MARTES 25 AGOSTO 2015
Cine Internacional: Entrevistas a Fernando Molnar, Natalia Bruschtein y Kattia González
Cortometrajes en competencia: Entrevistas a Camila Luna, Diego Rojas Sastre y Ricardo Valenzuela Pinilla
MIA MADRE Inaugura SANFIC 11
“Aborda al mismo tiempo los sentimientos y emociones que provoca la posibilidad de perder a un ser querido”
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Presidenta Directorio SANFIC María Catalina Saieh
CONTENIDOS / 25 DE AGOSTO
Directora Ejecutiva SANFIC / CorpArtes Jacqueline Plass Fundadores SANFIC Carlos Núñez Gabriela Sandoval
4 MIA MADRE EN LA INAUGURACIÓN
Co-Fundadores SANFIC Fundación CorpArtes María Soledad Saieh Jorge Tacla
7 PRESENTACIÓN DE COMPETENCIAS
Director Artístico Carlos Núñez Directora de Producción Artística Gabriela Sandoval Directora de Producción Ejecutiva Viviana Bendeck
DE SANFIC 11
11 ENTREVISTA
DIrectores de largometrajes
14 CUESTIONARIO
Directores de Competencia Cortometraje Talento Nacional
Productor de Contenidos Sebastián Vivero Editor Diario Digital Joel Poblete Diseño y Diagramación Alejandra Herrera Periodistas y Redactores Matías Herane Joel Poblete Camilo Tapia Sebastián Vivero
15 SANFIC INDUSTRIA 16 SOCIALES
Primera actividad de SANFIC Familias
Martes 25 de agosto de 2015
Mia madre en la inauguración de SANFIC 11 Estrenada mundialmente este año en la competencia oficial de Cannes, la más reciente película del gran Nanni Moretti aborda al mismo tiempo los sentimientos y emociones que provoca la posibilidad de perder a un ser querido, pero también la dificultad de compatibilizarlos con el rodaje de un film. Este es el primer largometraje del realizador italiano que exhibimos en nuestro festival, y este martes inaugura la edición de este año, con una gala en el Centro de las Artes 660. A pesar de ser uno de los realizadores europeos más prestigiosos de las últimas décadas, el cine del italiano Nanni Moretti no se aparece tan a menudo como quisiéramos en nuestra cartelera. Y cuando lo hace, a veces se debe incluso a acontecimientos fortuitos, como cuando en 2013, dos años después de su debut mundial y a raíz de la elección del Papa Francisco, una distribuidora decidiera
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estrenar al fin, exclusivamente en una sala, su Habemus Papam, aprovechando la feliz coincidencia temática. Por eso, y además porque nunca habíamos exhibido una película suya en nuestra programación, nos enorgullece especialmente que sea con su más reciente film -y previamente a su estreno en salas comerciales- que inauguremos nuestra undécima edición, la noche de este martes
25 en la gala que se realizará en el Centro de las Artes 660, CA660. Estrenada mundialmente en la competencia del Festival de Cannes, certamen donde recibió el Premio del Jurado Ecuménico y que tradicionalmente ha recibido siempre muy positivamente al director (ver recuadro), Mia madre surgió precisamente de un hecho real doloroso y difícil que Moretti
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terminó desarrollando en el guión: la muerte de su propia madre, justo cuando él estaba en pleno rodaje de Habemus Papam. Fue precisamente esa la inspiración para este nuevo largometraje, que entrecruza dos temas principales: la crisis interna de una cineasta, Margherita (interpretada por Margherita Buy), quien intenta filmar en Roma un drama de temática social mientras debe sobrellevar distintas situaciones, incluyendo un quiebre sentimental, su relación con su hija adolescente, y muy especialmente la enfermedad que está aquejando a su anciana madre Ada (la adorable actriz Giulia Lazzarini), lo que la inquieta y preocupa a pesar de que su hermano Giovanni (encarnado por el propio Moretti) parece asumir todo con una cariñosa pero paciente resignación.
LA CONEXIÓN CON CANNES A los 62 años y con una carrera en el cine que ya se remonta a más de 40 años -tanto en sus incursiones como actor como especialmente en su faceta como director-, Moretti ya se puede considerar como un predilecto de Cannes. Famoso gracias a títulos como Palombella rosa (1989) y Aprile (1998), el italiano ha sido premiado en la Berlinale y en Venecia, pero es en el certamen francés donde su trayectoria ha sido más reconocida: así lo evidencia su premio como mejor director en 1994 por Caro diario y su Palma de Oro en 2001 por La habitación del hijo, además de ser presidente del jurado en 2012, cuando el premio principal fue para Amour, de Haneke. Y quien también tiene buen historial con Cannes es su “estrella invitada” en Mia madre, John Turturro, quien fue elegido mejor actor ahí en 1991 por Barton Fink, y al año siguiente ganó la Cámara de Oro por su corto Mac.
