EUNOIA En esta edición de esta nueva revista de artes abordaremos diferentes temas que abarcan un antes y después en el mundo creativo empezando por: La liberación de las nuevas modas Los años 1900 hasta los 1945 denominados La Edad de la Vanguardia fue en la época en la que surgieron nuevas formas de expresión, donde luego de la primera guerra mundial, se manifiestan nuevos cambios de carácter social, político y cultural que buscaban romper con las estructuras de las obras, usando temas, los cuales se consideraban tabúes, modificando completamente los parámetros creativos. El Arte Pop El pop Art comprendía que aun los objetos de las cultura consumista podían contener elementos de bellezas y que no solo se basaría en la estética y la belleza de la antigüedad, aunque esto no significa que no se le sacaría provecho de igual manera.
Frida Kahlo. La artista mexicana Frida Kahlo es recordada por sus autorretratos, el dolor y la pasión, y los colores llamativos y vibrantes. Es celebrada en México por su atención a la cultura mexicana e indígena y por las feministas por su descripción de la experiencia y la forma femenina.=.
Jorge Pineda Se destaca mayormente en su carrera por la realización de carteles por los cuales ganó varios premios tanto nacionales como internacionales.
Christo Javacheff Conocido por sus monumentales obras de arte ambientales con su difunta esposa, Jeanne-Claude Denat de Guillebon, Este artista decia que el objetivo de su arte era retratar el disfrute de la belleza.
Jorge Pineda
Nació en Barahona (República Dominicana) en 1961. Estudió los primeros años de Arquitectura en la Universidad Autónoma de Santo Domingo. Trabajó en diseño gráfico, destacándose en la realización de carteles y ganando varios premios nacionales e internacionales.
En su infancia eran tres parejas de mellizos. Tuvo una infancia muy feliz y llena de amor y cariño. Su obra muestra su interés por el individuo en confrontación con lo colectivo, cuestionando sus responsabilidades políticas y sociales. Continua leyendo este articulo para conocer mas.
“La fragilidad de los más pequeños me preocupa. Yo tuve una niñez muy feliz, muy cuidado y amado por mis padres, pero las condiciones económicas y sociales de Santo Domingo hace que haya un número importante de niños viviendo en la calle. Por eso procuro reflejar en mi trabajo la falta de humanidad del planeta”.
Placebos de Jorge Pineda Placebos nos presenta con una extraordinaria calidad las preocupaciones de Jorge Pineda sobre los problemas que enfrenta la sociedad actual. Es la más reciente exposición del artista dominicano, realizada en colaboración con Lucy García Arte Contemporáneo y exhibida a finales del 2016 en el Centro Cultural de España de Santo Domingo.
–término que se refiere a sustancias que carecen de acción curativa pero que producen un efecto terapéutico si el enfermo las toma convencido de que es un medicamento realmente eficaz– y nos presenta situaciones y problemáticas actuales en las que las soluciones o reacciones de sus personajes no son necesariamente efectivas, pero igual los tranquilizan y nos Jorge Pineda no escoge al azar los tranquilizan y hacen del mundo títulos de sus exposiciones. Su reun lugar más aceptable para vivir. ciente individual se llama Placebos
Las reflexiones sobre la destrucción del medioambiente, las diferencias sociales y económicas, la indiferencia, la violencia física y verbal a la que nos enfrentamos día a día, son parte del discurso que ha mantenido Jorge Pineda en sus obras y en su vida personal. En los dos salones expositivos se distribuyen los dibujos y las instalaciones. En el primer salón, a ambos lados de la nave encontramos los dibujos y al fondo un enorme globo (elemento repetitivo en la obra de Jorge Pineda) dibujado directamente sobre la pared, con el carbón que resulta de los bosques quemados de la sierra de Bahoruco.
