Revista Mix & Master by Samuel Arboleda Poma

MIX

Haz tu propio estudio Mezcla y masteriza tu música Vende tu música en internet

Técnicas de grabación

& MASTER

CALLE 13

Sus micrófonos favoritos

Diciembre 2011

El Nuevo AKG 414P La verdadera belleza del sonido

MIX

Edición01 Diciembre 2011

CONTENIDO

& MASTER PRO TOOLS 10 LE y HD ·14

Calle 13 y sus micrófonos ·12 -13

Trabaja desde casa ·20

En esta edición: Editorial Estimados lectores

GRABACIÓN

·4

Super Brass

Bonito, Bueno y Barato

Como grabar metales

Escojiendo Micrófonos · 5

Mega Beats

Haz tu home studio

Creando Baterías electrónicas

Detalles técnicos Como grabar voces

·9

Violines, Violas, · 10 Cellos y Contraba-

·6

Capturando Vocales

·8

Como grabar una sección de cuerdas

ENTREVISTA A CALLE 13

· 12

MEZCLA · 15

Mezcla Virtual

Mezclando audio en PC

Coloreando Sonidos · 16 Tècnicas de Ecualización

MASTERIZACIÓN Masterización de Canciones · 18 Como subir la potencia de tus canciones

Trabaja en la comodidad de tu casa en lo que mas te gusta

Vendiendo tu sonido en la red Como poner tu disco en las grandes discotiendas del mundo

· 20 · 21

Como hacerte conocido en internet · 22 Publicidad Web

Samuel Arboleda - Editor

samuelarboleda@mix&master.com

Visítanos en: www.mix&master.com Contactácnos Editorial: +51 (1)992 535646

COMERCIALIZACIÓN Trabaja con audio on line

Tengo el agrado de presentarles el primer número de de la revista Mix & Master. Esta revista contiene artículos que explican con mayor claridad temas relacionados con la música y el audio profesionial. Nuestro equipo de ingenieros de sonido, músicos y productores musicales se han encargado de ofrecerles información selecta de las principales áreas del campo del sondo, como son la grabación, mezcla, masterización y comercialización de los materiales sonoros. En cada edición compartiremos con ustedes trucos y técnicas que usan los profesionales. Este es el camino que hemos elegido y queremos mostrar. Estaremos atentos a sus observaciones ycomentarios.

Editor: Samuel Arboleda samuelarboleda@mix&master.com Subeditor: Alex Nima alexnima@mix&master.com Editor Asociado: Samantha Aliaga samanthaaliaga@mix&master.com Administrador publicitario: Israel Días israeldias@mix&master.com Producción Editorial: Janet Cóndor janetcondor@mix&master.com Administrador de suscripción: Luisa Torres luisatorres@mix&master.com Diseñador: Joseph Abarca josephabarca@mix&master.com Prensa: Juan Santiesteban juansantiesteban@mix&master.com

Grabación

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Como Armar un Home Estudio Conceptos previos y acondicionamiento acústico de los cuartos

Para montar un estudio primeramente hay que plantearse a qué nivel queremos empezar y qué pretensiones de futuro tenemos, para obrar en consecuencia en el momento de afrontar los primeros gastos. Teniendo en cuenta que la curva de aprendizaje de un técnico/productor es bastante pronunciada, de poco sirve comenzar adquiriendo equipo de alta gama al que sacaremos más bien poco partido, y lo más recomendable, como sucede en la mayoría de vertientes en la vida, pasa por la siguiente regla que generalmente se cumple: para disfrutar y entender un escalón superior, antes hay que haber asimilado el anterior, o de otra forma se corre el riesgo de aprender mal. Un ejemplo claro sería un productor en potencia que acaba de empezar, y que adquiere un micrófono de alta gama para sus grabaciones. Resulta que como no tiene referencias en su experiencia con las que poder comparar, no pude decidir cómo de bien suena su nuevo micro. Si por el contrario ese mismo micrófono de gama alta se adquiere después de un escalón inmediatamente inferior, el pequeño productor podrá disfrutar y elogiar el pequeño avance resultante de la nueva compra. Esto se cumple para todo, y si

Teniendo en cuenta esta regla básica que considero tan importante, pasemos a conocer los diferentes elementos que conforman la creación de un estudio, que desglosaremos a diferentes niveles con el fin de abarcar un mayor rango de usuarios, en base a sus aspiraciones y experiencia. Uno de los factores más importantes en el sonido de un estudio, es la sala. La acústica juega las peores pasadas sobre todo en salas de paredes paralelas, que son las que encontraremos en la mayoría de ocasiones debido a razones económicas de construcción (aprovechamiento del espacio). El problema está relacionado con el hecho de que las ondas rebotan y “chocan” contra sí mismas, provocando sumas y restas de presión que acaban convirtiendo la sala en un desastre auditivo, siendo más evidente el casos que se forma en frecuencias graves. Para evitar esto, existen los “golden ratios”, que son una selección de proporciones óptimas (largo x ancho x alto) que se han convertido en el método más apropiado para solventar los problemas asociados a salas de paredes paralelas. Las frecuencias problema en este tipo de salas suelen llamarse “modos” y existen varios tipos, siendo los más importantes los modos axiales, ya que son los que más realces y declives producen en dB´s dependiendo de la posición del emisor y del oyente. Existen otro tipo de modos(tangenciales y oblicuos), pero decrecen en importancia respecto a los modos axiales, y merecen ser tratados en un artículo más especializado en acústica. Por lo tanto, a la hora de escoger una sala apropiada hemos de tener en cuenta lo antes expuesto, procurando elegir un recinto lo más apropiado posible (acústicamente hablando) para comenzar con nuestro estudio.

pretendemos sacar partido al material que usemos, además de poder apreciar los pequeños cambios positivos que van asociados a la adquisición de mejor material, debemos usar la lógica y ser conscientes de que el mejor camino se encuentra en el hecho de ir poco a poco, comprendiendo cada pequeño paso y ascendiendo de nivel sólo cuando sea realmente necesario, y creamos que hemos “tocado techo” con el material que hasta ese momento de duda hayamos usado.

Dependiendo del rango de frecuencias a controlar, se usan diferentes tipos de tratamiento. Por ejemplo, para mitigar problemas en frecuencias graves, se usa absorción (sobre todo en esquinas y en lugares estudiados mediante el uso de fórmulas matemáticas) como puede ser la utilización de trampas de graves. También se usan “resonadores de helmholtz” en algunas ocasiones en que la frecuencia problemática se encuentra localizada en un rango estrecho (un factor Q estrecho). Para el tratamiento de otro tipo de frecuencias también veremos técnicas de difusión, centradas en evitar que las ondas reboten sobre sí mismas en las paredes, y facilitando el que éstas se dispersen de manera irregular ayudando así a que el sonido mantenga el máximo equilibrio posible. Si no tenemos en cuenta todos estos posibles problemas acústicos, jamás escucharemos lo que está pasando realmente, ya sea en la etapa de grabación o en la de mezcla, con lo que en el procesamiento de pistas estaremos tratando errores que posee nuestra sala de grabación, o nos encontraremos ecualizando nuestra propia sala de control más que la pista que pretendemos manipular en principio. Como ejemplo, pongamos que tenemos un problema en nuestra sala de control, y desde nuestro punto de escucha se nos presenta un realce de 10 dB en 80 Hz. Por consiguiente, siempre escucharemos más graves de los que en realidad hay en la grabación, por lo que tenderemos a atenuar esa banda... obteniendo a cambio nefastos resultados que se plasman en grabaciones desequilibradas, delgadas, flojas... y ese no es el fin. Lo mismo ocurre en todo el rango de frecuencias del espectro, así como la imagen estéreo se ve seriamente afectada por este tipo de problemas. Resumiendo, la acústica toma una marcada importancia en el mundo de la grabación y producción de audio y no debería descuidarse lo más mínimo. Si el estudio está enfocado a un uso profesional, se hace necesario el disponer de varias salas. Una de control, donde se situará el técnico de grabación y mezclas, y una o varias de grabación. La construcción de varias salas permite disponer de varios diseños, posibilitando habilitar así por ejemplo, una para voces, una más grande para baterías...etc.