Si ya los problemas personales que enfrenta Margherita son de por sí delicados, tampoco ayuda demasiado que el protagonista de su nuevo film sea un conocido actor estadounidense venido a menos tras 30 años de carrera y 105 cintas, el a menudo insoportable Barry Huggins (un exageradamente histriónico pero divertido John Turturro), quien habla hasta por los codos, intenta expresarse en italiano mientras recuerda improbables anécdotas de su ilustre carrera -como cuando fue dirigido por Kubrick- pero constantemente olvida sus diálogos y complica más de la cuenta el rodaje, haciendo las cosas aún más difíciles para la directora.
Bogart, Robinson y Cagney-, que por supuesto incluye menciones de iconos del cine italiano como Antonioni, Rossellini, Petri y Fellini y su episodio Las tentaciones del doctor Antonio de Boccaccio ‘70. Pero el juego cinéfilo no es lo que más le interesa a Moretti en esta historia, y no es de extrañar que más allá de los arranques interpretativos de Turturro, lo que cala más hondo en el espectador es la mirada a la relación entre padres e hijos, así como el dolor y la tristeza que puede traer la idea de que más pronto que tarde perderemos a un ser querido, más aún si se trata de una figura tan indispensable en toda familia latina como la madre.
Estos temas ya estaban presentes en uno de los títulos más memoraEl siempre atractivo recurso del cine dentro del cine se presta para bles de Moretti, la bella y conmovedora La habitación del hijo, por una serie de alusiones al séptimo la que ganó la Palma de Oro en arte -desde Las alas del deseo Cannes en 2001. En el marco de de Wenders hasta el legendario una Roma en que por suerte no plano secuencia de Sed de mal se explotan sus clichés turísticos, de Welles, o los clásicos hombres rudos del Hollywood clásico como mezclando una vez más el humor
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con la tristeza y la melancolía ¿QUIÉN ES MARGHERITA BUY? -algo que también se refleja en el soundtrack, que deambula enNacida en Roma y con una trayectre Arvo Pärt, Philip Glass, Jarvis toria fílmica que ya abarca más Cocker, el “Famous Blue Raincoat” de tres décadas, a sus 53 años la de Leonard Cohen y una contaprotagonista de Mia madre es una de giosa e inesperada escena de las actrices más premiadas del cine baile-, Moretti explora con lucidez italiano actual, como lo confirman las y sensibilidad los temores y anmúltiples veces en que ha recibido los dos principales trofeos de la industria gustias que conlleva la inminente pérdida de alguien a quien quere- cinematográfica de ese país, el David de Donatello y el Nastro d’Argento, mos. Como tan acertadamente lo que ha ganado siete veces cada uno, describió el crítico Ernesto Ayala en su comentario en Artes y Letras sin contar además otras nueve y seis nominaciones, respectivamente, como de El Mercurio el pasado domingo protagonista y también secundaria. Y 23, la cinta “resulta conmovedora, los premios no sólo han llegado en su brillante detrás de su aparente país natal, pues además ha recibido simpleza, que pese a su realismo distinciones como la Concha de Plata se mueve con soltura entre sueños, a la Mejor Actriz en el Festival de elipsis e imágenes imaginadas, sin salirse de un tono entre leve y melancólico, todo lo cual es una señal de que Moretti es un cineasta en pleno dominio de su oficio”.
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San Sebastián, en 1990. Ha estado en populares éxitos italianos, como Il piu bel giorno della mia vita y Manuale d’amore, y ha trabajado con conocidos directores, como Daniele Luchetti, Cristina Comencini, Paolo Virzi (de quien en este SANFIC exhibiremos El capital humano), Giuseppe Tornatore, el veterano maestro Mario Monicelli y en uno de los títulos más recordados de Ferzan Ozpetek, Le fate ignoranti. Luego de El caimán y Habemus Papam, esta es la tercera vez que es dirigida por Moretti, y precisamente gracias a su rol en Mia madre, este año recibió su más reciente premio David como mejor actriz.