Se dice de Jorge Jorge Pineda entiende la realidad como una interpretación permanente, es decir, como una máscara detrás de la cual no hay un rostro definitivo, sino un juego de sucesivas máscaras. Lo que hace Jorge Pineda es abrir la posibilidad de minar el control que ejerce sobre nosotros la fantasía por el camino de una sobreidentificación con ella, es decir, abrazando simultáneamente, en un mismo espacio, toda la multiplicidad de elementos aparecidos; en cierta medida proyecta o refleja (una vez más la matriz especular) la carencia constitucional del sujeto que es, a la vez, una presencia excesiva de lo “imposible”. — Declaración Artística
Primeras obras — Curador Curado - 2001 Jorge Pineda nos propone una mirada sobre la situación actual de los niños de República Dominicana, un tema que le preocupa y que el artista viene desarrollando desde hace años. Pineda utiliza diversos medios para exponer los sufrimientos y los abusos de los cuales son víctimas los niños que viven en las calles de las ciudades dominicanas. En una de sus obras, una muñeca cubierta de tatuajes alegóricos a expresiones peyorativas con grandes connotaciones sexuales, Pineda intenta demostrar la coexistencia en el infante de una inocencia propia a su edad y la condición de adulto que les son atribuidas por algunos pedófilos.
OBRAS
Titulo: Niño con máscara de raíces I Fecha: 2016 Técnica: Mixta sobre papel Tamaño: 90 x 88 cm Colección: Lucy García Gallery
Titulo: Niño con máscara de raíces II Fecha: 2016 Técnica: Mixta sobre papel Tamaño: 90 x 88 cm Colección: Lucy García Gallery
Vanguardia El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo del arte en el siglo XX, sea para definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad, sea para ordenar el estudio de la historia del mismo siglo. Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la historia, importante para comprender el arte de nuestra época, y sólo en ésta aparecen expresiones como: Arquitectura de vanguardia, música de vanguardia, cine de vanguardia, etc. El término es de origen medieval y se usaba en el lenguaje militar. Ya en el siglo XIX empezó a ser utilizado en sentido figurado con relación al arte y, en el siglo XX constituye un término clave para el mundo del arte. Tomando literalmente el término implica la idea de lucha, de combate, de pequeños grupos destacados del cuerpo mayoritario que avanza, que se sitúan por delante. Efectivamente, la vanguardia artística se manifestó, como acción de grupo reducido, como élite que se enfrentaba a situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Estas tendencias se enfrentaron al orden establecido, a los criterios asumidos por las clases altas económicas e intelectuales hablando con ánimo de ruptura.
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Expresaban un espíritu de rebeldía, buscaban romper con los moldes de la vieja escuela.
Tenían una idea bastante filosófica sobre el cuestionamiento acerca de la realidad plasmada, estos artistas no buscaban que sus obras retrataran la realidad buscaban su propia perspectiva.
Rompían con el esquema estético . su idea de lo que era bello, no se reflejaba en lo estético sino que buscaban apoyo en lo que era imperfecto.
Estas nuevas ideas buscaban otras maneras de expresión, buscando libertad creativa
Caracteristicas
Los colores para nosotros eran cartuchos de dinamita — Andre derain
Favismo El fauvismo fue un movimiento pictórico de vanguardia que tuvo su origen en el año 1905 en París, Francia. Este movimiento se caracterizo por la exaltación de colores, por el instinto e impulsividad, teniendo como consecuencia que luego los trazos se veían obvios y arrastrados. También estas obras tenían poco interés de la profundidad o perspectivas, y sus temáticas siempre se basaban en paisajes objetos cotidianos y la relación del ser humano con la naturaleza. La exaltación del color, sustentada en la idea de que la creación surgía del instinto mas que del intelecto o de los sentimientos, fue la máxima plástica del fauvismo. A finales del siglo XIX, el arte comenzaba una importante transformación, fruto de muchos procesos que convergieron. Por ejemplo, la influencia del romanticismo había animado a las generaciones siguientes a buscar un lenguaje personal y original. Por otro lado, la aparición de las tecnologías de la imagen, como la cámara fotográfica, incidieron en el modo en que era concebida la función del arte
occidental. Así, para el último tercio del siglo XIX, ya se veían propuestas arriesgadas como el impresionismo, el post-impresionismo, el simbolismo, el arte naif y otras corrientes. El fauvismo, de hecho, fue contemporáneo con el expresionismo alemán y, al igual que este, defendía la libertad expresiva. El fauvismo logró abrirse espacio en el Salón de Otoño de París en 1905, que dedicó la sala número ocho a los artistas Henry Matisse, Maurice Vlaminck y André Derain. Pero las características de sus obras escandalizaron a la audiencia y, especialmente, a algunos críticos más conservadores. Los cuadros mostraban colores estridentes e incoherentes con la “realidad”. Aquello fue un espectáculo impactante y desafiante, de modo que el crítico Louis Vauxcelles se expresó de este modo: “Donatello chez les fauves”, que en francés quiere decir: “¡Vaya! Donatello entre fieras”. Así, lo que comenzó como una descalificación, fue asumido por los artistas como el nombre del nuevo estilo: “fauvismo”.
