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REINICIOS REINICIOS NO.001 $30 | MÉXICO DICIEMBRE 2019
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DIRECTORIO DIRECCIÓN GENERAL Y EDITORIAL Said Valencia said@maquila.com
DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO Eduardo Maya eduardo@maquila.com
DIRECCIÓN COMERCIAL Montserrat Nicotela montse@maquila.com
FOTOGRAFÍA Rodrigo Hératos
rodrigo@maquila.com
CORRECIÓN DE ESTILO José García jose@maquila CONSEJO EDITORIAL Yahir Esquivel Karen Zárate José García COLABORADORES GRÁFICOS Yahir Esquivel COLABORADORES TEXTO Ana Brenda Sánchez Juan Pérez Sofía Viramontes Hector González María Nájera
VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD Título de la publicación: Maquila Por Magna Editor responsable: Said Valencia Edicion: 001 “Reinicios” correspondiente a Noviembre de 2019 Prohibida su reproducción total o parcial por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso del editor. Los contenidos de artículos y colaboradores firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 150805 Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 07-2019-011911392500-102 Maquila es una marca registrada.
AGRADECEMOS A Mayte Sarmiento Ana Reza Gerardo Núñez Gissela Sauñe Denisse Beltrán Jorge Mares José López Maquila T.56503200 maquila.com
Ig: maquila.magna Fb: maquila.magna
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EDITORIAL
Yahir Esquivel, retomar la coyuntura entre diseño, ilustración y narrativa
Reinicios Podría decir que todo iba de maravilla, mi cabeza estaba situada en en mi nuevo trabajo, nuevas cosas por las que pasaba en mi vida, que lucían interesantes, más, después de haber pasado por una mala experiencia laboral y unos meses muy malos; me sentía bien. Estaba en ese plan de reorganización de mí mismo para intentar descubrir qué es lo que quiero en la vida, pero jamás imaginé que estar en una etapa cómoda en realidad sería tan incómodo, pese a la contradicción que esto supone. Ahora que me siento así, busco moverme de nuevo, recaigo en lo que siempre he pensado y vivido durante mi corta o no tan corta vida: lo único constante en la vida es el cambio y el reinico de las cosas. El tema del número de esta revista está inspirado por vivencias personales por las que estoy pasando, espero que lo disfruten, tanto como yo al editar y seleccionar los contenidos. - Said Valencia , Diciembre 2019
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La gran posibilidad que te da la ilustración para mezclar los iconos, elementos y conceptos. Por Said Valencia
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air Esquivel es un ilustrador originario de la Ciudad de México; egresado de la carrera en diseño y comunicación visual en la FAD en la orientación de ilustración. Su trabajo como ilustrador va más allá de una actividad publicitaria, insertándose en el arte social (definición que Néstor García Canclini utiliza para referirse a la obra que busca reproducir, más que lo real, las condiciones icónicas que estamos acostumbrados a ver) de una manera fantástica. Convierte sus escenarios en espacios de reflexión con un toque de realismo, basándose en leyendas y literatura. Los mundos creados en sus ilustraciones parten de la posibilidad que te da la ilustración para mezclar los iconos, elementos y conceptos, tanto culturales como esté-
ticos de tu imaginario visual y encaminarlos hacia la creación de una imagen que te pueda contar una historia o transmitir un mensaje. Sus influencias se encuentran James Jean, Iván Boilbin, Jesús Benítez, Gastón Pacheco, Daniel Isles, Tysa, así como la narrativa del realismo mágico literario y el caos que se genera en cada espacio social, y que representa a partir de herramientas como el lápiz y la tinta. El estilo definido de Yair se caracteriza por dibujos redondeados, la línea fina y personajes coloreados a una sola tinta, aùnque tambièn realiza ilustraciones a color. Entre sus colaboraciones realizó junto con la imprenta risográfica SARA la publicación de un print en conjunto para el Festival Rayón.