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Presentación de competencias COMPETENCIA INTERNACIONAL Allende mi abuelo Allende (Marcia Tambutti, Chile): Transcurridos 35 años del golpe de Estado en Chile que derrocó a su abuelo Salvador Allende, Marcia cree que ha llegado el momento de recuperar las imágenes y memorias de la vida cotidiana perdidas con el golpe y sumergidas bajo la trascendencia política de su abuelo, el exilio y el dolor de su familia. Estrenado mundialmente en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes 2015, donde fue elegido el mejor documental de todas las secciones del certamen y acreedor de El Ojo de Oro, entregado por la Sociedad Civil de Autores Multimedia (SCAM), el primer largometraje de Tambutti muestra el lado más íntimo del ex mandatario socialista, desde el punto de vista de una nieta que quiere saber más de su abuelo y de su familia. El incendio (Juan Schnitman, Argentina): Lucía y Marcelo tienen 30 años y llevan escondidos 100 mil dólares para comprar su primera casa. Pero el vendedor no llega y la escritura se posterga. Tensos y frustrados vuelven a su antiguo departamento alquilado y ocultan el dinero. En el transcurso de esas 24 horas de espera se revela la verdadera naturaleza del amor entre Lucía y Marcelo, de la crisis por la que están pasando, y de la violencia que los atraviesa. Protagonizada por Pilar Gamboa (a quien vimos en Todos mienten, Mejor Película en la Competencia Latinoamericana de SANFIC 5) y Juan Barberini, la película fue exhibida este año en la sección
Panorama de la Berlinale y en la Competencia Internacional de BAFICI. Girlhood (Céline Sciamma, Francia): Oprimida por su familia, por una escuela que no le ofrece un futuro y por la ley de los muchachos en su vecindario, Marieme empieza una nueva vida después de conocer a tres chicas de espíritu libre. Para ser aceptada en esta pandilla decide cambiar su nombre, su ropa y dejar el colegio, esperando que este sea su ticket a la libertad. El tercer largometraje de Sciamma fue nominado a la Queer Palm en el Festival de Cannes y el Critics Award en Hamburgo, y fue premiado como Mejor Película y Mejor Fotografía en el Festival de Estocolmo. El debut en cine de estas actrices -escogidas a través de castings realizados en las calles donde se filmaría la película- ha sido elogiado por la crítica, especialmente el de su protagonista, Kardija Touré, nominada al Premio César como Mejor Actriz Revelación por su rol. Una historia de rebeldía adolescente femenina en la Francia lejos del desarrollo, con una minoría de inmigrantes de color, pobres en busca de un espacio en la sociedad. Ixcanul (Jayro Bustamante, Guatemala): Estrenado mundialmente en la competencia oficial de la Berlinale, donde recibió el premio Alfred Bauer, el primer largometraje de Jayro Bustamante ha sido premiado como Mejor Película en festivales como Cartagena de Indias y Guadalajara. Se centra en María, una joven maya de 17 años, quien vive y trabaja con sus padres en una plantación
de café en las faldas de un volcán activo en Guatemala; ella sueña con ir a la “gran ciudad”, pero un matrimonio por conveniencia y su condición de mujer indígena no le permiten cambiar su destino. Una situación inesperada la obliga rápidamente a salir al mundo moderno, aunque desconoce el precio que deberá pagar… La memoria del agua (Matías Bize, Chile): El último largometraje de Matías Bize –uno de los realizadores más reconocidos del cine chileno en la última década- hace su estreno mundial en SANFIC 11, días antes de participar en la sección Venice Days del Festival de Venecia. La cinta cuenta la historia de amor de una joven pareja –personificada por la española Elena Anaya y el actor chileno Benjamín Vicuña-, que tras la muerte de su hijo lucha por mantener su relación. Este inmenso dolor los ha fracturado como pareja y a pesar de lo mucho que se aman, no pueden sobreponerse a la inmensa pérdida. Asistimos a la sutil construcción de sus nuevas vidas, y observamos sus movimientos por olvidar lo que fueron como pareja. Pero la posibilidad de un nuevo reencuentro aparece y ellos saben que esa decisión podrá cambiar el sentido de sus vidas para siempre. La tierra y la sombra (César Augusto Acevedo, Colombia-Chile): Alfonso es un viejo campesino que regresa a la casa que abandonó en el valle del Cauca porque su hijo está enfermo. Al llegar, descubre su viejo hogar, donde la mujer que alguna vez fue su esposa aún vive, con su nuera y 7
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su nieto. El lugar que lo espera parece una tierra abandonada. Vastos campos de caña de azúcar rodean su casa provocando permanentes nubes de ceniza. 17 años después de haberlos abandonado, Alfonso intenta encontrar su lugar allí y así poder salvar a su familia. Estrenada mundialmente en la Semana de la Crítica en la última edición del Festival de Cannes, donde además de ser distinguida con el premio Cámara de Oro como mejor ópera prima, fue elegida como la película revelación por el jurado, y además recibió el galardón SACD y premio del público.
largometraje del realizador inglés cuenta la historia de Goob Taylor, un joven que debe ayudar a su madre en las cosechas de betarragas que rodean la pequeña localidad de Fenland, Inglaterra. Su madre comienza una relación con un mujeriego corredor de autos, Gene Womack, lo que desplaza y trastoca el mundo de Goob. Sin embargo, conoce a una exótica temporera, Eva, quien le devolverá al joven los sueños e ilusiones por algo mejor. Aunque mientras las temperaturas aumentan y los cultivos siguen creciendo, la tensión se incrementa cuando Womack también comienza a desear a Eva.
Paulina (La patota) (Santiago Mitre, Argentina-Francia-Brasil): Paulina es una joven abogada que regresa a su zona de origen para dedicarse a labores sociales, trabajando en un programa de defensa de los derechos humanos en zonas humildes de la periferia. Tras la segunda semana de trabajo, es atacada y violada por una patota de alumnos. Sin embargo, pese a las complejas decisiones que debe afrontar, decide mantenerse firme en sus convicciones y seguir con su labor de maestra. Remake del clásico del cine argentino del mismo nombre, que en 1961 dirigiera Daniel Tinayre con Mirtha Legrand como protagonista. Luego de su elogiada y premiada El estudiante, el segundo largometraje de Santiago Mitre es protagonizado por Dolores Fonzi (a quien vimos en El crítico, exhibida el año pasado en SANFIC) y fue estrenado mundialmente en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, donde recibió el Gran Premio y el Premio FIPRESCI.
