Historias de pasarela by Romina Bellone

Instituto Superior de Diseño y Arte

Producción de Moda II Historias de Pasarela]

Profesora: Lic. Martínez Anabel Alumna: Bellone Romina Inés Fecha entrega: 24 de agosto de 2012

Índice  Portada  Índice  Línea del tiempo  Diseñadores  Charles Frederick Worth  Paul Poiret  Lady Lucile Duff Gordon  Coco Chanel  Jeanne Paquin  Elsa Schiaparelli  Madeleine Vionnet  Christian Dior  Mary Quant  Paco Rabanne  Kenzo  Mugler  Gianni Versace  Valentino  Giorgio Armani  Vivianne Westwood  Jean Paul Gaultier  Yves Saint Laurent  Galliano  Alexander Mc Queen  Victor and Rolf  Burberry  Análisis de imágenes

Historias de Pasarela

Dise単adores

Charles Frederick Worth Nació en Lincolnshire, Inglaterra el 13 de octubre de 1825. Desde los 12 años trabajo en Londres como aprendiz y de un comerciante de tejidas (Swan y Edgar). Mas tarde fue ayudante de un taller de sastrería. Su afán por aprender. Por la moda, hizo que visitara frecuentemente museos de la capital estudiando los trajes de los cuadros que allí habría, y que les sirvieron de inspiración para muchas de sus creaciones posteriores. Con 19 o 20 años se traslada a Paris, donde es contratado por los almacenes Gagelin et Opigez: para que atendiera a la clientela inglesa, y conoce a la que posteriormente seria su esposa, Marie Venet. Worth diseñaba los vestidos que lucia Marie, y que hizo que captara la atención de la clientela de la Maison Gagelin. Unos años después de trabajar para otros, en 1857 abrió su propia casa de modas junto a su socio Boberg, en la Rue de La Paix “House of Worth”, de la que toma en 1871 la dirección en solitario, pues se vieron obligados a cerrar la tienda durante la guerra franco-prusiana. La llegada de Napoleón III al trono, hizo que su casa de modas creciera. El lujo que tenia la corte de aquel momento, hizo que su potencial clientela aumentara. Tras su muerte el 10 de marzo de 1985, sus dos hijos fueron los primeros en heredar el negocio, que se fusiono con la Maison Paquin en 1952, pero no se solucionaron los problemas económicos y en 1956 su biznieto cerro la casa. Se considera que también fue el primero que hizo desfiles de moda. Previa invitación, mostraba a las clientas sus colecciones en salones lujosamente decorados por los cuales hacia desfilar a jóvenes con sus creaciones. Al principio la clientela reacia a perder la exclusividad en un acto que congregaba varios clientes, se mostró reticente a la iniciativa. Pero la insistencia y tenacidad de Worth les hizo cambiar de parecer y pronto sus desfiles se convirtieron en una fecha señalada e la apretada agenda de la alta sociedad. La presentación ordenada de prendas en sucesión una detrás de la otra y la colección como un conjunto de directrices unificado tiene también su origen en las laminas ilustradas que las revistas de moda elaboraban para mostrar las propuestas para esa temporada de los diferentes desfiles talleres de costura. Esa iconografía se traslada a los salones, donde los figurines se transforman en modelos de carne y hueso que muestran las últimas novedades en moda. Worth fue el creador del termino Alta Costura, con colecciones de diseños impresionantes que denotan la riqueza en telas y gustos de la época. Fue pionero en atribuirse la categoría de celebridad al firmar sus creaciones como si de piezas de arte se trataran. Cada año presentaba una colección con la que aumentara sus ventas y por lo tanto sus beneficios. Las líneas de Worth eran sencillas, redujo la crinolina, de moda que la falda caía plana por la parte delantera y recogió el exceso de tela por detrás, consiguió unir la técnica inglesa del corte con el derroche de elegancia propia de los franceses a la hora de realizar sus creaciones.

Le gustaba trabajar el conjunto de la imagen de la clientela, por lo que daba indicaciones y decidía sobre joyas, peinados y demás complementos a los modelos que realizaba. Otra de sus innovaciones consistió en un tipo de patronaje que permitía intercambiar piezas de distintos vestidos haciendo que pareciesen diferentes según como se combinaran estas piezas. También acorto el largo de las faldas permitiendo verse las puntas de los botines en los trajes de paseo.

Paul Poiret Nació el 8 de abril de 1879 en el seno de una familia comerciante de telas en el barrio de Les Halles de Paris. Su padre le obligo a terminar sus estudios secundarios y luego lo mando a trabajar como chico de los recados en el taller de un paragüero. Poiret de su maestro tomaba retales de seda con los que elaboraba extravagantes creaciones que hacían su madre y hermanas. Su talento como dibujante le procuro un puesto en el taller del famoso modisto Doucet. Junto a él aprendió el arte de la costura, el de la buena vida y a tratar bien a las estrellas de teatro. En 1901 comienza a trabajar para el taller de Worth que pronto los despiden al realizar una prenda muy simple para la princesa rusa Bariatinski. En 1903 funda su propia maison de alta costura. Su primera clienta fue la actriz Rejane. En 1906 diseño un traje sencillo, entablado directamente bajo los pechos y que caia recto hasta los pies. La nueva mujer para el diseñador era modesta, joven y de movimientos descaradamente libres. Destierra las medias negras y cubría las piernas con sedas de color carne. En 1910 lanzo la falda trabajada, que obligaba a las mujeres a ir dando pequeños pasitos. En esta ocasión las mujeres no siguieron los dictados del genio, esto no le preocupo mucho, lo que siguió vistiendo a la mujer a su antojo con caftanes, quimonos y pantalones bombachos y cubriéndola con velos, túnicas y turbantes. Con bordados de vivos colores, puntillas de oro y plata, perlas y plumas. Fue el primer modisto en lanzar su propio perfume y en 1911 se aseguro un escándalo de inmejorable repercusiones publicitarias al presentar su falda pantalón, que recibió la condena de Pío X. Al comprobar en sus viajes que en todas partes se copiaban sus diseños, impulso la creación del Syndicat de Defense de la Grande Couture Francaise, que debía proteger las creaciones originales. Poiret fue un visionario, simplemente vivió integrado en su época, en los años previo a la I Guerra Mundial. Durante esta, el diseñador fue movilizado y, al regresar del frente comprobó con horror que todo había cambiado. Este no pudo comprender que la guerra había hecho más por la independencia de las mujeres que la moda. Creyó que podía recuperar a su antigua clientela dando fiestas y celebraciones, pero esto logro que acabase arruinado. Finalmente, abandonado por todos se retiro a la Provenza, donde consumido por el rencor se dedico a la pintura. Murió en 1944 pobre y olvidado, pero sin embargo su obra contribuyo enormemente al futuro de la moda. Poiret intento aumentar sus herramientas para las relaciones públicas. Trato con especial devoción a las estrellas de teatro, para lograr publicidad por su parte. Sus desfiles debían ser algo más fantásticos que los de Worth.

Lady Duff Gordon / Lucile Lucy Christiana Sutherland nació el 13 de junio de 1863 en Londres. Paso su infancia en Canadá y las Islas del Canal. Lucy adquirió su amor por la moda a través de vestir su colección de muñecas, mediante el estudio de los vestidos que usaban las mujeres en las pinturas de su familia, y mas tarde en la confección de ropa para ella y su hermana. En 1884 se casa con James Stuart Wallace. Tras su divorcio en 1890 comenzó a trabajar como modista para poder criar a su única hija, Esme. Su primer clienta fue su hermana menor, Elinor Glyn. Rápidamente se gano un público fiel de amigos y conocidos que conducen a la apertura de su primera tienda “Maison Lucile” en Old Burlington Street, en 1894. Para 1900 Lucy había desarrollado una habilidad para el diseño de vestidos únicos para sus clientas adineradas. Su propagación, reputación y su trabajo comenzó a llegar a un publico mas amplio, ya que creo el vestuario para los escenarios de Londres, los sombreros que creaba para la puesta en escena se reprodujeron para los grandes almacenes de venta al instante y demostrando la popularidad de los diseños de Lucy. Tras su segundo matrimonio con Sir Cosmo Duff Gordon, en 1900 se convirtió en lady Duff Gordon, y debido a la creciente demanda con el apoyo de Sir Cosmo fundo “Lucile Ltd” para vender sus diseños en todo el mundo. Lucy empezó a desarrollar soluciones innovadoras que la diferencian de sus competidores en Paris. El éxito siguió cuando abrió una sucursal en Nueva York (1910) y en Paris (1911). En 1912, gana fama por ser una de las sobrevivientes del Titanic. Pero las acusaciones de soborno de un equipo de bote salvavidas hace poner en peligro la reputación del matrimonio. Después de meses de investigación fueron reivindicados pero su esposo nunca se recupero del ataque. No contenta con el éxito en 1916 se asocia con Sears Roebuck para producir un catalogo de pedidos por correo de la lista de ropa para las masas. En 1919, las grietas comienzan a aparecer en el imperio Lucile Ltd. El catalogo se desvanece por una disputa legal y un mal acuerdo con un fabricante al por mayor la deja sin las exigencias y responsabilidades de ejecución en el día a día, como también sin el control creativo y financiero. Comienza a estar en desacuerdo con los cambios en la tienda de Nueva Cork y se va a Paris en un intento de recuperar algunas influencias. Una serie de casos judiciales muy costosos la llevan a la quiebra personal en 1923. Muere en Londres el 13 de junio de 1935 después de haber dejado una impresión duradera e innegable en el mundo de la moda. Sus diseños eran elegantes y extravagantes. Con una pasión por la femineidad y la creencia de vestir a las mujeres de adentro hacia fuera, rompió los límites de la ropa interior tradicional a las piezas de lencería. Descartándolos coses y enaguas, diseña para aumentar la sensualidad e el vestir y la libera de la ropa interior restrictiva. Faldas de hendidura y las líneas de bajo del cuello crea el epitome de la elegancia. Para Lady Duff Gordon, sus vestidos de noche y ropa interior reflejan la intimidad femenina y permitió una “visión en el alma de una mujer”.

