Cucaracha albina

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CUCARACHA ALBINA

FILOSOFIA BLANCA

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Notas de Editor Génesis Alayón.

Como editora y directora de arte de la Cucaracha Albina quiero manifestar la inmensa alegría que nos genera culminar y poder mostrarles este número.

Hoy en día desarrollar y crear proyectos independientes de este tipo origina una lucha constante para mantenerlos en pie, nos hacen esforzarnos para darle larga vida a esto que es un fruto de nuestra imaginación y creatividad. Espacios abiertos a la opinión, a la creación, a los pensamientos, a la imaginación y sobre todo a la divergencia deben ser espacios que nunca mueran, sino todo lo contrario, que como creativos que somos defendamos la voz y la opinión de cada quién que tenga la valentía de decir algo.

En nuestra revista establecemos relaciones entre el arte y la filosofía desde un punto de vista innovador, fresco y atrevido que te invite a ti (nuestro elemento más preciado) el lector a curiosear entre las palabras de nuestros autores, a dar tu propia visiónde las cosas, a opinar y a crecer en cultura.

La Cucaracha albina es un insecto muy raro pero particularmente único, sus colores claros y cálidos lo transforman de ser un rechazado de la naturaleza a ser una belleza grotesca y bizarra pero al mismo tiempo sutil, así como nuestro lema “filosofía blanca” que invita a analizar las cosas desde su lado positivo, así que busquemos la belleza en las cosas nuevas y raras, en lugares donde no pensemos que la vamos a encontrar, busquemos con una mirada positiva, busquemos a la cucaracha albina.

CONTENIDO 02

NOTAS DEL EDITOR 06

KYMIA NAWABI

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LA FILOSOFÍA

DE LA GUERRA

08

IDEAS SOBRE LA

Y EL ALMA ES SU OBRA

TRAGEDIA EN EL ARTE

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LA CENA

LA FEMINIDAD

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TEORIA DEL ARTE

NUEVA HISTORIA

DE LA ARQUITECTURA “LA DECONSTUCCIÓN EN EL SIGLO XXI”

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Y EL DISEÑO EN EL CASO DE ABSOLUT VODKA

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Bibliografía

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LA FILOSOFÍA

DE LA GUERRA Luis Sinza Todos hemos oído hablar de la guerra pero, buscando la forma de verla desde una perspectiva más filosófica siempre se plantean cuatro preguntas muy frecuentes, ¿Que es la guerra? ¿Que causa la guerra? ¿Cuál es la relación entre la naturaleza humana y la guerra? ¿La guerra puede ser moralmente justificada?

Definir lo que es la guerra requiere determinar las entidades que pueden declarar o actuar en ella.

Particularmente el concepto de la guerra para una persona expresa el conocimiento o inclinación filosófica y política de ella, limitando su definición a un conflicto entre naciones o estados, pero también puede haber conflictos entre escuelas de pensamientos o teologías. La guerra es el conflicto socio-político más grave de la humanidad. Desde la antigüedad se han organizado enfrentamientos armados con el propósito de controlar recursos naturales o humanos, para imponer ideologías, religiones, para someter o en todo caso eliminar al enemigo.

Las respuestas a la interrogante de ¿que causa la guerra? Varía de acuerdo a la postura del filósofo; en lo que es la determinación y el libre albedrío.

Si las acciones de los humanos van mas allá de su control, la guerra seria irrelevante e inaudible.

Por otra parte, si la guerra es producto de una decisión humana entonces las causas pueden ser:

biológicas, culturales y de razón, lo cual dependen totalmente de la moral de los entes.

Naturalmente el ser humano es dominante, por eso se cree que en nuestra naturaleza están los conflictos.

Voltaire, quien defendió la tolerancia por encima de todo, propone que “Todos los animales están perpetuamente en guerra, unas especies han nacido para devorar a otras”... ... “los machos de la misma especie se hacen guerra por las hembras...” “... El aire, la tierra y el agua son campos de destrucción...”.

Así pues el hombre ha nacido con el instinto de luchar por lo que quiere y lo que cree, nadie se rendirá entonces al ver las banderas de sus oponentes y con orgullo y honor levantará las suyas propias (por eso, desde un punto de vista filosófico, el hombre y la guerra están relacionados).

Finalmente la cuestión es si esta filosofía es moralmente justificada. Tiene que ver con los estudios de la ética, en el contexto actual, se requiere de un conocimiento en la cuenta del personal militar y del civil, las armas empleadas y los métodos utiliz dos. Por estas razones para concluir con su “justificación” amerita un proceso complejo donde influyen muchas variables.

Las respuestas a todas estas preguntas conllevan a preguntas más específicas aplicadas a la ética y a la política. En conclusión, la filosofía de la guerra es un tema muy complejo que requiere de un pensamiento concreto en los campos de la metafísica, epistemología, filosofía del pensamieto humano, filosofía política y ética.

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KYMIA NAWABI

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Y EL ALMA ES SU OBRA Génesis Alayón El alma, un tema tan amplio pero tan limitado como el número de letras en esa palabra, ¿por qué no osar escribir sobre ella? O al menos intentar plasmar su significado en una obra de arte, pues los pocos lo han intentado y el resultado ha sido espléndido.

