Revista Tiquet Mayo by Sala Upla

Distribución gratuita, prohibida su venta.

Mayo 2011 Nº3 Año 1

Mayo 2011

LUNES

MARTES

MIÉRCOLES

JUEVES

VIERNES

SÁBADO

DOMINGO

12 Danza Teatro

Celebración Día Nacional del Teatro

13 Danza Teatro

Los Nadies

Los Nadies 20:00hrs

20:00hrs

27 Teatro

Diatriba de la victoria 20:00hrs

Tíquet Nº 3. Mayo 2011 Revista de la Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha www.artescenicoupla.cl Director: Equipo Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha Editor revista: Medium Comunicaciones Diseño: instruccionesdeuso.cl Fotografías: Huelladigital.cl, Compañía Con_secuencia, Producción Compañía Teatro La Provincia, Nelson Campos y diversos archivos. Impresión: Oikos

El teatro, reflejo de su propia comunidad, de su problemática, de sus anhelos, fue, es y será la respuesta estética por la cual los seres humanos se muestran e interpelan, modificando así, pautas de conducta y hábitos culturales anquilosados. No existe la posibilidad de educar al ser humano, para su inserción activa y efectiva en la realidad, si orientamos este proceso hacia las puras ideas y no partimos de la realidad concreta en que ese individuo vive y trabaja. Aun si tenemos en cuenta la mera posibilidad del mejoramiento personal de los futuros individuos -artistas o no- tampoco podremos obviar el contexto histórico ya que el hombre se supera actuando sobre la realidad que lo rodea: al transformarla se transforma a sí mismo. No podemos dejar de lado el hecho de que aún la realización individual no puede darse al margen de una estructura social y económica que la posibilite. En otro caso, corremos el riesgo de caer en una formulación ideal del arte y hacer que el futuro artista subestime la realidad por no corresponder con el “ideal” de acuerdo al que fue formado. El teatro debe ser producto de la realidad ideológica y creativa de quien lo realiza y responder a las expectativas y necesidades de la comunidad vital de donde surge. Debe responder a las necesidades de identificación y crecimiento de los destinatarios, colaborando en los descubrimientos con propuestas que en sus contenidos y adecuada resolución estética, los identifique con sus conflictos y realidades culturales. Este es nuestro norte desde que comenzamos con este proyecto. Equipo Sala Arte Escénico UPLA

Los Nadies Por Compañía Con_Secuencia

LAS MOTIVACIONES Hoy, por efecto de constantes crisis financieras internacionales, la tasa de desempleo varía día a día, el fantasma de la posible pérdida del trabajo, la cruda realidad del desempleado y las condicionantes a las cuales debe verse enfrentado un trabajador, pueden llevarlo a situaciones críticas como también absurdas y psicóticas.

resonancias en los trabajadores, la obligación de ser hombres y mujeres productivos dentro de nuestros sistemas sociales, entre otros temas. Uno de los textos principales que orienta la creación de nuestra obra es el texto Los Nadie del sociólogo y escritor uruguayo Eduardo Galeano. Las problemáticas de identidad y sociedad que el autor profundiza, nos permitieron estructurar la A partir de esos antecedentes, la dramaturgia de la obra. Reconociendo compañía Con_secuencia elabora esa influencia es que la obra recibe el una profunda investigación sobre nombre de ”Los Nadies”. la temática del desempleo, las condiciones actuales de trabajo, la relación empleado-empleador, LA RESEÑA los deberes y obligaciones de un trabajador, el valor del dinero “Los Nadies” desarrolla la temática en nuestra sociedad, las crisis del desempleo. A través del lenguaje económicas en Chile y sus corporal y lo lúdico, recrea diversas

El pánico a estar fuera de un sistema nos transforma hasta el extremo de parecer ridículos; otros seres dentro de nosotros mismos. En la obra “Los Nadies”, indagamos esos fenómenos sociales. Cada personaje plantea su vida como una sobrevivencia. El movimiento se vuelve animalesco y salvaje. Los estados emocionales se desbordan en una extraña búsqueda de la propia, de la interna humanidad.