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DISEÑO INDUSTRIAL
Ariel Rojo y el diseño como medio para reinventar Ariel Rojo es uno de los diseñadores mexicanos más reconocidos por sus originales objetos. Por Sofía Viramontes
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riel Rojo es el líder de uno de los estudios de diseño (que lleva su mismo nombre) más importantes de México. Se dedican al mobiliario, al diseño conceptual y de producto, de interiores y al urbanismo. Uno de los ejemplos más célebres de la firma son los Rack Bicis, estructuras de fundido en aluminio en las que se aseguran las bicicletas que se pueden encontrar en muchas banquetas de la Ciudad de México. Empezó a trabajar porque necesitaba dinero para pagar el golpe que le había dado al coche de su hermana. Tenía 14 años, su abuelo era fabricante de circuitos impresos, y se unió a las líneas de producción para pagar su error. “Aprendí a fabricarlos primero y llevan muchos procesos que después me encontré en la carrera de diseño, pero aprendí también a diseñarlos y eso me dio mucho orden y mucha estructura mental, porque en la electrónica si te falla un cable, no jala”. Ahí entendió que los elementos por separado no sirven de mucho, y que es cuando se ensamblan de la manera adecuada, que el mundo cambia. Antes de acabar la preparatoria, un amigo de su papá le hizo la pregunta del millón “¿y qué vas a estudiar?”. El diseñador se encontraba en la disputa entre Artes plásticas y Física, y además ya había sido aceptado en el Art Institute de Chicago, pero sentía que había algo que le faltaba. Se decidió por el Diseño Indus-
trial, pues sentía que ahí era el lugar en el que más coincidirían tanto el arte como la física; podía crear piezas que integraran diferentes ciencias y conocimientos, y que al mismo tiempo fueran un medio para interactuar con el mundo. “Y creo que le atiné. Sigo siendo feliz diseñando cosas”, dijo Rojo para Gatopardo. Parte de lo que lo ha hecho resaltar entre el mar de diseñadores que México procrea, es su temprano interés por la identidad mexicana. Cuando él estaba en la carrera, en 1994, el tema de conversación latente era la globalización; las fronteras comerciales se estaban abriendo, los productos estadounidenses estaban llegando, el internet comenzaba a estar en la mayoría de las casas y México atravesaba un momento políticamente tenso. Todo el mundo volteaba a ver lo que se hacía fuera de México. La reacción de Rojo ante esto fue preguntarse “¿quién voy a ser como diseñador en un mundo globalizado?” y su respuesta, sencilla pero no por eso poco brillante, fue “un diseñador mexicano”. Lo primero que hizo después de definir quién quería ser fue ir al Museo de Antropología, “me clavé, fui al museo y empecé como a calcar, así como aprendes a dibujar al desnudo viendo una pieza y dibujándola, me fui al museo a ver una piezas y entender su geometría y proporciones, las soluciones”, cuenta Ariel Rojo. De ese estudio han surgido varias piezas,
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una de las primeras, el Florero Trípode. Ahora, 20 años después de comenzar a trabajar como diseñador, su lista de creaciones es larga y muy variada: más de 60 diseños, que van desde un florero o una almohada que se llama Coyotito, hasta el sistema satelital de alerta sísmica SkyAlert, o el Abierto Mexicano de Diseño (AMD). Sus diseños han sido aplaudidos nacional e internacionalmente, expuestos en museos, como el MAD Museum de Nueva York, que le dio una vitrina de Navidad al Cerdito Ahorrador, uno de sus diseños más famosos, que este mes cumple 10 años de haber nacido. Actualmente se ha embarcado en nuevos proyectos, como la producción de cerveza, pero sus piezas siguen viviendo en la ciudad y constantemente colabora con otros diseñadores. Rojo se ha convertido en una referencia en términos de diseño para México, principalmente porque sabe que su país tiene mucha cultura para utilizar, mucha ciudad para recorrer y muchos discursos que repetir. Sus piezas viven en las ciudades y en las casas de los ciudadanos; interactúan con la vida diaria. Para él, el diseño no es un asunto de vanidad, es una forma de interactuar con las fuerzas que existen en el mundo.