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Grabación

Escogiendo Micrófonos

Tips para comprar el micrófono que realmente necesitas Es bueno conocer las distintas posibilidades en cuanto a microfonía, así como saber los usos de cada tipo de micrófono.

El micrófono es un transductor electroacústico. Su función es la de transformar (traducir) las vibraciones debidas a la presión acústica.

Aunque se pueden conseguir buenos resultados utilizando un micrófono “normal” en una grabación “doméstica”, siempre es conveniente utilizar el tipo de micro adecuado para cada circunstancia. La función principal de este instrumento, es la de traducir (transformar) las vibraciones del aire (sonido) en energía electrónica. A la hora de elegir un micrófono tenemos que prestar atención a una serie de características que nos permitirán saber cual elegir. Estas características son:

Sensibilidad - Ruido de fondo Relación señal/ruido - Directividad

Impedancia: La sensibilidad del micrófono mide lo eficaz que puede llegar a ser. Expresa la relación que se establece entre la tensión eléctrica (de salida) y la presión del audio que incide. Esta presión sonora se expresa en pascales. La sensibilidad suele ser expresada en dBm, que es una unidad de medida relativa; tomándose como referencia 0 dBm. Los micrófonos no son perfectos, y como tal generan ruído, aún cuando haya silencio absoluto en el ambiente. Esto es así porque las resistencias de los componentes internos se calientan (ruido térmico). Debemos fijarnos en los que tengan el menor ruido de fondo posible. Este fenómeno se conoce como “Ruido de fondo”. En cuanto la relación señal/ruido, se puede decir que relaciona la señal más intensa que puede capturar el micrófono sin distorsionar y el ruido de fondo de éste. Se mide en decibélios (dB) y está en función de la presión sonora a 1Mhz. Hay micrófonos que captan el sonido de forma óptima según la dirección de la fuente sonora: por ejemplo, un micrófono puede captar mejor la señal del sonido que viene de frente que por detrás; otro puede hacerlo en ambas direcciones. La directividad nos indica la dirección en que el micro capta mejor el sonido. Omnidireccionales: captan el sonido independientemente de la dirección en que le llegue. Unidireccionales: captan mejor el sonido que llega de frente; no captando eficazmente los sonidos de otras direcciones. Bidireccionales: en esta ocasión, recogen mejor el sonido que llegan de frente y por detrás; fallando en los sonidos laterales. Bidireccionales: en esta ocasión, recogen mejor el sonido que llegan de frente y por detrás; fallando en los sonidos laterales. La impedancia es la resistencia que se opone al avance de la corriente eléctrica. En el caso de los micrófonos, si éste tiene alta impedancia y un cable largo, se puede producir una pérdida muy grande en la calidad del audio resultante. Se mide en ohmios (letra griega omega) y oscila entre 200 y 20 ohmios.

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Grabación

TRUCOS PARA GRABAR VOCES ¿Necesitas ayuda para pulir tus pistas vocales? Sigue todos estos consejos y tu éxito estará asegurado

BUENOS MICROS Y…

PUERTAS

AUTOTUNE

Este FX se popularizó con Believe (Cher) y aún sigue vigente. Un ajuste extremo genera esos gorgoritos que todos conocimos, amamos y luego odiamos a finales de los 90. El objetivo de autotune es corregir desafinaciones, pero tiene usos más creativos. Por ejemplo, graba frases habladas, aplica autotune, y afina cada palabra a una nota.

REMATA BIEN LOS FINALE

Seguro que muchas veces has oído caliﬁcar una interpretación vocal como “rica”, “cálida”, “suave”, “clara” o “líquida”. Si te has ﬁjado en tus cantantes favoritos, te habrás preguntado cómo consiguieron esa claridad. El primer paso consiste en elegir un buen micrófono infórmate bien y captura tus voces con el mejor micro que te puedas permitir

CHORUS

Las puertas de ruido también permiten lograr un sonido exclusivo, y son herramientas muy creativas. Crearás efectos entrecortados si procesas tu voz con una puerta disparada por otro instrumento de la mezcla, como la batería, escucha la intro de Rikki, el tema incluido en el disco Destroy Rock ‘n’ Roll de Mylo.

En ocasiones, una voz no tiene suﬁciente grosor. Si tu cantante ya se ha ido a casa y necesitas más cuerpo en la grabación, añade un poco de chorus para ganar amplitud y presencia. Sin chorus, Madonna no sería la misma que conoces.

... MICROS MALOS

Dicho eso, la originalidad hay que buscarla. Si huyes de la música convencional y quieres conseguir un sonido único, elige distintos micros para cada ocasión. Por ejemplo, graba a tu cantante dentro de un armario con un micro “de juguete” de 15 euros. jor micro que te puedas permitir

‘STRIP SILENCE’

Tras grabar la voz, acuérdate de limpiar los vacíos entre distintas frases y secciones. Puedes hacerlo a mano, o utilizar una función como ‘Strip Silence’ de Logic, que ajusta tus regiones eliminando los huecos innecesarios entre frases.

VARIOS SOLISTA

Si sueles aplicar a menudo los trucos ‘5’ y ‘6’, es el momento de probar otra alternativa más laboriosa varias voces solistas. Pídele al vocalista que cante la misma frase tres veces, y luego “panéalas” a la izquierda: una muy poco, otra a medio camino y otra al extremo. Repite la operación a la derecha hasta que tengas seis voces.

MÁS ALLÁ DE INTUICIÓN

Acceso directo a todas las funciones con el máximo de información y visibilidad en todo momento. Integración única de pantalla táctil Superficie de trabajo compacta para controlar perfectamente todas las funciones. Gracias a sus preamplificadores logra el sonido más limpio de cualquier consola digital hoy en día. Ha llegado el momento para olvidar el enfoque en la consola y liberar su máxima creatividad.

Grabación

S S RA t a l e s

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e B m e R PE e c c i ó n d

a s n SU u do ban Gra

Una sección de metales es exactamente esta compuesto de cuatro o más instrumentos, y voy a suponer que se trata de ocupar su pa pel en el apoyo a una norma convencional de rock / pop / blues / soul line-up. Desde una sección de metales puede ser una cosa poderosa voz alta, el registro que al mismo tiempo, como los instrumentos más débiles en una banda puede presentar serios problemas. En un estudio grande, podría ser posible poner la sección de metales en una cabina separada, o aumento de aislamiento suficiente por el uso de pantallas acústicas posicionado en el estudio para la separación física de los instrumentos más débiles. Sin embargo, doblar por separado pasa sólo por el bronce puede funcionar muy bien y esto es a menudo la única solución en un pequeño estudio. El único inconveniente de este enfoque es en conseguir la sección que jugar bien para Monitores, pero que suele superar rápidamente con un par de ensayos. La locura más común es tratar de múltiples micrófonos una sección de metales con un micrófono por cada instrumento. La técnica de

“Aunque pueda parecer el lugar más obvio para colocar un micrófono, el error más común durante la grabación de bronce es la posición de los micrófonos directamente en el eje y demasiado closeto la campana.” micrófono multi-se supone que permiten el control del nivel de los instrumentos individuales de la mesa de sonido, y las demandas de separación acústica muy buena entre los instrumentos. Este aislamiento se consigue con la distancia - distancia máxima entre diferentes fuentes de sonido, y la distancia mínima entre cada micrófono y la fuente. Sin embargo, en el caso de la mayoría de los instrumentos acústicos, y en especial de latón, muy cerca de microfonía produce un sonido pobre y desequilibrada. Además, si los músicos están físicamente cerca unos de otros (como por lo general prefieren a) no se derrame tanto entre los micrófonos que todo el ejercicio se convierte en completamente inútil - todos los faders tendrá más o menos los mismos ruidos en ellos con un control independiente en absoluto, y es casi seguro que los efectos indeseables eliminación entre los micrófonos! En mi experiencia, el mejor sonido se consigue con la sección relativamente distantes micrófonos, por ejemplo, un par de metros, ya sea con un micrófono único objetivo de proporcionar una cobertura de todos los jugadores, o con algún tipo de par estéreo. En este último caso, la colocación del de tres metmicrófono exacta dependerá del tamaño de la ros por delante sección y el tipo de propagación estéreo es y un metro por ennecesario, pero por lo general sería cima de los instrumentos. Vale la pena experimentar con lo que el saxofón en un contacto más cercano con el micrófono, y empujando las trompetas y los trombones un poco. Sólo estoy hablando de un pie más o menos, pero puede hacer una gran diferencia en el equilibrio interno de la sección.