situaciones del hombre actual, enfrentado en el espacio urbano a la búsqueda de trabajo. Elabora una puesta en escena con diversos personajes, que reflexionan desde sus propias historias de vida, lo que significa estar desempleado, buscar trabajo, asistir a entrevistas, competir. Los personajes, que a momentos actúan como uno sólo –sin género, sin rostro, sin identidad- transitan por distintos estados y sentimientos como el ocio, la pena, la rabia, el absurdo, el inconformismo, el egoísmo, la desesperanza; alterando las cualidades de movimiento y generando un dinamismo constante.

elemento va recorriendo un camino entre su uso cotidiano y extracotidiano. En este último momento emerge la danza en una magnitud mayor. Es así como los personajes “leen su diario”, pero también lo convierten en un efecto de sonido, en distintos soportes y variaciones de los movimientos. El uso del periódico se convierte en el hilo conductor de una historia que se acerca y se escapa de la realidad.

Las siete escenas que componen la obra representan distintos estados y situaciones asociadas a la temática en cuestión. En ningún caso representan verdades taxativas de lo La propuesta coreográfica se que consideramos es el desempleo, establece a partir de un diario sino más bien, son una invitación a un (periódico). A lo largo de la obra, el recorrido de sensaciones.

13 Viernes 14 Sรกbado

LOS NADIE Nombre Espectáculo: Directora: Compañía: Intérpretes: Diseño Vestuario: Diseño Gráfico: Técnico de Iluminación: Música: Fecha Función: Hora Función: Tiempo Duración: Valor Entradas:

20:00 hrs Los Nadies Paola Gamboa Con_secuencia Paola Gamboa, Carolina Contreras, Paula Aguirre y Natalia Miranda Paulina Jeldres Gonzalo Olivares Víctor Cosmelli Francisco Cooper Marzal Viernes 13 y sábado 14 20:00hrs. 40 Min. General: $ 3.000 Estudiantes y Tercera Edad: $2.000

Los espacios de la memoria: la tapicería fantasmal Por Giulio Ferretto, Director departamento Artes Escénicas, UPLA

¿Qué se ha vuelto aparecer eso esta noche? Hamlet, Shakespeare.

El teatro está rondado por fantasmas y así como existe “Espectros” de Ibsen, pienso que todas las obras se podrían llamar de esa manera. Una fantasmática ineludible para decir que desde el texto a la puesta en escena, reciclaje y recomposición, ponen en evidencia una práctica del recuerdo como acto de recuperación e invención. El teatro es tal vez, el arte más proclive a esta actividad de la memoria cuya estrategia no está sólo en la repetición de algo tal cual como se podría recuperar en su espacio primitivo de origen, sino que el recuerdo siempre agrega una nueva dimensión de lo recordado. “Si algo tiene que ser recordado, debe serlo no como lo

que pasó, sino como lo que pasó de nuevo de una forma diferente y que pasará seguramente otra vez en el futuro de alguna otra manera”* . La recuperación de un acontecimiento por la memoria es una posibilidad nueva de iluminar lo que hoy aparece como necesidad de re-inventar. El recuerdo no cuenta lo mismo, aunque yo me esfuerce porque así sea. Los espectadores pueden reconocer un tema ya tratado, una actuación, un personaje, una historia ya contada, sin embargo, lo que ven ahora les parece nuevo, diferente. Un deja vu parece permanecer eternamente como figura espectral cuando de contar algo se trata. Podría incluso hablar de los

OPINIÓN

OPINIÓN fantasmas del cuerpo, del texto, de los espacios, etc. Una especie de actividad paranormal de la memoria cuyo funcionamiento determina lo que veo, lo que siento o tal vez, lo que toco. La lógica de la sensación del fantasma nos da a entender una cuestión fenomenológica del teatro en todo el mundo, pues las experiencias/historias ya existieron, HAMLET: “Haré que estos actores representen ante mi tío algo parecido al asesinato de mi padre”**. Volver a contar historias parecidas significa recomponer el pasado ,reciclándolo y ensamblando un nuevo interfaz de significación para darnos cuenta que eso que ya hemos visto antes es

necesario para comprender el texto o un espectáculo, pues no le queda otra cosa a Hamlet que atrapar la conciencia del rey con sus propios recuerdos. Otra vuelta a la muerte violenta tal como si ocurriera aquí mismo. Una nueva obra producto de la otra, una actuación ya vista, una puesta en escena ya revivida, un espectador atravesado por la memoria en donde él también es el recuerdo de algún otro.

