Magazine by Rosa Muñoz

Abril - 2013 Dirección general Dis. Paúl Arévalo Rosa Muñoz Departamento Legal Colaboradores Vicente Condo Dis. Paúl Arévalo Fuentes bibliográficas www.foroalfa.org www.graficoyvisual.blogspot.com Bibliotecas Universidad de cuenca Texto y Diseño Gráfico Impresión Arte Visual Distribucion a nivel local Regional Ediciones Cuenca Comentarios - Sugerencias 2864710 rousemery305@hotmail.com Edición 1

Siguenos en la web Issuu.com Revista+Diseño visualiza y descarga este contenido

El diseño se relaciona con circunstancias, está emparentado al lenguaje. Y el lenguaje mismo vale tanto como su capacidad de reproducir circunstancias. Su eficacia consiste en poder reproducir incluso aquellas circunstancias que antes no había llegado a expresar. – Otl Aicher

CONTENIDOS Innovación y originalidad en Diseño

Los mensajes inconscientes de las Marca

La eco-imagen como estrategia para el Consumo

Analizar y criticar Publicidad

Software libre para Diseñar

La enseñanza del Neurodiseño

Como desarrollar la Creatividad

12 Consejos para Mejorar tu habilidad en el Diseño Gráfico

Tenica ,Pop up "los mensajes inconscientes de las Marcas"

Efecto Highlight Efecto ojos de Zombie

Efecto de fotografía Antigua

Efecto Pintura de Oleo

Efecto HDR

Efecto agregar cabello

Innovación y Originalidad en el Diseño Gabriel Simón Diseñador industrial docente, investigador, profesional con 42 años de trayectoria. Estudio en UNAM. Trabajo en Artecnia. Ejerzo la docencia en UAM Xochimilco. Investigo en UAM Xochimilcov Zño de Interiores, Diseño Industrial.

Gerardo Quezada - Moviliaria

En el campo del diseño urbano, arquitectónico, industrial y gráfico hemos dado demasiado énfasis a la creación de lo nuevo. La moda, con esa lógica perversa que renueva nuestros hábitos en cada temporada, reviste de nuevo el pasado, sin siquiera mejorarlo. Ante esto, destacan aún ciertas tradiciones, signos, objetos, calles, ciudades, etc., que son el orgullo de quien ha sabido mantenerlas. El hedonismo demanda cosas nuevas, pero ¿es que existe una experiencia de lo nuevo?, ¿se hace por acumulación paciente o por shock desconcertante?

Por su parte, las llamadas «vanguardias» tanto en la ciencia, la filosofía, el arte, la tecnología y la cultura, no han evitado excesos y confusiones en la mayor parte de los casos. El resultado evidente: en la actualidad ningún concepto se ha discutido tanto como la innovación y la originalidad. Se les denuncia como responsables de ser manipulables para dar poder y privilegios a unos cuantos. Se les acusa de haber perdido el sentido de realidad de la vida. Y no sólo eso: lo nuevo, lo original, está provisto de una parte que en cualquier caso.

Benjamin Quezada- la Naturaleza Original

Es ilusoria, fruto de una realidad de recombinaciones de datos precedentes, y por otra, está sujeto al sistema de valores que las vanguardias Los conceptos innovación, originalidad y diseño pretendían en parte se derribar. superponen. Pero existen connotaciones diferentes que no permiten El diseño sin el componente innovador es una contradicción; pero la actividad innovadora que introduce algo original en el mundo, algo que no existía, no es causa suficiente para poder caracterizar el diseño en su plenitud.

La innovación en el diseño es entendida como un proceso de cambio y alteración de los productos, sistemas y servicios de producción industrial, que Los conceptos innovación, nuevas originalidad y diseño introduce combinaciones que modifican en parte se superponen. existen connotacioprofundamente el sistemaPero productivo anterior. nes diferentes que no permiten declO Esto lleva consigo la ruptura del estado estacionario y el inicio de un proceso de desarrollo. En la historia del diseño se reiteran continuamente, bajo diferentes ópticas, dos aspectos fundamentales: continuidad y cambio, y a veces sus conflictivas exigencias han originado profundas tensiones, reforzadas por la manera en que ha evolucionado históricamente el diseño. 7

Los mensajes Inconscientes de las Marcas Vanessa Lerner Investigador, profesional especialista en Grafología Publicitaria, con 7 años de trayectoria. Trabajo en Grafo_Logos. Investigo en Grafología Publicitaria.

Cuando nuestros padres supieron que naceríamos, pensaron en ponernos un nombre teniendo en cuenta algunas cosas: confirmaron si íbamos a ser niño o niña, si coincidía con el apellido de ambos, etc. Las elecciones de nuestros padres para ponernos un nombre, en pequeña medida, fueron el comienzo de nuestra identidad personal. Tenemos un nombre para diferenciarnos y a la vez para ser parte de una sociedad y su entorno. Algo similar sucede al crear el nombre de una marca, con la diferencia de que esta representará a un producto, a un servicio o a una organización.

Sabemos cómo será ese producto, para qué servirá y en base a ello procuramos crear un nombre y unos signos gráficos que representen adecuadamente la imagen que se busca proyectar. A medida que pasa el tiempo se ve cómo una marca se asienta en el mercado especialmente las buenas marcas, que dejan una gran huella en el inconsciente de las personas. Cuando se diseña una marca gráfica se debe procurar que represente adecuadamente a la marca porque es como la firma de una persona. Una persona es su cuerpo, su mente, su forma de vestir, de hablar, etc. se reflejan todas las características de esa persona: cómo piensa, siente y actúa.

Para quienes conocemos de la aplicación de la grafología, lo mismo ocurre con las marcas gráficas en relación a las organizaciones y los productos. Los seres humanos nos vamos formando con el paso del tiempo y no somos un «producto» terminado. Se podría decir que la marca también se va formando con el tiempo, pero en realidad se va afirmando (si es que se hizo un buen trabajo).

Para que esa parte inconsciente de la creación no genere efectos contrarios a los deseados, la grafología publicitaria interviene en sus interpretaciones, aportando una conciencia de lo que verdaderamente está comunicando el diseño gráfico. ¿Cómo es posible? Teniendo los conocimientos de los arquetipos podemos lograr elegir adecuadamente aquellos rasgos que representen lo que queremos comunicar.

