacer, escuchamos el corazón de nuestra madre y su entorno (“Entonces, maestro Kodaly -preguntó el reportero con malicia- según lo que nos dice, una persona debería empezar su educación musical desde que está en el vientre de su madre!! -risas en la sala. “No, señor”, contestó Kodaly, “yo sostengo que debería empezar a oír música desde que la madre está en el vientre de su abuela, como mínimo”). En la cuna, mucho antes de que nuestros ojos funcionen en un grado útil, oímos; conocemos y reconocemos el mundo, oyendolo. Escuchar y sentir están tan ligados, que para el bebé es parte de lo mismo (y todos fuimos bebés); sólo resta oler y tocar.
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es la información más necesaria, y todos estos estímulos, lentamente, hasta por lo menos los seis años, van plastificando nuestro cerebro; les dan forma a los caminos que luego recorrerán los pensamientos y los sentimientos. El oído es la puerta de entrada al mundo interior, y la música es una luz que nos va mostrando las maravillas que estaban ocultas, incluso a nosotros mismos. ¿Cómo podemos, sistemáticamente, ignorar un sentido que nos da tanto y darle primacía a otro que, incluso, con frecuencia, nos engaña? Sólo la conciencia de su existencia, importancia y desarrollo nos podrá salvar, y en esto la música es nuestra mejor aliada. EL INTERIOR El compositor Aaron Copland, en su libro Cómo entender la música (ediciones del FCE) desarrolla una teoría tal, que su sola concientización nos acerca a la música hasta un grado insospechado. Divide la experiencia sonora en tres niveles (sólo a modo de estudio; en realidad se dan simultaneos). El primero es el sensual: el sonido tiene un efecto, mayor o menor, pero insoslayable, definitivo, en cada uno de nosotros, en nuestros sentidos inmediatos. Si en este momento sonara una nota en donde sea que estemos, todo nuestro cuerpo reaccionaría ante ello. Esta reacción está en la sangre, en cada célula. Frente a este efecto básico, primario, nada podemos hacer aparte de aceptarlo y, sobre todo, reconocerlo; disfrutar del oleaje de sonidos que nos llegan (no sólo musicales). Hacernos conscientes del mismo es un pequeño esfuerzo que nos integra de golpe al aquí y ahora, tan necesarios para sentirnos vivos. Sin embargo, en este primer nivel estamos la mayor parte del día sin apenas prestar atención, bañados todo el tiempo por un mar de sonidos que, aun así, condicionan nuestros sentidos, sin notarlo. No nos comportamos igual con toda la música que suena; automáticamente nuestro cuerpo reacciona y se comporta
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según estemos condicionados a esa música en particulár. Esta manera de oír nos lleva incluso a creer en falsas asociaciones: Vivaldi es igual a un carro de lujo; con Beethoven, además del lujo, tendremos el poder. Todo esto es simple manipulación de medios; jamás ningún compositor serio (en cualquier género) compuso por ninguna otra razón que su necesidad de comunicarse com otros seres humanos; de sacar, mejor dicho, de exprimir su alma y dejar ese destilado entre nosotros. Ser conscientes de esto nos acerca a otra manera de escuchar, más provechosa. El segundo nivel es con mucho el más importante: el emotivo. La música entra por los oídos y, por así decirlo, baja hasta el alma; ahí provoca toda la gama de emociones imaginables e inimaginables; aun aquellas que no sabíamos poder sentir, despiertan al llamado de la música: alegría, ira, paz, angustia, felicidad, tristeza, poder, nostalgia... y sus miles de matices y derivados fluyen, puros, conforme fluye la música y levantan a nuestro espíritu adormecido y entumecido por la cotidianeidad; éste, para mí, es el principal objetivo de la música, por el que tanto se esfuerzan compositores e intérpretes, el verdadero mensaje de las musas, un leve toque, sí, más sagrado, que nos hace sabernos vivos y nos recuerda lo que de veras importa: el interior. En el tercer nivel, complementando, se encuentra, para Copland, el conocimiento; es el plano intelectual: comprender para disfrutar... más. EL MENSAJE El arte es una experiencia personal, individual y única; el más grato momento, el más sublime y perfecto; no lo puedo compartir, así lo desee
com todas mis fuerzas; se me vuelve humo si lo intento explicar en detalle (tiene más sentido la labor eterna de Sisifo que explicar la emoción de la experiencia artística). No tiene caso. No vale tampoco que la intente compartir con la persona que más ame sobre la tierra; no lo voy a lograr. Tal vez porque cumple otro cometido... El arte, me parece, libera. La música, en particular, siendo un arte abstracto, habla directamente al alma, a la de cada uno, con su propio bagaje de experiencias y significados; nos dice sólo lo que , personalmente, podemos entender, y nos lleva tan lejos como sólo cada uno de nosotros podemos llegar. No se ve limitada por el lenguaje y su concreción, por la forma o el color, ni mucho menos por la erudición y otras trampas. Es todo o es nada; es viento fresco en el rostro o soplo divino en el espíritu; lo es para cada quien, sin que tengamos que preocuparnos de ello; no tiene que ver con nuestros complejos ni estudios, sólo con nuestras experiencias de vida; ganamos muy poco comprendiendo la forma en comparación con el todo que obtenemos permitiéndonos, casi diría forzándonos, a vivir el contenido. La música libera porque, al remover nuestro espíritu, nos pone en contacto con nuestras emociones y sentimientos; o sea, esencialmente, con nosotros mismos; la música es la llave a nuestro universo interior; su mensaje va más allá, porque nos vuelve a relacionar con lo que verdaderamente somos: seres humanos; y recordemos que, antes de ser cristianos, judios, musulmanes, abogados, músicos, empresarios, esposos, hermanos, hijos, padres, incluso antes de ser mujeres y hombres, somos seres humanos; el mensaje es para nosotros.
Raúl Gutiérrez Es egresado del Conservatorio Nacional de Música. Se especializa en dirección orquestal con el maestro Félix Carrasco, y ha tomado cursos de especialización bajo las batutas de Guillermo Salvador, Fernando Lozano y Francisco Savín, entre otros. En 2006 fungió como director concertador de ‘La Scala di Seta’, ópera de Rossini.
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La dirección de orquesta
desde otro
ángulo Maestro Claudio Tarris Director de la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey claudiogt@hotmail.com
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ste artículo tiene el propósito de analizar la tarea del director de orquesta desde otra óptica. Los puntos de vista que expongo no son los que el público generalmente espera acerca de la importancia real del director de orquesta, ese personaje aparentemente enigmático y poderoso. Por otra parte, es mi idea personal de a lo que aspiro como director, y, por último, de mi experiencia de más de 20 años como músico de atril de varias orquestas sinfónicas profesionales.
Corresponder al regalo
Comencemos, pues, con algunos de los argumentos más difundidos entre el público en general sobre el trabajo de un director de orquesta: él es imprescindible para conjuntar la suma de voluntades diversas que componen una orquesta; él establece criterios como el tiempo o velocidad de la música, si debe sonar fuerte o suave. Si no llegara a dar las entradas, los músicos no sabrían cuándo tocar y se perderían; Escrito por Ivy Nevares de sus gestos dependen la energía, el crecimiento o decrecimiento en el Conceptos de Keith Raniere volumen de la orquesta; los músicos solo leen una parte de la música; en cambio, el director tiene la obra completa en su partitura, y sólo él Silencio puede dar la intención de lo que el compositor escribió; el director debe saber tocar todos los instrumentos de la orquesta, etcétera, etcétera. Antes de la luz y la oscuridad, el dolor o el placer, antes del sentir, el pensar, o la identidad llega la más primitiva experiencia del sonido. Es lo que da la bienvenida a las semblanzas mismas de la vida humana, y quizás lo último que MITOS DEL DIRECTOR las despide. La primera instancia (paaaa, un bajo profundo, solemne) rompe la monotonía del silencio, trayendo consigo DE ORQUESTA el primer contraste, la primer dualidad, la primera identidad: sonido, silencio; cosa, ausencia de cosa; ahí, ahora y luego Desafiaremos al lector comenzando por declarar que ninguno de estos no. Sólo instantes después de que esta preciosa semilla del sonido es sembrada en nuestras células (quizás en nuestras argumentos es verdadero. Tal vez alguno, pero muy parcialmente. almas) le sigue otra, y otra, y otra, floreciendo juntas, orquestando la música primordial. Podríamos analizar y discutir cada uno de ellos por separado, pero Sonido, silencio. Sonido, silencio. Sonido, silencio. Sonido, silencio... creo que es más interesante compartir las siguientes experiencias: hace varios años impartí una serie de conferencias con el tema “Los Mitos del Pa, pam. Pa, pam. Pa, pam. Pa, pam... director de orquesta”, que trataba precisamente esta problemática. El corazón del sonido del corazón.
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Luego de establecer ciertos conceptos, realizaba el siguiente experimento: ponía un video sin sonido, de tres célebres directores europeos (de cuyos nombres no puedo acordarme) y les decía a los asistentes que trataran de imaginar el tipo de música, tempo, intensidad y carácter, por los gestos y muecas de los tres directores. Era evidente la diferencia en la precisión de los gestos y su amplitud. Uno de ellos guardaba total seriedad y concentración, mientras otro hacía gestos y muecas casi ridículos; el tercero movía el cuerpo al compás, siempre sonriente. La primera sorpresa que se llevaron los asistentes fue cuando les informé que los tres habían estado “tocando” (o bailando) la misma música: el Scherzo de la Séptima Sinfonía de Beethoven. Cuando les pedí identificar por la intensidad, justeza rítmica y resultado musical cada audio con cada video, resultó que la versión con más energía la lograba el director más sobrio, y que había pequeños desajustes en el ensamble con el director de gestos más explosivos. En una de las versiones, la entrada iniciaba más lenta y recién luego de tres compases, se emparejaba la orquesta (¡) Pero, ¿cómo? ¿No dependía todo aquello de la marcación del director? Y, lo mas extraño, ¿cómo era posible que si en esencia las tres versiones sonaban a la misma velocidad y casi con el mismo carácter, los gestos de los directores fueran tan distintos que en un principio no fue evidente que se tratara de la misma obra? ARTES QUE EXIGEN DIRECTOR Dejemos esta historia a un lado, y pensemos por un momento en cuáles son las artes que requieren de un director: el teatro, la danza, el cine y la música sinfónica. En todas, la principal función del director es la preparación, según su visión, de la obra en el trabajo previo a la función. En las primeras tres disciplinas, en el momento mismo de la representación, el director no está presente físicamente en escena, porque ya cumplió con su trabajo. ¿No sería acaso ideal la percepción de una obra de arte sinfónica
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recreada por una orquesta sin la intromisión permanente de un personaje gesticulante? Al fin y al cabo, ¿la labor más significativa e importante de un director de todas estas disciplinas, ahora sí, para darle un criterio unificador y artístico, no se hace durante los ensayos y el trabajo de preparación? Sin embargo, se ha hecho una cultura de la imagen de un director de orquesta, de manera que culturalmente lo hacemos imprescindible.
con la interpretación de un famoso director de orquesta, quien se pararía delante del solista batuta en mano, e hiciera gala de todo el repertorio de gestos para indicar a Yo-Yo Ma su particular y genial visión de la obra? ¿Por qué oímos el sexteto la “Noche Transfigurada” de Schoenberg, u otra similar sin director, con total precisión y dramatismo, tratándose de una obra que requiere como muchas otras por su complejidad un criterio artístico determinado?
¿Qué opinarían ustedes si fueran a escuchar a Yo-Yo Ma, por ejemplo, interpretar alguna obra para Cello Solo
JERARQUÍA DE LOS ELEMENTOS También quiero tratar aquí el aspecto de la jerarquía de los elementos
la música siempre joven
Ingeniera Claudia Ordaz
Ahora bien, quiero tocar un punto
Catedrática del Departamento de Comunicación / ITESM fundamental en esta argumentación, cordaz@itesm.mx para llevar la idea que acabo de
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Cuántas veces hemos escuchado en películas la frase: “eres bien música” o que alguien describe a una persona diciendo que: “siempre trae la música por dentro”. Porque, si eres bien música, eres “a todo dar”, y si traes la música por dentro, eres alegre. Y es que la música siempre es un pretexto para celebrar y fortalecer relaciones de amistad o de amor; para destacar la tristeza, el fracaso o alguna decepción amorosa. Lo cierto es que la música se origina en la necesidad de narrar hazañas históricas cantadas –mediante el cantar de juglares- o cantar algo sucedido, ya sea trágico mediante ópera- o narrar cosas que a la mayoría de nosotros nos suceden, ya sean alegres o tristes, para hacer de la música una expresión de arte universal. Y es que, como disciplina de las bellas artes, la música las acompaña a todas: a una pintura, la embellece; al cine, lo hace más real; está íntimamente ligada con la literatura; hay diversos poemas hechos canciones -poesía de Mario Benedetti, por mencionar que hacen el por fenómeno de una alguno cantado Nacha Guevara. interpretación sinfónica: vamos Incluso el legendario Jim Morrison,a suponer quebanda contratamos la mejor líder de la The Doors, antes orquesta del mundo. No importa cuán de convertirse en cantante y músico, buenos músicos sean, si los atriles era poeta, y mucha de su poesía fue están vacíos, ellos incapaces musicalizada. Y esserán que música haypor de sí mismos detodos articular 10 segundos toda y para los ni gustos: ópera, de buena música. ahora clásica, blues, jazz,Contratemos boogie, ranchera, al mejor director del mundo, sin pop, rock, cumbia, ballenato, country, partitura y sin orquesta: nada puede samba, salsa, etcétera, que se mezclan, hacer. evolucionan y crean nuevos ritmos. En un arte tan complejo como el INFLUENCIAS EN EL sinfónico primero ROCK AND ROLL requerimos que un compositor organice magistralmente Y precisamente el rock and roll se los elementos para darle coherencia originó tomando influencias de los y claridad a la obra. Seguidamente, blues, la música country, boogie y jazz;
exponer a un plano más apalache, concreto: con influencias de laaún música durante mis más de 20 años no de gospel y western. Y aunque muchos actividad como músico de orquesta, y la consideran música, sino sólo ruido, habiendo el trata puesto Viola la realidadocupado es que se dede uno de principal durante la mitad de ellos, he los géneros musicales que más ha tocado la totalidad de las sinfonías y evolucionado en los últimos 30 años. obras importantes de repertorio de la El término rock and roll fue utilizado mayoría de los siglo pro primera vezcompositores en los Estadosdel Unidos XIX (y claro, clásicas, del siglo XX y en una estación radial en Cleveland, contemporáneas). Las de Beethoven, durante los años cincuenta, por Alan Brahms, Schubert, Freed, pues tituló a Schumann, su programapara de mencionar algunas, las Roll”. he tocado radio “Moondog Rock and El rock varias algunas más de diez and rollveces, surgióycomo un estilo musical veces. Esto implica haber ensayado en Estados Unidos. Hay quienes le cada obraeldurante varios días acada atribuyen crédito de precursor Bill vez. Halley, con su “rola” Rock Around the Clock –que tanta influencia tuvo en ¿ES NECESARIO EL DIRECTOR? John Lennon. Otros consideran que Tomemos ahora una orquesta fue Elvis Presley. profesional como la de Hamburgo, Viena, Boston ¿Saben ustedes cuántas SUBGÉNEROS veces uno handetocado ellos una Cada los subgéneros del obra rock como la Quinta de Beethoven o sí, la se pueden mezclar sutilmente entre Segunda de Brahms? Decenas de y pueden rescatar elementos de cada veces, lassubideologías, han trabajado vez una de ylas lo cada que hace con los mejores directores del mundo. del rock una música multicultural y Técnicamente, esas obras no ofrecen rica en pensamientos, sonidos e ideas. ninguna dificultad que orquestas He aquí los subgnéneros del rock: como éstaspop norock, puedan fácilmente rockability, rock psicodélico, superar. ¿Ustedes creen que realmente garage rock, rock sinfónico, rock necesitan de un director para poderlas progresivo, jazz rock, glam rock, hard tocar de principio fin congothic una calidad rock, punk rock, apunk, rock, sobresaliente? ¿No son estas obras tan krautcrock, heavy metal, new wave, insuperables y perfectamente escritas post punk, soft rock, rock alternativo, como para que cualquier músico que noise, shoegazing, grunge, brit pop, se respeta las entienda y lasrock, sientapost con dream pop, emo, geek todo su dramatismo o energía? rock, rock ácido, rock en español, rock experimental, rock instrumental, ¿De qué visual, kei.otra manera se puede tocar el último movimiento de la Cuarta de Tchaikovsky, si no es con toda BANDAS REPRESENTATIVAS la energía y explosividad posible? En los años cincuenta surgió el ¿Necesitamos a un director nos género, con Chuck Berry,queLittle diga: estimados maestros, se Richard -rock negro-, Ritchie esto Valens, toca muy fuerte y con toda la energía Buddy Holly, Big Bopper, y el rey posible? Pueden creerme que no, y si
del rock, Elvis Presley, oriundo de Graceland, Tennesse, donde una predominante población negra influyó definitivamente en su música; en los sesenta aparecieron Los Beatles, Los Rolling Stones, The Who, Jimi Hendrix. y The Doors; en los setenta, Pink Floyd, Led Zeppelin, Black Sabbath AC/DC, Deep Purple, Génesis, Queen, Alice Cooper, Aerosmith, Kiss, Judas Priest, Scorpions, The Ramones, Sex Pistols, Van Halen; en los ochenta, Blondie, The Police, Def Lepard, Motley Crue, Tars for Fears, Boston, Duran Duran, Poison, Bon Jovi., Guns and Roses, Twisted Sister, REM, Metallica; hiciéramos el experimento, en los ochenta se fortalecióelelhecho rock de queaunque tocar solos, poniendo en tener español, ya tenían sus un especial escucharnos orígenes unacuidado década en antes. Nacieron y sentirnos luego de algunos grupos comounidos, Soda Stereo, Caifanes y ensayos para acostumbrarnos (como en los noventa, Fobia, Café Tacuba, Los lo requerimos con director) le Amantes de Lola; en un Estados Unidos, daríamos a esa interpretación una Korn, Linkin Park, Limp Biskit, Green energía totalmente Day; en Europa, Oasis,renovada, Blur, Pulp,e imposible de lograr con un director Suede y Cold Play. al frente. Cualquiera que ha hecho música cámara un muy alto nivel El rock, de siendo un agénero musical, ha lo sabe. Es mas, esa interpretación tenido impacto social. En los sesenta, sería tan rock válida artísticamente como escuchar era un modo de vida y la cualquier director. dede identidad; fue en esos años cuando
Música Música
Rock,
y como consecuencia de esa mágica interdependencia del arte musical entre el creador y el intérprete, los músicos, adiestrados durante décadas, deben ser capaces de hacer sonar sin error las ideas graficadas por el compositor. El director realmente es el último de los elementos necesarios para que se lleve a cabo el mágico momento de la recreación de la obra.
nacieron importantes festivales de Resumiendo: toda obra sinfónica bien rock en el mundo: Woodstock, en escrita tiene la indicación del tiempo al Estados Unidos; Rock sobre Ruedas, que se debe tocar, la depor las mencionar partes que en Avándaro, México; deben tocarseElfuerte y suave,ha dónde sólo algunos. rock siempre sido crecer, dónde tocar apasionadamente, un medio para expresar libertad. enérgicamente; cuántos No suena absurdo que suscompases orígenes deben dejarse sin (y si el músico se remonten portocar influencia negra se tomapoblación la molestia de contar esos a una desfavorecida en compases, podrá volverque a entrar sin los Estados Unidos, clamaba ninguna indicación director), precisamente por eso: del libertad. Para y cuando se pierde (en cantar rockelse director necesita ese desenfado directores de bajo nivel eso sucede, que tienen los buenos rockeros; tocar lo visto, pueden son los la he guitarra, el bajo, creerme) la armónica, la músicos los que salvan el concierto, y batería y los teclados; componer de eso ni el público niolos profundas; críticos se letras irreverentes dan tenercuenta. actitud. Para escucharlo, estimado lector, se requieren ganas de EL DIRECTOR Y SU FUNCIÓN rejuvenecer y adentrarse en un mundo Es tiempo de reconocer, sí, finalmente lleno de vibra y música que tiene más lo que con obras de reconozco, cincuenta años. Eso lo harágrandes, a usted complejas y más que joven. requieren de inevitablemente orquestas muy numerosas, o para el acompañamiento de solistas, la guía de un director competente se hace absolutamente indispensable.
Claudia Ordaz
Obtuvo su maestría en Educación, con Especialidad
¿Cuál es entonces la función real del en Literatura, por el Tecnológico de Monterrey; es catedráticaTransmitir y escritora; forma partemúsicos de la Sociedad director? a los su de Escritores de Nuevo León, y es autora del libro visión de la obra durante los ensayos, Caracolas. Actualmente escribe Paloma querida.
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conducir a la orquesta, no dirigirla, y, a la hora del concierto, no denigrar a la mĂşsica ni a los mĂşsicos inventando gestos inĂştiles para impresionar al pĂşblico. Siempre digo que lo ideal serĂa que, tal como en el cine o el teatro, el director fuera el conductor de la representaciĂłn, pero invisible para el pĂşblico. Para lograrlo efectivamente, primero debe ser un buen MĂşsico, asĂ, con mayĂşscula. Debe tener un respeto absoluto por la mĂşsica que escribieron esos grandes genios, sin los cuales las orquestas no podrĂan existir, y todavĂa menos los directores. La primera muestra de respeto es estudiarla a fondo, saberse la partitura. Luego, respetar a los MĂşsicos. Sin ellos, la batuta sola no suena, y, en mi experiencia, no importa con cuĂĄnto cuidado haya yo estudiado cĂłmo voy a querer el fraseo de un pasaje o el Solo de una obra en particular, para comunicarlo a los mĂşsicos: cuando son buenos, muchas veces lo frasean y tocan mejor de lo que yo nunca imaginĂŠ cuando estaba estudiando, y ĂŠse es el momento de dejarlos tocar, sin entrometerse. Cada vez, hay que sacar lo mĂĄximo posible del ensamble que uno tenga adelante. Esa frase despuĂŠs de un concierto deficiente que he oĂdo: “ese director es muy bueno, pero con una buena orquesta. Como esta orquesta no es buena, no puede hacer mĂşsicaâ€? es la peor falacia. No se deben dirigir las obras copiando una versiĂłn de un disco; hay que estudiar la obra como si fuĂŠramos a estrenarla, y que de nosotros dependiera que el pĂşblico la aceptara o la rechazara; ser plenamente consciente cada dĂa de lo afortunado que se es de tener la oportunidad de pararse delante de un grupo de artistas para que toquen para uno mĂşsica tan magnĂfica. Para terminar, quisiera agregar un pĂĄrrafo de un escrito que los extraordinarios mĂşsicos de una orquesta venezolana nos repartieron a un grupo de jĂłvenes directores en un curso de direcciĂłn. Se llamaba “Los Diez Mandamientos del Director de Orquestaâ€?. Era una burla muy dura pero muy certera, con las diez cosas que un director mediocre no debe hacer desde el punto de vista de los mĂşsicos. El Ăşltimo pĂĄrrafo decĂa asĂ: “Sepa valorar los aplausos al terminar un concierto: si el pĂşblico lo ovaciona, es seguramente por una de tres causas: o Beethoven volviĂł a emocionarlos, o la orquesta tocĂł bien, o usted tiene talento para la danza. Si la orquesta lo aplaude es seguramente porque ha hecho bien su trabajoâ€?.
Claudio Tarris Es actualmente director de la Escuela Superior de MĂşsica y Danza de Monterrey, director de la Orquesta de CĂĄmara de la Facultad de MĂşsica de la UANL, y director adjunto y viola principal de la Orquesta de CĂĄmara Nuevo Milenio, de MARCO.
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La música clásica
En México, este modelo fue iniciado por María Teresa Cortinas del Riego, a mediados de la década de los ochenta, al crear la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Tamaulipas. A finales de la década de los ochenta, bajo la tutela de Fernando Lozano (fundador de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y del Festival Licenciado Ricardo Marcos G. Internacional de Música de Morelia), Jefe de la estación de radio Opus 102 el Programa de Orquestas, Coros y ricardo.marcos@mail.nl.gob.mx Bandas Juveniles de México comenzó leí un provocador con unecientemente proyecto muy similar al de artículo delel crítico musicalde David Venezuela, con liderazgo la Hurwitz en su sitio de Internet Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos en el que comenta sobre “muerte” Chávez y la iniciativa del la director de de los clásicos. Hurwitz argumenta orquesta mexicano Eduardo Mata, que laen“música clásica” tal ya quien aquel tiempo eracomo el director no existe,principal como consecuencia de huésped de la Orquesta la ampliación del mercado clásico, venezolana. accesibilidad de la “música clásica” a la sociedad en general, diseminación En este tiempo se crearon un buen de ensambles y orquestas sinfónicas número de orquestas por todo ely el incremento delamúsicos talento país, incluso en capital con la mayoría superior. Tomando contaban algunas ideas de de las delegaciones con una Hurwitz, quisiera desarrollar dentro orquesta sinfónica juvenil. Sobreviven algunas de ellas, entre las que destaca
la Orquesta Sinfónica Juvenil de la Delegación Magdalena Contreras, encabezada por el maestro Armando Zayas, quien fuera durante muchos años director titular de la Orquesta Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional.
música con jóvenes es el hecho de que en ellos no hay estereotipos, y están dispuestos en todo momento a aprender y experimentar.
en la sociedad actual
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Directores consagrados como Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Zubin Metha, Sir Michael Thilson Tomas y Sir Simon Rattle se han acercado paulatinamente a estos proyectos (en el caso de Abbado y Rattle han sido directores invitados de la Sinfónica Simón Bolívar en la etapa de Dudamel como director titular). Asimismo, hay que recordar que Leonard Bernstein y Herbert Von Karajan dirigieron a la ahora orquesta Gustav Malher (antes Orquesta de la Unión Europea) en diversas ocasiones.
Supervivencia de un arte que se ha democratizado y alcanzado un público al que nunca se pensó que podría llegar DISPOSICIÓN DE APRENDER
Y EXPERIMENTAR En la voz de Claudio Abbado y Pierre Boulez, una de las ventajas de hacer
En México, el modelo ha tenido mucho éxito. Entre los ejemplos que se deben mencionar está el de Veracruz. En Xalapa se encuentra una de las más sólidas agrupaciones juveniles de nuestro país, fundada por el maestro de un contexto local (mexicano), mis Efraín Gugui (Q.E.P.D.), seguido por propios puntos de vista relativos a este Luis Herrera de la Fuente y Antonio fenómeno que la democratización Tornero. La es Orquesta Sinfónica de la “música clásica”.(antes Ciertamente el Juvenil de Veracruz llamada rol de la música clásica la sociedad Camerata Juvenil) se haenconsolidado contemporánea ha cambiado sensicomo una orquesta con repertorio blemente en los años.debutó profesional, queúltimos en 1997 en el Palacio de las Bellas Artes, MÚSICA CLÁSICA con el ciclo de las nueve sinfonías Y ESTATUS SOCIAL de Beethoven, bajo la dirección de El adjetivo “clásico” Herrera de la Fuente.se le añadió a la música culta en una época en la que su adquisición eraderivado prácticamente Este proyecto se ha en una limitada. Eran los tiempos de las orquesta–escuela que en la actualidad cuenta con un edificio sede, ofrece
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grandes compañías discográficas, como EMI, LONDON y DG. Adquirir algunos de estos discos de acetato formaba parte de un estatus social. Tener un álbum de la Quinta Sinfonía de Beethoven con la Filarmónica de Berlín y Herbert Von Karajan posando en un estado de meditación extrema o de trance ericksoniano, ameritaba lucir el trofeo en la sala o en algún otro lugar al alcance de la vista del visitante. El verdadero estatus lo determinaba la cantidad de discos de Karajan, Arrau o Pollini y no un Tamayo o algún jarrón precolombino. En aquella época, los conciertos con una orquesta de mediano nivel eran tan raros (hoy ya no nos impresionan las orquestas medianas con directores medianos), que incluso si la sinfónica de Berlin venía a nuestras regias tierras, era un acontecimiento que no había que perderse (sabiendo de entrada que la orquesta famosa de Berlin es la filarmónica, no la sinfónica). Las clases privilegiadas se agolpaban para escuchar a Nicanor Zabaleta, Narciso Yepes o Giuseppe DiStefano. Conciertos de este nivel eran raros y, cuando ocurrían, el lleno estaba asegurado. ACCESIBILIDAD DE LA MÚSICA CULTA Sin embargo, los tiempos han cambiado. Hoy la música culta es accesible para toda clase de público. Anualmente se cuenta con temporadas patrocinadas por el gobierno o por alguna institución privada, con boletos a precios que en otras épocas parecía imposible pensar. El advenimiento del disco compacto ha provocado un descenso en el costo de manufactura. Adquirir un disco de la Patética de Tchaikovsky (Sinfonía Número 6) oscila entre los 45 y los 180 pesos, dependiendo de la versión. Hoy en día se pueden conseguir pases para entrar gratuitamente a un concierto de la Philarmonia, una de las grandes orquestas europeas. Actualmente, el público no va a llenar un teatro con maestros de la talla de Joaquín Achúcarro (gran concierto) debido a que prefiere esperarse al concierto de Dubravka Tomsic (artista
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clásica se relaciona con conocer el repertorio y sus intérpretes. Hoy más valdría tener uno de los raros discos de Celibidache que toda la producción de Brahms con Karajan. La “música clásica” ya no es clásica. Ha perdido ese estatus de rareza, de exclusividad. Y éste es un cambio para bien. La música clásica vale por lo que es y no por el entorno de glamour o inaccesibilidad de antaño.
igualmente genial). En ninguna época de la historia ha habido tal oportunidad para escuchar música culta a precios accesibles. GRABACIONES DE CALIDAD SOBRESALIENTE La “música clásica” ha dejado de ser clásica desde que tiene un acceso no limitado a clases privilegiadas. Hoy tenemos grabaciones de las nueve sinfonías de Beethoven con al menos 10 ciclos completos que tienen una calidad sobresaliente: Klemperer, melódico, considera fundamental, Cluytens,que Barajan (1), Bohm, Kubelik, dado que el niño debe saber escuchar, Blomstedt, Masur, Barenboim, Harreconocer reproducir. El desarrollo noncourt,y Haitink. de una memoria sensorial, motriz y afectiva importante,en ya el Debidoesa igualmente esta sobresaturación que potencia el sentido musical.de discos mercado, artistas y compañías han tratado de explorar el repertorio El oscuro ritmo,y considerado fuertemente desconocido, con lo que se intuitivo, es unmúsica aspectodefundamental ha rescatado compositores para este autor, ya que es la esencia de interés superior: Cherubini, Mehul, deStenhammar, lo que él denomina un pulso vital, Rubbra, Madetoja, que no es Alkan, otra cosa quey el latido otros del Sorabji, Litolff algunos corazón siempre presentecomparten en todo ser el que justificadamente humano, dellasque depende nuestrade espacio ycon polillas, insaciables actividad partituras.como seres racionales. Evidentemente, para el proceso de enseñaza aprendizaje de la actual música,ha Todo este movimiento este pulso vital se constituye en el conseguido derrumbar los grandes punto mitosde departida. la historia de la música culta. Entre ellos, los siguientes: En otra de sus obras titulada El valor humano de lagrabaciones educación demusical, Las mejores “música nos deja se enencuentran claro queexclusivamente la naturalezaen clásica”
EMI, DECCA o DG. Pruebe disqueras como Hyperion, Naxos, Brilliant, Supraphon, Bis y verá. Karajan es el director más grande de la historia. Figuras como Kubelik, Furtwangler, Cluytens, Kondrashin, Markevitch, Bohm, Jochum, Martinon, entre otros, tienen mucho que decir. Callas revivió con sus propias manos el belcanto. Pagliughi, Tebaldi, Cerquetti y Gencer también lo hicieron. A mayor precio, mejor la calidad de la interpretación. ¿Ha escuchado la horrible grabación de la Bohemia de Bocelli? ¿Usted detiróla400educación musical es tan pesos? fundamental como la más visión La música culta es la cara ydeellas lenguaje hombre, músicas.en Es elmucho máspero caro con ir alaun diferencia de que la habilidad musical a musical estilo Broadway que escuchar tiene características en una orquesta sinfónica.particulares Los discos nuevos cada Habrá quienson tenga facilidad de quien. rock generalmente más caros que para crear,nuevos recrear o simplemente los discos de “música clásica”.
escuchar la música. Compañías disqueras como Brilliant ESTIMULACIÓN DEhan LASdemostrado que Classics y Naxos EXPERIENCIAS MOTRICES lo barato también puede tener una gran Lacalidad. músicaAhora cimienta bases de también a el estatus la música través de las experiencias motrices, estimuladas mediante rimas, juegos
Hoy tenemos la oportunidad de presenciar, escuchar y asistir a diversas opciones de conciertos de “música clásica”, muchos de ellos de un nivel y ejemplar. ejercicios En como el de estamos la imitación y México vivienla do realización de de ecos, actividades los frutos la con democratización combinadas comoclásica”. aplaudir, de la “música La palmear industria y discográfica marchar, porha ejemplo. No el hay que cambiado; público olvidar lo trascendente que resulta la ha cambiado. ejecución en ensamble, que repercute enPronto, el trabajo cooperativo y la tolerancia este movimiento impactará a alos otros. Esto ayuda laserrores propiasdeorquestas; algún día, a éstas integrar niño aun sualto entorno y a les al pondrán a los mitos fortalecer su confianza sí mismo. en intransigentes que seenencuentran el podio y que mantienen un breve Considerando lopasado. anterior, nos queda eslabón con el en claro que la enseñanza musical enARTE el niño favorece aprendizajes, QUE EXIGE COMPROMISO capacidades expresivas, Finalmente, me parece quecreativas la “música y clásica” artísticas, e incide enlos su seguidores agilidad nunca tendrá mental, incrementa su popular poder de que tienen la música y el atención y concentración, le abre rock, pues es un arte yque exige posibilidades que se refiere a compromisoen en lo su audición, y además la hay producción sonora, el sentido del un elemento indispensable que ritmo y losha hábitos derelacionado estudio. siempre estado con la apreciación de ésta: la sensibilidad. LA MÚSICA ES VIDA LaEsta música es vida, losestá serespresente humanosen sensibilidad somos la máxima expresión cualquier clase social, pero de sólolase vida. Méxicoennecesita desarrolla algunas mejorar personas.suEs educación integral básica. través del esto lo que permitirá la A supervivencia aprendizaje música y del uso de y de un arte de quelase ha democratizado métodos pedagógicos sese alcanzado un público adecuados al que nunca podrá preparar al niño para un futuro pensó que podría llegar. lleno de nuevos retos.