Desde la antigüedad el ser humano se ha cuestionado si hay algo más allá del cuerpo, si en realidad existe algo que no sea materia, si poseemos un espíritu o en este caso un “alma”. A mí siempre me ha parecido curioso como cada persona le da un sentido diferente a lo que esta palabra significa, en especial la perspectiva de la artista visual Kymia Nawabi; que con su “Not for long, my forlon” (2011), su primera exposición luego de ganar el premio “The great artist” en el Museo de Brooklyn, logra darle una interpretación muy personal a lo que ella considera es su alma, pero, antes de profundizar en el tema preferiría dar un paso atrás en materia.

Not for long, My forlorn (2011). Acrílico, crayón, brillantina, tinta, papel y acuarela sobre papel. 122 x 122 cm

Al igual que todos los griegos Platón consideró que el alma es el principio que anima los cuerpos de los seres vivos, que les da vida y movimiento pero lo peculiar de su concepción se muestra en su visión del alma como principio de racionalidad y dotada de carácter divino; paro este autor el alma es la parte más excelente del hombre, gracias a ella podemos alcanzar la ciencia y realizar acciones buenas; el alma - al menos la parte más excelente - nos vincula con el mundo divino y está dotada de un destino inmortal.

A lo largo de la historia filósofos e importantes personajes han escrito y hablado de la existencia de un ser más allá de lo material, por ejemplo: Platón.

Platón interpreta el alma principalmente en dos sentidos: El alma como aquello que permite a los seres vivos realizar actividades vitales y en el caso del alma humana como el principio divino e inmortal que nos faculta para el conocimiento y la vida buena. Platón hablaba de tres tipos de alma: Alma Racional,

entorno a un pájaro rojo que se lleva un espejo y un autorretrato parece controlar al pájaro con su mente, 7 plantea la idea de un poder más allá, de una voluntad más allá. En otras obras, como las dos principales “Not for long, my forlon” (2011) y “The bridge” (2011), se inclina por una representación más nostálgica sobre el cuerpo que muere y el alma que perdura, lo que llamaría Platón: el Alma Racional. En la primera ilustra un entierro en el que representa la muerte del cuerpo y la The philosopher’s Stone is in you (2011) Acrílico, tinta y acuarela sobre papel.183 x 274 cm. permanencia del espíritu, que en su dibujo es un ser hecho de plumas, como una fusión entre un ave y un humano (ella usa esta imagen en muchas de sus obras para representar un ser de un plano mayor al mortal); la segunda, “The bridge” está inspirada en la muerte de su padre, quien tenía un barco. En la inauguración de la exposición Kymia dijo: -“Quise representar el alma de mi padre en la vela de un barco, él me llevaba a navegar y siento que ese barco siempre estará allí conmigo representando su esencia”- Entonces, ¿el alma de las l reciclado personas está hecha de sus experiencias? ¿El alma es un objeto, un recuerdo? Yo diría que no. Pero es así como lo intenta plasmar Nawabi con sus acuarelas finas y sus The soul purpose (2011). Tinta y acuarela sobre papel. 183 x 244 cm. delicadas líneas de lápiz de las cuales se vale para presentarnos una obra limpia y lo que ella llama (parte superior del alma humana, inmortal y divina, “un reflejo de su alma”. gracias a ella alcanzamos el conocimiento y la vida buena), el Alma Irascible (parte del alma humana Desde mi punto de vista cada persona o al menos cada en donde se sitúan la voluntad y el valor) y el Alma artista debe reflexionar sobre este tema, si realmente Concuspiscible (parte mortal del alma humana hay algo más allá de lo que podemos ver en nosotros esponsable de las pasiones, placeres y deseos sensibles). hagamos un esfuerzo de comenzar esa búsqueda e intentar plasmarlo; sería muy interesante que cada La incógnita es si de verdad ésta se puede o no plasmar en quien mostrara en imágenes lo que hay dentro de sí, imágenes, Kymia Nawabi lo intenta en su obra consante y así poder contemplar como se ve el mundo o la y en ejemplos como “The philosopher’s Stone is in you” esencia a través de otros ojos.

(2011), en la que crea diversos personajes que rondan

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IDEAS SOBRE LA

TRAGEDIA EN EL ARTE María Niño Al estudiar la historia a través del arte se puede conocer el espíritu de cada época, la singularidad con que algunos artistas se desviaron del proceso y acogieron en su seno las máximas expresiones del alma humana. El gusto por el horror y lo feo, lo grotesco y lo malvado, ha ido creciendo paulatinamente a través de los siglos hasta llegar al evidente triunfo de lo feo en la actualidad, así, durante las vanguardias hubo un claro rompimiento hacia la liberación de los sentidos en cuanto a producción artística, cada vez vemos más crudeza, lo grotesco forma parte importante en la vida del hombre, que tiende siempre hacia el horror. El morbo mueve a los seres humanos desde la antigüedad, la tragedia griega, el arte cristiano con el dolor de cristo, el infierno, lo grotesco en el renacimiento, la exaltación del yo en el romanticismo, lo místico, lo mítico, los monstruos y el satanismo, todo esto ha florecido y lo vemos en los artistas más representativos de cada época.