¿Por qué y para qué? Porque muchas veces una marca gráfica está diseñada por un lado, desde la conciencia, y por otra parte se proyecta el inconsciente, que puede o no beneficiar a una marca.

Según Carl Jung, en el hombre coexisten dos instancias cuyos contenidos divergen y se contraponen entre si: 1. Inconsciente colectivo, donde persisten remotas cosmovisiones o imágenes fundamentales y primitivas, transferidas de generación en generación. 2. Inconsciente personal, poblado de imágenes y recuerdos imprecisos, incluye los sentimientos y pensamientos reprimidos, significativos para cada sujeto particular, que son elaborados durante la vida individual. También en oriente una de las interpretaciones que se le da al blanco es el luto, mientras que para significado.

nosotros los occidentales es el negro. Hay que dejar en claro que las interpretaciones tanto de los colores como de cualquier signo gráfico varían según el contexto, ya que no cuentan con un único El negro también puede representar seriedad, sobriedad, entre otras cosas. Para saber cuál es el significado adecuado debemos tener en cuenta el contexto, la cultura y otros signos que lo refuercen, para decir que un color o signo gráfico está comunicando algo específico. Por otro lado, hay excepciones a la regla, pero se sabe lo importante que es tener presente a quién va dirigido el diseño.

La Eco-Imagen como estrategia para el consumo. Omar Franco Diseñador gráfico docente con 17 años de trayectoria. Ejerzo la docencia en Universidad de Nariño. Branding, Comunicación, Diseño Audiovisual, Diseño Gráfico, Diseño Industrial, Ilustración, Marketing, Motion Graphics, Publicidad, Tecnología

Los movimientos ecológicos, los productos biodegradables, la producción amigable, la reutilización de materiales y el bajo impacto para el ecosistema, son hoy la directriz fijada por las empresas y sus sofisticadas líneas de producción. La aparición de movimientos como Greenpeace y WWF, entre otros movimientos y organizaciones, ha logrado instalar el tema ambiental en la mente del ciudadano común. Esa preocupación extendida y difundida en todo el mundo por el cuidado y bienestar del planeta, ha obligado a que la triada: empresa-producto-consumidor se vea forzada a replantearse y redefinirse dentro del nuevo orden emergente de consumo.

Ante este panorama, el contexto del consumo pareciera en algunos casos privilegiar al producto que ha sido concebido bajo un enfoque humano, sostenible y reutilizable. Aunque quizá sea solo una estrategia comercial, principalmente cuando los productos dejan en evidencia su obsolescencia programada.

El interés mercantil de muchas empresas e zstá construido en torno al incentivar un consumo cada vez más inconsciente y mecánico (tirar, comprar, tirar).

Esta estrategia de consumo se puede confrontar al observar dispositivos de comunicación que se lanzan al mercado cada dos o tres meses bajo el concepto de innovación incremental3, donde los cambios en el producto son mínimos, pero para el consumidor tecno-fascinado representan una oportunidad única de mantenerse actualizado. Muy poco tiempo después tendrá que remplazarlo contribuyendo a ciclos de vida cada vez más cortos. También es el caso de las baterías y bombillas que pierden su capacidad a los doce meses de uso y equipos computacionales que después de un año resultan imposibles de actualizarse o que han sido concebidos y fabricados bajo el concepto de horas-uso.

La obsolescencia programada4 en la producción nos obliga a preguntarnos sí realmente existe una verdadera responsabilidad social y ambiental por parte del sector empresarial , sus fábricas, o por el contrario no es más que un planteamiento falso, que tiene como propósito confundir al consumidor, quien observa inerte cómo la eco-imagen, de una empresa o producto se ufana de sus cualidades eco-amigables, mientras de manera planificada edifica sofismas y tretas de incentivación de consumo.

Celio Martines ecoimagen

Eco - petrol empresa

En Colombia la Eco-Imagen Interesante como se aprovecharon las ventajas de la sigla Ecopetrol (Empresa Colombiana de Petróleos), descomponiéndola en eco y petrol, matizándose con tonos de verde y amarillo, evocando naturaleza y energía. En consecuencia, tendremos eco-imágenes proliferando en todas partes, algunas realmente comprometidas y articuladas bajo una estructura y visión empresarial y otras que serán simplemente dispositivos visuales que engañarán al ciudadano común, que sólo pensará en que su producto tenga un icono de reciclaje y que gran parte de su etiqueta o contenedor esté en color verde.

Tal vez las ideas de producción amigable y responsabilidad social, sean solamente eso, ideas. Tal vez tengamos que acostumbrarnos al bombardeo que ya se inicia, de imágenes construidas desde la idea de ajuste estético y de tendencia mundial, lo que denominamos eco-imagen. Seguramente, marcas que no imaginamos tendrán que virar su imagen hacia escenarios más verdes. Por ahora el horizonte es complejo, las empresas se construyen desde sofismas y estrategias de consumo, y el diseñador gráfico asume que su compromiso termina con vincular un icono de reciclaje a su etiqueta o empaque.

Analizar y Criticar Publicidad Mario Alemán Comunicólogo estudiante, profesional especialista en Redes sociales, con 3 años de trayectoria. Estudio en Universidad Centroamericana UCA. Trabajo en Claro Nicaragua. Branding, Comunicación, Diseño Audiovisual, Diseño Gráfico, Diseño Web, Ilustración, Marketing, Paisajismo, Publicidad, Relaciones Públicas, Tecnología.

Un análisis nunca se hace para destruir sino para mejorar algo, o sencillamente para dar una opinión objetiva, ya sea para el mundo o para proyectos relacionados. Pero, ¿por qué es necesario ser crítico?

¿Cómo analizar algo que está diseñado para ser directo y generar un punto de vista nuevo y bueno? Esta es nuestra labor.

La respuesta es simple: sin criterio no existe la creatividad, sin criterio caemos en la mecanización de las labores, convirtiéndonos en «una gota de agua más llevada por el río». El criterio nos permite reconocer lo correcto, pero no solo para saber que esta ahí, sino para estudiar sus causas y consecuencias.

Quien crea una publicidad sin importar su origen: ideológico, religioso, político, comercial, educativo o social quiere que pensemos, aunque sea por un momento, que lo que nos está diciendo es lo correcto.