Lanzo fotografías de mujeres voluptuosas con su ropa interior y sus dibujos aparecieron en muchas revistas de moda. La visión y la creatividad eran innegables. Se autoproclamo la inventora de los desfiles, con la contratación de seis modelos, que fueron capaces de hacer justicia a sus vestidos, que después de un duro régimen de entrenamiento; que incluía viajes a la peluquería y largas horas caminando con libros encima de sus cabezas, esas chicas se convertían en la encarnación de la encantadora feminidad. Para completar la metamorfosis, reubatizaba a cada una de las chicas reemplazando sus incongruentes nombres por exóticos apodos, en armonía con las personalidades individuales de cada una. Sus desfiles de inspiración teatral, eran solo con invitación a la hora del te. Eran presentaciones completas, con un escenario, cortinas, la iluminación ambiental del establecimiento, la música de una banda de cuerdas, souvenir, regalos y los programas. Otra de las novedades en la presentación de sus colecciones era lo que llamaba “vestidos emocionales”; a estos de le dieron nombres descriptivos, influidos por la literatura, la historia, la cultura popular y de interés de Lucile, la psicología y la personalidad de sus clientas. En el diseño se observa en lujosas prendas de vestir en capas y cubiertas con telas suaves de colores pasteles mezclados, a veces con ramos de flores de seda hechas a mano, que se convirtieron en un sello distintivo de su trabajo. Su impacto en el mundo de la moda fue cada vez mayor, tenía columnas en las revistas de modas más prestigiosas como Harper Bazar, Good Housekeeping y periódicos de Hearst.

Coco Chanel Gabrielle Bonheur nació el 19 de agosto de 1883 en Saumur, en el valle de Loira de Francia. Al morir su madre, su padre entrega a la pequeña Gabrielle al cuidado de una monjas en un hospicio de Correze. Sus ansias de libertad e independencia la empujaron a abandonar el orfanato y a colocarse como dependienta en una mercería de Moulins, trabaja que compaginaba con sus actuaciones en la Rotonda, un lugar de diversión para los oficiales del ejército. Con apenas veintidós años, se enamoro de Etienne Balsan, con el que mantuvo una relación de seis años. Balsan la arranco de su vida provinciana para mostrarle una existencia de lujo y ocio entre fiestas y carreras de caballos. Pero Coco quería trabajar, así que le pidió a Balsan para que le financiera la apertura de una sombrería, mientras el maduraba la idea, ella aprovecho para fugarse a Paris con Arthur Boy Capel, uno de los mejores amigos de su amante. En 1914 compra en las Galerías Lafayette varias docenas de sombreros que ella misma reformo y luego los saco a la venta. Ante el inesperado éxito obtenido, no lo dudo ni un momento. Lanzo su propia tienda de moda, que consiguió notable aceptación entre sus clientes. Terminando la 1º guerra Mundial, Gabrielle volvió a Paris y se instala en el Hotel Ritz y se volcó en su negocio, tendiendo como asesora y como conexión con la nobleza británica a Vera Bate Lombarda. En 1924 se alió con Pierre Wertheimer para promover la creación del perfume “Chanel N 5”. En 1929 el crack de Wall Street obliga a reducir la plantilla de personal a la mitad, los precios de los exclusivos diseños se redujeron considerablemente, pero ni siquiera de esta forma consiguió levantar la firma. Coco Chanel cerró sus salones y decidió marcharse a Norteamérica durante un tiempo. Al comienzo de la 2ª Guerra Mundial Coco tuvo que cerrar de nuevo sus salones, pero continúa viviendo en la capital parisina. En agosto de 1944 fue detenida bajo la acusación de co laborismo, y tras este episodio, se exilio en Suiza. En 1954, con setenta y un años, reabrió su casa de modas. Consumida por el reumatismo y la artritis, muere el 10 de enero de 1971. Fue una mujer independiente con un sentido genial de estilo y elegancia. Observadora innata, criticaba la estricta moda que seguían las mujeres y desplegó toda su imaginaria. Elimino la moda recargada que imperaba, diseñando prendas muy sencillas, cómodas de líneas rectas, pero con un toque de distinción. Para Chanel, el gesto y la actitud era lo que daba vida a sus prendas, haciendo que loas modelos que presentaban sus diseños caminaran con las caderas hacia delante, los hombros caídos, un pie delante de otro, una mano en el bolsillo y la otra gesticulando, convirtiendo esta postura en un cliché.

Jeanne Paquin Jeanne Marie Charlotte Becker nació en el año 1869 en la Isla de Saint-Denis, ubicada a las afueras de Paris. De niña, trabajo en la tienda de una modista local y luego se convirtió en costurera de la distinguida firma parisina “Maison Rouff”. En 1891 se casa con Rene Isidoro Jacob dit Paquin, un ex banquero y hombre de negocios. Fundando un mes antes de su casamiento su casa de modas. Sus enfoques innovadores para la comercialización y la estética de diseños juvenil pero suntuosa atrajo a las mujeres de moda en el mundo. En su apogeo la casa emplea a más de dos mil trabajadores. En 1896 la casa abrió una sucursal a gran escala en Londres, el primero de su clase, donde los diseños de la casa de Paris fueron producidos en los talleres de las instalaciones locales. Una sucursal en Buenos Aires y un establecimiento de pieles en Nueva York, seguido en 1912, y una rama final abrió sus puestas en 1914. En 1907 Isidoro Paquin muere repentinamente, dejando a Jeanne Paquin a la cabeza de su Imperio, su medio hermano y su esposa se unen a ella como socios en 1911. En 1914 envía su colección de primavera en una gira por Estados Unidos. Jeanne se retira en 1920 y once años más tarde se casa con Jean-Baptiste Noulens. Muere en 1936. Jeanne Paquin incorporo, desde el principio, el poder del espectáculo para promover sus diseños. En 1914 organizo en el Palace Theatre de Londres el primer desfile de modas entendido como un espectáculo con música. Además ideo el enviar actrices jóvenes a la opera vestidas con sus modelos mas recientes para difundir sus nuevas colecciones y el trasladar a estos a través de giras. Ella misma era la mujer publicista de su propio estilo, siempre llevaba sus propios diseños y, admiradas por el publico, fue la primer mujer en convertirse en un icono de la moda, estableciéndose como precedente de Coco Chanel. Sus diseños eran reconocidos por ser imaginativos, de una artesanía magnífica, y el arte incomparable; creo notables efectos visuales con texturas y matices tonales que van desde una luminiscencia etérea en lo vaporoso, a una vibración en negros presente en las creaciones de inspiración oriental. Armaba el juego de luces en la superficie de la prenda mediante la yuxtaposición de aplicaciones y telas. Aunque su calidad como artista de efectos visuales y composición fue insuperable.

Elsa Schiaparelli Elsa María Luisa Schiaparelli nació en Roma el 10 de septiembre de 189 en el seno de una familia adinerada y muy vinculada a la cultura y las ciencias. En 1914 se casa con el Conde William de Wendt después de veinticuatro horas de conversación platónica. La pareja de muda a los Estados Unidos en donde tiene s su única hija en 1920. Al poco tiempo de nacer de la niña su esposo las abandona y comienza a realizar varios trabajos para mantenerse hasta que en 1922 se traslada a Paris. Retomando sus antiguas amistades parisinas, empezó a entablar contacto con representantes de los movimientos artísticos. Para el año 1925, ya se atrevía a hacer vestidos para sus dos mejores amigas. Tras constatar su éxito, se ofreció como diseñadora independiente para algunas de las pequeñas casa de alta costura. En 1927, presenta su primera colección. A continuación firma una sociedad con un empresario ligado a los almacenes franceses. En 1928, el aumento de capital permite producir una colección de punto mucho más amplia. Para 1929 ya trabaja con tejidos nobles y puede permitirse fabricar sus propios estampados. Sus colecciones adquieren aires de alta costura de lujo y es invitada a mostrar su colección en Nueva York y elige el deporte como tema. También nacen de su mano los tejidos experimentales que solo ella se atreve a usar. Mucho antes de que naciera el término pret a porte, Schiaparelli delega la producción en serie de sus colecciones deportivas en fabricantes industriales, para poder trabajar y congregarse como modista de alta costura realizando toilettes de lujo para la ciudad y la noche. En 1935 inaugura su nueva sede en la plaza Vendame con una colección titulada “Stop, look and listen”, que contiene estampados de paginas de periódicos inspirados en los collage de Braque y Picasso. En 1939 los hombres son movilizados y todos los que pueden se marchan de Europa. Schiaparelli presenta un modelo para la fuga, que consistía en un mono de lana de pantalón ancho, con cuatro bolsillos grandes y cremalleras para llevar documentos, joyas, linternas y otros instrumentos valiosos. Muchas casa reducen su personal y otras cierran, pero Schiaparelli piensa que es una cuestión de prestigio para Francia luchar y seguir creando ropa. Pero con la invasión de los alemanes y la formación del gobierno co laborista de Vichy en 1940, también decide marcharse. En su vuelta a Paris en 1945, con la imposibilidad de encontrar recursos para volver a empezar y de los precios inaccesibles que tienen los tejidos, se las apaña para producir una colección en 1946. En plena huelga de sastres, se las arregla para presentar la colección de costura mas barata de la historia, obteniendo una excelente publicidad y una portada en el semanario norteamericano Newsweek. En 1952 comienzan las perdidas financieras y se ve obligada a multiplicar sus licencias en Estados Unidos, la quiebra lega con el cierre el 3 de diciembre de 1954. Schiaparelli publica su autobiografía y desaparece. Muere en 1973 a los 83 años. Fue Schiaparelli quien invento el desfile de moda concebido como espectáculo y provocación para el público, con largas y apretadas colas de espera.