Ricardo Marcos G. David Josué Zambrano
Es licenciado en Psicología por la Universidad de Monterrey. Tiene experiencia de ocho años en radio y tres como jefe de la estación de arte y cultura Opus 102 (102.1 F.M.). Ha escrito diversos musicales y culturales revistas locales y nacionales y ha publicado Titulado como licenciado en artículos Música, David Josué Zambranopara es catedrático de la Facultad de Música de la crónicas operísticas en la desde red. Eshace colaborador deles periódico El Norte. Hadel sido uno de Universidad Autónoma de Nuevo León 20 años.especial Asimismo, el Director General folleto los fundadores del Proyecto Óperafacultad. de Nuevo León y Consejero delArtes, mismo hasta junio de 2007. cultural Desde Adentro, editado por la propia Tiene una Maestría en con especialidad en sidolos aceptado endoctorales Barcelonaen para cursarde una enen Gestión Cultural en Educación y actualmenteHa cursa estudios Ciencias la Maestría Educación la Universidad de 2008. La Habana, con una especialidad en educación musical infantil.
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Una compilación de sugerencias
La música,
antídoto para las tensiones de la vida moderna
Maestro Fernando Treviño Lozano Director del Centro de las Artes fetrelo@sysop.com.mx
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a música ha sido señalada en múltiples ocasiones como evocadora de imágenes. Si bien esto es muy válido, el fenómeno no siempre tiene oportunidad de manifestarse, dado que, con frecuencia, escuchamos música en lugares públicos, en conciertos o representaciones escénicas, lo que nos dificulta dar rienda suelta a nuestra imaginación para permitir a nuestra mente la formación de imágenes, el recuerdo de acontecimientos vividos en el pasado o el anhelo de logro de metas en el futuro.
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Por otra parte, la música, como la mayoría de las Artes, busca, y aquí sí logra con éxito, independientemente de las circunstancias, evocar sentimientos y provocar sensaciones. Esta maravillosa cualidad hace de la música un vehículo ideal para buscar y lograr exitosamente estados de conciencia que permitan a todo ser humano el librarse de, o, al menos, disminuir los efectos nocivos de ese fenómeno tan contemporáneo que se derivan del así llamado estrés.
CONDICIONES PREVIAS Para lograr que la música tenga los efectos psíquico-físicos deseados, es de primordial importancia el que física y anímicamente nos encontremos en un estado de receptividad total. Es decir, debemos estar preparados para escuchar música con todos los poros de la piel, con todos los sentidos, en condiciones en las que las probabilidades de distracción se minimicen. Una habitación que podamos obscurecer total o parcialmente, un sillón confortable, vestimenta cómoda, temperatura ambiental de alrededor de 22º C , alejada de ruidos y aparatos telefónicos, así como de otros potenciales interruptores del estado de relajación que buscamos, formarían las circunstancias ideales. Pero más importante aún es nuestra actitud mental. Para lograr nuestro objetivo, es necesario estar preparados física y emocionalmente para buscar y lograr deshacernos de todo aquello que nos causa angustia, dolor o incertidumbre, entre otras cosas. Debemos preparar nuestra mente y nuestro cuerpo para entrar en un estado de felicidad, equiparable a los momentos más hermosos que hemos experimentado en nuestra vida.
sugerencias, aunadas a diversos objetivos secundarios. Por demás está el mencionar que, teniendo esta forma de Arte tantos años de existencia, se desglosa sólo una pequeñísima muestra de lo que en cada apartado se podría citar.
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De hecho, existe todo un desarrollo teórico-práctico llamado “Musicoterapia”, dirigido a liberar a los humanos de los efectos de éste y otros desórdenes causados por las tensiones, que el solo hecho de vivir nos impone.
De hecho, me he limitado a dar no más de cuatro alternativas en cada apartado. Asimismo, se han seleccionado obras que pueden ser fácilmente adquiridas en los diferentes formatos actualmente disponibles.
Relajación con un toque de optimismo
L. Boccherini
OBRA
AUTOR
Concierto para arpa, flauta y orquesta
W. A. Mozart
Sinfonía Nº 94 (Sorpresa)
F. J. Haydn
Minuet (del Quinteto Op.13 Nº5)*
L. Boccherini
Sinfonía Nº 8
L. V. Beethoven
(*) El “famoso”Minuet”) Relajación con un toque de ternura
R. Schumann
OBRA
AUTOR
Escenas Infantiles
R. Schumann
Hänsel y Gretel (Ópera)
E. Humperdink
Serenata
F. Schubert
Adaggietto de la Sinfonía Nº 5
G. Mahler
Relajación con un toque de romanticismo OBRA
AUTOR
Nocturnos para piano
F. Chopin
Serenata para cuerdas
P. Tchaikovsky
Pavana
G. Fauré
Concierto para piano y orquesta Nº 2
S. Rachmaninoff
F. Chopin Relajación con un toque de misticismo
¿Qué le aporta a un niño recibir formación musical? OBRA
AUTOR
Cantos Gregorianos
Anónimo(s)
Misa del Papa Marcelo
G. Palestrina
Stabat Mater
G. Pergolesi
Misa para niños
J. Rutter
G. Palestrina
Sentémonos, cerremos los ojos, cerciorémonos de que todos nuestros Maestro David Josué Zambrano músculosdeestán relajados; pensemos Catedrático la Facultad de Música / UANL En general, se considera que la músidavzam61@yahoo.com.mx en la música como en algo que entra ca del período barroco (1600-1750) por nuestros oídos, pero que, como la es relajante por naturaleza. Algo similar Veamos ocurre algunas con la propuestas escrita para los componentes del modelo de las sangre, a cada mucho célula dede nuestro e hallega hablado la concepto? grupos pequeños, llamada cuerpo y a cada de nuestro a apoyar esta idea. música inteligencias múltiples propuesto por existencia de rincón distintos tipos encaminadas de cámara.; pero en este apartado es él, que sostiene que no existe una única cerebro. de inteligencia: la inteligencia guardar ciertas reservas. inteligencia, sino una multiplicidad. inteligencia musical, de acuerdo emocional, la lingüística, la lógico- Lanecesario Anímese querido lector, y deje MÚSICA SUGERIDA Howardpues, Gardner, neuropsicólogo matemática y la musical, entre otras. con Secretario Técnico del CONARTE de Nuevo León, que la música lo alturas que Afirma El estado de la “relajación” que Fernando la inteligencia musical eslleve la a capacidad Recientemente, Secretaría podría de norteamericano, el licenciado Treviño Lozano es un activo promotor en el Estado desde hace muchos mismo nomediante ha descubierto. ser considerado un concepto deusted en cultural el desarrollo emocional, expresarse formasLa influye Educación Pública como ha manifestado años, dirigiendo importantes instituciones como capacidad como de relajarse una espiritual aceptado. Pero, y corporal del ser cantar forma afinado, el generalmente interés de incluir dentro de dada la musicales, MARCO, (Museo de Arte Contemporáneo), y otros parte fundamental nuestra buen calidad humano. la capacidad de la música de llegar a recordar sostiene que la melodías, de tener educación básica, el aprendizaje cargos enGardner el ámbito de la cultura, como la dirección del Centro de las Artes. de vida.del Aprovéchela….ahí está…..a su música estructura la forma y sensaciones profundas, sentido de pensar ritmo, o simplemente de sentimientos la música. ¿Por qué es relevante alcance. de la música. Es uno de y trabajar, y ayuda al niño en el me la permito anotar las siguientes para niñez mexicana aplicar este disfrutar
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Fernando Treviño Lozano
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La música, entre la pasión y el mito en la creación de su obra y en cómo la propagarán. Ellos piensan en los tonos, los ritmos, la intensidad, el timbre, y los definen de acuerdo con principios que varían de una cultura a otra. A nosotros, a los aficionados a ella, sólo nos toca disfrutarla. Ella, la música, está siempre ligada a los individuos y a los grupos sociales; a sus acontecimientos, a su historia y expresiones. MÚSICA DE TODOS TIPOS Tenemos música sacra, que nos aproxima a Dios y a los ángeles; himnos nacionales, que exaltan los valores y la parte más bella de las naciones; dramas representados en óperas, que llegan a sacar a flote emotividades intensas; instrumental, para serenarnos; rock o jazz, para exaltarnos; ritmos de cumbia, folklore o románticos, para bailarlos, y, detrás de estos sonidos, industrias millonarias que se enriquecen en dólares y euros en base a nuestra propia emotividad.
Antonio Lucio Vivaldi Coordinadora del Centro de Investigaciones, FCC / UANL cerda35@hotmail.com
den sentimientos, circunstancias, ideas y recuerdos, de conformidad con la realidad e historia de cada individuo o de pueblos enteros.
través de ella, de la música, nuestra experiencia y sentimientos se enriquecen. Con ella nos podemos tornar más productivos, comunicarnos; hacer más agradable nuestro ambiente y destino, y hasta llegar a enamorarnos. Su sonoridad, organizada entre silencios y flujos rítmicos -con precisión matemática o emotividad latente-, permite que colectividades enteras sucumban ante este arte, que impacta sustancialmente en el campo perceptual del individuo. Considerada como el “arte de las musas”, porque organiza de forma sensible y lógica las combinaciones de sonidos y silencios, de armonías y ritmos, ella nos introduce en bellos y complejos procesos anímicos, donde se confun-
OBSESIÓN Y TRABAJO DISCIPLINARIO Para los compositores, ella se convierte en una pasión más fuerte que el acero; en obsesión y trabajo disciplinario; en leyendas y mitos para construir sonidos celestiales y angelicales, y hasta en sueños proféticos, como el derivado de José Tartini, célebre compositor italiano que en 1700 escuchó en una noche de verano, la Ejecución por el Diablo, de un solo de violín en un estilo original y, al levantarse a la mañana siguiente, anotó aquella música para crear lo que hoy conocemos como La tocata del diablo. Los genios de la música son así. Viven para pensar en las letras, el instrumento y los instrumentistas;
Doctora Patricia Liliana Cerda Pérez
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Empero, sin ella, ¿que haríamos? Hasta las aves y las ballenas tienen manifestaciones musicales a través de un lenguaje sonoro que, para algunos científicos, sugiere un posible origen filogenético común. La música es, en este sentido, para el hombre y la mujer de todos los tiempos, un lenguaje sonoro que forma parte de nuestro ADN y de nuestra psique, como aquella operante en las aves de altos vuelos y lucidos plumajes.
Patricia Liliana Cerda Pérez Cursó el Doctorado en Ciencias de la Comunicación, con Especialidad en Periodismo, en la Universidad Complutense de Madrid, España. Obtuvo el Premio Nacional de Periodismo, actividad en la que se ha desempeñado durante más de dos décadas.
El médium
Y con ella la alegría…
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¿Cuándo volverá la música a nuestras H escuelas?
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Una experiencia particular
Maestro Félix Carrasco
Director de la Orquesta Sinfónica / UANL Isolde_carrasco@yahoo.com
abía olvidado por completo la agitación. El corazón volvía a latir normalmente poco a poco. Una profunda nostalgia me invadía. Sentía el cansancio, pero sabía que el camino todavía era largo: aún faltaba el desenlace. Recorría en mi mente aquellas escenas de esperanza, anhelos Profesor Ismael Vidales Delgado incumplidos, triunfos y frustraciones que, en el correr de una Director Académico del CECyTENL vida, marcan al individuo. Recordaba cómo pasaron aquellas ividales@att.net.mx imágenes tan nítidas y resplandecientes como una película. Volvía a sentir con cada escena esas sensaciones de alegría y a mejor obra que conozco sobre la historia de la educación tristeza profunda. Me envolvía en una historia donde yo era el mexicana, recoge los eventos más significativos del tema protagonista. Sí, era una historia ajena, pero en ese momento desde 1821 hasta nuestros días, y su autor es el doctor Ernesto la vivía como propia, la sentía mía. Mi mente divagaba entre lo Meneses. En los tomos que componen esta obra, observamos real y lo ficticio: sabía mi papel y lo desarrollaba. que desde siempre existieron en las escuelas primarias, y posteriormente en las secundarias, clases de música y orfeones. Considerando la importancia de esta disciplina artística en el desarrollo integral del ser humano, resulta incomprensible que se haya diluido en un espacio denominado Educación Artística, que abarca mucho y enseña poco, digamos, nada.
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PIANO Y VIOLÍN, SÓLO EN EL RECUERDO La maestra de piano en los antiguos jardines de niños y el de violín en las secundarias, son anécdotas para la historia. Recuerdo que en las fiestas de fin de cursos y asambleas cívicas era obligado en el programa un número donde participaban ejecutantes de piano y violín; además, la escuela en pleno interpretaba canciones bien entonadas, producto del trabajo de los maestros y maestras de música ¡Qué tiempos aquéllos! No tengo la menor duda de que la educación estética y la artística se plantean desde una perspectiva más amplia que la ecuación musical, sólo que aquélla era real; las otras son meras esperanzas planteadas en el discurso de la programación oficial. SI VOLVIERA LA MÚSICA A LA ESCUELA… Si volviera la música a la escuela, no sólo cumpliría sus objetivos inmediatos, sino que fomentaría valores estéticos, éticos y culturales; entre otros, la creatividad, la solidaridad y la trascendencia. La educación musical permitiría crear, escuchar,
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por un pequeño accidente en algún instrumento, la desconcentración de un músico y sus consecuencias. Todo. Todo eso y más puede suceder en un evento. Pero para eso estamos entrenados: no sólo para dar vida a los hechos y emociones que un compositor plasma en un papel, sino para que el intérprete logre en el momento- salvar una situación peligrosa entre la ejecución, sin que el público lo perciba, y continúe disfrutando plenamente de la obra y su mensaje. LA ESCRITURA MUSICAL, IMPERFECTA Aunque la escritura musical tiene siglos, sigue siendo imperfecta. A través de los signos, el autor vuelca toda la fuerza creativa que requerirá de uno o varios intérpretes para la ejecución. En el caso de una orquesta sinfónica, son, con frecuencia, casi un centenar de músicos los que tocan, dando lo mejor de sí, todos a su manera informados de la obra que se ejecuta y hasta con una opinión propia de su interpretación; pero, al hacerlo en orquesta, tienen la necesidad de dejar su idea individual para unificarla a la del intérprete necesario en estos casos: el director de la orquesta. La interpretación musical de una obra sinfónica es algo muy complejo. No basta con tener la información histórica o anecdótica de la obra en cuestión. Obligadamente hay que profundizar en los estilos musicales de la época de su creación, las influencias que pudo haber experimentado el autor al momento de su composición; los estados de ánimo ante situaciones que motivaron su creación. Mi función era clara y mis movimientos precisos, pero había instantes en que dejaba de ser yo mismo y me involucraba en la escena de tal manera que encarnaba al personaje, viviendo su propia vida y emociones. Frecuentemente volvía a la realidad abruptamente, interrumpiendo mis pensamientos por las leves pero constantes imperfecciones -de uno u otro instrumento, o de una sección completa de la orquesta- todas ellas
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tolerables y hasta necesarias durante un concierto en vivo. EMOCIÓN INTERPRETATIVA Y REALIDAD Era entonces cuando experimentaba ese duro despertar entre la emoción interpretativa y la realidad de un concierto. Todo puede suceder en una ejecución en vivo: un desequilibrio rítmico, una entrada en falso, la súbita carencia de una melodía causada
Frecuentemente, una obra deja entrever situaciones históricas extra musicales, como son revoluciones, corrientes filosóficas y hasta cambios climáticos. Para todo ello puede haber una respuesta en alguna escena musical incluida en una obra sinfónica. La tarea de un intérprete es encontrar todas esas situaciones o hechos relevantes y sumarlos al resultado final del estudio de la obra. Por eso comparo mucho el quehacer artístico del director de
EL PAPEL DEL DIRECTOR Durante varios ensayos, el directorintérprete olvida su tarea de transmisor de ideas, y trabaja arduamente en la realización puramente musical: cuidar los balances de sonido, hacer que los instrumentos o secciones de ellos toquen unificados lo más claro y perfectos que sea posible. El conductor debe buscar la expresión correcta de cada frase, melodía o idea musical, y hacer que el instrumento lo haga óptimamente. Entre lo más importante destaca la afinación completa de la orquesta. Si bien cada músico afina su instrumento, ése debe estar perfectamente bien afinado con los demás y lograr con ello una perfecta sonoridad grupal. Esa tarea la comparte con el concertino de la orquesta; digamos, el capitán de todo el equipo, quien es responsable directo de la afinación, entre otras muchas tareas y responsabilidades que tiene.
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INTERPRETACIÓN DE LA SINFONÍA PATÉTICA Sin exagerar, aseguro que, mientras se dirige, es posible experimentar los sentimientos del autor. Eso me ocurrió durante la interpretación de la Sinfonía Patética, de Tchaikovsky, una obra maestra autobiográfica.
orquesta con el del director teatral. Uno busca lo que hay detrás de las palabras y otro lo que hay detrás de los sonidos, pero la tarea de ambos es lograr la interpretación total.
Me adentraba en el ‘Adagio lamentoso’, último movimiento de la Sinfonía Patética. Apenas me recuperaba de la agitación del tercer movimiento, una marcha-scherzo donde el compositor hace uso de todos los recursos sonoros y técnicos de la orquesta. En su brillantez se entretejen escenas de sus triunfos y fama como compositor, pero el éxito no necesariamente va ligado a la felicidad.
Piotr Ilich Tchaikovski Nació en San Petersburgo en 1840 y murió en 1893. Es uno de los compositores rusos más importantes del siglo XIX.
En su ‘Adagio lamentoso’ vuelve esa nostalgia, ese pesimismo, esa soledad y frustración contenida durante toda su vida. En realidad es una despedida a la vida. Tchaikovsky muere unas semanas después de estrenar su Sinfonía.
New Age rompe paradigmas
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COMPOSICIÓN CONMOVEDORA Un verdadero intérprete queda totalmente conmovido con esa composición. El mencionado adagio es verdaderamente un desenlace, una despedida. El intérprete siente el último aliento de esa creación y desfallece con él. La obra concluye y, exhausto pero satisfecho, recibo el aplauso del público. Aplauso que justamente comparto con la orquesta.
Precisamente la orquesta es un exige una gran responsabilidad por equipo perfecto de hacer sonido. transmitir la idea del compositor con Cada componente es un profesional fidelidad. Durante la ejecución, hay en sí, pero necesita ser acoplado, y eso momentos en que el intérprete siente sucede cada vez y casi en cada obra haber logrado el mensaje y hay otros interpretada ese equipo Licenciado Juanpor Carlos Zavalasonoro. La en que imperfecciones sonoras logran Primer Oboe de sólo la Sinfónica Juvenil Nuevo León distraer la perfecta interpretación. perfección viene tras el de continuo morrigan11@hotmail.com ejercicio de trabajar unidos por una causa común. Ya logrado todo esto, Probablemente nadie se da cuenta de Concluyo la velada satisfecho, tras del mundo. En ocasiones tienemás fronteras religiosamente n la música hay diversos géneros, haber cumplido con el autor. En secreto que el mismo intérprete.y optimista entonces se puede empezar a hablarno esto, utilizan aspectos para la Cualquier persona de se experimento el jazz, el blues, el rock, la hablando. una cósmicos satisfacción mayor: Adentrarse en una obra es experide como interpretación. sus discos, en una sus melodías puede unirse a lasunaportada música clásica, entre otros. Sin cualquier haberde fungido como especie de mentar religión en cuerpo y alma los nombres canciones, de la nueva era. Sin embargo, género más revoluciona- creencias médium musical de que,sus durante algunos “comunión” espiritual conembargo, su creador;o en POCOSel AUTORES DEJAN por ejemplo el nombre que no decomo rioTESTIMONIO y actual es el la OBRAS música New hayes algunos minutos, compartió vida de y algún espíritu resucitarcompositores aquellos momentos DEde SUS algúnde fenómeno estelar.que, de acuerdo que a supesimismo, música planeta Age o música de compositores la Nueva Era.que Estehanestán juntooaldegenio un compositor alegría, pasión,en nostalgia, Son pocos los catalogue comoque New el Age, porque género musical tieneescrito sus orígenes en se le físicamente, ya no existe. dolor, tristeza, compositor dejado testimonio de sus obras. están interesados 1970, el movimiento espiritual de nino plasma en su obra.en pertenecer al Los instrumentos más comúnmente Por con lo general, el autor no piensa utilizados en la música New Age la es Eraconsciente de Acuario, sea de la nueva de olas influencias extramovimiento de la nueva era. son el piano, el arpa, la flauta era;musicales aunque hay queobra; aclarar que no en su incluso, noesson -diversos tipos de flauta-, y demás unadereligión ni tampoco seguidora de ARMONÍA Y PAZ INTERIOR importancia para él; sin embargo, alguna religión en particular. deben serlo para el músico, porque deLa música New Age generalmente es instrumentos de cuerda. Se trata de pacífica y placentera; invita al oyente evitar los instrumentos con sonoridad ellas se nutre una interpretación. La música New Age representa la a sumergirse en sentimientos de estridente, como la trompeta, el espiritualidad pura; es por quema-armonía, paz interior y amor a la vida, trombón, el corno, entre otros. El interpretar y dirigir unaeso obra Lo más comúnende encontrar Nacional es la de que tiene una visión futura tiene porque estratanta implica,popularidad: primero, un gran placer,debido Cursóaestudios profesionales de piano, oboe y dirección de orquesta el Conservatorio México. En Austria se graduó en 1982 como director de orquesta en la Escuela Superior de Música de porque al momento de su ejecución Viena. se vuelve a crear la obra. Después, 43
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COMPOSICIÓN: el arte supremo de pensar
Maestro Radko Tichavsky Compositor, crítico y educador comenius@comenius.edu.mx
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os compositores han sido desde siempre quienes usan más el intelecto en la música; han sido los visionarios, intelectuales, científicos y los profetas del arte sonoro. Mientras que los intérpretes crean a partir de algo conocido; es decir, buscan la mejor forma de imprimirle a la pieza musical un sello o un sesgo personal, el compositor empieza su obra frecuentemente desde la concepción misma, de la idea, de la inspiración y muchas veces desde la nada. La pregunta sobre la inspiración y cómo ésta llega al creador asalta la mente no sólo de los compositores, sino también de los científicos.
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Está más que claro que no hay un patrón simétrico en el sentido de que mientras mayor esfuerzo se imprime haya una mejor inspiración. LA INSPIRACIÓN Es un hecho que la inspiración frecuentemente llega después de un esfuerzo descomunal; pero una vez pasada la culminación de la máxima energía dispuesta, y cuando el arco de la tensión está descendiendo, es cuando aparecen las ideas de máximo valor. Dimitri Shostakovich decía que la proporción científica de la transpiración e inspiración se encuentran en nueve contra una.
La relación dialéctica entre la calidad y cantidad se revela en el trabajo de la composición; es decir, se necesita cierta masa crítica de música escrita para alcanzar un salto cuántico a un nuevo nivel de calidad, pero la misma cantidad no garantiza que este salto a la genialidad sucederá. Porque, al igual que pasa con los inventos científicos, deben existir otros dos elementos; es decir, la calidad de los intérpretes (ejecutores de la idea) y el público sensibilizado (los usuarios finales interesados). Se ha especulado si la calidad musical en la composición depende de la originalidad o de lo novedoso
evidente que la influencia de la música sacra. La música de Dimitri Shostakovich, quiensecreó obras en un bastante Este hecho debesus a que los misioneros tradicional estilo neoclásico y fue visto religiosos eran las únicas personas por los innovadores musicales que mantenían contacto directo con con desprecio, sobrevivió casi completa. los aztecas al inicio de la colonización
alcanza vuelos frente a los cuales las usurpaciones de patentes industriales parecen un juego de niños.
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fácilmente el canto gregoriano, y RECONOCIDO COMO GENIAL generaron una cantidad significativa CIENmusicales. AÑOS DESPUÉS de obras Paralelamente a Fue considerado la producción de música sacra por en el los contemporáneos “un buen organista México colonial, se generó una nueva que también componía” y hasta e incipiente vertiente de música cien años que después su música relució como vernácula mostraba influencias genialindígena, gracias alárabe reestreno de su Pasión de música y africana. según San Mateo, bajo la dirección de No obstante, la influencia de la música otro compositor: Félix Mendelsohn secular europea se sintió mucho Bartholdy. después y de una forma menos
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la música de la corte del emperador era muy distinta a la de los campesinos o del lenguaje del 1996) compositor. Pero macehuales. (Stevenson existen numerosos ejemplos de compositores, entre ellos Johann AZTECAS Y CANTO GREGORIANO Sebastián Bach, cuyo estilo musical A pesar de las diferencias fundamentaen su época no era nada les entre la música europea novedoso, y la más bien anticuado. azteca,sinolos aztecas asimilaron
EL CASO DE PAGANINI Los compositores, entre los músicos, son quienes más valoran la idea, el concepto y la invención. Una parte especial entre los compositores la forman los creadores virtuosos. Niccolo Paganini no fue el primero, pero sí el más notable de los autores pre-románticos. La curiosa enfermedad de aracnodactilia causada por el síndrome Marfan alargó sus dedos pero mantuvo su flexibilidad, al grado de que nadie en la época pudo igualarlo en la técnica. Paganini escribía sus composiciones tan difíciles, y tan ajustadas a su deformación física, que era imposible tocarse en manos de un violinista “normal”. La “patente” composicional de Paganini fue protegida de manera natural y por años debido sus ventajas físicas.
(Romero 1930). La influencia de música Mientras tanto, elprincipalmente compositor mexicaindígena consistió Julián Carrillo pregonaba en la no adopción de rasgos rítmicos. en la misma época que quienes escribían La combinación de todas no estas bajo el moderno sistema microtonal influencias tuvo como resultado una (1875 - 1965) no rica eran dignos ser mencionados música en contenido rítmico, como director más de inspiradas composiciones compositores. música Compositor, que imita sonidos deldemedio y música baile). A principios armónico, melódico y formal. Sin salón Sus orquesta y violinista mexicano no llegan a ser tan profundas ni uso embargo, la vitalidad y complejidad del siglo XIX, la música tradicional y la ambiente descrito en el texto, de la corriente modernista tan dramáticas como las de Ludwig Desde luego, la obra de Carillo rítmica de la música tradicional música de salón estaban íntimamente de instrumentos de cuerda como el internacional. Realizó pero de hacen tuvo constituye una importancia histórica en van Beethoven, arpa, violín, guitarra, jarana, guitarrón los compositores este lucir mexicana su rasgo más relacionadas; investigaciones sobre el a los violinistas dentro de los América Latina, pero a pesar del último género incorporaron elementos e instrumentos de percusión; texto distintivo. microtonalismo desde fines parámetros virtuosísticos, y ésta bagaje científico y especulaciones de ritmos y melodías tradicionales estrófico y pasos de baile que forman del siglo XIX y desarrolló la es la principal razón porque siguen intelectuales prepotentes empleadas Los mexicanos absorbieron los rasgos en sus obras. Debido a los límites de un contrapunto con el ritmo básico de Teoría del Sonido 13, primer incluídas es firmemente el repertorio en su de obra, importancia musical la pieza. Asimismo, el texto habla de este artículo, imposibleenanalizar distintivos las su danzas europeas intento por formalizar el estudio internacional. quedó en segunda liga. que llegaron a la colonia, pero estas a profundidad la gran cantidad de amor, leyendas, animales, y asuntos sistemático del microtonalismo. danzas evolucionaron hasta consoli- música de todos los géneros cultivados políticos y religiosos. La estructura SORPRESA E INDIGNACIÓN INSTRUMENTOS MICROTONALES armónica es muy simple y consiste dar características locales o regionales en México. Fue director del Conservatorio el tiempo notamos a cómo Otros compositores han decidido en movimientos entre tonalidades de que Pasando las hicieron particulares Nacional de Música y de la apostar en sus creaciones a la sorpresa pasa también en la ciencia, que subdominante y dominante; México. Entre estas características se Una vez concluida la introducción tónica, Orquesta Sinfónica Nacional o a la indignación del público. Como Carrillo “descubrió” el sonido trece; es existen algunos casos encuentran: la tendencia sistemática a acerca del estatus de la música durante sin embargo, de México, y fundó la Orquesta ejemplo mencionaré a John Cage, au-que algunos acordes son utilizados decir, música microtonal, que divide el periodo colonial, procederé ahora a en combinar ritmos binarios y ternarios, Sinfónica Beethoven y la tor norteamericano del siglo las alturas utilizadasfrases en una de unaOrquesta maneradel específica para presentar una breve descripción deXX, los quien la práctica de interrumpir conescala Sonido 13, con se ufanaba de conducir a su público a más minuciosa que la acostumbrada (Rojas 1996). La silencios, la prolongación de una nota géneros de la música del campo (desde crear disonancias. sede en Nueva York. un estado dehasta shock, presentando de por doce sonidos, justo después improvisación desempeña un papel el periodo colonial los años 20 del obras seguida un patrón rítmico rápido donde se le indicaba al intérprete de su elestancia en Europa el XX muy importante la interpretación aproximadamente), los cuales partir y regular, uso particular de donde la siglo y en construyó pianos el pianolaa la mitad con una sierra. de losDiseñó compositor checo Alois el autor sones.microtonales Los versos constituyen música “tradicional” disonancia y la emotividad de Haba, la lírica. y arpas para del judío ruso radicado en Francia Ivan alternan sus concomposiciones, secciones mexicana o música de los mestizos. texto interpretar (Saldívar 1987). Una pieza se famosa de Cage, titulada Wishnegradsky, Ferruccio Busonni instrumentales. Esta descripción concentrará en los en un esfuerzo que reunía 4’33” (escrita en 1952 para piano) y otros ya realizaban composiciones El ritmoconocimientos vigoroso del de son es muy aspectos rítmicos de esta música. MÚSICA DEL CAMPO Y MÚSICA acústica, y construían instru- consiste en que el pianista está complejo y constituye su rasgo DE LAexperimentales CIUDAD resistencia de materiales y sentado durante los minutos microtonales, característico. Está formado por GÉNEROS PRINCIPALES DE cuatro LA Segúnmentos Carlos Chávez (1930), la desde música luego teoría musical. treinta y tres segundos frente apatrones su repitiendo los hallazgos realizadosMÚSICA en conTRADICIONAL en ¾, 6/8, 3/8 y a veces en MEXICANA mexicana se divide en dos amplias instrumento en un absoluto silencio la música microtonal por los hindúes categorías: los géneros del campo El son tuvo sus orígenes en la 5/8. (Mendoza 1984). El son utiliza gracias al público. más de doscanción) mil años.y En la y después frecuentes cambios de métrica (de escénicadaespañola, y se (son, hace jarabe, corrido, losfin,tonadilla El colmo de los colmos cuando inspiración no siempre es tan métrica binaria a ternaria y viceversa) caracteriza principalmente por fue tener de la ciudad (música culta, música delimpia como parece, y la piratería de ideas
Julián Carrillo
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un compositor mexicano realizó una transcripción de esta “genial” obra para un cuarteto de cuerdas registrándola en derechos de autor. La historia ha comprobado que las inspiraciones demasiado originales, que rompen con el concepto acostumbrado de la música misma, no tienen un éxito duradero y sólo constan en los libros de la historia musical como ejemplos de locura y excentricidad. La inspiración producida por las drogas ha sido experimentada por numerosos músicos, y no se trata de hippies o rockeros famosos en este rubro. La Sinfonía Fantástica, de Héctor Berlioz, ha sido escrita bajo los influjos de hashis. Lejos de poder catalogar a esta obra de extremista, alucinada, incomprensible o fuera de la realidad, la composición se convirtió en uno de los innegables éxitos de la literatura musical universal. Pero la gran mayoría de la música genial ha estado escrita en el estado consciente, fuera de influencia de cualquier droga. Aunque en cuanto el estado mental de los compositores se refiere, está claro que prácticamente todos presentan un ligero desajuste en relación a la realidad que empuja a los demás a modificar su entorno. NUEVAS CORRIENTES MUSICALES Incluso, se observa que las apariciones de nuevas corrientes musicales predicen importantes movimientos sociales, como ha sucedido por ejemplo con la música de los Beatles. Por esta razón, los antiguos chinos castigaban severamente a los creadores que se permitieran componer música fuera de los establecidos cánones imperiales, pues sabían que éstos pudieran resquebrajar la establecida estructura social. Y es precisamente el intervalo entre el yo y la realidad, que en los compositores aparece pronunciado con mayor amplitud, que los impulsa
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The Beatles fue un grupo musical de la década de 1960 que revolucionó el pop inglés. Sus composiciones se encuentran entre la más notables de este género, además de que posee el primer lugar en ventas mundiales junto con ABBA. El cuarteto se formó en la ciudad de Liverpool, Inglaterra en 1957 y se disolvió en 1970.
a compensar esta distancia con su música. Es decir, la música no es para los compositores solamente un medio de ganarse la vida, sino una necesidad imperiosa sin la cual no podrían existir. Los compositores son similares a los canarios que colocaban en las minas para detectar la presencia de mortíferos gases; su sensibilidad no cura las epidemias, pero puede anunciar con cierta precisión explosiones e importantes movimientos sociales.