CINE
‘Casa caracol’, una película de Jean-Marc Rousseau sobre la pérdida y la reinvención El realizador sostiene que hace falta despegarse del cliché cuando se aborda la crisis de violencia en el país. Por Héctor González
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e calcula que en México hay 40 mil desaparecidos. Alrededor de cada caso hay una historia. A pesar de vivir en Francia, Jean-Marc Rousseau es un atento seguidor de la realidad nacional. Su ópera prima Casa caracol, bien se puede leer como un ejercicio por construir una narrativa fresca para aproximarse a las víctimas de la desaparición forzada. Tras la desaparición de su esposo, Sofía (Rosalía García) deja la ciudad y se va a Xilitla, el surrealista poblado de San Luis Potosí. Ahí conoce a Nico (José Carriedo) y a los habitantes del hostal Casa Caracol. Ahí, la protagonista comienza a reencontrarse y a retomar las riendas de su vida, hasta que un nuevo suceso trastoca todo.
“El Estado de un país también es consecuencia de cómo son sus individuos. Si un país es corrupto es porque sus habitantes también lo son.”
un viaje que lo lleva a reinventarse. Junté ambos elementos e ideas para generar una narrativa. ¿De qué manera Xilitla marcó el rumbo de la película? Nací en San Luis Potosí, es decir muy cerca de Xilitla. He ido varias veces y siempre me ha llamado la atención. Gracias a las estructuras que construyó Edward James atrae a una población muy particular. Por si fuera poco, un amigo se volvió administrador del hostal Casa caracol y me dio acceso al lugar. Una vez que tuve acceso al sitio me pareció importante mostrar un paraíso que se descompone a partir de las acciones de los individuos. Se descompone, pero a la vez obliga a Sofía a reinventarse. Sofía llega ahí buscando reconstruirse y poco a poco lo va logrando. Asume que su error es que no decide. Reconoce la necesidad de retomar las riendas de su vida después de la pérdida de su marido, pero de pronto se topa con un evento más fuerte que incluso su búsqueda existencial. Ahí se convierte en una superviviente a pesar, de ir contra sus propios principios.
historia hay desapariciones, un asesinato y corrupción. La película nos permitió hablar de algo grande a partir de una historia pequeña.
acerca de acá. Aún así mira la historia que terminé contando. El país está inmerso en una dinámica donde la violencia es algo cotidiano.
¿Planteaste Casa caracol, como un intento de abordar de manera diferente el tema de las víctimas?
Y donde es fácil caer en el cliché.
Queríamos hablar de eso, pero a partir de la historia de Sofía y de los eventos en un pequeño pueblo. Pueblo chico, infierno grande…
Me gusta pensar que privilegio los sentimientos sobre el cliché. Prefiero crear algo a partir de una sensación, no del amarillismo. Sin embargo, en una u otra medida, todos los artistas mexicanos terminamos cayendo en los lugares comunes de la violencia y el narcotráfico.
Claro, una microsociedad puede ser representativa de un conjunto más amplio. El estado de un país también es consecuencia de cómo son sus individuos. Si un país es corrupto es porque sus habitantes también lo son. ¿Cómo evitaste que un escenario surrealista como Xilitla se comiera la historia? Ante lo seductor del lugar, eso era un peligro. No queríamos caer en el estetismo. En el guion reducimos escenas descriptivas y durante el rodaje intentamos incluir una acción en todas las tomas. Por último, en la edición cortamos pasajes donde el lugar tenía demasiado protagonismo.
En Casa caracol hablas de la reconstrucción personal a partir de la pérdida, ¿por qué te interesa el tema?
Ahí la película adquiere una dimensión social. Sobrevivir tras la desaparición o la pérdida de un familiar es la realidad de muchos mexicanos.
Me interesaba recrear la sensación de intriga que envuelve a los lugares bellos y alejados como es el caso de Xilitla. Por otro lado, quería contar una historia de reconstrucción. A partir de una pérdida, un personaje emprende
Sí, es una realidad latente en México. Nosotros filmamos en noviembre de 2014, recién había pasado lo de Ayotzinapa y estuvimos influenciados por la atmósfera de desolación generada por la desaparición de los 43. A fin de cuentas, en nuestra
No sabría decirlo. Cuando vengo a la CDMX siento que no me se mover y quería transmitir esa sensación en la película. A su vez, mientras estoy en Francia trato de no quedarme con las malas noticias
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¿Qué perspectiva te da vivir en Francia al hablar de temas como la desaparición forzada?