Analicemos lo que nos interesa del criterio: publicidad, mercadeo e imagen.

Sí claro, hay todo un proceso creativo detrás de cada publicidad y cada mensaje, pero nos interesa el resultado, nos interesa analizarlo de forma critica y sobre todo con ojo de comunicador. Ese mensaje, ¿de dónde vino?, ¿para qué se hizo?, ¿a quién se dirige? y ¿bajo qué circunstancias?

Metodo de Envio Fedex empresa empresa

¿Cómo hacerlo? Primeramente debemos ser neutrales ante un diseño publicitario y no dejarnos llevar por si es «bonito» o «colorido». Nuestra labor debe ser constructiva y profesionalmente ética. Analizamos cada detalle, empezando por quién es el que habla. ¿Es una corporación o es la «tiendita de la esquina»? Conocer al emisor nos da la primera gran idea acerca de la dirección del mensaje. Luego tenemos el «cómo».

¿Cuál es el objetivo del mensaje y a quién le interesa este mensaje? Para esto el comunicador debe asegurarse de que el mensaje sea captado por el publico de interés, utilizando medios visuales o, de una forma más sencilla, palabras específicas y directas, sin «andar con rodeos». El mensaje puede ser subjetivo, pero el resultado debe provocar una reacción objetiva. Pero en realidad, ¿qué es una reacción objetiva?,

Es importante definir a través de qué medio se está enviando el mensaje. Cada medio funciona de formas diferentes y es efectivo en diversas clases sociales según su esparcimiento. Los siguientes pasos son sencillos: «por qué» y «para quién». 17

El conocimiento crítico o la capacidad de análisis publicitaria es una mezcla de estudio y experiencia, con el toque creativo que se requiere para poder enviar un mensaje. Sin esto no se podría hacer una investigación o análisis integral de una campaña o idea. Cada proceso de comunicación es metódicamente el mismo, pero cambia su objetivo y desarrollo según el entorno y aplicación de la campaña; es por eso que un análisis crítico debe, sobre todo, mantener una ética impecable, porque como profesionales de la publicidad entendemos cada etapa y cada requerimiento. Más que nada, entendemos que toda campaña se trabaja de forma diferente, por lo tanto no podemos realizar una crítica enfocados en lo que nosotros creemos que es «lo correcto», sino en la forma en que el público reacciona ante un determinado anuncio o mensaje.

Ser crítico no es destruir, sino impulsar un análisis que lleve al mejoramiento y entendimiento de un mensaje publicitario, con el único objetivo de desarrollar nuevas ideas y enfoques para estructurar una campaña publicitaria integral.

¿es la esperada por el departamento de Inteligencia de Mercado y los creativos publicitarios?, ¿o es la reacción popular de un público influenciado por la cultura y los estereotipos sociales? Es un poco de todo, porque obviamente los publicistas deben tomar en cuenta los factores sociales del público objetivo y adelantar las reacciones para lograr que el mensaje se entienda y hasta pueda quedar como top of mind. La objetividad con la que el público reacciona depende del uso que se le de al mensaje: si se vende un producto se tiene que lograr que en la mente del público solo exista esa opción. En cambio, si se vende una idea debe ser analizable, criticable y explorable; la audiencia tendría que poder tomar esta idea, interiorizarla e identificarse con ella.

“LA TIERRA SE ESTA CALENTANDO” Se verlasalreves spots ecologicos

Sofware Libre para Diseñar Joaquín Sánchez Diseñador gráfico profesional con 44 años de trayectoria. Trabajo en Amateditorial, S.A. de C.V.. Branding, Comunicación, Diseño Audiovisual, Diseño Gráfico, Diseño Web, Ilustración, Marketing, Motion Graphics, Publicidad, Tecnología.

¿Que es software libre? Dice Richard Stallman1: «El criterio específico de que un programa sea libre, es llevar las cuatro libertades esenciales. La ‘libertad cero’ es la de ejecutar el programa como quieras. La ‘libertad uno’ es la de estudiar el código fuente del programa y cambiarlo para que haga tu informática como quieras. El control individual no basta, entonces requerimos la ‘libertad dos’ de redistribuir copias exactas del programa cuando quieras, y la ‘libertad tres’ de redistribuir copias modificadas del programa. El sistema del copyright creció con la imprenta, una tecnología usada para la producción masiva de copias.

El copyright se ajustaban bien a esta tecnología, puesto que restringía sólo a los productores de copias en masa. No privaba de libertad a los lectores de libros. Un lector cualquiera, que no poseyera una imprenta, sólo podía copiar libros con pluma y tinta, y pocos lectores fueron demandados por ello. Las tecnologías digitales son más flexibles que la imprenta: cuando la información adopta una forma digital, la puede copiar fácilmente para compartirla con otros.

Es precisamente esta flexibilidad la que se ajusta mal con un sistema como el de los derechos de autor. Esa es la razón del incremento de medidas perversas y draconianas que se emplean en la actualidad para hacer cumplir los derechos de autor del software». ¿Como nace la idea del software libre? Entre los años 1960 y 1970, el software no era considerado un producto sino un añadido que los vendedores de las grandes computadoras de la época (las mainframes) aportaban a sus clientes. En dicha cultura, era común que los programadores y desarrolladores de software compartieran libremente sus programas unos con otros.

Ya en los años 80, la mayoría del software ya era privativo, lo que implicaba tener dueño y derechos de uso reservado, prohibiendo la libre distribución, la modificación por el usuario. Los hackers de aquel entonces que no estuvieron conformes con estas restricciones decidieron elaborar su propio sistema operativo y programas equivalentes a los de Windows y Apple, que dicho sea de paso, también habían sido implementados por hackers (Steve Wozniac, Steve Jobs, Bill Gates y otros), que decidieron restringir su uso y cobrar derechos por sus creaciones, cambiando su anterior filosofía hacker por la capitalista, llegando a estar entre los más ricos del mundo.

Software libre para diseñadores La legal distribución sin limitación en la cantidad de copias, actualizaciones y número de instalaciones, es una gran ventaja para universidades, escuelas, estudiantes, maestros, estudios de diseño, imprentas, editoriales y empresas, ya que no tienen que hacer un gasto mayor en el software. Hay más de 100.000 aplicaciones de código abierto, incluyendo programas equivalentes a Microsoft Office, la Suite de Adobe, la Suite Corel Draw, Autocad, programas de animación 3D, edición de video, retoque de fotografías, exploradores de internet y otros programas de productividad y ciencias. Se puede acceder al código y hacer los cambios que se deseen, siempre y cuando se distribuya igualmente en forma gratuita.