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MEGA BEATS

Creando baterías electrónicas Establecer el tempo de la canción moviendo el selector de tempo de su software a los ritmos apropiados por minuto que usted desea. El tempo o latidos por minuto, de la canción es la velocidad a la que el ritmo electrónico que cree el juego. Recuerde que cuanto más rápido es el ritmo, la gente más rápido tendrá que pasar a bailar con él. Sin embargo, un ritmo que es demasiado lento también puede ser difícil de seguir.

Elige tus sonidos de batería. Todo tipo de software batir de decisiones permite a los usuarios elegir entre una variedad de sonidos de batería. Esto significa que usted será capaz de elegir el tono y la textura de su bombo, charles y sonidos tambor de la trampa.

Indican las notas del bombo en cada uno de los ritmos de uno, dos, tres y cuatro. Cuando usted pone una nota de bombo, le está diciendo que el software de sonido del bombo que usted eligió en cada uno de estos ritmos que tiene una nota que le asigna. Esto sienta las bases de los latidos electrónicos, y establece el ritmo para los oyentes que desean bailar al ritmo.

Ponga los ataques tambor de la trampa en tiempos dos y cuatro. El tipo de tambor de la trampa que ha elegido ahora el sonido de estos tiempos, creando lo que se llama un ritmo de fondo. Esto le dice a los oyentes, donde cuenta con dos y cuatro, que es útil para el baile, ya que los tonos de tambor de la trampa son audibles en las frecuencias del bombo.

Crear ataques de alto sombrero de los tiempos uno, dos, tres y cuatro. Estos sonidos última capa en la parte superior de los ataques del bombo, y dar de alta gama de frecuencias para complementar extremo inferior del bombo es.

Grabación

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Violines, Violas, Cellos y Contrabajos Como grabar una sección de cuerdas La disposición de los músicos es una cuestión de gustos. Lo habitual es colocar los primeros violines a la izquierda y luego, formando un semicírculo, los segundos violines, las violas y los cellos, situando los posibles contrabajos más al fondo. Si quieres más presencia de violines a cada lado del estéreo, podrías repartirlos y colocar los cellos en medio. Existen diversas técnicas de microfonía para las cuerdas. Las más populares consisten en colocar los micros sobre la cabeza del director o justo detrás de él a unos dos o tres metros de altura (aunque eso depende del techo de cada sala). Se suele utilizar un par de micros cardioides de condensador de gran diafragma, separados 1,5m apuntando en paralelo o con los ejes un poco abiertos hacia fuera. Ésta es la posición “A-B”. La posición “X-Y” requiere colocar los diafragmas de los dos micros lo más cerca posible, normalmente uno encima del otro apuntando hacia abajo, con los ejes abiertos entre 90º y 120º. Esta posición mejora la coher encia de fase, pero como cada vez importa menos conservar la compatibilidad mono, puedes conseguir un mejor campo estéreo con la técnica “A-B”. Otra alternativa es la “cabeza de maniquí”, que consiste en colocar un par de micros separados unos 30cm por un material absorbente que imita la cabeza. Esta técnica es válida para escuchar grabaciones biaurales con auriculares, pero la imagen que sale de unos altavoces no es tan buena. Otra de las técnicas que se podría emplear es la famosa “M-S”, pero en realidad, es muy poco utilizada en la práctica para la grabación de cuerdas. El método más utilizado en los estudios de grabación de cuerdas es el árbol Decca. Esta técnica consiste en colocar tres micros omnidireccionables (son típicos los Neumann U47 o U87) en un soporte que cuelga sobre el director. Uno enfoca al frente y los otros dos hacia los laterales, todos a 1,5m de distancia. Suministra amplitud estéreo y una imagen central consistente. Estos micros elevados aportan el sonido global de toda la sección y deben ser tratados como la fuente principal, aunque puedes añadir otros micros para más claridad y brillo. Lo más normal es que cada par de violines y violas comparta un micro, mientras que cada cello y contrabajo disponen del suyo propio. De nuevo, los más adecuados son los cardioides de condensador de gran diafragma, aunque los de lápiz también sirven para violines y violas. Colócalos a menos de 1m sobre cada par de violines y violas. En cellos y contrabajos colócalo a unos 30cm, apuntando a las ranuras en forma de W“f”.

- 1217 Voces y 355 MB de formas de onda tomado del MOTIF XS - XA (Ampliación) articulación del sistema de generación de tonos - Más de 256 actuaciones que despertar su inspiración musical - Modelado de circuitería virtual (VCM) efectos - 6720 los patrones de arpegiador y el motor de 4 piezas arpegio interactiva - Rendimiento de grabación directa - Creador de rendimiento para la creación rápida de Splits, capas y elementos del tambor - Categoría Search proporciona acceso instantáneo a las voces que desea - secuenciador integral incluyendo la grabación de paso - Se desarrolló una nueva de 61 teclas del teclado semi ponderada de MOX6 - 88 teclas estándar de martillo graduado de MOX8 - cuerpo ligero - Construida en 4-en dos de salida de audio USB / interfaz MIDI - Incluye el YC-3B órgano sintetizador emulador suave, Prólogo sintetizador analógico, y Cubase AI - Integración avanzada con PC

Durante la última década el MOTIF ha sido el estándar de facto del sector en los sintetizadores de producción musical, tanto para actuaciones en directo y el uso de estudio. La combinación de la tecnología MOTIF con tecnología de integración de nuevos USB equipo, la serie de MOX es la estación de trabajo de Yamaha música más poderosa, móvil y asequible siempre. Ellos están destinados a llevar el poder de producción musical MOTIF a toda una nueva generación de jugadores.

MOVIDA A L N E

Los medios hermanos René Pérez, alias [Residente] y Eduardo Cabra, alias [Visitante] han logrado mucho desde su auto-titulado álbum debut en 2005. Después de formar su banda como un experimento, los chicos de Calle 13 de Trujillo Alto, Puerto Rico ha ganado un total de 10 Latin GRAMMY ® y un GRAMMY. Además están continuamente en la cima de las listas. Ahora el dúo de la jet set viaja por el mundo para inspirarse en sus experiencias y comunicarse con sus fans en los barrios y pueblos.