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STREET ART
Smithe elegido por Pharrell Williams
El artista visual “Smithe” es uno de los autores invitados por Pharrelll Williams en la nueva campaña de Adidas Originals que celebra la originalidad y autenticidad. Por María Nájera para Adidas Originals
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didas Originals se ha caracterizado desde sus inicios por ser una marca deportiva que constantemente se encuentra en continua reinvención y esto ha dado como resultado colaboraciones que los han consagrado como un referente en el mundo de la moda de sportswear. La nueva campaña de Adidas Originals en colaboración con Pharrell Williams, celebra a aquellas personas que sin importar lo que opinen los demás siguen siendo lo que son, únicos, originales, no influenciables, en resumen, auténticos #OriginalSuperstrar. Pero, ¿qué significa ser un Superstar? Pharrell escogió a cinco artistas que lo inspiran, y responden esta pregunta al ser se fieles a si mismos, el artista plástico mexicano Smithe es uno de ellos. Smithe, originario de la CDMX, es un multifacético artista, conocido por la desfragmentación dentro su obras y cofundador de la marca Tony Delfino, comenzó a pintar graffiti a los 13 años por diversión. Influenciado por los cómics locales, el estilo gráfico de los años 50, las películas de ciencia-ficción y las vivencias de cada día. Adidas Original redefine lo que significa ser un Superstar mas allá de lo que los likes y comentarios puedan decir. Superstar hace honor a la creatividad, lanzando una cadena de nominaciones a aquellas personas que como Smithe se rigen por esta idea: “Yo creo para mí, yo creo para un publico de una sola persona”.
FB: smitheoficial IG: smitheone
Pharrell invita a los artistas a que le muestren el mundo a quienes consideran sus Original Superstars. Para Smithe un autentico Superstar es la gente que cree en su trabajo, sin necesidad de exhibirlo. Y a ti ¿quién te inspira?, ¿quién es tu auténtico #OriginalSuperstrar?
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MODA
El collage de Milena Muzquiz
El arte latino y el poder femenino se unen para crear las bolsas más cool del año
El trabajo de la mexicana Milena Muzquiz se caracteriza por inspirarse en la cotidianidad y así mismo en la vida, llena de colores y sucesos que marcan el alma y hacen recordar que cada momento es importante por más irrelevante que parezca. Con un punto focal en los detalles, la artista plástica conjuntó su trabajo y experiencia en el bolso, incluyendo en el diseño nada
más, ni nada menos que los deshechos de un collage en el que trabajaba. Al respecto comentó que al principio pensó “en lo que uno tiene en el interior de la bolsa, había pensado que sería interesante tomarle una foto al interior de mi bolsa e imprimirlo por fuera y tener esa contradicción de las cosas que quieres esconder ponerlas como algo decorativo”. “Pero el interior de mi bolsa, típicamente tiene tanta cosa desagra-
Inspiración, creatividad y talento, cada una de las artistas impregnaron su esencia en sus respectivos bolsos.
La arquitectura de Frida Escobedo
La estética de Luna Paiva
Reconocida como una de las arquitectas más importantes de México, Frida Escobedo fusionó a la perfección la moda y la arquitectura, si vemos detalladamente a la bolsa diseñada por ella, podemos observar que se trata de una edificación, y de hecho así fue, pues está inspirada en uno de sus proyectos más recientes, el edificio Mar Tirreno en la Ciudad de México. A propósito, Frida compartió: “Es un patrón que tomamos de la fachada de un edificio que hicimos, por lo que da la impresión de pequeñas ventanitas, tiene una textura en la bolsa que da como esa impresión de luz y sombra, por lo que provoca diferentes efectos”.