Madeleine Vionnet Nació el 22 de junio de 1867, en el seno una familia pobre de Chilleurs-aux-Bois Loire. Vionnet comenzó su aprendizaje como costurera a los 11 años. Después de un breve matrimonio a los 18 años, dejo a su marido y se fue a Londres para trabajar como costurera de un hospital. En 1901, vuelve a Paris entrando a trabajar para las Soeurs Callot y en 1907 para Doucet. En 1912 decide abrir su propia casa de costura, aunque, coincidiendo con la primera Guerra Mundial decidió cerrar su establecimiento, reabriendo una vez acabada en 1918. En la década de 1920 Vionnet creo un gran revuelo con la introducción del corte al bies, una técnica para el corte de tela en diagonal a la fibra de la tela que le permite aferrarse al cuerpo mientras se mueve con el cuerpo. Preocupada por las copias, como la mayoría de los diseñadores, registro sus creaciones. Cada vestido salido de sus talleres llevaba su firma, un número de orden especial y su huella digital, e hizo álbumes de copyright, fotografiándolos de frente, perfil y espalda con un número. Fue una empresaria vanguardista. Avanzada a su tiempo en lo que a mejoras sociales se refiere, sus trabajadoras la apodaron la grande patronne, se ocupo de su formación, creo una enfermería, implanto las vacaciones pagadas, propuso estancias al aire libre, fundo una mutual, concedía permisos de maternidad, e incluso quiso que algunas de sus empleadas participara en la empresa. Además en sus talleres todo estaba previsto para el confort, con luz natural y sillas que permitían apoyar la espalda. En 1939, coincidiendo con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, se retiro, cerrando sus talleres porque estaba cansada. Mas tarde donaría a su amigo, el historiador Boucher, sus fondos de documentación, con los que en 1986 pudo crearse el Musee de la Mode et du Textile de Paris. Madeleine Vionnet murió el 02 de marzo de 1975, a los 99 años, en Paris, pero su legado estaba destinado a influir la moda contemporánea. El estilo de Vionnet, culto a la belleza de un cuerpo libre, se caracterizo por ser de una modernidad nunca vista hasta entonces, basándose en el drapeado de peplos griegos que dejaba en libertad al cuerpo y que, al mismo tiempo, realzaba sus curvas naturales. Un estilo purista que llegaría a su máximo apogeo en los años treinta. Al evitar los corsés, el relleno de refuerzo y todo lo que distorsiona las curvas naturales del cuerpo de la mujer, sus ropas eran famosas por acentuar la forma femenina natural. Vionnet se inspiraba en el antiguo arte egipcio, en el que las prendas parecen flotar libremente por todo el cuerpo en lugar de distorsionar o moldear su forma.

Christian Dior Nació el 21 de enero de 1905 en Granville, Francia. Cuando tenía 5 años, su familia se trasladó a París. En 1928, Dior y su amigo Jacques Bonjean abrió una galería de arte en la rue de la Boétie. En 1931, su madre y su hermano mueren y su familia se convirtió en la ruina económica. Visitó la Unión Soviética ya su regreso descubrió que su pareja Bonjean también estaba en ruinas. Cayó gravemente enfermo y salió de París durante un año, regresando en 1935. Su amigo Jean Ozenne le dio un lugar donde alojarse y lo ayudó a comenzar dibujando vestidos y sombreros. Dior comenzó a vender sus bocetos algunos de los cuales fueron adquiridos por Agnes. También conoce a Robert Piguet, que compró algunos bocetos, y algunos fueron publicados en "Le Figaro". En 1938 Robert Piguet abrió una casa de moda, Dior y tomó su primer trabajo, como diseñador. Sin embargo, como la guerra había comenzado, tuvo que dejar Piguet y se unió al ejército después de un año. En 1941, después del servicio militar a su regreso a París, se unió a Lucien Lelong como diseñador. En Lelong, Dior era feliz, podría diseñar más o menos lo que quiso y pudo permanecer en segundo plano, como él prefería, por su problema de timidez. En 1946, respaldado por el magnate textil Marcel Boussac, estableció su principal casa de alta costura en París. En doce años expandió su negocio a 15 países y emplea a más de 2.000 personas. Dior es conocido principalmente en 1947 por el "New Look", que emplea hombros estrechos, cintura estrecha, hizo hincapié en el busto, y una falda larga y ancha. Sus diseños representan la elegancia clásica consistente, haciendo hincapié en el aspecto femenino. Pierre Cardin se une a Dior y permanece allí hasta 1950. En 1948 Dior se establece en Nueva York. Es el primero de su tipo. En 1950 todos los accesorios se venden en los EE.UU. bajo licencia y en 1955 el lanzamiento de productos de belleza. En 1957 Christian Dior de repente muere de un ataque al corazón e Yves St. Laurent se hace cargo como jefe artístico de la firma La maison Dior sigue siendo una de las casas de alta costura más exitosos en el mundo. John Galliano se hizo cargo en 1997 y trajo una nueva imagen creativa de la casa de Dior.

Mary Quant Nació en Londres el 11 de febrero de 1934, estudio en la escuela de arte Goldsmith. Comenzó su carrera a mediados de la década de 1950, donde conoció a Alexander Plunket Green. Se casan en 1957 y dos años después ambos abrieron la primera tienda Bazar, introduciendo la era “mod” y el “chelsealook”. Al Principio revendía ropa de otros diseñadores, pero cuando se canso de buscar lo que quería sin encontrarlo, empezó a ofrecer sus propios diseños. Mary Quant promovió un arquetipo de mujer muy joven y delgada, encargada a la perfección por la modelo Twiggy. Puso de moda la minifalda que alcanzo los escandalosos 34 centímetros, en 1964. A partir de 1970 comenzó a diseñar distintos elementos: botas a la altura de la rodilla, blancas y de material sintético, con cordones hasta arriba, así como los jerseys estrechos y acanalados, a rayas o con llamativos cuadros. Sus diseños pegaron fuerte en los años 60, y representaron fielmente la moda británica del “swinging London”. Diseñaba con materiales económicos y coloridos, sobresalía entre los estilistas caros y populares. Su estilo extremadamente sencillo identificado por el símbolo de la margarita, contrasto con la seriedad de la moda imperante. Mary buscaba ropa nueva e interesante. Fue una de las pocas diseñadoras británicas que fue condecorada por la reina Isabel II de Inglaterra y en 1966 recibió la Orden del Imperio Británico. Con sus 70 años, vive a las afueras de Londres. Aun mantiene el peinado del estilista Vidal Sassoon que fue su marca registrada y conserva el mismo aire ingenuo con el que revoluciono la moda en la década de 1960.

Paco Rabanne Francisco Rabaneda Cuervo nacio el 18 de febrero de 1934. Su madre era la costurera en jefe del diseñador Balenciaga y su padre era Coronel de las fuerzas republicanas. En 1939 se exilia con su familia en Francia. Entre los años 1951 y 1963, estudió arquitectura eb la escuela Nacional Superior de Bellas Artes de Paris. En 1959, Women’s Wear Daily publica una serie de vestidos de línea geométricas, y depuradas y firmados por Franck Rabanne, un nombre que pronto conocería la fama. En 1955 y 1963, se encargo de diseños de bolsos para Roger Model y de calzado para Charles Jourdan. En el año 1963, es laureado en la Bienal de Paris por una escultura para jardín, expuesta en el Museo de Arte Moderno. De 1962 a 1966 fabrica artesanía de accesorios de fantasía. En 1965 crea las pacotillas, accesorios de Rhodoid. Innova, impacta y seduce con sus modelos de cuero ribeteado, plumas de avestruz y aluminio expuestos en Paris. De 1967 a 1970 tiene un basto periodo en experimentación con materiales y proyectos revolucionarios Paco Rabanne incorpora a sus colecciones el tejido con flecos, desgarrado o retejido, transforma los pañuelos de chalet o los fulares en vestidos o los calcetines en mangas de suéter. Aparición d mascaras, los corpiños y los chalecos de plástico ceñidos y de la textura de eslabón. Las colecciones se enriquecen con nuevos materiales tratados de manera poco convencional. En los 90 lanza una línea pret a porter femenino, las colecciones multiplican los efectos luminosos muy trabajados, al igual que los volúmenes esculturales: discos con efecto espejo, plexiglás, reflejos láser. Fibra óptica, etc. En 1996, solo tres años antes de retirarse, abandono las mallas metálicas para incorporar elementos más ecológicas El 5 de julio de 1999 anuncio que dejada el alta costura y cedió la creatividad a sus discípulos, como Rosemary Rodríguez o el estilista estadounidense Patrick Robinson.