Esta fascinación por el sufrimiento fue punto de partida para las diferentes manifestaciones artísticas del hombre: la pintura, la escultura, el teatro, la literatura, música y poesía. Lo grotesco, lo feo y el dolor son parte fundamental del sentir humano y de la historia de la humanidad. El filósofo alemán Friedrich Nietzsche expone: “La psicología de lo orgiástico como un desborde del sentimiento vital y de fuerza, dentro del cual el dolor actúa como

estimulante, me dio la clave para mi concepto de sentimiento trágico” (Nietzsche, 1888/2009.) ¿Entonces, al llegar al punto de elevación donde caemos en un destino trágico, nos trae a la vida? ¿Es ésta la esencia de tal? ¿Dependían los griegos de lo trágico? ¿Nace con ellos, la grandiosa inteligencia que se fija sobre los cimientos de conocer, más allá de los sentidos y de la razón, que los hombres

están ligados a un destino trágico, donde éste sentir, es 9 la mayor expresión del alma? El anhelo de lo feo, la búsqueda incansable de lo que se nos muestra “grotesco para los ojos”. El sufrimiento como necesidad, como fuente inagotable de vida. Este planteamiento ayuda a entender el porqué de esa inclinación artística y ética hacia los sentires oscuros del alma. El hombre tiende a buscar lo patético, el dolor, movido por el morbo o por la necesidad de sentir, en una sociedad que se ha encargado de adormecer los sentidos con sus ideas platónicas de mesura y moralidad.

En estas representaciones artísticas inspiradas en el pesimismo y el patetismo trágico se ponen en manifiesto, aún en la actualidad, los espíritus dionisíaco y apolíneo, que trabajan en conjunto, la embriaguez y delirio artístico que logra tomar forma como obra de arte mediante el espíritu apolíneo, siendo este, el que domina el mundo de la belleza y de la imagen figurativa.

Leopoldo María Panero, poeta español, es un buen ejemplo de esta fascinación por el sufrimiento, el amor al dolor y lo patético en la actualidad, refleja, en su obra poética y literaria, el dolor de su alma atormentada de manera visceral, honesta y patética, usando lo grotesco y lo escatológico como herramientas para conseguirlo (Panero, 2013): Laocoonte 1609

…Yo soñé con tocar la tristeza viscosa del mundo en el desencantado borde de una ciénaga absurda yo soñé un agua turbia donde reencontraría el camino perdido de tu ano profundo; yo he sentido en mis manos un animal inmundo que en la noche había huido de una espantosa selva salvaje como el viento, como el negro agujero de tu cuerpo que me hace soñar

yo he soñado en mis manos un animal inmundo y supe que era el mal del que tú morirás y lo llamo riéndome del dolor del mundo…

Un hombre tocado en lo más profundo de su alma por el sentido trágico de la vida. Dentro de sus escritos, todo arte en el fondo es poesía, y toda poesía arte.

Con ella, nos muestra el camino para dejar sentir

la más oscura intimidad de su perturbada existencia. La vida, la muerte, el sadomasoquismo, blasfemias al mayor, homosexualidad, prácticas sexuales obscenas, letras para la malevolencia, para lo grotesco; transgresiones a las ideas del género literario, transgresiones, a fin de cuentas, a la tradición literaria y cultural, representan algunos de los puntos esenciales de su poesía. “Vivo dentro de la fantasía paranoica del fin del mundo y no solo no quiero salir de ella sino que pretendo que los demás entren en ella” (Madrid, 1948, Las Palmas de Gran Canarias, 2014). Nietzsche nos habla de una inclinación intelectual a la dureza, la necesidad de la tragedia en el arte, la necesidad de los griegos de llegar al fin trágico como punto máximo del sentimiento humano. El arte como una actividad metafísica, elhombre,paradofrentealamagnanimidad de la vida (Nietzsche, 1872):

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nos remiten a las tragedias griegas (Panero, 2014): Es tan bella la ruina, tan profunda sé todos sus colores y es como una sinfonía la música del acabamiento, como música que tocan en el más allá, y ya no tengo sangre en las venas, sino alcohol, tengo sangre en los ojos de borracho y el alma invadida de sangre como de una vomitona, y vomito el alma por las mañanas, después de pasar toda la noche jurando frente a una muñeca de goma que existe Dios.(p.43)

Temática recurrente en la historia del arte, al ser utilizada por artistas consagrados de cada período histórico. Se toma como referencia al Greco, pintor ilustre del manierismo con tendencias bizantinas, que aplica en su trabajo plástico estos mitos de la antigüedad a pesar de sus morales cristianas. En ¿Hay un pesimismo de la fortaleza? ¿Una la pintura del mito trágico de Laocoonte (1609), inclinación intelectual a la dureza, al horror, al intenta plasmar el momento en que las dos grandes mal, a la incertidumbre de la existencia, serpientes emergen del mar y atacan a sus hijos producida por la exuberancia de la salud, por mellizos por órdenes de Atenea. En la pintura, un desborde de vida? ¿Hay quizás un pretende representar la intensidad del sentimiento sufrimiento en esta misma plenitud? ¿No hay de violencia y horror, por medio de fuertes una valentía imprudente en aquella mirada pinceladas,una paleta de colores lúgubre, fría, que busca lo terrible por creerlo el enemigo, el emulando quizás, la estética del grupo escultórico de digno enemigo contra el cual quiere probar la misma temática. Las expresiones de los cuerpos sus fuerzas, del cual quiere saber qué es el son logradas mediante la contorsión de lafigura terror? ¿Qué significado tiene, precisamente humana, en posiciones imposibles, exageradas, todo en la época más feliz, más fuerte y más en función de transmitir el patetismo trágico de la valiente de los griegos, el mito trágico” (p.18). escena. Aunque el trabajo del Greco no sea considerado especialmente trágico, existe en él, como en muchos otros La desmesura y la falta de moral en la poesía de Panero, artistas la inquietud por la desdicha y el sufrimiento humano.

