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N°1
GUTS Mayo 2020
STREET
ART
Montana Colors Suporting graffiti since 1994
19-4052 TCX Classic Blue
En nuestra primera edición de GUTS permitimos que las cosas se manifiesten, como lo dice Shepard Faired(1990) queremos que las personas vean de diferente manera las cosas que tienen justo en frente pero que están ocultas porque se dan por sentadas en una observación abstracta. Desde que comencé a pensar la revista supe que quería hacer las cosas diferentes, quería perimir que las personas se pregunten el porqué de la gráfica, que se inspiren a ser parte de ella y que puedan manifestar sus ideas dándolas a conocer al mundo desde una perspectiva sociopolítica lo que vincula las relaciones de fuerza social de los sujetos discursivos con formas de manifestación del discurso desde la imagen. Cómo la grafica es un reflejo de identidad y se convierte en algo muy personal. Que mejor medio que la calle como punto de partida de nuestra primera edición de una revista enfocada en el análisis profundo de enunciaciones sociales pensada desde la gráfica.
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SUMARIO
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GUTS MAG #1
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MAYO DE 2020
Búsqueda Insólita
El graffiti desde tiempos inmemorables Sobre el muro
El graffiti desde tiempos inmemorables. Nuestros Muros
Pared blanca, pared de necios Entrevistas
Local y global Bombing
El arce de firmar las paredes
CREARTE
Eventos
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Técnica
Bogotá graffiti Tour Ruda Fest Tome pa’ que pegue Stencil Lettering Calcas Cartelismo Postura política
Activismo
INSPIRARTE
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Apropiate de la ciudad
Interviene los muros A rayar!
Planea tu primer bombing Boceta Bombing sin ser atrapado Análisis
Enunciaciones sociales Encuestas
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REVISTA INDEPENDIENTE
Santiago Reyes DIRECTOR EDITORIAL Santiago Reyes DIRECTOR DE ARTE
TEXTOS
Bacanika, Cartel Urbano, Distrito Graffiti, Santiago Raúl Castro, Shepard Faired, Jennfer Golf, Jessica Sánchez, Parque Explora, Enka FOTOS
Wolfgang Tillmans, jon Furlong, Jessica Sánchez, Santiago Reyes, Jeison Mayorga, Tome pa’ que pegue, super___freak, Shepard Farey ILUSTRACIONES
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@ leanindumentaria, @nielsshoe @pozbueno, @super___freak, @teck24horas, @santiago_reyes_m, @byousart, @gavilan, @ledania, @tonygrandetruandise, @123klan,
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Foto: Obey Giant - 2007 | Jon Furlong
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HISTORIA
Anti-Christian graffiti en paredes de pompeya Fotografia por: “T errae Antiquae”
BÚSQUEDA INSÓLITA “El graffiti desde tiempos inmemorables” Por: Santiago Raúl Castro.