Kenzo Kenzo Takada nació el 27 de febrero de 1939. Desarrolló su amor por la moda desde temprana edad, particularmente leyendo las revistas de sus hermanas. Asistió brevemente A la Universidad de Kobe, donde se sintió aburrido y eventualmente se retiró, en contra del deseo de sus padres. En 1958, ingresa a la academia de moda Tokio's Bunka Fashion College, la cual recientemente había abierto sus puertas a estudiantes masculinos. Luego de recibir su diploma, se radica en París en 1964. Los primeros diseños de Kenzo nacieron de telas del mercado de pulgas porque era lo único que podía costear. El éxito de Kenzo de dio en 1970: durante este año presentó su primer show en Vivienne Gallery; abrió su primer tienda, "Jungle jap"; y una de sus modelos apareció en la portada de ELLE. Su colección se presentó en Nueva York en 1971. Al año siguiente ganó el premio Fashion Editor Club of Japan. Kenzo probó su capacidad para las apariciones dramáticas cuando en 1978 y 1971 realizaba sus shows en una tienda de circo y los finalizaba con mujeres a caballo vistiendo uniformes con transparencias y a él mismo sobre un elefante. Su primera colección para hombres se realizó en 1983. En 1988, comenzó su línea de perfumes femeninos con Kenzo de Kenzo Desde 1993 la marca Kenzo pertenece a LVMH, una compañía francesa de artículos de lujo. Kenzo Takada anunció su retiro en 1999, dejando a cargo de su imperio de moda a su asistenta. En 2005, reapareció como diseñador de decoraciones presentando Gokan Kobo (taller de los cinco sentidos), una marca de vajilla, objetos del hogar y muebles.

Thierry Mugler Nació en Estrasburgo, Francia en 1948. Su pasión lo llevo a centrarse mas en el dibujo que en la escuela y a los 9 años, comenzó a estudiar danza clásica. La danza le abrió puertas al teatro donde descubrió los efectos de iluminación, asi como diseño de vestuario y dirección escénica. Al mismo tiempo, comenzó a tomar clases de diseño de interiores en la Escuela de Artes Decorativas de Estrasburgo. Con 20 años se traslada a Paris para comenzar a trabajar como asistente del diseñador de la tienda de Santa Gúdula. Mas tarde, diseñaría para André Peters en Londres antes de trabajar independientemente de otras casas de moda en Milán y Paris. En 1973, creo su primera colección llamada “Café de Paris”, que contó con los vestidos hechos de tela y con adornos de zorro. El estilo de la colección era a la vez sofisticado y urbano, y va en contra de las tendencias de la época. Incorpora un retorno a la imagen de una mujer sexy, parisino, elegante, atractivo y seguro, que canaliza gran parte de la elegancia sobria y atemporal de una actriz de Hitchcock. Esta primera colección habla sobre la obsesión de Mugler con lo híper femenino. En 1978 abrió su primera boutique en Paris. Sus fuentes son el glamour de Hollywood, la ciencia ficción, el fetichismo sexual, la historia política, el estilo de Detroit coche de la década de 1950, y varios períodos de la historia del arte y la decoración. De esta manera, su obra refleja el eclecticismo del mundo del arte durante los años 1970 y 1980. Mugler ha tomado un placer especial en el estilo industrial, que se muestran en las geometrías de precisión en los detalles ornamentales ya través de su vocabulario de referencias temáticas, que han incluido las formas era de los reactores utilizados en los automóviles fantásticos ideados por Harley Earl de General Motors durante la década de 1950. Diseños de ropa que funcionan como trajes en una narración dramática, han reforzado la importancia de la relación Mugler con el cine y en particular con los trajes de películas americanas de los diseñadores como Edith Head, Travis Banton y Adrian. Un amor de glamour era evidente en su extravagante colección de 1992, que recuerda la moda 1950 en su forma más abundante y fotografiado entre las esculturas barrocas del techo de la vieja ciudad de Praga. Su interés en el romance y lo extraño a menudo van en contra de las ideologías políticas. Contra un telón de fondo de la reinterpretación feminista de la imagen femenina, Mugler adoptó una postura irónica, posmoderna y explotado una serie de iconos eróticos como temas para sus colecciones. Mugler es un gran favorito de los involucrados en el corsé y el mundo fetiche. Sus diseños van desde el insectoide a la medieval, desde lo fantástico a la ciencia ficción. También ha trabajado con todo, desde el tafetán, encajes, muselinas, y rafia de fibras de coco, el cromo, el látex, y que cambia de color, de plástico sensible a la temperatura. Difícil de caracterizar y apareciendo a trabajar en la oposición a la moda actual y las tendencias intelectuales, Mugler ha seguido siendo una figura polémica en el mundo de la moda. Mugler también ha hecho collages fotográficos repitiendo y haciendo hincapié en los elementos formales de su ropa en las composiciones caleidoscópicas que revelaron su interés por la estética abstracta. Estas imágenes fueron concebidas como obras de arte puras, en el que la ropa se convirtió en un elemento del conjunto creativo.

No contento con meterse sólo en el diseño de ropa y la fotografía, Mugler presenta su primera fragancia en 1993. Ya sea agresiva vulgar o caricaturas de la sobriedad, los diseños de Mugler son siempre consciente de su cuerpo. Su ropa puede leerse como ensayos en el potencial estético de proporciones extremas; anchos hombros tres veces la altura de la cabeza, cinturas de avispa y caderas panniered se encuentran entre el repertorio de distorsiones y exageraciones de la figura humana se encuentra entre sus diseños. Colecciones anuales Mugler, tanto para las mujeres y los hombres, siempre tienen por objeto provocar a través de sus temas difíciles y extravagantes cualidades formales.

Gianni Versace

Nació el 2 de diciembre de 1946 en Reggio di Calabria, Italia. Gianni comenzó su aprendizaje a temprana edad, ayudando a su madre a encontrar piedras preciosas e hilos de oro para bordar vestidos. Estudió arquitectura antes de mudarse a Milán a los 25 años para trabajar en el diseño de moda. A mediados de los años 70, sus montajes llamaron la atención de las marcas Genny y Callaghan. Lo contrataron para diseñar sus colecciones y unos pocos años más tarde, animado por su éxito, presentó su primera firma de colección para mujer en el museo de arte, Palazzo della Permanente, de Milán. Su primera colección para hombre llegó en septiembre de ese mismo año. Después de presentar su colección de hombre, se unió con Jorge Saud, quien más tarde se volvería compañero. Una mañana de julio en el verano de 1997, regresando de su acostumbrada caminata por el paseo de Ocean Drive en Miami, Versace fue tiroteado enfrente de su mansión. Gianni Versace se destacó por sus creaciones exuberantes, sin miedo a la forma ni al color, incorporando materiales y técnicas novedosas. A través de su carrera, creó los más fabulosos vestidos de malla metálica en diversos colores que incluían otros tejidos como el algodón y el encaje plisado. En un vestido de una sola pieza para la noche, Versace podía insertar paneles de transparencia en faldas de cuero que marcaron un estilo propio en el mundo de las pasarelas. Versace también puso de moda las camisas de seda con grandes estampados, los jeans de colores vivos y las chaquetas de colores, muy populares en países como Italia y Francia en los años ochentas. Italia fue su gran adoración y la cultura italiana, representada en imágenes como jarrones romanos, la constante en el diseño y la forma de sus creaciones. La música también fue otro de sus medios de inspiración y muchos artistas modernos lo adoraron. Versace tenía un estilo "glamoroso" que llevo a su marca a lo más alto de las pasarelas, usando materiales y técnicas innovadoras, como su uso del aluminio, tecnología láser, de fundir cuero y el caucho.

Valentino Valentino Garavani nace el 11 de mayo de 1932 en el pueblo de Voghera, situado al sur de Milán. Su interés por la moda comenzó cuando era un adolescente y veía a su tía Rosa confeccionar prendas para la diseñadora local Ernesetina Salvadeo. A los 17 años, sus padres lo apoyaron para que fuera a París a estudiar diseño de moda en la Ecole des Beaux Arts y en la Chambre Sindícale de la Couture Parisienne. Sus primeros trabajos lo consiguió como aprendiz en Jean Desees y en Guy Laroche, pero en l959 volvió a Roma y abrió un taller de moda con el apoyo de su padre. El 31 de julio de 1960 conoció a Giancarlo Giammetti, con el que decidió abrir un pequeño atelier en la Vía Condotti. Giammetti tomó el control de las finanzas y juntos lograron el éxito a nivel internacional. Además de la relación profesional, Valentino y Giammetti mantuvieron un romance durante 12 años que jamás hicieron público. En 1962, cuando presentó su primera colección en el palacio Piti en Florencia, empezó a ser reconocido su trabajo por compradores y críticos de moda. Sin embargo, la gran oportunidad llama a su puerta tras la mítica presentación 'Colección sin color', en 1967. En 1969 abre su primera boutique en Milán y desde ese momento su compañía no ha cesado de crecer manejando en la actualidad líneas como Valentino Haute Couture, Valentino Boutique, Valentino Uomo, Miss V (una línea juvenil) y Oliver. Apasionado por un corte sastre perfecto, en los años 60 se decantó por dar luz a sus famosos trajes, a sus palazzos pijamas, o a los vestidos envueltos en plumas o pétalos. Abrigos y trajes de chaqueta continúan jugando un papel importante en sus colecciones. Telas diseñadas por él mismo, inspiradas en las pinturas de Klimt o Baks, o en su inicial V. Los años 70 marcan, sin embargo, una fase que el modisto prefiere olvidar por ser un periodo "de exageración". La década de los 80 de Valentino fue extraordinaria. Se destaca su uso del color rojo, los plisados y sus trajes columnas. En los 90, Valentino continuó siendo el reflejo del trabajo serio, glamoroso y lleno de clase. Valentino es famoso por su peculiar uso del rojo. Este color se convirtió en el sello de diseñador que desde hace décadas viste a las mujeres más elegantes del mundo y que a su vez, suele convertirlas en musas y amigas. Tras llevar 45 años diseñando, ha decidido retirarse del mundo de la moda. Atrás quedan los numerosos desfiles en las mejores pasarelas de mundo donde Valentino hizo gala de su arte con la aguja. Su última colección se presenta en enero de 2008, acto que, según Valentino, pondrá punto y final a su vida profesional.