Amadeo Modigliani nació en Livorno, París en el año 1884. Este fue un Pintor italiano que por medio de sus obras y retratos ha sido una singular inspiración que hizo de él una de las grandes personalidades de la pintura de principios del siglo XX. A causa de su salud precaria hubo de renunciar a una educación convencional, y fue entonces cuando empezó a estudiar
pintura en su ciudad natal y posteriormente en las de Florencia y Venecia. En 1906 se trasladó a París. Uno de sus cuadros más representativos fue el retrato que le hace a Diego Rivera, en donde se puede observar una reducción en las facciones y detalles del rostro y sólo retoma su actitud altiva para recrear su personalidad.
En 1917, minada ya su salud por el alcohol y las drogas, comenzó una serie de desnudos femeninos que se encuentran entre sus mejores obras. Murió tuberculoso en el Hospital de la Caridad de París, el 24 de enero de 1920. Su obra es profusa en pinturas y dibujos, si bien desde 1909 hasta 1914 se dedicó principalmente a la
Amadeo Modigliani escultura. Durante su vida tuvo poco éxito y no fue sino posteriormente que su obra fue apreciada logrando sus trabajos un alto precio. Murió a los treinta y cinco
años de edad de una meningitis ocasionada por la tuberculosis. Uno de sus cuadros más representativos fue el retrato que le
hace a Diego Rivera, en donde se puede observar una reducción en las facciones y detalles del rostro y sólo retoma su actitud altiva para recrear su personaldad.
Cubis
Desde su aparición hace más de 100 años, el cubismo se ha convertido en uno de los movimientos artísticos más famosos y fascinantes del arte moderno. El cubismo está estrechamente relacionado con artistas icónicos como Pablo Picasso, cuya interpretación vanguardista hacia temas cotidianos cambió por completo el rumbo de la historia del
arte. Con formas fracturadas y composiciones desordenadas, el cubismo abandonó las representaciones figurativas de otros géneros del arte y se movió hacia la abstracción total. ¿Qué es el cubismo? El cubismo es una corriente artística que data de 1907. Iniciado por Pablo Picasso y Georges Braque, este estilo se carac-
teriza por sus composiciones fragmentadas y deconstruidas que pueden ser vistas desde múltiples perspectivas a la vez. Historia A principios del siglo XX, el postimpresionismo y el fauvismo—dos movimientos inspirados por el enfoque experimental de los impresionistas—dominaban el arte europeo. El pintor, escultor, graba-
smo
dor y dibujante francés Georges Braque contribuyó al movimiento fauvista con sus pinturas policromadas de estilizados paisajes terrestres y marinos.
postimpresionistas de Braque, estas piezas jugaban con la forma (y a veces con el color), pero seguían siendo figurativas.
dominante de elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis. Los objetos no se representan como “son” o como se “ven”, sino como Sin embargo, después han sido concebidos En 1907, Braque con- de conocerse, Braque por la mente, que los oció al pintor, escultor, y Picasso comenzadeconstruye en sus grabador y diseñador ron a trabajar juntos, formas geométricas español Pablo Picasdesviándose más de esenciales, orientando so. En ese momento, sus estilos anteriores y la atención al lenguaPicasso se encontraba colaborando para crear je plástico, la obseren su “periodo afriun nuevo género: el vación y el análisis. cano”, produciendo cubismo. El cubismo Comprendamos cómo obras primitivas . Al representa la realidad lo hace. igual que las pinturas mediante el empleo
La trascendencia de Picasso no se agota en la fundación del cubismo, revolucionaria tendencia que rompió definitivamente con la representación tradicional al liquidar la perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la facetas del arte del siglo XX, encarnando como ningún otro la inquietud y receptividad del artista contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y su personalidad vitalista, por otra parte, nunca lo alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus obras maestras, el Guernica (1937), es la mejor ilustración de su condición de artista comprometido.
