DIARIO SANFIC11 #2 by SANFIC

JUEVES 27 AGOSTO 2015

SLOW WEST

Un western libre de clichés “Ganador del Gran Premio del Jurado este año en el Festival de Sundance, se está exhibiendo en estos días en nuestro festival”

Presidenta Directorio SANFIC María Catalina Saieh

CONTENIDOS / 27 DE AGOSTO

Directora Ejecutiva SANFIC / CorpArtes Jacqueline Plass Fundadores SANFIC Carlos Núñez Gabriela Sandoval

4 UN WESTERN LIBRE DE CLICHÉS

Co-Fundadores SANFIC Fundación CorpArtes María Soledad Saieh Jorge Tacla

6 ENTREVISTA

DIrectores de Competencias

Director Artístico Carlos Núñez Directora de Producción Artística Gabriela Sandoval Directora de Producción Ejecutiva Viviana Bendeck Productor de Contenidos Sebastián Vivero Editor Diario Digital Joel Poblete Diseño y Diagramación Alejandra Herrera Periodistas y Redactores Matías Herane Joel Poblete Camilo Tapia Sebastián Vivero

12 CUESTIONARIO

Directores de Competencia Cortometraje Talento Nacional

17 SOCIALES

Michael Madsen y una atractiva gala inaugural

Jueves 27 de agosto de 2015

Un western libre de clichés El escocés John Maclean, quien destacara en el ámbito musical como miembro de The Beta Band, ha incursionado con éxito en la dirección: tras ser elogiado con sus cortometrajes, su primer largometraje, Slow West, ganador del Gran Premio del Jurado este año en el Festival de Sundance, se está exhibiendo en estos días en nuestro festival, y además integra el jurado de la Competencia Cortometraje Talento Nacional y este jueves ofreció una master class en Lastarria 90. - En tu primer cortometraje, Man on a Motorcycle, utilizaste una cámara de celular para filmarla. ¿Cuál es tu opinión sobre las nuevas tecnologías que democratizan la realización cinematográfica, el internet y plataformas como YouTube o Vimeo para la difusión fuera de la industria tradicional? Creo que es grandioso. Yo creo que la tecnología siempre ha sido una bestia que, por un lado, es odiada por los románticos quienes piensan que antes siempre fue mejor, y por otro, es tomada por artistas creativos como una manera más rápida de llevar sus ideas a concreto. Bajos costos significa que es más accesible y fácil de llegar a audiencias sin depender de distribuidores. La parte mala es la calidad: un disco en vinilo suena mil veces mejor que un MP3; sonido y calidad de imagen desde YouTube saliendo por los parlantes de un Mac puede ser malo en verdad. -En los dos cortos anteriores a tu largometraje trabajaste solamente entre los blancos y negros, privilegiando la luz como elemento central de tu fotografía. ¿Por qué antes blanco y negro, y que te motivó a trabajar ahora con el color? Es genial empezar con blanco y negro para entender los tonos; los tonos son usualmente olvidados en películas actuales a color. Hice un western y mi regla fue que no fuera todo en colores cafés o 4

decolorados, eso es un cliché en el western moderno. Así que me lancé con todo color, quería que fuera brillante y tuve como referente a Pat Garrett y Billy the Kid, de Peckinpah. -Tu película puede considerarse parte de un género clásico como el western. Sin embargo,

tus orígenes y la producción de la película son de Reino Unido, otorgándole otra mirada a este género. ¿Qué resulta de este sincretismo cinematográfico? Creo que es una mezcla del clásico western de John Ford con el cine europeo influenciado por Bergman y Bresson, entre otros, lo que espero le otorgue un estilo

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fresco a la película. Creo que muchos westerns se concentran en la historia, porque vienen de la tradicional forma de contar historias alrededor de una fogata; ahí es donde los mitos nacen, así que intenté jugar con mitos y cosas más reales. Algo más cercano a situaciones reales y jugando con los clichés: la mujer no es una damisela en apuros, el cazador de recompensas tiene corazón, hay bondad en los malos y maldad en los buenos.