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l graffiti ha acompañado al hombre, desde que éste decidió poner marcas en el mundo, poner objetos en el medio ambiente para su reconocimiento. Esto es el inicio de la humanidad. Si la palabra graffiti se deriva de la palabra sgraffio, que significa “RAYAR”, entonces los rayones rupestres que designan el inicio de la historia de las sociedades en todo el mundo son graffiti. Los huesos, las rocas y las tierras usadas en las pinturas o escrituras prehispánicas, son predecedoras de la técnica del spray, el rodillo, la brocha, los carteles, los stickers, los ácidos y otras formas de hacer graffiti hoy. Así, continuando con este recorrido desde la antigua Grecia hasta la historia occidental. Podemos encontrar que durante las excavaciones de Pompeya se hallaron gran cantidad de graffiti que contenían slogans, dibujos, y obscenidades de la época v. En Egipto, sus monumentales inscripciones en los muros los hicieron grandes. Otros ejemplos son los cristianos que durante la persecución que sufrieron, desde Egipto hasta Roma, marcaban ilegalmente sus
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casas para proteger su secta, de ahí que muchos símbolos fueran creados y socializados, como el pez, con el que aún se IDENTIFICAN y de esta manera son conocidos. En la Edad Media, la era de la oscuridad, los lacayos usaron el graffiti para revelarse o criticar los reinos de los señores feudales; acciones distintas a las comisiones artísticas pagadas por los reinos o la iglesia para decoración interior e idealizar la arquitectura. Una de sus muchas definiciones podría ser: “Acto de escribir (nombre) o representar (símbolo que nos identifique o con el que nos identificamos) en una superficie ajena”. Si lo miramos desde este punto de vista, casi todo el mundo habría hecho graffiti , por ejemplo las inscripciones en los árboles co una navaja (Jose x María), paredes (¡Ala Madrid!), pintadas en las mesas del colegio, frases en retretes públicos... y un largo etcétera. Ese gesto tan humano que deja nuestra huella, un “pedacito” de nosotros mismos tan personal, ese acto tan íntimo y a la vez tan público no deja de ser la exteorización de un sentimiento... Lo que curiosamente coincide con una de las definiciones del término arte. Pero... ¡Cuidado! Lo que hoy en día entendemos por graffiti y la fuerte personalidad que está cobrando nos adentrará en unos laberintos de creatividad y de posibilidades infinitas que más tarde veremos, y que nos harán darnos cuenta de que, aun siendo una cultura cronológicamente reciente (unos treinta años) se anula toda posibilidad de calificarla como una moda, puesto que trae a sus espaldas ya tres generaciones y la llegada de una cuarta.
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INTERNACIONAL
SOBRE EL MURO “Alguien que trate de decirte la historia de graffiti es un mentiroso o un tonto” Por: Santiago Raúl Castro.
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eguir la evolución del graffiti a través de la historia es muy difícil, justamente por que enmarca todo lo opuesto a ese “canon histórico” planteado según el pensamiento “occidental” para definir la vida del hombre en este hemisferio. La historia del graffiti se encuadraría en los terrenos de lo efímero, lo nómada, lo movedizo, lo prohibido, lo no oficial y posiblemente en los anales de los vencidos, los hostigados, los reprendidos. Son muy pocos los libros que hablan específicamente sobre la historia del graffiti alrededor del mundo. Esto se debe a que cada lugar o ciudad tiene una historia particular del desarrollo del graffiti. Tal vez, la publicación más cercana con este fin es Trespass: A History of Uncommissiones Urban Art, escrito por Carlo McCormick, en colaboración con Marc Schiller, Sara Schiller y editado por Ethel Seno, Editorial Tashen en 2010, donde se muestra el nacimiento del graffiti y arte urbano del siglo XXI. En este camino, existen referencias como las fotografías de Brassai de niños pobres garabateando las paredes de París en 1950, el libro Faith of Graffiti8 de Norman Mailer (1974) y posteriormenteel libro Subway Art y documentales como Style Wars10 que desde mediados de los años ochenta han influido en la construcción en la mayoría de ciudades del mundo. Desde el siglo XIX, las pandillas, movimientos guerrilleros, los grupos fanáticos, las sectas y las organizaciones por fuera de la ley, han tenido en el graffiti un arma fundamental para la proliferación de sus ideas. Así como para hacer visibles públicamente algunas situaciones e injusticias sociales de la ciudad. Desde 1889, momento en el que