Se puede instalar GNU/Linux en forma dual, montada sobre plataforma Windows o Mac, y al encender el equipo elegir cuál de los dos sistemas se desea iniciar. No hay qué deshacerse de las herramientas habituales, siempre se puede elegir entre un sistema operativo y el otro. Anteriormente instalar GNU/Linux resultaba un poco problemático, pero ese no es el caso hoy en día y la apariencia es igualmente moderna. Hay programas libres y gratuitos que están disponibles también para Windows o Mac, también equivalentes a los programas de diseño, como Autocad, edición de video y retoque fotográfico tradicionales, aunque con algunas diferencias y mínimas limitaciones. Cada día se están creando nuevas actualizaciones gratuitas con mejoras sustanciales.

Hay cliparts con dibujos, fotos, tipos de letra libres y hasta una nube libre para guardar y compartir archivos muy grandes.

La enseñanza del NeuroDiseño Jorge Luis Muñóz Docente con 32 años de trayectoria. Ejerzo la docencia en UNAM. Comunicación, Diseño Gráfico, Diseño Web, Tecnología.

A raíz de la actual revisión del plan de estudios de diseño1 en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, surge el planteamiento de la conveniencia de incorporar a dicho plan de estudios la materia Neurodiseño. Por desgracia se trata de un tema muy nuevo que resulta incomprendido por muchos. No resulta tan facil determinar cómo podría ser la materiaNeurodiseño, cuál debería ser su orientación, su temática, su relación con el resto de las materias, ni cuál es la capacidad docente requerida para impartirla. La idea de este texto es realizar un aporte en relación a dos de esos aspectos: la orientación y la temática.

Respecto a la orientación, existe una perspectiva cerebrocentrista —que está «de moda»— que parte exclusivamente de considerar los fenómenos que ocurren en el cerebro, descartando incluso al resto del sistema nervioso.

En contrario a esa visión existe una más integral, que considera que lo que ocurre en el cerebro es parte de una unidad interactiva mucho más amplia, tanto de sensacionesinteroceptivas como exteroceptivas, incluido el ambiente social del individuo.

Respecto al contenido de la materia, este dependerá del punto de vista que se adopte (cerebrocentrista o visión integral). Una visión cerebrocentrista podría incluir contenidos de las neurociencias y del Neuromarketing, adaptando esos contenidos tanto al diseño como a su impacto.

Desde la perspectiva biológica ya se puede emprender la comprensión de lo que ocurre en diversas zonas cerebrales ante una imagen (que bien puede ser un producto de diseño). Por tanto, si se sabe qué partes del cerebro estimula un diseño, se puede aprovechar tal impacto en la composición y sobre todo se pueden esperar altos niveles de eficiencia comunicativa. El impacto de una imagen en el individuo no es nuevo para el diseño, que desde hace mucho integra hallazgos de la Psicología y otras disciplinas sociales, pero ahora es posible saber a nivel neural las secuelas de los estímulos que induce un diseño y su impacto en la conducta.

Debe recordarse que el diseño es una composición estético-comunicativa que, a diferencia del arte, si no comunica lo que se desea comunicar, no sirve. Un diseño no sólo debe ser bello, también debe comunicar eficientemente. Ahí es cuando las neurociencias pueden hacer por el diseño un gran servicio, al posibilitar altos estándares de impacto en la comunicación. Del impacto de imágenes y propaganda en general, el Neuromarketing tiene mucho que decir; por lo que el Neurodiseño puede valerse de las técnicas del Neuromarketing pero nunca debe confundirse con este. El Neuromarketing es la medida de las posibilidades de impacto de un diseño, mientras que el Neurodiseño es composición.

Al introducir las neurociencias en el diseño es necesario introducir otras disciplinas, porque no es posible quedarse en el determinismo neurocientífico. Ya Marino Pérez2, de la Escuela de Filosofía de Oviedo, menciona al cerebro centrismo como la moda de las neurodisciplinas, pese a que no llegan a justificar plenamente todas sus afirmaciones.

No obstante lo anterior, el gran mérito de las neurociencias es su capacidad para motivar nuevas explicaciones de los mismos fenómenos que finalmente aportan soluciones novedosas. Ejemplo de esto es lo que ya sabíamos acerca del poder de los escotes y de los ojos grandes para llamar la atención. Hoy el eyetracking nos confirma científicamente los efectos de esos fenómenos.

En suma, el contenido de una materia de Neurodiseño podría incluir bases biológicas: el estudio del sistema nervioso, las partes del cerebro, la sinapsis, etc.

2 Aunque originalmente había organizado ese contenido por unidades de estudio para dos semestres, creo que tal organización no viene al caso, en tanto primero deberían emprenderse las tareas de hacer ver al Neurodiseño como factible, mientras se decide la mejor orientación. Tales tareas darían por defecto el contenido que debería tener el Neurodiseño como materia.

Debería contemplar también el estudio mínimo de la sensación, la percepción, la atención, la memoria y el manejo del inconsciente a través del análisis de la intuición y la experiencia interior. La parte social podría conformarse con estudios de Psicología Social, cultura y estructura sociales. Del Neuromarketing importan sus técnicas y resultados, que son los que, en conjunto de la estadística, proporcionarían los índices de impacto del diseño.

Como desarrollar la Creatividad Lilian Pérez Diseñadora gráfica docente, estudiante, investigador, profesional con 6 años de trayectoria. Estudio en Universidad Autónoma de Ciudad Juárez áreas de interés. Branding, Comunicación, Diseño Audiovisual, Diseño Gráfico, Ilustración, Publicidad.

La creatividad es la habilidad humana gracias a la cual adecuamos la realidad y la presentamos de una forma atractiva e interesante. Esta capacidad es un ingrediente indispensable en el propio desarrollo de disciplinas que evolucionan constantemente (como la música), y nos ayuda a encontrar nuevas asociaciones entre los problemas que se nos presentan. Sin embargo, hay ocasiones en las que esta facultad no se evidencia y al no saber estimularla, nos quedamos con la idea de no ser «creativos». Pese a esta sensación, la creatividad es constantemente estimulada por nuestro entorno, que se transforma y va generando problemas que debemos resolver, encontrando así nuevas asociaciones.