* Bert O. States, Dreaming and Storytelling, Ithaca : Cornell University Press. 1993. ** Hamlet, W Shakespeare. Las cursivas son del autor.

“Diatriba de la victoria”: Interpelación sin medias tintas

Por Javier Ibacache *

El llamado “Discurso de la victoria” de Salvador Allende, el monólogo “Diatriba de la empecinada” de Juan Radrigán y un poema del psicoanalista Roberto Aceituno sirven de materiales al director Rodrigo Pérez y a la compañía de Teatro La Provincia para erigir un alegato que interpela a la platea a fin de conjurar todo síntoma de amnesia social. El montaje -que fusiona los textos bajo el título de “Diatriba de la victoria”vuelve los pasos sobre tópicos que progresivamente desaparecen del discurso público y los despercude como huellas enquistadas en la memoria colectiva. La obra muestra a cuatro operarias –interpretadas por Amparo Noguera, Catalina Saavedra, Gabriela Aguilera y Marcela Millie- sumidas en una rutina laboral alienante que ejecutan con estoicismo.

Conforme transcurre la jornada, se les escucha apropiarse de los textos que urdidos de esa manera dan forma a un corpus coherente, restituyendo suturas y dando sentido a la cadena de voces fragmentadas, como si la labor colectiva contrapesara la enajenación individual. Mientras en el discurso de Allende de noviembre de 1970 cristaliza la utopía de la sociedad igualitaria, en el soliloquio de Radrigán prevalece una rabiosa tenacidad por reclamar los cuerpos de los detenidos desaparecidos. El verbo de uno y otro circula en los cuerpos de las mujeres hasta que el ardor y la hidalguía movilizan a una de ellas (C. Saavedra) a protagonizar una diatriba mayúscula, sin medias tintas, que retumba en la sala mientras le secunda una de sus

compañeras (A. Noguera) en la aflicción de las causas perdidas. Esto otorga decididamente al montaje las cualidades de una imprecación que relativiza todo ilusionismo teatral (incluida la cuarta pared) en pos de la remoción del espectador, un gesto elocuente de la mirada implícita de país que contiene la puesta. Aun así, el conjunto se presta para valoraciones estéticas. En particular, la concepción espacial de Alexandra Von Hummel, la iluminación de Andrés Poirot y el diseño de Ingrid Hernández y Leonardo Chaparro, que construyen un entorno de fuerte carga simbólica, en que el uniforme de las operarias, la luz fluorescente y una mesa de trabajo delinean la triste resignación de la mano de obra. (*)Periodista, Director de Audiencias GAM

Rodrigo Pérez, actor y director nacional

“Mi sueño es llevar más teatro a provincias, es ahí donde se palpa el verdadero Chile” Por Carolina Alzamora

Con un cartón que dice Licenciado en Sicología de la Universidad de Chile, Rodrigo Pérez encontró su verdadera pasión en las tablas hace ya más de 20 años. Con más de 15 montajes dirigidos, este reconocido director teatral presenta su último montaje “Diatriba de la victoria” el próximo 28 de mayo en la Sala de Arte Escénico de la Upla en Valparaíso.

ENTREVISTA

“‘Diatriba de la victoria’ es una obra muy hermosa, pasan cosas a nivel ideológico pero también emotivo, hay muy buenas actuaciones pero sobre todo nos deja pensando. La obra en sí es una radiografía política y social al Chile amnésico respecto de su propia historia”