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el Congreso Obrero Socialista de la Segunda Internacional, reinvindicó la jornada del 1º de mayo, día del trabajo, como un homenaje a los Mártires de Chicago, en muchas ciudades, se celebra esta fecha anualmente con una una gran protesta, es una herramienta fundamental para hacer público un arsenal de pensamientos sociales. En 1904, el etnólogo Friedrich Salomon Krauss hace público en su anuario, Antropophyteia, el graffiti escrito en los baños, ese graffiti que habita todos los inodoros públicos, que habla popularmente de la sexualidad. Poco antes de la primera guerra mundial, en el seno de una Europa en crisis, aparecen las primeras vanguardias artísticas del siglo XX; en movimientos como el Dadaísmo, el surrealismo y posteriormente en el Situacionismo; los artistas empezaron a entender y estudiar la ciudad, haciendo de las acciones comunes, serias prácticas estéticas como los recorridos, las caminatas y las reuniones fortuitas, en donde le daban campo a la creación de arte efímero, el arte callejero, algo directamente relacionado con la concepción actual de graffiti. Durante la Segunda Guerra Mundial, el graffiti fue utilizado en varios frentes. Los nazis escribían en las paredes para apoyar la maquinaria propagandística del régimen en contra de los judíos y los disidentes; así como también distintos manifestantes usaron el graffiti como herramienta para socializar movimientos de resistencia. Un ejemplo de esto fue el colectivo estudiantil “The white rose”, quienes llevaron a cabo acciones en contra de Hitler y su régimen en 1942 a través de slogans pintados en las paredes, hasta su captura el 18 de febrero de 1943.12 En el otro flanco de la guerra, la técnica del stencil fue usada por el ejército de Estados Unidos para marcar el armamento, en comunión con esta práctica, los soldados de EE.UU marcaba con “Kill Roy Was Here”, un slogan creado humildemente por un inspector de bombas pero que demarcaba la discreta idea nacionalista del dominio planetario gringo. En la cadena de protestas que se desataron después de mayo de 1968 en París, Francia; el graffiti adquirió una importancia mundial inimaginable. Aparecieron los carte-
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Foto: Tags | Wolfgang Tillmans
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les, los stencil, y las pintadas furiosas en las vías públicas reclamando justicia social. El punk también aparece en esta época, como un componente importante para entender las nuevas formas de vivir en la ciudad, su motivación de entender la destrucción como un método de construcción social del individuo a partir de su manera de vestir, las formas de asumir la economía y las consignas políticas. El Muro de Berlín fue pintado por cientos de artistas de todas partes del mundo desde su construcción en 1961, y fue considerado patrimonio artístico en 1992. En 1965, un joven empezó a escribir CornBread, mientras estaba detenido en un centro de reclusión. Este tipo de graffiti se dio a conocer con el nombre de writing. Los jóvenes, en su mayoría latinos y negros, escribían sus nombres repetidamente con el fin de reclamar un espacio público, demandando una mirada de la sociedad y los medios. Pronto esto llegó a South Bronx, donde se masificó entre los jóvenes, quienes definieron el movimiento y le dieron la forma que hasta hoy se conserva, estableciendo diálogos
estéticos precisos sobre el espacio público, la calle y los vagones de metro “Newyorkinos”. En los años ochenta, en el ámbito de las academias de arte de Santiago de Chile, Buenos Aires, Sao Pablo, Caracas y Bogotá, entre otras ciudades latinoamericanas, se tuvieron serios acercamientos entre el graffiti y el mural artístico. Artistas y pensadores encontraron en las paredes públicas un formato único, muy democrático, para transmitir sus ideas. Desde entonces, la ciudad contemporánea busca identidad y evoluciona con las relaciones cercanas que sus habitantes y la arquitectura. El escritor de graffiti continúa haciendo graffiti porque siente que construye o “destruye” un lugar en esa ciudad.
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Bombing Foto: Obey Giant - 2007 | Jon Furlong
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s concretamente a finales de los sesenta cuando los concienciados activistas políticos y los no tan concienciados miembros de las gangs (las bandas callejeras) retoman este antiguo método de comunicación de escribir en los muros: Los primeros para hacer públicas sus protestas y los segundos para delimitar su territorio. Poco después en la ciudad norteamericana de Filadelfia el bombing (bombardear, acto de pintar el nombre por todas partes) sienta los primeros antecedentes del graffiti tal y como hoy lo conocemos: Bombardeo de jóvenes artistas de las paredes de la ciudad con su nombre o apodo con la finalidad de llamar la atención de la sociedad y de los medios. Pronto esto evolucionó y se trasladó a la parte sur del barrio neoyorkino del Bronx (SouthBronx), donde el arte del writing (escribir en paredes y vagones) toma la morfología definitiva de diálogo con la sociedad en general. Va a ser ahí, en Nueva York, donde se desarrolle plenamente esta cultura y evolucione hasta donde hoy la conocemos.