Giorgio Armani Giorgio Armani nace el 11 de Julio de 1934 en Piacenza. Estudió tres años de medicina en la Universidad de Milán e interrumpió sus estudios al incorporarse al servicio militar, donde se desempeñó en Verona como asistente en un hospital militar. De 1957 a 1963 trabajó como ayudante de fotografía en los almacenes "La Rinascente" de Milán, el comercio de ropa y complementos más importantes de la ciudad. En corto tiempo era el encargado de la decoración de los interiores y viajaba por el mundo escogiendo prendas e importando moda para "La Rinascente". En 1964 Nino Cerruti le confía la elección de algunas telas para los diseños de su colección, y comienzan a trabajar juntos. Del trabajo con Cerruti, Armani se educa en todas las etapas del oficio: la elección de las telas, el corte, la confección y la comercialización. En 1966 conoce a Sergio Galeotti el cual era un diseñador en BBPR, una firma de arquitectos de Milán, en la costa Toscana, se convierten en amantes y un poco mas adelante en socios. En 1975, y junto con Galeotti, Armani funda su propia firma, aunque durante varios años sigue haciendo diseños para Allegri, Bagutta, Gibó, Hilton, Hitman, Loewe, Montedoro, Sicous, Spirito, Ungaro y Ermenegildo Zegna. La primera colección masculina que crea, se presenta en Julio de 1975 y tres meses después la femenina. El gran aporte que hace a la historia de la moda desde sus comienzos es la introducción de la sobriedad y las líneas del vestir masculino en la silueta femenina. Otra de las incuestionables aportaciones realizadas por Armani al mundo de la moda es su agresiva forma de mercadeo, que ha hecho del el mundo del cine y las celebridades su herramienta primordial. De tal manera que Armani ha conseguido introducir sus diseños en el mundo de la cultura moderna, con especial incidencia en el ámbito audiovisual. Giorgio Armani es un sagaz hombre de negocios, hábil al modular la creatividad y la fantasía de acuerdo a las nuevas necesidades de la vida moderna. Sus prendas son cómodas, habitualmente de líneas rectas y más bien sobrias, si bien confeccionadas en materiales selectos. Sus colecciones de mujer inciden en una estética más bien andrógina, no resaltan las formas y más bien buscan una estilización realzando la verticalidad. No abusa del colorido, si bien incluye ocasionales aplicaciones de pedrería e hilos metálicos. Armani es considerado un label o garantía de elegancia contenida, frente al atrevimiento más arriesgado de otros diseñadores. Su moda no experimenta quiebros o cambios rápidos, y muchos potentados la consideran un recurso infalible para vestir en las grandes ocasiones.

Vivienne Westwood Vivienne Westwood, nació en Tinwhistle, Inglaterra, en 1941. Después de terminar la Escuela de Arte de Harrow, Westwood se convirtió en maestra de escuela primaria. Ella ganó su vida como profesora hasta que se cruzó con Malcolm McLaren. Bajo la dirección de McLaren, y la influencia, Westwood se deslizó en el mundo de la moda juvenil, que refleja la confusión de aquellos tiempos rebeldes. Ella era responsable de la creación de reflejo y equipamiento de los movimientos sociales. En 1971 el dúo comenzó a hacer cambios drásticos en el estilo británico con una serie de tiendas. En 1974, Westwood y McLaren abrió su famosa Sex Shop. El concepto de estilo satírico y chic subversivos era el primero en la mente de Westwood y McLaren. Ambos fueron procesados una vez por llevar camisetas que mostraban a un vaquero homosexual. En 1975 se abrió Seditionaries, la primera tienda de auténtica ropa punk en Londres. Las tres próximas colecciones de Westwood fueron, Savage (1981) y Hobo y Buffalo (ambos en 1982), estas fueron muy innovadoras, y sus salvajes espectáculos en escena de baile, afectó a los estilos de espectáculos de otros diseñadores. Poco después, otra tienda abrió sus puertas en el moderno West End de Londres. La ropa de Westwood en este momento consistía en trapos enredados en el pelo, los sujetadores usados afuera de la ropa y las camisetas desaliñadas y destrozadas. En 1983, la alianza de Westwood con McLaren llegó a un final explosivo y doloroso. Sin su tutela y, a menudo la orientación dominante, Westwood comenzó a extender su rango de diseño. La colección de las brujas (verano de 1983), la primera completamente por su cuenta, fue una demostración de gran éxito de prendas de vestir de formas extraña, en corte y proporciones, sobre la base de un libro sobre el vudú que había leído. Después de varias temporadas de ausencia, Westwood pegó fuerte con su colección de otoño de 1985 se centró en la falda de miriñaque en forma de burbuja con altas y ajustadas medias. A través de la década de 1990 Westwood siguió reinando como reina de la moda punk. Se escandalizó e indignó al mundo de la moda con el pecho desnudo de los modelos y creaciones extrañas en las exposiciones anuales en París y otros centros de diseño.

Jean Paul Gaultier Jean Paul Gaultier nació en el año 1952, en Francia. De pequeño se la pasaba observando los cambios que producía su abuela que trabajaba en un salón de belleza, y el se quedaba fascinado observando las transformaciones que ella producía en sus clientas. Joven, creativo y autodidacta, pronto comenzó a diseñar bocetos, una afición que le llevó, con sólo 18 años, a conseguir un puesto de diseñador en el taller de Pierre Cardin, pero con 22 años, decide independizarse y presentar su propia colección femenina. En ella deja patente su gusto por combinar texturas delicadas y diferentes, como el tul con el cuero, y la ropa informal con piezas formales, este mestizaje y mezcla de estilos. Lleno de confianza y con la ayuda de Francis Menuge, su primera colección individual fue lanzada en 1976 y su característico estilo irreverente data de 1981. En 1977 crea su propia marca y desde entonces presenta varias colecciones todos los años. Los años `80 fueron suyos gracias a colecciones como High Tech, Etier papier, Paris Gaultier, Le Dadaiesme, colecciones basadas en ropa callejera, enfocadas en la cultura popular, y colecciones de alta costura muy formales y al mismo tiempo inusuales, forman el amplio espectro abarcado por Gaultier. En 1984 lanza “Hombre objeto”, su primera colección de ropa masculina, a la que le siguió otra en la que visitó a los modelos con falda, lo cual generó amplias repercusiones. Gaultier es quizás el más asociado con el aumento del interés popular en la ropa de diseño a mediados de 1980. Sus redefiniciones de la sastrería masculina tradicional fueron inmediatamente reconocibles entre las víctimas de la moda en la mayoría de las grandes capitales europeas, con detalles como puntas de metal en los cuellos y líneas extendidas de los hombros. Prendas estructuradas, como las chaquetas ajustadas fueron modificadas, para dar una forma de reloj de arena al cuerpo del usuario. Gaultier siempre se ha interesado en los nuevos desarrollos en tela e intrigado por las posibilidades de diseño de las modernas fibras artificiales, y es conocido por el uso de fibras no convencionales como las de neopreno. Gaultier se rebela contra la vieja escuela de alta costura de París, pero, debido a sus años de formación dentro de su sistema en virtud de Pierre Cardin, Jacques Esterel, y Jean Patou. Aunque sus diseños kitsch en la década de 1980 y principios de 1990 dio Gaultier una reputación como el enfant terrible de la moda, su colección de otoño del 98 fue uno de los muchos que fascinó a los críticos por ser innovador y portátil, y elegante. Gaultier ha señalado que la muerte de SIDA en 1990 de su amante y socio de negocios influyó en sus diseños, haciéndolos más simples y más sobrio, con menos agresividad y dureza. Después de un tiempo, sin embargo, él decidió que sus diseños se estaban volviendo demasiado clásico y volvió a hacer la ropa sexy e irreverente. Gaultier admite que ve la televisión constantemente, a veces varios programas a la vez, para inspirarse.

Yves Saint Laurent Nació en Orán, por entonces colonia francesa de Argelia, en el seno de una de las mejores familias de la ciudad. Le atraía el mundo de los diseños para teatro. Por su carácter peculiar sufrió acoso escolar, que él intentaba superar prometiéndose: «Algún día seré famoso». En 1950, Saint Laurent envió tres diseños a París, a un concurso convocado por el Secretariado Internacional de la Lana. Quedó en tercera posición, y acudió a recibir el premio acompañado de su madre. Sus diseños sorprendieron a Michel de Brunhoff, redactor jefe de Vogue, quien le recomendó que estudiase en laChambre Syndicale de la Couture. Saint Laurent le hizo caso y tras graduarse en Orán se mudó a París, pero abandonó el curso al cabo de pocos meses, decepcionado. En 1951 volvió a participar en el concurso del Secretariado Internacional, y esta vez resultó ganador, derrotando a un joven Karl Lagerfeld. Remitió más diseños a De Brunhoff, quien vio en ellos similitudes con un diseñador consagrado: Christian Dior. El responsable de Vogue envió estos diseños a Dior, quien vio al instante el talento de Saint Laurent y decidió sumarle a su taller. Con 18 años, Saint Laurent entró a trabajar en la firma Dior, si bien sus tareas iniciales fueron más bien prosaicas: decorar el estudio y diseñar algunos accesorios. Sorprendentemente, Christian Dior le eligió como su sucesor en el cargo de Diseñador Jefe de la casa. Saint Laurent y su madre se extrañaron por la decisión de Dior, quien parecía demasiado joven para jubilarse. Moriría de un infarto ese mismo año. En 1957, con 21 años, Saint Laurent se convirtió en el modisto más joven de la alta costura francesa. Su colección de primavera de 1958 alcanzó resonante éxito, al prolongar el estilo New Look acuñado por Dior. Este éxito contribuyó a rescatar la firma de una quiebra que parecía segura. Pero las creaciones posteriores de Saint Laurent cosecharon duras críticas, y su carrera en Dior se interrumpió en el año 1960, cuando fue llamado para cumplir con el servicio militar francés, coincidiendo con la guerra de independencia de Argelia. Saint Laurent había eludido la milicia hasta entonces gracias a influencias del propietario de Dior, Marcel Boussac, y se ha conjeturado que cuando Boussac quiso prescindir de él, movió los hilos necesarios para que le llamasen a filas. Saint Laurent duró apenas 20 días en el ejército. Debido a las humillaciones infligidas por unos compañeros, sufrió un ataque de estrés y fue ingresado en un hospital militar. Allí supo que la casa Dior no le reservaba el empleo y que más bien había prescindido de él; esta noticia empeoró su estado emocional y fue ingresado en el psiquiátrico de Val-de-Grâce, un centro tristemente conocido por sus terapias agresivas. Saint Laurent sufrió electroshocks y le administraron sedantes y otras drogas, una etapa sombría que ayuda a explicar sus posteriores problemas emocionales y adicciones. A finales de 1960 Saint Laurent abandonó el psiquiátrico, y al volver a París vio que su sustituto en la casa Dior era Marc Bohan, diseñador que se acercaba más al estilo «ladylike» que se buscaba. Saint Laurent demandó a la empresa por daños morales con la ayuda de su amigo Pierre Bergé, y con el dinero recibido, sumado al apoyo financiero del empresario J. Mack Robinson de Atlanta, creó su propia casa de costura.