LOS COMPOSITORES Y LA EDAD A diferencia de los cantantes o instrumentistas cuya vida artística efímera depende de sus habilidades motrices que se deterioran con el paso del tiempo, los compositores alcanzan su máximo vuelo artístico con la edad avanzada. La composición musical es el arte supremo de la música, reúne en sus entrañas el cúmulo de capacidades de abstracción del ser humano y extiende sus alas sobre absolutamente todas las culturas humanas existentes en el planeta: es el supremo arte de pensar y de sentir.
Radko Tichavsky Es compositor cuyo linaje artístico incluye a personajes como Rimsky Korsakov, Dimitri Shostakovich, y Leos Janácek. Checo de orígen y naturalizado mexicano, desarrolla en México desde hace un cuarto de siglo intensa labor de compositor, crítico musical y educador. Es autor de varios libros, galardonado por el premio Masaryk del gobierno checo y cofundador del Instituto Comenius, dedicado a la educación superior sustentable.
LA MÚSICA COMO TERAPIA Es, igualmente, un valioso coadyuvante en el tratamiento de diversas enfermedades. Para ejemplo, se puede citar la música del compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart, de la cual dicen los científicos que tiene el poder de poner a nuestro organismo en perfecto equilibrio; por eso, hoy en día se procura que los bebés la escuchen desde muy temprana edad y, para ser más exacta, desde que se encuentran en el vientre materno. La promoción musical es una actividad difícil. Para llevarla a cabo no basta con la buena voluntad y el entusiasmo, sino que se necesitan apoyos fuertes en patrocinios, publicidad, e incluso apoyo moral. Tratar de sostener una actividad promocional a base de boletaje es obra de titanes. La parte medular para lograr una buena promoción es tener en principio los objetivos muy claros y dejar de lado todo vedetismo. El Dónde, el Porqué y el Para qué, son claves. El Dónde. Hay que buscar el lugar en que exista un hueco cultural, y no donde esta actividad ya se esté desarrollando; aunque bien dijo el maestro Luis Herrera de la Fuente: “en la Ciudad de México hay muchos conciertos, pero uno más no hace daño”. Así que en el año 1990 nace Parnassós, tomando como sede al Auditorio San Pedro, que a la época no contaba con gran actividad. Por tanto, la comunidad sampetrina carecía de actividad musical, (hay que aclarar que Parnassós está abierto a todo público), Mis circunstancias en ese momento me permitieron formar una asociación que ofrece de ocho a diez conciertos anuales, con un abanico de opciones que incluyen la música, la danza y el canto.
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económico alto, estuviera carente de actividad musical y artística, ya que la cultura va de la mano con la economía. Así surge la oportunidad de poner en la puerta de las casas conciertos de primer nivel internacional, como los hay en las grandes ciudades, y así ampliar el quehacer musical. El Para qué. Con la promoción musical se llega a los padres de familia, que asistirán a los conciertos y que llevarán a sus hijos, dándoles la oportunidad de tener una formación dentro del ámbito musical, y ofreciéndoles así la opción de la que hablamos, tan necesaria hoy en día. No basta con enseñarles el do, re, mi. Es necesario que escuchen los conciertos en vivo, ya que son experiencias que se guardan de por vida. Pitágoras de Samos.
IMPORTANCIA DEL PÚBLICO Otro punto importantísimo en este renglón es el público. El promotor se debe a su público, por lo que el respeto, la ética y el compromiso deben estar de la mano.
Ciencia y Música en la Edad Media y el Renacimiento El Porqué. No parecía congruente que una ciudad considerada como modelo en Latinoamérica, y con un nivel
Maestro Arnoldo Nerio nuestra Y aquí es donde vuelve Directorvida. del Departamento de Difusión a Cultural aparecer otra parte indispensable / UDEM arnerio@gmail.com dentro de la promoción. Esa parte son los músicos. Los músicos, or lo general, senecesitan piensa que para su realización, deel arte y la ciencia son dominios una plataforma que les sirva para totalmentey ajenos al otro. poder despegar llegar el a uno las metas De acuerdopor con ello, el de arte se rige establecidas cada uno ellos. exclusivamente por la intuición y los sentimientos, CONCURSOS DEmientras PIANO que la fría y calculadoraseciencia se basa únicamente Parnassós enfoca primeramente razón. pianística, Intuición yuna raciocinio son enenlalacarrera profesión dosdifícil, formas denopensamiento muy mas imposible. que el hombre ha utilizado siempre como herramientas el conocimiento Para ello se para crean el Concurso y la interpretación mundo, y ambas Internacional de del Piano Parnassós, son en parte de cada persona. que al integral año 2008 llegará a su tercera edición, y que se ha colocado Siun reflexionamos poco, nos dareen lugar mundialun muy importante, cuenta deNacional que ninguna actividad y mos el Concurso de Jóvenes humana pertenece en cuya forma primera exclusiva Pianistas Parnassós, a alguno estos ados campos. edición se de llevará cabo del 24Enalla ciencia, losdeprocesos intuitivos 27 de enero 2008, en donde habráse aplican a la elaboración de teorías, que participantes desde los cinco hasta los muchas veces de corazonadas veinticinco años parten de edad. basadas en la observación empírica. Porconcursos otra parte, loscomo planteamientos Los tienen fin llegar de premio las distintas disciplinas a estéticos obtener un que les servirá (tanto para de la enriquecer literatura como a artísticas los ganadores su de las artes escénicas y visuales) son currículo. resueltos con mayor frecuencia de la una plataforma Sique el imaginamos concursante sobre no ganara ningún técnica ylaracional. premio, disciplina que implica el concursar hace que el nivel del La tendencia a contraponer arte y participante se supere. ciencia prevalece, no obstante, en el juicio esto nos quizás Por otrocomún, lado, el pero concurso sirvese deba a que la gran mayoría de la gente para atraer a los jóvenes pianistas no especializada en cuál ninguno los nacionales y conocer es el de nivel dosexiste campos apreciar que enlogra nuestro país solamente en esta en forma limitada loscolocarlos alcances de disciplina, y a su vez encada el uno de ellos. mismo escenario con participantes de otros países que les pudieran servir MÚSICA Y PENSAMIENTO como parámetro de comparación, y RACIONAL así motivarlos para desarrollar una Hoy por encontramos carrera de hoy, excelencia con la que cualla música, adeponer entre atodas las país artes,enes llegarían nuestro asociada con importante mayor frecuencia con un lugar muy dentro del el pensamiento racional.México ¿Cuántas acontecer musical mundial. lo veces no hemos oído decir: música merece, porque México es y ha“la sido un es de pura matemática” país muchos talentos. o “la música es muy exacta, como los números”? Aunque nos parezca difícil de creer, esta forma de pensar acerca del arte de los sonidos se remonta a la mitad del siglo VI a.C. cuando Pitágoras, Cuenta con casi 30 años de actividad internacional. eminente filósofo Es pianista concertista y fuegriego, alumna deabordó don Antoniode Ortiz, de Franceexperimental Clidat, en Francia y el Louisproblema Kenter, en manera Londres. Es fundadora de Parnassós, del Concurso de las relaciones entre los diferentes Internacional de Piano y del Nacional de piano para sonidos. jóvenes pianistas.
Yo agregaría que hay, inclusive, que encariñarse con él. Una de las metas es hacer público nuevo, y no tratar que un solo público se desplace por los cuatro puntos cardinales de la ciudad.
El público también agradecerá al promotor, si éste cuida que sus conciertos no coincidan con los conciertos de otras instituciones, de modo que se logre el balance de la actividad musical en la ciudad. Sin público, los artistas no tienen razón de ser, ya que guardarían su arte entre cuatro paredes, y el arte tiene que salir a la luz, ya que es parte esencial de
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lo expresó el eminente pianista Gyorgy Sandor, y que tiene el poder de relajar, tranquilizar, sublimar, embellecer, enriquecer y elevar nuestro espíritu a niveles insospechados.
Myrthala Salazar
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Descubrió este gran pensador que existía una relación de proporciones simples entre las longitudes de cuerdas vibrantes afinadas de acuerdo a algunas de las notas fundamentales del sistema musical vigente en aquellos tiempos en Grecia. Este descubrimiento, llevado a cabo con ayuda de un sencillo instrumento musical, llamado monocordio, reforzó la convicción de Pitágoras de que los números y las relaciones entre ellos constituían la esencia del mundo y su principio ordenador. A partir de ese momento, la música se convirtió en sinónimo del estudio de las proporciones, y de esta manera el concepto es transmitido a los pensadores de generaciones posteriores. Muchos siglos después, un estudioso y hombre de la política, llamado Anicio Manlio Torcuato Severino Boecio intentó, a través de sus escritos, transmitir al medioevo la estructura de la educación clásica del mundo antiguo. En ella, la música ocupaba un lugar muy importante, al formar parte del grupo de materias llamado quadrivium (junto con la aritmética, la geometría y la astronomía). Y aquí encontramos de nuevo que el objeto principal de estudio de este arte son las relaciones proporcionales, no tanto la forma de estructurar los sonidos para crear piezas musicales. Boecio añade, y esto es de suma importancia para los tiempos que le siguieron, una dimensión metafísica a la música, dictada por la recientemente adoptada filosofía cristiana. Esta herencia es la que tomarán como base prácticamente todos los teóricos de la música hasta principios del siglo XVII. INFLUENCIA DE LOS NÚMEROS Y PROPORCIONES A medida que se fueron desarrollando los diferentes elementos que componen el universo de la música, la influencia de los números y las proporciones se iba reflejando en cada uno de ellos. Tomemos, por ejemplo, el caso del ritmo, entendido en su forma más simple, como la duración de los diferentes sonidos en una pieza musical.
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Canto Gregoriano.
No podemos saber con precisión cómo se manejaba este elemento básico de la música antes de la aparición de los primeros sistemas de notación musical; e incluso cuando éstos surgen alrededor del siglo IX en el terreno del canto litúrgico (gregoriano), las duraciones de los
sonidos no se indican más que en contadísimas ocasiones y de manera muy poco precisa y fragmentaria. Pero hacia los siglos XII y XIII, la notación musical del ritmo comienza a desarrollarse, tomando como base el sistema de esquemas de versificación
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de la poesía griega antigua. Más adelante, aparecen figuras que indican diferentes duraciones de sonidos, y que guardan entre sí relaciones binarias o ternarias. Los signos que indican unidades mayores de tiempo, y que hoy conocemos como indicaciones de compás (tres cuartos, cuatro cuartos, etcétera), apuntan hacia relaciones de proporcionalidad entre las diferentes figuras rítmicas que a veces tienen una complejidad mucho mayor que la ofrecida en el sistema de notación musical moderno más ampliamente difundido. La proporción rige también en muchas ocasiones la estructura general de la obra musical. Una pieza de música es algo vivo y transitorio, en tanto que solamente la podemos percibir mientras está siendo ejecutada, y por lo tanto no hay forma de vivirla en un solo momento singular (como en el caso de un discurso o de una obra literaria). Pero, vista en su forma escrita; es decir, como una partitura, existe la posibilidad de analizarla y desmenuzar su estructura en distintos tipos de episodios, que la musicología llama motivos, temas, secciones, puentes, etcétera. RELACIONES PROPORCIONALES Los tamaños y las relaciones entre los episodios de una pieza de música medieval o renacentista no son, por lo general (y dependiendo del tipo de música de que se trate), producto de la mera inspiración o la casualidad, sino que se derivan de relaciones proporcionales que, con toda intención, los compositores aplican para asegurar una correspondencia entre sus obras y el orden cósmico. Aunque la música tenía como objeto de estudio las proporciones, la aplicación de éstas no estaba circunscrita exclusivamente al mundo de los sonidos. Particularmente en el Renacimiento, la pintura, la arquitectura, la escultura, al igual que otros campos del arte y de la ciencia, resolvían sus planteamientos con base en los mismos principios de proporcionalidad, que eran considerados principios musicales. Vemos, pues, que en aquella época, que intentó revivir las formas de
De acuerdo con la leyenda, una paloma, que representa al Espíritu Santo, inspiró al papa Gregorio I para dictar un canto gregoriano
pensamiento de la antigüedad griega, las artes y las ciencias caminaban de la mano siguiendo las mismas reglas, aunque sus objetivos y consecuencias para la vida práctica del hombre fuesen diferentes. En resumen, nuestra visión moderna de la música, por herencia cultural, nos inclina a imaginarla como emparentada muy de cerca con los números y las matemáticas, pero nos causa conflicto saber que al final del camino es un arte (o en el peor de los casos una forma de simple entretenimiento) que apela a la imaginación y a los sentimientos;
quizás por ello la música tenga aún para muchos un carácter enigmático y profundo. ¿Podremos acaso considerarla como el eslabón más importante entre la ciencia y el arte?
Arnoldo Nerio Es musicólogo, egresado de la Universidad Jaguelona, en Cracovia, Polonia. Durante 14 años ha sido productor y conductor de programas radiofónicos de contenido musical clásico; además, se ha desempeñado como promotor cultural y administrador en diversas instituciones. Actualmente dirige el departamento de Difusión Cultural de la UDEM y pertenece al grupo de flautas Ars Minuta.
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DE ÓPERA EN EL MUNDO Doctor Salvatore Sabella Bracale Promotor cultural ssabellabracale@libero.it
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l Renacimiento florentino comienza realmente con los compositores del siglo XIII y con los mayores representantes del nuevo arte de Italia; por ello, la ciudad de Florencia es considerada la cuna de las bellas artes de toda Europa.
Luciano Pavarotti
Nacieron así nuevas ideas musicales elegantes, creadas por los más famosos compositores de la época que, durante los siglos XIV, XV y XVI, dotaron a Italia y al mundo entero de los placeres de infinitas y nuevas formas musicales florentinas. En la misma ciudad de Florencia, un grupo de nobles, en su mayoría músicos, conocidos como La Camerata; pensaron en crear algo que conjuntara música, poesía, plástica, mímica y canto; así crearon un melodrama; es decir, teatro con música. LA PRIMERA ÓPERA Pero el gran momento histórico de la ópera se les presenta, a estos mismos músicos, el día 6 de octubre de 1600, al componer y presentar, en el gran Palacio Pitti, de Florencia, la primera ópera, en ocasión de la gran boda de fines de siglo entre María de Médicis y Enrique IV, rey de Francia. Esta ópera, muy espectacular para su época, se llamó Euridice (que todavía se conserva), y fue desarrollada sobre un tema mitológico, en el que la esposa de Orfeo muere por una mordedura de serpiente, y él baja hasta los infiernos en su búsqueda.
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entusiasmado con las clases de canto, y pronto encontré que en aquel mundo también se presentaba el problema que le daba sentido y razón de ser al mío, al mundo de la ciencia estadística; esto es, el gran reto en el canto también era el problema de la variación. Cuando en mi formación como cantante llegamos a la nota de paso, en mi caso y en el de casi todos los tenores “fa uno”, se presentó la variación en el modo más terrible de todos, conocido popularmente con el nombre de “gallo”. Es una variación catastrófica de la que nadie está nunca totalmente a salvo: una pérdida total del control de la voz. Una vez que sobreviví a la nota de paso, vinieron otros retos, sobre los cuales no puedo, y quizá nunca pueda, sentirme absolutamente triunfador; como, por ejemplo, mantener lo más constante posible el número de vibraciones por segundo en cada nota: de nuevo, el problema de la variación. Para lograrlo se hacía necesario un gasto uniforme del aire almacenado en la parte baja de los pulmones, además de la disposición buco-laríngea: otra vez, el problema de la variación. La Escala de Milán PROBLEMA DE LOS AGUDOS Otro de tales retos -o demonios, podría decir- fue que en los agudos no diera la impresión de que era otra persona la del quesiglo estaba cantando; que Para fines XVII, se estableaunqueteatros las notas agudas, cieron de fueran ópera más en diversas quedara de la sensación ciudades demanera Italia, clara Francia, Austria auditiva de que era la misma voz. En y Alemania. En Italia, contribuyó este desarrollo aspecto se hace se puede, al de lolaqueópera el pero se disfruta cada establecimiento, en avance. tres ciudades importantes, de escuelas musicales Lamentablemente, a pesar de que bien definidas. mi estadística es la ciencia que trata el problema de la variación, no En Roma, se perfeccionaron los coros; puedo beneficiarme deestudio su “esgrima” en Nápoles, se elevó el del Bel matemática para uniformar Canto, que es el arte de cantar bien;los y sonidos guturales misel cánticos, en Venecia, se llevó adecabo más alto pero disfruto muchodereconocer sentido instrumental la ópera. que, así como la reducción de la variación significa mayor en los El primer una genio de loscalidad compositores productos industriales, el mundo de ópera italiano, Claudioen Monteverdi, del canto controlinicial de la fue quien es diotambién el gran el impulso variación lo queMarco deja laAntonio sensación de al drama lírico. Cesti dominio, de voz educada, de belleza dividió la ópera en dos clases: la seria
Coro de Cámara Ainur
vocal, de calidad también. Alguna vez pesó en mi estado de ánimo una sensación de inutilidad práctica por ser matemático. Sabía que la docencia era finalmente una aplicación noble y meritoria, pero la frustración por no apoyar a otros especialistas en ypoder la bufa. La ópera seria se presentaba sus campos me generaba muy elaboradamente; la inquietud. ópera bufa era de un carácter ligero y burlesco; en Cuando,se hizo desde la perspectiva Nápoles muy popular ese estilo estadística, me daba asoméa ylos me cantantes involucré de ópera, que en el quehacer de para las mentes mejor oportunidad exhibirmás su lúcidas vocal. de la industria, la política y la técnica medicina, pensé que estaba totalmente realizado. GENIOS DE LA MÚSICA A principios del siglo XVIII, también en Cuando surgió desde la la perspectiva de Nápoles, figura de Giovanni la música, me aproximé a los Battista Pergolesi, quien compuso una obra maestra: La Serva Padrona (La Sirvienta Padrona). Cristóbal Willibald Gluck, compositor austríaco, fue el primer reformador del drama lírico.
sentimientos de la gente, al margen de su especialidad y de sus condiciones económicas o académicas, sentí que se abría un ventanal desde el cual, ocasionalmente, me puedo asomar al cielo. Nos faltarían páginas para hablar GENEROSIDAD DEaportación LA VIDA musical sobre la relevante La este variación está en casi todas partes, de excelso compositor. por no decir que en todo lugar. La vida misma, a veces nos da más, y a Ahora hablaremos sobre losde precursores veces nos dadesarrollo de menos. Cuando cada de un nuevo del melodrama viernes tengo el privilegio de fueron cantar italiano. Los dos primeros ante Cherubini los comensales de La Scala, Luigi y Gáspare Spontini, no cuales me queda la menor duda que los se sitúan entre dos de siglos. en mi submundo Rossini, de la música y sus Posteriormente Bellini y variaciones, la vida conmigo ha sido Donizetti entran impetuosamente en generosa… espléndida. la era moderna como los verdaderos iniciadores del Bel Canto italiano. Definitivamente, la aportación musical de estos compositores propició aún más el fortalecimiento de la ópera Italiana en el mundo.
Salvador Borrego Alvarado
Es director general de Saba Consultores, una de las empresas de consultoría estadística más destacadas del
Enpaís. la Licenciado ciudad en deMatemáticas Salzburgo, por la Austria, UANL, maestro en la misma materia por la Universidad de Texas, en Vincenzo Bellini nació en lahaciudad de nació otro gran ygenio de la música: Edimburgo, y maestro doctor en Estadística por la Southern Methodist University, de Dallas, sido profesor y subdirectorAmadeus en la FacultadMozart. de Ciencias Físico Matemáticas de la UANL. Catania, Sicilia, en 1801. Wolfang
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Su existencia fue breve. muy breve. Falleció Su existencia fue muy Falleció a la edad 34 años, a la edad de 34deaños, pero pero dejó dejó un un legado musical de belleza gran belleza para el legado musical de gran para el Bel Canto. Bel Canto. Gaetano Donizetti, la ciudad Gaetano Donizetti, nació nació en la en ciudad de Bergamo. Se trasladó a Bolonia, y de Bergamo. Se trasladó a Bolonia, y resultó tan genial compositor resultó tan genial compositor que, que, año de conservatorio, escribió al añoal de conservatorio, escribió sus sus primeras tres óperas. Su maestra obra maestra primeras tres óperas. Su obra fue Lucía de Lammermoor. fue Lucía de Lammermoor. COMPOSITORES MAYORES COMPOSITORES MAYORES Los compositores mayores del siglo Los compositores mayores del siglo llamados así por XIX XIX son son llamados así por haberhaber creado las obras grandiosas y creado las obras más más grandiosas y Cantantes de ópera en el centenario del Metropolitan de Nueva Cantantes de ópera en el centenario del Metropolitan OperaOpera HouseHouse de Nueva York. York. espectaculares. En primer espectaculares. En primer lugar lugar figurafigura el gran maestro Giuseppe el gran maestro Giuseppe Verdi,Verdi, definido el compositor italiano definido comocomo el compositor italiano de mayor jerarquía, no sólo de mayor jerarquía, no sólo de sude su sino de todos los tiempos. época,época, sino de todos los tiempos. Sus Sus óperas cubrieron los géneros: óperas cubrieron todostodos los géneros: de de bíblico, histórico, tragicómico, corte corte bíblico, histórico, tragicómico, romántico y patriótico. romántico y patriótico. La primera majestuosa La primera óperaópera majestuosa de de Nabucco, se estrenó Verdi:Verdi: Nabucco, se estrenó en elen el alla Scala de Milán, en 1842; teatroteatro alla Scala de Milán, en 1842; la presentación la presentación tuvo tuvo tantotanto éxito,éxito, el público reclamó 40 veces que que el público reclamó 40 veces la reaparición del maestro la reaparición del maestro en elen el escenario. escenario. Este sonado triunfo coincidió con las Este sonado triunfo coincidió con las revueltas italianas, para su unificación revueltas italianas, para su unificación en contra de austríacos los austríacos en contra de los que que ocupaban itálico. El famoso ocupaban suelo suelo itálico. El famoso de esclavos los esclavos hebraicos, de Giacomo puccini. Ann Howard. coro coro de los hebraicos, de Giacomo puccini. Ann Howard. Nabuccodonosor Nabuccodonosor sirviósirvió comocomo himnohimno los patriotas insurgentes, vantes degénero este género terminaron a los apatriotas insurgentes, para para que que vantes de este terminaron con con con victoria, su victoria, se estableciera la muerte del último los grandes con su se estableciera la lala muerte del último de losdegrandes monarquía de laSaboya. casa Saboya. En muros titanes del melodrama italiano monarquía de la casa En muros titanes del melodrama italiano en en de toda aparecían las iniciales Francesco de toda Italia Italia aparecían las iniciales 1950:1950: Francesco Cilea.Cilea. V.E.R.D.I.” significado “VIVA“VIVA V.E.R.D.I.” (cuyo(cuyo significado era era Viva Vittorio Emanuele Rey de Italia). Muchos fueron los compositores Viva Vittorio Emanuele Rey de Italia). Muchos fueron los compositores Los compositores contemporáneos de contribuyeron que contribuyeron ello, pero Los compositores contemporáneos de que a ello,a pero entre entre fueron muchos muy prolíficos; los que dejado Verdi,Verdi, fueron muchos y muyyprolíficos; los que más más huellahuella han han dejado no siguieron sólo siguieron la huella de Verdi, nuestros figuran: no sólo la huella de Verdi, hastahasta nuestros días días figuran: PietroPietro también de Wagner, Gounod, Mascagni, Francesco Ruggiero sino sino también de Wagner, Gounod, Mascagni, Francesco Cilea,Cilea, Ruggiero Massenet, y otros. Leoncavallo, Umberto Giordano, Massenet, Saint Saint SaënsSaëns y otros. Tres Tres Leoncavallo, Umberto Giordano, de ellos destacaron enormemente, Franco Alfano y Giacomo Puccini. de ellos destacaron enormemente, Franco Alfano y Giacomo Puccini. al grado de sus que óperas sus óperas todavía al grado de que todavía se representan; Amilcare La ópera Verista Italiana se representan; ellos ellos son: son: Amilcare La ópera Verista Italiana tenía tenía sus sus Ponchielli, Arrigo y Alfredo orígenes las orientaciones Ponchielli, Arrigo Boito Boito y Alfredo orígenes en lasenorientaciones de unde un Catalani. género operístico francés anterior, Catalani. género operístico francés anterior, que oscilaba lospolos dos polos que oscilaba entre entre los dos de la de la VERISMO ITALIANO Carmen de Bizet y La Manon VERISMO ITALIANO óperaópera Carmen de Bizet y La Manon de de El movimiento del Verismo italiano Massenet . A Pietro Mascagni, le llega El movimiento del Verismo italiano Massenet . A Pietro Mascagni, le llega a finales del siglo su gran momento de presentar inicióinició a finales del siglo XIX. XIX. Las Las su gran momento de presentar en el en el Karuso. EnricoEnrico Karuso. composiciones operísticas concurso la musical casa musical Sonzoño, composiciones operísticas más más rele- releconcurso de la de casa Sonzoño,
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La lista es muy y sería La lista es muy larga larga y sería imposible mencionar a todos imposible mencionar a todos los los compositores de ópera del mundo compositores de ópera del mundo que contribuyeron a la fama de este que contribuyeron a la fama de este nuevo arte lírico en todo el orbe nuevo arte lírico en todo el orbe en en tan breve tiempo. tan breve tiempo.
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Leoncavallo, definido el más Leoncavallo, definido comocomo el más Verista del melodrama por sus mismoa Verista del melodrama por sus mismoa contemporáneos, escribió su ópera contemporáneos, escribió su ópera maestra I pagliacc (Los payasos). maestra I pagliacc (Los payasos). Esta Esta pertenece al repertorio de todos óperaópera pertenece al repertorio de todos los teatros del mundo; hacantada sido cantada los teatros del mundo; ha sido los más famosos por por casi casi todostodos los más famosos tenores de todos los tiempos, el tenores de todos los tiempos, desdedesde el gran Enrico Caruso. gran Enrico Caruso.
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en mayo de 1890, su maestra: obra maestra: en mayo de 1890, su obra La La Cavallería Rusticana. Cavallería Rusticana.
No quisiéramos dar terminada por terminada No quisiéramos dar por esta exposición, sin mencionar y hacer esta exposición, sin mencionar y hacer justicia a algunos los grandes más grandes justicia a algunos de losdemás cantantes de todos los tiempos cantantes de todos los tiempos que que contribuyeron a inmortalizar la ópera, contribuyeron a inmortalizar la ópera, fueron Caruso, Giovanni comocomo fueron EnricoEnrico Caruso, Giovanni Martinelli, Aureliano Pertile, Umberto Giordano escribió su obra Martinelli, Aureliano Pertile, Ezio Ezio Umberto Giordano escribió su obra Ponselle, Lucrecia maestra: Andrea Chenier, Pinza,Pinza, Rosa Rosa Ponselle, Lucrecia Bori, Bori, maestra: Andrea Chenier, sobresobre un un Beniamino Giovanni del tiempo la revolución Beniamino Gigli, Gigli, Titta Titta Rufo, Rufo, Giovanni tema tema del tiempo de laderevolución Salvatore Sabella con Luciano PavarottiZenatello, Zenatello, Renato Zanelli, francesa, la fue cualacogida fue acogida con gran Salvatore Sabella con Luciano Pavarotti Renato Zanelli, MaríaMaría francesa, la cual con gran Jeritza, Schipa, Amelita simpatía el pueblo francés. Jeritza, Tito Tito Schipa, Amelita Galli Galli simpatía por elpor pueblo francés. Antonio Cortis, Curci,Curci, EmmaEmma Calvé,Calvé, Antonio Cortis, Salvatore Baccaloni, Leonardo Warren, los italianos figuran: Vincenzo Bellini, Francesco compuso su ópera Salvatore Baccaloni, Leonardo Warren, los italianos figuran: Vincenzo Bellini, Francesco Cilea Cilea compuso su ópera Robert Merrill, Bastianini, conóperas sus óperas Norma, Los Puritanos maestra: Adriana Lecouwreur, Robert Merrill, EttoreEttore Bastianini, con sus Norma, Los Puritanos maestra: Adriana Lecouwreur, que que Sutherland, y la Sonnámbula; Gaetano Donizetti, fue estrenada la Scala de Milán JohanJohan Sutherland, Luigi Luigi Alva, Alva, Anna Anna Gaetano Donizetti, fue estrenada en la en Scala de Milán en yenla Sonnámbula; Moffo, Filippeschi, con Pasquale, Don Pasquale, L’elisir d’ amore, conbuen tan buen recibimiento, Moffo, MarioMario Filippeschi, Italo Italo Tayo,Tayo, con Don L’elisir d’ amore, 1902,1902, con tan recibimiento, que que Giuseppe Taddei, Bergonzi, La Favorita, La Figlia del Regimentó, lo consagró los inmortales Giuseppe Taddei, Carlo Carlo Bergonzi, La Favorita, La Figlia del Regimentó, lo consagró entre entre los inmortales del del Lemeni, Gianni Raimondi, Lucrecia Borgia, y II duca D’ alba; arte lírico. IncolaIncola Rossi Rossi Lemeni, Gianni Raimondi, Lucrecia Borgia, y II duca D’ alba; arte lírico. Giuditta Vickers, Umberto Giordano, con Cena La Cena Giuditta Pasta,Pasta, John John Vickers, Lilly Lilly Umberto Giordano, con La Roberta Peters, Milanov, Gioacchino, Rossini, GIACOMO PUCCINI Pons, Pons, Roberta Peters, ZinkaZinka Milanov, Delle Delle Beffe;Beffe; Gioacchino, Rossini, con con GIACOMO PUCCINI Mariano Stabile, Francesco Albanese, II Barbiero di Siviglia, Guillermo de los compositores Mariano Stabile, Francesco Albanese, II Barbiero di Siviglia, Guillermo Tell, Tell, Uno Uno de los compositores más más Nicolai Gedda, Alfredo Semiramis; Giuseppe con Aida, idolatrados de todos los públicos Nicolai Gedda, Alfredo Kraus,Kraus, Semiramis; Giuseppe Verdi,Verdi, con Aida, idolatrados de todos los públicos del del Tamango, Cesare Valleti, Un Bello in Maschera, Don Carlos, La Francesco mundo es Giacomo Puccini, Tamango, Cesare Valleti, Un Bello in Maschera, Don Carlos, La Francesco mundo enteroentero es Giacomo Puccini, Antonieta, Geraldine Farrar, Fuerza del Destino, Ernani, I Lombardi, congenialidad, su genialidad, Antonieta, Stella,Stella, Geraldine Farrar, Fuerza del Destino, Ernani, I Lombardi, quien,quien, con su supo supo dar dar Chaliapin, Gabriella Besanzoni, Rigoletto, La Fedeor al mundo imagen Chaliapin, Gabriella Besanzoni, Luisa Luisa Miller,Miller, Otello,Otello, Rigoletto, La Fedeor al mundo enteroentero una una imagen del del Adelina Miguel Traviata, II Trovatore, I Vespri Siciliani, verdadero realismo italiano. Sus obras: Adelina Patti, Patti, Miguel Fleta, Fleta, Lauri Lauri Volpi,Volpi, Traviata, II Trovatore, I Vespri Siciliani, verdadero realismo italiano. Sus obras: Feruccio Tagliavini, Caniglia, Falstaff y otras más, Giacomo Puccini, Manon Lescaut La Boheme, ambas Feruccio Tagliavini, MaríaMaría Caniglia, Falstaff y otras más, Giacomo Puccini, Manon Lescaut y La yBoheme, ambas Tito Gobbi, del Monaco, Renata conóperas sus óperas ya mencionadas estrenadas en Turín el mismo Tito Gobbi, MarioMario del Monaco, Renata con sus ya mencionadas estrenadas en Turín en elenmismo Tebaldi, Franco Corelli, Giuletta Real en 1893 y 1896, llevaron al Tebaldi, Franco Corelli, Giuletta teatroteatro Real en 1893 y 1896, llevaron al Simionato, Mirella Giuseppe Di Algunos compositores franceses público al delirio. Simionato, Mirella Freni,Freni, Giuseppe Di Algunos compositores franceses público al delirio. Stefano, Victoria los Angeles, fueron: Berlioz, con la Condenación Stefano, Victoria de losdeAngeles, Jussi Jussi fueron: Berlioz, con la Condenación Jan Peerce, Leontine de Fausto; con Los pescadores de Bjoerling, Por cierto, de notarse que ningún Jan Peerce, Leontine Price,Price, de Fausto; Bizet,Bizet, con Los pescadores de Bjoerling, Por cierto, es dees notarse que ningún Monserrat Cabelle, Renata Scotto, y su obra gran maestra obra maestra Carmen; compositor de ópera la generación Monserrat Cabelle, Renata Scotto, PerlasPerlas y su gran Carmen; compositor de ópera de la de generación Ángela Peralta, Anitúa, Leo Delibes, con Lakme; Gounod, contemporánea, o posterior a él, haya Ángela Peralta, FannyFanny Anitúa, OraliaOralia Leo Delibes, con Lakme; Gounod, con con contemporánea, o posterior a él, haya Mojica, Ramón El Fausto, La Reina de Saba y Domínguez, conquistado la misma popularidad. José José Mojica, Ramón El Fausto, Mirell,Mirell, La Reina de Saba y Domínguez, conquistado la misma popularidad. Vargas, y la gran de todos Romeo y Julieta; Massenet, Traspasó su arte Vargas, y la gran diva diva de todos los los Romeo y Julieta; Massenet, con Elcon Cid,El Cid, Traspasó con con su arte todostodos los los tiempos, Callas, así como Don Quijote, Manon, Herodías, confines de nacionalidad y raza. En Quijote, tiempos, MaríaMaría Callas, así como los los Manon, Herodías, ThaisThais confines de nacionalidad y raza. En Don tres últimos grandes tenores de esta y Werther; con Sansón y últimos este sentido, el lugar ocupado grandes tenores de esta y Werther; Saint Saint Saens,Saens, con Sansón y tres este sentido, el lugar antesantes ocupado era moderna: José Carreras, Plácido Offenbach, conCuentos Los Cuentos de moderna: por Puccini José Carreras, Plácido Dalia;Dalia; Offenbach, con Los de era por Puccini sigue sigue vacío.vacío. Domingo y Luciano Pavarotti. Hoffman. Domingo y Luciano Pavarotti. Hoffman. de cuatro han pasado Más Más de cuatro siglossiglos han pasado en un que grupo un grupo desdedesde 1596,1596, en que de de músicos florentinos ensayaron músicos florentinos ensayaron por por primera vez ópera; una ópera; se primera vez una nuncanunca se imaginaron queesfuerzos sus esfuerzos imaginaron que sus seríanserían perennes, se extenderían a todos perennes, y se y extenderían a todos los países del orbe. los países del orbe.
vatoreSabel Sabel a Bracal SalSal vatore la lBracal ee
GRANDES ÓPERAS DE TODOS GRANDES ÓPERAS DE TODOS LOS TIEMPOS LOS TIEMPOS A continuación, mencionaré algunas A continuación, mencionaré algunas Incansable promotor especialmente en el de campo de la música, fue reconocido como Honoris Doctor Honoris Incansable promotor cultural,cultural, especialmente en el campo la música, fue reconocido como Doctor las óperas que se aún se presentan Causa, Causa, de lasdeóperas que aún presentan el añoen 2006, en de el área de Humanidades, por la Universidad Interamericana delAsimismo, Norte. Asimismo, el el año 2006, el área Humanidades, por la Universidad Interamericana del Norte. el en todos los teatros del mundo. Gobierno del Estado lela otorgó la Medalla Méritoen Cívico en2005. el año 2005. en todos los teatros del mundo. Entre Entre Gobierno del Estado le otorgó Medalla al MéritoalCívico el año
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Música
El canto y el problema de la variación
Doctor Salvador Borrego Saba Consultores saba@sabaconsultores.com
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ace muchos años, a principios de los 80, caminaba por una calle de la colonia Mirador de Monterrey, y escuché unas voces maravillosas, o al menos así me parecieron. Eran varias voces, quizá el cuarteto del Rigoletto de Giuseppe Verdi, voces que se cultivaban bajo la dirección del maestro Óscar Garza Treviño. El maestro Garza Treviño fue un barítono que formó a varias generaciones de cantantes de Monterrey. A principios de los años 80 fundó el Restaurante La Scala, con el propósito de que sus alumnos tuvieran la oportunidad de cantar ante un público selecto. A su muerte, sus alumnos, en especial el doctor José Luis Orozco, y la nueva administración del restaurante, han hecho posible que cada viernes, sin interrupción durante todo el año, se ofrezca un concierto operístico, y continúe siendo un espacio para la formación de nuevos cantantes. UN MUNDO DIFERENTE Mi mundo profesional de entonces era la matemática, en transición hacia la ciencia estadística, y por más que los pitagóricos hubieran tenido algo que ver en la definición de la escala musical, lo cierto es que tuve la certeza de que aquél era un mundo en absoluto diferente al mío, y que por alguna extraña razón me atraía inexorablemente.