Es genial tener a Michael, porque es simplemente grandioso, y además, es un actor inteligente y divertido. Así que puede agregar mucho a su interpretación. Por otro lado, Kodi también ha estado en el juego por harto tiempo y es alguien con quien es muy fácil

trabajar, además muy inteligente y divertido. Eso es importante para mí, tener sentido del humor. La segunda y última función de la película Slow West, de John Maclean, es este viernes 28, a las 22:20 en Hoyts Parque Arauco.

-Dos de tus trabajos previos a Slow West son los cortometrajes Man on a Motorcycle y Pitch Black Heist. En ambos has dirigido a Michael Fassbender, ¿cómo ha sido dirigir y trabajar en todos tus trabajos con este reconocido actor? Y en esta película trabajaste también con Kodi Smit-McPhee, un actor que pese a su juventud ya tiene una reconocida trayectoria cinematográfica. ¿Cómo fue trabajar y rodar con ambos?

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Entrevista a directores de Competencias COMPETENCIA INTERNACIONAL

Matías Bize / Director LA MEMORIA DEL AGUA -¿Es la pérdida de un hijo el tema principal de la película, y por qué decidiste centrarte en él? Yo creo que más que la pérdida, la temática de la película es la lucha de la pareja por mantener su relación. Eso es lo que me inspiraba a mí a escribir la película. Cómo una pareja se enfrenta a algo tan trágico como la pérdida de un hijo y su lucha por mantener la relación. La idea era poner a una pareja en una prueba muy complicada y me parecía que la pérdida de un hijo era la más difícil de todas. -¿Cómo fue el trabajo con los actores, especialmente con Elena Anaya, y cómo fue la experiencia de trabajar con una actriz de tan destacada trayectoria? A Elena le entusiasmó mucho el guión. Ella conocía mi trabajo previo y eso ayudó mucho en la situación, pero al final fue el guión el que la hizo querer estar. Después de leerlo me devolvió un mail como de cinco páginas muy bonito, diciéndome que se había emocionado y conmovido sólo con leerlo y que quería estar sí o sí en la película, y eso para mí fue buenísimo porque Elena es una tremenda actriz reconocida en todo el mundo, y sentí que si estaba en La memoria del agua le iba a dar un plus y la potencia que yo necesitaba. Es una película que es muy de actuación, en la que los actores en sí se echan la película al hombro, y en ese sentido sentía que Elena era fundamental. Hay mucho cuidado en la película con los silencios y la música. Todos esos detalles deben ser cuidados, porque a mí lo que más me importa es que el espectador se conmueva, se emocione, le llegue de una manera muy potente la historia, y ahí eran fundamentales todos los elementos. -Benjamín Vicuña se acercó directamente a ti para participar de este proyecto. Sabiendo su trasfondo familiar tan cercano a la temática de 6

la película, ¿cómo fue el papel que jugó en el rodaje de la película? Lo bonito fue que con Benjamín se realizó un trabajo muy desde la honestidad, desde la verdad y desde la entrega. Yo estoy muy agradecido porque él mismo se entregó completamente para la película, y eso se nota en los resultados finales que tenemos. El trabajo fue de muchísima preparación. Con Benjamín ensayamos mucho tiempo, hicimos mucha lectura, mucha conversación e hicimos mucho ensayo de verdad grabado. Incluso él lo ha dicho: “este es su mejor trabajo”, y eso me enorgullece muchísimo. Creo que el trabajo final de Elena y Benjamín hace que la película crezca muchísimo, y era lo que nosotros necesitábamos. En definitiva, el guión y que esté Elena y Benjamín hacen que la película avance y que logre emocionar al espectador, ambos logran que la película permanezca en el espectador posteriormente. -La vida en pareja y las dificultades que se generan en ésta siempre están presentes en tus películas. ¿Cuál es la razón de esta temática recurrente? En el fondo es lo que a mí me toca vivir, mis relacio-