El arte de la argentina Luna Paiva se centra en la escultura multifacética que experimenta con el dibujo, la fotografía y el trabajo con bronce, parte fundamental en la que basó su bolso, una creación que según la artista surgió de su imaginación y después se combinó con el arte precolombino. La experiencia de Luna Paiva al trabajar en el bolso boXTZ fue la siguiente: “Yo estaba viajando en ese momento, acababa de volver de México y me propusieron este proyecto, y cuando me llamaron para esta colaboración, solo lo quería hacer si el resultado iba a ser bueno, y si quería yo también hacer un buen trabajo para potenciarnos mutuamente, entonces comencé a dibujar y vi que podía funcionar este diseño, con mis trabajos previos y con la casa Ferragamo, ahí es cuando empezamos a intercambiar ideas”. Además, compartió que ellos al principio querían que fuera una trabajo impreso, sin embargo prefirió que fueran piezas de metal que tenían que ver con su trabajo: “al final aprobaron ese desafío técnico que era que parecieran piezas de bronce”. En cuanto al arte precolombino que también se fusiona con su creación, puntualizó: “Tuve fe en el arte precolombino y pues encontré que tenía que ver con los mismos huicholes y comencé a investigar al respecto”, una relación que no fue pensada desde un principio.
dable, dije por qué no veo la mesa en la que estoy trabajando, la uso y tomo lo que quiero descartar de un collage que estaba haciendo sobre la mesa, todas las piezas de revista que iba cortando y con las que iba construyendo una cosa formal, tienen el mismo significado de las cosas que no quieres que la gente vea”. Mostrar lo que nadie ve, eso fue lo que inspiró a la bolsa de Milena, la cual además contempla la frase “Look everyone I’m here” (Miren todos, aquí estoy), el verdadero significado de la bolsa, pues la artista también compartió: “es el deshecho de una obra que estaba haciendo pero sigue ahí”.
Por Anna Brenda Sánchez
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odo surgió de una “carta blanca” que les dieron a las artistas y lo demás fue magia pura, pues de acuerdo a las tres, la colaboración se dio de una manera fluida que no tomó demasiado tiempo: “nos dieron completa libertad creativa”, lo que permitió sentir confianza. Sin restricción, las tres emprendieron el viaje con la firma partiendo únicamente de una pequeña restricción, el tamaño de la bolsa, algo que les permitió jugar con el espacio y comenzar a experimentar.
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BUENAS NUEVAS
¿Cuántas personas y quiénes conforman este proyecto?
Cineteca Nacional de México: la importancia del cartel en el cine
Somos Mayte Sarmiento (27), Ana Reza (22), Gerardo Núñez (22), Gissela Sauñe (32), Denisse Beltrán (23), Jorge Mares (25) y José López (23). Todos venimos de la Facultad de Artes y Diseño (ENAP) de la UNAM, estudiamos la carrera de diseño y comunicación visual. ¿De dónde nació la idea de formar un grupo especial de diseño para la Cineteca Nacional?
Las creaciones del grupo de diseñadores que está revolucionando el diseño de la institución más importante de cine en México.
Giss: El área existe desde hace más de diez años, pero su crecimiento ha sido progresivo. Inicialmente no se hacían todos los materiales de manera interna, pero conforme fue creciendo la demanda de trabajo se fueron consolidando más proyectos dentro. Por ejemplo, los carteles de la Muestra Internacional de Cine surgían originalmente de un concurso; después, se invitaba a artistas plásticos o diseñadores de renombre para que diseñaran propuestas con su propio estilo. No fue hasta 2016 cuando los carteles hechos desde casa se consolidaron con el reconocimiento y la calidad de los propios diseñadores de la Cineteca. Así, comenzó un proceso de consolidación de línea gráfica. Lo mismo pasaba con los libros: antes, para la mayoría de las publicaciones grandes se solicitaban los diseños a despachos externos, a día de hoy un 70% de las publicaciones se hacen de manera interna. Jorge: Desde que inició el área de diseño a cargo de Fabiola Pérez Solís se buscó una propuesta distinta a lo ya visto en años anteriores, pero creo fue desde que se formó el equipo integrado por Gissela, Mayte y yo, cuando realmente hubo un cambio y un enfoque distinto en el diseño gráfico de la Cineteca.
Por Julio Martín
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esde hace algún tiempo, el diseño que promociona las diversas actividades de la Cineteca Nacional en México se ha destacado de sobremanera. Desde el evento más pequeño, hasta las muestras de grandes directores, los ciclos, las funciones especiales, todos y cada uno se presentan con interesantes propuestas visuales que acompañan las proyecciones. Con cada nuevo cartel redes sociales se maravillan, pero la duda mayoritaria es: ¿quién o quiénes están detrás de todo esto? Son pocos los que conocen a sus autores: iniciaron tres, algunos se fueron, otros llegaron... Platicamos con Denisse Beltrán, actual coordinadora de diseño de la Cineteca Nacional, quien nos ayudó a reunir a todos los que formaron y forman parte de este equipo para poder conocer más a fondo este proyecto. Conversamos con ellos sobre esta iniciativa, la convivencia del diseño con el cine y la importancia del buen diseño de carteles.