Il Divo
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Años después, la vida me dio la oportunidad de asomarme al mundo de la música. Tras una breve incursión en el estudio del piano, terminé
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entusiasmado con las clases de canto, y pronto encontré que en aquel mundo también se presentaba el problema que le daba sentido y razón de ser al mío, al mundo de la ciencia estadística; esto es, el gran reto en el canto también era el problema de la variación. Cuando en mi formación como cantante llegamos a la nota de paso, en mi caso y en el de casi todos los tenores “fa uno”, se presentó la variación en el modo más terrible de todos, conocido popularmente con el nombre de “gallo”. Es una variación catastrófica de la que nadie está nunca totalmente a salvo: una pérdida total del control de la voz. Una vez que sobreviví a la nota de paso, vinieron otros retos, sobre los cuales no puedo, y quizá nunca pueda, sentirme absolutamente triunfador; como, por ejemplo, mantener lo más constante posible el número de vibraciones por segundo en cada nota: de nuevo, el problema de la variación. Para lograrlo se hacía necesario un gasto uniforme del aire almacenado en la parte baja de los pulmones, además de la disposición buco-laríngea: otra vez, el problema de la variación.
Coro de Cámara Ainur
vocal, de calidad también. Alguna sentimientos de la gente, al margen de vez pesó en mi estado de ánimo una su especialidad y de sus condiciones La Escala de Milán sensación de inutilidad práctica por económicas o académicas, sentí que PROBLEMA DE LOS AGUDOS Otro de tales retos -o demonios, ser matemático. Sabía que la docencia se abría un ventanal desde el cual, podría decir- fue que en los agudos era finalmente una aplicación noble y ocasionalmente, me puedo asomar al no diera la impresión de que era otra meritoria, pero la frustración por no cielo. poder a otros especialistas en que estaba Nos faltarían páginas para hablar y la bufa. Laapoyar ópera seria se presentaba Para persona fines dellasiglo XVII, secantando; estable- que DE LA VIDA campos me generaba inquietud. aunque lasde notas fueran más agudas, la relevante aportación musical muy sus elaboradamente; la ópera bufa sobreGENEROSIDAD cieron teatros ópera en diversas La excelso variación está en casi todas partes, quedara manera clara la sensación compositor. era de un carácter ligero y burlesco; en de este ciudades de de Italia, Francia, Austria por no decir que en todo lugar. La vida Cuando, desde la eseperspectiva auditiva deEnqueItalia, era la contribuyó misma voz. En Nápoles se hizo muy popular estilo y Alemania. misma, a veces nos da de más, y a estadística, me asomé me involucré este aspecto de se hace que se puede, Ahora hablaremos sobre los precursores que daba a los ycantantes al desarrollo la loópera el de ópera, da de menos. Cuando cada el quehacer para de las mentes pero se disfruta de unveces nuevonos desarrollo del melodrama exhibir su más establecimiento, en cada tresavance. ciudades mejorenoportunidad privilegiofueron de cantar lúcidas la viernes Lostengo dos el primeros vocal.de la industria, la política y italiano. importantes, de escuelas musicales técnica los comensales La Scala, a pesar de que medicina, pensé que estaba totalmente Luigiante Cherubini y Gáspare de Spontini, bien Lamentablemente, definidas. no mesequeda menor de que realizado. mi estadística es la ciencia que los cuales sitúanlaentre dosduda siglos. GENIOS DE LA MÚSICA en mi submundo de laBellini música yy sus trata se el perfeccionaron problema de lalos variación, Rossini, A principios del siglo XVIII, también en Posteriormente En Roma, coros; no variaciones, la vida conmigo ha Cuando la de perspectiva puedo beneficiarme de sudel “esgrima” Donizetti entran impetuosamente en sido surgiódesde la figura Giovanni de en Nápoles, se elevó el estudio Bel Nápoles, espléndida. la Pergolesi, música, quien me aproximé a los matemática para uniformar la eragenerosa… moderna como los verdaderos Battista compuso una Canto, que es el arte de cantar bien; y los sonidosse guturales deel mis en Venecia, llevó a cabo más cánticos, alto obra maestra: La Serva Padrona (La iniciadores del Bel Canto italiano. pero disfruto mucho reconocer que, Sirvienta Padrona). Cristóbal Willibald Definitivamente, la aportación musical sentido instrumental de la ópera. así como la reducción de la variación Gluck, compositor austríaco, fue el de estos compositores propició aún significa una calidad en los más el fortalecimiento de la ópera primer reformador del drama lírico. El primer genio de mayor los compositores productos industriales, en el mundo Italiana en el mundo. de ópera italiano, Claudio Monteverdi, director general de Saba Consultores, una de las empresas de consultoría estadística más destacadas del del canto esgran también el control la la Es ciudad de Salzburgo, Austria, fue quien dio el impulso inicialde En país. Licenciado en Matemáticas por la UANL, maestro en la misma materia por la Universidad de Texas, en variación que deja la sensación BelliniUniversity, nació en ciudad deprofesor nació Edimburgo, otro gran genio de la música: por Vincenzo al drama lírico.loMarco Antonio Cesti de y maestro y doctor en Estadística la Southern Methodist de la Dallas, ha sido y subdirector en la Facultad de Ciencias Físico Matemáticas la UANL.en 1801. dominio, belleza Catania,deSicilia, Wolfang Amadeus Mozart. dividió la óperadeenvoz doseducada, clases: lade seria
Salvador Borrego Alvarado
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El piano Descubrió este gran pensador que existía una relación de proporciones simples entre las longitudes de cuerdas vibrantes afinadas de acuerdo a algunas de las notas fundamentales del sistema musical vigente en aquellos tiempos en Grecia. Este descubrimiento, llevado a cabo con ayuda de un sencillo instrumento musical, llamado monocordio, reforzó la convicción de Pitágoras de que los números y las relaciones entre ellos constituían la esencia del mundo y su principio ordenador. A partir de ese momento, la música se convirtió en sinónimo del estudio de las proporciones, y de esta manera el concepto es transmitido a los pensadores de generaciones posteriores.
en la época actual Muchos siglos después, un estudioso y hombre de la política, llamado Anicio Manlio Torcuato Severino Boecio intentó, a través de sus escritos, transmitir al medioevo la estructura de la educación clásica del mundo antiguo. En ella, la música ocupaba un lugar muy importante, al formar parte del grupo de materias llamado quadrivium (junto con la aritmética, la geometría y la astronomía). Y aquí encontramos de nuevo que el objeto principal de estudio de este arte son las relaciones proporcionales, no tanto la forma de estructurar los sonidos para crear piezas musicales. Boecio añade, y esto es de suma importancia para los tiempos que le siguieron, una dimensión metafísica a la música, dictada por la recientemente adoptada filosofía cristiana. Esta herencia es la que tomarán como base prácticamente todos los teóricos de la música hasta principios del siglo XVII. INFLUENCIA DE LOS NÚMEROS Y PROPORCIONES A medida que se fueron desarrollando los diferentes elementos que componen el universo de la música, la influencia de los números y las proporciones se iba reflejando en cada uno de ellos. Tomemos, por ejemplo, el caso del ritmo, entendido en su forma más simple, como la duración de los diferentes sonidos en una pieza musical.
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Maestro Gerardo Antonio González Pianista / Orquesta Sinfónica de la UANL gerapianomax@hotmail,com
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l objetivo de este breve análisis es, con base en un poco de historia y estadística, tratar de dilucidar cuál es el papel del piano en la época actual y en un futuro próximo Empezaremos con un poco de historia: El piano fue un invento italiano del año 1701, en Padua. Bartolomeo Cristofori (empleado de la Casa “Medici”) diseñó un instrumento al que llamó “gravicémbalo col piano e forte”. Su objetivo era incluir la dinámica (o sea, diferentes graduaciones de volumen) en la ejecución, ya que los antiguos instrumentos antecesores del piano solamente producían el mismo volumen en cualquier tecla que se oprimiera, como es el clavecín, las espinetas y los virginales. Cabe mencionar que por los años 1710 y 1712, franceses y alemanes trataron de adjudicarse la invención del instrumento. Sin embargo, los archivos de los “Medici “avalan a Cristofori como el primero en hacerlo
Lógicamente, el invento de Cristofori era una gran innovación, pues manejar sonidos con diferentes volúmenes podría producir sensaciones Cantosimilares Gregoriano. a las de un intérprete actual con sensibilidad. El instrumento, que en no se indican que en No podemos saber con precisión esesonidos momento tenía una más amplitud ocasiones de manera cómo se manejaba este elemento de contadísimas tres a cuatro octavas,y no hizo muy poco y fragmentaria. básico de la música antes de la muy feliz ni precisa a Bach ni a Mozart, que aparición de los primeros sistemas fueron los primeros compositores Pero hacia los XII y XIII, de notación musical; e incluso cuando importantes en siglos conocerlo. Sin la notación musical dela ritmo comienza éstos surgen alrededor del siglo embargo, Mozart llegó ejecutar este desarrollarse, tomando base el IX en el terreno del canto litúrgico en apianos de cinco y seiscomo octavas. (gregoriano), las duraciones de los sistema de esquemas de versificación
Hablando de fabricantes de pianos podremos mencionar que en los siglos XVIII y XIX, la producción mundial de instrumentos llegó a 300 mil en un año. Los siglos XIX y XX representan la época de oro del piano, pues llegaron a fabricarse 500 mil pianos en un año. El instrumento llegó a su máximo desarrollo con las siete octavas un cuarto y el uso de pedales: Pedal de sostenido (derecho), Pedal celesta (izquierdo en pianos de cola), Pedal sordina (pedal del centro en pianos verticales) y Pedal tonal (centro en pianos de cola). En esta época de oro del piano brillaron compositores, intérpretes, fabricantes de pianos, producción fonotecaria y producción bibliotecaria. Nombres (por mencionar algunos) como Bussoni, Czerny, Cortot, Rubinstein, Von Sauer, Rachmaninnof, Scriabine, SaintSäenss, Poulenc, Ravel, Debussy, fueron famosos en este periodo Ya en el siglo XX y en la actualidad, los nombres de los intérpretes sobrepasan al de los compositores, y artistas de gran calibre como Horowitz, Arrau, Serkin, Richter, Ashkenazzy, Pletnev, Kissyn, Pogorelich etcétera, brillan intensamente, aunque algunos de ellos existan ya sólo por sus grabaciones. Esto quiere decir que las composiciones para piano bajaron considerablemente, tanto en cantidad como en calidad; claro, salvo honrosas excepciones. LAS PRINCIPALES MARCAS Volviendo con los fabricantes, las principales marcas reconocidas son: Steinway & Sons, Bechstein, Baldwin, Bösendorfer, Pleyel, Samick, Wurlitzer, Kawai, Petrof, Schimmel, Yamaha, y Young Chang. Aquí se debe mencionar que la producción mundial de pianos actualmente ha bajado considerablemente hasta 50 mil aproximadamente por año, cifra
muy lejana a los 500 mil promedio de los siglos XIX y XX El universo atraviesa actualmente por un momento de desarrollo tecnológico impresionante, y la tecnología se apodera de casi todos los renglones manejados por el quehacer humano: las comunicaciones, la electrónica, las computadoras, la medicina, la mayoría de las ciencias y algunas de las artes, irremediablemente se ven vulneradas por el acoso de un avance tecnológico inminente y conveniente (?). Si bien la producción de pianos acústicos ha disminuido, la producción de teclados y sintetizadores invade el mundo de la música actual; por supuesto, por razones de economía, de facilidad en el manejo del instrumento, y, desgraciadamente, por los bajos estándares de requerimiento cualitativo en la producción musical comercial. Nuestros niños y nuestros jóvenes difícilmente tienen acceso a la música culta, pues razones comerciales y de mercadotecnia hacen que la producción musical mundial enfoque su atención hacia música de calidad cuestionable. Por supuesto que en todo tipo de música hay música buena y mala, pero lo que siempre existirá, aunque no mucha gente lo pueda distinguir, es la calidad “per se” de cada tipo de música. Para aclarar esto y desde el punto de vista de construcción musical, es imposible comparar la Novena Sinfonía de Beethoven con un compendio de 50 ó 100 discos de cualquier conjunto grupero. Sin embargo, en nuestro país, y esto se está extendiendo peligrosamente hacia diversas partes del universo, el 90 por ciento de la población escucha solamente música comercial, y casi nunca una obra culta Pienso que este relajamiento de la apreciación musical es consecuencia
de la época, cuyos valores, objetivos y “modus vivendi” hacen que la música culta haya bajado sus niveles de consumo. Volviendo al piano, los teclados electrónicos se presentan amenazantes en nuestra época como substitutos del piano. ¿Lo son?
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EL PIANO POR EXCELENCIA Debe mencionarse que el piano actual tiene 88 teclas, o sea 7 octavas y cuarto. ¡Que lástima, que ellos no tuvieran la dicha de componer e interpretar en un gran piano Steinway de cola entera, que, según mi punto de vista muy personal, es el piano por excelencia en la historia del instrumento.
Para nuestros oídos acostumbrados a la pureza del sonido acústico natural, el sonido electrónico (plástico enlatado), emitido por los famosos teclados y sintetizadores, jamás logrará igualar la belleza del sonido original. Permitiría esto pensar que, a medida que las generaciones avancen y que las nuevas generaciones no hayan tenido oportunidad no digamos de disfrutar el sonido de un piano acústico, sino simplemente de conocerlo, ya no necesitarán de todo este mundo de belleza de sonidos conocida y disfrutada por tantas generaciones anteriores? La música es alimento para el espíritu y entre mayor calidad tenga, mayor calidad tendrá el espíritu. Siento que el mundo musical viaja alocadamente y sin rumbo hacia una crisis que terminará por explotar, y, una de dos: o regresará a los valores originales del ser humano o caerá en la destrucción de los mismos, que es el otro extremo. Pienso que el piano como tal no tiene substituto y que el piano de nuestros días, un Steinway de cola ejecutado por un gran intérprete, es un gran privilegio para el que lo escucha. Sí, acepto la crisis electrónica en la que vivimos; sin embargo, tengo el firme convencimiento de que el piano acústico no desaparecerá y tal vez, de acuerdo a la evolución espiritual del mundo, regrese a ocupar el lugar que por belleza, calidad y balance en las necesidades espirituales del ser humano, se merece.
Gerardo Antonio González Es considerado por la crítica como uno de los mejores pianistas mexicanos; sus actividades se extienden también a la dirección orquestal, la dirección vocal y la docencia superior. Ha sido solista de todas las orquestas sinfónicas del país y algunas del extranjero.
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La promoción de la música, una prioridad
gratificante Maestra Myrthala Salazar Dávila Pianista. Fundadora de Parnassos parnassos@intercable.net
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romover y difundir la música, así como otras expresiones artísticas, se ha vuelto hoy en día una prioridad. Actualmente nos vemos inmersos en un mundo competitivo que demanda trabajar en exceso, vivir con prisas y con gran agitación, lo que crea un estrés continuo, y deja a muchos jóvenes expuestos a un clima de violencia y adicciones. Todo esto, desde luego, crea un ambiente social no aceptable. A esto hay que añadir el bombardeo publicitario de música a la cual llamaremos “música comercial”, que nos regalan diariamente la radio y la televisión, y que han hecho que sea la música conocida por la mayoría y por ende la preferida. Hay que reconocer, sin embargo, que dentro de este género musical, existen cosas muy interesantes y de gran valía. MÚSICA ESTRUENDOSA La mayoría de los espectáculos y diversiones que se presentan en nuestra ciudad están cargados de una energía rítmica y sonora cuyos decibeles, hablando de esta última, son perjudiciales para el oído. Muchos jóvenes están ya tan acostumbrados a volúmenes tan altos, que más que la música en sí, lo que les interesa es toda la fuerza sonora posible, y se preocupan por obtener equipos de sonido que se la proporcione, y no asisten a lugares o a restaurantes que no cumplan con este requisito. Es usual saber de chicos que oyen música muy estridente en sitios tan reducidos como en autos herméticamente cerrados o mientras toman la ducha, lo que en un tiempo les pudiera causar disminución auditiva, trastornos neurológicos y alteraciones nerviosas. ¿Qué hay que hacer? ¿Eliminar ese tipo de música? No; hay que saber dosificarla y no abusar del sonido, y ofrecer a los adultos y a los jóvenes una opción musical diferente, música que la gran mayoría de ellos desconoce. Aquí es donde entra la preocupación por promover, fomentar y difundir la música que llamaremos “música culta”, y brindar con ello una opción para conocerla, disfrutarla y apreciarla. Sabemos que la música es el medio de expresión que llega más pronto a todos los sentidos, según
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Wolfgang Amadeus Mozart
LA MÚSICA COMO TERAPIA Es, igualmente, un valioso coadyuvante en el tratamiento de diversas enfermedades. Para ejemplo, se puede citar la música del compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart, de la cual dicen los científicos que tiene el poder de poner a nuestro organismo en perfecto equilibrio; por eso, hoy en día se procura que los bebés la escuchen desde muy temprana edad y, para ser más exacta, desde que se encuentran en el vientre materno. La promoción musical es una actividad difícil. Para llevarla a cabo no basta con la buena voluntad y el entusiasmo, sino que se necesitan apoyos fuertes en patrocinios, publicidad, e incluso apoyo moral. Tratar de sostener una actividad promocional a base de boletaje es obra de titanes. La parte medular para lograr una buena promoción es tener en principio los objetivos muy claros y dejar de lado todo vedetismo. El Dónde, el Porqué y el Para qué, son claves. El Dónde. Hay que buscar el lugar en que exista un hueco cultural, y no donde esta actividad ya se esté desarrollando; aunque bien dijo el maestro Luis Herrera de la Fuente: “en la Ciudad de México hay muchos conciertos, pero uno más no hace daño”. Así que en el año 1990 nace Parnassós, tomando como sede al Auditorio San Pedro, que a la época no contaba con gran actividad. Por tanto, la comunidad sampetrina carecía de actividad musical, (hay que aclarar que Parnassós está abierto a todo público), Mis circunstancias en ese momento me permitieron formar una asociación que ofrece de ocho a diez conciertos anuales, con un abanico de opciones que incluyen la música, la danza y el canto.
Maestro Arnoldo Nerio nuestra vida. Y aquí es donde vuelve Director del Departamento de Difusión a aparecer Cultural / UDEM otra parte indispensable dentro de la promoción. Esa parte arnerio@gmail.com son los músicos. Los músicos, para su general, realización, necesitan or lo se piensa que el de unaarte plataforma queson les dominios sirva para y la ciencia poder despegar y llegar a las metas totalmente ajenos el uno al otro. por cada Deestablecidas acuerdo con ello, eluno artedeseellos. rige exclusivamente por la intuición y los CONCURSOS DE PIANO sentimientos, mientras que la fría y Parnassós se enfoca primeramente calculadora ciencia se basa únicamente la carrera pianística, una profesión en en la razón. Intuición y raciocinio son difícil,de mas no imposible. dosmuy formas pensamiento que el hombre ha utilizado siempre como Para ello para se crean el Concurso económico alto, estuviera carente deherramientas el conocimiento y Internacional del de mundo, Piano y Parnassós, actividad musical y artística, ya que lala interpretación ambas enintegral al añode2008 cultura va de la mano con la economía.sonque parte cada llegará persona.a su Así surge la oportunidad de poner en tercera edición, y que se ha colocado un lugar mundial muynos importante, la puerta de las casas conciertos deSi en reflexionamos un poco, darey cuenta el Concurso de Jóvenes primer nivel internacional, como losmos de queNacional ninguna actividad Pianistas Parnassós, cuya primera hay en las grandes ciudades, y asíhumana pertenece en forma exclusiva edicióndeseestos llevará cabo del ampliar el quehacer musical. a alguno dosacampos. En24 la al 27 de enero de 2008, intuitivos en donde habrá ciencia, los procesos se participantes desde los hasta El Para qué. Con la promoción musicalaplican a la elaboración de cinco teorías, quelos veinticinco de de edad. se llega a los padres de familia, quemuchas veces años parten corazonadas asistirán a los conciertos y que llevaránbasadas en la observación empírica. concursos como fin llegar a sus hijos, dándoles la oportunidadPorLos otra parte, tienen los planteamientos a obtener un premio les servirá de tener una formación dentro delestéticos de las distintasque disciplinas a los ganadores enriquecer ámbito musical, y ofreciéndoles asíartísticas (tanto de lapara literatura como su la opción de la que hablamos, tande currículo. las artes escénicas y visuales) son necesaria hoy en día. No basta conresueltos con mayor frecuencia de la el concursante ningún enseñarles el do, re, mi. Es necesarioqueSiimaginamos sobreno unaganara plataforma premio, la disciplina que implica que escuchen los conciertos en vivo, yatécnica y racional. que son experiencias que se guardan el concursar hace que el nivel del supere. de por vida. La participante tendencia ase contraponer arte y ciencia prevalece, no obstante, en el Pitágoras de Samos. Por otro lado, el concurso nos se sirve IMPORTANCIA DEL PÚBLICO juicio común, pero esto quizás para atraer a los jóvenes Otro punto importantísimo en estedeba a que la gran mayoría de lapianistas gente y conocer cuál esdeel los nivel renglón es el público. El promotor seno nacionales especializada en ninguno existelogra en nuestro en esta debe a su público, por lo que el respeto,dosque campos apreciar país solamente y a su colocarlos en el la ética y el compromiso deben estaren disciplina, forma limitada losvez alcances de cada mismo escenario con participantes de de la mano. uno de ellos. otros países que les pudieran servir como Yparámetro de comparación, y Yo agregaría que hay, inclusive, queMÚSICA PENSAMIENTO así motivarlos para desarrollar una encariñarse con él. Una de las metasRACIONAL carrera de excelencia conque la la cual es hacer público nuevo, y no tratarHoy por hoy, encontramos llegarían a poner a nuestro país que un solo público se desplace pormúsica, de entre todas las artes, es en un lugar muy importante dentro los cuatro puntos cardinales de laasociada con mayor frecuencia condel musical mundial. México lo ciudad. el acontecer pensamiento racional. ¿Cuántas merece, porque México y ha sido un veces no hemos oído decir:es“la música muchos talentos. El público también agradecerá ales país puradematemática” o “la música promotor, si éste cuida que suses muy exacta, como los números”? conciertos no coincidan con losAunque nos parezca difícil de creer, conciertos de otras instituciones,esta forma de pensar acerca del arte de modo que se logre el balance dede los sonidos se remonta a la mitad la actividad musical en la ciudad. Sindel Cuenta siglo con VIcasi a.C. cuando Pitágoras, 30 años de actividad internacional. Es pianista concertistagriego, y fue alumna de don Antonio público, los artistas no tienen razóneminente filósofo abordó de Ortiz, de France Clidat, en Francia Louis Kenter, en de ser, ya que guardarían su arte entremanera experimental el yproblema Londres. Es fundadora de Parnassós, del Concurso cuatro paredes, y el arte tiene que salirde las relaciones entre los diferentes Internacional de Piano y del Nacional de piano para a la luz, ya que es parte esencial desonidos. jóvenes pianistas.
Ciencia y Música en la Edad Media y el Renacimiento El Porqué. No parecía congruente que una ciudad considerada como modelo en Latinoamérica, y con un nivel
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lo expresó el eminente pianista Gyorgy Sandor, y que tiene el poder de relajar, tranquilizar, sublimar, embellecer, enriquecer y elevar nuestro espíritu a niveles insospechados.
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COMPOSICIÓN:
el arte supremo folklórica de pensar La riqueza rítmica de la música
mexicana Maestro Radko Tichavsky
Compositor, crítico y educador comenius@comenius.edu.mx
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La relación dialéctica entre la calidad y cantidad se revela en el trabajo de la composición; es decir, se necesita cierta masa crítica de música escrita para alcanzar un salto cuántico a un nuevo nivel de calidad, pero la misma LA INSPIRACIÓN cantidaden nosu garantiza este salto a mayoría que en escalas Es actualmente un hecho se que la inspiración Lo que conoce como que consistía Mientras intérpretes ebido a que que los la música tradi-crean la genialidad sucederá. modales, el lenguaje musical azteca frecuentemente llega después “música tradicional mexicana” tienede un a cional partir de es decir, de algo todoconocido; país refleja está basado en escalas pentatónicas esfuerzo en descomunal; una vez el período pero colonial buscan la mejor forma de imprimirle una faceta de la identidad de sus orígenes al igual querítmica. pasa con y unaPorque, gran complejidad La los la culminación la máxima que pasada vivió México bajo ladecorona a la pieza un sello un sesgo su pueblo, éstamusical constituye una oparte inventos científicos, debenrítmica existir otros intensa y compleja actividad energía dispuesta, y cuando Durante el siglo XVI, el la arco personal, compositor importante de suelherencia cultural.empieza La española. doselemento elementos; es permaneció decir, la calidad que y de la tensión estáuna descendiendo, es un ejerció poderosa fue sutradicional obra frecuentemente desde Iglesia la deCatólica música es rica en contenido los intérpretes (ejecutores de la idea) y evolucionó en la música tradicional aparecen de máximo todos las losideas aspectos concepción deLalamúsica idea, de influencia la cuandoen rítmico, melódico misma, y poético. el público sensibilizado (los usuarios Similar a toda civilización vida cotidiana de la sociedad mexicana. inspiración y muchas constituye veces desde de la lavalor. tradicional latinoamericana finales la interesados). música y el baile azteca mexicana, incluso en el desarrollo de primitiva, nada. Lade pregunta sobre inspiración una mezcla elementos delamúsica íntimamente relacionados, Dimitri decía que estaban la Por Shostakovich tal motivo, una parte y cómo ésta llega al creadorcuya asalta las la artes. indígena, africana y europea, Se una ha estrecha especulado si con la calidad y tenían relación la proporción transpirade la científica música dede esalaépoca mente nohasólo de losuna compositores, combinación creado vasta importante la composición depende y la en guerra (Galindo 1933). ción e sacra. inspiración se encuentran en musical En contraste con el religión sinode también de los científicos. cantidad composiciones propias de era música de la como originalidad o sociedades, de lo novedoso en otras nueve contraeuropeo una. lenguaje musical de la época, Asimismo, cada país del continente.
os compositores han sido desde Maestra Elda Nelly Treviño siempre quienes usan más el intelecto en lay música; sido Escuela Superior de Música Danza dehan Monterrey los visionarios, intelectuales, cientíwww.musicaviva.com.mx eldanelly@gmail.com ficos y los profetas del arte sonoro.
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Está más que claro que no hay un patrón simétrico en el sentido de que mientras mayor esfuerzo se imprime haya una mejor inspiración.