La primera colección, Ligne Trapéze, de ese mismo año, se convirtió en un éxito instantáneo. La imagen y el logotipo de la empresa se encargaron al diseñador gráfico francés Cassandre en 1961, y siguen en uso hoy en día. La colaboración de Pierre Bergé fue sustancial para que Saint Laurent llegase a erigir una empresa sólida. Aunque interrumpieron su relación sentimental en 1976, siguieron conviviendo en la misma casa y colaborando, y Bergé fue el apoyo imprescindible que permitió a Saint Laurent seguir creando y superar sus crisis emocionales. Sus colecciones en los años 60 destacaron por la incorporación del esmoquin al vestuario femenino y por la implantación del prêt-à-porter como una línea comercial completa; de hecho fue el primer creador de alta costura que presentó una línea de esta nueva categoría de moda. En 1966 inauguró su primer local que comercializaba prêt-àporter. También fue el primer diseñador que incorporó mujeres de raza negra como modelos en sus desfiles. Sus diseños nunca dejaban indiferentes a los críticos. El desfile de otoño de 1966, inspirado en Mondrian, causó sensación, pero otras propuestas no se libraron de críticas negativas. En 1971 Saint Laurent lanzó una colección inspirada en los años 40 que fue masacrada porque se entendió que enaltecía los tiempos de la ocupación nazi y el «feo utilitarismo de la posguerra». Diseñó decorados y vestuario para filmes y obras. Pero las exigencias de producción en alta costura y prêt-à-porter (dos colecciones al año de cada categoría) le acarrearon un estrés creciente, que combatía con alcohol y drogas. En 1987 sufrió un traspié en críticas a raíz de un fallido desfile en Nueva York; exhibió chaquetas con aplicaciones de joyas de 100.000 dólares pocos días después de que un crack financiero sacudiese la ciudad. Desde entonces, fue delegando el diseño del prêt-à-porter en ayudantes. La marca Saint Laurent suscitó otro escándalo en la última etapa, cuando para promocionar un perfume masculino se recurrió a una fotografía de desnudo frontal, donde un modelo posaba con los genitales visibles. Saint Laurent fue también conocido por su faceta mundana; acudía a discotecas como Studio 54, y era consumidor habitual de cocaína. Cuando dejó las drogas, sumó otra adicción más inocua: bebía al día varios litros de Coca-Cola. Su vida íntima daba que hablar, aunque su compañero Pierre Bergé siempre le apoyó y contribuyó a que la empresa no naufragase ni en los peores momentos del diseñador. Saint Laurent y Bergé reunieron una importante colección de arte en su mansión. Su afición por el arte le llevó a homenajear a maestros como Piet Mondrian, Picasso y Braque, con vestidos que reproducen sus motivos. Yves Saint Laurent anunció su retiro del diseño de moda y las pasarelas en enero del año 2002. Se mostró decepcionado por la moda predominante, que a su juicio arrinconaba la ambición artística a favor del simple lucro «como si fuese hacer cortinas para ventanas». Falleció en París el 1 de junio de 2008, a la edad de 71 años, tras una larga enfermedad de cáncer cerebral.

Jonh Galliano Juan Carlos Antonio Galliano-Guillén nació el 28 de noviembre de 1960. Se trasladó a Londres cuando era niño y recibió educación en la Wilson's School de Wallington. En 1984 se graduó en diseño de modas de la St. Martin's School of Arts, con una colección inspirada en la Revolución francesa. Tras ello estableció su propia marca, con su nombre, iniciando así una sólida carrera como diseñador de modas. Le fue otorgado el premio Diseñador Británico del Año en1987, 1994 y 1995. En 1997 compartió el premio con Alexander McQueen, su sucesor en la firma Givenchy. Ha trabajado también con Susannah Constantine. En los años 1990, Galliano pasó a vivir a París buscando ayuda financiera y una amplia cartera de clientes. En 1995, Bernard Arnault, dueño del conglomerado LVMH le asignó el puesto de diseñador de Givenchy, esto lo convirtió en el primer diseñador británico que dirigía una casa francesa de alta costura. Menos de dos años después, el 14 de octubre de 1996, LVMH trasladó a Galliano a la firma Christian Dior. Su primer desfile para Dior coincidió con el 50 aniversario de la firma, el 20 de enero de 1997. Su amor por el teatro y la feminidad juegan un papel central en sus creaciones; "mi papel es seducir", ha dicho. Trabajador incansable, es reconocido mundialmente por su talento, su sentido del espectáculo, su poder mediático y su cuidadísima imagen, que en ocasiones roza la extravagancia. John Galliano fue premiado con el galardón la Aguja de Oro 2005 como el diseñador más destacado del año. Escogido por un jurado compuesto por 25 profesionales de los medios de comunicación y otras personalidades relacionadas con el mundo de la moda, en el año en que el galardón fundado por María Rosa Salvador celebra sus bodas de plata. No en vano el jurado ha hecho coincidir este aniversario del premio con el centenario de la casa Dior, de la que Galliano es director creativo. En los desfiles de la Semana de la Moda de París se presentaron las colecciones de Alta Costura para la temporada otoño-invierno 2006-2007, entre ellas la firma Christian Dior y su creativo John Galliano, quien de nuevo sorprendió y cautivó al público con sus nuevos diseños, inspirados en los signos del zodíaco, en las estrellas, en míticos guerreros de la historia, el futuro y el pasado.. Las modelos de Dior lucieron voluminosos vestidos largos de piedra nacarada en rosa, verde, oro y turquesa, con uno de sus lados enfundado en armadura metálica, en contraste con los dulces pliegues y bordados en el lado contrario, a juego con medias y zapatos puntiagudos, cada uno de un color y con tacones de cristal transparente. También espectaculares tocados en forma de corona o casco en bronce, piedras de cristal o reproduciendo animales. Al final del desfile John Galliano salió a la pasarela para saludar al público, vestido como un astronauta de otra galaxia y recibiendo una gran ovación. En 2007 Galliano presentó en el Grand Palais una discreta nueva colección de la firma Christian Dior con un estilo sencillo, elegante y sobrios colores, lejos de la fantasía a la que nos tiene acostumbrados el "enfant terrible". Dominó la colección una amplia serie de conjuntos de chaquetas y faldas grises, adornados con bordados en las mismas materias y colores. A continuación siguieron vestidos elaborados con seda y jersey de seda bordada y escotes variados, también de un solo color, primero blancos y de

tonalidades caqui, después rosáceos, muy claros, ya con drapeados. Aparecieron luego pantalones de tipo pitillo, a juego con blusas bordadas en los mismos tonos, a veces con motivos plateados. Igualmente vestido elegante y discreto, el modisto gibraltareño salió a la pasarela unos breves instantes para agradecer las ovaciones y aplausos con reverencia. En la primera jornada de la pasarela de alta costura de París para la primavera-verano del 2007, John Galliano y su colección estuvieron a la altura de todas las expectativas y se celebraron sus 10 años al frente de la firma Christian Dior, que a su vez cumple 60 años. Este desfile abrió la pasarela parisina, que para dar cabida a las 28 presentaciones se ha ampliado este año un día más y ha doblado sus invitados. La razón de este nuevo formato se debe a la incorporación a la alta costura de nuevos valores. Como en temporadas anteriores, presentan su colecciones 8 de los 10 miembros de la federación de la alta costura (Adeline André, Chanel, Dior, Christian Lacroix, Dominique Sirop, Franck Sorbier, Givenchy y Jean-Paul Gaultier). John Galliano ha presentado algo más que un desfile, un verdadero espectáculo inspirado en Oriente. La belleza de sus modelos de inspiración japonesa causaron sensación y se presentaron 45 diseños que elevaron el listón de la alta costura francesa. Las creaciones de Galliano para Christian Dior están llenas de volumen y color, al igual que el maquillaje, como si se tratara de verdaderas geishas. Las espectaculares piezas para la próxima Primavera-Verano son originales e ingeniosas, formadas por estampados florales y pliegues, simulando la antiquísima técnica de la papiroflexia. Otro complemento estrella del desfile fueron los sombreros y tocados, típicos orientales, así como la superposición de grandes abanicos.. El colofón del desfile fue ver al propio Galliano, vestido con uniforme militar americano de principios del siglo XX