Al enfrentar a estas dos personalidades, casi antagónicas en cuanto a creencias, costumbres y ubicación histórica, se refuerza la idea del encanto irresistible de lo trágico, que atrae al hombre para así dejarse llevar

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A

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Título: Viejito roll de sushi Autor: María Niño Técnica: acrílicos sobre madera

C. C. Casamall, Nivel Galeria, Local G-8, Subida de Los Naranjos, Caracas - Venezuela Telfs: 0212-988.1226 / 0414-216.7390 www.galerialosalpes.com

por los instintos más primitivos del sentir. Como la flor de loto que crece del barro, las más hermosas manifestaciones artísticas nacen del sufrimiento, que fortalece los espíritus y embellece las almas.

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Película: El nombre (Le prénom). Título original: Le prénom. Dirección: Matthieu Delaporte y Alexandre de La Patellière.

Países: Francia y Bélgica. Género: Comedia. Interpretación: Patrick Bruel (Vincent), Valérie Benguigui (Élisabeth), Charles Berling (Pierre),Judith El Zein (Anna), Guillaume de Tonquedec (Claude), Françoise Fabian (Françoise). Guión: Matthieu Delaporte.

Producción: Dimitri Rassam y Jérôme Seydoux. Año: 2012. Captura: 43:41 minutos

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como una alarma de seguridad, Delaporte y La Patellière (2012) “ los actos privados se convierte José Manuel Tovar A CENA en actos públicos”, “su miedo a molestar es lo que Proverbia, Epicuro de Samos,(2014). “Debemos molesta” ”qué es suficientemente importante para buscar alguien con quien comer y beber antes que poder discutir” “debe ser aburrido ser siempre buscar algo que comer y beber, pues comer solo es espectador” “uno te invita y tienes la osadía de llegar más una hora tarde” llevar la vida de un león o de un lobo.”

Esta frase de Epicuro sugiere la acción de una interesante reflexión sobre los vínculos que existen entre la amistad y competir por la comida, una representación de esta relación, se ve en la película “El Nombre”, Delaporte y La Patellière (2012) que evidencia a través de la comedía irónica, los lazos temporales que se tejen en el tiempo entre la amistad y la comida, específicamente, en una cena de celebración, en donde se da lugar a una discusión filosófica, desde la singularidad de cada personaje, se tratan temas como los prejuicios, los rencores ocultos, la confianza y las interrelaciones personales. En el film se desprenden frases vibrantes,

Ciertamente el acto de comer juntos, tiene un gran significado en sí mismo, es un acto social, de relevancia histórica. Sin embargo, no se valora como tal, actualmente ha dejado de ser un espacio para la deliberación de ideas, de compartir cosas importantes para los grupos: familias, amigos, colegas, entre otros.

Tras el acto de una cena de celebración, está el tiempo con el que disponen los anfitriones como los invitados, la dedicación en la preparación de los alimentos y sobre todo, las expectativas por un encuentro agradable, aunque hay casos de casos, por lo general, se busca

el acercamiento amistoso, el disfrute, como lo diría Epicuro es un modo de ser feliz. Pero también se presentan, como escenarios para la catarsis, el debate, la conflictividad privada, intima, por tanto, agrupa afines y antagónicos, Romero J.(2007) “Comer en compañía es una ocasión de gozo, un acto de amistad, una manifestación de confianza, un signo de civilización”.

Aunque comer es una necesidad biológica, este acto merece una consideración especial en interés de la vida social, también, en término de la dimensión cultural, muchos pintores, cineastas, dramaturgos, han recreado escenas románticas, idílicas, dramáticas, en donde la complejidad maravillosa del comer tiene presencia, no obstante, un hecho rutinario se convierta en referentes de status, modernidad, afectos, tradiciones, en infinitas variantes de la realidad socio-cultural de una sociedad Es válido destacar el cuadro de Diego Velázquez, el almuerzo, (c.1617-1618) como refiere la crítica, Wikipedia(2013) “El lienzo retrata una escena cotidiana propia de la época sevillana de Velázquez. En ella aparecen tres hombres que representan las tres edades del hombre, sentados a una mesa cubierta con un mantel blanco sobre la que descansan un plato de mejillones, un vaso de vino y varias piezas de pan”.

Hay una necesidad de evocar escenas sensibles relacionadas con la comida y los elementos que la acompañan, la luz, los gestos, el mantel, entre otros elementos, es más que una composición, son sensaciones, tal como las cenas de Marcel Proust En Busca de Los Tiempos Perdidos, en donde abundan los detalles de

la mesa, los aromas y sabores de las comidas, así como las pasiones que se d prenden alrededor 13 de las cenas.

