Sﾃ。ADO 29 AGOSTO 2015
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SANFIC INDUSTRIA Se consolida
Entrevistas: Houston King y Andrew Bujalski Ademﾃ｡s, directores chilenos e internacionales
Presidenta Directorio SANFIC María Catalina Saieh
CONTENIDOS / 29 DE AGOSTO
Directora Ejecutiva SANFIC / CorpArtes Jacqueline Plass Fundadores SANFIC Carlos Núñez Gabriela Sandoval
4 HOUSTON KING
Co-Fundadores SANFIC Fundación CorpArtes María Soledad Saieh Jorge Tacla
5 ENTREVISTA
Director Artístico Carlos Núñez Directora de Producción Artística Gabriela Sandoval Directora de Producción Ejecutiva Viviana Bendeck Productor de Contenidos Sebastián Vivero Editor Diario Digital Joel Poblete Diseño y Diagramación Alejandra Herrera Periodistas y Redactores Matías Herane Joel Poblete Camilo Tapia Sebastián Vivero
El productor detrás de Andrew Bujalski
Andrew Bujalski
7 ENTREVISTA
Visiones del Mundo: Documentales / Tomás Lipgot
9 ENTREVISTA
Director de Competenca Internacional
10 ENTREVISTA
Competenca de Cine Chileno
15 ENTREVISTA
Conociendo a los directores de la Competencia Cortometraje Talento Nacional
18 SANFIC INDUSTRIA SE CONSOLIDA 19 SOCIALES
Sábado 29 de agosto de 2015
HOUSTON KING
El productor detrás de Andrew Bujalski Desde nuestras primeras ediciones, SANFIC ha tenido la suerte de exhibir todos los largometrajes del elogiado realizador, uno de los íconos del cine independiente estadounidense. En esta versión estrenamos en Chile su más reciente film, Results, y para presentarlo contamos con la visita de su productor, quien además integra nuestro jurado de la Competencia de Cine Chileno y nos respondió algunas preguntas. -¿Cuál es la labor de un distribuidor y productor dentro de un circuito de cine independiente que compite a la par con un mercado de producciones multimillonarias? Bueno, sobre mi trabajo con Andrew Bujalski, él apunta a hacer películas muy únicas que cree son las más apropiadas para él crear. Por eso con Results, tratamos de mantener su estilo único dentro de todo el paquete de comedia romántica familiar, pero con actores conocidos. Aun así, Andrew sigue pensando que su película es bastante rara, y está muy feliz con ella. -¿Cómo evalúas el paso de tus películas en importantes y reconocidos festivales de cine independiente como Sundance o Tribeca? Los festivales proveen una excelente plataforma de lanzamiento para ventas y publicidad para “el circuito independiente de cine”, como lo llamas tú. He escuchado que tienen buenas fiestas también. -¿En qué elementos te fijas al momento de involucrarte en un proyecto cinematográfico? ¡Signos de dólar! No... ¡sólo bromeaba! pero definitivamente debo ver un camino para que se pueda financiar, ¿o si no cuál es el punto? Y hacerlo con gente que me agrade y que tenga la justa pizca de locura. 4
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-Varias de las películas que has producido han tenido un exitoso paso por SANFIC, como Funny Ha Ha o Computer Chess, de Bujalski. ¿Cuáles son tus expectativas respecto a Results y su paso por nuestro festival? Estoy sinceramente honrado de la larga relación con SANFIC, y tanto Andrew como yo estamos emocionados por ver cómo le irá a nuestra última película. Tu festival ha estado pasando sus películas por casi ya 10 años. -En los últimos años varios directores chilenos han logrado posicionar sus películas en mercados y festivales internacionales, como por ejemplo Pablo Larraín o Sebastián Silva. ¿Cuál es la impresión que tienes de la industria cinematográfica chilena? No puedo esperar para aprender más sobre el cine chileno mientras esté en Santiago. Es una de las muchas razones por las que estoy contento de viajar acá. Aun así amé NO, aparte que utilizó una técnica cinematográfica similar a la que utilizamos con Computer Chess. Y Crystal Fairy y el cactus mágico también se estrenó con nosotros en Sundance.
obvias de financiamiento, hay como una especie de desafío artístico en ello, como preparar el guión de forma muy diferente que cuando escribo para otros actores. Por supuesto dos actores, sea cuanto sea la experiencia que tengan, serán similares, pero hay algunas cualidades generales de control que actores profesionales utilizan, que yo creía sería divertido usar. No es coincidencia, estoy seguro que me encontré escribiendo acerca de entrenadores profesionales, quienes necesitan presentarse al mundo con el mismo rigor que los actores.