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nes de pareja, mi mundo y en lo que yo me muevo, y para mí es muy importante que un director hable desde la verdad, desde los temas que conoce, desde algo que lo represente y a mí lo que me toca vivir en el fondo es ese mundo, la vida en pareja, las relaciones humanas. Yo lo que hago es hablar de lo que conozco, porque finalmente me parece que así puedo hablar con honestidad, con verdad y también hacer el tipo de películas que a mí me gustaría ver en el cine. O sea, La memoria del agua es una película que cuando la hago pienso en qué me gustaría a mí ver en el cine, es decir, una película que me conmueva, que me emocione, que me entretenga, pero además sobre todo que me deje algo después, que permanezca en mí y tenga una trascendencia. En ese sentido creo si bien yo no tengo hijos, no he perdido hijos, sí me parece un tema con el que es muy fácil sentirse identificado, el luchar por mantener una relación, porque todos alguna vez hemos vivido esa situación.

película arranque su circuito acá en Chile. Si bien mi relación con SANFIC ha sido muy larga -de haber estado, participado- nunca había podido estar con una película y eso me tiene súper contento y orgulloso, me siento muy tranquilo y con muchas ganas de que sea un gran festival. Para mí SANFIC siempre, desde el inicio, me ha parecido un festival tremendamente interesante, con muy buenas películas y buena organización y mucho público, y siento que eso finalmente hace que sea un muy buen festival. Hay un cuidado por las películas, un cuidado por los invitados interesantes y sobre todo que el público los acompaña en la sala, cosas que hacen de SANFIC un festival totalmente consolidado. Y a mí participar en esta undécima versión me parece un orgullo y me parece una gran alegría. La memoria del agua se exhibirá en Hoyts Parque Arauco el jueves 27 a las 18:00 hrs. y el viernes 28 en Hoyts La Reina, a las 18:30 hrs.

-Te hemos tenido como invitado en distintas ediciones de SANFIC. ¿Cómo te sientes al estar este año en la Competencia Internacional, y además haciendo estreno mundial? Me parece buenísimo, estoy súper contento. Me parece un orgullo, es la mejor manera de que la

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COMPETENCIA DE CINE CHILENO

Peter McPhee / Director EL FINAL DEL DÍA -En tu primer largometraje podemos ver una temática recurrente en tus cortometrajes, “revivir” la historia de Chile. ¿Cómo eliges temas que debiesen ser rescatados por el documental antes de que sean olvidados? Es cierto que en mis trabajos anteriores el tema de la memoria chilena fue siempre el hilo central, y por cierto es algo que me mueve como realizador, no obstante esta película documental para mí fue un giro de 180 grados en mi corta filmografía. En El final del día hice una nueva búsqueda; el tocar temáticas sociales relacionadas al patrimonio y el sentido de identidad, pero en un cruce con un discurso medioambiental, y todo esto inmerso en un relato cotidiano y humano. Una mezcla que fue muy desafiante, donde intentamos siempre generar un cruce metafórico entre estos elementos para generar un relato cargado de emoción y mística. Es posible que en el pasado me haya detenido a pensar en aquellas cosas que según mi punto de vista “debían” ser retratados en una película, pero en este caso, la naturaleza misma de la realidad me impuso que estos temas que menciono estuvieran presentes; simplemente sentimos en el rodaje que todas estas cosas estaban ligadas, y que había que encontrar la manera de plasmar eso de una manera orgánica, que se complementaran y potenciaran los distintos temas que aborda el documental.