Romero J.(2007) “Las prácticas alimentarias revelan las características propias de cada región, localidad o lugar, y definitivamente constituyen uno de los valores más ilustrativos de las costumbres, tradiciones y usos de los pueblos”. Se aprecia que los alimentos no solo nutren, sino que incluso, referencia y simboliza las realidades humanas.

Cartay R. (2010) dice que “La comida no se hace sólo de ingredientes, sino también de sentimientos y simbolizaciones”.

Como lo decía un autor desconocido, el alimento y el arte comparte un mismo fin: nutrir, el primero nutre el cuerpo y el segundo el espíritu; es decir nos hace crecer en lo sensible. Tal se relata a lo largo de este ensayo, el comer tiene una personalidad social, parafraseando a Epicuro, es interviniente en los asuntos humanos y se mueve entre los sentimientos y la necesidad, manteniendo entre ellos interrelaciones de transcendencia físicas y espirituales.

D. Velásquez. Tres hombres a la mesa (El almuerzo) c.1617-1618).Wiki.

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LA FEMINIDAD

Roxana Romero

Mujer, según mi criterio, el animal más bello que puebla la tierra, según el diccionario de la lengua española persona del sexo femenino, ese sexo que engloba tanta pasión e incomprensión, son exactamente www.riikkas.com/imagendump

esos sentimientos los que en este ensayo unen mi búsqueda artística con las ilustraciones de la finesa Riikka Sormunen y la filosofía de Michel Foucault.

Todos tenemos algo en común, descifrar el concepto de la femineidad, eso que dicta lo que es una mujer; o lo que debería ser según la evolución y la cultura, una serie de cualidades que le atribuyen el título y la gracia, pero que también la encierran en una jaula llena de prejuicios y limitaciones.

Riikka tiene como base de su trabajo la figura femenina, le muestra en su habitad natural, en su día a día y en plenitud de sus sentimientos.

Escenas de la cotidianidad en donde las mujeres posan tiradas en la alfombra, en la cama, tomándose un té, jugueteando, semidesnudas o llenas de alhajas y en el rostro siempre una expresión de fuerza, con rasgos sutiles y mejillas rosadas.

En sus ilustraciones la mezcla de la figura con el fondo es casi imperceptible, todo el formato está plagado de pequeños detalles simbólicos que hablan por sí solos, jugando con texturas, colores y estampados; nos hace ver lo complejo que es el mundo

al paraíso, la confesión.

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Este método de intentar convertir el deseo en discurso, de reprimir por completo todo índice de sexualidad, llevo a que los géneros se separaran por completo www.riikkas.com/imagendump teniendo cada uno de ellos una crianza sumamente diferente. Las muchachas y los varones se aislaron de una mujer, cuando está sola no responde a buenos completamente hasta el momento en que fuera comportamientos, ni simula ser ese sexo débil, aquel www.riikkas.com/imagendump que la sociedad tanto quiere ver, pero al salir de ese pequeño espacio de comodidad se vuelve la portadora de una máscara inevitable.

Tan lejos y tan cerca de la mujer nerviosa que describe Foucault en Historia de la sexualidad I, aquella que a lo largo del tiempo ha sido tildada de impulsiva y sexual gracias a su naturaleza emocional. En un pequeño recorrido histórico, este libro nos acerca a la realidad que ha vivido la mujer desde la época victoriana hasta la actualidad. Un ser cuya sexualidad ha sido reprimida mucho más que la del hombre, y cuyo cuerpo fue visto durante mucho tiempo como un pequeño laboratorio de fertilidad, una maquina creadora de bebes.

En el siglo XVIII el gran tabú que giraba en torno a la sexualidad, hacía que el portador de “la verdad sobre el sexo” tuviera el poder sobre las masas. En esa entonces la iglesia estaba al mando, haciendo creer al pueblo que las prácticas sexuales eran impuras y podían llegar a comprometer su alma, esto conllevo a que se creara un sistema al cual pudieran acceder los pecadores para purificarse y así asegurar su entrada

necesario el matrimonio, aun así este seguía teniendo finalidades únicamente económicas y reproductivas. Bajo estas condiciones ventajosas y el fantasma de la iglesia puritana el lecho matrimonial era una cuna de insatisfacciones.

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Ya en el siglo XIX la religión dejo de ser la única manera de entender el sexo, el crecimiento de la ciencia dio cabida a la medicina, la psiquiatría y la pedagogía, todas ellas dedicadas a estudiar minuciosamente al hombre y la mujer, “no hay enfermedad o trastorno físico al cual el siglo XIX no le haya imaginado por lo menos una parte de etiología sexual. De los malos hábitos de los niños a las tisis de los adultos, a las apoplejías de los viejos, a las enfermedades nerviosas y a las degeneraciones de la raza” Foucault. (1976) En todos estos años la identidad del hombre y la mujer fue un experimento de los grandes entes, que para conservar el poder cultivaban el miedo en cada uno de ellos, el miedo a lo desconocido, a ellos mismos, ¿qué habría detrás de ese mundo tan complejo que es cada uno de nosotros?, sería mejor acaso seguir con la verdad impuesta por los demás, que enfrentarnos al terror de buscar las respuestas en nuestro interior y encontrarnos con algo que no nos gustara.