Nos sentamos con ellos mientras estaban en Lima para saber qué fue de inspiración para su álbum “Los de Atrás Vienen Conmigo” y lo que genera tales ritmos creativos, las rimas y el flow. Mix&Master: Actualmente se encuentra en gira promocionando su más reciente álbum de estudio, Los de Atrás Vienen Conmigo. ¿Quiénes son “Los de Atrás “y hacia dónde van ustedes? RESIDENTE: Los Atras son los 11 los músicos que componen Calle 13, También son todos los que son rechazados y marginados, son todas estas personas de diferentes contextos y clases sociales. Cualquier persona que se siente rechazadas son las que forman parte de Calle 13. La gente de las aldeas, los barrios de clase alta, medio, todo el mundo. M&M: Sus canciones son muy creativas y diversas. Que van desde política a todas las maneras romántica. ¿Cuál es el proceso creativo involucrado en el desarrollo de sus historias? RESIDENTE: Las historias, muchas de mis ideas para escribir letras, provienen de la misma gente encontrada en la calle. Es por eso que necesitamos viajar y para escribir. Por ejemplo, la canción que hice con Rubén Blades, “La Perla”. Fui a ese barrio, para escribir parte de esa canción. Hice lo mismo cuando escribié: “Pal Norte”, fue viajando. Yo escribo mucho en los aviones. También las letras de la música de mi hermano, o, a veces me da él la música a través de mis letras. Siempre estamos trabajando juntos y viajando a diferentes lugares, nunca hacemos un álbum en un estudio. Es por eso que tenemos que viajar y movernos. M&M: En este nuevo álbum que ustedes tienen la colaboración de un par de artistas impresionantes como Café Tacuba y Rubén Blades. ¿Cómo se realizaron estas colaboraciones, y cuan fácil fue fluir con las ideas de otros? Visitante: Yo creo que las colaboraciones fluyeron debido a que colaboraron personas que admiras. Y es muy útil cuando los artistas que admiramos quieran colaborar con nosotros. Nosotros hemos hecho grandes amistades a través de las coloraciones en estudio, creo que esto se da porque nuestra música ha sido influenciada por su música. Por lo tanto, si les gusta Calle 13 creo que es indirectamente, porque su música está dentro de nosotros.

Debido a eso, nuestras collaboraciones y asociaciones han surgieron algunas canciones muy memorable. M&M: Me dí cuenta de que comparten escenario con Micrófonos SHURE. ¿Cuánto tiempo tiene usando Shure y cómo hicieron para los auspiciara? Visitante: Yo creo que hace un año que comenzó oficialmente ... RESIDENTE: Micrófonos SHURE y su equipamiento... M&M: Sí.También me di cuenta que se utilizas monitores en los oídos. ¿Cuándo empezaste a usarlos y cómo te han ayudado en el escenario? RESIDENTE: Sí que son muy útiles. Es importante para mí ser capaz de escuchar con claridad. Por eso uso Shure... porque me escucho muy bien, los he usado en Viña del Mar y a lo largo de nuestro recorrido en Latinomérica y Estados Unidos. Los vamos a seguir utilizándolos, siempre y cuando nos siegan patrocinado ... [Risas.] M&M: ¿Que puedes decirnos de los micrófonos Shure que te gusta más?

RESIDENTE: Me gusta cómo suenan, me gusta cómo sueno en los monitores y como se oye mi voz en los coniertos. Es de suma importancia para la gente comprender todo lo que digo, las letras y todo el mensaje que tiene calle 13 para todo el mundo. M&M: Finalmente, ¿qué sigue para ustedes? RESIDENTE: Bueno, actualmente estamos recorriendo toda América Latina. Pero, lo más próximo es México y de México nos vamos a España. De España vamos a ir a Londres y después a Francia. Nos estamos expandiendo a diferentes países, las cosas están más grandes y mejores. Estamos muy contentos porque por lo ahora hemos logrado en una carrera muy corta. Es importante que aprovechemos la energía de tener una banda tan joven. Nosotros necesitamos tomar todo lo que nos pueda comunicar con la gente, que es a quien le debemos el éxito de nuestra música.

Me gusta como suenan, me gusta como sueno en los monitores y como se oye mi voz en los conciertos.

-RESIDENTECALLE 13 Lead Vocals Backing Vocals Kick Snare Toms Hi-Hat Overheads Guitar Cabinet Bass Cabinet Congas Bongos Timbale Djembe Zurdo Cajon Alegre Tambora Saxophone Trumpet Trombone

Suyos UR2/Beta 58®A* UR2/Beta 58A* & Beta 58A Beta 52®A SM57 SM98 SM81 SM81 SM57 Beta 52A Beta 57A Beta 57A SM57 SM57 SM57 SM57 SM57 SM57 SM57 SM57 SM57

Alternativas PGX24/PG58* PG58 PG52 PG57 PG56 PG81 PG81 PG57 PG52 PG57 PG57 PG57 PG57 PG57 PG57 PG57 PG57 PG57 PG57 PG57

Avid acaba de presentar en una conferencia especial en la feria AES 2011 el nuevo Pro Tools 10 , junto con una serie de nuevos desarrollos en tecnologías de procesamiento digital, incluyendo el nuevo Pro Tools HDX que funciona con una nueva tecnología de tarjetas DSP. Novedades principales en Pro Tools 10

Nuevos sistemas Pro Tools HDX

- Posibilidad de utilizar múltiples tipos de archivos de audio en una misma sesión - Procesamiento de edición más rápido. - Ahora con nuevos fades renderizados en tiempo real y control de ganancia por clip - Nuevo sistema de gestión de discos - Nuevo plugin Avid Channel Strip basado en la consola System 5 de Euphonix - AudioSuite mejorado con soporte para múltiples plugins - Acceso a 500 nuevos controles EUCON - Nuevo mixer con resolución en coma flotante a 32-Bit - Reproducción y carga de audio y sesiones más rápidas - Nuevo plugin para exportar mezclas 5.1 en estéreo - Línea de tiempo aumentada a 24 horas - Marketplace integrado, desde donde se pueden comprar instrumentos y efectos - Integración con SoundCloud - Soporte ISIS mejorado - Sistema de monitoreo a bajas latencias para interfaces de terceros

- Hasta 5 veces más potencia que Pro Tools HD Accel - Hasta 64 canales de E/S por tarjeta (hasta 256 en total) - Hasta cuatro veces más compensación automática de retardo - Posibilidad de grabar a 32 bits/192kHz de una forma más rápida - Nuevos plugins AAX que hacen uso de tecnología DSP y sistemas nativos - Administración especial de RAM - Más de 75 plugins incluidos

Novedades en Pro Tools HD - Todas las novedades presentes en Pro Tools 10 - Hasta 768 pistas de voz y 512 pistas auxiliares - Carga de sesiones en la RAM - Posibilidad de conectar hasta 12 sistemas Pro Tools HD mediante Satellite Link - Workflow mejorado para grabadoras de campo - Control de dos sistemas HD con una D-Command en modo multi

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Mezcla

MEZCLA VIRTUAL E l

Vo l u m e n ,

Debemos tener en cuenta que cuando alguien escucha alguna canción, con audífonos, en un equipo de sonido o en los parlantes en un concierto, tiende a imaginar la ubicación de los instrumentos en un espacio tridimensional, arriba, abajo, izquierda, derecha, al frente o al fondo, entre los parlantes. Esta es una reacción natural pues en nuestra vida cotidiana todos los sonidos que percibimos están dentro de un espacio tridimensional. Además ningún sonido que percibimos proviene de una mismo lugar. Por ejemplo, si oímos a un perro ladrar y el cantar de un gallo al mimo tiempo, estos nunca provendrán del mismo lugar, porque el gallo nunca podrá ocupar el sitio que ocupa el perro al mismo tiempo. Si colocamos al gallo encima del perro las fuentes sonoras las percibiremos una debajo de la otra. Esto es importante tenerlo en cuenta porque cuanto más fácil le hagamos, al escucha, el trabajo de poder identificar los sonidos en su espacio imaginario tridimensional mental, más clara y transparente será percibida nuestra mezcla.