-Durante sus carreras directores tienden a cambiar su estilo por diferentes razones, ya sea para honrar a directores que admiren o solamente como una forma de demostrar cuánto han crecido como directores. Results se ve y se siente diferente a tus previas películas, ¿por qué es eso? Parte de esto viene de escribir con profesionales en mente, pero también supongo que estaba en un humor “simpaticón”. En mi mente todo lo que he hecho ha sido comedia -la vida pareciese ser una (trágica) comedia para mí-, pero fue gran placer en esta ocasión acercarme un poco más al lado
Andrew Bujalski / Director RESULTS -Tus películas, habitualmente enmarcadas en el movimiento Mumblecore, generalmente están protagonizadas por actores amateurs o al menos no tan experimentados. Results, en cambio, incluye en su elenco a reconocidos actores como Guy Pearce, Cobie Smulders y Giovanni Ribisi. ¿Por qué tomaste esta decisión? Siempre había soñado en algún punto trabajar con actores profesionales. Aparte de las razones 5
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del “entretenimiento” del cine, que es un poco más mi zona segura. -El crecimiento, la soledad y la búsqueda de identidad son temas habituales en muchas de tus películas y que a primera vista no se ven presentes en Results, pero claramente están ahí. ¿Cómo describirías la búsqueda de identidad y el vacío que estos personajes tienen? ¿Cuál es el tema principal de la película? Es gracioso, normalmente me preguntan por qué me atrae tanto escribir sobre personas confundidas e inseguras. Y siempre pienso, ¡ese es el único tipo de personas que conozco! ¿Dónde está toda esa gente hiperarticulada, hiperconcentrada, esas personas que
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al parecer ignoro? Todos tenemos que hacer compromisos en nuestras vidas y trabajar duro por lo que creemos, pero la persona que nunca ha tenido un momento de dudas en privado es, yo creo, una persona loca. Y dios sabe que la gente loca puede ser bastante interesante, pero me divierto más escribiendo sobre gente divertida que pueda relacionarse con otras. -SANFIC ha mostrado todas tus películas durante sus once años de vida. Este año tendremos a Houston King invitado, productor de gran parte de tu filmografía, por no decir toda. ¿Qué te parece que tus películas sean mostradas en países tan lejanos, especialmente las primeras
que eran muy independientes y tuvieron una difusión muy limitada al comienzo? No hay mayor satisfacción como director que saber que tú trabajo ha llegado mucho más allá de tu propia pequeña comunidad. Si la gente de Chile disfruta de ellas y les encuentra algún significado, ¡estoy por sobre la luna de alegría! Obviamente estoy terriblemente triste de no poder asistir a SANFIC yo mismo (con dos pequeños en casa ahora, es difícil salir mucho), pero me emociona que Houston me esté representando. Por mi parte, tendré que seguir haciendo películas para que me sigan invitando. ¡Un día aceptaré, lo prometo!