The Wolfpack (Crystal Moselle, E.E.U.U): Los seis hermanos Angulos han pasado toda su vida encerrados y alejados de la sociedad en un departamento en la parte este baja de Manhattan. Apodados “The Wolfpack” (La manada de lobos), son todos muy inteligentes, educados en casa, y no tienen conexiones más allá de su familia y prácticamente nunca han dejado su casa. Todo lo que saben del mundo exterior es lo que han visto por películas que veían obsesivamente y recreaban meticulosamente usando elaborados trajes y artilugios caseros. Pero después que uno de ellos se escapa del hogar, la dinámica de poder en la casa cambia, y todos empiezan a soñar con aventurarse
The Goob (Guy Myhill, Inglaterra): Estrenado en el Festival de Cine de Venecia, el primer 8
a salir. Estrenado mundialmente en el Festival de Sundance 2015, donde recibió el Gran Premio del Jurado, el primer largometraje de Moselle es el retrato de una familia extraordinaria. Victoria (Sebastian Schipper, Alemania): Victoria es una chica española que se gana la vida trabajando en un café de Berlín. Una noche sale de fiesta a un sitio de música electrónica y cuando ya tiene unas copas encima decide irse a casa en su bicicleta. Pero a la entrada del lugar se encuentra con cuatro berlineses borrachos que la invitan a seguir la fiesta. Victoria, que parece no intimidarse ante nada, acepta la invitación y recorre la ciudad con los hombres en busca de más alcohol. La noche se termina y Victoria debe empezar a trabajar, es entonces cuando los jóvenes le explican que tienen otro plan en mente: asaltar un banco. Filmado en un solo plano secuencia y en tiempo real, el cuarto largometraje de Schipper –de quien en SANFIC 3 exhibimos su película Un amigo mío- tuvo su estreno mundial en el Festival de Berlín, donde fue ganador del Oso de Plata por su fotografía, y además ha competido en festivales como BAFICI; en la última edición de los Premios del Cine Alemán recibió seis galardones, incluyendo Mejor Película y Mejor Director.
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COMPETENCIA DE CINE CHILENO Chicago Boys (Carola Fuentes, Rafael Valdeavellano): En plena Guerra Fría la Universidad de Chicago becó a un grupo de estudiantes chilenos para ir a estudiar economía bajo las enseñanzas de Milton Friedman. 20 años después, en plena dictadura, cambiaron el destino de Chile y lo convirtieron en el bastión del neoliberalismo en el mundo. Este documental es el debut en cine de la destacada periodista Carola Fuentes y el realizador Rafael Valdeavellano, y narra la historia de los Chicago Boys contada por ellos mismos: ¿Qué estuvieron dispuestos a hacer con tal de lograr sus objetivos? ¿Cómo nació el modelo que hoy muchos cuestionan?
su río totalmente contaminado debido a la acción de empresas mineras, la tierra no se puede trabajar, los jóvenes emigran y sólo van quedando los ancianos. Así, para esta comunidad con una relación ancestral y cultural con la tierra, este escenario se presenta como su verdadero fin de mundo.
El nombre (Cristóbal Valderrama): En 2007 el director Cristóbal Valderrama participó en SANFIC 3 en la sección Foro Cine Chileno con su primer largometraje, Malta con huevo. El año pasado regresó a nuestro festival, participando en el Work in Progress Latinoamericano con su segunda película, El nombre, que ahora presenta en su versión definitiva. Realizada completamente con fotografías fijas, está protagonizada por Santiago, quien sale de El final del día (Peter McPhee): una cárcel rural y al no encontrar Luego de realizar diversos cortrabajo, participa en un robo que tometrajes –entre ellos El ropero no resulta y termina cometiendo del pueblo y Refugio del silencio, un crimen. Desesperado, huye y exhibidos en la Competencia se esconde en una gran ciudad Talento Nacional de SANFIC 7 y 8, respectivamente-, Peter McPhee usando un nombre falso escogido al azar, buscando una segunda estrena su primer largometraje, premiado en Primer Corte FIDOCS. oportunidad. Sin embargo, ese nombre es el de otra persona que Este documental nos sitúa en un también esconde algo oscuro. oasis en medio del desierto de Atacama, en el 21 de diciembre El Tila: Fragmentos de un pside 2012, cuando la gente del pueblo de Quillagua esperaba el cópata (Alejandro Torres Contreras): Basado en uno de los supuesto “fin del mundo” que los casos policiales más bullados de mayas predijeron para ese día. finales de los 90 y principios del En esta localidad, sin agua y con