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alcanza vuelos frente a los cuales las del lenguaje la música de della corte compositor. del emperador Pero era de patentes industriales existen muy numerosos distinta a la de ejemplos los campesinos de usurpaciones o compositores, macehuales.entre (Stevenson ellos 1996) Johann parecen un juego de niños. Sebastián Bach, cuyo estilo musical en suAZTECAS época noY era CANTO nadaGREGORIANO novedoso, EL CASO DE PAGANINI Los compositores, entre los músicos, sino más A pesar bien deanticuado. las diferencias fundamentales entre la música europea y son la quienes más valoran la idea, el concepto y la invención. Una parte RECONOCIDO azteca, COMO los aztecas GENIAL asimilaron entre los compositores la CIENfácilmente AÑOS DESPUÉS el canto gregoriano, especial y Fue generaron considerado una cantidad por significativa los forman los creadores virtuosos. Paganini no fue el primero, contemporáneos de obras musicales. “un buenParalelamente organista Niccolo a que también la producción componía” de música y hasta sacra cienen pero el sí el más notable de los autores pre-románticos. años México despuéscolonial, su música se generó relució como una nueva geniale gracias incipiente al reestreno vertiente de su Pasión de música según vernácula San Mateo, que bajo mostraba la dirección influencias de La curiosa enfermedad de aracnodactilia causada por el síndrome Marfan otro de compositor: música indígena, Félix Mendelsohn árabe y africana. alargó sus dedos pero mantuvo su Bartholdy. No obstante, la influencia de la música flexibilidad, al grado de que nadie en secular europea se sintió mucho la época pudo igualarlo en la técnica. La música de Dimitri Shostakovich, después y de una forma menos quienevidente creó sus que obras la influencia en un bastante de la música tradicional sacra. estilo neoclásico y fue visto Paganini escribía sus composiciones por los con tan difíciles, y tan ajustadas a su Este innovadores hecho se debe musicales a que los misioneros deformación física, que era imposible desprecio, sobrevivió religiosos eran casi las completa. únicas personas tocarse en manos de un violinista que mantenían contacto directo con “normal”. La “patente” composicional Mientras tanto, elalcompositor los aztecas inicio de la mexicacolonización no Julián Carrillo pregonaba la de Paganini fue protegida de manera (Romero 1930). La influenciaen de música misma época queconsistió quienes noprincipalmente escribían natural y por años debido sus ventajas indígena físicas. bajo en el moderno sistema microtonal la adopción de rasgos rítmicos. (1875 - 1965) no eran ser mencionados comoestas La dignos combinación de todas Compositor, director de Sus más inspiradas composiciones compositores. influencias tuvo como resultado una orquesta y violinista mexicano no llegan a ser tan profundas ni música rica en contenido rítmico, la corriente tan dramáticas como de Ludwig que modernista imita sonidos del medio salón y música delas baile). A principiosde música Desde luego, la obra de Carillo Sin armónico, melódico y formal. Realizó en el texto, uso Beethoven, pero hacen lucir y lainternacional. ambiente descrito siglo XIX, la música tradicional tuvo embargo, una importancia histórica en van del la vitalidad y complejidad investigaciones sobre violinistas los de instrumentos deelcuerda como el música de salón dentro estaban de íntimamente América Latina, a pesartradicional del a los rítmica de pero la música desde fines parámetros virtuosísticos, y ésta arpa, violín, guitarra, jarana, guitarrón relacionadas; los compositores de estemicrotonalismo bagaje científico y especulaciones mexicana constituye su rasgo más XIX y desarrolló la principal razón porque siguen instrumentos de percusión; texto género incorporaron elementosdelesiglo intelectuales prepotentes empleadas es laúltimo distintivo. Teoría del Sonido 13, primer firmemente en el repertorio de ritmos y melodías tradicionales estrófico y pasos de baile que forman en su obra, su importancia musical incluídas por formalizar el ritmo estudio internacional. un contrapunto con el básico de en sus obras. Debido a los límites deintento quedó enmexicanos segunda liga. Los absorbieron los rasgos microtonalismo. la pieza. del Asimismo, el texto habla de distintivos de las danzas europeas este artículo, es imposible analizarsistemático SORPRESA E INDIGNACIÓN a profundidad la gran cantidad de amor, leyendas, animales, y asuntos INSTRUMENTOS que llegaronMICROTONALES a la colonia, pero estas director ydelreligiosos. Conservatorio Otrosmúsica compositores decidido La estructura de todos loshan géneros cultivadosFuepolíticos Pasando el evolucionaron tiempo notamos cómo danzas hasta consoliNacional de Música la sus creaciones a la sorpresa armónica es muyy de simple y consiste en en México. pasa dar también características en la locales ciencia, o regionales que apostar Orquesta Sinfónica entre Nacional en movimientos tonalidades de Carrillo que“descubrió” las hicieron el sonido particulares trece; es oaa la indignación del público. Como de tónica, México, subdominante y fundó la Orquesta a JohnlaCage, auy dominante; vez concluida introducción decir,México. música Entre microtonal, estas características que divide ejemplo se Unamencionaré Sinfónica Beethoven y la algunos casos del de siglo XX, quien acerca del estatus la música durante sin embargo, existen las alturas utilizadas en unasistemática escala tor encuentran: la tendencia a norteamericano Sonido 13, con se ufanaba de conducir su públicoahora a en que del algunos acordes son utilizados el periodo colonial,aprocederé aOrquesta más combinar minuciosaritmos que labinarios acostumbrada y ternarios, sede en Nueva York. un estado de shock, presentando obrasde los de una manera específica para presentar una breve descripción de doce sonidos, justo después la práctica de interrumpir frases con donde se le indicaba al intérprete partir géneros de la música del campo (desde crear disonancias. (Rojas 1996). La de susilencios, estanciala en Europa donde el nota prolongación de una y construyó pianos el piano a la mitad con hasta una sierra. improvisación desempeña un papel el periodo colonial los años 20 delDiseñó compositor seguidacheco por un Alois patrón Haba, rítmico el autor rápido muy microtonales importante enpara la interpretación judíoy ruso radicado en Francia Ivande la siglo XX aproximadamente), los cualesy arpas regular, el uso particular interpretar sus composiciones, Una constituyen pieza famosalademúsica Cage, titulada “tradicional” de los sones. Los versos del Wishnegradsky, Ferruccio Busonni disonancia y la emotividad de la lírica. en un esfuerzo que reunía (escrita o enmúsica 1952 para alternan con secciones de lospiano) mestizos. texto y otros (Saldívar ya realizaban 1987). composiciones 4’33”mexicana conocimientos de acústica, en que elsepianista estáen los instrumentales. Esta descripción concentrará experimentales y construían instru- consiste resistencia de materiales y durante los cuatro El ritmo vigoroso del son es muy aspectos rítmicos de estaminutos música. mentos microtonales, desde luego sentado MÚSICA DEL CAMPO Y MÚSICA teoría musical. complejo y constituye su rasgo repitiendo hallazgos realizados en con treinta y tres segundos frente a su DE LAlos CIUDAD instrumento enPRINCIPALES un absoluto DE silencio característico. Está formado por GÉNEROS LA la música por (1930), los hindúes Segúnmicrotonal Carlos Chávez la música gracias al MEXICANA público. patrones en ¾, 6/8, 3/8 y a veces en MÚSICAda TRADICIONAL hace mexicana más de dos años.enEndos fin,amplias la y después se mil divide El colmo de los fue cuando El son tuvocolmos sus orígenes en la 5/8. (Mendoza 1984). El son utiliza inspiración no siempre es tan limpia categorías: los géneros del campo como(son, parece, y la corrido, pirateríacanción) de ideasy los tonadilla escénica española, y se frecuentes cambios de métrica (de jarabe, de la ciudad (música culta, música de caracteriza principalmente por tener métrica binaria a ternaria y viceversa)
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para dar variedad a las melodías. En otros casos, la melodía está en una métrica y el acompañamiento en otra distinta. (Campos 1928) Una categoría especial del son es el jarabe, que es conocido como el arquetipo de la música mexicana. El jarabe consiste en una serie de sones que alternan con música instrumental; la composición, en su totalidad, constituye una danza. Las secciones instrumentales son bailadas con un zapateado rápido. La métrica del jarabe es en 3/4 a un tempo moderado cuya longitud de frase depende del texto. (Mendoza 1984). El huapango es otro género musical lírico-coreográfico, que pertenece a la región geográfica de la Huasteca. La palabra viene del náhuatl cuauhpanco que designa un piso de madera. En contraste con el son, el huapango conserva la mayoría de sus rasgos españoles como el uso del falsete. Su rasgo rítmico distintivo es el polirritmo resultante entre la combinación de patrones en una métrica de 6/8 y patrones en ¾. En yuxtaposición a los polirritmos de la música, los pasos de baile crean un diálogo complicado con la misma. (Moreno 1979). El corrido es un género de música tradicional que desciende del romance español. La música tiene carácter épico/lírico, y su texto es histórico. Durante la Revolución, el corrido era utilizado para informar al pueblo acerca de las últimas batallas y conflictos, para relatar historias de héroes, para describir paisajes, etcétera (Moreno 1979). Durante el siglo XIX se estableció en México la tradición de ópera italiana, primero en las clases sociales altas y después entre los campesinos. Gracias a la tradición operística, nació lo que se conoce como canción mexicana, cuyo propósito es principalmente para ser cantada. Otro factor importante que contribuyó al éxito de la canción mexicana fue la creciente popularidad del piano. Es importante considerar que la canción mexicana tuvo sus orígenes en las clases sociales bajas o grupos de
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mestizos. El instrumento que se utilizó en los inicios para acompañarla fue la guitarra, la cual se identificaba con las clases sociales bajas; sin embargo, la canción mexicana encontró su sitio en este sector de la sociedad después de que compositores profesionales comenzaron a escribir canciones para voz y piano. (Martín, 2002) Danza habanera. Este tipo de canción posee un texto nostálgico que habla acerca de despedidas, abandono, descripción del ser amado, entre otros temas. Armónicamente, estas canciones se caracterizan por el uso de terceras dobles en la melodía. El patrón rítmico base tiene sus orígenes en la contradanza cubana. En las etapas iniciales de la danza habanera, la métrica de 2/4 era muy común; sin embargo, comenzó a sustituirse por 6/8. (Mendoza 1982) El vals llegó a México en 1815, y fue severamente censurado por
la Iglesia Católica; no obstante, influenció profundamente a los compositores mexicanos durante varias décadas. A pesar de la censura de la Iglesia Católica, el vals desarrolló características propias en México, que lo diferenciaron del vals europeo. Estas características son: una métrica constante de ¾, tempo más lento, carácter melancólico e íntimo y ausencia de brillo instrumental. (Moreno 1979). A través de los años, la música tradicional mexicana ha sufrido constantes transformaciones, debido al auge de los medios masivos de comunicación y la incorporación de elementos de otros géneros; sin embargo, en ella prevalecen sus características fundamentales. A pesar del paso del tiempo, la música tradicional mexicana continuará formando parte fundamental de la cultura de México y del mundo.
Elda Nelly Treviño Es directora del estudio independiente Música Viva, y coordinadora académica del Nivel Propedéutico de la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey. Conferencista, tallerista y asesora de importantes instituciones educativas y asociaciones musicales en México y el extranjero, mantiene una intensa actividad en música de cámara y en promotoría cultural. Cuenta con estudios de Licenciatura y Maestría en Pedagogía Pianística por la Universidad de Texas en Austin y la Licencia Dalcroze por la Carnegie Mellon University.
Referencias Campos, Rubén M. El folklore y la música mexicana. Investigación acerca de la cultura musical en México (1525-1925). México, D.F., México: Secretaría de Educación Pública. 1928. Chávez, Carlos. La música propia de México. Música Revista Mexicana, 7, 3-7. 1930. Galindo, Miguel. Historia de la música mejicana. México, D.F.: CENIDIM, INBA, Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. 1933. García Blanco, Daniel. (Ed.). Danzas y bailes regionales de México. 22 transcripciones para piano. (Vol. 1) (4a Ed.): México, D.F.: Autor. 1984. Martín, Enrique. Nuevos ricos, nuevos gustos: la afición musical en Mérida durante el Porfiriato. Heterofonía, 127, 57-75. 2002. Mendoza, Vicente T. (2a. Ed.). La canción mexicana. México, D.F., México: Fondo de Cultura Económica. 1982. Mendoza, Vicente T. (2a. Ed.) Panorama de la música tradicional de México: México, D.F. México: Universidad Nacional Autónoma de México. 1984. Moreno Rivas, Yolanda. Historia de la música popular mexicana. México, D.F. México: Editorial Patria S.A. de C.V. 1979. Orta Velázquez, Guillermo. Breve historia de la música en México. México, D.F. México: Librería de Manuel Porrúa, S.A. 1970. Romero C., Jesús. Nuestra música colonial. Música Revista Mexicana, I, 20-26. 1930. Rojas, David. Antología del son de México. Recuperado el 2 de marzo de 2005, desde www. folklorico.com/musica/antologia-son.html Saldívar, Gabriel. Historia de la música en México. México, D.F. México: SEP/Gernika. 1987. Stevenson, Robert. Reflexiones sobre el concepto de música precortesiana. Heterofonía, 25-37. 1998.
EL PAPEL DEL DIRECTOR Durante varios ensayos, el directorintérprete olvida su tarea de transmisor de ideas, y trabaja arduamente en la realización puramente musical: cuidar los balances de sonido, hacer que los instrumentos o secciones de ellos toquen unificados lo más claro y perfectos que sea posible. El conductor debe buscar la expresión correcta de cada frase, melodía o idea musical, y hacer que el instrumento lo haga óptimamente. Entre lo más importante destaca la afinación completa de la orquesta. Si bien cada músico afina su instrumento, ése debe estar perfectamente bien afinado con los demás y lograr con ello una perfecta sonoridad grupal. Esa tarea la comparte con el concertino de la orquesta; digamos, el capitán de todo el equipo, quien es responsable directo de la afinación, entre otras muchas tareas y responsabilidades que tiene.
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INTERPRETACIÓN DE LA SINFONÍA PATÉTICA Sin exagerar, aseguro que, mientras se dirige, es posible experimentar los sentimientos del autor. Eso me ocurrió durante la interpretación de la Sinfonía Patética, de Tchaikovsky, una obra maestra autobiográfica.
orquesta con el del director teatral. Uno busca lo que hay detrás de las palabras y otro lo que hay detrás de los sonidos, pero la tarea de ambos es lograr la interpretación total.
Me adentraba en el ‘Adagio lamentoso’, último movimiento de la Sinfonía Patética. Apenas me recuperaba de la agitación del tercer movimiento, una marcha-scherzo donde el compositor hace uso de todos los recursos sonoros y técnicos de la orquesta. En su brillantez se entretejen escenas de sus triunfos y fama como compositor, pero el éxito no necesariamente va ligado a la felicidad.
Piotr Ilich Tchaikovski Nació en San Petersburgo en 1840 y murió en 1893. Es uno de los compositores rusos más importantes del siglo XIX.
En su ‘Adagio lamentoso’ vuelve esa nostalgia, ese pesimismo, esa soledad y frustración contenida durante toda su vida. En realidad es una despedida a la vida. Tchaikovsky muere unas semanas después de estrenar su Sinfonía.
New Age rompe paradigmas
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COMPOSICIÓN CONMOVEDORA Un verdadero intérprete queda totalmente conmovido con esa composición. El mencionado adagio es verdaderamente un desenlace, una despedida. El intérprete siente el último aliento de esa creación y desfallece con él. La obra concluye y, exhausto pero satisfecho, recibo el aplauso del público. Aplauso que justamente comparto con la orquesta.
Precisamente la orquesta es un exige una gran responsabilidad por equipo perfecto de hacer sonido. transmitir la idea del compositor con Cada componente es un profesional fidelidad. Durante la ejecución, hay en sí, pero necesita ser acoplado, y eso momentos en que el intérprete siente sucede cada vez y casi en cada obra haber logrado el mensaje y hay otros interpretada por ese equipo sonoro. La en que imperfecciones sonoras logran Licenciado Juanviene Carlos Zavala perfección sólo tras el continuo distraer la perfecta interpretación. Primer Oboe de la Sinfónica Juvenil de Nuevo León ejercicio de trabajar unidos por una morrigan11@hotmail.com causa común. Ya logrado todo esto, Probablemente nadie se da cuenta de Concluyo la velada satisfecho, tras entonces se puede empezar a hablar esto, más que el mismo intérprete. haber cumplido con el autor. En secreto n la música hay diversos géneros, no tiene fronteras religiosamente y optimista del mundo. En ocasiones Adentrarse en una obra es experi- experimento una satisfacción mayor: de interpretación. como el jazz, el blues, el rock, la hablando. Cualquier persona de se utilizan aspectos cósmicos para la mentar en cuerpo y alma una haber fungido como una especie de música clásica, entre otros. Sin cualquier religión puede unirse a las portada de sus discos, en sus melodías “comunión” espiritual con su creador; médium musical que, durante algunos POCOS AUTORES DEJAN embargo, el género más revoluciona- creencias de la nueva era. Sin embargo, o en los nombres de sus canciones, es resucitar aquellos momentos de minutos, compartió vida y espíritu TESTIMONIO DE SUS OBRAS rio y actual es el de la música New hay algunos compositores que no como por ejemplo el nombre de algún Son pocos los compositores que han alegría, pasión, nostalgia, pesimismo, junto al genio de un compositor que, Age o música de la Nueva Era. Este están de acuerdo en que a su música planeta o de algún fenómeno estelar. dejado testimonio escrito de sus obras. dolor, tristeza, que el compositor físicamente, ya no existe. género musical tiene sus orígenes en se le catalogue como New Age, porque Por lo general, el autor no piensa ni plasma en su obra. 1970, con el movimiento espiritual de no están interesados en pertenecer al Los instrumentos más comúnmente es consciente de las influencias extra utilizados en la música New Age la Era de Acuario, o sea de la nueva movimiento de la nueva era. musicales en su obra; incluso, no son son el piano, el arpa, la flauta era; aunque hay que aclarar que no es de importancia para él; sin embargo, -diversos tipos de flauta-, y demás una religión ni tampoco seguidora de ARMONÍA Y PAZ INTERIOR deben serlo para el músico, porque de La música New Age generalmente es instrumentos de cuerda. Se trata de alguna religión en particular. ellas se nutre una interpretación. pacífica y placentera; invita al oyente evitar los instrumentos con sonoridad La música New Age representa la a sumergirse en sentimientos de estridente, como la trompeta, el El interpretar y dirigir una obra maespiritualidad pura; es por eso que armonía, paz interior y amor a la vida, trombón, el corno, entre otros. estra implica, primero, un gran placer, Cursó estudios profesionales de piano, oboe y dirección de orquesta en el Conservatorio Nacional de a que tiene una visión futura Lo más común de encontrar es la tiene tanta popularidad: porque debido México. En Austria se graduó en 1982 como director de orquesta en la Escuela Superior de Música de porque al momento de su ejecución Viena. se vuelve a crear la obra. Después,
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tecnología, como por ejemplo el uso de sintetizadores. Otro aspecto muy importante de la música New Age, es que hace uso de ecos naturales y reverberaciones para fines cósmicos o de la naturaleza, sin la necesidad de aparatos electroacústicos. CLASIFICACIOONES NEW AGE
Vanessa Mae
Esta música tiene diversas clasificaciones, que son: World Music: música de grupos étnicos, mezclada con rock, pop, entre otros. Electrónica: creada con computadoras y/o sintetizadores. Folk: música tradicional conocida, y tocada con acompañamiento de rock, pop, entre otros. Progresiva: música clásica contemporánea o rock moderno. Jazz-Fussion: combinación del Jazz con cualquier otro estilo musical. Pop: puramente instrumental Vocal: utilización de la voz humana como melodía o complemento musical.
CANTO GREGORIANO CON INSTRUMENTACIÓN La música New Age ha roto diversos paradigmas de la música clásica. Un buen ejemplo sería el canto gregoriano de la Edad Media, en el que se utilizaba la voz humana en su versión más pura, o sea, con poca instrumentación y con un bajo continuo. ¿Quién iba a pensar que llegaría un día en el que el canto gregoriano fuera escuchado con más instrumentación y con instrumentos tan modernos como el bajo eléctrico, acompañamiento electrónico e instrumentos producidos por sintetizadores?
En todos los géneros, hasta en el rock moderno, se escucha algún tipo de instrumento. En cambio, en el género New Age se ha roto el paradigma de que se deben utilizar instrumentos para hacer música. En este tipo de música se pueden utilizar sonidos de la naturaleza como el canto de los pájaros, el sonido del agua o del viento, el sonido de las olas del mar, entre muchos otros. La música New Age con estos sonidos, por lo general se utiliza como musicoterapia, con propósitos de relajación, yoga y tai chi chuan. NUEVAS VERSIONES DE MÚSICA CLÁSICA Otro paradigma que la música New Age ha roto es el del aburrimiento. Muchas personas opinan que la música clásica es aburrida y tediosa; por eso no la escuchan, como por ejemplo los jóvenes que no tocan algún instrumento. Empero, la música New Age ha roto con este paradigma, porque si a alguno de estos jóvenes se le pone a escuchar la Toccata y Fuga en Re menor de Bach, la versión original y la versión tocada por Vanessa Mae, es seguro que le va a gustar la versión de Vanessa Mae, porque no la encontraría aburrida y tediosa. Situaciones de esta naturaleza también se ven en los juegos de video, como por ejemplo en el juego de baile Pump it up, en el que se puede escuchar El invierno de Vivaldi, el Canon en Re, el Ave María de Schubert, entre otras piezas musicales en versión dance, techno, rock, etcétera. Debido a esto, los jóvenes conocen un poco más acerca de la música clásica y han desarrollado cierto gusto a la misma, pero gracias a estas versiones sintetizadas. Como resultado, esto es bueno, pero a la vez es malo, porque la música clásica es más enriquecedora.
Juan Carlos Zavala Lozano Es licenciado en Estudios Internacionales por la Universidad de Monterrey (UDEM), y primer oboe de la Sinfónica Juvenil de Nuevo León. Ha participado en encuentros internacionales de orquestas sinfónicas juveniles.
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¿Cuándo volverá la música a nuestras escuelas?
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Y con ella la alegría…
Profesor Ismael Vidales Delgado Director Académico del CECyTENL ividales@att.net.mx
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a mejor obra que conozco sobre la historia de la educación mexicana, recoge los eventos más significativos del tema desde 1821 hasta nuestros días, y su autor es el doctor Ernesto Meneses. En los tomos que componen esta obra, observamos que desde siempre existieron en las escuelas primarias, y posteriormente en las secundarias, clases de música y orfeones. Considerando la importancia de esta disciplina artística en el desarrollo integral del ser humano, resulta incomprensible que se haya diluido en un espacio denominado Educación Artística, que abarca mucho y enseña poco, digamos, nada. PIANO Y VIOLÍN, SÓLO EN EL RECUERDO La maestra de piano en los antiguos jardines de niños y el de violín en las secundarias, son anécdotas para la historia. Recuerdo que en las fiestas de fin de cursos y asambleas cívicas era obligado en el programa un número donde participaban ejecutantes de piano y violín; además, la escuela en pleno interpretaba canciones bien entonadas, producto del trabajo de los maestros y maestras de música ¡Qué tiempos aquéllos! No tengo la menor duda de que la educación estética y la artística se plantean desde una perspectiva más amplia que la ecuación musical, sólo que aquélla era real; las otras son meras esperanzas planteadas en el discurso de la programación oficial. SI VOLVIERA LA MÚSICA A LA ESCUELA… Si volviera la música a la escuela, no sólo cumpliría sus objetivos inmediatos, sino que fomentaría valores estéticos, éticos y culturales; entre otros, la creatividad, la solidaridad y la trascendencia. La educación musical permitiría crear, escuchar,
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ejecutar y disfrutar la vida en su totalidad. La música es mucho más que ejecutar algún instrumento; es una disciplina totalmente formativa, democrática; es decir, incluyente, plural, solidaria, respetuosa, universal. Hacia 1970, en la escuela Normal “Miguel F. Martínez” la maestra María del Socorro González hizo que más de mil alumnos tuvieran acceso a instrumentos tan simples como el triángulo, la armónica y la flauta dulce, y logró crear no solamente un grupo enorme de ejecutantes que conmemoraban los primeros cien años de su institución, sino un ambiente de hermandad, alegría y solidaridad. MAESTROS DE MÚSICA La pregunta es la misma: ¿cuándo se fue la música, y con ella la alegría de nuestras escuelas públicas? Si alguien sabe la respuesta, la verdad no tiene importancia; es más importante saber: ¿cuándo volverá a los salones de clase el maestro del violín y cuándo se instalará nuevamente la maestra de piano en el salón de música? Estoy plenamente convencido de que el currículo entero se vería beneficiado con la presencia de la música en la escuela como factor socializador, fuente de conocimiento y elemento de recreación del espíritu.
cuerpo; conocer las posibilidades expresivas del cuerpo mediante el recurso de la danza, el mimo, el gesto, la dramatización; acercarse a su cultura, transmitiéndole tradiciones, contenidos y formas de expresión propias de su entorno más cercano. Está comprobado que los niños que aprenden a escuchar música y canciones, que las entonan o las cantan, utilizan con mayor soltura sus propias palabras; de hecho es una de las técnicas más utilizadas por los logopedas para ayudar a los niños con problemas de lenguaje. Si el lector o lectora tiene un niño pequeño, observe el efecto que le ocasiona alguna canción que usted le cante al tiempo que le pide que le acompañe con algunas de las acciones que propicia la canción; por ejemplo, si en una canción sale la acción de dormir, juntar las manitas e inclinarlas apoyando la cabeza sobre ellas, cerrar los ojitos y simular dormir. La cosa se pone mejor si usted le inventa la letra de una canción donde él o ella participan. La tonada puede ser de cualquier canción que usted conozca. Y todo mejora cuando empieza el pequeño a crear sus propios instrumentos musicales, rudimentarios, simples: cajas vacías, tambores, objetos de
cristal o de metal, cualquier cosa puede convertirse en una orquesta mejor que la de Glenn Miller. Usted se deleitará con sus pequeños que espontáneamente empiezan a mover el cuerpo suavemente hasta alcanzar niveles frenéticos. Entonces, la música ha prendido y su pequeño habrá integrado un elemento valiosísimo para su desarrollo integral. ¿Qué se puede lograr mediante una canción? En el área cognitiva: el desarrollo de la memoria, atención, discernimiento, análisis, creatividad, capacidades auditivas y analíticas, organización y estimulación de la actividad mental. En el área afectiva: socialización, ayuda para reconocerse a sí mismo, para fortalecer su autoestima; para comprender a los demás; seguridad, fomenta el sentido estético. En el área motriz: armoniza el movimiento, da ritmo y orden, favorece motricidades finas y gruesas, propicia la relación ojo-mano, etcétera. Yo dejaría el tema planteando la pregunta ¿Se podrá encontrar acaso algún aspecto del proceso educativo que no se favorezca mediante una canción?
BONDADES DE LA MÚSICA Nadie desconoce que los niños y niñas con capacidades especiales encuentran en la música uno de los elementos más valiosos de su conexión humana, expresión emocional y alegría de vivir. Todos sabemos que la educación musical generó en la niñez confianza, aceptación, sensibilización, reflexión crítica, valoración del trabajo grupal, creación, desarrollo de destrezas, capacidades y aptitudes para ejecutar, escuchar y disfrutar. La música en la escuela va encaminada a que los niños aprendan a: utilizar la voz como instrumento; cantar siguiendo adecuadamente el ritmo y la entonación; utilizar los recursos sonoros y musicales del propio
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Ismael Vidales Delgado Es egresado de la Escuela Normal Superior Profesor Moisés Sáenz, de la ciudad de Monterrey, con especialidad en Actividades Tecnológicas y Psicología, y Orientación Vocacional. Hizo su Maestría en Pedagogía en la Escuela de Graduados de la propia Normal Superior.
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¿Qué le aporta a un niño recibir formación musical? Maestro David Josué Zambrano Catedrático de la Facultad de Música / UANL davzam61@yahoo.com.mx
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e ha hablado mucho de la existencia de distintos tipos de inteligencia: la inteligencia emocional, la lingüística, la lógicomatemática y la musical, entre otras. Recientemente, la Secretaría de Educación Pública ha manifestado el interés de incluir dentro de la educación básica, el aprendizaje de la música. ¿Por qué es relevante para la niñez mexicana aplicar este
concepto? Veamos algunas propuestas encaminadas a apoyar esta idea. La inteligencia musical, de acuerdo con Howard Gardner, neuropsicólogo norteamericano, es la capacidad de expresarse mediante formas musicales, como cantar afinado, recordar melodías, tener buen sentido del ritmo, o simplemente disfrutar de la música. Es uno de
los componentes del modelo de las inteligencias múltiples propuesto por él, que sostiene que no existe una única inteligencia, sino una multiplicidad. Afirma que la inteligencia musical influye en el desarrollo emocional, espiritual y corporal del ser humano. Gardner sostiene que la música estructura la forma de pensar y trabajar, y ayuda al niño en el
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aprendizaje de matemáticas, lenguaje y habilidades espaciales. BENEFICIOS DE LA PRÁCTICA MUSICAL La oportunidad de la práctica musical a una edad temprana proporciona, además, otros beneficios: amplía la imaginación, promueve un pensamiento flexible, fomenta la seguridad en el niño, favorece la disciplina y lo ayuda a expresar mejor sus emociones y sentimientos. En resumen, mediante el aprendizaje de la música, se ven fortalecidas otras dimensiones de su personalidad. Para sostener lo anterior, cabe aclarar que en el proceso educativo y en la actividad musical existen por lo menos tres planos: el cognitivo, el afectivo y el psicomotor, que tanto en la enseñanza escolar como en la musical, se asimilan de la misma forma. Lo que nos diferencia de otros seres vivos es precisamente la cultura, que norma nuestras vidas y que, gracias a nuestra capacidad sensible y de apreciación de la belleza, nos humaniza. La música incide sobre esta sensibilidad y logra formar en nosotros un carácter noble, permitiéndonos desarrollar el gusto por lo bello que se encuentra a nuestro alrededor. EDUCACIÓN DE LA SENSIBILIDAD Según el poeta y filósofo alemán Friedrich Schiller, debemos educar la sensibilidad, porque esta educación nos lleva al perfeccionamiento del conocimiento y no sólo eso, sino que enriquece al propio proceso. Afirma también que la cultura hace una doble función, que no es otra sino la protección de la sensibilidad de los ataques de nuestra voluntad salvaje y del poder de las sensaciones en su estado natural. No cabe duda que la sensibilidad dormida en cada ser humano debe ponerse en marcha, siguiendo el consejo de Schiller. Una forma de hacerlo es mediante la enseñanza de la música, ya que incide sobre las capacidades de percepción y emoción (plano afectivo), debido a la propia riqueza del lenguaje musical.
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Como se ha venido mencionando, los diferentes aprendizajes y maneras de alcanzar el saber, además del plano cognitivo y psicomotor, se ven estimulados también por el descubrimiento de la experiencia musical cuando todavía el niño está físicamente dispuesto y antes de que sea demasiado tarde. EL NIÑO, PUNTO DE PARTIDA DE LA EDUCACIÓN Según las investigaciones de John Dewey, filósofo y pedagogo norteamericano, en su método experimentalista, el punto de partida de la educación es el niño. Deja claro que en la escuela se deben aprovechar los recursos que trae al nacer, así como también utilizar sus capacidades innatas con fines sociales. Tal como sucede en la enseñanza musical, Dewey afirma que el niño debe estar interesado en el proceso de enseñanza-aprendizaje de cualquier tópico por cuenta propia, que debe dejársele plantear un problema como estímulo propio para el desarrollo de su pensamiento, que sea capaz de decidir qué solución darle, que se le ocurra a él y que busque la ocasión para comprobarlo, llegando así al fin de su viaje de descubrimiento.
Otro aspecto a considerar son las relaciones psicológicas que existen entre la música y el niño. Edgar Willems, pedagogo belga, ha profundizado en este tema logrando relacionar la música y la mente, partiendo de la sensorialidad auditiva, como lo expone en su libro El oído musical. La preparación auditiva del niño. CANCIONES PARA EL DESARROLLO DE LA AUDICIÓN Willems recomienda el uso de canciones para el desarrollo de la audición y la memoria, sin descuidar obviamente, el aspecto rítmico y
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clásica se relaciona con conocer el repertorio y sus intérpretes. Hoy más valdría tener uno de los raros discos de Celibidache que toda la producción de Brahms con Karajan. La “música clásica” ya no es clásica. Ha perdido ese estatus de rareza, de exclusividad. Y éste es un cambio para bien. La música clásica vale por lo que es y no por el entorno de glamour o inaccesibilidad de antaño.
Hoy tenemos la oportunidad de presenciar, escuchar y asistir a diversas opciones de conciertos de “música clásica”, muchos de ellos de un nivel ejemplar. En México estamos viviendo ylos frutos de la democratización ejercicios como el de la imitación y de la larealización “música clásica”. de ecos, La conindustria actividades ha como cambiado; el público igualmente genial). En ninguna época EMI, DECCA o DG. Pruebe disqueras como discográfica combinadas aplaudir, palmear de la historia ha habido tal oportunidad Hyperion, Naxos, Brilliant, Supraphon, Bis ha ycambiado. marchar, por ejemplo. No hay que para escuchar música culta a precios y verá. olvidar lo trascendente que resulta la Pronto, este en movimiento impactará accesibles. Karajan es el director más grande ejecución ensamble, que repercute a las orquestas; yalgún día, de la historia. Figuras como Kubelik, en elpropias trabajo cooperativo la tolerancia éstas les pondrán un alto a los mitos GRABACIONES DE CALIDAD Furtwangler, Cluytens, Kondrashin, a los errores de otros. Esto ayuda intransigentes se aencuentran SOBRESALIENTE Markevitch, Bohm, Jochum, Martinon, a integrar alque niño su entornoeny a y que mantienenenun breve La “música clásica” ha dejado de ser entre otros, tienen mucho que decir. el podio fortalecer su confianza sí mismo. clásica desde que tiene un acceso no Callas revivió con sus propias manos el eslabón con el pasado. limitado a clases privilegiadas. Hoy belcanto. Pagliughi, Tebaldi, Cerquetti y Considerando lo anterior, nos queda ARTE COMPROMISO tenemos grabaciones de las nueve Gencer también lo hicieron. en QUE claroEXIGE que la enseñanza musical me parece que aprendizajes, la “música sinfonías de Beethoven con al menos A mayor precio, mejor la calidad de la Finalmente, en el niño favorece nunca tendrá los seguidores 10 ciclos completos que tienen una interpretación. ¿Ha escuchado la horrible clásica” capacidades expresivas, creativas la música y el calidad sobresaliente: Klemperer, grabación de la Bohemia de Bocelli? ¿Usted quey tienen artísticas, e incidepopular en su agilidad rock, pues incrementa es un arte suquepoder exige de Cluytens, Barajan (1), Bohm, Kubelik, tiró 400 pesos? mental, su audición, y además Blomstedt, Barenboim, Har- La de música es la más cara de atención yenconcentración, y le abre la culta educación musical eslastancompromiso melódico,Masur, que considera fundamental, un elementoenindispensable que a noncourt, Haitink. Es mucho más la caro ir a un lo que se refiere fundamental como visión y elhayposibilidades dado que el niño debe saber escuchar,músicas. ha estadosonora, relacionado con ladel estiloen Broadway que escuchar la producción el sentido lenguaje el hombre, pero cona lasiempre reconocer y reproducir. El desarrollomusical dehábitos ésta: la de sensibilidad. Debido a esta sobresaturación en el yunadiferencia orquesta sinfónica. discos nuevos ritmo y los estudio. de que laLos habilidad musicalapreciación de una memoria sensorial, motriz mercado, artistas y compañías de discos yade tiene rock generalmente son más caros que en características particulares afectiva es igualmente importante, está presente en hanque tratado de explorar repertorio los cada discos nuevos de “música clásica”. LAsensibilidad MÚSICA ES VIDA quien. Habrá quien tenga facilidadEsta potencia el sentidoelmusical. clase social,lospero se oscuro y desconocido, con lo que se La música es vida, seressólo humanos para crear, recrear o simplementecualquier desarrolla en algunas personas. Es ha El rescatado música de compositores Compañías disqueras como Brilliant somos la máxima expresión de la ritmo, considerado fuertemente escuchar la música. lo que permitirá la supervivencia de intuitivo, interés superior: Cherubini, Mehul, Classics y Naxos han demostrado que esto vida. México necesita mejorar su es un aspecto fundamental un arte queintegral se ha democratizado Stenhammar, Rubbra, Madetoja, también puede tener una gran de educación básica. A travésydel ESTIMULACIÓN DE LAS para este autor, ya que es la esencialo barato un público al que ynunca se de Sorabji, y algunos otros Ahora el estatus de la música alcanzado aprendizaje de la música del uso EXPERIENCIAS MOTRICES de lo Alkan, que él Litolff denomina un pulso vital,calidad. pensó que podría llegar. queque justificadamente comparten el no es otra cosa que el latido del La música cimienta bases también a métodos pedagógicos adecuados se espacio consiempre las polillas, insaciables deser través de las experiencias motrices, podrá preparar al niño para un futuro corazón presente en todo partituras. humano, y del que depende nuestra estimuladas mediante rimas, juegos lleno de nuevos retos. actividad como seres racionales. Todo este movimiento ha de Evidentemente, para elactual proceso conseguido Es licenciado en Psicología por la Universidad de Monterrey. Tiene experiencia de ocho años enseñaza derrumbar aprendizajelos de grandes la música, en radio y tres como jefe de la estación de arte y cultura Opus 102 (102.1 F.M.). Ha escrito mitos la historia música culta. estedepulso vital de selaconstituye en el diversos artículos musicales y culturales para revistas locales y nacionales y ha publicado Entre ellos, siguientes: punto delos partida. crónicas operísticas en la red. Es colaborador especial del periódico El Norte. Ha sido uno de
Ricardo Marcos G. David Josué Zambrano
LasEnmejores de “música otra de grabaciones sus obras titulada El valor clásica” se encuentran en humano de la exclusivamente educación musical,
nos deja en claro que la naturaleza
Titulado licenciado Música,Ópera Davidde Josué Zambrano es catedrático de la Facultad de de Música loscomo fundadores del en Proyecto Nuevo León y Consejero del mismo hasta junio 2007.de la Universidad Autónoma de Nuevo desdepara hacecursar 20 años. es Gestión el Director General del folleto Ha sido aceptado enLeón Barcelona unaAsimismo, Maestría en Cultural en 2008. cultural Desde Adentro, editado por la propia facultad. Tiene una Maestría en Artes, con especialidad en Educación y actualmente cursa los estudios doctorales en Ciencias de la Educación en la Universidad de La Habana, con una especialidad en educación musical infantil.