L a

P a n o r á m i c a

E l

Para lograr esto podemos echar mano de muchas herramientas, de nuestro mezclador y de nuestros procesadores de audio. En esta ocasión solo voy a mencionar 3 herramientas BÁSICAS que cualquier mesa de mezcla tiene, el volumen (Fader y Gain), la panorámica (Pan) y el ecualizador (EQ). El correcto uso de estos pilares nos dará una mezcla mucho más clara. El volumen (FADER) nos permite ubicar a los diferentes sonidos, de un grupo musical, más adelante o más a tras. Por ejemplo la voz principal y algunos instrumentos cuando realizan un solo, van adelante de los demás. Por contra parte las voces del coro van al fondo y quizá algunos pads irán más a tras que los coros. Esto se logra subiendo o bajando el FADER o el potenciometro de GAIN. La panorámica (PAN) Moviendo el potenciometro de panorámica de un lado a otro nos permite colocar los instrumento a la izquierda o la derecha, entre los parlantes. Por ejemplo podemos dejar el bombo en el centro, ya que tiene muchas frecuencias grabes que necesitan más energía para reproducirse y si lo movemos hacia la izquierda o derecha podría descompensarse nuestra mezcla frecuencialmente. Algunos toms los podemos colocar un poco a la izquierda y otros un poco a la derecha. Los platillos los podemos colocar completamente a la izquierda, etc.

E c u a l i z a d o r

El ecualizador (EQ) La utilización de esta herramienta se basa en otro fenómeno de percepción psicoacústico. Nosotros llamamos a las frecuencias agudas, frecuencias altas, y a las grabes, frecuencias bajas porque así las percibimos. Otra razón por las que las percibimos de esta forma es porque en nuestro cuerpo las frecuencias grabes de nuestra voz resuenan en nuestro toráx y las frecuencias agudas en nuestra cabeza. Debido a esto es que nosotros podemos ubicar algunos sonidos arriba o abajo utilizando el ecualizador de nuestra mezcladora. Por ejemplo los violines en una balada podemos colocarlos en la parte superior, y si bajamos el fader de su canal los pondremos al fondo, pero arriba. Por otro lado el bajo electrónico y el bombo de una batería de por si se ubican en la parte inferior. En conclusión, con el uso correctos de estas tres herramientas podremos situar a cada instrumento en un lugar específico en el espacio tridimensional imaginario, situado entre los parlantes, emulando asi la realidad.

Mezcla

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COLOREANDO SONIDOS T é c n i c a s

16 a 60 Hz – muy bajas frecuencias: La mezcla adquiere sensación de potencia al enfatizar este rango, especialmente si no son muy continuas las frecuencias, teniendo esto en cuenta debemos aplicar sta ecualización sin abusar, ya que podría percibirse un efecto como de enmascaramiento sobre la mezcla.

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E c u a l i z a c i ó n

rato de escucha y sonoridad demasiado nasal. Al enfatizar frecuencias entre los 500 y 1kHz se percibe el sonido global como si proviniese del interior de un tubo, y si se refuerza entre 1 y 2 kHz dará la impresión de que el sonido proviene de un tubo metálico.

60 a 250Hz – frecuencias bajas: Si se refuerzan en exceso estas frecuencias se obtendrá un sonido atronador en la mezcla, ya que la base rítmica se encuentra fundamentalmente aquí.

2 a 4kHz – frecuencias medias-altas: es necesaria la correcta ecualización de esta banda para un óptimo reconocimiento de la voz, si no es así los de música que estemos mezclando deberemos ir probando diferentes sonoridades en la ecualización de la mezcla estéreo.

250 a 2000Hz – frecuencias medias: contiene los armónicos de poca desagradable en la s y en las vocales.

Con respecto a la voz, al atenuar las frecuencias de 80 Hz conseguimos eliminar sonidos turbios. La reducción de los 200 Hz ayuda a

ALGUNAS CONSIDERACIONES En función del tipo de ecualizador que tengamos los ajustes de los parámetros serán más o menos precisos. De la experiencia se deriva que para una banda de 1 octava conseguimos una excelente regulación de la sonoridad de la misma, para una banda de 1 octava el control es bueno, una banda de dos octavas consigue una regulación suficiente y a partir de aquí el aumento del ancho de banda impide un control eficaz. Teniendo en cuenta el estilo amplitud de algunos instrumentos musicales (órganos de tubos, tuba, piano, bajo, etc). Los efectos generales del excesivo énfasis de este rango son fatiga del oyente al cabo de un poco

limpiar errores en voces de frecuencias medias. A 1 y 2 kHz, atenuamos para evitar respectivamente una sonoridad nasal y rasposa. Si queremos disimular la mala entonación de un cantante reducimos alrededor de los 3 kHz, así también conseguimos una sonoridad más suave para coros. Al atenuar los 7 kHz efectos pueden llegar a ser el ceceo y la fatiga del oyente. 4 a 6 kHz: es curiosamente característico el efecto de este rango de frecuencias sobre la sonoridad de la mezcla, ya que en él residen las propiedades de claridad y transparencia de voces e instrumentos.

3 dB sobre el nivel general mientras que una atenuación produce un sonido más distante y transparente. Banda de 6 a 16kHz: atenuando o incrementando esta banda de frecuencias controlamos la claridad y brillo sonoros. Un refuerzo excesivo produce un sonido demasiado cristalino y se reduce la sibilancia. Al amplificar en la voz frecuencias entre 200 y 400 Hz la haremos más compacta. Reforzando los 3 kHz obtenemos más claridad y crudeza, también se consigue de 4 a 5 kHz más presencia. A 8 kHz el aumento del nivel se traduce en un sonido más cálido. A 10 kHz conseguimos brillo en voces, al igual que con la amplificación alrededor de los 15 kHz.

El piano dejará de emitir un sonido estruendoso al atenuar los 300 Hz, y un sonido metálico al hacerlo con frecuencias entre los 1 y 2 kHz. La amplificación de los 100 Hz da sensación de sonoridad espesa o cálida, alrededor de los 3 kHz se consigue un mejor ataque de los graves y a los 5 kHz. la amplificación produce presencia sonora. Conseguimos un sonido más afilado amplificando alrededor de los 10 y 15 kHz.

En la guitarra eléctrica evitamos un sonido espeso y confuso al atenuar frecuencias hasta los 80 Hz. Decrementando los 800 Hz evitamos un sonido como de ‘hojalata’. Así, un refuerzo alrededor de los 5 Si queremos evitar a su vez un kHz equivale a un incremento de

Mezcla Mezcla sonido turbio decrementamos alrededor de los 1,5 kHz. En caso de un problema con la desafinación de este instrumento disimulamos este efecto decrementando los 3 kHz. Para ablandar la sonoridad decrementamos alrededor de los 5 kHz. Incrementando los 100 Hz cons claridad sonora amplificamos de 3 a 5 kHz. Si hacemos esto a partir de los 5 kHz el sonido será más brillante. También son aplicables matices mencionados de su hermana la eléctrica. En el bajo eléctrico al atenuar los 50 Hz se incrementan los armónicos y se hace más reconocible el sonido. Éste dejará de retumbar al atenuar los 125 Hz y adquiere un sonido espeso atenuando frecuencias alrededor de 1kHz. Al amplificar los 50 Hz se consigue la saturación de las bajas frecuencias. Si se desea un sonido de graves duros incrementar alrededor de los 100 Hz. Aumentando el nivel de los 400 a los 600 Hz se consigue una mayor claridad de las líneas, en especial con un volumen bajo. Incrementando los 800H< 1.5, 3 y 5 kHz (especial para funky) se consigue una pegada más clara y potente. En el bajo acústico por debajo de los 125 Hz amplificamos para conseguir más fondo sonoro. Éste deja de retumbar decrementando los 200 Hz. Al hacerlo sobre los 600 Hz se consiguen eliminar sonoridades huecas. Si incrementamos de 2 a 5 kHz aumentamos la pegada. Así mismo las consideraciones de carácter mencionadas del bajo eléctrico se pueden aplicar también a su hermano.