En la actualidad la búsqueda de nuestras identidades está más vigente que nunca, un siglo que ya cree haberlovisto todo, pero que aun sigue siendo secretamente conservador. Cada una de nuestra acciones refleja la enorme necesidad que sentimos de ex-

http://riikkas.com

teriorizar nuestros sentimientos, nuestro punto de vista, de tener como dice Foucault (1976) “El “derecho” a la vida, al cuerpo, a la salud, a la felicidad, a la satisfacción de las necesidades; el “derecho”, mas allá de todas las opresiones o “alineaciones”, a encontrar lo que uno es y todo lo que uno puede ser”.

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NUEVA HISTORIA DE LA ARQUITECTURA

“LA DECONSTUCCIÓN EN EL SIGLO XXI” Ronald Araque

Take A Wine Trip To Hotel Marqués De Riscal, Rioja.

a cada frase. Intenta dar una nueva perspectiva o un Nuestro mundo es un mundo lleno de cambios nuevo punto de vista a algo que ya está establecido. constantes y a la par con estos cambios va avanzando nuestros estilos de vida así como a tecnología y Ahora un término más específico: todo lo que nos rodea, hablando así del quepromete DECONSTRUCCIÓN, demostración de la ser uno de los mejores estilos del mundo a nivel incompletitud o incoherencia de una posición arquitectónico futurístico (El Deconstructivismo). filosófica usando conceptos y principios de la Exponiendo el diseño de las obras construidas argumentación cuyo significado y uso es sólo así como los futuros proyectos que se platean y legitimado por esa posición filosófica. La los principales exponentes en este movimiento. deconstrucción consiste de este modo en un tipo Antes de abordar el tema se debe dar una breve de crítica conceptual interna en la que la crítica explicación a lo que es la deconstrucción y lo que es el se adhiere de forma implícita y provisional a la estilo o corriente deconstructivista en la arquitectura. posición criticada. …la deconstrucción permanece dentro de la La Deconstrucción nace como una corriente posición que se discute es algo que se sigue de un filosófica impulsada por Jacques Derrida conocida a argumento deconstructivo fundamental acerca partir de 1967 cuando publica tres libros donde de la naturaleza del lenguaje y el pensamiento. expone sutra bajo (Everardo Reyes García, Julio 2005), …De este modo, el «significado» reposa sobre es un término utilizado por Martin Heidegger conexiones de todo tipo entre elementos del en su libro Ser y Tiempo como lenguaje y entre nuestras interacciones “Destrucción”, que luego Derrida lingüísticas con el mundo. lo traduce toma y lo convierte Audi Roberth, (2004).

Peter Eisenman en un estilo, o más bien postura o punto de vista el cual explica Claro Derrida centra y que un término o un texto tiene fundam ta la deconstrucción diversos sentidos, que no debemos hacia la lingüística exponiendo conformarnos con uno solo, de este modo que cada concepto debido a que este viene arrastrando tieneadheridoaélunargumento y acompañado por conceptos y el cual fundamenta de acuerdo procesos históricos que acompañan The games people play. al entorno, al contexto histórico,

Bookhaven.stanford.edu.

Fotográfo: Chris Wiley www.architectsandartisans.com

a nuestra forma de pensar y la experiencia propias Peter Eisenman estadounidense nace en Newark 19 que hemos tenido con él. en 1932. Estudio en la Universidad de Cornell, Ithaca, New York y en Cambridge Inglaterra.

Ahora bien el deconstructivismo nace en 1980 y es conocido en 1988 en una exposición realizada por Frank OwenGe Gehry nace en Toronto,Canadá, los arquitectos Mark Wigley y Phillip Johnson, en nacionalizado en Estados Unidos. Estudió arquitectur el Museo de Arte Moderno de Nueva York donde en la Universidad del Sur de California (USC), mostraron la recopilación de las obras de distintos Urbanismo en la Escuela de Diseño de Harbar. arquitectos. Este movimiento busca la fragmentación de las formas, utilizando elementos no lineales evitando Zaha Hadid nace en 1950 en Bagdad, Irak. Curso formas rectilíneas, juega con la manipulación de Matemáticas en la Universidad Americana de Beirut, las superficies de las estructuras, llegando a una estudia Arquitectura en la Asociación de Arquitectura. imprevisibilidad y un caos controlado.

Rem Koolhaas nace en 1944 Róterdam Países En estos conceptos se busca la pureza de las formas Bajos, nacionalizado en Holanda. Estudió en la en otras palabras la descomposición de estas, tomando Asociación de Arquitectura de Londres. siempre en cuenta la capacidad de los materiales.

La deconstrucción busca romper con las fronteras que Daniel Libeskind nace en 1946 en Łódź Polonia, existen en la arquitectura actualmente, irrumpiendo Nacionalizado en Estados Unidos. Estudio Música con los conceptos de existencia, funcionalidad y en Israel y Nueva York, Arquitectura en la apariencia que están establecidos desafiando la Universidad de Essex Inglaterra. gravedad y conceptos que arrastran nuestras vidas.

Bernard Tschumi nace en 1944 en Lausana, Suiza.