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Visiones del Mundo: Documental Tomás Lipgot / Director VERGÜENZA Y RESPETO
-Tus documentales, Moacir, El árbol de la muralla y Vergüenza y respeto, hablan de personas e historias únicas, que sólo ellos mismos pueden contar desde su propia ex-
periencia. ¿Cuál es la importancia de estos protagonistas en el cine que has desarrollado? La importancia es central, ya que en todos mis documentales los personajes han sido los disparadores de querer hacer algo con ellos. Son personajes que por varias cuestiones me conmueven, me interpelan y me motivan a querer hacer algo con sus historias. Con todos ellos, como creo que se nota en mis películas, hay una mirada de amor y admiración. -Una de las impresiones que tienen los espectadores después de ver tus películas es la sensación de no haber visto un documental, sino un relato muy cercano. ¿Cómo logras obtener este nivel de confianza con tus protagonistas? Muchas veces me dicen eso de que no parecen documentales mis películas, lo tomo como un halago que me agrada. Soy documentalista y no reniego en absoluto de ello, pero creo que esos comentarios intentan decir que hay algo más allá de querer mostrar una realidad. Siempre me interesó cuidar los aspectos formales e intentar hacer confusos los bordes de lo que es realidad y lo que no. Ganarme la confianza de 7
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mis personajes es un paso fundamental en mi trabajo, es el primero y a veces el más arduo… en esa etapa intento demostrarles que mi mirada es seria y respetuosa… es delicado que alguien ingrese a tu intimidad con intenciones de amplificarla y hacerla pública... -Vergüenza y respeto narra la historia de cinco generaciones de gitanos radicados en el conurbano de Buenos Aires, una realidad poco conocida en profundidad para la mayoría de los espectadores del filme. ¿Crees que en este caso el extranjero es el espectador? Tal cual. Es el espectador el extranjero en este mundo. Incluso el conflicto de la película no está dentro del relato, sino que está afuera, en lo que le sucede al espectador al ver ese mundo tan lejano y cercano a la vez. -En relación a la pregunta anterior… ¿Consideras que tu película aporta a romper con el prejuicio y los estereotipos negativo de lo gitano? Espero que sí, es uno de los motivos que me impulsaron a hacer esta película, el profundo desconocimiento y la fuerte difamación que soporta el pueblo gitano. Sin embargo, soy un poco escéptico acerca del alcance que puede
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tener una película en relación a tener poder para modificar conciencias o ideas fijamente establecidas. -Tu trabajo apunta al rescate de historias y personajes que podrían pasar al olvido. En Moacir se retrata la historia de un artista que pasó gran parte de su vida en hospitales psiquiátricos, en El árbol de la muralla se acompaña a un sobreviviente del holocausto y en Vergüenza y respeto, buscas preservar las tradiciones de un pueblo que la posmodernidad tiende a olvidar. ¿De qué manera crees que tu trabajo cinematográfico aporta al ejercicio de la memoria? La memoria es un acto de resistencia. La modernidad, posmodernidad o como se llame, arrasa con todo. La memoria es una construcción casi inútil e improductiva, pero sumamente necesaria. Espero que mis películas aporten a esta modesta construcción. -Dos de tus documentales tienen a la música como parte central de las historias. ¿Cuál es la importancia de ésta en tu cinematografía? Fundamental, en mi vida personal no podría vivir sin música (quizá sí sin cine...), incluso soy
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músico frustrado, quizá por eso haya tanta música en mis películas. -Moacir ya fue parte de SANFIC y nos visitaste para presentarla, ahora es el turno de tu última película. ¿Cuál es tu impresión de nuestro festival? ¿De qué manera aporta a la industria cinematográfica latinoamericana? Es un festival al cual quiero mucho y me alegra
poder seguir participando. Los festivales son imprescindibles para películas como las mías, alejadas del mainstream, para poder encontrar un lugar de exhibición, como el SANFIC. Y también espacios ideales para buscar socios para las producciones. En este sentido, aprovecho para decir que estoy desarrollando un documental sobre astronomía que me gustaría coproducirlo con Chile, que tiene emplazados varios de los mejores observatorios astronómicos del mundo.
Director de Competencia Internacional Jayro Bustamante / Director IXCANUL
-Este es tu primer largometraje como director, y desde su exitoso estreno mundial en el el 65° Festival de Berlín, ha tenido un premiado paso por certámenes internacionales. ¿Cómo recibes estos reconocimientos? Cada premio tiene su significado y los recibo con mucha alegría, en nombre mío y de toda la gente involucrada en la película.
-Ixcanul es la primera película guatemalteca en ser parte de la selección del festival de Berlín en 65 años. ¿Cuál crees que es su aporte a la industria cinematográfica guatemalteca? Yo creo que nuestro aporte al cine guatemalteco es abrir puertas que antes estaban cerradas, dejar un precedente y seguir trabajando para que la industria del cine en Guatemala crezca. -Ixcanul cuenta con actores pertenecientes a la comunidad indígena maya Cakchiquel, quienes no han desarrollado estudios profesionales de actuación. Algunos de ellos los descubriste en comunidades y ferias locales. Sin embargo, sus actuaciones han sido elogiadas en diversos festivales alrededor del globo. ¿Cómo fue el proceso de trabajar y pulir a estos actores? Todo esto fue un proceso de aprendizaje. Ellos me enseñaron a dirigirlos y en el camino fuimos aprendiendo a desarrollar la película de una manera muy realista, esta unión que tuvimos antes y durante el rodaje nos ayudó mucho para que Ixcanul tuviera este resultado. -Además, Ixcanul está completamente hablada en Cakchiquel, la lengua de este pueblo indígena. ¿Cuál es el sentido de filmar en este idioma? Yo quería hacer una película donde se mostrara la riqueza del idioma Cakchiquel, además tuve la suerte de vivir mi niñez rodeado de tanta cultura maya en el lago de Atitlán, lo que me facilitó las cosas. 9
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-Tu película retrata la tormentosa vida de María, una joven que no tan sólo está obligada a casarse con alguien que no eligió, sino que también vive un embarazo de un hombre que la abandona. ¿Crees que hablar de María es también hablar de mujeres indígenas que habitan esta violencia diariamente? Claro que sí y no sólo de mujeres indígenas, sucede en todas partes. La historia de María refleja la vida de muchas mujeres alrededor del mundo.