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sonoridad blanda se reduce el nivel alrededor de 1 kHz. Para evitar un sonido como rasposo se decrementa alrededor de los 3 kHz. Amplificando alrededor de los 2 kHz para arriba habrá más claridad sonora. Aumentando el nivel de 8 a 12 kHz se consigue una sonoridad más cálida. A partir de los 15 kHz se obtienen soniEn el bombo reducimos el nivel dos brillantes al incrementar el nivel. por debajo de los 80 Hz si el sonido retumba en exceso. De 300 a 600 Para madera (flauta, clariHz reducimos también para evitar nete…) se consigue un mayor cusonidos acartonados y blandos. In- erpo en la sonoridad aumentando crementando el nivel para frecuen- frecuencias entre los 150 y 320 Hz. cias entre 50 y 125 Hz conseguimos También conseguimos una mayor brillantez sonora amplificando alun mayor fondo, una mayor saturarededor de los 15 kHz. ción. Para percibir mejor la pegada, el ataque, aumentamos el nivel de 2 a 5 kHz. Amplificando alrededor de los 7 kHz aumenta la pegada pero se percibe un sonido más metálico. En grabación se suele usar una manta colocada dentro del bombo para obtener un sonido más definido. Amplificando alrededor de los 80 Hz se consigue sensación de profundidad. Entre 100 y 200 Hz aumentamos el nivel para conseguir más cuerpo. Se obtiene un sonido más crujiente amplificando a partir de los 2kHz.

Los toms tendrán menos saturación sonora decrementando alrededor de los 50 Hz. Se consigue que retumbe menos el sonido atenuando alrededor de los 300 Hz. Incrementamos de 80 a 200 Hz para dar más fondo. De 2 a 5 kHz incrementamos el ataque amplificando. A los 7 kHz se consigue un ataque más claro y también un sonido más metálico. Podemos observar que el bombo y los toms al ser tan parecidos sus espectros siguen muchas indicaciones iguales.

En los platillos se puede reducir el sonido como de hojalata reduciendo alrededor de los 200 Hz. Para eliminar ambiente se reducen los 400 Hz. Para conseguir brillantez o viveza se incrementa alrededor de los 5 kHz y hasta los 15 kHz. En los 10 kHz se La tarola de la batería es rela- consigue un sonido contundente y tivamente más fácil de ecualizar de- más duro aumentando el nivel. bido a su bajo contenido espectral, al En metales y cuerdas conseguiigual que el resto de los instrumentos mos eliminar un sonido turbio rede percusión. Atenuando alrededor duciendo el nivel por debajo de los de 1 kHz podemos conseguir un so- 120 Hz. Para conseguir una nido más agradable.

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Masterización

Masterización de Canciones Como subir la potencia de tus canciones ¿Como obtener niveles intensos?

Uso de limitación:

La mayoría de los trabajos de nivel de hoy, son hechos por una combinación de dos de las herramientas primarias de un ingeniero de masterización; el compresor y el limitador, que en la masterización, al contrario de la grabación donde una unidad puede hacer ambos trabajos (dependiendo de los ajustes), son realmente dos diferentes unidades. El compresor es usado para incrementar las señales con niveles pequeños y medianos, mientras que el limitador se usa para controlar los peaks (picos) instantáneos.

Supongamos que se cuenta con un programa que fue mezclado con una fuerte caja, por ejemplo, se podrá usar un limitador digital que corte algo del peak sobresaliente de modo que se pueda apartar la dinámica de ese instrumento en particular de la mezcla, sin suprimirla en la ecualización. Debido a que si se pretende arreglar la caja con ecualización, se estará bajando las voces y posiblemente las guitarras tan bien. Si se desea tratar un bombo que fue mezclado demasiado fuerte, al ajustar los 80, 60, 40 ciclos (Hz) o alguna frecuencia para bajar el bombo, realmente se sacrificara el fondo completo un poco, de modo que en esta situación será mejor usar un limitador digital para limitar los peak de la excesiva dinámica en este caso en particular.

Limitador L2- Ultramaximizer de Waves La mayoría de los limitadores digitales usados en la masterización son configurados como limitadores “brick wall”. Esto significa que no importando lo que suceda, la señal no excederá un cierto nivel predeterminado y no existirá “sobrecarga” digital. Con la última generación de limitadores digitales, los niveles intensos son más fáciles de lograr que en algún tiempo atrás, debido a que estos controlan más eficientemente los peaks (picos). Esto es gracias a la función “look-ahead” que casi todos los limitadores digitales de ahora emplean. La función Look-ahead retrasa la señal en una pequeña cantidad (alrededor de 2 milisegundos o por allí) para que el limitador pueda anticiparse a los peaks de tal forma, que este capture los peak antes que estos ocurran. Los limitadores análogos no trabajan casi también como un limitador digital, ya que una entrada análoga no puede predecir su entrada como un limitador digital con lookahead lo puede hacer. Puesto que en un limitador digital con no existe ninguna posibilidad de rebasar, el limitador entonces comenzó a ser conocido como un limitador Brick Wall (tan limitante como un muro de ladrillo). Ajustando un limitador digital correctamente, el ingeniero de masterización podrá ganar por lo menos varios dB de nivel aparente sólo por el simple factor que los peaks (picos) en el programa serán ahora controlados. ¿En que me ayudara un limitador al masterizar? La limitación es una interesante herramienta. Con un tiempo de ataque bastante rápido (1 o 2 muestras), un tiempo de release (relajo) bastante rápido (1 a 3 milisegundos), incluso varios dB (decibeles) de limitación podrán ser transparentes al oído. Considere la limitación cuando usted quiera subir la intensidad aparente del material sin afectar severamente su sonido.

Compresión Como el nombre lo da a entender, la compresión realmente incrementara las señales de bajo nivel mientras que un limitador reducirá las intensas. La clave para conseguir el máximo resultado de un compresor son los controles de ataque y release (a veces llamado recovery o recuperador). Estos controles tienen un tremendo efecto global en una mezcla y es importante comprender su función. Generalmente hablando, la respuesta de transiente y sonidos percusivos son afectados por el ajuste del control de ataque (en ingles Attack). Release es el tiempo que este tomara para que la ganancia retorne a lo normal o a una reducción de ganancia cero. En una mezcla de un típico estilo pop, un rápido ajuste de ataque (attack) reaccionara a las percusiones (baterias) y reducirá la ganancia global. Si el release es configurado muy rápido, la ganancia retornara a lo normal rápidamente pero puede tener el efecto audible de reducir algo del nivel global del programa y el ataque de la percusión (batería) en la mezcla. Si el release es configurado muy lento, los cambios de ganancia que las percusiones (batería)

causen podrían ser oídos como un “bombeo (pumping)”, lo que significa que el nivel de la mezcla se incrementara y entonces disminuirá notablemente. Cada vez que el instrumento dominante comience o pare, este “bombeara” el nivel de la mezcla hacia arriba o hacia abajo. Los compresores que trabajan mejor en el material de programa completo tienen muy suaves curvas de release (relajación) y lentos tiempos de release para minimizar este efecto de bombeo (pumping). Consejos y Trucos de compresión a. Cambios de ganancia en el compresor, causadas por las percusiones pueden llevar hacia abajo el nivel de las voces y el bajo, y causar cambios de volumen global en el programa. b. Ajustes muy lentos de release, usualmente mantendrá los cambios de ganancia más inaudibles pero también bajara el volumen percibido. c. Un lento ajuste de ataque (attack) tendera a ignorar percusiones y otras señales rápidas pero todavía reaccionara a las voces y bajo. d. Un lento ajuste de ataque (attack) podría además permitir una transiente para deformar la siguiente pieza de equipamiento en la cadena. e. Si la fuente es demasiada percusiva o tiene intensas percusiones en la mezcla, pruebe ajustando los controles de ataque (attack) y release. f. A veces un rápido ataque (attack) y un tiempo mediano de release ayudara a dominar las percusiones (batería). g. Un rápido ajuste de ataque (attack) y un rápido ajuste de release tenderá a reducir transientes. h. Usualmente solo los ajustes más rápidos podrán hacer que una unidad “bombee”. i. Ajustes de release más lentos tenderán a ser la mayoría inaudibles. j. Mientras más enérgicos los medidores parezcan, será más probable que la compresión sea audible. k. Generalmente hablando, el truco con la compresión en la masterización es usar un lento release y menos (usualmente mucho menos) de 5 dB de compresión.