En la antigüedad se creía que la creatividad provenía de las ninfas, hermosas criaturas que daban únicamente a los elegidos la capacidad de ver las cosas de manera diferente. Les susurraban a los artistas cómo lograr sacar, por ejemplo, al hombre que se encontraba en un trozo de mármol; cómo se debía golpetear una superficie para que produjera ritmos y un sinfín de expresiones humanas. Afortunadamente, hoy en día, sabemos que eso es falso ya que no se trata de ningún ser divino diciéndonos cómo descubrir el «hilo negro». La creatividad parte de un proceso mental y es utilizada en variados campos. Con la creatividad se desarrolla también la paciencia,

La pregunta que todos nos hacemos es ¿cómo desarrollar la propia creatividad? A continuación algunas sugerencias para desarrollar esta habilidad:

• Mostrar y compartir: El dar a conocer las ideas, exponerlas a la crítica, puede ayudar a ver desde otra perspectiva el trabajo.

• Escuchar música de diferentes géneros: explorar nuevos estilos musicales a los que no se está acostumbrado puede ayudar a razonar las ideas de manera diferente.

• Jugar: toda actividad lúdica ayuda a estimular la mente.

• Dormir una siesta: dejar el trabajo por un rato puede ayudar a reorganizar las ideas. • No seguir modas: cuando se realiza un proyecto, lo primordial es inyectarle la esencia de lo que se crea conveniente, sin tomar en cuenta lo que en ese momento esté moda. Al final de cuentas, las modas son pasajeras.

• Practicar: las veces que sean necesarias y más. Nunca dejar de practicar. Picasso dijo: «Cuando llegue la inspiración, que me encuentre trabajando». • Ser constante: dejar que fluyan las ideas y sobre todo, no rendirse.

• Leer: esto genera en la mente nuevos escenarios. Es importante contagiarse de nuevos mundos para expandir el propio. • Escribir todo: cualquier idea debe ser anotada, por simple que parezca, pues no se sabes si ésa es la pieza del rompecabezas que se acomodará en la propia creación. • Desconectarse de la computadora: caminar por la casa, el parque o simplemente ver lo qué hay alrededor sin tener enfrente a la pantalla puede ser una gran inspiración.

12 consejos para mejorar tus habilidades en el Diseño Gráfico

1. Realiza tus propios proyectos

2. Mejora tus diseños anteriores.

Es necesario estar siempre activos en el diseño gráfico incluso sino tenemos proyectos reales para trabajar podemos crear marcas ficticias y crear toda una imagen gráfica para nuestros proyectos falsos como por ejemplo la creación de logotipos, volantes, propuestas de diseño para un sitio web. Con esto podremos practicar nuestras habilidades, ejercitar nuestra creatividad y aumentar nuestro portafolio para mostrar.

Otro paso que puedes dar en el proceso de mejorar tus habilidades en el diseño gráfico es tomar proyectos anteriores de esos que tienes respaldados en DVD o guardados en tu computadora y hacerlos nuevamente y darles algunos retoques y mejorarlos con la experiencia que ya tienes. Esto también te ayudar para aumentar el portafolio para mostrar.

3. Inspirarte en otros diseños

4. Tener un blog y leer otros blog de diseño

Algo muy bueno que podemos hacer es tener material para inspirarnos y tomar ideas para proyectos, estos diseños podemos sacarlos de internet, de libros o hasta de material gráfico que vemos en la calle. Esto nos ayudará a mantenernos actualizados en las tendencias del diseño y mantenerte siempre diseñando.

Tener un blog es muy bueno para expresarte y ejercitarte en la redacción que es otra habilidad que debemos pulir. Tener un blog también te permite crearte un nombre en internet al tiempo que puedes ayudar a otros compartiendo tus conocimientos y consejos. Puedes también nutrirte de información sobre diseño gráfico leyendo otros blog de diseñadores que pueden inspirarte.

5. Comunícate con otros diseñadores

6. Participar en las comunidades de diseño gráfico

Conocer a otros diseñadores gráficos es de gran ayuda…. Bien sea que conozcas a personas con mayor experiencia en el área que tu de las cuales puedes aprender o puede pasar que conozcas a diseñadores que se están formando de los cuales también puedes aprender y compartirles de tus experiencia la cual puede nutrirlos a ellos y ti.

En internet hay cientos de comunidades de diseño gráfico de las cuales puedes adquirir recursos y conocimientos. Si de verdad deseas estar actualizado sobre el diseño te recomiendo que busques comunidades y participes en ellas donde puedes colgar tus trabajos y ver las opiniones de otros usuarios las cuales pueden ayudarte muchismo a mejorar.

7. Tomar fotografías

8. Asistir a seminarios y eventos

La fotografía es un elemento muy importante para todo diseñador gráfico, ya que con ella puedes llevarte casa elementos interesantes que encuentres en la calle y que pueden ser de utilidad para futuros proyectos. Además es una habilidad muy necesaria que todo diseñador gráfico debería ejercitar.

Para todo profesional es muy necesario poder asistir a eventos donde se hable sobre los temas relacionados a su profesión y los diseñadores gráficos necesitamos estar en constante aprendizaje y que mejor que los eventos que constantemente se realizan en muchas ciudades sobre diseño gráfico y publicidad. En estos sitios además de aprender puedes relacionarte con otros profesionales del área de los cuales pueden salir alianzas muy interesantes.

9. Tener libros de diseño

10. Tomar clases y cursos de diseño

Los libros son parte de todo profesional y para los diseñadores son grandes recursos de conocimiento, inspiración, e información. Aunque por lo general son costosos es bueno poder tenerlos en casa ya que por lo general resultan muy útiles y valiosos para nuestro aprendizaje.

En muchas ciudades ofrecen cursos valiosos para los diseñadores como pueden ser clases de dibujo, pintura, fotografía, manejo de software, entre tantas cosas. Esto te permitirá aprender herramientas nuevas, perfeccionar conocimientos, y adquirir destrezas necesarias para competir laboralmente.