-Y en relación a la pregunta anterior… ¿Qué elementos de las problemáticas indígenas se tornan universales en un contexto indígena latinoamericano? La discriminación, el maltrato verbal y físico, y la violencia, entre otros son parte de los problemas que viven los pueblos indígenas, y no sólo en Latinoamérica, sino alrededor del mundo entero.
Competencia de Cine Chileno Cristóbal Valderrama / Director EL NOMBRE
-Tu película está completamente hecha por fotografías. ¿Cómo fue el proceso de desarrollar la historia a través de esta técnica? Extremadamente técnico. Fue muy liberador trabajar sólo enfocado en que las imágenes cuenten la historia, el gesto. Trabajamos sin sonidista 10
en el set y con dos cámaras, y pudimos resolver todo en nueve jornadas. La postproducción fue una odisea. Tomamos 27 mil fotos y en la película final hay 2 mil. El solo proceso de selección fue abrumador, como hacer un castillo de arena granito por granito. El montaje y el diseño de sonido son las estrellas de este proyecto. Fue un bello laberinto construir un universo sonoro desde cero. -Ciertamente este no es el estilo más convencional en que se realizan las películas estrenadas, y menos en Chile. ¿Por qué tomaste la decisión de hacer la película con fotografías? La verdad es que estoy cansado de ver que las películas cada vez se parecen más unas a otras. Hay una uniformidad en cuanto a formatos e incluso historias. Las películas de cine arte tienen elementos que se van volviendo recurrentes, y las más comerciales derechamente se han vuelto una fórmula. Hay muchas excepciones, por supuesto, pero en general la diversidad ha disminuido. Hago películas que son las que a mí me gustaría ver y que no logro encontrar. Películas que se arriesguen, hagan preguntas sobre la condición humana y al mismo tiempo sobre la manera de contar las historias. De niño crecí leyendo comics, y es muy ilustrativo el ingenio que se tiene en el comic para apelar a la imaginación del lector para completar la acción que se supone pasa entre un dibujo y otro. Siempre me pregunté qué pasaría con una película de imágenes fijas, y he encontrado que se han hecho
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muy, muy pocas. Esta fue mi manera de decir que podemos hacer cine de miles de formas posibles. -Tu película es parte de la Competencia de Cine Chileno, en la cual participan ficciones y documentales dentro de la misma categoría. ¿Cómo evalúas esta conjunción de formatos? Me parece lo más natural y sincero. Estamos demasiado acostumbrados a las etiquetas, que nos guíen y nos hagan la vida más fácil. El cine es cine, y las barreras entre animación y actuación real, o documental y ficción, o incluso entre corto y largo, se vuelven discutibles. Siempre hay una película que pone en jaque cualquier etiqueta. Liberémonos de prejuicios, tengamos experiencias cinematográficas. En mi opinión, todo es ficción, al final. Entendiendo ficción por manipulación. Yo iría más lejos: eliminaría las competencias, que el público se haga su propia opinión. -Esta es tu segunda película trabajando con el actor Nicolás Saavedra. ¿Cómo ha sido rodar con este reconocido intérprete? Nicolás es un actor extraordinario, apasionado
y brillante. Su entusiasmo es contagioso, y su curiosidad no se detiene nunca. Está interesado en todos los aspectos de la realización del cine. Debería ser director, le digo yo. Tras Malta con huevo nos hicimos amigos y luego socios, empezamos a imaginar historias a nuestro gusto. Juntos escribimos esta historia, la produjimos y la completamos. Es una las personas más generosas que conozco, y siempre de espíritu positivo. Ha sido clave para llegar hasta aquí. Los actores en general son personas abiertas y entusiastas. Aliados entusiastas. Quieren actuar, les encanta. Es algo admirable. El hecho de trabajar con personas con trayectoria ayuda mucho a que se mantengan ejercitados y necesiten muy pocas instrucciones, realmente. En general es liberador sentirse en confianza como director, decir lo que necesitas conseguir y dejar que propongan. Es un lujo ver cómo entregan soluciones. Hay quienes piensan que al ser reconocidos son inaccesibles, y lo cierto es que es todo lo contrario. Ansían proyectos interesantes donde demostrar su talento. Personas que se especializan en darle vida a un personaje que tú inventaste… ¡Qué maravilla! Después puedes dejar de verlos, pero yo al menos no puedo más que quererlos como a un amigo de infancia. 11