-¿Cómo se hace el cruce entre el mito maya del fin del mundo y los problemas que están afectando la realidad de la zona donde transcurre tu documental? El concepto detrás de El final del día fue establecer que, el 21 de diciembre de 2012, el día en que el mundo supuestamente se va a acabar (según la interpretación de las profecías mayas) hay un pueblo que no solamente está expectante con este día, sino que vive con una contaminación tan feroz que afronta su propia extinción. Uso una palabra tan fuerte como extinción porque la contaminación de Quillagua va mucho más allá de ser una cosa material, la tierra, el agua y los animales que se han visto afectados, son elementos profundamente respetados en la cultura aymara. La contaminación ha sido una contaminación del alma, y nuestra película busca hacer una reflexión sobre lo que realmente significa que se acabe el mundo. -Tus cortometrajes has abordado tanto la ficción como el documental, ¿qué te llevó a decidirte por este último género en tu primer largometraje? Creo que al hacer cine no debe haber ideas preconcebidas. Creo que la historia, el dispositivo narrativo, los espacios -entre otras cosas- deberían ser los que te llevan a definir un género y una forma para plasmar de la mejor manera posible aquello que te interesó en un inicio. En este caso particular, nos topamos con un pueblo fascinante; un oasis en medio del desierto más árido del mundo, rico en cultura ancestral y, lamentablemente, con un drama social inmenso. Para mí no había forma de que esto no fuera un documental que hiciera un justo retrato de Quillagua, algo que su gente mereciera. Ahora, eso no significaba que yo no pudiera metaforizar a partir de eso, que es justamente lo que busqué hacer al crear una conexión entre el pueblo y el “fin de mundo” virtual del que hablaban los medios de comunicación. Pero esa decisión de forma, para mí, era también absolutamente necesaria, porque ya se han hecho cientos de documentales sobre pueblos contaminados, y si yo mostraba el drama de este pueblo como ya se ha hecho antes, sentía que no le estoy haciendo justicia ni al espectador ni a la gente de Quillagua. Sentí que lo mejor que podía hacer como realizador era encontrar una manera innovadora y atractiva de contar esta historia, para que la gente no sólo se interesara por la película, sino por estos pequeños grandes conflictos sociales y ambientales que ocurren en nuestro país, se interesara por el pueblo de Quillagua.

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-En relación con lo anterior, ¿cuál sientes que es la responsabilidad del documental y en general lo audiovisual para mantener vivas las distintas costumbres nacionales?

Es una pena que una herramienta tan valiosa, con tantas posibilidades de informar, emocionar y entretener a la gente, sea tan desaprovechada en un país como el nuestro.

El género documental sirve no sólo para mantener vivas las costumbres, sino para mantener vivo todo. El documental tiene la increíble posibilidad de encapsular en el tiempo momentos irrepetibles de la vida cotidiana y regalarlos al público. Es difícil hablar de la responsabilidad del documental, porque creo complejo exigir un “deber” a un género que en Chile tiene tantos problemas para realizarse; el financiamiento público y privado es difícil, las ventanas de exhibición son pocas y el público que se interesa por el documental es acotado. Creo que el documental tiene la responsabilidad de hacerse cargo de los temas sociales, de metaforizar sobre nuestro modo de vida, de reflejar historias humanas, pero me gustaría que hubiese una política cultural acorde para que le pudiésemos exigir al documental chileno que se hiciera cargo de tal responsabilidad. Y no me cabe duda que con apoyo, los documentalistas chilenos estaría aún más comprometidos y con mejores y más profundas historias que contar.

-Algunos de tus trabajos anteriores se han presentado en otras ediciones de SANFIC. ¿Cuál crees que es el aporte del festival para la industria audiovisual nacional? Efectivamente mostré cortometrajes que dirigí en versiones anteriores de SANFIC, por lo que le tengo un gran cariño. Creo que Gabriela y Carlos, los fundadores, han levantado un espacio de encuentro donde no solamente se muestran películas, sino que confluyen artistas y obras muy interesantes. Mirándolo desde fuera, veo que SANFIC ha apostado por apoyar el cine nacional, en cuanto a otorgar una alta visibilidad a películas independientes chilenas, como es nuestro caso, y eso es importantísimo. La ventana que es el ser parte de la competencia de un festival así es una gran oportunidad. El final del día se exhibirá este miércoles 26 a las 19:45 en Hoyts Parque Arauco y el jueves 27 a las 18:15 hrs. en Hoyts La Reina.