El Legendario

SM57 Sonidos Cรกlidos de Tarola

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Trabaja con Audio On - line Tr a b a j a d e s d e l a c o m o d i d a d d e t u h o g a r e n l o q u e m a s t e g u s t a Odesk es un marketplace, un mercado virtual que pone en contacto a compradores y vendedores. En oDesk, lo que se pueden comprar y vebder son servicios profesionales. Si lo que estás buscando es un diseñador, un desarrollador, un escritor, un periodista, un editor de video, un sonorizador de peliculas, un arreglista musical o un ingeniero de mezcla y masterización para apoyarte en tu proyecto, encontrarás aquí un muy buen sitio donde empezar tu búsqueda. Entre la información y los servicios que ofrece, uno de los que considero más importantes es la sección llamada oConomy. Allí podemos tener una idea de la magnitud que tiene este mercado online. Al día de hoy, este mercado ha crecido hasta alcanzar un volumen de 158 millones de dólares, lo cual representa una duración promedio de proyecto de casi 500 horas, a una tarifa media de 9,18 euros. En este mismo instante hay casi mil proveedores que han trabajado en distintos proyectos, y en las últimas 24 horas se han publicado casi 1750 nuevos trabajos. También entre los datos de oConomy encontramos el valor promedio de los trabajos a precio fijo. En esta modalidad se desempeñan casi 600 mil proveedores, con una cifra similar de trabajos publicados. Esto da la pauta clara de que realmente estamos inmersos en una herramienta de gran importancia en el contexto de la globalización. Mirada estratégica Antes de comenzar a explorar sobre cómo hacer búsquedas de proveedores y cómo validar al proveedor por el que nos decidamos, creo que es importante echarle un vistazo a los recursos que brinda oConomy. Me interesó particularmente un mapa con todos los países que están participando en esta actividad. Dentro de los detalles de ese mapa encontraremos abajo algunos recursos de gran utilidad: uno de ellos son las estadísticas, y el otro el coste promedio de outsourcing en cada país.

El apartado de las tarifas de los freelancers puede resultar de gran utilidad si uno no tiene una idea precisa de cuánto puede costar un tipo de servicio que estamos necesitando. Si ésta es tu situación, afortunadamente oDesk ya ha hecho el trabajo para ti y te organiza esa información según las distintas categorías de profesionales, con las tarifas promedio de cada uno. Está claro que sólo se tratan de promedios, y no puedes aquí valorar la capacidad de un proveedor sólo en base a la tarifa. Pero al menos te aporta una información de inicio, que por ejemplo te dejará saber que el servicio por el que más se paga es el de desarrollador, que anda cerca de los 15 dólares la hora. En el caso de los diseñadores gráficos, el promedio andará en los 10 dólares, al igual que muchas otras categorías. El servicio de menor costo es el de data entry, que anda entre los 3 y los 4 euros. También podemos ver la distribución de los proyectos ya asignados, que en promedio están pagando también 10 dólares la hora. Considero interesante consultar estos gráficos al comenzar, porque te da una acabada idea de los precios reales del mercado. Como complemento, también puedes ver la información ordenada por países, observando la cantidad de proyectos que han ganado. Gracias a esa funcionalidad, podemos ver que en Filipinas hay proveedores muy baratos que están ganando gran cantidad de proyectos. Esta alternativa es interesante ya que te permite contar con cifras aproximadas de cómo pueden ser tus tarifas si es que interesa desarrollar un proyecto de outsourcing en un determinado país. Eso es todo por el momento acerca de oDesk, sitio que personalmente considero el mejor marketplace donde encontrar profesionales para ayudarte en tus proyectos y en tu blog. Cuéntame si has tenido experiencias con algún market-place y qué comentario puedes sacar en limpio. Déjame tus opiniones o preguntas e iniciamos la discusión.

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Vendiendo tu sonido en la red Como poner tu disco en las grandes discotiendas virtuales Muchas personas consideran que hoy ser músico es una profesión mal remunerada y que no augura un fuen futuro pero las nuevas técnologias de comunicación, como el internet, han hecho posible que cualquier músico pueda, el mismo, ser su propio sello discográfico y distribuir sus contenidos musicales a los grandes minoristas virtuales, como itunes, AmazonMP3, etc.En este artículo les comentaré de dos empresas que distribuyen contenidos digitales a diferentes tiendas virtales que posen millones de visitas díarias y que generan varios cientos de millones anuales en ventas. Las más famosas son Tunecore y CD Baby: - Con Tunecore puedes distribuir singles (1 tema), EPs (de 2 a 5 tema) y un álbum completo (de 2 a 15 temas), y por supuesto cada uno de estos tipos de publicación cuestan un precio diferente: 9,99 $ el single y 49,99 $ tanto para el EP como para un álbum completo. Ojo que todos estos precios están en dólares. El precio puede variar y depende también de las tiendas digitales en las que decidas vender. Tunecore te da la posibilidad de vender en iTunes , Amazon mp3, Myspace music, Emusic, Thumbplay, Spotify, Nokia, y alguna tienda más. Logicamente, si distribuyes en muchas tiendas te costará más dinero. Una cosa muy interesante de Tunecore es que te dan tu propio código ISRC/UPC sin coste alguno. El código ISRC es algo así como la huella digital de cada uno de los temas. Es único y contiene información sobre el país de la producción, autor y año. El UPC es el que te permite crear un código de barras para tu producto, en este caso para tu CD. El que te da Tunecore puedes usarlo en cualquier tipo de distribución que hagas de tu CD, aunque no sea con Tunecore. Por ejemplo, si haces copias físicas puedes incluir ese código de barras. Si en un momento dado quieres dar de baja tu producto y no venderlo más, tienes que pagar 25 $. Si tu single, EP o álbum lleva ya casi un año en distrubución, Tunecore te cobrará por la renovación: 9,99 $ en el caso de single y 19,98 $ para EPs y ábumes. Si miras en la tabla, verás que el dinero final que recibes por cada venta en Tunecore es 0,69 $ por la venta de un tema, y 6,99 $ por la venta de EPs o álbumes enteros. En la tabla puedes ver cuántas ventas tienes que hacer para recuperar el dinero invertido. En Tunecore te pedirán tus temas en formato .wav a 44.1 KHz y 16 bits. Los podrás subir a través de su propia aplicación web. La portada del trabajo puedes subirla en formatos JPG, JPEG, TIFF, PNG o GIF, con resolución de al menos 600×600 píxeles,

y 1600×1600 píxeles en el caso de que elijas vender en Amazon. ¿Cuándo cobrarás con Tunecore? Cobrarás cuando quieras siempre que ya esté lista la información del dinero que te corresponde (algunas tiendas pueden tardar hasta tres meses en informar sobre lo que has ganado). Con una simple cuenta de paypal, siempre que vendas algo podrás retirar el dinero a tu cuenta. - En CD Baby, como ves la tabla, la definición de single, EP y álbum es la misma que en Tunecore. El coste por distribución es menor que en Tunecore: 0,45 $ por un single y 39,99 por un EP o un álbum. Sí, parece maravilloso porque es más barato que Tunecore, pero el problema es que querrás tener tus códigos ISRC/UPC y en CD Baby no son gratis. Te costarán 5 euros para un single y nada menos que 20 euros para un EPW o un álbum. Un punto a favor de CD Baby es que no cobran renovación anual. Las tiendas con las que trabaja CD Baby son basicamente las mismas que Tunecore, es decir, iTunes, Amazon mp3, Rhapsody, ellos mismos (puedes comprar desde CD Baby), Myspace Music, etc. CD Baby no te cobrará nada si decides dar de baja tu trabajo en las tiendas digitales.