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-Estás compitiendo en la undécima versión de SANFIC, y fuiste parte de SANFIC 3 como parte del Foro de Cine Chileno. ¿Cómo ha sido tu experiencia con el festival? ¿Crees que SANFIC es una plataforma para la industria del cine chileno? SANFIC es un espacio magnífico, me encanta. Ahí hicimos la primera exhibición de Malta con huevo en Chile, y han recibido con mucho entusiasmo El nombre. Una de las cosas que más me llama la atención es la llegada al público que tiene. Convoca a gente muy diversa y con gran curiosidad por ver cine especial, diferente, y es una gran plataforma para quienes participan. El solo hecho de que una ciudad metropolitana pero aislada como esta tenga un festival de esta envergadura que se instala en salas de cine de gran convocatoria y espíritu masivo, da un empujón fundamental a la formación de audiencias, un elemento clave para la supervivencia de esta forma artística. Películas bellísimas de todos los rincones del mundo pueden verse
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en las mejores salas de la ciudad, así que SANFIC es un puente clave para que el cine que no viene de Hollywood pueda encontrar un público. Lo esencial en el cine no es de orden comercial, sino de encontrar un público. Conectar con su audiencia. El elemento comercial es clave, pero secundario, y hoy por hoy se ha vuelto casi el único criterio válido. SANFIC colabora en hacer que el cine siga siendo un arte vivo, conectado con el público. Y el cine chileno no puede más que estar en deuda con este espacio que año a año crece y se consolida. Es un honor.
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FUNCIÓN ESPECIAL / GALAS Guille Söhrens / Director EL ÚLTIMO LONCO
-Tu primera participación en SANFIC fue el año pasado con el cortometraje El desalojo, un documental sobre la temática de la educación. ¿Cómo se da este paso de una situación tan contingente a la lucha libre, un tema totalmente de nicho en Chile? Fueron distintas circunstancias las que nos llevaron a trabajar de cerca con gente de la lucha libre -algo que me gusta desde chicoe inspirarnos en construir una ficción sobre lo que pasa con este nicho en Chile. Sin embargo, El último lonco es una película que también toca de forma crítica temas sociales importantes, que apuntan directamente a la represión social que enfrentamos a diario respecto a las obligaciones que tenemos como individuos en la sociedad, y nuestras pulsiones más básicas que se contraponen a esto. La película además plantea una metáfora bien importante respecto al conflicto
mapuche, lo cual se vincula directamente con esta represión social. En enero comenzaremos el rodaje de La isla de los pingüinos, una película que podría conectarse más con lo que fue El desalojo, pero esta vez desde la ficción, ya que es un drama adolescente que ocurre al interior de una toma durante la revolución pingüina de 2006. -Previo a El último lonco tenías planeado un documental sobre la lucha libre nacional ¿Cómo dio este paso de documental a ficción? Es curioso que hasta ahora no había pensado que El último lonco y La isla de los pingüinos son dos ficciones que han partido desde un documental. Hace años intenté hacer un documental sobre la lucha libre en Chile, que falló por falta de tiempo y principalmente de recursos; sin embargo, todo este trabajo sirvió para conocer este universo y comenzar una investigación acuciosa de las personas que lo componen y cómo se desarrolla esta actividad en Chile. Junto a Javier Muñoz (guionista) y Sebastián Soto (productor) nos interesó tanto este mundo que la decisión de realizar una ficción inspirada en esto fue