Los arquitectos que se encuentran inscritos a este Estudió en el Instituto Federal de Tecnología de Zúrich. movimiento son: Frank Owen Gehry

Zaha Hadid

Rem Koolhaas

Daniel Libeskind

Bernard Tschumi

www-scf.usc.edu.

www.decollagedesign.com

Fotografía: Blommers/Schumm www.aplust.net

Spain.cosentionews.com.

fotografía: elginism www.flickr.com

Dando inicio a la arquitectura deconstructivista se encuentra el proyecto del Hotel ME Dubái diseñado por Zaha Hadid Ubicado en Burj Khalifa, Dubái, Es un hotel de 93m de altura con un ancho de 100m y una profundidad de 67m. Está conformado por dos torres de 21 pisos, con un vacío interior dando la sensación de cubo el cual se está derritiendo.

Esto es lo que fascina debido a la manipulación de las formas que se le ha dado trabajando curvas y ondas u olas que se forman en el interior.

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parte inferior y superior más grandes y deformadas con curvas extendiendo y con forma rotativa que tienes sus esquinas.

Hotel Marqués de Riscal, El Ciego. El estilo deconstructivista fue planteado por el arquitecto Gehry Partners, en la ampliación y rehabilitación de la obra entre el 2003 y el 2006, se rehabilitaron 2000 m² tubo una ampliación de 4140 m² contabilizando 6940 m² de nueva obra. El trabajo fue realizado para las Bodegas Marqués el Riscal la construcción se ubica Museo Soumaya diseñado por FR-EE/ Fernando en El Ciego, Álava, España. Este se divide en partes Romero Enterprise y se encuentra en la D.F., una para el cuidado e investigación del vino y el México. Conformado por ocho plantas que se adaptan edificio principal para un Hotel de lujo. a la forma, constituida por 28 columnas curvas de acero estabilizadas por siete anillos. Su cuerpo exterior Sus formas onduladas de tres colores: Rosado, el se encuentra recubierto por placas en forma de hexágono, Plateado y el dorado asemejan a la botella de vino, la la forma de la estructura cambia de tamaño siendo su botella y el corcho de esta. Está conformado por 1800 m² Hotel ME noticias.arq.com.mx

Museo Soumaya Fotógrafo: Rafael Gamo. www.plataformaarquitectura.cl

de titanio 1750 m² de acero inoxidable. Estas formas Es un diseño propuesto para residencias.

21 de franjas onduladas y de distintos tamaños que cubren y conforman la fachada del hotel son las que llevan La obra está conformada por líneas inclinadas y líneas a darle forma de constructivista a la infraestructura. rectas. Su estilo deconstructivista se encuentra en el estilo que utilizan en el que las torres se componen de Capital City Towers (Ciudad de capitales). Diseñado cubos superpuestos uno sobre otro. Así como avances por el grupo NBBJ de arquitectura, inspiración de diseño que suceden al trascurrir de los días más será la del Vladimir y el grupo de ingenieros de Arup. Los innovación arquitectónica y futurística que demandan Rascacielos se encuentran en Moscow, Rusia. La obra las personas y que impondrán las nuevas generaciones miden más de 300 metros de altura se compone de con la búsqueda de nuevas formas que inquieten dos torres la Moscow con 301,8 m y 76 niveles y la ST. y perturben la mirada y atención de los espectadores Petersburgo 256,90 m y 65 niveles, en ellas se encuentran debido que hacia el futuro vamos y eso es lo que en los pisos superiores sitios de entretenimiento, oficinas nos espera, nuevas perspectivas que nos motiven a y amplios apartamentos. El complejo se sitúa en seguir avanzando. un vestíbulo principal que consta de 6 plantas bajas Capital City Towers y 4 sobre la superficie que son espacios públicos y se Fotógrafo: Tim Griffith. ww.jmhdez.com encuentran tiendas, un gimnasio, salas de presentación y un restaurant. La obra tiene una superficie de 288.000 m².

Hotel Marqués de Riscal, El Ciego www. cepelux.com

noticias.arq.com.mx.

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TEORIA DEL ARTE

Y EL DISEÑO EN EL CASO DE ABSOLUT VODKA Maikol

menos parcialmente, moderarse y disminuirse” GilloDorfles.

Se cuenta que Lars Olsson Smith heredó el control de gran parte de la producción del vodka sueco.

Durante el siglo XIX desarrolló un proceso para destilar el aguardiente de trigo, denominado rectificación, método que aún se utiliza en la actualidad.

Lo que me motivó a investigar acerca de este tema fue el impacto que genera la marca a través de un De esta manera Olsson Smith inventa lo que cien estilo simple y sofisticado. La manera en que sus años después se conocería como Absolut. Un vodka campañas publicitarias se ven orientadas hacia el sueco que comienza a venderse en 1879. diseño y comunicación, incorporando el uso del arte.

Según GilloDorfles (crítico de arte, pintor y filósofo italiano.) a lo largo de la historia se han hecho estudios en los importantes campos de observación y de aplicación de una teoría de la comunicación y del consumo aplicados a la arquitectura, al diseño y a la publicidad.

“Sólo por una detención del excesivo desgaste comunicativo, sólo por un incremento y una ampliación de nuestras facultades informativo-simbólicas, podemos esperar un mejoramiento de las relaciones entre los hombres, entre pasado y futuro, entre futuro y presente. Sólo una fraterna y universal voluntad de comunicación y de comunión, podemos entrever para el futuro la creación de una era más comprensiva, más orgánica y más formativa para la humanidad.