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Creo que para la difusión cinematográfica el cartel tiene mucho potencial estético debido a los recursos mismos que el cine te da para diseñar, así que intentamos jugar con eso y explotarlo. Denisse: La representación gráfica del cine es muy importante, no solo porque creemos que el diseño gráfico es la mejor herramienta de difusión, sino por el valor cultural que aporta la traducción del lenguaje del cine al diseño. Al reunir varias ramas creativas en su trabajo, ¿qué fue lo que primero que atrajo su interés en cuanto al cine y el diseño gráfico?
Giss: Precisamente, el diseño gráfico en el sector “arte y cultura” no está tan valorado, ni económica ni profesionalmente hablando.
Gerardo: El lenguaje visual lo es todo para mí, siento que el arte, el diseño y el cine son más precisos cuando juegan con el lenguaje y no necesitan irse del lado de lo obvio constantemente. Giss: La narrativa visual. Ese juego de lectura e interpretación: las múltiples formas en que se puede resolver entre un diseñador y otro, o entre todo un equipo de producción. La forma en que se retiene en nuestra mente y la
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Está claro que un buen diseño gráfico da mayor fuerza a los eventos cinematográficos, ¿qué los llevó a buscar y presentar esta nueva propuesta por medio de carteles?
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Los diseñadores que nos hemos involucrado dentro de la Cineteca quisimos impulsar la imagen frente a varias dificultades pero, al final, nuestro interés fue, justamente, promover el cine con el amor que sentimos por él.
de la gente hasta el punto de mantener una fuerte conexión a largo plazo. Denisse: Creo que he pasado mucho tiempo viendo caricaturas y series animadas, esas son las principales razones por las que me interesé en aprender a dibujar y más tarde a diseñar. Mayte: No estoy segura, pero desde pequeña empecé a interesarme en las películas y el arte, también leía mucho porque siempre fui medio nerd. Como a
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los 15 años tenía fija la idea de que me gustaría dedicarme a hacer algo parecido a todo lo que me gustaba. Jorge: Algo difícil, pero diría que la paleta cromática y la composición, aunque en cine me fascina la banda sonora, la música me gusta mucho, el cine de ciencia ficción y los samuráis. Ana: La verdad, yo sí me dejo llevar por la forma más que por la funcionalidad de algo. Cuando una forma llega a gustarme no me la puedo despegar. Me encanta que las cosas me hagan feliz al verlas, aunque no sean necesariamente bonitas. Lo brillante, lo picudo, lo fuerte, lo llamativo, lo neón, lo grueso, lo disrruptivo... Desde su formación como diseñadores, ¿cómo se introdujeron al mundo de la cartelería y cuál fue su primera experiencia con el diseño de éstos? Denisse: Desde los primeros años de la carrera, el cartel siempre ha sido de mis mayores intereses por tratarse de un producto individual del que nacen otras formas de decodificación. También por su versatilidad. Al final, hacer un cartel es deconstruir una idea a su más mínima representación gráfica. En ese sentido, fue en Cineteca donde tuve mi primer acercamiento real con el cartel.