11. Aprender cosas nuevas

12. Dibujar

Ser un diseñador no significa que vas a pasar todo el día frente a la computadora, por el contrario permítete tiempo para otras actividades que no tengas que ver con tu trabajo. Probablemente a parte de diseñador puedes ser un gran guitarrista o bailarin; experimenta con otras actividades que se saquen de la computadora y despejen tu mente.

El dibujo es parte elemental en todo diseñador gráfico, probablemente diarias…Yo no se dibujar, o no soy bueno en eso. Déjame decirte que la practica hace al maestro y no necesitas ser un gran ilustrador con que sepas expresar claramente tus ideas en papel tienes un gran paso adelante, pero nunca esta demás ejercitarnos en el dibujo realizando bocetos y dibujos de elementos cotidianos. 33

Photoshop es y sirve para.. Es el nombre o marca comercial oficial que recibe uno de los programas más populares de la casa, Adobe Systems, junto con sus programas hermanos Adobe Illustrator y Adobe Flash, y que se trata esencialmente de una aplicación informática en forma de taller de pintura y fotografía que trabaja sobre un “lienzo” y que está destinado para la edición, retoque fotográfico y pintura a base de imágenes de mapa de bits.

Su nombre en español significa literalmente “tienda de Fotos” pero puede interpretarse como “taller de foto”. Su capacidad de retoque y modificación de fotografías le ha dado el rubro de ser el programa de edición de imágenes más famoso del mundo.

Photoshop ha dejado de ser una herramienta únicamente usada por diseñadores, para convertirse en una herramienta usada profusamente por fotógrafos profesionales de todo el mundo, que lo usan para realizar el proceso de retoque y edición digital, no teniendo que pasar ya por un laboratorio más que para la impresión del material.

TUTORIAL

Efecto Highlight 1º Paso

2º Paso

Lo primero que haremos es abrir nuestra imagen (si tiene claroscuros luce mucho mas el efecto) y la convertiremos en un Objeto inteligente. Para esto, nos situamos en la capa de la imagen (sobre el nombre, no sobre la imagen en miniatura) y con el botón derecho hacemos click para abrir el menú contextual de dicha capa. Ahí encontraremos “Convertir en objeto inteligente”.

Lo que haremos a continuación es modificar la sombras. Para esto vamos a Imagen > Ajustes > Sombras/iluminaciones… y en la ventana que aparece, modificaremos las sombras a un 50%. De esta forma: Los objetos inteligentes o Smart Object conservan el contenido original de la imagen con todas sus características originales, de tal modo que posibilitan la edición no destructiva de la capa en cuestión.

En verdad el valor aparece como predeterminado, así que se habrán dado cuenta que es solo dar ok. Pero una vez aprendido el proceso completo del efecto explicado en este tutorial, les recomiendo que prueben desde “Mostrar mas opciones” con mover otros parámetros (siempre es bueno descubrir nuevos cambios). Veamos que hemos obtenido con este proceso:

3º Paso Creamos una nueva capa de ajuste desde los íconos que encontramos al pie del panel de capas, la cual será Blanco y negro. Aquí nos aparecerá la siguiente ventana:

Inicialmente les propongo poner estos valores. Una vez finalizado el proceso podremos ingresar nuevamente a este ajuste para, ya viendo el efecto final, modificar los colores que necesitemos según la imagen con la que estemos trabajando. Le damos al Ok y cambiamos el modo de fusión de esta capa de ajuste a “Superponer“.

4º Paso Nos situamos sobre la capa de la imagen convertida en objeto inteligente y presionamos CTRL+J para duplicar la misma. Ya en la capa duplicada, vamos a Filtros > Enfocar > Enfoque suavizado. Le daremos los siguientes valores:

Ya con estos ajustes, el antes y el después debería verse así:

Ya a esta altura veremos como nuestro efecto se luce en nuestra imagen. Pero lo bueno de esto es intentar realzar al personaje principal por sobre el resto de la imagen. En este caso el fondo es texturado, pero si hubiera paisaje de fondo, quizás convendría tratar al personaje por un lado y al paisaje por el otro… para hacerlos independientes y poder manejar la intensidad de cada uno por separado.

Situados sobre la capa duplicada, vamos a Capa > Máscara de capa > Ocultar todo. Con esto habremos creado una máscara con color negro que ocultará todo el efecto. Seleccionamos el color blanco como frontal y tomamos la herramienta pincel para pintar solo al personaje. Veamos en capas como quedaría:

Como podemos observar en la imagen, tenemos la fotografía original convertida a objeto inteligente con Sombras/iluminaciones (oculto para acortar la imagen), luego la capa duplicada con el enfoque suavizado y la máscara ocultando el fondo de la imagen y luego la capa de ajuste Blanco y negro. Esto debería darnos como resultado lo siguiente:

El fondo solo se ve alterado por la capa de ajuste de Blanco y negro, a la cual podríamos agregarle la misma máscara que a la capa anterior si esto modificara a desgusto la imagen.

5º Paso Ya tenemos nuestro efecto de Alto contraste y brillo. Por último lo que he hecho es intentar centrar mas la acción en la imagen. Para eso creé una nueva capa (arriba de todo) y tomé la herramienta de degradado, seleccionando en sus propiedades la opción radial. Trazé desde la cintura hasta pasando la parte superior de la imagen para obtener un resultado como el siguiente:

Y como vemos en la imagen, copié la máscara de la capa que resaltaba al personaje pero en este caso la invertí para que solo tome el fondo. Como hacer esto en forma simple? Nos situamos sobre la máscara en cuestión y con la tecla CTRL presionada, hacemos click y arrastramos la máscara hacia la capa que deseamos. Ya con la máscara en la capa, hacemos click sobre la máscara y presionamos CTRL+I para invertirla.

Luego de este proceso, solo nos queda cambiar el modo de fusión a “Luz Suave” y listo. Aquí la imagen final:

Efecto Ojos de Zombi Paso 1. Abrimos la imagen a trabajar. Creamos una nueva capa (Mayus+CTRL+N). Lo que haremos a continuaci贸n es tomar la herramienta de marco el铆ptico (selecci贸n circular) y trazar una selecci贸n alrededor del ojo, alrededor de la pupila, mas precisamente en el iris. De esta forma:

Una vez hecho esto, hacemos click con el botón derecho del mouse sobre la selección y elegimos la opción “Rellenar”. Cuando nos pregunte con que lo rellenamos, elegimos el color blanco. Todos los valores restantes quedan igual.