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Orquesta y juventud
conducir a la orquesta, no dirigirla, y, a la hora del concierto, no denigrar a la mĂşsica ni a los mĂşsicos inventando gestos inĂştiles para impresionar al pĂşblico. Siempre digo que lo ideal serĂa que, tal como en el cine o el teatro, el director fuera el conductor de la representaciĂłn, pero invisible para el pĂşblico. Para lograrlo efectivamente, primero debe ser un buen MĂşsico, asĂ, con mayĂşscula. Debe tener un respeto absoluto por la mĂşsica que escribieron esos grandes genios, sin los cuales las orquestas no podrĂan existir, y todavĂa menos los directores. La primera muestra de respeto es estudiarla a fondo, saberse la partitura. Luego, respetar a los MĂşsicos. Sin ellos, la batuta sola no suena, y, en mi experiencia, no importa con cuĂĄnto cuidado haya yo estudiado cĂłmo voy a querer el fraseo de un pasaje o el Solo de una obra en particular, para comunicarlo a los mĂşsicos: cuando son buenos, muchas veces lo frasean y tocan mejor de lo que yo nunca imaginĂŠ cuando estaba estudiando, y ĂŠse es el momento de dejarlos tocar, sin entrometerse. Cada vez, hay que sacar lo mĂĄximo posible del ensamble que uno tenga adelante. Esa frase despuĂŠs de un concierto deficiente que he oĂdo: “ese director es muy bueno, pero con una buena orquesta. Como esta orquesta no es buena, no puede hacer mĂşsicaâ€? es la peor falacia. No se deben dirigir las obras copiando una versiĂłn de un disco; hay que estudiar la obra como si fuĂŠramos a estrenarla, y que de nosotros dependiera que el pĂşblico la aceptara o la rechazara; ser plenamente consciente cada dĂa de lo afortunado que se es de tener la oportunidad de pararse delante de un grupo de artistas para que toquen para uno mĂşsica tan magnĂfica.
El futuro de la mĂşsica sinfĂłnica en manos de los mĂĄs jĂłvenes
Para terminar, quisiera agregar un pĂĄrrafo de un escrito que los extraordinarios mĂşsicos de una orquesta venezolana nos repartieron a un grupo de jĂłvenes directores en un curso de direcciĂłn. Se llamaba “Los Diez Mandamientos del Director de Orquestaâ€?. Era una burla muy dura pero muy certera, con las diez cosas que un director mediocre no debe Maestro Guillermo Villarreal hacer desde el punto de vista de los mĂşsicos. El Titular de la Orquesta SinfĂłnica Juvenil de Nuevo LeĂłn Ăşltimo pĂĄrrafo decĂa asĂ: “Sepa valorar los aplausos villatrev@gmail.com al terminar un concierto: si el pĂşblico lo ovaciona, es seguramente por una de tres causas: o Beethoven urante el primer semestre Gustavo sorprende al mundo conservatorio) dentro del proyecto de volviĂł a emocionarlos, o la orquesta tocĂł bien, o usted de este aĂąo, el mundo de la nuevamente, ya que a este Orquestas Juveniles de Venezuela. tiene talento para la danza. Si la orquesta lo aplaude mĂşsica recibiĂł una noticia nombramiento se aĂąade la direcciĂłn es seguramente porque ha hecho bien su trabajoâ€?. importante: La Orquesta FilarmĂłnica de la Orquesta SinfĂłnica Juvenil SimĂłn VENEZUELA, PRINCIPAL IMPULSORA de Los Ă ngeles anunciaba a su nuevo BolĂvar, de Venezuela (fundada por DE ORQUESTAS JU VENILES director artĂstico para la temporada JosĂŠ Antonio Abreu) y la designaciĂłn Los programas de orquestas juveniles 2009-2010: Gustavo Dudamel. El de director huĂŠsped principal de la en el mundo han tenido su principal impulsor en este paĂs latinoamericano; joven maestro Dudamel, con tan sĂłlo Orquesta de Gothenburg. varios paĂses han imitado el modelo 26 aĂąos de edad, serĂĄ el sucesor del en director el cual instrumento en de experimentado director Esa PekkaCon una agenda llena de conciertos Es actualmente de latocar Escuela el Superior de MĂşsica y Danza " #%! & ! ,#" & ' # , 0 ( )# 1" Monterrey, director de la Orquesta de CĂĄmara de la Facultad de MĂşsica grupo y tener una baja carga de teorĂa Salonen, quien se dedicarĂĄ de tiempo alrededor del mundo, es importante - $ %" &&#& "' % " ' - *** $ %" &&#& #! !+ de la UANL, y director adjunto y viola principal de la Orquesta de CĂĄmara musical en sus materias es una de sus completo a la composiciĂłn. saber que Dudamel naciĂł bĂĄsicamente Nuevo Milenio, de MARCO. (aunque tambiĂŠn estudiĂł en un principales caracterĂsticas.
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Claudio Tarris
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La música clásica
En México, este modelo fue iniciado por María Teresa Cortinas del Riego, a mediados de la década de los ochenta, al crear la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Tamaulipas. A finales de la década de los ochenta, bajo la tutela de Fernando Lozano (fundador de la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México y del Festival Internacional de Música de Morelia), el Programa de Marcos Orquestas, Licenciado Ricardo G. Coros y Juveniles de México Jefe Bandas de la estación de radio Opus 102comenzó ricardo.marcos@mail.nl.gob.mx con un proyecto muy similar al de Venezuela, con el liderazgo de la ecientemente leí un provocador Orquesta Sinfónica Juvenil Carlos artículo del crítico musical David Chávez y la iniciativa del director de Hurwitz en su sitio de Internet orquesta mexicano Eduardo Mata, en el que comenta sobre la “muerte” quien en aquel tiempo era el director de los clásicos. Hurwitz argumenta huésped principal de la Orquesta que la “música clásica” como tal ya venezolana. no existe, como consecuencia de la ampliación del mercado clásico, En este tiempo se crearon un buen accesibilidad de la “música clásica” a número de orquestas por todo el la sociedad en general, diseminación país, incluso en la capital la mayoría de ensambles y orquestas sinfónicas y de las delegaciones contaban con una el incremento de músicos con talento orquesta sinfónica juvenil. Sobreviven superior. Tomando algunas ideas de algunas de ellas, entre las que destaca Hurwitz, quisiera desarrollar dentro
la Orquesta Sinfónica Juvenil de la Delegación Magdalena Contreras, encabezada por el maestro Armando Zayas, quien fuera durante muchos años director titular de la Orquesta Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional.
en la sociedad actual
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música con jóvenes es el hecho de que en ellos no hay estereotipos, y están dispuestos en todo momento a aprender y experimentar. En México, el modelo ha tenido mucho éxito. Entre los ejemplos que se deben mencionar está el de Veracruz.
Directores consagrados como Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Zubin En Xalapa se encuentra una de las Metha, Sir Michael Thilson Tomas más sólidas agrupaciones juveniles de y Sir Simon Rattle se han acercado nuestro país, fundada por el maestro paulatinamente a estos proyectos (en Efraín Gugui (Q.E.P.D.), seguido por el caso de Abbado y Rattle han sido Luis Herrera de la Fuente y Antonio de un contexto local (mexicano), mis directores invitados de la Sinfónica Tornero. La Orquesta Sinfónica propios puntos de vista relativos a este Simón Bolívar en la etapa de Dudamel Juvenil de Veracruz (antes llamada fenómeno que es la democratización como director titular). Asimismo, hay Camerata Juvenil) se ha consolidado de la “música clásica”. Ciertamente el que recordar que Leonard Bernstein como una orquesta con repertorio rol de la música clásica en la sociedad y Herbert Von Karajan dirigieron a la profesional, que en 1997 debutó contemporánea ha cambiado sensiahora orquesta Gustav Malher (antes en el Palacio de las Bellas Artes, blemente en los últimos años. Orquesta de la Unión Europea) en con el ciclo de las nueve sinfonías de Beethoven, bajo la dirección de diversas ocasiones. MÚSICA CLÁSICA Herrera de la Fuente. Y ESTATUS SOCIAL DISPOSICIÓN DE APRENDER El adjetivo “clásico” se le añadió a la Este proyecto se ha derivado en una Y EXPERIMENTAR música culta en una época en la que En la voz de Claudio Abbado y Pierre orquesta–escuela que en la actualidad su adquisición era prácticamente Boulez, una de las ventajas de hacer cuenta con un edificio sede, ofrece limitada. Eran los tiempos de las
Supervivencia de un arte que se ha democratizado y alcanzado un público al que nunca se pensó que podría llegar
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Luego de establecer ciertos conceptos, licenciaturas ejecuciónexperimento: musical y, Botello (alumno fundador de esta realizaba elensiguiente ahora Escuela Superior de Música ponía un video sin sonido, de del tres agrupación) y la dirección artística de Estado de Veracruz, es un organismo célebres directores europeos (de cuyos Guillermo Villarreal. competitivo nacionalmente. nombres no puedo acordarme) y les decía a los asistentes que trataran de También es de destacar el esfuerzo maestro Armando Vargas Otro ejemplo tenemos en el Estado imaginar el lo tipo de música, tempo, del Guevara, quien fundó en 1990 la deintensidad México, y carácter, donde Enrique Bátiz por los gestos y Orquesta Sinfónica Juvenil de la Campbell ha apoyado la creación de muecas de los tres directores. una orquesta juvenil de calidad, bajo Escuela Superior de Música y Danza elEra selloevidente característico de la Sinfónica la diferencia en la de Monterrey. Asimismo, el maestro del Estado de México. precisión de los gestos y su amplitud. Juan Luis Rodríguez Trujillo fundó Uno de ellos guardaba total seriedad la Orquesta Juvenil de la Facultad de Aunque esta orquesta no esotro dirigida y concentración, mientras hacía Música de la UANL. Posteriormente, personalmente por elcasi maestro Bátiz,el este grupo sería dirigido por la maestra gestos y muecas ridículos; cuenta conmovía toda lael infraestructura de la María Teresa Gómez Huerta, Claudio tercero cuerpo al compás, orquesta profesional y un importante siempre sonriente. La primera Gabriel Tarris Poput, y Guillermo sistema de que les permite Villarreal. sorpresa quebecas se llevaron los asistentes a fue los cuando jóvenesles participantes informé quevivir los de tres lahabían músicaestado y prepararse para formar “tocando” (o bailando) Hemos hablado de los programas parte de unamúsica: orquesta la misma el profesional Scherzo deenla exitosos, pero hay que pensar que pocos años. Asimismo, Zapopan, no todo es “miel sobre hojuelas”: las Séptima Sinfonía deen Beethoven. Jalisco, ya desde haceidentificar varios añospor hanla orquestas juveniles tienen una “pata Cuando les pedí impulsado este programa. intensidad, justeza rítmica y resultado de palo” y es la falta de conocimientos musical cada audio con cada video, teóricos de los miembros de las Una de las de más estosenergía tres orquestas, que, si bien son excelentes resultó quesimilitudes la versión con programas plan de becas que y ejecutantes, muchos de ellos no saben la lograba es el el director más sobrio, tienen contemplado. Los miembros que había pequeños desajustes en el ni lo que están tocando. Es por eso deensamble estas con orquestas un que el reto de las orquestas juveniles el directorperciben de gestos más “apoyo económico” que en ocasiones explosivos. En una de las versiones, la de hoy es ampliar el conocimiento esentrada un salario mejormás quelenta el deyvarias iniciaba recién de las materias teóricas dentro del orquestas profesionales. ¿Cuáles son propio programa, para no crear una luego de tres compases, se emparejaba serie de “analfabetas” musicales en las ventajas para los estados? Una la orquesta (¡) orquesta de calidad a bajo precio. Y potencia, y sí finos músicos de atril, ¿cuál ventaja¿No para los jóvenes?todo El que es una de las carencias principales Pero,es la ¿cómo? dependía poder recibir una cantidad de dinero aquello de la marcación del director? de los conservatorios que pretenden por queextraño, ellos realizan Y, algo lo mas ¿cómoy disfrutan, era posible “formar” concertistas que nunca y que con si esoenla esencia realización de las trescontinuar versiones logran ejercer su carrera más que en con sus aestudios desarrollarse sonaban la mismay velocidad y casi bodas y eventos populares. profesionalmente. con el mismo carácter, los gestos de los directores fueran tan distintos que Otro problema en potencia que ELenCASO DE NUEVO LEÓN un principio no fue evidente que se presentan las orquestas juveniles es el Entratara el Estado de Nuevo de la misma obra?León, este de tener en su programa de becados músicos mayores 40 años,sin quela movimiento de orquestas juveniles a recreada por una de orquesta ocupan un lugar que debería ser para fue fundado bajo los auspicios intromisión permanente de un ARTES QUE EXIGEN DIRECTOR joven, ya gesticulante? que uno de los del DIF Nuevo y laa batuta del y un personaje Alobjetivos fin y al Dejemos esta León historia un lado, estos¿la programas es elsignificativa formar a los e maestro David García Moreno. De de cabo, labor más pensemos por un momento en cuáles jóvenes en la experiencia del este programa han surgido también de todas son las artes que requieren de un importante de un directorquehacer aquí importantes locales. estas disciplinas, ahora sí, para darle director: el teatro,músicos la danza, el cine y la orquestal. música sinfónica. En todas, la principal Algunos enpreparación, orquestas función se delencuentran director es la ensegún todosuMéxico, y otros tantos son visión, de la obra en el trabajo miembros de la orquesta profesional previo a la función. En las primeras detres nuestra ciudad. Enmomento la actualidad, disciplinas, en el mismo eldeprograma de orquestas, coros la representación, el director no y está bandas juveniles de Nuevo León presente físicamente en escena, A.porque B. P. ya cuenta concon el su liderazgo cumplió trabajo.de un patronato bajo la presidencia del Humberto J. percepción Garza, la ¿Noingeniero sería acaso ideal la dirección ejecutiva del ingeniero Óscar de una obra de arte sinfónica
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un criterio unificador y artístico, no se hace durante los ensayos y el trabajo de preparación? Sin embargo, se ha hecho una cultura de la imagen de un director de orquesta, de manera que culturalmente lo hacemos imprescindible.
ECUACIÓN COMPROBADA La formula “juventud + música = éxito” es una ecuación comprobada. Un ejemplo de todo esto es lo que sucede en la actualidad con una figura como la de Dudamel, quien con tan sólo 26 años de edad, se encuentra como líder de tres orquestas de calidad mundial. Y hay que recordar que Gustavo no se formó completamente en un conservatorio, como tantos directores… Se formó en un programa de Orquesta Sinfónica Juvenil.
con la interpretación de un famoso director de orquesta, quien se pararía delante del solista batuta en mano, e hiciera gala de todo el repertorio de gestos para indicar a Yo-Yo Ma su particular y genial visión de la obra? ¿Por qué oímos el sexteto la “Noche Transfigurada” de Schoenberg, u otra similar sin director, con total precisión y dramatismo, tratándose de una obra que requiere como muchas otras por su complejidad un criterio artístico determinado?
Guil ermo Vil arreal
Destacado promotor cultural, es director artístico de Orquestas, Coros y Bandas Juveniles de Nuevo León; ¿Qué opinarían ustedes si fueran a JERARQUÍA DE LOS ELEMENTOS titular de la Orquesta Sinfónica Juvenil de Nuevo León, y Director Asociado Permanente de la Orquesta quiero tratar aquí el aspecto escuchar Yo-Yode Ma, Sinfónica deaSantiago Cuba. por Obtuvoejemplo, el Premio a lasTambién Artes de la UANL en 2006, y el Premio Nacional de la Juventud 1997. Ha dirigido de 30Solo orquestas sinfónicas y de cámara Cuba y EU. Es de la jerarquía de en losMéxico, elementos interpretar alguna obra alrededor para Cello maestro de la Facultad de Música, y en 2002 publicó su libro Paulino Paredes Pérez.
la música siempre joven
Ingeniera Claudia Ordaz
Catedrática del Departamento de Comunicación / ITESM Ahora bien, quiero tocar un punto cordaz@itesm.mx fundamental en esta argumentación,
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Cuántas veces hemos escuchado en películas la frase: “eres bien música” o que alguien describe a una persona diciendo que: “siempre trae la música por dentro”. Porque, si eres bien música, eres “a todo dar”, y si traes la música por dentro, eres alegre. Y es que la música siempre es un pretexto para celebrar y fortalecer relaciones de amistad o de amor; para destacar la tristeza, el fracaso o alguna decepción amorosa. Lo cierto es que la música se origina en la necesidad de narrar hazañas históricas cantadas –mediante el cantar de juglares- o cantar algo sucedido, ya sea trágico mediante ópera- o narrar cosas que a la mayoría de nosotros nos suceden, ya sean alegres o tristes, para hacer de la música una expresión de arte universal.
para llevar la de idea que acabo de con influencias la música apalache, exponer a un plano aún más concreto: gospel y western. Y aunque muchos no durante mis más de sino 20 sólo añosruido, de la consideran música, actividad como músico de orquesta, y la realidad es que se trata de uno de habiendo ocupado el puesto de Viola los géneros musicales que más ha principal durante mitad de ellos, he evolucionado enlalos últimos 30 años. tocado la totalidad de las sinfonías y El término rock and roll fue utilizado obras importantes de repertorio de la pro primera vez en los Estados Unidos mayoría los compositores del siglo en una de estación radial en Cleveland, XIX (y claro, clásicas, del siglo y durante los años cincuenta, porXX Alan contemporáneas). Las de Beethoven, Freed, pues tituló a su programa de Brahms, Schubert, Schumann, radio “Moondog Rock and Roll”. Elpara rock mencionar algunas, las estilo he tocado and roll surgió como un musical varias veces, y algunasHay másquienes de diezle en Estados Unidos. veces. Esto implica haber ensayado atribuyen el crédito de precursor a Bill cada obra días cada Halley, condurante su “rola”varios Rock Around the vez. Clock –que tanta influencia tuvo en John Lennon. Otros consideran que ¿ES fueNECESARIO Elvis Presley.EL DIRECTOR? Tomemos ahora una orquesta profesional como la de Hamburgo, SUBGÉNEROS Viena, ustedes cuántas Cada Boston uno de ¿Saben los subgéneros del rock veces han tocado ellos unaentre obrasí, se pueden mezclar sutilmente como la Quinta de Beethoven la y pueden rescatar elementos deocada Segunda desubideologías, Brahms? Decenas de una de las lo que hace veces, y las han trabajado cada vezy del rock una música multicultural con los mejores directores del rica en pensamientos, sonidosmundo. e ideas. Técnicamente, obras no del ofrecen He aquí los esas subgnéneros rock: ninguna dificultad orquestas rockability, pop rock, que rock psicodélico, como puedan fácilmente garageéstas rock,no rock sinfónico, rock superar. ¿Ustedes creen que progresivo, jazz rock, glamrealmente rock, hard necesitan de un director para poderlas rock, punk rock, punk, gothic rock, tocar de principio a fin con una calidad krautcrock, heavy metal, new wave, sobresaliente? ¿No son rock estasalternativo, obras tan post punk, soft rock, insuperables y perfectamente escritas noise, shoegazing, grunge, brit pop, como para que cualquier músico dream pop, emo, geek rock, que post serock, respeta las ácido, entienda y lasen sienta con rock rock español, todo dramatismo rock o energía? rocksu experimental, instrumental,
Y es que, como disciplina de las bellas artes, la música las acompaña a todas: a una pintura, la embellece; al cine, lo hace más real; está íntimamente ligada con la literatura; hay diversos poemas hechos canciones -poesía de Mario Benedetti, por mencionar alguno cantado por Nacha Guevara. que hacen el fenómeno de una Incluso el legendario Jim Morrison, interpretación sinfónica: vamos a líder de la banda The Doors, antes suponer que contratamos mejor de convertirse en cantante la y músico, orquesta delymundo. cuán era poeta, mucha No de importa su poesía fue buenos músicos sean, si los atriles musicalizada. Y es que música hay de están serán por toda vacíos, y paraellos todos los incapaces gustos: ópera, síclásica, mismosblues, de articular ni 10 segundos jazz, boogie, ranchera, de buena Contratemos ahora pop, rock,música. cumbia, ballenato, country, alsamba, mejorsalsa, director del mundo, sin etcétera, que se mezclan, visual, kei. ¿De qué otra manera se puede tocar partitura y sin orquesta: nada puede evolucionan y crean nuevos ritmos. elBANDAS último REPRESENTATIVAS movimiento de la Cuarta hacer. de Tchaikovsky, si no es con todael INFLUENCIAS EN EL En los años cincuenta surgió la energía y explosividad posible? En un arte tan complejo como el ROCK AND ROLL género, con Chuck Berry, Little un director que nos sinfónico primero el requerimos Y precisamente rock andque rollun se ¿Necesitamos Richard -rocka negro-, Ritchie Valens, estimados maestros, se compositor organice magistralmente originó tomando influencias de los diga: Buddy Holly, Big Bopper, esto y el rey toca muy fuerte y con toda la energía los elementos para darle coherencia blues, la música country, boogie y jazz; y claridad a la obra. Seguidamente, posible? Pueden creerme que no, y si
del rock, Elvis Presley, oriundo de Graceland, Tennesse, donde una predominante población negra influyó definitivamente en su música; en los sesenta aparecieron Los Beatles, Los Rolling Stones, The Who, Jimi Hendrix. y The Doors; en los setenta, Pink Floyd, Led Zeppelin, Black Sabbath AC/DC, Deep Purple, Génesis, Queen, Alice Cooper, Aerosmith, Kiss, Judas Priest, Scorpions, The Ramones, Sex Pistols, Van Halen; en los ochenta, Blondie, The Police, Def Lepard, Motley Crue, Tars for Fears, Boston, Duran Duran, Poison, Bon Jovi., Guns and Roses, Twisted Sister, REM, Metallica; en los ochenta se fortaleció el rock hiciéramos el experimento, el hecho en español, aunque ya tenían sus de tener que orígenes una tocar décadasolos, antes.poniendo Nacieron un especial cuidado en escucharnos grupos como Soda Stereo, Caifanes y y en sentirnos unidos, luego algunos los noventa, Fobia, Caféde Tacuba, Los ensayos para acostumbrarnos (como Amantes de Lola; en Estados Unidos, loKorn, requerimos con Limp un director) le Linkin Park, Biskit, Green daríamos a esa interpretación una Day; en Europa, Oasis, Blur, Pulp, energía totalmente renovada, e Suede y Cold Play. imposible de lograr con un director alEl frente. Cualquiera que musical, ha hecho rock, siendo un género ha música de cámara a un muy alto nivel tenido impacto social. En los sesenta, loescuchar sabe. Esrock mas, interpretación eraesa un modo de vida y sería tan válida artísticamente como de identidad; fue en esos años cuando lanacieron de cualquier director. festivales de importantes
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Rock,
y como consecuencia de esa mágica interdependencia del arte musical entre el creador y el intérprete, los músicos, adiestrados durante décadas, deben ser capaces de hacer sonar sin error las ideas graficadas por el compositor. El director realmente es el último de los elementos necesarios para que se lleve a cabo el mágico momento de la recreación de la obra.
rock en el mundo: Woodstock, en Resumiendo: toda Rock obra sinfónica bien Estados Unidos; sobre Ruedas, escrita tiene la indicación del tiempo al en Avándaro, México; por mencionar que sealgunos. debe tocar, la desiempre las partes sólo El rock ha que sido deben tocarsepara fuerteexpresar y suave, libertad. dónde un medio crecer, dónde tocar apasionadamente, No suena absurdo que sus orígenes enérgicamente; cuántos compases se remonten por influencia negra deben dejarse sin tocar (y si el músico a una población desfavorecida en selostoma la molestia contar esos Estados Unidos,de que clamaba compases, podrá a entrar Para sin precisamente porvolver eso: libertad. ninguna indicación del director), cantar rock se necesita ese desenfado y que cuando director pierde tocar (en tienenellos buenos se rockeros; directores de bajo nivel eso sucede, la guitarra, el bajo, la armónica, la lobatería he visto, creerme)componer son los y pueden los teclados; músicos los que salvan el concierto, y letras irreverentes o profundas; de eso ni actitud. el público Para ni los críticos se tener escucharlo, dan cuenta.lector, se requieren ganas de estimado rejuvenecer y adentrarse en un mundo EL DIRECTOR FUNCIÓN lleno de vibraYy SU música que tiene más Esdetiempo de reconocer, sí, hará finalmente cincuenta años. Eso lo a usted loinevitablemente reconozco, quemás con joven. obras grandes, complejas y que requieren de orquestas muy numerosas, o para el acompañamiento de solistas, la guía de un director competente se hace absolutamente indispensable. Obtuvo su maestría en Educación, con Especialidad
Claudia Ordaz
en Literatura, por el Tecnológico de Monterrey; es
catedrática y escritora;la forma parte dereal la Sociedad ¿Cuál es entonces función del de Escritores de Nuevo León, autora delsu libro director? Transmitir a losy es músicos Caracolas. Actualmente escribe Paloma querida. visión de la obra durante los ensayos,
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es la información más necesaria, y todos estos estímulos, lentamente, hasta por lo menos los seis años, van plastificando nuestro cerebro; les dan forma a los caminos que luego recorrerán los pensamientos y los sentimientos. El oído es la puerta de entrada al mundo interior, y la música es una luz que nos va mostrando las maravillas que estaban ocultas, incluso a nosotros mismos. ¿Cómo podemos, sistemáticamente, ignorar un sentido que nos da tanto y darle primacía a otro que, incluso, con frecuencia, nos engaña? Sólo la conciencia de un su existencia, Pintura Egipcia sobre arpista importancia y desarrollo nos podrá salvar, y en esto la música es nuestra Milton Maciel Mata Guerrero mejor aliada. miltonmata_271084@hotmail.com
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EL INTERIOR a música puede definirse como el El compositor Aaron arte de combinar los Copland, sonidos deen la su libro Cómo entender la música voz humana o de los instrumen(ediciones del simultáneamente. FCE) desarrolla una tos, o de ambos teoría tal, que su sola concientización nosmúsica acerca abásicamente la música hasta un grado La consiste en insospechado. Divide la experiencia una sucesión de sonidos modulados sonora tres niveles (sólo a modo que se en caracterizan por contar con de estudio; realidad se dan melodía, ritmo en y armonía. simultaneos). La humanidad ha hecho uso del El primeropara es elpoder sensual: el sonido lenguaje comunicarse, tiene también un efecto, o menor, pero pero hamayor utilizado la música insoslayable, definitivo, en cada uno como medio para poder expresar de nosotros, en nuestros sentidos aquello que piensa o siente. inmediatos. Si en este momento sonara unamúsica nota en sea que estemos, La es donde una expresión artística todo nuestro cuerpo reaccionaría presente en todas las culturas ante del ello. Esta está en lacomo sangre, mundo; es,reacción quizá tan antigua la en cada célula. Frente a este efecto humanidad misma. básico, primario, nada podemos hacerGRANDES aparte de aceptarlo y, sobre LOS COMPOSITORES todo, reconocerlo; disfrutar del oleaje Todos los seres humanos tenemos de sonidos que nos llegan (no sólo una idea de lo que es la música, pero musicales). algunas Hacernospersonas conscientes del solamente poseen mismo es un pequeño esfuerzo que algún talento musical. De entre todas nos integra de golpe al aquí ahora, aquellas personas dotadas deytalento tan necesarios para sentirnos vivos. musical, muy pocas poseen un gran talento. Sin embargo, en este primer nivel estamos la mayor del día A lo largo de laparte historia de sin la apenas prestar atención, bañados humanidad han existido grandes todo el tiempo un mar de compositores de por música, como sonidos que, aun así, condicionan Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig nuestros sentidos, sin notarlo.Chopin, No nos van Beethoven, Frédéric comportamos igual con toda la música Johann Sebastian Bach, entre otros. queobra suena; automáticamente nuestro La de los grandes compositores cuerpo reacciona y se comporta de música es un legado invaluable de
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El lenguaje musical,
según estemos condicionados a esa com todas mis fuerzas; se me vuelve música en particulár. Esta manera de humo si lo intento explicar en detalle oír nos lleva incluso a creer en falsas (tiene más sentido la labor eterna de asociaciones: Vivaldi es igual a un Sisifo que explicar la emoción de la carro de lujo; con Beethoven, además experiencia artística). No tiene caso. No del lujo, tendremos el poder. Todo esto vale tampoco que la intente compartir es simple manipulación de medios; con la persona que más ame sobre jamás ningún compositor serio (en la tierra; no lo voy a lograr. Tal vez cualquier género) compuso por porque cumple otro cometido... ninguna otra razón que su necesidad de comunicarse com otros seres El arte, me parece, libera. humanos; de sacar, mejor dicho, de exprimir su alma y dejar ese destilado La música, en particular, siendo un entre nosotros. Ser conscientes de esto arte abstracto, habla directamente al nuestra civilización, que ha perdurado nos acerca a otra manera de escuchar, alma, a la de cada uno, con su propio por generaciones, y seguramente así bagaje de experiencias y significados; más provechosa. será por siempre, ya que estos grandes nos dice sólo lo que , personalmente, compositores han sido inmortalizados, El segundo nivel es con mucho el más podemos entender, y nos lleva tan y su música ha llegado a formar importante: el emotivo. La música lejos como sólo cada uno de nosotros parte del patrimonio cultural de la entra por los oídos y, por así decirlo, podemos llegar. No se ve limitada por humanidad. baja hasta el alma; ahí provoca toda el lenguaje y su concreción, por la la gama de emociones imaginables e forma o el color, ni mucho menos por NATURA, LA MAYOR ARTISTA inimaginables; aun aquellas que no la erudición y otras trampas. Es todo o El diccionario define Arte como: sabíamos poder sentir, despiertan al es nada; es viento fresco en el rostro o “La virtud, el poder, la eficacia y la llamado de la música: alegría, ira, paz, soplo divino en el espíritu; lo es para habilidad para hacer bien una cosa”; angustia, felicidad, tristeza, poder, cada quien, sin que tengamos que entonces, podríamos considerar a la nostalgia... y sus miles de matices y preocuparnos de ello; no tiene que ver Naturaleza como la mayor artista, ya derivados fluyen, puros, conforme con nuestros complejos ni estudios, que cumple con las características fluye la música y levantan a nuestro sólo con nuestras experiencias de vida; anteriores. espíritu adormecido y entumecido por ganamos muy poco comprendiendo la la cotidianeidad; éste, para mí, es el forma en comparación con el todo que La Naturaleza es capaz de Triumph des Scipio, Andrea Mantegna principal objetivo de la música, por el obtenemos permitiéndonos, casi diría proporcionarnos “obras de arte” que tanto se esfuerzan compositores forzándonos, a vivir el contenido. naturales, y lo único que tenemos que e intérpretes, el verdadero mensaje LA MÚSICA Y SU EFECTO hacer es apreciarlas. de las musas, un leve toque, sí, más La música libera porque, al remover Al escuchar piezas musicales, algunas sagrado, que nos hace sabernos nuestro espíritu, nos pone en contacto Un pintor, por ejemplo, utiliza unas nos producen un sentimiento de vivos y nos recuerda lo que de veras con nuestras emociones y sentimientos; cuantas pinturas de diversos colores alegría; tristeza nos producen otras; o sea, esencialmente, con nosotros importa: el interior. para realizar su obra de arte; pero la otras simplemente nos brindan una mismos; la música es la llave a nuestro Naturaleza utiliza millones de matices sensación de paz. En el tercer nivel, complementando, universo interior; su mensaje va más distintos, para plasmar sus grandes se encuentra, para Copland, el allá, porque nos vuelve a relacionar creaciones artísticas naturales. Un Este efecto que la música tiene sobre conocimiento; es el plano intelectual: con lo que verdaderamente somos: escultor, por ejemplo, es capaz de nosotros se debe a que la misma es seres humanos; y recordemos comprender para disfrutar... más. crear obras artísticas tridimensionales, un medio de expresión; es decir, que, antes de ser cristianos, judios, pero la Naturaleza no sólo es capaz el compositor, mediante sus obras musulmanes, abogados, músicos, EL MENSAJE de hacer lo mismo, sino que además musicales, posee la capacidad de El arte es una experiencia personal, empresarios, esposos, hermanos, hijos, es capaz de crear esculturas vivientes; transmitir a quienes escuchan su individual y única; el más grato padres, incluso antes de ser mujeres música un mensaje, gracias a que el es decir, los seres vivos. momento, el más sublime y perfecto; y hombres, somos seres humanos; el compositor imprime en su obra algo no lo puedo compartir, así lo desee mensaje es para nosotros. Un músico, por ejemplo, haciendo uso de sí mismo, ya sean sentimientos, de uno o más instrumentos musicales, circunstancias, pensamientos o ideas. logra conseguir una infinidad de sonidos distintos, pero la Naturaleza nos brinda una inconmensurable cantidad de sonidos musicales; un ejemplo de ello sería el bello cantar de las aves, el hermoso canto de Es egresado del Conservatorio de Música. las ballenas, el sonidoNacional de las hojasSe especializa en dirección orquestal con el maestro Félix Nació 27 de octubre de 1984 en la ciudad Carrasco, y hapor tomado de especialización bajo las batutas deelGuillermo Salvador, Fernando Lozanodey empujadas el cursos viento o el sonido Guadalupe, León. autor de artículos de Francisco Savín, entre otros. En 2006 fungió como director concertador deNuevo ‘La Scala di Es Seta’, ópera de Rossini. del agua que fluye por su cauce. divulgación científica de la Revista Conocimiento.
tan antiguo como la humanidad misma
Milton Maciel Raúl Guerrero Gutiérrez Mata
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La dirección de orquesta
desde otro
ángulo Maestro Claudio Tarris Director de la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey claudiogt@hotmail.com
E
ste artículo tiene el propósito de analizar la tarea del director de orquesta desde otra óptica. Los puntos de vista que expongo no son los que el público generalmente espera acerca de la importancia real del director de orquesta, ese personaje aparentemente enigmático y poderoso. Por otra parte, es mi idea personal de a lo que aspiro como director, y, por último, de mi experiencia de más de 20 años como músico de atril de varias orquestas sinfónicas profesionales.