2000, este primer largometraje de Alejandro Torres Contreras -quien participó en la Competencia Talento Nacional de SANFIC 6 con su cortometraje Los anteojosrepasa la infancia, adolescencia y adultez de Roberto Martínez Vásquez, más conocido como el Tila, quien fuera procesado por los crímenes de violación y asesinato. Mientras espera su condena en la cárcel de alta seguridad y vigilado por una cámara, redacta en su máquina de escribir su relato de vida. Una periodista obsesionada por su caso, revisa parte de estos escritos y los saca a la luz, tras el suicidio del Tila un día antes de recibir condena a cadena perpetua. En la gama de los grises (Claudio Marcone): Premiado este año en el Festival Internacional de Cine de Miami como Mejor Ópera Prima y exhibido en certámenes como Guadalajara, LGBT de Turín y San Diego, el primer largometraje de Claudio Marcone indaga en la vida de Bruno, un arquitecto de clase social acomodada que ha tenido una vida perfecta, pero que se está cuestionando su vida. Por lo mismo, decide abandonar a su mujer para estar solo y tener tiempo para reencantarse. Motivado por un desafío profesional, conoce a Fer, un joven historiador, enérgico y cautivantemente gay. Inesperadamente comienzan un romance intenso y apasionado, aunque lleno de contradicciones. Bruno deberá decidir su camino y lograr cruzar el puente que une su pasado con su futuro. La mujer de la esclavina (Alfonso Gazitúa): Alfonso Gazitúa participó el año pasado en nuestro Work in Progress Latinoamericano con esta película. Su tercer largometraje transcurre durante la fiesta de Cuasimodo y muestra 9
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a Carmen, una sencilla costurera que lleva una vida tranquila hasta que aparece la ex mujer de Juan, su actual pareja, quien la culpa por la muerte de su hijo fallecido hace tres años. Descontrolada, Carmen pierde el control y comete un acto irracional: la golpea con una piedra dejándola inconsciente. Mientras se desarrolla la celebración religiosa, la mujer tratará de mantener el orden, evadir la policía y sobre todo encontrará la oportunidad de desterrarse y redimirse de un doloroso y culposo pasado. Quilapayún, más allá de la canción (Jorge Leiva): El tercer documental del periodista y realizador Jorge Leiva -de quien en SANFIC 3 exhibimos Ángeles Negros- participó en el Work in
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Progress Latinoamericano de SANFIC 9. Esta película se remonta al Chile de los 60, cuando las canciones de Quilapayún fueron la banda sonora de la revolución y con el puño en alto miles cantaron con ellos. Pero el mundo cambió y ellos también. Los sueños caídos, el exilio, la muerte y la decepción no fueron suficientes para callar su canto. Hoy son 11 músicos que viven en Chile y Francia. Y como quienes los escuchan, creen que la revolución cambió. Pero que no ha terminado. Un estreno que coincide con el aniversario 50 de una de las bandas más legendarias y representativas de la Nueva Canción Chilena, aún vigente en la actualidad. Surire (Bettina Perut, Ivan Osnovikoff): El más reciente largo-
metraje de Perut y Osnovikoff -de quienes en SANFIC 2 exhibimos Welcome to New York, y además estuvieron en SANFIC 7 en esta misma competencia con La muerte de Pinochet- nos traslada al Salar de Surire, ubicado en el altiplano chileno a 4.300 metros sobre el nivel del mar, en la frontera con Bolivia. En sus alrededores vive un puñado de ancianos, los últimos sobrevivientes de la cultura aymara en el área. Como telón de fondo, la maquinaria de una faena minera deambula por el paisaje, entremezclada con flamencos, vicuñas y llamas. Una película que desde la observación y el lenguaje visual, retrata este espacio único en el que conviven la belleza natural, el absurdo humano, y el ocaso cultural.
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Entrevista a directores de larjometrajes internacionales Kattia González /Actriz y productora VIAJE (Costa Rica), de Paz Fábrega
es lo que le da frescura a la película y nos hace percibir la historia como algo más real o cercano a nuestra vida.
-¿Cómo fue la experiencia de trabajar con la directora Paz Fábrega? La experiencia fue increíble. Tenía muchas ganas de trabajar con Paz desde hace tiempo, y cuando me planteó participar en este proyecto me sumé de inmediato, aún sin saber de qué trataba. Como quisimos trabajar con amigos y mantener un equipo pequeño, casi todos asumimos más de un rol. Tanto desde la actuación como desde la producción, se mantuvo siempre una relación de confianza y de intercambio de ideas. Fue una experiencia muy colaborativa.
VIAJE se exhibirá este martes 25 a las 18:15 en Hoyts La Reina, y el domingo 30 a las 17:00 en Hoyts Plaza Egaña.