PASO 2 Como todavía tenemos la selección en nuestra imagen, iremos a Selección > Modificar > Contraer. El valor dependerá del tamaño de la imagen, por lo que recomiendo que vayamos de 10 en 10. Repitiendo el proceso hasta lograr algo así:

Por último, le daremos un poco de desenfoque para que no queden los bordes tan duros. Vamos a Filtros > Desenfocar > Desenfoque Gaussiano. Los valores también dependerán del tamaño de la imagen, pero para este caso con un 25 bastó.

Cada uno dele el blur que crea necesario. Si no están seguros, pueden dejar este paso para lo último, ya que no afectará el orden. Como no podía ser de otra forma, para finalizar solo deberemos cambiar el modo de fusión de esta capa a “Superponer”.

Efecto Fotografía Antigua Comenzaremos por darle el tono correcto para una fotografía antigua. En este caso podremos decidir entre el blanco y negro y el sepia. En lo personal, lo sepia me da mas sensación de viejo, por lo que utilizaremos esta opción para este ejemplo. En ambos casos deberemos inicialmente desaturar la imagen. Para esto, vamos a Imagen > Ajustes > Desaturar o presionamos CTRL+Mayus+U). En el primer caso, crearemos una nueva capa de ajuste desde el panel de capas. La misma sera¡ de Tono y Saturación. Aquí marcaremos la opción de “colorear” y modificaremos los para¡metros. En el Tono, para lograr un sepia podremos elegir entre los valores 30 y 40. En cuanto a la saturación va en gusto, pero si realmente queremos lograr un efecto antiguo deberemos estar entre los 25 y 35.

Para finalizar, en Luminosidad le pondremos un +19 par opacar un poco la imagen, ya que si hay algo que una fotografía antigua tiene, es detalles. Otro es todo un poco mas permisivo es el siguiente. Creamos una nueva capa. A esta nueva capa le cambiaremos el modo de fusión a “color”. Seleccionamos en la paleta de colores, como color frontal, un marrón (#917851). Tomamos el bote de pintura y lo volcamos sobre esa capa. Como podemos ver, ya tenemos nuestra fotografía en sepia. Y porque este todo es un poco mas permisivo? Simplemente porque podremos ir cambiando de tonos marrones (claros y oscuros) y resaltar o ocultar ciertos detalles. Pero deberemos tener cuidado porque las fotos antiguas no tenían tanta definición. Bueno, explicado esto, creo que para este tutorial utilizaremos todo, ya que la corrección de luminosidad nos permite darle mas aspecto a viejo.

PASO 2 Aquí me gustaría jugar un poco con los niveles, para quitarle mas definición de detalles. Creamos una nueva capa de ajuste, esta vez será¡ de niveles. La ubicación de esta capa en el panel será¡ por debajo de la de tono y saturación (aclaro esto porque modifica mucho su orden. Prueben).

Los valores que he decidido utilizar son los siguientes:

Por consiguiente, el resultado de la imagen será¡ así:

PASO 3

PASO 4

Que fotografía antigua no tiene algo de ruido?

La verdad es que esto cada vez que lo veo me causa una sensación extraña. Cuando veo una fotografía antigua maltratada, me da bronca que no se la haya cuidado como se merece toda foto, pero a la vez me indica todo el tiempo que vivia esa imagen.

Si agarramos las fotografías de nuestros abuelos, veremos como se nota ciertas imperfecciones. Eso haremos ahora. Tranquilamente podramos ir sobre la fotografía y añadirle ruido desde los filtros. Pero lo que haremos será¡ añadir ruido en una capa nueva. De esta forma tendremos total manejo del ruido sin alterar el original. Creamos una nueva capa sobre todas las otras, debera¡ quedar arriba de todo. A esta le volcamos negro con el bote de pintura. Luego vamos a Filtros > Ruido > Añadir Ruido, con los siguientes valores: 6% en cantidad, distribución Uniforme y marcada la casilla de Monocromático. Lo único que falta ahora es cambiar el modo de fusión de esta capa a Sobreexponer Color y cambiar la opacidad de la capa a 30%.

Aquí emplearemos los pinceles que se encuentran para descargar en los elementos a utilizar, al inicio de este tutorial.

Creamos una nueva capa y seleccionamos el grupo de pinceles de papel dañado. Aquí va a gusto, cualquiera de ellos puede servir para este fin. Pero lo que si aconsejo es que luego de aplicarlo, bajemos la opacidad de la capa a 50% para que se acople bien con la imagen. Luego podrían rotar, escalar (no mucho) y borrar algunas partes del pincel (siempre con suavizado y un pincel grande para que no queden marcas). De esta forma hice el efecto de papel rallado, mas visible en el borde inferior derecho.

Para la marca que se situa sobre el auto, creamos otra nueva capa. A esta la dejaremos en 100% de opacidad y cargaremos el set de pinceles Decay, también disponibles para descargar en los elementos de trabajo. Luego simplemente buscamos este pincel, reducimos un poco su tamaño si es necesario y lo volcamos en la imagen. Como podrian ver al hacerlo, les creará¡ un rectángulo junto con la imagen de la marca. Así que tomamos la herramienta borrador y bajando su opacidad a 50%, procedemos a borrar todas las partes que nos parezcan inapropiadas.

51 51

Esto nos dará¡ como resultado algo así: PASO 5 Para finalizar el tutorial, podríamos agregarle un borde a la imagen. Para esto haremos lo siguiente. Creamos una nueva capa. Esta la ubicaremos justo encima de la capa de la imagen desaturada, para que los tonos sepia afecten levemente a la misma. Con la herramienta de selección “Marco rectangular” trazamos un recuadro sobre la totalidad de la imagen. Luego vamos a Selección .

Modificar selección y escalamos nuestra selección dejando bordes a los costados. Una vez hecho esto, invertimos la selección desde Selección > Invertir y con el bote de pintura volcamos blanco dentro de ella.

Efecto Pintura al Óleo 1º Paso. Comenzamos llamando a la primera capa “fondo”, la duplicamos (ctrl. J) y a ésta la llamaremos “colorear” ya que lo que vamos a tener aquí son los colores marcados por zonas.