algo instantáneo. De un momento a otro sentíamos la necesidad de contar esta historia, y muchas veces esa es una razón suficiente para comenzar a construir un proyecto. -El crowdfunding es un medio de financiamiento cada vez más establecido en el mundo, y tanto películas como videojuegos son apoyadas económicamente por este medio. El último lonco reunió dinero de esta forma, ¿cómo fue esta experiencia? Financiamos parte de la distribución y post-producción a través de crowdfunding, lo que tuvo aspectos positivos y negativos. Recibimos suficiente apoyo para poder terminar la película, lo cual costó, ya que fue una pésima fecha para iniciar la campaña -mar13
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zo- y no poseemos una trayectoria cinematográfica que nos permita tener la llegada que deseábamos. Gracias al apoyo, principalmente de gente involucrada en la lucha libre, logramos llegar a buen puerto. -Las nuevas tecnologías han abierto posibilidades ilimitadas para que cualquiera con un celular pueda empezar a producir y hacer grabaciones, aun así sigue siendo muy difícil hacer cine de forma independiente en Chile. ¿Qué puedes decirle a aquellos con corazón de cineasta para motivarlos a tomar sus cámaras? ¿y cómo encuentras que estas nuevas tecnologías fomentan la creación de contenidos audiovisuales? Hoy en día las tecnologías han democratizado bastante la generación de cine, ya que ha permitido que cineastas jóvenes sin financiamiento puedan contar sus historias. En lugares como Europa es poco común que
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artistas con extensa trayectoria ganen fondos estatales para hacer sus películas, ya que principalmente se lo otorgan a gente joven. Vivimos en un país que funciona a la inversa, y las nuevas tecnologías han sido una herramienta de batalla frente a este paradigma. El principal problema que veo hoy en el cine chileno es que si bien se están haciendo varias -y muy buenas- películas, existen muy pocas instancias para que éstas sean exhibidas, y que posteriormente sean vistas. El Estado no está generando políticas de largo plazo para formación de audiencias, y aunque hay organizaciones trabajando en solucionar estas problemáticas, no han tenido continuidad en el tiempo y se han estancado por falta de recursos. Lo que le podría decir a los cineastas jóvenes, principalmente a los estudiantes de cine, es que comiencen a crear, pero que lo hagan pensando en dónde pretenden mostrar su película desde el primer día del proyecto.
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Hoy en día existen plataformas alternativas al cine comercial, y depende de los más jóvenes apropiarnos de esas nuevas instancias. -¿Puedes hablarnos un poco del casting para esta película? ¿Quién es quién en la película y por qué esa elección? Vladimir Huaiquiñir interpreta a Ramón, el protagonista, en una actuación notable, por la cual no hemos dejado de recibir buenos comentarios. Rafael de la Reguera, quien fuera el antagonista en la segunda temporada de El reemplazante, vuelve a ser antagonista, pero esta vez de una forma completamente distinta a como lo hemos visto, demostrando el tremendo actor que es. Paulina Moreno,
quien acaba de realizar su primer protagónico en 7 semanas, también tiene una gran actuación, manteniéndose entre la ambigüedad de ser una aliada o ser un obstáculo para el Lonco. Paulina además tomó un rol muy importante desde la dirección actoral y el desarrollo de todos los personajes en la pre-producción, apoyándome desde su experiencia como actriz en las decisiones de dirección. El elenco lo completan otros grandes actores como Felipe Pino, Samuel González, Gregory Cohen, Lía Maldonado, Francisca Zapata, Daniel Araya y Michel López.
Conociendo a los directores de la Competencia Cortometraje Talento Nacional En cada edición iremos conociendo las opiniones y gustos cinéfilos de los realizadores de los 13 cortometrajes chilenos que están participando en esta versión de SANFIC, que se exhibieron divididos en dos bloques, el jueves 27 en Hoyts La Reina.