-El “tagline” de la película es “quien no ha improvisado un poco en la vida no ha vivido”. ¿En qué parte de la película sientes que este tagline se hace más real? Para mí la sensación de improvisación -o de tomar decisiones sin darle mucha vuelta en la cabeza- es algo constante en la película; sin embargo, es más palpable en la primera mitad. -¿Qué tan cercano fue el acercamiento a la película? ¿Qué tanto hay de ti en el personaje de Luciana? Durante todo el proceso, Paz, Fernando y yo, tomamos como punto de partida experiencias personales (y/o de amigos cercanos) para moldear a los personajes y definir cómo iban a reaccionar en distintas situaciones. Así que, aunque Luciana no es una representación de mí misma, sin duda tenemos cosas en común. -Intentar capturar las relaciones modernas y mostrar una historia de amor más real era la intención de esta película. ¿Cómo crees que se cumple ese cometido? Me parece que para Paz era más importante retratar un encuentro entre dos personas que se gustan mucho y no tanto contar una historia de amor. Quizás este enfoque, más íntimo y menos romántico,
Fernando Molnar / Director SHOWROOM (Argentina) -¿Cómo fue dar el paso de dirigir tu primer largometraje de ficción luego de haber dirigido sólo documentales? Ambos “cines” son fascinantes y no tan distintos en muchos aspectos. La “Gimnasia Documental” me sirvió muchísimo a la hora de dirigir mi primera ficción. El trabajo con los actores me resultó muy gratificante, estoy acostumbrado a dirigir personas reales y a observar sus comportamientos. Desde ya, tuve el apoyo de los técnicos y el elenco, quienes tenían muchas más películas de ficción que yo como director. Nunca voy a dejar de dirigir documentales, o sea sumergirme en otros mundos reales. -¿En qué te inspiraste para tu historia y el protagonista de tu película? Me inspiré en hechos familiares muy cercanos y en la observación del universo de la venta de departamentos: Los compradores, vendedores, la ilusión de una vida mejor, los minúsculos departamentos con “Amenities”, etc. A fines de la década del 90 parte de mi familia, de clase media, se tuvo que mudar fuera de Capital Federal por razones económicas. De ser bichos de ciudad, reconocidos socialmente, pasaron a mudarse a provincias más lejanas y a vivir de forma más austera. Algunos de ellos hacían planes absurdos para recuperar su “estatus” y volver a Capital. -¿Qué aspectos de la sociedad argentina contemporánea podemos ver presentes en el filme? Veo varios aspectos de la sociedad argentina, pero también creo que el mensaje y el contenido del film 11
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es bastante universal. Aclarado esto, creo que se ve el lado más “cosmético” de los argentinos encarnado en Diego Peretti. El film habla de lo que significa la calidad de vida para muchos de nosotros. SHOWROOM refleja en Diego y su entorno social, la peor representación de los argentinos. Ventajeros, cancheros, superficiales. Pero insisto en que no me gusta generalizar y no creo que todos seamos así. -¿Cómo fue trabajar con Diego Peretti, uno de los actores más reconocidos del cine argentino? Trabajar con Diego fue un placer. Encontré en él una persona apasionada por el cine y por contar historias. Fue muy generoso conmigo aportando ideas y reflexiones acerca del guión y desde ya, componiendo el personaje del film. Nos respetamos, y eso fue muy importante para que el trabajo fuera serio y colectivo. -En tu película pones a Diego como víctima del sistema capitalista, ¿en qué posición estarían los cineastas en este sistema? Mi pregunta es: ¿Quién está afuera de este sistema? Víctimas o no, depende un poco de la situación personal y de cómo uno se tome la vida. Desde ya, los cineastas estamos dentro de este sistema. Más o menos que otros, pero lo estamos. De lo “Capital” a los cineastas nos gusta el reconocimiento, la exposición, los premios, que nuestras películas se vendan, vivir dignamente, poder viajar, comer bien, ir al cine. (No me incluyo en todas) SHOWROOM se exhibirá el martes 25 a las 19:45, y el sábado 29 a las 18:00 horas, en ambas ocasiones en Hoyts Parque Arauco.
Natalia Bruschtein / Directora TIEMPO SUSPENDIDO (MéxicoArgentina) -Este es tu primer largometraje. ¿Por qué elegiste contar una historia tan íntima? El primer documental que hice es un cortometraje con el que me recibí del Centro de Capacitación Cinematográfica, Encontrando a Víctor, es sobre mi papá y el tratar de entender las decisiones que tomaron durante la dictadura en Argentina y el exilio. Cuando estaba haciendo esa película quería hacer un documental de mi abuela por el trabajo que ella había realizado durante su vida. Ese documental nunca lo hice, pero pasaron los años y mi abuela 12