Usamos el filtro/artístico/cuarteado (cutout) y trabajamos los valores hasta que estén bien definidos según la imagen utilizada. Mas o menos así:

2º Paso. Duplicamos otra vez la capa fondo, la llamaremos “bordes” porque aquí se definen los trazos que marcaría el pintor para acentuar los contornos. Luego la colocamos arriba de las otras.

Lo usé surface. Según la imagen tal vez deban bajar la opacidad de esta capa. En mi caso utilize un 87%.

Aplicamos el filtro/estilizar/hallar bordes. Luego le aplicamos un ajuste de curvas para oscurecer llevando la curva hacia abajo y luego suavizamos el ruido con el filtro/Blur que mejor se acomode a la imagen.

3º Paso. Subimos la capa “colorear” y la aplicamos en modo superponer (overlay) y luego creamos una capa de ajuste de curvas bajándola para oscurecer la imagen.

4ยบ Paso. Si la imagen lo requiere se puede hacer ahora una capa de ajuste de tono para darle mรกs intensidad pero se deberรก bajar luego la opacidad. En este caso utilize tono +12 y opacidad al 80%.

Combinamos las capas menos la llamada “fondo”. Duplicamos otra vez la capa “fondo” y la llevamos al tope en modo de fusión luz focal. Esto debe definir más los detalles de la imagen pero sin perder el aspecto de una pintura.

Repetir el paso anterior pero aplicando la capa en modo saturación o según la foto bajar la opacidad de la capa. Yo usé la última opción poniendo la opacidad al 63%.

5º Paso. Ahora debemos trabajar el tono de los fondos y de desaturar zonas de piel por si algún color quedó muy falso. Lo hacemos seleccionando las zonas a corregir y aplicando una capa de ajuste de tonos trabajando los niveles de tono para realzar colores y bajando la saturación para el caso de la piel.

Con una nueva capa de curvas oscurecemos otra vez la imagen, pero s贸lo un poco, no se deben perder los detalles como los pliegues da la ropa.

Combinamos otra vez las capar menos “fondo”. 6º Paso. En una capa nueva y con un pincel redondo, blando y pequeño damos toques de luz en los labios y los ojos. Le aplicamos un poco de Gaussian Blur (2px. aprox).

En este punto se pueden hacer modificaciones necesarias a la imagen para darle mayor presencia “artística” como en este caso que le hice una especie de marco.

En otra capa nueva y con el mismo pincel o uno mas grande aplicamos luz al cabello y a esta capa la colocamos en modo luz suave. La opacidad de estas capas depende de como se ven de naturales los brillos que sea necesario aplicar.

7º Paso. Ahora combinamos las capas y con la herramienta dedo y un pincel suave, redondo y del tamaño apropiado a unas pinceladas, “pintamos” la imagen siguiendo lo que serían las pinceladas del artista según cada sector de color,

las curvas, las zonas rectas, pliegues, bordes, etc.

59 59

Duplicamos la capa y le aplicamos el filtro/sketch/ note paper (yo lo tengo en inglés) con los valores balance de imagen 20, relieve 11 y granulado 5, pero estos ajustes van de acuerdo a la imagen, lo que se debe lograr es un efecto de relieve como de pintura acumulada en algunos sectores.

Ahora llevaremos la “pintura” al lienzo, usando el filtro/texturizar y en este caso usé la escala al 178%, el relieve en 3 y la luz arriba izquierda para que marque la textura de la tela.

Cambiando los valores y probando se pueden lograr efectos y carácter diferente en la imagen.

Efecto Hdr 1º Paso Abrimos nuestra fotografía y duplicamos la capa (Ctrl+J). A la capa duplicada le cambiamos el modo de fusión a Superponer y bajamos su opacidad a 50%. Para finalizar este paso, combinamos la capa hacia abajo (Ctrl+E).

Veremos que de esta forma ya estamos comenzando a resaltar un poco la iluminación y texturas.

Para finalizar este paso, vamos a Filtros > Desenfocar > Desenfoque Gaussiano y le daremos un valor alto, alrededor de 40%.

2º Paso Duplicamos nuevamente la capa (Ctrl+J). Lo que haremos es desaturar la capa duplicada. Para esto, vamos a Imagen > Ajustes > Desaturar (Shift+Ctrl+U). Luego invertimos la imagen desde Imagen > Ajustes > Invertir (Ctrl+I). En verdad aquí deberíamos ver la imagen como si fuera un negativo.

El toque mágico lo daremos nuevamente con las fusiones. Cambiamos esta capa a modo “Superponer” y ya va tomando color…

Veamos una imagen del resultado de estos pasos para tener de referencia, ya que el valor del desenfoque también depende del tamaño de la imagen que estemos trabajando.

Dependiendo de nuestra imagen, podremos duplicar nuevamente esta última capa para acrecentar el efecto y luego jugar con la opacidad de la capa para disminuir si se pasa de “revoluciones”.

3º Paso En verdad el tutorial ya ha terminado. No obstante, se pueden tener en cuenta los siguientes puntos para obtener un mejor resultado (aquí va el pequeño aporte propio): CURVAS: Un pequeño ajuste de curvas nunca viene mal. Si te queda muy clara toda la imagen, quizás aplicando un ajuste de curvas y arqueando hacia abajo la línea corrijas fácilmente ese defecto.

VIÑETAS: Muchos artistas que realizan este tipo de imágenes agregan viñetas a la imagen. Dependiendo cual sea la imagen, le da un toque muy bueno. Si no recuerdas como agregar viñetas, te recomiendo que leas nuevamente Enderezar una imagen en Photoshop, tutorial en el cual se ve desde que filtro se aplican. MASCARA DE ENFOQUE: Este filtro lo encontramos en Filtros > Enfocar > Máscara de enfoque. El mismo muchas veces nos ayudará a remarcar líneas y texturas. Otra buena opción para experimentar.

Efecto arreglar el Cabello 1º Paso: Debemos trabajar con un lienzo totalmente vacío.Trazamos con la herramienta pincel o el lápiz una “muestra” de cabello como la de la imagen del primer paso. Luego vamos al menú Edición > Definir valor de pincel.

2ยบ Paso: Hacemos click en la herramienta pincel eliges el que creastes anteriormente y lo editas desde el panel correspondiente a la herramienta (forma, color..)

3ยบ Paso: Pintas la zona. No hay mucho por explicar mas que incentivar a la creatividad.