“Se trata de una investigación a propósito de la cueca y de su estructura de voces, las cuales se entrecruzan durante toda la melodía”, cuenta Rodrigo Pérez al referirse a cómo surge la idea de su último trabajo “Diatriba de la victoria”, historia que se mueve entre los textos del discurso de Salvador Allende del 5 de noviembre de 1970, el fragmento de la obra “Diatriba de la empecinada” del dramaturgo Juan Radrigán y el sicoanálisis de un poema de Roberto Aceituno. “Quise enlazar estos discursos, de modo que el espectador pueda elegir qué escuchar. Un texto es antecesor del otro, pero la novedad es que cada uno de ellos se entrecruza con el que sigue”, explica el director. El soporte de la acción lo componen cuatro mujeres obreras de la revolución industrial que se encuentran alienadas en una cadena de producción, desde allí dejan caer sus textos, se trenzan entre sí, confundiendo a ratos contextos históricos. El director de “Las brutas”, “La Quintrala” y “Violeta: al centro de la injusticia”, entre otros montajes, asegura que su desarrollo y propuesta escénica apuntan a romper con el teatro

Conocido popularmente por sus personajes en las teleseries de TVN, Rodrigo Pérez es reconocido por sus pares como un director que busca siempre abrir otras ventanas, explorando distintas maneras de llegar a la acción, de hacer aflorar la voz del dramaturgo o bien por su capacidad de sacar múltiples emociones a los actores. Actualmente trabaja en su próximo montaje, “Interior” de Meterling donde dirige a Alfredo Castro, Álvaro Morales, entre otros.

Chile amnésico respecto de su propia historia”, comenta Pérez. Respecto de su próxima función que tendrá lugar en la Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha, Rodrigo Pérez asegura estar muy entusiasmado: “Me fascina salir de Santiago porque es ahí cuando el trabajo realizado cobra sentido, tengo las mayores expectativas para con Valparaíso porque he podido descubrir que el verdadero Chile está en el público de provincias. De hecho, mi mayor sueño es dejar proyectos en Santiago para poder dedicarme a hacer más teatro en regiones”. La función es el 28 de mayo a las 20 horas en Sala Upla. Las entradas cuestan 3 mil pesos general, 2 mil pesos estudiantes y tercera edad.

“Diatriba de la victoria” es una obra muy hermosa, pasan cosas a nivel ideológico pero también emotivo; hay muy buenas actuaciones, pero sobre todo nos deja pensando. La obra en sí, es una Reservas de entradas en radiografía política y social al www.artescenicoupla.cl

ENTREVISTA

convencional. Uno de esos aspectos es evitar que la acción se encuentre armada cuando el actor entra a escena. “A mí me gusta ver primero a la actriz y luego el personaje, por lo tanto, el espectador es testigo de la construcción de la acción y del personaje mismo, hay toda una evolución in situ. Ante la vista del público se empieza a crear, a construir”, explica Pérez.

28 Sรกbado

DIATRIBA DE LA VICTORIA Nombre Espectáculo: Textos: Director: Intérpretes: Creación Espacial: Diseño y Realización: Iluminación: Fotografía: Productora: Fecha Función: Hora Función: Tiempo Duración: Valor Entradas:

20:00 hrs

Diatriba de la victoria J. Radrigán, S. Allende y R. Aceituno Rodrigo Pérez Amparo Noguera, Catalina Saavedra, Gabriela Aguilera y Marcela Millie Alexandra Von Hummel Ingrid Hernández y Leonardo Chaparro Andrés Poirot Paula Campos Maritza Estrada Sábado 28 20:00hrs. 65 Min General: $3.000 Estudiantes y Tercera Edad: $2.000

TEMA

Escuelas de espectadores: la experiencia de Buenos Aires. Por Jorge Dubatti (*) El nombre Escuela de Espectadores surge de la experiencia realizada por el docente y crítico argentino Jorge Dubatti desde el año 2001 en la ciudad de Buenos Aires, quien a su vez, le puso dicho nombre en homenaje a la crítica francesa Anne Ubersfeld y está tomado de uno de sus grandes libros. Aquí una reflexión de Dubatti sobre esta herramienta necesaria para multiplicar el disfrute y la comprensión de los espectáculos.

A estar atentos porque este semestre comienza a funcionar Escuela de Espectadores de Valparaíso a cargo del profesor Marcelo Islas.