MIJAEL BUSTOS, director de Un cuento de amor, locura y muerte
-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? La inspiración nace de mi necesidad por dignificar la imagen de mi abuelo. Él es una persona muy fuerte, muy esforzada y a quien realmente admiro mucho; por lo mismo, siempre sentí que su historia tenía que ser inmortalizada, porque no son historias que ocurren a menudo. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Me interesaba enormemente retratar la historia de mi familia paterna y mostrar la cotidianeidad de ellos. 15
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-Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época. Grizzly Man (en realidad todos los documentales de Herzog) - Whiplash - The Hunt - Amarcord - Nos habíamos amado tanto Take Shelter - Nostalgia de la luz Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época Werner Herzog - Patricio Guzmán - Los hermanos Dardenne - Federico Fellini ROBERTO DOVERIS, director de Actriz de reparto
-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? La verdad es que no fue una sola idea, sino una suma de imágenes y temas que terminaron conformando Actriz de reparto. Tenía ganas de explorar un tono no realista, jugar con las reglas narrativas, proponer conexiones, hacer un cine de ensayo sin voz en off, sino a través de la puesta en escena. En ese sentido abri una ventana a la libertad, a realizar el cortometraje como si estuviera armando un rompecabezas o jugando un juego de mesa, no sé... también fue como volver a jugar a las Barbies, en algún sentido. Siempre 16
me interesa pensar sobre el cine, sobre el rol que cumple la ficción dentro de la ficción, o preguntarme cómo una ficción puede modular la lectura de otra ficción, o cómo el cine existe dentro del cine... y al mismo tiempo no me interesa que esa reflexión sea teórica, aburrida, lógica, al contrario, hacer este cortometraje fue demasiado divertido, lúdico. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Es súper claro que el tema del cine de terror y la figura de la mujer son centrales en el cortometraje, pero también me interesaba ahondar en la metaficción, poniendo en escena a actrices de cine interpretando a actrices de cine. Al mismo tiempo quise interrogar los límites del realismo, ¿qué pasa si dos actrices hacen un mismo personaje? ¿qué pasa si lo sobrenatural no necesitara explicación? ¿qué pasa si todo se resuelve de manera musical? Creo que Actriz de reparto funciona bien como corto de terror, como comedia musical y como cine de ensayo, y en ese sentido me gustaría desplazar la pregunta sobre qué es lo que se cuenta al espectador, qué es lo que se lee exactamente del cortometraje. Creo que hay muchas lecturas. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época. Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época. Respondo estas preguntas juntas, porque películas y directores están muy relacionados. Entre mis máximos referentes actuales como realizador, está la obra de Olivier Assayas, de Tsai Ming Liang, de Claire Denis, de Hou Hsiao-Hsien, de Lucrecia Martel... y las películas que más me han marcado sin duda son las de Antonioni, La aventura, La noche, El desierto rojo, El eclipse, lo encuentro fascinante y no deja de entregarme cosas nue-
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vas, cada vez que veo estas películas surge una nueva lectura, una nueva sorpresa. Si quisiera podría pasarme horas, así que mejor dejarlo hasta acá. VALENTINA AZÚA, directora de Verano 98
-¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? La co-guionista tenía ganas de volver a trabajar conmigo, desde el primer año de universidad que somos amigas y una buena dupla de trabajo, y me dijo “tenemos que hacer un corto, porque sí, porque juntas nos sentimos bien trabajando”. Me senté a pensar en algo que tuviera ganas de grabar, de convertir en película, que pudiera ver en imágenes y que contara algo. Me fui inevitablemente a mi infancia en Puente Alto, en mi casa con mis padres, mis hermanas y los amigos del barrio. Para mí esos recuerdos son formadores de la persona que hoy en día soy, y me parece interesante rescatarlos, versionarlos y ficcionarlos. Obviamente recurrí a las fotos, hablé con mis hermanas y compartí mis ideas con Natalia, juntas comenzamos a construir el guión de Verano 98. Temprano invitamos a Evelyn para que pusiera sus conocimientos al servicio del proyecto, y pudiéramos financiarlo y producirlo. Creo que las tres hacemos
un muy buen grupo de trabajo. En el camino se nos sumó AVISPA CINE, y entonces las cosas se pusieron mejores y posibles. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Me interesaba construir una mirada sensible, nostálgica y reflexiva sobre la etapa en que construimos nuestros futuros recuerdos, aquellos que marcan nuestra identidad y que creo llevaremos siempre, junto con otros que se van sumando. Las pequeñas cosas que hicimos, o que dejamos de hacer, el entorno en que vivíamos, las relaciones personales que construimos, y las cosas que nos gustaban, son en sí mismos un universo personal, cada persona tiene uno. Y yo quería retratar una parte pequeña de este universo, de un personaje en particular, que le llamamos Camila, decidimos que era morena, tenía dos hermanas mayores, vivían en la periferia de Santiago, le gustaban los Backstreet Boys y durante un fin de semana del verano de 1998, cerca de Navidad, le llegaba por primera vez la menstruación y daba su primer beso. Y entonces nosotros auscultábamos las sensaciones que aquello producía. -Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época. No me gusta este ejercicio, porque siempre cambian o se me olvidan, pero mencionaré Las vírgenes suicidas, Fish Tank, Madeinusa y Somewhere, por ser referencias para Verano 98. -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época Tampoco me gusta este ejercicio, por lo mismo que el anterior, además que creo que he visto muy pocas filmografías completas como para realmente sentir que admiro a un director por su obra, pero mencionaré a Sofia Coppola, los hermanos Dardenne, Laurent Cantet, Michael Haneke, Werner Herzog y Andrea Arnold.