Corresponder al regalo
Comencemos, pues, con algunos de los argumentos más difundidos entre el público en general sobre el trabajo de un director de orquesta: él es imprescindible para conjuntar la suma de voluntades diversas que componen una orquesta; él establece criterios como el tiempo o velocidad de la música, si debe sonar fuerte o suave. Si no llegara a dar las entradas, los músicos no sabrían cuándo tocar y se perderían; Escrito por Ivy Nevares de sus gestos dependen la energía, el crecimiento o decrecimiento en el Conceptos de Keith Raniere volumen de la orquesta; los músicos solo leen una parte de la música; en cambio, el director tiene la obra completa en su partitura, y sólo él Silencio puede dar la intención de lo que el compositor escribió; el director debe saber tocar todos los instrumentos de la orquesta, etcétera, etcétera. Antes de la luz y la oscuridad, el dolor o el placer, antes del sentir, el pensar, o la identidad llega la más primitiva experiencia delDIRECTOR sonido. Es lo que da la bienvenida a las semblanzas mismas de la vida humana, y quizás lo último que MITOS DEL lasDE despide. La primera instancia (paaaa, un bajo profundo, solemne) rompe la monotonía del silencio, trayendo consigo ORQUESTA el Desafiaremos primer contraste, la primer dualidad,por la primera sonido, silencio; cosa, ausencia de cosa; ahí, ahora y luego al lector comenzando declarar identidad: que ninguno de estos no. Sólo instantes después de que esta preciosa semilla del sonido es argumentos es verdadero. Tal vez alguno, pero muy parcialmente. sembrada en nuestras células (quizás en nuestras almas) le sigue otra, y otra, y otra, floreciendo juntas, orquestando la música primordial. Podríamos analizar y discutir cada uno de ellos por separado, pero Sonido, silencio. silencio. Sonido, Sonido, silencio...hace creo que es másSonido, interesante compartir lassilencio. siguientes experiencias: varios años impartí una serie de conferencias con el tema “Los Mitos del Pa,director pam. Pa, Pa, pam. Pa, pam... de pam. orquesta”, que trataba precisamente esta problemática. El corazón del sonido del corazón.
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Dualidad musical impetuosos con los de
historia. Uno podría incluso decir que el
las sinfonías de delaBruckner, y algunos carácter descubrimiento voz humana como momentos importantes de las melancólico. La música es la puerta incorpórea a un instrumento es científico por naturaleza. sinfonías de Mahler. mundo superior de conocimiento Estos dos aspectos de su personalidad El surgimiento de la tecnología ha permitique comprende a la humanidad pero que tercer movimiento de la sinfonía los manifiesta el mismo Schumann doElque la humanidad no puede comprender existan técnicas de manufactura Renana es lírico y contemplativo, y en las figuras simbólicas de Florestan más eficientes y rápidas para que podamos en el cuarto hallamos una referencia y Eusebius. En casi toda la música – Ludwig van Beethoven duplicar con precisión lo que los antiguos anecdótica muy directa. En este Schumanniana hay una gracia refinada maestros creaban en los instrumentos movimiento entran por primera vez y una riqueza rítmico-melódica que no Soy de la opinión de que todo lo que forma musicales. Sólo hace poco más de quince en la obra los trombones y entonan es frecuente hallar en las obras de sus parte de la existencia humana puede ser años, cuando empecé a estudiar el clarinete, contemporáneos. entendido en términos de ciencia y arte. recuerdo que mi madre y yo tuvimos que La ciencia y el arte, en esencia, son los Sus dos méritos principales son: el conceptos base de la percepción humana. haber llevado la música de piano a La ciencia, como la define Keith Raniere, una altura extraordinaria, usando este es “una metodología que en su naturaleza instrumento como un verdadero poeta; y definición es reproducible”. A través de y el haber igualmente llevado el Lied a la ciencia, somos capaces de identificar un grado de perfección suma. y cuantificar los fenómenos sobre los cuales ejercemos nuestra percepción. Nos Su influencia como pianista y como permite hacer distinciones, mediciones, compositor de Lied ha sido enorme, evaluaciones, hipótesis, experimentos, no sólo por la novedad de su técnica, etc. “Arte”, según él dice, “es lo que que es original, sino por el contenido experimentamos como la expresión de un ideológico y sentimental que encierra individuo que no es científica. Es algo que siempre su música. Brahms es uno de no es completamente cuantificable”. Visto los compositores que ha sufrido más así, el arte es todo lo que la ciencia no es directamente su influencia. y quizás puede “conocerse” mejor en las formas más puras de experiencia humana.
SINFONÍA NÚMERO 3 EN MI BEMOL, RENANA, OPUS 97 Examinar la ciencia y el arte de cualquier coHacia 1850, Schumann fue nombrado sa nos lleva a entender más profundamente director en Dûsseldorf, un corto a la cosa en sí; esto, a su vez, nos lleva a periodo en el que compusiera su entender más profundamente la ciencia y Concierto para Violoncello y la Sinfonía el arte. Ultimadamente, a través de estas Renana. Esta obra debe su titulo al exploraciones llegamos a entendernos ambiente germánico de la Región del mejor a nosotros mismos. La música, en Valle del Rin, siendo un gran logro este sentido, es un maravilloso sistema de en el contexto de la música alemana estudio. de su tiempo. Asimismo, Schumann La ciencia de la música, como lo sugiere aplica a la denominación de sus cinco Raniere, de ciertas maneras captura el arte movimientos, la terminología alemana de la música. Podemos entender la ciencia como sigue: de la música en términos prácticos, desde
llevar a cabo una cuidadosa búsqueda para encontrar un instrumento de buena calidad en nuestra ciudad. Sólo puedo imaginar lo que una persona en mi posición tenía que hacer (y cuánto tenía que pagar) para adquirir el mismo instrumento hace cien años. Hoy, es posible entrar a una tienda departamental y comprar un clarinete por menos de $200 dólares. Avances en la computación también nos han permitido vencer las limitaciones mismas de nuestros instrumentos. La física del violín y su ejecución (cómo se afinan y se acomodan las cuerdas, cómo movemos nuestros dedos sobre el instrumento, la velocidad con la que movemos el arco sobre las cuerdas, etc.) naturalmente hace muy difícil o prácticamente imposible producir ciertos patrones de música. Hoy, con darle a un sintetizador digital unos pocos comandos, podemos crear patrones usando “sonidos de violín” que son imposibles de producir en el instrumento real. De igual manera, algunos instrumentos electrónicos nos permiten expandirnos más allá del rango tonal natural de un instrumento y crear sonidos que jamás han sido escuchados antes en este planeta. Los instrumentos electrónicos, las computadoras, y la música digital, de cierta manera, se han convertido en las expresiones más plenas de la ciencia de la música: nos permiten crear, grabar y reproducir música con gran exactitud y de manera reproducible.
Nuestras computadoras actuales son una melodía solemne, de contornos capaces de generar música; pueden crear góticos. Se dice que esta melodía fue patrones de sonidos de ciertas maneras e creada por Schumann con el recuerdo incluso crear temas hasta cierto grado. Sin de una ceremonia religiosa en la que un embargo, su absoluta precisión y exactitud obispo fuera investido como cardenal en la producción de sonido contrasta con en la catedral de Colonia. lo que los humanos producimos. Algunas personas quizás dirían que la música La sinfonía Renana fue estrenada producida por un saxofonista tiene “alma el 6 de febrero de 1851, bajo la propia”. Cada individuo trae a su ejecución batuta del compositor y, como es individualidad y variaciones, haciendo que históricamente conocido, el estreno los sonidos producidos sean intrincada y no fue tan brillante como pudiera sutilmente diferentes cada vez. Algo tan haber sido, ya que, una vez más, simple como la forma en que un saxofonista Schumann demostró escaso talento sopla en su instrumento nos permite para la dirección orquestal. Un par distinguir entre dos diferentes ejecutantes. de años después, Schumann se vería Si escucha a diez violinistas tocar la misma obligado a renunciar a sus actividades pieza, cada músico expresa a través de la como director de orquesta, y se pieza lo que Keith Raniere llama “el arte iniciaría la última, dolorosa etapa de de la personalidad”: una huella única de la enfermedad mental que habría de expresión. Esta huella, se podría decir, es el perdurar hasta su fallecimiento. arte de la música. Es difícil de determinar si alguna vez podremos producir la forma ANÁLISIS DE LAS OBRAS más “pura” de música humana únicamente Esto es lo que hago yo con todas las a través de la ciencia. Tal proeza requeriría obras que dirijo. Tomo todo el tiempo una computadora que pasara la prueba de que me lleve analizar cada obra, hasta Turing, por lo menos en lo que a la música terminarla y así sentirme listo para respecta.
estar frente a la orquesta y el público. La idea es la excelencia, no sólo cuando Además de crear instrumentos más estoy sobre el pódium, trabajando con precisos, la ciencia también ha facilitado la orquesta, sino todos los días, en mejoras en la técnica de ejecución musical. la tranquilidad de mi estudio (que es En el pasado, tocar música siguiendo un para mí como el laboratorio para el ritmo consistente era considerado un arte científico), para estar preparado. porque se basaba en la capacidad interior
del ejecutante de llevar el tiempo. Hoy en Uno nunca deja de aprender, aundía, el secuenciador de una computadora que nunca llega a saberlo todo. Así nos permite tocar música con exactitud. como los científicos no se dan por Otro ejemplo es la respiración circular o vencidos ya que siempre buscan rotativa, utilizada con algunos instrumentos hacer nuevos descubrimientos, los de aliento. La técnica, que se logra músicos siempre estamos buscando respirando por la nariz mientras se sopla nuevos caminos hacia la excelencia en por la boca utilizando aire almacenado en nuestro arte. Por esa razón he tenido las mejillas, permite al ejecutante producir lo más importante, que es felicidad un sonido continuo sin interrupciones. interna y externa al dedicarme de Naturalmente, la técnica ha resultado muy tiempo completo al conocimiento de útil para muchos músicos profesionales. Es la buena música. interesante notar, sin embargo, que pocas piezas musicales compuestas antes del siglo XX requieren respiración circular. Se dice que la respiración circular puede haber sido desarrollada como medio de supervivencia por encantadores de serpientes en la India: cualquier interrupción en los relajantes tonos de sus instrumentos hubiera podido causar a una interrupción en la música más bien permanente.
la creación de instrumentos musicales que Lebhaft (vivo) producen sonidos de manera consistente y Scherzo: Sehr massig reproducible, a la actual orquestación de (muy moderado) sonidos en una obra con el potencial de Nicht schnell (no rápido) llegar, a final de cuentas, a conmover a los Feierlich (solemne) escuchas de una cierta manera. Estos dos Lebhaft (vivo) ejemplos de hecho capturan las dos manos Estos tipos de avances en la ciencia de de la ciencia de la música: los instrumentos la música naturalmente traen a colación Los movimientos primero y quinto son ciertas cuestiones con respecto al arte y la música en sí. brillantes y expansivos y, sobre todo de la música. Suponga que escucha una en el primero, la heroica tonalidad de Él hace una comparación entre los pieza de saxofón producida por una mi bemol mayor es categóricamente computadora, y la misma pieza ejecutada instrumentos musicales y los colores en afirmada por los cornos y trompetas. El una paleta. “Si nos hacen falta los medios por un saxofonista. ¿Le resultan iguales? segundo movimiento tiene el carácter para crear el sonido, no podemos crear ¿Se sienten igual? ¿Qué tal si escuchara la de un Landler, danza campesina música con ese sonido.” La ciencia ha sido misma pieza de música interpretada porde la Orquesta Sinfónica del Estado de México y fue director El maestro Bátiz es actualmente director austriaca de la que derivarían, entre dos saxofonistas responsable de la creación y desarrollo diferentes? parecen La segunda mano de la de Sinfónica la música fundador de la misma en el año de¿Le 1971. Es asesor musical y director invitado de ciencia la Orquesta de la otras cosas, algunos elementos de iguales Universidad de Guanajuato. de la ciudad México durante ocho años, y es de instrumentos musicales a través de la o se sienten iguales? Fue director de la Filarmónica es la música en sí:desu lenguaje y estructura.
Enrique Bátiz
vals, y de los tríos de los Scherzi de
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huésped permanente de la Royal Philharmonic Orchestra, de Londres.
la letra de una canción, pero siempre puede entender la música. Con respecto a su estructura, hemos cuantificado y clasificado ciertos elementos de la música, como los acordes, ritmos, tonalidades, texturas, colores, etc. Componemos música a través de la ciencia al combinar estos diferentes elementos. Podemos incluso ahora indicar a un programa computacional que genere composiciones. Nuestra música hoy tiene un nivel de precisión, duplicación
y fabricación inconcebible hace incluso veinte años. A través de la ciencia, hemos creado una forma enteramente diferente de crear y organizar sonido.
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La música, según Keith Raniere, es sonido organizado (al sonido desorganizado lo identificamos como “ruido”). Sus principios organizadores son la base del lenguaje de la comunicación, y también parte del mensaje comunicado. Si percibimos estos principios organizadores hacemos del sonido música. Al compartir esos principios organizadores con alguien más, se vuelven una ética mutuamente percibida (estructura de percepción y / o cognición). La música, como las matemáticas, es un lenguaje universal: uno podrá no entender
A final de cuentas, la ciencia toma las creaciones (el arte) de los pioneros de la música y las captura para el resto de nosotros y el resto del tiempo. Cada persona tocada por estas creaciones musicales se vuelve un descubridor; una vez descubierta, a la música se le puede impulsar, embellecer y transmitir.
Overtura de percepción
LLAVE
Imagine tomar a alguien que vivió hace apenas cien años y llevarle por unos minutos a Times Square en la actualidad. ¿Puede imaginar las diferencias que esta persona percibiría en cuanto a datos sensoriales? Decir “sobrecarga sensorial” sería insuficiente.
La
En nuestra cultura actual, estamos acostumbrados a oír una miríada de ruidos y música, los cuales se han vuelto parte de Maestro Gutiérrez nuestro Raúl repertorio natural. Tristemente, Director asistente de con frecuencia nola OSUANL tenemos una plena draul.gutierrez@gmail.com apreciación de nuestro repertorio. Recientemente mi mentor me preguntó EL VIAJE había escuchado la Novena Sinfonía Lasi música y la suerte me llevan de Beethoven. Mi primera respuesta fue, nuevamente a Portugal. Desde que “¿Quién no la ha escuchado?”. Conforme início el vuelo me abandono a ese mar expresaba sus experiencia deélrumores, de opiniones sonidos, yde idiomas:de la Novena, noté cómo inglés, a mí no me resultaba francés, portugués, italiano... tan conmovedora como él la describía. otros que no reconozco, y un sinfínYo que,para hasta punto, tema desentía matices el cierto español; y eneleste era cliché. Después de unos momentos delicioso sopor, como piedra que cae unapozo. de las mi primeras veces que al recordé fondo que de un oído va más escuché la pieza cuando niña adopté esta allá... opinión de un adulto que la expresó. La jamás me detuve a examinar lo que LAverdad, CAÍDA yo realmente o cómo esta pieza Primero, en sentía la superficie, son losme conmovía. Lo siguiente que ocurrió en murmullos que se van diferenciando,mi conversación con mi mentor, por supuesto, como islas; los leves gritos de las inspiró en mí unaelovertura percepción. voces apagadas; susurrodedel hablar
franco. Después, van tomando forma la época de Ludwig van lasConsidere conversaciones; se puede reconoBeethoven. Era la cumbre del clasicismo cer si son serias o informales, forzadas delysiglo XVIII, sus pilares las obras o musical fluidas... poco a poco se percibe, de grandes maestros como Mozart, Haydn leve, vagamente al principio, pero cada y Bach. El público se había acostumbrado vez con más fuerza, lo que no se dice, a la estructura prevaleciente en el período.laLa pero da cuerpo a la comunicación: música expresaba un cierto sentir, teníala una persuasión, la imposición, el cariño, cierta textura, erano predecible. aceptación, la patrones, defensa... necesitoSe podría decir que había ciertas reglas que la
entender el idioma para intuir, mucho más allá, las intenciones humanas, no de raza, credo ni siquiera género, simplemente humanas, las que han movido el mundo y sus culturas desde siempre. Finalmente, tocando fondo, al terminar la caída, las emociones que conllevan. Las emociones que todos poseemos, las que nos agitan cada día, el cuerpo de los sueños .... Es aquí donde entra la música, el destilado de emociones más puro y perfecto, el más concentrado extracto de sentimientos hecho sonido; claro, no podía ser de ninguna otra manera, sonido y sólo sonido. LA CAÍDA del períodofue seguía Enmúsica el principio el fervientemente. verbo. Una Beethoven no estiró reglas; las traducción, no sólo usada por las impráctica, rompió. consideraban pero literal,Muchos dice: “en el principio que es losu música era extraña, misteriosa, e incluso que se oye”; también “lo que suena”. temible. personas Son tantasSupuestamente, las religionesalgunas y mitologías no hacen queríanaudibles que las mujeres lo escucharan que a sus divinidades tocar, temiendo fueran seducidas mucho antes deque hacerlas visibles; por y la magia de su música.
hay, me parece, una razón de peso. El sonido va directo al fondo del alma, y frente a esto estamos indefensos; vivimos con los oídos abiertos. Casi todo lo que vale la pena en nuestras vidas llega a través del oído. Antes de nacer, escuchamos el corazón de nuestra madre y su entorno (“Entonces, maestro Kodaly -preguntó el reportero con malicia- según lo que nos dice, una persona debería empezar su educación musical desde que está en el vientre de su madre!! -risas en la sala. “No, señor”, contestó Kodaly, “yo sostengo que debería empezar a oír música desde que la madre está en el vientre de su abuela, como mínimo”). Beethoven trajo EnEl latrabajo cuna,demucho antes de consigo que colosalesojos innovaciones en en la música. Una nuestros funcionen un grado notable ilustración de esto es su Novena útil, oímos; conocemos y reconocemos la cual (como si Escuchar sus méritos yno el Sinfonía, mundo, oyendolo. fueran suficientes) Beethoven compuso sentir están tan ligados, que para el cuando ya deestaba completamente bebé es parte lo mismo (y todos sordo. bebés); Para susólo tiempo, una sinfonía fuimos restaera oler y tocar. excepcionalmente larga y compleja.
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Música Música
Hacer un análisis detallado de la música interpretarse Tambiénque era va la aprimera vez quecambia la voz profundamente la al manera quecon se humana era usada mismoen nivel escucha y cómo se entiende. instrumentos musicales en una sinfonía. En esencia, la Novena introdujo combinaciones
En muchas ocasiones he escuchado de sonido enteramente nuevas que, hasta opiniones enla humanidad el sentidojamás de había que ese momento, la música no requiere de vastos experimentado. ¿Puede imaginarse lo que conocimientos, sino simplemente de debe haber sido experimentar su estreno? tener una sensibilidad especial para Con respecto a la percepción sensorial, en escucharla. Estoyalde acuerdo que, este caso aplicada sonido, Keithen Raniere al principio, ésa es la manera en que el intérprete, el público y el crítico pueden relacionarse con un instrumento y la pieza que se va a escuchar o tocar.
El hombre en la música
Siempre he experimentado en la música
CONOCIMIENTO CIENTÍFICO más exaltada de Beethoven (su música más DE LA MÚSICA gozosa) una sutil tragedia; y en sus más Es la forma en que Euterpe nos atrapa. obscuras composiciones, esperanza. Es una Pero con el tiempo, ya con estudios dualidad. Para interpretar su música, creo, profesionales, a es necesario que uno ambasdescubre emocionespaso existan paso todas las conexiones que ofrece el en el ejecutante a la vez arte de la música, y todo ese conjunto de conocimientos nos –va a Raniere ayudar Keith para distinguir mejor las formas, los ritmos, la estructura y el núcleo emotivo cada obra. Uno entonces es Conformede inicia el cuarto y último como los científicos: sigue una cierta movimiento de la Novena Sinfonía durante fórmula, construye nuevo su estreno,pero una figura solemnealgo y silenciosa a partir de ella, Elensayando –que eso hace su entrada. maestro, alienado del es como hacer experimentos, porque escenario por más de 12 años, toma su es la oportunidad que musical uno tiene para lugar junto al director Michael probar diferentes cosas y Beethoven ver qué Umlauf, quien dirige. Conforme funciona mejor, cómo se obtiene fija su mirada en los músicos, la músicaun se resultado óptimo. un Este conocimiento desvanece, quedando silencio total, pero exacto --científico-de nuestra labor, la orquesta sigue tocando. En este silencio nos hace lo amar más el arte de la se revela que aún el compositor escucha: música. una ausencia de sonido quieta y solitaria. Tejido en el scherzo militar está el recuerdo
Voy plasmar como ejemplo, de su apadre que, enaquí, estado de ebriedad, ha una breve biografía, análisisal de la llegado de noche a casa y a golpear joven Sinfonía ensienta Mi bemol Renana, Ludwig. ElNo. niño3 se en la ventana, la Op. deelRobert Schumann.ElToda mirada97, hacia cielo, deliberando. tenor información que nos ayude a vivir canta: y comprender mejor la composición musical y, seine sobre todofliegen en forma Froh, wie Sonnen científica, nosHimmels balanceará mejor en Durch des prächt’gen Plan, el aspecto emocional, que es el que Laufet, Brüder, eure Bahn, primero noswie atrapa. Freudig, ein Held zum Siegen Robert fue Cual Alexander los soles en su Schumann vía un compositor alemán, uno de los magna, juntos! oh! marchad! máximos del movimiento y comoexponentes héroes disfrutad musical romántico siglo XIX. dicha, triunfos y del felicidad! Nació el 8con de junio 1810 en Zwickau Descalzo, ropasde desgastadas, el niño (Sajonia); por escapar ser hijodedela un librero, apenas y logra vista de su mostró un precoz interésEl por la padre, huyendo por la ventana. hombre literatura, y aunque su de padre favoreció iracundo grita el nombre Ludwig al cielo la vocación musical de desciende Robert, quiso nocturno mientras el niño por el costado de la casa y empieza a correr hacia
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destinarlo a la carrera jurídica. A pesar de habertres comenzado piano sugiere categoríasa estudiar de percepción. desde muy son niño, fue en tras La primera sonidos que1819, ya hemos escuchar al pianista Ignaz Moscheles, escuchado y con los cuales estamos cuando quedóLa fascinado el familiarizados. segunda son por sonidos instrumento y la música en pero general. que jamás hemos escuchado, son También muy demostró extensionesdesde de lo que ya joven hemos escuchado. su habilidad en la escritura. La tercera es un nivel que no podemos imaginar y que inicialmente no podemos
FIRME VOCACIÓN MUSICAL registrar: sonidos que jamás hemos A la edad yde tras la con muerte escuchado que18 noaños, se comparan nada de su padre, y siguiendo los deseos de su madre, Schumann ingresó en la Universidad de Leipzig, en 1828, para estudiar la carrera de Derecho, pero su vocación musical era cada vez más firme, y terminó por abandonar dichos estudios para dedicarse por completo al piano, decisión que no compartió con su madre.
que hayamos ya escuchado. Cada vez que extendemos la frontera de lo que ya hemos escuchado, podemos penetrar más profundamente en lo que es inaudible para nosotros pero puede aún así existir. El genio musical de Beethoven, inmortalizado por su Novena, no sólo influenció profundamente a generaciones de compositores, sino que actualizó una expansión significativa de las posibilidades humanas.
Su principal maestro fue Federico Wieck, padre de Clara, la futura esposa de Schumann. Schumann hubiese llegado a ser un gran pianista, pero una lesión irreversible que sufrió en uno de sus dedos, y que más tarde le causaría una enfermedad en toda la mano, acabaría con su carrera de pianista, causada por un artefacto que invento él mismo para realizar ejercicios de apertura. Esto favorecería el que Schumann se dedicase entonces por completo a la composición. En 1830 quedó impresionado cuando escuchó tocar a Niccoló Paganini. En 1834, por luchar contra lo que denominó “filisteísmo artístico”, fundó “La nueva Gaceta Musical” (Neue Zeitschrift für Musik) importante revista del progreso musical, y se dedicó a combatir el mal gusto de la música italiana reinante de compositores mediocres. Fue así como Schumann se convirtió en jefe de un partido, pero no sin que sus críticas mordaces le crearan enemistades. Durante 10 años fue redactor único de esa Gaceta, en la que escribió interesantes artículos sobre Chopin, Berlioz, Mendelssohn, etcétera. Fue Schumann quien reveló más tarde la aparición de Brahms. Su vida fue tortuosa y atormentada, y cruzó con frecuencia la línea que separa la cordura de la locura.
Robert Alexander Schumann
Festival Internacional Cervantino
éste era niño. Sus relaciones románticas se fueron deshaciendo una por una INTERIORIDAD (su amor CREADORA por su misteriosa “Amada Y PASIÓN Inmortal” supuestamente jamás a Schumann es el prototipo del llegó artista ser). Las relaciones con sus familiares, “romántico” en pleno sentido del frecuentemente aquejadas poruna violentas término, y desarrolló vida riñas, sufrieron mismo A los 26y y una obra elque se destino. confundían años, su más preciado empezó a fundamentaban en la sentido interioridad y en ser consumido por el silencio y un terrible la pasión creadora. zumbido; llegó a contemplar el suicidio habiendo ponderado el una estudio vida sin y oído. La introspectiva, la Conforme progresaba su sordera, se retiró búsqueda convertida en aventura de de su vida y pública, interiores manteniendoo todos los social fenómenos, sólo un puñado amistades cercanas. exteriores, eran de para él los objetivos Al parecer era conocido por poética su ferozy fundamentales para la obra temperamento y violentos arranques. artística. Conforme avanzó en años, enfrentó enfermedad una vida solitaria. Schumann y hizo suyos los ideales
Seid umschlungen, Millionen! Diesen Kuss der ganzen Welt! Brüder - überm Sternenzelt Muss ein lieber Vater wohnen. Ihr stürzt nieder, Millionen? Ahndest du den Schöpfer, Welt? Such ihn überm Sternenzelt, Über Sternen muss er wohnen. Abrazaos, oh! millones! Beso de la Humanidad! Brinda celestial bondad Padre a tu séquito sin par Os postráis, oh! juntos Ante el Creador Eterno Ante el Creador Eterno Busca en el azur, y reina Sobre el plano etéreo.
formulados por Jean Paúl Richter
Aun si estos ocurrieron, la en 1804, loseventos de serjamás al mismo tiempo naturaleza la genialidadyde Beethoven “poético, depictórico musical”, se yuxtaponía en conelsuseno pérdida del oído encontrando del universo creando quizás tragedia todas. la armonía de lalaspeor cosas y losde seres y, Otros artistas y genios han experimentado a través de la vida oculta, revelar su tragedias JohnasíMilton, verdaderasimilares: naturaleza, como por sus ejemplo, compuso una de sus más grandes más secretos sentidos. obras (el poema épico Paraíso Perdido) cuando ya era Su ceguera sin duday Después de ciego. muchas dificultades incrementó dificultad de de llevar a cabo a pesar dela la negativa Friedrich tal proeza. Aunque jamás habría leer Wieck, Schumann se casó ende1840 el poema con susClara propios ojos, Milton con la pianista Wieck, hija deaun su podía experimentarlo si se lo leían en voz maestro y gran pianista. alta, y podía escuchar las experiencias de otras de su trabajo. Clarapersonas fue pianista desde Beethoven, los ocho desafortunadamente, años, y compositora había alemana.perdido Nació para siempre Alsu igual únicoque conducto para en Leipzig. Schumann, experimentar todacon una de su también estudió sudimensión padre Friedrich. propio este caso un hombre Cuandotrabajo. se casóEn con Schumann, ya era de extraordinario talento, trajo conocida en Europa. Dio aqueconocer
Desde lo alto, vemos la pequeña figura del niño contrastar con el agua nocturna estrellada con pequeños y pálidos pétalos. Conforme las voces continúan, el refugio del joven Ludwig se vuelve indistinguible de los cielos, y él una estrella más.
Diversos registros históricos de hecho apuntan a eventos y períodos muy trágicos en la vida de Beethoven. Se sabe que su padre, quien tenía una aguda adicción al alcohol, golpeaba a Ludwig cuando
Christa Cowrie / FIC
La escena aquí descrita de la película biográfica, Amada Inmortal (Immortal Beloved) es una conmovedora representación ficticia de la dualidad de tragedia y gozo que es posible experimentar en Beethoven y su música. La interpretación personal de Keith Raniere de la escena quizás difiera de las intenciones del autor: “Yo imagino, porque es una tragedia, que está soñando despierto, fantaseando sobre su escape. De hecho no está escapando, lo están golpeando: la música resultante, una yuxtaposición de oscuridad privada, personal, e ideología humana expansiva”.
a la humanidad un regalo por demás maravilloso, no podía él mismo participar goza de gran felicidad personal por de de manera su este matrimonio connormal. Clara, y,Haciendo por el eco las obtenido sentencias de Sísifo,prestigio Ixión y otro,de ha cierto Tántalo, de loshabía más público,Beethoven y las posee piezasunoque grandes dones el mundo (un donlargo que publicado conenproblemas a lo gustosamente comparte con el resto un de de los años anteriores, le valieron nosotros) pero él mismo jamás puede reconocimiento que hasta entonces le experimentarlo plenamente. había sido negado.