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Jorge Leiva / Director QUILAPAYÚN, MÁS ALLÁ DE LA CANCIÓN -¿Qué te atraía de realizar este documental, cómo surgió la idea? ¿Más allá de la película, a nivel personal y como melómano, de dónde viene tu interés por Quilapayún? La historia de Quilapayún y sus canciones han acompañado a aquellas personas que, en algún momento de la vida, hemos sentido la indignación ante el orden de la sociedad y la urgencia de cambiarlo. Quilapayún es la banda sonora de muchos sueños de cambio, y ese es el primer acercamiento a ellos. El más obvio. Pero hay una segunda capa que siempre me llamó la atención del Quila: Si miras la historia del grupo, te das cuenta que ha estado atravesada por tragedias y derrumbes. Primero la caída del gobierno de Allende, proyecto en el que eran férreos militantes, y que los dejó en el exilio. Luego, ya a fines de los 70, vino la ruptura con el Partido Comunista, y la decepción de sus utopías, lo que les valió incluso el apelativo de traidores. Poco después, cuando se acabó el exilio, vino el choque con la sociedad chilena y la imposibilidad para muchos de ellos de regresar a Chile. Luego el grupo debió vivir muchas tragedias y crisis. Muertes, enfermedades… Justo en ese tiempo, en lo personal, tuve una enfermedad media complicada y preguntándome sobre eso comencé a observar la historia del Quila y vi cómo ellos se van sobreponiendo a esas dificultades. Con lo bueno y con lo malo. Esa mirada subyace a la realización de este documental. Con los años, todos aprendemos que los golpes de la vida (por llamarlos de alguna manera) son un denominador común en la existencia humana. De cómo salir de ellos se trata un poco la vida. Y también este documental. -Antes participaste en una anterior edición de SANFIC con Angeles Negros, también centrada en una emblemática banda chilena cuya fama trascendió nuestras fronteras. ¿Cuáles son las principales diferencias entre ambos trabajos? Son historias muy distintas, aunque coinciden en sus tiempos de origen. La de los Angeles Negros es una historia centrada en la fama y en los parámetros convencionales de la música popular. Quilapayún, en cambio, hacía música no porque buscara la fama, sino porque quería hacer la revolución, y en sus canciones hablan de injusticias, de construir el socialismo y del fin de la pobreza. Pero no hacemos 10

un juicio de esto. Son historias distintas, y por lo tanto, son documentales muy distintos. Ambos son, en definitiva, las historias de la vida de un grupo de personas que hacen música, pero en la de Quilapayún hay otras preguntas, que tienen que ver con las particularidades de su historia. Quilapayún, como muchos de su generación, tiene su historia atravesada por tragedias y decepciones, y eso marca su oficio musical y su vida. Por eso, de alguna manera, tuvimos que penetrar un poco más en la intimidad del conjunto. Sentimos que para comprender la esencia de Quilapayún no basta con su música. Por eso este documental se llama así, “más allá de la canción”. -Tu formación como periodista de seguro es muy importante en el trabajo investigativo del documental, pero además tienes una importante trayectoria como cineasta. ¿Hay realizadores o documentales sobre temáticas y bandas musicales que te inspiraran al momento de armar este proyecto? Por supuesto que hay muchos referentes, desde documentales clásicos como Don’t Look Back, de Pennebaker, que sigue a Dylan por Inglaterra en 1965, a cosas más recientes, como Searching for Sugar Man, del 2012. Yo no sé muy bien cómo esos referentes, u otros, marcan el trabajo que se hace, pero hay un interés nuestro por tomar esos títulos y mostrar una banda vigente. Por eso hay mucho camarín, ensayo, gira, estudio de grabación. Quilapayún tiene 50 años, y a pesar de las crisis (mediáticamente muy exageradas y poco comprendidas) son una banda activa, que se acerca al final de su historia, pero que no tiene intenciones de detenerse. -La película estuvo previamente en nuestro Work in Progress Latinoamericano, ¿qué te parece estar de vuelta en SANFIC? ¿crees que es valiosa la posibilidad de estar con ambas etapas del proyecto en el festival? Sin duda. Participar de instancias como el WIP de Sanfic es muy valioso para un trabajo como este. Nosotros estuvimos perdidos mucho rato, y este tipo de instancias te ayudan para enrielar tu trabajo, y, sobre todo, saber que estás haciendo mal. Fue un gran aprendizaje probarnos acá hace un par de años, pero lo más importante es estar de vuelta en esta Competencia. Creemos que esta es una excelente vitrina para comenzar.