En los últimos años se ha asistido a la reconsideración del teatro como acontecimiento. El teatro es algo que pasa y en ese algo se construye sentido. No se trata sólo de un acontecimiento de lenguaje y comunicación. La base del acontecimiento teatral es la estructura ancestral de la reunión, el “convivio”, el fenómeno humano de la cultura viviente en el que se genera una zona singular de experiencia y subjetividad

Nadie va al teatro para estar solo. La reunión teatral consiste en vivir con los otros, sentir, mirar, emocionarse, interactuar, discutir con los otros. Es una reunión de cuerpo presente, irreductiblemente aurática, territorial y efímera, que no se deja intermediar tecnológicamente por la televisión, la radio, el cine o la red digital porque desaparece en esencia, perece transformada en otro tipo de acontecimiento. En el teatro no se puede sustraer la presencia de los cuerpos vivos del artista, del técnico y del espectador. El teatro no se deja enlatar ni capturar con máquinas, de la misma manera que no se puede detener el tiempo. Por eso sin espectadores no hay teatro. Lo que otorga relevancia y singularidad al teatro actual en Buenos Aires no es solamente la calidad de sus artistas sino sus convivios excepcionales, calientes, fervorosos y activos, que no dejan de llamar la atención a los visitantes

extranjeros acostumbrados a otros comportamientos de los espectadores en otras capitales teatrales del mundo. En Buenos Aires hay pasión de espectadores. El público porteño es un espectáculo en sí mismo. Pero además los espectadores cumplen hoy una función esencial en el desarrollo y la difusión del teatro y en la producción de pensamiento crítico. Lo que sostiene el teatro de Buenos Aires no es el periodismo ni la publicidad sino el “boca en boca”, institución de la oralidad que consiste en la recomendación que realiza directamente un espectador a otro, modalidad afianzada frente a la pauperización de la crítica profesional en los medios masivos. Por más avasalladora que sea la publicidad, por más elogiosas que sean las críticas profesionales, si a los espectadores no les gusta el espectáculo la sala se vaciará muy pronto. O al revés: muchos espectáculos independientes que no han recibido comentarios en los medios, trabajan a sala llena. Otros, de cualquier circuito (oficial, comercial, independiente), castigados con críticas negativas, sostienen sin embargo la convocatoria.

TEMA

colectiva. En el teatro, en una encrucijada de espacio y tiempo, se reúnen los artistas, los técnicos y los espectadores.

Es el efecto del “boca en boca” o “boca-oreja”. Imperceptiblemente trabaja la tupida red del “No te lo pierdas”, el “Andá porque está muy bueno”, el “A mí me encantó”, o el “No vayas”, el “Me aburrí como loco”, expresiones sinceras, desinteresadas y efectivas por confiables, dichas a los amigos, familiares, conocidos y extraños al pasar de la conversación. El boca en boca se ha convertido en la institución crítica más potente de Buenos Aires. Una necesidad Hoy el espectador teatral es conciente de la complejidad y la riqueza que ha alcanzado el teatro contemporáneo. Es curioso, inquieto, ávido de novedad, información y claves de interpretación. Sabe, como afirmó Theodor Adorno en su Teoría Estética, que “ha llegado a ser evidente que nada referente al arte es evidente” y que en materia teatral cada poética, cada técnica, cada artista, cada obra deben ser comprendidos y analizados con variables específicas. Señal de esta necesidad es la creación de la Escuela de Espectadores de Buenos Aires (EEBA), fundada en 2001. Se trata de un espacio de estudio, análisis y discusión de los espectáculos teatrales en cartel en la ciudad

al que hoy concurren unos trescientos alumnos. La actividad es anual, de marzo a diciembre y lleva ya once años de labor ininterrumpida. Los integrantes de la Escuela asisten a una serie de espectáculos, acordados previamente, de diferentes circuitos del teatro porteño (oficial, independiente, comercial, internacional, proveniente de las provincias) y luego los analizan con nuestra coordinación al frente de la clase y con la asistencia de los teatristas creadores del espectáculo analizado. El campo de espectáculos considerados es abarcador de la teatralidad poética: teatro, danza, ópera, narración oral, circo, teatro callejero, títeres, performing arts... La riqueza de la actividad teatral de Buenos Aires exigía la existencia de un espacio de este tipo. El nombre Escuela de Espectadores es homenaje a la crítica francesa Anne Ubersfeld y está tomado de uno de sus grandes libros. La EEBA se propone brindar a sus asistentes las herramientas necesarias para multiplicar el disfrute y la comprensión de los espectáculos con profundidad y comunicabilidad. El objetivo es ampliar y enriquecer su horizonte cultural, emocional e intelectual como espectadores y producir pensamiento crítico. No se trata