Alexander Mc Queen Lee Alexander McQueen nació en el East End de Londres el 17 de marzo de 1970. A los dieciséis años abandonó los estudios para dar sus primeros pasos en el mundo de la moda en Savile Row, la calle de los sastres, primero en Anderson & Sheppard y más adelante en el taller de Gieves & Hawkes, donde cosió un traje para el Príncipe de Gales en cuyo forro bordó un mensaje nada políticamente correcto. Ya entonces el talante de McQueen hacía adivinar un estilo transgresor fundamentado en una sólida base clásica. En 1991 se graduó en la prestigiosa Central Saint Martins School of London. Su colección de graduación fue comprada íntegramente por la influyente Isabella Blow, directora de Tatler. En octubre de 1996, McQueen ganó el premio al mejor diseñador del año (Best British Designer of the Year). Unos días más tarde fue nombrado sucesor de John Galliano al frente del equipo de diseño de la casa Givenchy, gracias a su “brillante creatividad y maestría técnica”. En 1997, año en el que creó cuatro colecciones para Givenchy y dos para su propia marca, McQueen compartió el galardón al mejor diseñador británico del año con John Galliano. En diciembre de 2000, la prestigiosa marca Gucci adquirió las acciones mayoritarias de la firma Alexander McQueen. Esto le permitió desvincularse de la marca Givenchy y LVMH que, en sus palabras, limitaba su creatividad en algunas líneas de su propia marca, con algunas accesibles como McQ. Ese mismo año se casó con el cineasta George Forsyth. Su imagen de enfant terrible, junto a su creatividad transgresora y maestría en el corte, le convirtieron en uno de los más grandes y polémicos diseñadores de la historia de la moda. Su subida al poder fue un cuento de hadas por méritos propios; en 2003 fue condecorado por la reina Isabel II con el título de Comandante de la Orden del Imperio británico, que recibió de sus propias manos en el palacio de Buckingham, sólo porque le hacía ilusión a sus padres, ya que era anarquista y antimonárquico. El estilo de McQueen se caracterizaba por una brutalidad atemperada con lirismo. La sensibilidad gótica de un cuento de los Hermanos Grimm está más cerca del espíritu de la ropa de McQueen que el fetichismo, el goce y la misoginia de los que le acusan sus detractores. Por muy oscuros que fuesen sus diseños, siempre poseían una feminidad por la que se dejaron seducir. La influencia de cortes angulares y agresivos tiene su origen en el figurinista de la MGM Adrián, Christian Dior y Thierry Mugler. En 2003 lanzó al mercado su primer perfume, Kingdom y una colección de ropa para hombre hecha a medida producida por la sastrería Huntsman, de la londinense Savile Row. En 2004, se dio a conocer por primera vez en la pasarela de Milán su colección prêt-à-porter masculina. McQueen presentó sus colecciones en la Semana de la moda de París y cuenta con tiendas en las principales ciudades del mundo. El 11 de febrero de 2010 fue encontrado muerto en su domicilio londinense a los 40 años de edad.

Victor and Rolf Los creadores de piezas textiles Viktor Horsting y Rolf Snoeren se fusionaron como equipo generador de emociones. Se definen como una marca de lujo que esta en contra de las convenciones y restricciones, transgrediendo lo rutinario, desafiando a la gravedad e incluso las formas del cuerpo. Utilizan el cuerpo como soporte de múltiples significantes, y nos deleitan con performances de alto valor artístico. Su estilo, vanguardista, parte del extrañamiento de las proporciones, llevando a la ruptura de los límites. Los excesos nos cargan cuestionamientos de las prendas desde otro visor, mucho mas aislado de la función cotidiana de la vestimenta. Viktor y Rofl nacieron el mismo año, en 1970. Intentan transmitir la unidad, la seguridad que puede imponer un diseñador, una sola cabeza creativa, así se complementan en una misma visión del arte. Se encontraron como creadores de moda luego de graduarse en sus estudios de artes en la Academia de Bellas Artes de Arnhem (Holanda- 1992). En 1996 comienzan a revelarse contra del sistema de la moda tradicional, ya que este imponía presión desmedida con el propósito de recibir cada seis meses una nueva colección. Entendieron que debían dedicarse a la Alta Costura, donde podrían experimentar cada pieza en profundidad, y pensar en la creación de una atmósfera, en un discurso literario y no en vender masivamente textiles. Su primera colección de alta costura, fue en Enero de 1998, transbordándolos a las pasarelas más excéntricas de Europa. La colección Atomic Bomb, nos transportaban a la explosión de la bomba nuclear, utilizando como modificador los escotes que simulaban el hongo. En marzo del año 2000 presentaron su primera colección casual, su línea readyto-wear, inspirada en la bandera americana, una provocación enérgica de sus pretensiones latentes. En el año 2004 consiguen el reconocimiento mundial gracias al lanzamiento del perfume Flowerbomb, y la alianza con la gigante empresa sueco H&M. Estos individuos, presentan una estética casi como un himno, imposible de irrumpir. Su espacio de trabajo, como fuente inspiracional nos invita a un clásico salón de alta costura, donde la tienda esta ubicada al revés. Las aberturas, sillones, maniquíes, espejos, se encuentran en sentido contrario, desafiando a la fuerza de gravedad y llevándonos a un mundo donde todo es posible. Otra de sus características es utilizar las pasarelas con una visión distorsionada, creándonos un acto surreal. Su última colección primavera-verano 2009, directamente fue presentada vía web, con una cita (2/10) e ingresando a su pagina, podíamos ver el lanzamiento del Fashion Madrid directamente desde donde lo deseemos, llegando este evento a todas partes del mundo. La extravagancia de las construcciones y el aspecto poco convencional de sus prendas, hicieron apreciar una fuerte identidad posmoderna. Cada tipología, va acompañada de un claro estilismo, donde encontramos un enorme relato de fantasía, difícil de comprender pero donde podemos contemplar la estética como primer centro de interés, sin analizar ocasión de uso, funcionalidad, conformidad, u otro parámetro necesario para que un individuo lo pueda usar en su vida cotidiana. Suelen marcar un espacio teatral, con enormes vestuarios y donde dentro de cada prenda encontramos toda una variedad de elementos que nos comunican características de esta colección. Son representación simbólicas que provocan al espectador, a la reflexión de

que hasta que punto esta rama artística nos deja de vestir para contar y generar un momento único, una conexión entre el diseño y el usuario. El narcisismo, otra clave, esta en permanente confusión la elegancia y feminidad de la mujer adherida a envolventes diseños irreales, ficción o realidad. Estos diseñadores disparan imágenes, que afectan nuestros sentidos, y que a cada persona los llevara a una interpretación, conforme o no. Son prendas que a partir de cada plano adquieren una transformación, no apreciamos la obviedad en sus diseños, ya que sorprenden según como y desde que punto los observemos. Uno de los recursos mas observados sobre el historial de los diseños de estos artistas es la repetición de módulos, es decir piezas son multiplicadas, para darnos un discurso visual único. Teóricamente la repetición se contrapone a la concepción de obra de arte como irrepetible, como objeto único, pero como las partes repetidas son componentes de la obra en si, no se juzga la autenticidad de los diseños. Sí, se interpreta como generador de ritmo visual, como sistema organizado, que nos relata un orden. El orden puede ser dinámico o estático y corresponde a una medida espacial. Otro centro de interés a nivel morfológico fueron los tamaños, módulos, los excesos de llegar a sobrepasar los límites anatómicos de los ejes móviles (modelos). El mismo discurso nos genera fuerzas expansivas de levedad, poder, articulación del ser, metamorfosis. Excentricidad, el eje central del mundo pasa a ser uno mismo, ya no el hombre como representante del mundo ni dios, si el YO, mi YO.

Burberry Thomas Burberry nació en 1835 en Dorking Surrey, Reino Unido. Se formó como aprendiz de un pañero. En 1856, abrió su propio negocio de cortinas, llamado T. Burberry and Sons, en Basingstoke, Hampshire. El negocios prosperó y en 1870 Burberry se conocía como un "emporio", con un mayor enfoque en el desarrollo de uso al aire libre para los residentes locales y los deportistas visitantes que frecuentaban la tienda. Thomas Burberry inventó la gabardina, una tela transpirable realiza mediante un proceso innovador en el que se impermeabilizado el hilo antes de tejer. Esta tela no sólo era resistente al agua, sino también extremadamente durable. La patente fue llevada a cabo en 1888. En 1891, Burberry estableció un negocio de venta al por mayor en Londres. En 1891 Thomas Burberry abrió su primera tienda en el Haymarket, ahora el sitio de la sede corporativa de Burberry. El escudo del oficial Tielocker, diseñada por Burberry en 1899, fue el precursor de la capa de foso de hoy. El logotipo de Burberry del Caballero Ecuestre fue desarrollado y registrado como marca en 1901. En 1902, Burberry establecido "gabardina" como marca y en 1909, el "Burberry" fue registrado como marca para las capas de la sociedad. Durante la Primera Guerra Mundial los abrigos de Burberry fueron diseñados para los británicos del Royal Flying Corps (más tarde la Royal Air Force). El modelo de estilo militar de Burberry se convirtió en la trinchera de la Primera Guerra Mundial. Tiene un canesú trasero profundo, hombreras, correas de hebilla del manguito, una solapa abotonada en el hombro y los bolsillos de tormenta. Después de la guerra, la gabardina fue absorbida en la vida civil. Conocido como "Burberry" ha sido copiado en todo el mundo. La comprobación de Burberry, como marca comercial registrada, fue presentada como un revestimiento para la capa de foso en la década de 1920. En el 60 Burberry hizo una puñalada en el mundo de la moda, y fue visto en los paraguas, equipaje y bufandas. Sus cuadros es ahora uno de los más reconocidos en el mundo. En la década de 1980, la compañía comenzó a revitalizar sus marcas registradas. Esto fue acompañado por la expansión comercial, la apertura de tiendas en Nueva York y otras grandes ciudades. Thomas murió en 1926 a la edad de 91. Las prendas son de líneas limpias, estilo clásico y colores tradicionales (ramas de la comprobación de Burberry rojo, negro, beige y blanco). La ropa es sorprendente en su belleza simple.