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Directores Competencia Cortometraje Talento Nacional En cada edición iremos conociendo las opiniones y gustos cinéfilos de los realizadores de los 13 cortometrajes chilenos que están participando en esta versión de SANFIC, y que se exhibirán divididos en dos bloques, el jueves 27 en Hoyts La Reina.

les hasta que se iniciaban y se daban cuenta del engaño. Yo me pregunté qué pasaba cuando ahora ellos, como adultos, tenían que convertirse en eso que temían antes. ¿Qué pasaba si uno de esos demonios no dejaba de atormentar al protagonista? -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Me interesaba hacer un rescate cultural sobre un pueblo que se cree extinto, pero está aún presente en sus descendientes. Por eso investigué bastante para lograr que estuviera interpretado en su idioma. También quería identificar y evidenciar que los problemas de ellos, como la guerra de los sexos, son transversales a la historia humana y siguen presentes hoy en día. Lo interesante es que sus rituales y mitologías son perfectas metáforas que cuentan cómo somos como seres humanos.

ALEJANDRA JARAMILLO, directora de Halahaches -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? Hace tiempo que quería hacer una animación sobre mitología indígena dónde se pudiera mezclar la psicología con lo fantástico. Entonces me llegó un libro sobre los Selk’nam escrito por Anne Chapman, del cual aprendí con profundidad sobre los espíritus que los hombres encarnaban en cada ritual de iniciación. Más que sus disfraces, lo interesante era que los niños creían que estos espíritus eran rea12

-Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho o sean tus favoritas Paprika - El castillo ambulante - Poll - Mad Max (1979) - Mommy - Where the wild things are - El ilusionista - Waking Life – El cuento de la princesa Kaguya -Cinco cineastas a los que admires Satoshi Kon - Hayao Miyazaki - Richard Linklater Wes Anderson - Werner Herzog

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Juventud en marcha - Hipótesis del cuadro robado - Vértigo - Ordet - A nous amours - Andrei Rublev Crepúsculo en Tokio - La virgen desnudada por sus pretendientes - Las armonias Werkmeister - Sombra -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época Bruno Dumont - Claire Denis - Robert Bresson - Lucrecia Martel - Sharunas Bartas

FLORENCIA DUPONT, directora de Suipacha -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? La idea surge dentro del Diplomado en Dirección de Arte de la Escuela de Cine. Con el pie forzado de trabajar la transformación de un espacio, elegimos el cuento Cartas a una señorita en París de Julio Cortázar. Hice una primera adaptación literaria que fue transformándose a partir de la propuesta de la dirección de arte. El guión entonces fue mutando hasta el resultado final. Esta forma de trabajo permitió una experimentación mucho más grande, que se dio en conjunto con el equipo de arte, trabajando a partir de conceptos, materialidades y técnicas, que eran propuestas más abstractas sobre la idea original, y esto nos permitió ir alejándonos de ella. Creo que toda esa colaboración se nota en el resultado final y le da un plus, definitivamente. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? En el cortometraje nos interesaba mostrar la transformación de un espacio, trabajado desde la dirección de arte. Un espacio que muta, que se destruye, que se corrompe, que desborda. Un personaje que termina sufriendo con esa transformación, tanto que él mismo se ve afectado. Mostrar también lo fantástico de este proceso, que no se justifica en un marco realista o verosímil sino más bien mágico o desconocido. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época

TOMÁS ARCOS, director de Acuario -¿Cómo surgió l a idea de filmar este cortometraje? Surgió de la idea de realizar el ejercicio de contar una historia que pudiera mantenerte atento toda la película. Para mí fue fundamental mantener un ambiente de suspenso y que fuera en ascenso dramáticamente hasta el final. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Me interesaba contar el encierro de un personaje en un espacio físico y dentro de su propia soledad. Todo lo que puedas hacer se puede devolver de la misma forma en esta vida circular. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época Bueno, me gusta mucho el cine latinoamericano. 13