empezó con la senilidad y me pareció interesante hablar de la fragmentación de la memoria, de lo que uno recuerda y lo que olvida y de la paradoja de la vida, de una mujer que luchó por la memoria (social) y al final la perdió (la memoria personal). -Muchas son las historias de torturados y desaparecidos en dictaduras militares, tanto en Argentina como en otros países de Latinoamérica. ¿Cómo fue trabajar con un relato propio de tu familia, en la voz de tu abuela que, sin embargo, es una dolorosa historia que se torna universal? Yo no quise hablar de los derechos humanos, de los desaparecidos en Argentina o las Madres de Plaza de Mayo, porque existen muy buenos documentales sobre esos temas; acá quise hablar de mi abuela por lo que hizo, por lo que vivió y por lo que pasó al final de su vida. Mi mamá y yo nos exiliamos de Argentina cuando yo tenía un año, toda mi vida ella me contó todo lo que pasaba en Argentina, por lo que luchaban y lo que había pasado con nuestra familia y todos los desaparecidos, presos y asesinados políticos. Crecí rodeada de la historia argentina durante la dictadura militar, mi infancia fue rodeada de argentinos con historias similares, así que era una historia de la que necesitaba hablar. Fue fuerte, pero sobre todo por estar con mi abuela que ya no era capaz de reconocer a ninguno de la familia, ella y yo siempre tuvimos una relación muy cercana y esa era la parte más triste, sobre todo al inicio, después la pude ver desde otro lado y poder pasar tanto tiempo junto a ella me dio la oportunidad de comunicarme de otra manera, porque lo que ella sí tenía al final era una memoria afectiva y eso es muy hermoso. -¿A qué se refiere el “tiempo suspendido” del título? Para mí este documental tiene la importancia de la memoria, y sobre todo de la memoria social, el ser humano se olvida muy rápido de los crímenes que ocurren, del poder que unos toman y abusan, matando, torturando y desapareciendo, sociedades desiguales, donde unos pocos tienen mucho y la mayoría tienen poco o nada. Mi abuela luchó por esa memoria y ella tuvo derecho a olvidar para poder descansar, pero dejó una familia con toda la memoria para seguir recordando y seguir luchando, y no sólo una familia, también marcó a la sociedad argentina y estoy segura que en muchos otros países por donde pasó. El título es por un texto al inicio
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de la película, ella habla de esa última imagen, foto, que queda el tiempo desaparecido, suspendido y yo siento que ella, ya con la demencia senil, vivía en un tiempo suspendido, sin saber dónde estaba o en qué año o cuántos años tenía. -Este es una película que habla de la intimidad de tu familia. ¿De qué forma crees que este discurso tan personal se torna universal? ¿Y cómo fue este proceso para ti? Quise tratar de hacerlo lo más universal posible. Intento manejar varios planos, uno es el de una mujer a la que le desaparecen tres hijos y al padre de sus hijos y los que sobreviven tienen que exiliarse, eso es un tema que se ha repetido en muchísimos países a lo largo de la historia, incluso en México pasa en la actualidad y sé que es algo con los que muchos se identifican; lo que quiero mostrar es que cualquiera puede luchar por lo que cree justo y expresar lo que piensa, que no hay que detenerse. El otro plano es el de la demencia senil o el Alzheimer, y eso es algo que tristemente, creo que como a la mitad de la población mayor le da, me gusta pensar que es una forma de mostrar que se puede hablar con ellos de otra manera; es muy fuerte para los familiares porque duele ver a un ser querido con el que uno ya no se puede comunicar, pero yo creo que siempre hay otra forma. Durante el proceso del montaje de la película era complicado porque muchas veces nos encaminábamos hacia los desaparecidos y hacia la biografía de Laura, que es maravilloso ver todo el trabajo que hizo: no sólo fue una madre de Plaza de Mayo, ella era psicóloga y trabajó en un hospital para la salud mental en Argentina (antes de la dictadura) durante
10 años, donde trabajaba con personas que no tenían apoyo económico o la posibilidad de ir al hospital, entonces ella iba a las zonas más pobres para darles atención social, de salud pública y mental. También trabajó en Centroamérica en campamentos de refugiados, trabajó en Amnistía Internacional, fue una de las impulsoras para que se declare delito de lesa humanidad la desaparición forzada de personas, también luchó por el derecho que tiene la mujer a decidir sobre su propio cuerpo por el derecho al aborto… en fin, son innumerables las cosas que hizo, pero no era el tema de la película, así que volvíamos al planteamiento original, la paradoja de la memoria. Y creo que lo logramos. -Dentro de este SANFIC 11, en la Competencia Internacional está ALLENDE MI ABUELO ALLENDE, donde Marcía Tambutti también realiza a través del documental, un ejercicio de memoria. ¿Cuál crees que es la mayor valor de este género, tanto para la memoria como para la desmemoria? No he tenido oportunidad de ver aún la película de Marcia Tambutti, pero creo que el documental es una herramienta que nos da para ambos casos, para la memoria; porque registra y cuenta hechos que ocurrieron o que pasan en la actualidad o que van a repercutir para el futuro, y para la desmemoria porque nos hace recordar y que no se nos olvide. TIEMPO SUSPENDIDO se exhibirá el martes 25 a las 20:00 en Hoyts Parque Arauco, y el viernes 28 a las 18:30 horas en Hoyts Plaza Egaña.
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Martes 25 de agosto de 2015
Cuestionario a directores de Competencia Cortometraje Talento Nacional En cada edición iremos conociendo las opiniones y gustos cinéfilos de los realizadores de los 13 cortometrajes chilenos que están participando en esta versión de SANFIC, y que se exhibirán divididos en dos bloques, el jueves 27 en Hoyts La Reina.