Análisis de Desfiles 1900 Los diseñadores mostraban sus colecciones en los lugares populares tales como las carreras de caballos, en donde las modelos, escogidas por ser clientas mostraban las prendas. También solían presentarse en los restaurantes, donde caminaban en círculos por la pista de baile, para que todos los comensales pudieran obsérvalas. No estaba establecido un lugar para la prensa. Las modelos tenían una contextura rellenita, de cara redonda que denotaba que eran mujeres saludables, llevaban el cabello recogido y abundante maquillaje. En cuanto estilismo la forma de caminar era erguido y siempre sonriente. Los diseños que desfilaban marcaban una silueta S, por el corsé que empujaba el busto hacia arriba, estrechaba la cintura y l falda ajustada a las caderas se ensanchaba en forma de campana al llegar al suelo, cubriendo los zapatos; las plumas y el encaje hacen furor, destacando los grandes sombreros con infinidad de adornos y ornamentos 1920- 1930 La exhibición de los diseños comienza a realizarse en el atelier del diseñador. Se utilizaba la escalera o el salón principal para el desfile de las modelos. Se seleccionaban a las mejores clientas y a la prensa se la ubicaba adelante para que pudiera cubrir el evento. La coreografía en estos desfiles era teatral con música y narrada, las modelos portaban un número que indicaba la prenda que lucían para que la clienta pudiese identificarla para la compra. Las modelos eran delgadas, con el pelo corto o recogido y el maquillaje era abundante. Los diseños de esta década comienzan a ser mucho más práctica. Se desciende la cintura a la posición anatómica, marcando el talle y ensanchando los hombros. 1940 los desfiles siguen realizándose en el atelier donde era personalizado y la modelo conversaba con la clienta mostrando con detalle las prendas o se realizaban puestas en escena. Se comienzan a realizar desfiles para ser transmitidos por televisiones donde se mostraba a un grupo de mujeres con las ropas del diseñador. En el backstage solo se encontraba el diseñador con las modelos que asistía a la hora de vestirlas. Las modelos eran delgadas, lucían peinados recogidos o semi recogidos. Con maquillaje natural y acentuando la mirada. Posaban con una sonrisa y caminaban de manera que las telas de las prendas se pudieran lucir. La silueta de esta década se vuelve a forzar con una cintura muy estrecha, con mucho volumen en hombros, pecho y en la falda que aumenta su vuelo, pero manteniéndose por debajo de las rodillas. Con zapatos estilizados y puntiagudos, abrigos de paño, bolsitos al codo y elegantes sombreros o pamela. 1950 los desfiles se realizaban en el atelier, sonde las modelos realizaban poses estáticas y estaban mas serias. Los diseñadores siguen asistiendo a las modelos en el backstage. Una década en donde se apelaba a la artificialidad, las mujeres no salían a la calle sin maquillaje ni joyas. Las mujeres cambiaban el color del pelo muy a menudo, se llevaba liso, ondulado, largo o corto. El color más popular era sin dudas el rubio, se usaban también los postizos. Las orejas siempre quedaban a la vista para poder lucir joyas como aros grandes y con mucho brillo que se combinaban con collares de perlas de una o dos vueltas. Los pañuelos eran fundamentales para aquellas mujeres que conducían autos descapotables, este se colocaba sobre el peinado que se pretendía proteger. Los

guantes eran casi un accesorio obligatorio, a menudo eran del mismo genero que el vestido. Los cinturones anchos fueron el complemento mas importante de la década, para comprimir y resaltar la cintura femenina.

1960 en esta década los desfiles se realizaban en salones y restaurantes donde se armaban pasarelas bajas y angostas o marcadas con una alfombra. Se realizaban con un público mayor y la prensa sin una ubicación establecida. Se relataban las pasadas que hacían las modelos. Se requerían entre 10 o 20 modelos y un equipo de trabajo para organizar los percheros y asistir a las modelos. Las modelos eran extremadamente delgadas, con aires juveniles y alegres. Lucían un maquillaje natural donde solo acentuaban los ojos con delineador negro y mucho rimel. Las pasadas eran descontracturadas, donde se las podía ver bailar y divertirse entre ellas. Los diseños eran extravagantes y unisex. Los estampados con mariposas y flores de colores. La silueta se vuelve a hacer mas lisa y nace la minifalda. 1970 los desfiles se realizaban en salones con pasarela tipo escenario y con música en vivo y un locutor relatando las prendas que se exhibían. Comienza a realizarse los primeros concursos de belleza. Las modelos ya no son tan delgadas, siguen resaltando la mirada y el pelo platinado y voluminoso. Desfilaban con pasitos cortos, rápidos y coreografiados con una sonrisa picara. Se comienzan a llevar varios estilos, el hippie, el étnico, la moda disco con las plataformas, los pantalones de campana, las melenas, el look travolta y el punk. La silueta vuelve a marcar las formas del cuerpo y se ciñe como nunca, los pantalones y las camisetas son como una segunda piel. 1980 Los desfiles se realizaban en salones, ambientados con música, juego de luces y diseños de wall. Estaban coreografiados de acuerdo a la historia en la que estaba inspirada la colección. Solían ser extravagantes y teatral. Con alrededor de 30 a 40 modelos. El público se encontraba ubicado a los costados de la pasarela y la prensa sectorizada en un área determinada para ellos. Son de público masivo. En el backstage gran numero de asistentes y comienzan las fiestas en el back después del desfile con las modelos y celebritis que asistieron al evento. Con el cabello largo y el exceso de maquillaje. Desfilaban de manera seria y en línea recta. El cuerpo debía lucir natural y entrenado. Durante el día las mujeres solo usaban tonos naturales para maquillarse.. El volumen, los colores y las exuberancias eran moneda corriente al vestirse. Las piezas más emblemáticas de la década fueron las remeras holgadas y coloridas, frecuentemente estampadas y con grandes hombreras; también los pantalones ajustados; los chalecos, las faldas rectas y minifaldas. Las mujeres se subían a zapatos de taco alto y usaban cantidades de pulseras. Los peinados abundaban en rulos, jopos y flequillos, el maquillaje era recargado. Los pantalones vaqueros o jeans, también fueron protagonistas debido a que los tratamientos de pre-lavado los hacían lucir decolorados y chic. La lencería iba adquiriendo también un lugar importante en la moda. El uso de colores era variado, aunque el blanco y el negro tuvieron su gran momento. En estos años se difunde mucho la vestimenta de gimnasio, ligera e informal como las calzas, las polainas y las vinchas de múltiples colores.

1990 Vuelven las pasarelas sobre el piso, con ambientaciones de acuerdo al concepto del desfile. Se comienzan a realizar dos tipos de desfiles; uno era el de venta y el otro tipo show para mostrar la creatividad del diseñador. Desfilaban de a una a la vez. Las modelos siguen siendo altas con cuerpos atléticos y estilizados. El cabello corto y maquillaje minimalista o artístico dependiendo del tipo de desfile. Desfilaban moviendo las caderas. Las mujeres debían lucir natural. la moda se volvió casual. Los piercings, tatuajes, tintura de pelo fueron las nuevas tendencias, muy comunes de la moda de 1990.

2000 los desfiles se realizan en grandes salones, en exteriores o en el atelier. La ambientación sigue siendo acorde al concepto elegido por el diseñador, generalmente minimalista o tipo show. El back sigue contando con mucho personal pero mas organizado que en décadas anteriores. Con el publico ubicado cuidadosamente y un sector para prensa. Se realiza una pasada por modelo. En esta última década las modelos son delgadas, lucen maquillaje natural y peinado acorde al vestuario. Caminan de manera seria en forma recta y paran posan y siguen. A principios del 2000, se impusieron los pantalones de jean de tiro bajo, las ojotas y los tops. Durante la época de verano, estuvieron muy de moda los vestidos cortos y los polos escotados, en especial entre las adolescentes. Asimismo, la moda Gótica fue adoptada por diversos grupos como los punk, funkies y emos, con la presencia del color negro en sus prendas y maquillajes. Los ochentas también regresaron con fuerza, especialmente entre las más jóvenes. Los pantalones Oxford, así como las minifaldas, las faldas vaporosas y los jeans con aberturas y looks desgastados. También se hicieron populares algunas prendas utilizadas por los hippies, tales como los atuendos frescos de colores africanos o jamaiquinos. El encaje volvió a encandilar a las jovencitas. Así, aparecieron las faldas tejidas en organza y tul, así como los corsets de brocados calados, así como los forros de encaje. Los estampados de flores sobre fondos negros también fue una corriente que se popularizó junto con la impresión de detalles diversos en los vestidos. Los setenta por su parte, también parecen haber regresado con los estampados de corazones, plumas y psicodélicos en las prendas de hoy. Los shorts de gabardina, polos con capucha y vestidos de gasa con capas en colores pasteles son algunas de las tendencias actuales, pero que tienen su inspiración en lo que fue la moda de los sesenta.