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Nueve Reinas - Ciudad de Dios - Amores perros Psicosis - Los pájaros - Anticristo - Una mujer bajo la influencia – Machuca - Gloria - El club - La batalla de Chile - Nostalgia de la luz - El otro día -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época David Lynch - Ingmar Bergman - John Cassavetes Patricio Guzmán - Ignacio Agüero

poco me había enterado que tenía un amigo con esta enfermedad y quería saber de qué se trataba. Estuve tres meses leyendo, investigando, visitando fundaciones y hasta entrevistando a personas portadoras, lo que me reveló que no es una enfermedad tan terrible como pensaba y que el conflicto más difícil es la aceptación, el prejuicio de la gente, y el comienzo del tratamiento que tiene duros efectos secundarios. Eso quise mostrar con el corto, que ser portador no es tan terrible, como me contaban los portadores reales, pero siempre y cuando alguien esté a tu lado para apoyarte, darte ánimo, y cuidarte cuando lo necesites, pero lo más importante es que el portador acepte su enfermedad. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas El castillo ambulante - El viaje de Chihiro - Toy Story 1, 2 y 3 - Las analfabetas – Huacho - El Chacal de Nahueltoro - The Prestige - Pan y rosas Vera Drake - Ladybird, ladybird

ANTONIO VILCHES, director de A la orilla -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? La idea nació hace un año y medio o dos, cuando estaba en el proceso de práctica y proyecto de título para terminar mi carrera. Mi idea, al comienzo, era mostrar la vida de un joven que estaba aburrido de todo, tenía una mala actitud frente a la vida, pero para ello me faltaba un motivo. Siempre me han gustado las historias de padres e hijos, entonces agregué a la madre, la que estaría enferma, y sería el motivo para que Andrés, el protagonista, tuviese una actitud displicente y desencantado de la vida, aunque la hastiada esta vez sería la madre y Andrés tendría el papel de cambiar su punto de vista. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Al decidir que Laura, la madre de Andrés, tendría una enfermedad, lo que provocaba el conflicto entre ambos, me puse a investigar el VIH, ya que hace 14

-Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época Cuando era chico y hasta el día de hoy me han gustado mucho las animaciones, me acuerdo verlas en el negocio de mi papá antes de irme al colegio, por eso uno de mis favoritos es Hayao Miyazaki, seguido por John Lasseter. Ya cuando fui creciendo y antes de entrar a estudiar, mi director favorito fue Christopher Nolan. Pero al ir conociendo más el cine, me interesé más en directores que retratan el realismo como Mike Leigh y Ken Loach, y sin dejar afuera al chileno que más me gusta: Alejandro Fernández Almendras.

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CRISTIÁN VIDAL y PATRICIO VIAL, directores de El sapo -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? Cristián: En 2014 participamos en un seminario de cine documental en Valparaíso dictado por el documentalista ruso Viktor Kossakovsky. Él propuso que grabáramos personajes del lugar con características cinemáticas; es decir, con ciertos aspectos visuales y cinéticos que fueran memorables. Es así como observando la ciudad y buscando personajes, nos pareció interesante grabar a un “sapo” de micros, ya que tenía un look de vaquero y una personalidad alegre; algo que partió como un ejercicio, al editarlo se transformó en un pequeño documental que hasta el momento ha ganado varios festivales de cine. Patricio: Podríamos decir que el cortometraje se gestó a partir de la energía y el inmenso impulso que nos transmitió Kossakovsky en la búsqueda de personajes en el Valparaíso que nos rodeaba en esos días de marzo del año pasado. A partir de ahí encontramos al personaje adecuado, pactamos con él dos días de rodaje y como dice Cristian, se editó para presentarlo el día final del seminario con Kos-