En el FAQ de CD Baby explican que las tiendas pueden tardar meses en pasarles la información de la ventas, con lo que tardarán unos tres meses en informarte de lo que has vendido hoy, pero en cuanto tengas la información podrás cobrar al lunes siguiente. No encuentro mucha información en la web de CD Baby acerca de cómo debes enviarles tu música. Hacen referencia a ficheros .wav o FLAC, y nunca mp3, pero no especifican más. Hace un tiempo recuerdo que solo aceptaban que les enviases unas copias del CD físico y ellos hacía la conversión a formato digital. Esta fue una de las razones por las que nunca he trabajado con CD Baby, pues este método me parecía muy incómodo. Tampoco veo información sobre formatos gráficos. Como puedes ver en la tabla, con CD Baby necesitas algunas ventas menos que en Tunecore para recuperar el dinero invertido.

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Como hacerte conocido en internet Ponte en lugar del lector, es decir piensa como el, si tu tienes un blog de cierta temática es porque eso es lo que tu dominas o ese tema te apasiona, antes de postear piensa como el lector “quisiera leer esto…” piensa que temas son los que mas les preocupa a tus lectores y sobre todo se lo mas claro posible utilizando ejemplos lógicos y sencillos de comprender.

Si tu quisieras abrir un negocio en tu ciudad ¿que es lo primero en lo que piensas? PUBLICIDAD o no? muchos nuevos emprendedores en internet piensan que con solo tener una página es más que suficiente para que las visitas lleguen. El trabajar por internet es lo mismo que en la vida real, debes de dar a conocer tu negocio. Las formas de hacer tráfico en internet son diversas, pero en este artículo quiero recalcar y dar unos consejos para lograr que tu sitio o blog sea relevante.

Actualiza tu blog con frecuencia, si eres de los que escribe cada mes un post seguramente tus lectores dejarán de visitar tu sitio, mi recomendación es por lo menos 3 o 4 post a la semana, en mi caso posteo diario, pero no es una regla, lo que si es seguro es que no dejes de hacerlo. Ocupa un autoresponder por ejemplo en mi blog encontrarás, en la parte derecha de tu pantalla, un formulario que dice “síguenos por email” cada vez que yo posteo algo el te manda un aviso a tu mail informándote que existe una actualización al foro, es decir un artículo o post nuevo. Automatiza tu blog y será más sencilla y agradable la presencia de tu lector haciéndolo regresar cuantas veces quieras.

Cuida el diseño de tu blog, si eres de esas personas que tienen banners por todos lados, anuncios luminosos, ventanas emergentes, etc… mejor piensa en quitarlos ya no estamos en los noventas, un sitio limpio y lo más sencillo es lo mejor, no necesitas inundar de publicidad, aunque tu contenido pueda ser de calidad seguramente un mal diseño podría hacer olvidar la página a tus lectores. Se sociable, es decir ocupa redes sociales tales como facebook, Twitter, wordpress, technorati, etc, estos sitios enlazan a tu contenido y cada vez que posteas algo tienes probabilidades que exista un lector que vea tu blog e ingrese a el. Participa en comunidades tales como foros, blogs, grupos de discusión , deja tu link como firma, NUNCA dejes tu link así por así, participa con contenido de calidad y aportes inteligentes, si lo haces todos los días veras que en un año tu popularidad y seguidores serán muchos, recuerda NO HACER SPAM , en muchos blogs y en este también aplica puedes dejar tu url personal o de negocio en la sección correspondiente cuando

Escribe correctamente ( o lo mejor que puedas) es decir genera contenido de calidad, si logras captar lectores a tu blog seguramente regresaran de nuevo, esto significa un tráfico constante y que va en aumento con el paso del tiempo, si no sabes escribir o no te crees capaz, estudia un poco, varias opiniones respecto al tema y genera tu propio contenido. NUNCA COPIES A OTRO BLOG. Si vas a copiar a otro blog simplemente dale el crédito al autor del BLOG, o en su caso pídele permiso para intercambiar post.

- Software Guitar Rig Pro - Pedalera Rig Kontrol 3 - Interfaz Midi - Controladora Midi - 1 entrada de instru mento - 1 salida de auriculares - Resolucion 24 bits - Frecuencia de muestreo 192 Khz. - 14 amplificadores emu lados

- Módulo sala de control - Nuevos recintos acústicos - 48 efectos modelados - Explorador de presets mejorado - 250 nuevos presets - Procesado estéreo - Afinador integrado - Metrónomo - 2 módulos de grabación - Conexión USB 2.0

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porque lo único que ocasionarás será que algunas personas te puedan eliminar de sus contactos.

hagas un comentario, en el cuerpo de los mensajes NO se permiten, esto es simplemente regresar a lo que les dije anteriormente “un blog limpio” Si alguien te manda un mail o postea una opinión TU como administrador debes de contestar lo mas pronto posible, un blog o web actualizada sin rezagos en su contenido es mas atractiva e incita al lector nuevo a dejar su comentario ya que sabe que se lo contestarán. En general estos son unos consejos de como hacer lectores a tu web. No te desesperes todo lleva su tiempo y después de tanto leer y mas de 2 años en internet me anime hacer mi blog así que no te preocupes todo con calma y paso firme, RECUERDA MAS LECTORES FIELES MAS VISITAS CONSTANTES A TU SITIO. Por otro lado hoy en día a pesar que se ha divulgado que son y como sacarle provecho a las redes sociales muchas personas parecen no comprender el concepto. Las redes sociales son para generar contactos más no sirven para generar tráfico, muchas personas se pasan las horas agregando a muchos contactos que se encuentran en el facebook o twitter cuando lo único que están logrando es hacer más grande esa lista. Más no significa que esas personas les interese lo que hagas o que se vayan a convertir en tus clientes, afiliados o prospectos. Lo que diré a continuación sera desde el punto de vista de negocios, las redes sociales hoy en día juegan un papel importantisimo y eso nadie lo puede negar, pero para que funcionen tienes que volverte “atractivo” , es decir, en vez de publicar en tu twitter “Voy al baño y estoy viendo la TV, regreso” a mi que me importa que esa persona vaya al baño, si quieres ocupar tu perfil de las redes sociales para negocios olvida ese tipo de comentarios

El secreto es regar tu contenido, ofrecer opiniones atractivas y lograr que las personas te busquen y les interese lo que hagas. Repito “hacerte atractivo” el trabajar o querer hacer publicidad en redes sociales no es algo que se forma de un día a otro. Si no, más bien, debes de ganarte la simpatía de muchas personas y también debes de seguir o contactar a las personas que tu crees que puedas aprender algo de ellos, a diferencia de muchos expertos que piensan que solo te deben de seguir a ti para tener mayor calidad en tus seguidores pues NO es cierto, tu también puedes aprender de varias personas y ese aprendizaje sera que te vuelvas aun mas atractivo “el conocimiento es poder”, de manera personal yo he seguido a varias personas porque existe algo que me agrada de el o ella y se que un provecho sacaré de esa relación. Ahora bien los contactos ya están hechos ya ganaste esa simpatía, pues después vendrá el trafico (aunque no en toneladas) yo Francisco sigo a Pedro, Pedro publica un post que me agrado y yo replico ese contenido entre mis contactos en las redes sociales, los amigos míos no son amigos de Pedro y los amigos de mis amigos y los de mis amigos etc … En ese momento es cuando algo de calidad se puede hacer viral, nadie mandaría “Pedro fue al baño y estaba viendo la TV”. Entonces ya comprendes como funcionan las redes sociales desde el aspecto de negocios? Existen muchos consejos, pero adopta estos y veraz como podrás crecer mejor en una red social y sacarle el mayor provecho.

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