Camila Luna / Directora de SANDRINO -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? Me llamaba la atención cómo la gente se enternecía al ver niños predicadores, mientras que a mí me generaba rechazo. Esto, como punto de partida, pensé en trabajarlo para mi título, pero terminé haciendo otro. Y aunque me costó entusiasmarme y retomar la idea, fue gracias al impulso de Carlos Leiva, que terminamos escribiendo el guión. Luego lo postulamos a los fondos con el apoyo de Avispa Cine y ganamos su producción. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Principalmente mostrar la culpa cristiana en un niño, en la relación con su padre, un hombre convencido de estar haciendo lo correcto con su hijo. Puntualmente, viene a ser una crítica al adoctrinamiento infantil religioso, pero puede ser aplicado a otras diversas manifestaciones de formación rígida y condicionante en niños. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época La profesora de piano - 4 meses, 3 semanas y 2 días - Solo contra todos - Una mujer bajo la influencia - Fuerza Mayor -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época Stanley Kubrick - Michael Haneke - Gaspar Noé Hermanos Dardenne - John Cassavetes
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Diego Rojas Sastre / Director de TEMPORAL -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? El corto se hizo en el Chacal Lab Valparaiso 2014, y surge de la experimentación con temáticas y personajes que tienen relación con un largometraje en el que estoy trabajando. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? La vida en la marginalidad y el amor incondicional. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época Contra la pared - Funny Games - Amour - Requiem por un sueño - La frontera - Casino - Post mortem El secreto de sus ojos - American History X -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época Michael Haneke - Darren Aronofsky - Fatih Akin Martin Scorsese - Pablo Larraín
Ricardo Valenzuela Pinilla / Director de CAZADOR -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? Escuchando las noticias de una radio comunitaria chilota, surgió un llamado de un campesino alertando sobre la inexplicable pérdida de su ganado, lo que provocó una serie de llamados de vecinos anunciando situaciones similares, y así se empezaron a generar teorías, muchas veces fantasiosas, de lo que supuestamente estaba aconteciendo.
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-¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? A través de un simple conflicto, retratar la vida del sur profundo, solitario, frío y pragmático. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época París, Texas - El discreto encanto de la burguesía – El hombre sin pasado - Historias mínimas - PunchDrunk Love - I saw the devil - Volver -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época Aki Kaurismäki - Akira Kurosawa - Carlos Sorin Paul Thomas Anderson - Pedro Almodóvar
SANFIC INDUSTRIA Durante los últimos años nuestro festival ha desarrollado de manera exitosa el espacio de SANFIC INDUSTRIA, el cual está dirigido a profesionales y nuevas generaciones del medio audiovisual chileno y latinoamericano. Gracias al apoyo y trabajo colaborativo con importantes instituciones culturales a nivel nacional e internacional, nuestro espacio de industria sigue creciendo y generando distintas acciones que permiten apoyar el desarrollo de la cinematografía chilena y latinoamericana en todas sus etapas. Para esta cuarta edición de SANFIC INDUSTRIA contaremos con cuatro importantes instancias, tales como:
WORK IN PROGRESS LATINOAMERICANO Espacio donde compiten ocho películas latinoamericanas en estado de primer corte, las cuales recibirán diferentes apoyos entre asesorías y premios, que les permitirán finalizar su película. El espacio cuenta con la alianza y apoyo de Primer Corte - Ventana Sur, Sundance y Válvula Films.
importantes premios que ayudarán a fortalecer y desarrollar sus proyectos. El espacio cuenta con la alianza y apoyo de DIRAC (Ministerio de Relaciones Exteriores), Tribeca Film Institute (NYC), Ministerio de Cultura de Colombia, DocsDF (México), Festival de Cine en Guadalajara (México), LatAm Cinema, Buenos Aires DocLab, entre otros.
SANTIAGO LAB
SANFIC NET
Instancia donde participan 30 proyectos (ficción y documental) en estado de desarrollo, los cuales recibirán asesoría artística, técnica y comercial por expertos internacionales; además, compiten por
Mercado audiovisual chileno (mesas de negocios) que tiene como objetivo ampliar las capacidades de negociación de los profesionales participantes (60 participantes). Es un proyecto financiado por el 15
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Fondo de Fomento Audiovisual, “Programa de Apoyo para la realización de Encuentros Internacionales 2014-2015”. PREMIO FILM COMMISSION CHILE Film Commission Chile y SANFIC premiarán por primera vez a aquellas obras que logren captar y transmitir de manera creativa y diferenciadora, las distintas locaciones de nuestro país, promoviendo a Chile como un lugar privilegiado para filmar en el mundo. Nuestro espacio de Industria se consolida como uno de los más importantes de la región, gracias a las alianzas con destacadas instituciones nacionales e internacionales.
Inauguración SANFIC Familias Este lunes 24 se realizó la primera actividad oficial de nuestro festival, SANFIC Familias, que exhibe películas internacionales para todo público. Este año y por primera vez en su historia, SANFIC FAMILIAS se desarrollará en dos etapas. Desde este martes 25 y hasta el viernes 28, las 7 cintas de la programación se exhibirán a 15 mil alumnos de establecimientos municipales y subvencionados en las comunas de La Granja, La Reina, Lo Barnechea, Puente Alto y Quilicura, en funciones cerradas especialmente para ellos. Posteriormente, el sábado 29 y domingo 30, 4 de estos estrenos serán exhibidos de manera gratuita en las salas de Cine Hoyts de las comunas de Puente Alto, Quilicura, Los Trapenses, Parque Arauco, La Reina, Plaza Egaña y en el Centro Cultural Espacio Matta, de La Granja. ¡Una actividad imperdible!
Niños disfrutando de Las aventuras de Tadeo Jones 16
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Carlos Núñez, Fundador y Director Artístico SANFIC
Alessandra Guerzoni, Actriz y anfitriona SANFIC Familias
Niños inauguración SANFIC Familias
Raúl Donckaster, Alcalde de La Reina y Jacqueline Plass, Presidenta del Directorio SANFIC
Inauguración SANFIC Familias 17