Jorge: Mi acercamiento fue estudiando, ahí aprendí que el cartel es el mejor formato para que un diseñador se exprese y deje fluir su creatividad. Como diría Josep Renau, “el cartel es un grito en la pared”. Renau fue uno de los mejores diseñadores de cartel de cine mexicano. Mi primera experiencia en el cartel fue también mientras aún estudiaba. Mayte: Mi primera experiencia fue en Cineteca Nacional. El primero que hice como parte del equipo de diseño fue el de la Semana de Cine Portugués. Tardé bastante en hacerlo pero, a partir de él, aprendí más y el proceso se volvió más fácil. Ana: Mi paso por la carrera de diseño fue plano y sin emoción hasta mi último semestre, cuando tuve la oportunidad de entrar como apoyo de diseño en el Archivo de Arquitectura y Diseño. El espacio me motivó a tratar de no solo producir gráfico, sino hacer de mi disciplina un “quehacer holístico” sin olvidar mi formación. Nunca había hecho diseño de cartel hasta que llegué al Archivo. Ahí apoyaba desarrollando la identidad de exposiciones. Aunque fueron proyectos contados, pude hacer y experimentar con lo que quisiera, hacer y deshacer; claro, respetando la línea gráfica del espacio. Después llegué a la Cineteca y sí o sí tenía que diseñar un cartel, ya sea para un ciclo, un curso, o un autor. La experiencia
en ambas instituciones es muy distinta, pero el haber tenido esa libertad previa, me permitió conocer qué y hasta dónde puedo hacer. Giss: Yo me especialicé en ilustración y estuve colaborando en la Facultad de Ciencias de la UNAM como servicio social; fue ahí donde comencé a orientarme más en lo gráfico y el cartel. Mi primer cartel profesional fue para un investigador de la facultad que lo solicitó para un foro de investigadores y docentes científicos en Lisboa; era sobre cómo enseñar el tema de la evolución y esa idea me emocionaba porque dentro de la docencia científica había que crear un diseño atractivo y funcional para mejorar la retención y el aprendizaje. Me interesé en el impacto y las posibilidades que tiene un cartel: Puedes hacer un cartel que informe, pero también puedes hacer un cartel que informe y que tenga impacto; hacerlo de una manera menos convencional.
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En cuanto a la ejecución, ¿cómo funciona el proceso creativo de las piezas?, ¿cuál es el punto de inicio, cómo se dividen el trabajo, quién lo revisa, etc.? El proceso creativo depende de muchos factores: el tiempo de entrega, el tipo de cartel y las personas involucradas. Cuando un cartel requiere solo
del trabajo de una persona, el diseñador se dedica a investigar en profundidad el tema del cartel. Durante su elaboración, buscamos la opinión del resto de compañeros para poder evaluar los objetivos y la forma; todo el material gráfico pasa por el filtro institucional de los directivos, quienes opinan si los objetivos se cumplieron o no y también nos apoya el área de redacción. Jorge: Siempre es distinto, al ser un área que forma parte de Cineteca, estamos a disposición de otras áreas, como la de programación y la académica. A veces desde programación se avisan los próximos ciclos y muestras, para empezar a trabajar poco a poco el arte. Cada vez que se necesita un cartel todos llevamos un proceso similar: informarnos, bocetar, mostrar un avance a los demás compañeros, obtener un poco de retroalimentación, y por último, mostrarlo a dirección general, quienes tienen la última palabra. Mayte: Es muy importante la parte de la investigación, obtener toda la información que se pueda de la temática, la película, el director, incluso si está involucrado algún país... así se profundiza en los detalles que llamen la atención para extraer puntos a usar en el cartel. En cuanto a la parte gráfica, a veces tenemos una idea de cómo debería verse y otras hay que empezar desde cero. Ana: Todo empieza con un correo
que nos informa de las solicitudes de próximos carteles, desde ese momento hay que empezar a anotar las primeras ideas. Con esa primera noción, hay que buscar más información, luego armar un mood board, que no necesariamente tiene que ser de diseño gráfico. Personalmente, mi proceso es de mucha concentración, la inspiración no me llega en forma de canción o viendo un atardecer. Soy muy dispersa y tengo que concentrarme para encontrar las formas que estoy buscando. Lo que sea que tenga en cuanto a ideas, lo voy arrojando al cartel, no espero a tener algo sólido en el boceto, es solo una guía. Y a partir de ahí lo comparto con mis compañeros, siempre es bueno tener más ojos. Giss: Durante mi estancia en Cineteca la línea de trabajo la establecí bajo un criterio de composición libre, pero bajo lineamientos conceptuales y de comunicación respaldados por una investigación temática, cromática y tipográfica. Durante la distribución de trabajo, en algunos casos, los diseñadores escogían el tema por interés personal, en otros se distribuían aleatoriamente. Creo que es importante tener especial interés en algo para un mejor desarrollo gráfico. En el caso de carteles más grandes como Muestras, el proceso era más colectivo: investigación, plantea-