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SANFIC INDUSTRIA SE CONSOLIDA Durante los últimos años nuestro festival ha desarrollado de manera exitosa el espacio de SANFIC INDUSTRIA, el cual está dirigido a profesionales y nuevas generaciones del medio audiovisual chileno y latinoamericano. Gracias al apoyo y trabajo colaborativo con importantes instituciones culturales a nivel nacional e internacional, nuestro espacio de industria sigue creciendo y generando distintas acciones que permiten apoyar el desarrollo de la cinematografía chilena y latinoamericana en todas sus etapas. Para esta cuarta edición de SANFIC INDUSTRIA contamos con cuatro importantes instancias, tales como Work in Progress Latinoamericano, Santiago Lab, SANFIC NET y Premio Comisión Fílmica de Chile, “Premio Kinèma”, iniciativa que por primera vez se entrega en nuestro festival
Los ganadores ganadores de SANFIC INDUSTRIA versión 2015, fueron: 1. KINÈMA: “SURIRE” de Bettina Perut e Iván Osnovikoff. 2. SANTIAGO LAB DOCUMENTAL: Premio DOCSDF-DIRAC: “NAZCA” de Simón Vargas y Allan Bortnic. Premio Buenos Aires DOCLAB: “EL GRUPO DE ARICA” de Luisa Urrejola.
WIP Latam (Work in Progress Latinoamericano) GANADOR 1: “EL DIA QUE RESISTÍA” de Alessia Chiessia WIP Latam (Work in Progress Latinoamericano) GANADOR 2: “LOS NADIE” de Juan Mesa. WIP Latam- Premio Válvula Films: “El Viento sabe que vuelvo a casa” de José Luis Torres Leiva.
3. SANTIAGO LAB FICCIÓN: Premio Encuentro Iberoamericano de Coproducción Guadalajara 2015: “EL OTRO LAGO” de Francisca Silva. Premio Encuentros Cartagena: “NORDACA” de Marta Loza. 4- PREMIOS WIP LATAM: Premio PRIMER CORTE-VENTANA SUR: “GRINGO ROJO” de Miguel Angel Vidaurre. 18
Así es como nuestro espacio de Industria se consolida como uno de los más importantes de la región, gracias a las alianzas con destacadas instituciones nacionales e internacionales, con el objetivo de fomentar y potenciar la industria audiovisual de Chile y Latinoamérica.
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SOCIALES
SANFIC INDUSTRIA Este viernes se llevó a cabo la ceremonia de premiación y clausura de SANFIC INDUSTRIA 2015, el espacio de fomento y desarrollo enfocado a impulsar el sector audiovisual, SANFIC INDUSTRIA, y entregó el galardón a las producciones en cada una de las once categorías. En la ceremonia realizada en la Sala Arrau del Teatro Municipal de Santiago se reunieron directivos de SANFIC, autoridades del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, de la Comisión Fílmica de Chile, directores y productores de los proyectos participantes, y personalidades del ámbito cinematográfico y audiovisual chileno.
FOTOS CEREMONIA SANFIC INDUSTRIA
Ganadores SANFIC Industria
Gabriela Sandoval, Directora de SANFIC Industria 19
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Alvaro Morales, Alessia Chiessa, Estrella Araiza, Consuelo Castillo y Martín Rodríguez
Sergio Gándara, Bettina Perut, Iván Osnovikoff, Joyce Zylberberg y Martín Rodríguez 20
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Helena Pineda, Carlos Núñez, Michael Madsen y Eduardo Villalobos
Sergio Gándara, Jacqueline Plass y Joyce Zylberberg
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Cócktails & Music en Duoc UC L90
Nicolás Tello
Nicolás Guzmán y Claudia Mazuela
Constanza Gallardo, Felipe Garrido y Fabián Flores 22
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Isabel Orellana, Inti Cordera, natalia Brunet, Mario Durreau y Arturo Pérez
Jorge Riquelme, Tomás Yovane, Karla Kri y Carolina Beltrán 23