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sakovsky; y luego, todo lo que el cortometraje ha podido ir recorriendo es posible gracias a la fuerza que transmite el personaje a modo de resiliencia y el carácter porteño de “el sapo”. Cabe destacar la singular elección de una mirada vertical para la realización este corto documental. -¿Qué les interesaba contar o mostrar con su corto? Ambos: Nos interesó mostrar a un personaje que estaba en medio de los autos, que en teleobjetivo se aislaba de su entorno, como un vals. El dispositivo era quedarnos siempre con él. Después, al exhibirlo públicamente nos dimos cuenta del valor cultural del personaje, que es un oficio en extinción, autodidacta, que se da sólo en Chile. -Mencionen entre cinco y diez películas que les gusten mucho y/o sean sus favoritas, de cual-

quier nacionalidad y época Cristián: Vértigo - Intriga internacional - Terciopelo azul - Following - Clerks - Vivir - Sueños (Kurosawa) - Interstella 5555 - El vecino - Cualquiera de Raúl Ruiz Patricio: Solaris - Paris Texas - La isla mínima - El odio - Fantastic Mr. Fox - La grande belleza - Buffalo ‘66 -Cinco cineastas a los que admiren, de cualquier nacionalidad y época Cristián: Raúl Ruiz - François Truffaut - Alfred Hitchcock - David Cronenberg - Luis Buñuel - Akira Kurosawa Patricio: Wes Anderson - Patricio Guzmán - Andrei Tarkovsky - Todd Solondz - Vincent Gallo - Werner Herzog

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Michael Madsen y una atractiva gala inaugural Todo un éxito fue la gala de inauguración de nuestra undécima edición, realizada la noche del martes 25 en el Centro de las Artes 660 (CA 660) y que contó con la presencia de destacadas personalidades de la industria audiovisual chilena, incluyendo directores, actores y productores, además de los invitados internacionales de SANFIC. La ceremonia fue conducida por la actriz Fernanda Urrejola, y además de los directivos de nuestro festival, contó con las intervenciones del presidente de CorpArtes, Álvaro Saieh, y el ministro de Cultura Ernesto Ottone.

Homenaje a Michael Madsen

Álvaro Saieh, Presidente de CorpGroup 17

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Alfredo Castro e Ignacio Franzani

Fernanda Urrejola

Crist贸bal Valderrama

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Carlos Núñez, Fundador y Director Artístico de SANFIC, y Sebastián Freund

Gabriela Sandoval, Fundadora de SANFIC y Directora de SANFIC Industria, y Jonathan Maldonado

Jacqueline Plass, Directora de CorpArtes, y Ernesto Ottone, Ministro de Cultura

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Michael Madsen

Houston King y Antonia Zegers, Jurados de la Competencia de Cine Chileno

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Pero más allá del glamour y la alfombra roja, así como los invitados y las buenas películas, los dos primeros días de SANFIC estuvieron indudablemente marcados por la visita del actor estadounidense Michael Madsen, cuya presencia en el festival ha sido ampliamente destacada por la prensa y los cinéfilos locales desde su llegada a Chile el domingo 23. Antes de la inauguración del festival visitó una viña y un conocido restaurante, y en la mañana del martes conversó con los periodistas en una concurrida y muy entretenida conferencia de prensa en el Hotel Grand Hyatt, llena de anécdotas y recuerdos. También estuvo presente en la inauguración de nuestro festival, momento en el que fue homenajeado y

recibió una distinción por su trayectoria cinematográfica. Y el miércoles fue el protagonista de un encuentro con el público en el CA 660, conducido por el periodista Ignacio Gutiérrez y el fundador y director artístico del festival, Carlos Núñez, en la que al estilo de Inside the Actors Studio fueron revisando escenas de sus películas más conocidas y recorriendo su trayectoria fílmica; en la tarde del mismo día presentó en Hoyts Parque Arauco una función especial de su cinta más recordada e icónica, Perros de la calle (Reservoir Dogs), ópera prima de Tarantino, y tuvo la paciencia a la salida de firmar autógrafos y fotografiarse con gran parte de sus admiradores.

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