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miento conceptual, lluvia de ideas en grupo, bocetaje de propuesta digital, selección de una propuesta o ensamble de varias ideas, afinamiento en conjunto, presentación de propuesta final con el director general de la Cineteca y aprobación o afinamiento de ligeros detalles. Denisse: No se olviden de lo importante, en este caso, de ver películas y buscar productos gráficos relacionados con ellas. En los momentos que deben trabajar juntos, por ejemplo para las muestras, ¿cómo definen la estética a seguir? Lo obligatorio son los alineamientos institucionales que debemos respetar, como el estilo tipográfico, que siempre debe ser legible. De ahí cada quien ha desarrollado su propia línea, lo cual creemos que es muy enriquecedor, dando diversidad y generando un estilo único para cada proyecto. Pero si tuviéramos que delimitar la estética sería contemporánea, libre, experimental y propositiva. Jorge: La línea gráfica se construyó poco a poco, fue un proceso de prueba y error y va mejorando con las distintas alineaciones. Algo que se estableció es no saturar los carteles con gráficos innecesarios, usar fotografías solo si el tema lo requiere, nunca hacer copias de otros pósters.
MÚSICA
La Bestia Récords lanza ‘Canciones Para Deprimirte En Navidad’
Siguiendo con la tradición que han impuesto bandas como The Beach Boys, Bob Dylan, Johnny Cash, James Brown, Twisted Sister, Jethro Tull y Brian Setzer, La Bestia Récords llega con un compilado navideño.
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e acerca una de las festividades más importantes de diciembre: La Navidad y... si no la estás pasando bien en esta época del año, La Bestia Récords tiene una muy buena opción para ti. Se trata de Canciones Para Deprimirte En Navidad, un disco de canciones navideñas interpretadas por bandas como Valsian, Rebel Cats, Henry D’Arthenay, McKlopedia y más. Este compilado estará disponible el próximo 6 de diciembre en exclusiva por Apple Music, y el 13 de diciembre lo podrás encontrar en todas las plataformas de streaming.
Te compartimos la portada del disco y el tracklist a continuación: Valsian “Se va diciembre” Roboto “Esta no es otra canción de Navidad” Frege “Dance of the Sugar Plum Fairy” Vondré “Jingle Bells” Henry D’Arthenay “La Navidad en Bacalar” San Tomé “Mi carta de Navidad” Capital Silicio “Ven a mi casa esta Navidad” Bicho Blanco “El farol de Ernesto Casasús” Fermín “Triste Navidad” Intercontinental “Navidad en las rocas” Soy Emilia “El año viejo” Rebel Cats “No quiero Villancicos” McKlopedia “Blanca Navidad”
Por Juan Pérez
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Bicho Blanco es banda emergente mexicana que muta como un insecto
Bicho Blanco es una narración de una persona que experimenta la naturaleza, es un ser urbano añorando la naturaleza. Por Pedro Rivas
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esde hace varios meses, si no es que un poco más del año, Bernardo Pérez y Ferdinand González de The Guadaloops –uno de los proyectos mexicanos más cabrones en tiempos recientes– vienen cocinando un buen caldo de menudencias sonoras bajo el nombre de Bicho Blanco. Muchas de sus rolas parecían mitos de la noche, sueños de la peda, apariciones esporádicas sin testigos. No obstante, por fin han llevado esa experiencia de tocar en diferentes venues de la ciudad a algo tangible, a un material en forma que compila algunas de esas canciones que hasta hace poco, habitaban sólo en su Soundcloud. Malas Lenguas son siete tracks de aterrizaje onírico y nada forzoso. Cada tema es tan distinto al anterior pero con el común denominador de incitar pulsaciones en tu cuerpo que te recuerden que estás despierto y totalmente consciente. Pa’ que no te andes pellizcando. Además, el material es un claro testigo de la virtud guardada tras el proyecto alterno de los loops. Un sonido refrescante, a través de cualidades que parecen opuestas, pero se complementan perfectamente. Las distantes voces de Bernie que van muy a tono con las prosas melódicas de Ferni a manera de secuencias.
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