Y sólo en esta ampliación de nuestro universo discursivo intermonádico, podemos imaginar la verificación de nuestras exigencias y manifestaciones artísticas, que no estén ligadas solamente al juego, al capricho o a la moda, y cuyo desgaste, cuyo consumo, pueda, al

Es de 1981 y fue la primera pieza gráfica publicitariadeAbsolut.SellamaAbsolutHeaven y la botella adquiere un aura celestial porque lleva alas de ángel. www.altonivel.com.

Según investigaciones previas, lo más difícil para Absolut fue identificar el envase que debía contener la botella, así que muchos publicistas de la época buscaron solución a este problema, y fueron Peter Ekelund, Lars BörjeCarlsson y Gunnar Broman, de la agencia Carlsson and Broman quienes dieron en el clavo con una botella totalmente transparente, sin etiqueta, con las letras grabadas encima para poder ver a través de ella. Con toques plateados y la foto de su fundador.

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Entonces nace La botella de Absolut Vodka. La cual, hoy en día es uno de los grandes diseños de la historia y una obra maestra del diseño en cristal.

Se vendió por primera vez fuera de Suecia en los Estados Unidos y Boston, Pero era indispensable crear una buena campaña de com nicación y publicidad en EE.UU. Dentro de una campaña publicitaria, la publicidad es una herramienta o forma de comunicación persuasiva y por eso es necesario definirla. Para que esta sea exitosa y recordada por su receptor, es muy importante hacer hincapié sobre la comunicación y el diseño de esta, ya que va a ser la primera impresión frente al público. Según Antonio Pasquali (1978) en su libro “Comprender la comunicación”, determina que la comunicación es la relación comunitaria humana consistente en la emisión-recepción de mensaje entre interlocutores en estado de total reciprocidad, siendo por ellos un factor esencial de convivencia y un elemento determinante de las formas que asume la sociabilidad humana. (…) Incluye la elaboración

En los años ochenta comenzó a hablarse mucho de la publicidad subliminal y Absolut no quiso quedar fuera. Para eso idearon una campaña poniendo la marca casi invisible dentro de unos cubos de hielo. www.altonivel.com y comprensión mental del mensaje, el cual fluye al comienzo y al final del circuito por canales naturales eferentes-aferentes, y ejercen influencia en las formas y modos de convivencia de los interlocutores. El

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ABSOLUT SECURITY Fueron dos avisos consecutivos y transmitían la idea de que el vodka es tan exquisito que no está a salvo de los ladrones. Es un aviso en donde no vemos la clásica botella al centro del póster, pues, obvio, ya ha sido robada.

La publicidad es del año 1987 y ganó una Distinction objetivo principal, Absolut Vodka es utilizar como herramientas el arte y las corrientes artísticas para crear sus nuevos diseños, gracias a que el arte se considera según el libro: “La Historia de la Comunicación Visual” como: “Actividad creativa del ser humano que consiste en transformar y combinar materiales, imágenes, sonidos, etc..., para transmitir una idea o un sentimiento y producir un

ABSOLUT LARCENY dentro de los premios Andy, Merit, del Art Directors Club, un Clio en la categoría Best Alcoholic Beverage y el reconocimiento del Communication Arts Excellence. Fue finalista en el Lo don International Advertising Awards, el New York A vertising Festial y el One Show. www.altonivel.com.

efecto estético, o para embellecer ciertos objetos o estructuras funcionales…” (Müller y Brockmann, J. 1998.)

CONCEPTO DEE ARTE Es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, mediante la cual se expresan

ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.

El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo.

nueva campaña y botella.

Es necesaria la teoría para el arte y el diseño ya 25 que nos ayuda a definir el tema que se quiere abordar para la comunicación en el sentido publicidad y así llegar a tener una buena campaña publicitaria.

El diseño y el arte lo podemos encontrar en todo, Se suele considerar que con la aparición del Homo solo basta con cambiar nuestra perspectiva de sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, ver las cosas, así es como estos productores de mágica o religiosa (arte paleolítico), pero esa función Vodka, hicieron de una marca, una obra artística. cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.

Para que dicha marca pueda incluir un determinado arte, diseño e innovación en sus botellas necesita la herramienta de coolhunting. Según el autor Víctor Gil Mártil (sociólogo, consultor y analistad e tendencias de consumo, marketing, comunicación y nuevas tecnologías.) “coolhunting” se define como: “El proceso que permite anticipar los intereses de un grupo de consumidores a partir de la detección temprana y la correcta interpretación de indicios de cambios en sus patrones de consumo y en los valores que los inspiran”.

Absolut Vodka no es pionera en cuanto a la inclusión del arte en las botellas pero sin embargo utiliza un concepto publicitario que sigue siendo eficaz desde 1986 hasta la actualidad. Gracias a esto marco una tendencia notable en el aspecto publicitario del diseño, dejando en alto la renombrada marca y la creatividad que tiene al momento de crear una

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casa de Élizabeth y Pierre, su hermana y su marido, se encuentra con Claude, un amigo de la infancia. Mientras esperan a Anna, la joven esposa de Vincent, entre el buen humor le hacen preguntas sobre su próxima paternidad. Pero cuando le preguntan si ya ha elegido un nombre para el niño, su respuesta provoca el caos.

LA FEMINIDAD

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Cucaracha Albina / Marzo 2015 N° 01

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