A la EEBA asisten aquellas personas que gozan del teatro en tanto “simples” espectadores y las vinculadas laboralmente a la actividad escénica: actores, directores, escenógrafos, críticos, historiadores, gestores. Siguiendo el modelo de la Escuela de Espectadores de Buenos Aires se gestaron espacios semejantes en México DF. (2004), Montevideo (2006) y Santiago de Chile (2008), conectados entre sí. En Argentina se irradió a las provincias a partir de 2008: Córdoba, Rosario y Neuquén.

La actitud estudiosa del espectador desplaza un teatro de placer por un teatro de goce, de acuerdo con los términos de Roland Barthes aplicados a la literatura: “Texto de placer: el que contenta, colma, da euforia, proviene de la cultura y está ligado a una práctica confortable de la lectura. Texto de goce: el que pone en estado de pérdida, desacomoda (tal vez incluso hasta una forma de aburrimiento), hace vacilar los fundamentos históricos, culturales, psicológicos del lector, la congruencia de sus gustos, de sus valores y de sus recuerdos, pone en crisis su relación con el lenguaje”. Un teatro de goce implica esfuerzo, deseo, adquisiciones y búsqueda permanente. Y sobre todo la necesidad de elaborar parámetros críticos de análisis y evaluación de los espectáculos. El nuevo espectador lo sabe, es criterioso y argumentativo. Y un espectador que valora de esta manera el teatro es un tesoro cultural en cualquier parte del mundo. (*) Jorge Dubatti es Doctor en Historia y Teoría de las Artes por la Universidad de Buenos Aires. Dirige desde 2001 la Escuela de Espectadores de Buenos Aires. Agradecimientos a Revista Artezblai www.artezblai.com

TEMA

de “perder” una relación directa, empática o intuitiva con el teatro, sino de enriquecerla con saberes específicos y otras actividades complementarias del conocimiento teatral. Se trata también de adquirir los elementos necesarios para argumentar y discutir las poéticas en marcos axiológicos. El espectador debe saber evaluar y argumentar y para ello hacen falta información y herramientas de juicio. La EEBA está destinada a todos los amantes del teatro, no se requieren estudios previos, solamente es indispensable tener el deseo de reflexionar, discutir, estudiar, interpretar, evaluar el teatro que se hace actualmente en Buenos Aires o que pasa por sus escenarios.

Foro Teatro Contemporáneo Dentro de la programación de la Escuela del Espectador de Valparaíso, el Foro Teatro Contemporáneo se presenta en sociedad como un espacio de producción y formación que pretende establecer un puente entre los creadores y el público.

Por Marcelo Islas, Profesor de Teatro, Universidad de Playa Ancha.

Crear, significa dar origen, hacer posible una nueva legalidad, descubrir lo que estaba oculto, inventar o reinventar lo que se hallaba ausente. El teatro, como producto final de una práctica social determinada, ha sido el campo de interés específico sobre el que se han centrado las investigaciones teóricas. Pero esta práctica intelectual, por más rigurosa que sea, no siempre es capaz de expresar con claridad las condiciones en que se desenvuelve el proceso de creación y sus distintos estadios, que lo van construyendo como un

variado complejo, que combina la existencia en un determinado tiempo y una coyuntura sociopolítica, con la adquisición de técnicas y formas de expresión que dan como resultado un objeto estético que se instala en un campo histórico-cultural que lo recibe y modifica. Dentro de la programación de la Escuela del Espectador de Valparaíso, el Foro Teatro Contemporáneo se presenta en sociedad como un espacio de producción y formación que pretende establecer un puente entre los creadores y el público.

TEMA

TEMA Nuestro objetivo es generar espacios de goce y reflexión con respecto a un elemento fundamental de las artes en general: el proceso creador. Es por ello que invitamos a directores, coreógrafos, músicos, regionales, nacionales e internacionales al Foro, para debatir, preguntar, exponer sus ideas estéticas y dialogar directamente con el público en el marco de un encuentro democrático de opiniones cuyo eje conductor es el proceso creador de la obra de arte en siglo XX y XXI.