Música Música
el bosque. Una intensa melodía de cuerdas crece, llevando cada uno de los pasos del niño con mayor y mayor velocidad. Por un momento el crescendo se suspende, indicando la llegada del niño a un lago cercano, donde se desviste. Conforme va entrando al agua, hay una cuestión: las cuerdas susurran las primeras notas del tema. Luego, otra: las cuerdas vuelven a declarar la frase en modo menor. Luego, conforme el niño flota sobre el agua, una respuesta: la frase vuelta a declarar en modo mayor, dominando una erupción de voces cantando:
La de Beethoven, de su dualidad, es Laslucha composiciones Schumann quizás capturada en su música. Algunas para piano suelen ser expresiones de las composiciones que creó durante musicales sobre temas literarios y las porciones más horrendas de su vida, estados de ánimo. Su interpretación por ejemplo, parecen tenerdifíciles elementos de se considera de las más para extremo optimismo. Algunos interpretan este instrumento, no sólo por la denque, lo que a mucha gente hubiera causado sa escritura y dificultades técnicas, desesperanza, inspiraba gozosa sino tambiénle por el climamúsica fantástico y ymisterioso encantadoraque a Beethoven. debe acompañarlas. La interpretación que hace mentor de la Recién fundado el mi Conservatorio lucha del compositor puede no existir enlos la de Leipzig, fueron solicitados realidad, así como élpara experimenta serviciospero de es Schumann formar el arte del de Beethoven. Añade: fin de parte profesorado, pero “A después cuentas, cuando se experimentamos música de intentarlo, sintió incapaz de experimentamos una esencia de nosotros, enseñar y abandonó el puesto. que es arte: inexpresable, incomprensible yEnpersonal”. Otros fundó compositores, como Dresde (1844), la Sociedad Bach y Coral. Rachmaninoff, nos ofrecen de Canto En 1850 fue nombrado exploraciones similares. La músicapero de director musical de Dusseldorf, Rachmaninoff, Keithmental Raniereque hace notar, una enfermedad padecía tiene una de emoción desde la profundidad adolescencia, lo hizo intensa, dimitir tumultuosa casi tortuosa. “Su intento música en 1854, ydespués de un jamás es completamente obscura, de suicidio arrojándose al porque Rhin. dentro de la oscuridad hay fue heroísmo; y Milagrosamente salvado, internajamás es completamente ligera, porque do en una clínica para enfermos siempre matices de tristeza. Me mentalestiene en Enderich, cerca de Bonn. recuerda a laaños dualidad que siento en de la Murió dos después, víctima música de Beethoven”. una terrible enajenación mental, el 29
muchas composiciones para piano de de julio de 1856, a los 52 días de haber Schumann, incluido su Concierto para cumplido 46 años. Schumann decía quePero toda ser con concebida “No puede haber pazen sin La la verdad. ti tal vez. yo obra ya hicedebía las paces Ludwig. en Piano y Orquesta menor,Para Opus perdoné debido a Oda a la Alegría. un momento místico, bajo el impulso 54Lo(1845). del corazón. Cuando anunciaron el estreno de la Novena Sinfonía... abundaban los chismes. Ludwig se Editó obrascon completas de suSeesposo, habíalas peleado los cantantes. había peleado con el teatro. y desde 1872 hasta 1892 fue profesora Clara, después de la muerte de su lo odié por tanto tiempo... aunque habíaesposo tratado deRobert, destruirme, Tenía que en ir. una sefui. convirtió enAunque el Conservatorio de Frankfurt. Sabía queayudó sería laaúltima vez. También promover la música de las mejores pianistas de su época, y realizó giras constantes para poder deNosulo amigo de Etoda la vida, Johannes podía ver. imaginé que algún insulto de último minuto lo había hecho correr a casa. Brahms. El amor de Clara le inspiró a mantener a su familia. Luego lo vi. algunas Todo mundo vio. obras más Schumann de losus famosas, entre otras, muchos Lieder, INFLUENCIAS DE LA OBRA había revelado sus secretos más ocultos. DE SCHUMANN y Nos piezas para piano. Poco a poco fue desarrollándose en él el deseo de Schumann puede considerarse como la El círculo se había roto. escribir obras mayores, que aparecen más alta expresión del Romanticismo No podía a un hombre que podía escribir semejante musical música”. en Alemania. Tiene una a partir deodiar 1841. personalidad inconfundible; a quien – el personaje Johanna Reiss, cuñada de Beethoven más se asemeja, por su espíritu y RECONOCIMIENTO A SUdeOBRA la película de 1994 “Amada Inmortal” (Immortal Beloved) El año de 1840, marca el punto más por el carácter íntimo de toda su alto de su vida, tanto a nivel personal obra es a Chopin. En su música como creativo, ya que por un lado alternan constantemente los pasajes
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Música
Corresponder al regalo Que él se volviera, y la abrupta convicción así impuesta en todos de que no lo había hecho antes porque no podía oír lo que estaba ocurriendo, actuó como un choque eléctrico en todos los presentes, y una explosión volcánica de simpatía y admiración le siguió, repitiéndose una y otra vez, pareciendo infinita. Contralto húngara Caroline Unger, acerca de Ludwig van Beethoven al final del estreno de su Novena Sinfonía Si asistiéramos a una presentación de la música de Beethoven en la actualidad, llegaríamos a conocer sus composiciones a través de su ciencia. Lo que es más, conoceríamos un aspecto más íntimo de él (su alma, su huella), experimentando por ese medio su arte. También llegaríamos a conocer la naturaleza del director, de cada uno de los ejecutantes y de todos los demás participando en la experiencia. A fin de cuentas, nos llegaríamos a conocer a nosotros mismos. Cuando compartimos y experimentamos la música de Beethoven, el compositor camina con nosotros, y nosotros con él. La música, en esencia, es una ventana multidimensional al corazón de la humanidad. Al tocar música, señala mi mentor, es como si le estuviéramos hablando a otra persona. A través de la música podemos transmitir una experiencia de nuestros sentimientos, un profundo rapport a través del medio de la pieza. En este sentido, los músicos experimentan un lenguaje común dentro de la pieza. Conforme tocan, crean a la pieza y la pieza los crea a ellos. En un escenario tan expansivo como lo es una orquesta sinfónica, la música en sí tiene vida propia conforme es experimentada por los ejecutantes y el público. Todas esas huellas se unen, interactuando y creando un objeto más allá. Cada compositor, músico y fabricante de instrumentos musicales es copartícipe de la creación de un regalo a través del cual toda la humanidad se puede expresar y experimentar. El
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arte de la música, una vez impulsado y capturado por la ciencia, se vuelve un tesoro que todos disfrutamos hoy y podemos reproducir. Cada creación musical se ha vuelto la semilla de futuras evoluciones: un compositor inspirando a otro; un género musical emergiendo de otro. Así como la antorcha de Prometeo pasó por manos humanas, también las innovaciones en la música han pasado de un compositor al siguiente: de Bach, a Mozart, a Beethoven, a Grieg, a Rachmaninoff, a nosotros. Un compositor más contemporáneo, como Rachmaninoff, está parado sobre los hombros de todos los compositores anteriores a él. El trabajo de Rachmaninoff está edificado sobre el de sus predecesores: en sus composiciones florecen combinaciones, acordes y patrones nunca antes escuchados. Los grandes compositores, propone mi mentor, probablemente experimentarían una explosión de aprendizaje si llegaran a ver a Rachmaninoff tocar. Al escuchar su música, sabrían cuán lejos
Rachmaninoff, y la humanidad entera, han llevado la antorcha. Reflexionando sobre el arte de la música, es casi imposible expresar la naturaleza del regalo que Beethoven y otros como él le han dado al mundo. Nuestra existencia entera avanza gracias al arte y ciencia que emanan de su jornada, luchas, descubrimientos, talentos y dones. A través de su música, él ha compartido con nosotros su genio, su alma; sin duda, un beso a toda la humanidad. Si yo hubiera de corresponder con el más maravilloso de los regalos, es decir, un deseo otorgado para reconocer con gozo y tributo un grandemente atesorado beso a toda la humanidad, yo desearía que Beethoven nos viera a todos, en la época presente, inspirados por su Novena Sinfonía, y que pudiera él sentarse con nosotros y, con sus propios oídos, escuchar sus regalos a la humanidad. – Keith Raniere
D.R. © 2007, Executive Success Programs, Inc.MR Traducido del inglés por Farouk Rojas
Acerca de Executive Success Programs, Inc. Executive Success Programs, Inc.MR (ESP) ofrece programas de entrenamiento enfocados en crear consistencia en todas las áreas y ayudar a desarrollar las habilidades prácticas, emocionales e intelectuales que la gente necesita para alcanzar su máximo potencial. Todos los programas de ESP utilizan una tecnología punta con patente en trámite llamada Cuestionamiento Racional MR, una ciencia basada en la creencia que entre más consistentes sean las creencias y patrones de conducta de un individuo, más exitoso será en todo lo que haga. El Cuestionamiento RacionalMR permite a las personas volver a examinar e incorporar percepciones que pueden ser la base de limitaciones autoimpuestas. Mayores informes: info@nxivm.com
Música Educación
Agotado el modelo clásico para LA CIENCIA la enseñanza de las matemáticas, afirma DEL Guy Brousseau
ARTE EMUSICAL Por Carlos Joloy l modelo clásico para la enseñanza de las matemáticas es un sistema que ya ofreció todo lo que podría dar, y actualmente muestra muchas limitaciones; por esa razón, es necesario desarrollar los conocimientos con dominio de la didáctica para cambiar el modelo, a pesar de que esto requiera un largo Maestro Enrique Bátiz proceso de penetración, consideró el Director general de la Orquesta Sinfónica investigador matemáticas, doctor del Estadoen de México Guy enrique_batiz.@mail.edomex.gob.mx Brousseau, durante una visita a Monterrey el pasado 19 de julio.
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Dicta el científico francés la conferencia magistral “Hacia un nuevo contrato didáctico entre profesores y alumnos”
l arte dede la funciona, Al término su música conferencia de personas obran para enseñar a los muchos sentidos, de igual magistral:en “Hacia un nuevo contrato niños”. la ciencia. música didáctico forma entre que profesores y La alumde las nos”,requiere en el Museo de matemáticas Historia Mexi-para Brousseau, quien es reconocido por la precisión exactitud cana,lograr Brousseau explicóy que en la que su destacado trabajo en teorías en construyen su belleza; la música actualidad es posible llevar a cabotiene las cuales la enseñanza se basa en algo de tan arteimportante, arquitectónico también, un cambio debido a “situaciones didácticas” para facilitar la una excelente obra musical que porque la comunidad de matemáticos es aprehensión de conocimientos, expresiempre encierra una estructura mucho más amplia que en el pasado, só su preocupación ante la necesidad estéticamente Para hacer y por ello es másperfecta. sencillo realizar de hacer crecer los conocimientos música es necesario ser analítico; investigaciones en diferentes direc- es científicos, al mismo tiempo que decir,así estudiar profundidad todo su ciones, como adarlas a conocer se den a conocer para desarrollar esquema, lo cual da la como posibilidad tanto a los especialistas, a la de una cultura de manera sabia, que entender sus mecanismos y funciones población interesada. permita aceptar y adaptar de manera en forma inteligente, como un excelente paulatina nuevas alternativas que patólogo distingue hasta las mínimas DESARROLLO PROGRESIVO mejoren la enseñanza. partes de un organismo complejo. DE UNA CIENCIA MÁS SEGURA “Pienso que la solución consiste en En ese sentido, el investigador francés Cuando se tiene la disciplina desarrollar progresivamente una de mencionó que los instrumentos de estudiar a profundidad una partitura, y ciencia más segura y más potente en divulgación juegan un papel muy a raíz de esa entrega tiene el el aspecto didáctico. No y esrigor una se parte importante, ya que muchas veces los privilegio de ya conocer todo aquello de una ciencia existente; es una que maestros pueden tomar de ahí nuevas una obra musical -desde ramacomprende que va enfocada desde el punto ideas que aplicar en sus clases y así su génesis, la historia,porque las ideas de vista de la matemática, me y el evolucionar la forma de enseñar. propósito específico del compositor en parece más necesario. cada caso, las corrientes musicales ESTAMOS y A TIEMPO de pensamiento de la en que fue Aunque todas las ramas deépoca las ciencias En entrevista, Brousseau concluyó que concebidase daen a luz arte musical.es el tiempo adecuado para iniciar un están involucradas la al enseñanza, podemos esperar que la gente tome proceso de cambio, que será largo y conciencia de lo difícil que es, y que difícil, pero que sin embargo traerá se tiene que respetar lo que millones grandes beneficios. Subrayó que en
Doctor Guy Brousseau
Guillermina Carmona, presidenta de la ANPM, doctor Guy Brousseau y Domingo Castillo, director de la Escuela de Ciencias de la Educación.
nuestro país ya existen las condiciones adecuadas para dar el siguiente paso en este objetivo. “Me parece que en México hay un interés muy relevante y muy importante para la educación. Si hay desarrollo de investigaciones, estamos en buenas Enrique con Bátiz condiciones, y hay Maestro que continuar más posibilidades”.
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Cultura y Ciencia
Cultura
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Ciencia
Estudiantes ilustran libro de flora local
Por Alma Trejo
Exhiben fotos de Pura Música
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l doctor Glafiro Alanís Flores, en conjunto con la Secretaría de Educación de Nuevo León, el Fondo Editorial de Nuevo León, el Comité Regional Norte y la Universidad Autónoma de Nuevo León, presentará el libro El valor de nuestras plantas, edición ilustrada por escolares de todas las zonas de Nuevo León.
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2º
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Primer lugar: “El riesgo de la música”, de Salvador Yussif Aponte Marcos, segundo lugar: “Música de fondo 3: intermedio”, de Julio César Romero García; tercer lugar: “Mi piel”, Melina A. Martínez Día.
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n la Fototeca del Parque Fundidora se presenta la exposición “Pura Música” en la cual participan los seleccionados del concurso organizado por la revista Cuartoscuro y la Fototeca de Nuevo León. En la misma destaca la fotografía ganadora “El riesgo de la música”, de Salvador Yussif Aponte Marcos, que es una composición que representa un teclado de piano realizado con fichas de dominó y fue por sus elementos creativos fue la que mayor llamó la atención del jurado integrado por Pedro Vatierra, fotógrafo y director de la revista Cuartoscuro; la investigadora Erica Lara, y Loreto Garza, encargada de la Fototeca del Centro de las Artes de Nuevo León.
las obras de Laura Alejandra Castillo Rodríguez y Arón Covaliu, con “Libertad de expresión” y “Alma del norte No. 2”, respectivamente. Cuartoscuro busca desde hace un par de años realizar un concurso anual de fotografía en Nuevo León, dirigido a jóvenes y se realiza paralelamente al Concurso Nacional de Fotografía que la revista organiza cada año para promover nuevos valores, pues todo son jóvenes, menores de 29 años, de acuerdo a las bases de la convocatoria. La revista Cuartoscuro fue fundada por el fotógrafo Pedro Valtierra, quien entre muchos reconocimientos ha recibido el Premio “Rey de España” y el Premio Nacional de Periodismo.
Anasella Acosta, editora de Cuartoscuro, informó que participan en la exhibición 86 fotos que con el tema musical participaron este año, entre los que destacaron Julio César Romero, quien obtuvo el segundo lugar, con “Música de fondo3; intermedio”, y Melina Alejandra Martínez Día, con “Mi piel”, imagen del tercer lugar. Recibieron menciones
En este concurso se otorgan tres premios en efectivo: 25 mil pesos para el primer lugar, 15 mil pesos para el segundo y 8 mil pesos para el tercero. Las obras ganadoras se exhiben durante todo el verano en la sala de acceso al espléndido edificio de Vaciados de la antigua Fundidora de Monterrey, (Fototeca-cineteca del Parque Fundidora).
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Éste es un proyecto que recorrió centenares de escuelas, a través del Diplomado de Ecología, con presentaciones multimedia, fotografías, textos sobre plantas, además de mucha pintura y cartulinas, en conjunto utilizadas para plasmar, desde la visión de estudiantes de educación básica, impartido por el doctor Alanís y el tallerista Carlos Ballester. En las páginas del libro se plasman en diversas técnicas alrededor de 30 especies de árboles, entre los que destacan las anacahuita, la anacua, el ébano y el mezquite; así como arbustos tales como la albarda, la gobernadora, la lantana, y algunos magueyes y hierbas, todos característicos de nuestro estado. El libro presenta un estudio completo sobre estas especies y ofrece conocimientos profundos sobre sus troncos, hojas, flores y frutos, así como los usos que se les da en la región. Además, contiene una guía detallada de cómo escoger, sembrar y mantener un árbol de la región, lo que presenta de una forma muy amena, pues es un destello de estilos y colores, aderezado con algunas historias de árboles famosos o hierbas comestibles.
E C
mile Litré afirma que si la ciencia tiene varias definiciones, es porque no necesita ninguna. ¿Por qué no podríamos afirmar lo mismo de la música, nos encontramos oncuando su llegada hace 60 años, una serie deCortés definiciones, de Carmen rompió muchos las cuales pocas ysonactitudes las queque paradigmas dejan satisfacción tenían completa a la al los regiomontanos respecto inteligencia? arte y los artistas. La maestra-artista fundadora del taller de Artes Plásticas Juan Jacobo Rousseau concibió de la Universidad, llegó a la ciudad en una definición vivió por 1948, procedente que de España; época muchos en la los las en que años emergió el mente interésdepor melómanos: artísticas “Arte deencombinar actividades una ciudad los300 sonidos de unadonde manera de mil habitantes, reinaba agradable oído”; tal vez de de ahívida un sistemaalmuy estructurado partió la al definición enfocado trabajo. de la música que se le adjudica a Napoleón: “El cultura menos no desagradable de gracia”, los “La les hacía mucha ruidos”. puntualizó Bertha Alicia Cantú, quien junto con Gerardo Cantú y Antonio La primera definición a Pruneda revivieron los vino recuerdos tiempo después, con del ychocar, contaron algunas anécdotas los filósofos lo objetivo y lo nacimiento delde taller de artes pláticas, subjetivo, sobre a el jueves 26 de todo, julio acuando un nutrido la combinación de de grupo reunido de en los la sonidos Pinacoteca que habla Rousseau se le agregó la Nuevo León. Con la llegada de Carmen belleza empezó que, según el sentir la de actitud las Cortés a cambiar mayorías, valainherente al no arteera deuna de la gente, pintura ya la música. de dos dimensiones, los cuestión
El
concepto
música de la
Maestro Periodista Silvino Jaramillo Catedrático, FCC / UANL artistas tuvieron la oportunidad de usar su creatividad a la vez de disfrutar de los desplantes de la maestra, quien les hablaba de las grandes figuras del postimpresionismo con quienes había convivido en París.
la pintura un concepto, un elemento que adquirieron hasta entonces los artistas locales.“Nos trajo teorías adelantadas, abriendo un espacio para el conocimiento de las artes”, mencionó el artista.
la dimensión de su obra al formar a un grupo importante de artistas plásticos en la localidad, una mujer con mucha visión que “trajo” los mejores pintores del mundo a Monterrey, que dio a
en el Colegio Civil, Arte Cultural Universitario. Esta obra fue realizada en 1948, poco tiempo después esta artista maestra fundaría el Taller de Artes Pláticas de la UANL.
Certifican a Museo de Historia Mexicana
nuevo recinto cultural. Los interesados pueden presentar un currículo breve y una fotografía reciente para su identificación.
LA BELLEZA, SUBJETIVA Así, la “bella combinación de sonidos” pasó a ser tema de discusión por lo subjetivo de la belleza: lo que para unos es bello, para otros puede no serlo y, por lo tanto, como la belleza no es inherente a la combinación sonora, la definición de música no explica satisfactoriamente la naturaleza de este arte.
La definición de Napoleón es la que podría esperarse de un general “con oídos de artillero”, acostumbrado solamente a escuchar “el sonoro rugir del cañón”. No se le negar, sin l Museo depuede Historia Mexicana embargo, sensibilidad al recibiócierta el certificado de calidad cónsul en 9001:2000 su expresión. ISO que le acredita como una institución comprometida Los lacompositores contemporácon calidad en todos sus procesos neos, al ytrastocar con suspara operativos administrativos experimentos la estructura lograr la satisfacción plenadedela sus música, llegaron una definición. visitantes. Esta a certificación coloca ¿Podrían al MHM en quedar la lista desatisfechos instituciones internacionales como el Centre
E
Cultura y Ciencia Música
Disertan sobre Carmen Cortés
Hay que escuchar la música y mantenerla Este para evento seentenderla, realizó para celebrar la “Nos enseñóde a pintar, a copiar”, no dentro unonomismo, llegada de Cortés y para enfatizar el dijo Pruneda. valor de la obra “La labor de la Casa”, sino para conocerla y, conociéndola, Por su parte, Gerardo Cantú dijo que que fue exhibida como la pieza del quénoes lasaber maestra Cortés se dio cuenta de mes de julio en la Pinacoteca, ubicada
Pompidou, en Francia, Museo Jurásico de Asturias (MUJA), en España; y el Museo Marítimo de Ushuaia, en Argentina.
Buscan voluntarios
E
l Museo del Noreste, MUNE, nuevo espacio museográfico que abrirá sus puertas en septiembre con una exposición permanente sobre la historia regional del noreste de México y Texas, invita a los interesados en unirse al grupo de guías voluntarios para compartir sus conocimientos con el público visitante.
El horario del MUNE permitirá que personas con obligaciones laborales o escolares puedan participar durante los fines de semana. Mayores informes con el licenciado Miguel Posadas Herrera, jefe de Servicio Social y Voluntariado, ssocial@museohistoriamexicana.org. mx o al teléfono 2033-9898, ext. 108 y en sitio: www.museohistoriamexicana.org. mx
MUNE iniciará labores durante el Fórum Universal de las Culturas Monterrey 2007 por lo que se espera una gran afluencia de visitantes extranjeros, nacionales y locales al
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Re Conocimiento A personajes nuestros en la Ciencia de la Música Maestro Ricardo Gómez Chavarría
Ejecutante violinista y violista desde 1949, y maestro de la entonces Escuela de Música, y posteriormente Facultad de Música, de la Universidad Autónoma de Nuevo León, de la que fue director de 1984 a 1990, y para la que elaboró los primeros programas de Licenciatura, Ricardo Gómez Chavarría fue, en 1959, uno de los ejecutantes fundadores de la Orquesta Sinfónica de la UANL, a la que dirigió en varias ocasiones. En ella permaneció como primera viola durante 31 años. Estudió Música, con especialidad como Violinista, en el Instituto Potosino de Bellas Artes, y en 1975 obtuvo el título de Maestro de Música Ejecutante, Violinista y Violista, de la UANL. De 1978 a 1984 fue director titular de la Orquesta Sinfónica del Estado de Coahuila, la que se presentaba en el Teatro de la Ciudad de Saltillo.
Maestro Patricio Gómez Junco
Con 28 años de docencia en la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey, de la que fue director de 1994 a 1999, impartiendo materias como Análisis Musical, Armonía, Dirección Coral, etcétera, y los mismos años de intercambio cultural con sus más de mil alumnos, de los que, dice, tiene la fortuna de que la mayor parte participan en la comunidad en conciertos, etcétera, Patricio Gómez Junco es compositor del Himno Oficial de Nuevo León. Concluyó sus estudios de Humanidades y Filosofía en la Universidad Gregoriana y en el Pontificium Institutum Biblicum, ambos de Roma, con énfasis en piano, órgano e idiomas. Fue fundador y director del Ensamble Vocal Vittoria; cofundador del Ensamble Barroco, y cofundador de la Organización Musical Consort. En 1988 fundó el Coro y Orquesta de Cámara del ITESM, campus Monterrey. Los años 1994 y 2003 ganó el Premio Nacional a la Docencia del Instituto Nacional de Bellas Artes.
Maestro José Hernández Gama
Destacado compositor de música religiosa, misas, salmos, motetes y obras para Orquesta Sinfónica; dos cantatas; el Canto Sinfónico Monterrey y un concertino para piano y orquesta, José Hernández Gama es director fundador de numerosos grupos, como el Coro Monteverde, el EXASAC; los coros de niños y adultos NOVA; el Coro de la Escuela anexa a la Normal Miguel F. Martínez, y durante 20 años dirigió el Coro de la Sociedad Cuauhtémoc y Famosa. Ha sido maestro de Armonía y de Conjuntos Corales en la Escuela Superior de Música y Danza y en la Escuela de Música de la UANL. Inició sus estudios de Música en la Escuela de Música Sacra de Guadalajara, Jalisco, y los continuó en la Escuela Superior de Música Sagrada, actualmente Conservatorio de las Rosas, en Morelia, Michoacán.
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Juan Roberto Zavala zavat_2004@yahoo.com.mx
Maestro Alejandro Javier Padilla Gallegos
Compositor de música de concierto y coordinador del Centro de Compositores de Nuevo León, Alejandro Javier Padilla Gallegos es también maestro en la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey. Ahí mismo es coordinador de materias teóricas. Sus obras han sido estrenadas en países como Holanda, España, Francia y Turquía, e interpretadas por ensambles como Tambuco, Neopercusión, El Cuarteto de Cuerdas Arditti y el Ensamble Arcema. Los años 2002, 2003 y 2005 ganó el Premio de Apoyo para Composición INJUVE, de España. Hizo estudios de guitarra y composición en la Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey. Ha tomado cursos de perfeccionamiento en España. Como guitarrista se ha presentado en diversas ciudades de la República y en los principales Foros de Monterrey.
Maestro José Ángel Reyna Rodríguez
Producto de una larga tradición familiar, pues es hijo de músicos regiomontanos, José Ángel Reyna ha destacado como maestro de solfeo y ha formado y encauzado a numerosos ejecutantes de diferentes instrumentos. Desde muy joven tocó en diversas orquestas populares, y, al fundarse la Orquesta Sinfónica de la Universidad, fue uno de sus primeros integrantes. En 1996 presentó, por primera ocasión en Monterrey, el concierto para trompeta de Joseph Haydn. En la década de los treinta hizo sus estudios musicales en la Escuela Municipal de Música de Monterrey; es maestro de música, y ejecutante trompetista por la UANL, y licenciado en Educación Artística, en Música, por el INBA. Desde 1958 ha sido maestro en la Facultad de Música de la Universidad, de la que por dos periodos fue director. Ha dirigido numerosas bandas de música, como las del Colegio Regiomontano, de la Facultad de Música de la UANL y de la Escuela Normal Miguel F. Martínez.
Maestra Graciela Suárez Treviño
Excepcional concertista y cantante de ópera, Graciela Suárez Treviño es también maestra de canto, habiendo formado a numerosos artistas, tanto individualmente, como a directores de conjuntos corales. Durante su trayectoria ha cantado en ciudades de Estados Unidos como Nueva York y Washington, y en nuestro país, en las principales ciudades, lo mismo que en Instituciones como Bellas Artes, y con la Compañía Nacional de Opera. Estudió la carrera de canto en la entonces Escuela de Música de la Universidad de Nuevo León, ubicada en las calles de 15 de mayo y Emilio Carranza, en el Centro de Monterrey. Desde 1960 es profesora de la Facultad de Música de la UANL, y ha impartido clases también en la Universidad Regiomontana. La UANL le ha otorgado los siguientes reconocimientos: en 1992, el Premio a las Artes; en 2001, el Reconocimiento ANIEM al Mérito Docente, y en 2004 el Premio a la Excelencia Profesional.
Presidente Ingeniero Juan Antonio González Aréchiga Director de Comunicación Social del Gobierno del Estado Licenciado Omar Cervantes Rodríguez Ingeniero Xavier Lozano Martínez M. C. Silvia Patricia Mora Castro Doctor Mario César Salinas Carmona Doctora Diana Reséndez Pérez Doctor Alan Castillo Rodríguez Ingeniero Jorge Mercado Salas Director del Programa Ciudad Internacional Del Conocimiento Ingeniero Antonio Zárate Negrón
El idioma de Dios: la música
Los paquetes (5 ejemplares, 2 CD’s y el sobre esquela) podrán entregarse directamente o bien remitirse por correo certificado o mensajería especializada al: INSTITUTO DE ADMINISTRACIÓN PÚBLICA DE NUEVO LEÓN, A.C., Ave. Alfonso Reyes No. 1000, Col. Regina, Parque Niños Héroes, Monterrey, N. L., C.P. 64290, a más tardar a las 18:00 horas del día 10 de Agosto de 2007
La frase que encabeza este editorial no es original de quien esto escribe, pues se le atribuye a Mozart, el genio austriaco, o a Beethoven, el tormentoso y creativo JURADO CALIFICADOR: músico alemán.
El Jurado Calificador estará integrado por académicos de universidades
y centros de investigación públicos y privados, representantes de la Las partituras musicales parecen escritas en desorden y con una fórmula En cumplimiento de su propósito fundamental de promover el estudio Administración Pública Estatal, miembros del Consejo Directivo del Instituto netamente creativa yde artística; pero, en el fondo, tienen una abstracción y desarrollo de las ciencias administrativas, y a fin de estimular la Administración Pública de Nuevo León, A.C. y un representante del Instituto y un método científico plenamente y se apoyan en el investigación teórica o práctica que contribuya amatemática producir conocimiento Nacional de Administración Pública,establecido, A.C. para desbordar la emoción; o sea, la música no es sólo un arte, sino relevante e innovador para el mejoramientointelecto de la Administración Director General pública del Estado de Nuevo León y de sus Municipios, el Instituto de PREMIOS: que se convierte también en una ciencia, y su cercanía con las matemáticas está Doctor Luis Eugenio Todd Administración Pública de Nuevo Léon a través del Comité Organizador bien documentada. Subdirector
del Premio Estatal de Administración Pública Dr. Pedro Zorrilla Martínez, De conformidad con el Acuerdo del Gobernador del Estado, publicado en el Licenciado Juan Roberto Zavala designado por el Titular del Poder Ejecutivo Periódico Oficial del Estado con fecha 3 de Febrero de 2006, los premios y Director Editorial Por lo anterior, se pensó en que incluir en el tema del conocimiento, y ¿por quélugares, no?, montos se otorgarán a las obras ganadoras de los tres primeros Félix Ramos Gamiño consistirán en lo siguiente: en el de la tecnología, que es instrumental por naturaleza propia, el bello arteSecretario Editorial ciencia de la música, que, como dijeron los autores antes mencionados, parece Maestro Rodrigo Soto PRIMER LUGAR: cantidad de $ 50,000.00 (Cincuenta mil Pesos 00/100 Educación convertirse, por su profundidad, en elLaidioma de Dios; o sea, en algo metafísico M.N.), diploma y publicación del trabajo de investigación; Profesor Ismael públicos, Vidales Delgado A servidores investigadores, académicos, estudiantes e y extraterritorial. Ciencias Económicas y Sociales interesados en el desarrollo de la teoría y práctica de la Administración SEGUNDO LUGAR: La cantidad de $ 25,000.00 (Veinticinco mil Pesos Doctor Jorge N. Valero Gil Pública del Estado de Nuevo León y de sus Municipios, a participar en el Existen miles de ejemplos de músicos que, a lodellargo la historia,y por su Ciencias Básicas y del Ambiente 00/100 M.N.), diploma y publicación trabajode de investigación, PREMIO ESTATAL DE ADMINISTRACIÓN PÚBLICA Doctor Juan Lauro Aguirre DR. PEDRO G. ZORRILLA MARTÍNEZ 2007. característica clásica, han conservado durante cientos de años su presencia en Desarrollo Urbano y Social TERCER LUGAR: cantidadrepresenta. de $ 15,000.00 el mundo de los sonidos rítmicos y armónicos que la La música A Ingeniero Gabriel Todd (Quince mil Pesos 00/100 M.N.), diploma y publicación esto se le denomina clasicismo, y tiene múltiples variantes, que van desde la Ciencias Médicas del trabajo de investigación. solidez estructural de Sebastian Bach o de Händel, hasta la fuerza de Wagner Doctor David Gómez Almaguer CARACTERÍSTICAS DE LAS INVESTIGACIONES: Ciencias Políticas y/o Si a juicio del Jurado Calificador no se presentan o el romanticismo, incluyendo los expertos en ópera, de entre los cuales Verdi de Sólo Administración Pública podrán participar los trabajos inéditos que se refieran trabajos quehan merezcan distinción alguna, y podrán es el más representativo, y muchos otros que tenido su momento su Contador Público José Cárdenas Cavazos a los siguientes temas: declararse desiertos uno o todos los premios. historia, aunque han sido menos afortunados en su permanencia. Ciencias de la Comunicación Doctora Patriciaaplicada Liliana Cerda Investigación en laPérez solución de problemas La publicación de la obra se realizará en coedición o La específicos Ciencia es de Cultura Todosdellos músicos son muy respetables, su momento, algunos, ende la Administración Pública en el ámbito por aunque, cuenta del en Instituto de Administración Pública Licenciado Jorge Pedraza Estado de Nuevo León o de sus Municipios. Nuevo León, A.C. su inspiración, no hayan reflejado una estructura científica y matemática, pues, e ingeniera Claudia Ordaz a fin de cuentas, la música es el supremo lenguaje universal de comunicación Educación Física y Deporte Investigaciones basadas en el análisis comparativo de Doctor Óscar Salas Fraire entre de los seres humanos. las administraciones públicas en los distintos ámbitos Las Universidades y la Ciencia gobierno estatal o municipal, con relación al Estado de Doctor Mario César Salinas Loslas resultados del Premio se el día 29 de Nuevo león o de sus Municipios. Hay también músicos aborígenes, y todas características depublicarán sus expresiones Redacción Agosto de 2007, en un periódico de circulación local y Zorrilla Martínez dependen dePedro su formación intelectualenyelde suenentorno eso, la Licenciada Alma Trejo portal Internet delcultural. Instituto dePor Administración Investigación teórica que profundice y aporte Licenciado Carlos Joloy música, igual que la ciencia, influye en la cultura, y forma parte de ella. Pública de Nuevo León, A.C.: www.iapnl.org.mx conocimientos a la disciplina de la Administración Pública Diseñador que sea competencia del Estado de Nuevo León o de sus Licenciado Víctor Eduardo Armendáriz Ruiz DERECHOS DE AUTOR: En nuestra ciudad tenemos extraordinarios intérpretes y compositores, y en Municipios. Arte Gráfico México existen prohombres de la música clásica como Revueltas, Moncayo, Arquitecto Rafael Adame Doria El Instituto de Administración Pública de Nuevo León, A.C. se reserva la Investigaciones sobre aspectos políticos, jurídicos, sociales, económicos, Circulación y Administración Juventino Rosas y ahora nuestro “joven” rebelde, Enrique director de publicación de la primera edición de los trabajos de Bátiz, investigación premiados. y culturales relacionados con la Administración Pública de Nuevo León o Profesor Oliverio Anaya Rodríguez orquesta de calidad excepcional. de sus Municipios, desde una perspectiva teórica-práctica. Por el Comité Organizador del Premio Estatal de Administración Pública LA REVISTA CONOCIMIENTO ES EDITADA Dr. Pedro Zorrilla Martínez por eso, mejor dejemos que los Investigaciones sobre funciones administrativas en elinterminable orden estatal hablar Sería deG.esta temática;
CONVOCA
BASES DE PARTICIPACIÓN
RESULTADOS:
POR oLAmunicipal, COORDINACIÓN DE CIENCIA Y Poderes Legislativo, Judicial o de vinculadas con los expertos lo hagan organismos autónomos de Nuevo León. DEconstitucionalmente NUEVO LEÓN, Y ABRE SUS TECNOLOGÍA PÁGINAS A LAS INSTITUCIONES DE EDUCACIÓN
y se le dé un lugar en la ciencia a tan bella fórmula de comunicación interhumana, y ¿porDR. qué no?.... divina. ALEJANDRO J. TREVIÑO MARTINEZ
FORMA Y PLAZO PARA LA PRESENTACIÓN DE LAS INVESTIGACIONES:
SUPERIOR PARA LA PUBLICACIÓN DE ARTÍCULOS Y NOTICIAS DE CARÁCTER CIENTÍFICO.
TELÉFONOS
EN LA EDACCIÓN 46y74 99 de Y 83 46 EnRcuanto a la: 83 forma plazo presentación de las investigaciones,
deberán cumplir obligatoriamente con los siguientes requisitos: 73 éstas 51 info@conocimientoenlinea.com REGISTRO SOLICITADO PREVIAMENTE CON EL Los trabajos de investigación deberán presentarse bajo seudónimo, Pienso, NOMBRE DE CONOCIMIENTO. evitando incluir, en cualquiera de sus partes, indicio alguno que permita identificar al participante.
luego existo
DESCARTES 1596 a 1650
Mayores informes: La música es el idioma de Dios, no sólo la LAS OPINIONES EXPRESADAS Ave. Alfonso Reyes No. 1000 Col. Regina, textoARTÍCULOS deberá ser inédito, EN El LOS SONen español, con un mínimo de 100 páginasabstracción rítmica de la ciencia. Monterrey, N. L. C. P. 64290 de contenido. RESPONSABILIDAD EXCLUSIVA DE SUS AUTORES.
Tels. y Fax: (81) 20-20-97-25 al 28 E-mail: iapnl@yahoo.com
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