Pablo Picasso
POP ART
El arte pop, también conocido por su nombre en inglés pop art, fue un movimiento artístico del siglo XX, el cual se caracterizó por emplear imágenes y objetos de la cultura popular, tomados de los medios de comunicación de masas o de la realidad cotidiana. El Pop Art surgió como reacción al Expresionismo Abstracto a partir, fundamentalmente, de un cambio de fuentes: las raíces surrealistas de aquel movimiento se sustituyeron por las dadaístas del Pop, dado el interés de sus precursores por las fronteras del arte y por Duchamp, el primero en exponer objetos cotidianos, fabricados en serie, en galerías o museos. Surgió como movimiento a finales de la década de 1950 en Inglaterra, y mientras que en Estados Unidos empezó a despuntar con la década de 1960. Se valía de materiales industriales, carteles, publicidad, artículos de consumo, ilustraciones de revistas, muebles en serie, vestidos, latas de conservas, botellas de gaseosas, etc.
La intervención del arte pop consistía en sacar imágenes u objetos populares de su contexto habitual para así, al aislarlas o combinarlas con otros elementos, lograr resaltar o iluminar algún aspecto banal o kitsch, o destacar algún sentido o rasgo cultural concreto. En este sentido, el arte pop podía también considerarse un síntoma de la sociedad de la época, caracterizada por el consumismo, el materialismo, el culto a la imagen y a la moda De allí que la ironía y la sátira de sus inter-
venciones artísticas fueran utilizadas como instrumento de crítica y cuestionamiento de los valores y las ideas arraigadas en la sociedad de consumo. Pero el arte pop y toda su controversial estética y postura ante la realidad, además, suponía una reacción frente a los cánones de las bellas artes tradicionales, del mismo modo en que la música pop constituyó en su momento un gesto de ruptura a los preceptos tradicionales de la música.
Frida Khalo Frida Kahlo es, sin duda, una de las figuras culturales más representativas de México en el mundo. Es célebre no sólo por su particular estilo artístico sino por su visión universal de la condición humana, y su mirada sobre el arte popular y el enaltecimiento del indigenismo. El nombre completo de Frida era Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón. Nació en 1907. En 1925, cuando tenía 17 años, Kahlo sufrió un accidente que le dejó múltiples secuelas, con las que tuvo que lidiar toda su vida. Su obra está fuertemente influida por sus experiencias personales y los dolores que sufrió después de su accidente. Frida Kahlo fue maestra de pintura en la Escuela de Artes Plásticas e integrante del seminario de Cultura Mexicana. Su obra está expuesta en diferentes museos del mundo, incluidos su propia casa en Coyoacán, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Centro Georges Pompidou, en París, Francia. Frida Kahlo murió en su casa de Coyoacán en la Ciudad de México en 1954, a la edad de 47 años.
Se caracterizan, principalmente, por utilizar tela para envolver gigantescos edificios o cubrir extensas áreas públicas. Han realizado sus instalaciones en diferentes países: en el año 1995 forraron el edificio del Reichstag en Alemania y en 1985 cubrieron el Puente Nuevo en París. También construyeron una cortina de 39 kilómetros de largo, llamada “Running Fence”, en la comuna francesa de Marin en 1973. Su trabajo más reciente fue “The Gates” (2005), el que consistió en instalar 7.503 marcos metálicos en el Central Park de Nueva York. Christo y Jeanne-Claude se conocieron en París en noviembre de 1958,
Christo & Jeanne-Claude
cuando él fue el encargado de pintar un retrato de su madre, Précilda de Guillebon. Inicialmente, Christo se sintió atraído por la hermana de Jeanne-Claude, Joyce. Jeanne-Claude estaba comprometida con Philippe Plachon y se casó con él. Al poco tiempo de haberse casado, quedó embarazada, pero de Christo. Jeanne-Claude abandonó a su marido después de la luna de miel. El hijo de Christo y Jeanne-Claude, Cyril, nació el 11 de mayo de 1960. Los padres de Jeanne-Claude estaban molestos con la relación, particularmente por los humildes orígenes de Christo. A pesar de la adversidad, la pareja contrajo matrimonio el 28 de noviembre de 1962.