También, como una forma de aportar contextos al proceso creador, se realizarán charlas por parte de especialistas del área del teatro, las artes contemporáneas, la danza, la historia del teatro. Las charlas, que comenzarán la primera semana de mayo, se realizarán en la Sala de Arte Escénico de la Universidad de Playa Ancha los días miércoles a partir de las 20:00 horas. La asistencia es libre y gratuita.

Celebración Día Nacional del Teatro en Sala de Arte Escénico

DRAMATURGIAS DESDE EL TEATRO Y LA CIUDAD. MIÉRCOLES 11 DE MAYO 11:00 Hrs. Clase Magistral del Pato Pimienta, Actor, comediante, destacado director teatral chileno guionista y director de teatro chileno. Raúl Osorio, Sala Upla. Licenciado en Actuación de la Universidad Finis Terrae. Actualmente es comediante Raúl Osorio, Actor y director teatral y coguionista del programa de humor y chileno. Ha dirigido más de 90 obras de stand up comedy “El Club de la Comedia” teatro, principalmente en el Teatro de la en Chilevisión. Universidad Católica, Teatro Nacional de la Universidad de Chile, Taller de Martín Erazo, Director de Teatro de la Investigación Teatral TIT, Teatro del Errante Compañía “La Patogallina”. Premio Apes, y compañías independientes. Mejor montaje “1907”, Nominación Altazor, Mejor director del montaje “El Húsar de la 16:00 Hrs. Mesa Redonda, Destacados Muerte”. Directores de Teatro Nacionales, Sala 20:00 Hrs. Intervención Urbana en el Upla. centro de la ciudad de Valparaíso con Giulio Ferretto montaje “TSUNAMI”. Dirección Jenny Pato Pimienta Pino. Martín Erazo Giulio Ferretto, Director Departamento de Artes Escénicas de la Universidad de Playa Ancha y director teatral. Montajes destacados: “El Angel de la Culpa”, “Matatangos” y “Las Brujas de Macbeth”. * Asistencia libre y gratuita

Celebración Día Nacional del Teatro en Sala de Arte Escénico

Guillermo. González de Hontaneda 855, Playa Ancha, Valparaíso.

www.artescenicoupla.cl www.upla.cl produccionsalaupla@upla.cl sala de arte escénico upla @salaupla 32-2500163

Vehículo: Tomar la costanera Avda. Altamirano (continuación Av. Errázuriz) desde el centro de Valparaíso en dirección al poniente. Se puede subir por Av. El Parque al llegar a la caleta El Membrillo o por Carvallo en el siguiente semáforo.

Locomoción colectiva: Tomar los buses en dirección al sector de Playa Ancha en Av. Errázuriz, Chacabuco, Av. Pedro Montt o en Av. Brasil (desde la altura de Plaza Victoria) de Valparaíso. Y en calle Arlegui o en Av. Uno Norte de Viña del Mar. Por Av. Errázuriz (y desde Viña del Mar): líneas 602, 603, 606 y 605. Por calle Chacabuco/Brasil: líneas 505, 510 y 518. Desde Av. Pedro Montt/Brasil: líneas 501, 703 y 705. Por Av. Errázuriz (desde Villa Alemana, Quilpué y Viña): línea 109. Por Av. Pedro Montt/Brasil/Blanco: línea 705 (ex N).

Metro Regional de Valparaíso: Bajar en Estación Puerto y tomar buses en dirección al sector de Playa Ancha en Av. Errázuriz.

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Los Nadies

13 Viernes / 14 Sábado 20:00hrs Directora: Paola Gamboa Compañía: Con_secuencia Intérpretes: Paola Gamboa, Carolina Contreras, Paula Aguirre y Natalia Miranda

Diatriba de la Victoria

28 Sábado 20:00hrs Textos: J. Radrigán, S. Allende y R. Aceituno Director: Rodrigo Pérez Intérpretes: Amparo Noguera, Catalina Saavedra, Gabriela Aguilera y Marcela Millie

Departamento de Artes Escénicas Facultad de Arte. www.artescenicoupla.cl