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Foto: Obey Giant - 2007 | Jon Furlong
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Niels Shoe Meulman Las palabras son imágenes, escribir es pintar. Todo tiene un opuesto, incluso ‘todo’ en sí mismo. Es “todo”.
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rtista conocido internacionalmente, nacido, criado y con sede en Amsterdam, Países Bajos. Comenzó a etiquetar ‘Shoe’ en 1979 y se convirtió en una leyenda del graffiti cuando tenía 18 años. En la década de 1980 conoció a artistas de Nueva York como Dondi White, Rammellzee y Keith Haring. Luego formó Crime Time Kings con Bando de París y Mode2 de Londres. Juntos le dieron al graffiti en Europa su propio estilo distintivo.
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En la década de 1990, promovió su técnica aprendiendo con el artista gráfico holandés Anthon Beeke. En los años posteriores, dirigió su propia empresa de diseño, Caulfield & Tensing, y fue socio de la agencia de publicidad Unruly, que luego convirtió en la marca de bufandas de seda en Amsterdam y una galería. Niels Shoe Meulman revolucionó el arte de escribir en 2007 con Calligraffiti, una forma de arte que fusiona caligrafía y graffiti. Desde entonces, sus pinturas caligráficas (NSM firmado) se han exhibido en innumerables exposiciones internacionales y forman parte de varias colecciones de museos. Su estilo de pintura reciente se puede describir como expresionismo abstracto con un origen caligráfico. Desempeña un papel importante en el nuevo movimiento de arte Vandalismo abstracto. Lea la entrevista en su totalidad después del salto, y asegúrese de pasar por 886 Geary Street para el último día de los últimos shows de Niels Shoe Maulman.
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a cultura estadounidense parece desempeñar un papel importante en tu arte, específicamente en tu espectáculo en White Walls Project Space, ¡Unpire! ¿Cómo explicas su lugar en tu arte? Y más específicamente, ¿por qué el béisbol? “Es cierto que me atraen varios aspectos de la cultura estadounidense. Creo que tiene que ver con el gen de la aventura y el gen de la curiosidad que tienen la mayoría de los estadounidenses, ya que sus antepasados fueron lo suficientemente valientes como para abandonar su hogar y buscar una vida mejor en esta nueva tierra. La libertad que conlleva eso inspiró mucha creatividad. Personalmente, mi primer interés fue a nivel tipográfico. ¿Conoces el tipo de madera de aquellos días, esos grandes carteles de SALÓN y los carteles de RECOMPENSAS?” Los diseñadores tipográficos que se mudaron de Europa a los EE. UU. Comenzaron a trabajar más libremente, más grandes y rompieron las rígidas reglas a las que estaban acostumbrados. Mientras me reía a carcajadas imaginando en su tiempo. Lo mismo ocurre con el arte moderno. Expresionismo abstracto, Pop Art, Graffiti. Se podría argumentar que estos movimientos son inventos estadounidenses. Por otra parte, debo enfatizar que también estoy influenciado por muchas otras culturas. Caligrafía china, caligrafía japonesa, caligrafía árabe, escribas medievales, art déco francés, diseño gráfico suizo, futurismo italiano, moda escandinava, cerveza belga y whisky escocés. Y en cuanto al béisbol ... El béis bol es la esencia de la vida en el universo. Es extraño cómo todas las reglas y medidas encajan como un guante. Sin juego de palabras. Me encanta la forma en que es un esfuerzo de equipo, pero cuando estás al bate estás solo. Ahora que lo pienso, es muy similar a pintar con una escoba en un escenario (sí, a veces lo hago). De todos modos, juego un juego todas las semanas si no viajo. Con los piratas de Amsterdam. Sí, lo sé, pero es un error pensar que el béisbol solo se juega en los Estados Unidos. Hay cientos de equipos solo en los Países Bajos. ¿Y qué hay del resto de Europa, Japón y América Latina? La mitad de los jugadores de la MLB son dominicanos, ¿verdad? Bueno, podría ser lo mismo que con el diseño tipográfico y la caligrafía. También para los jugadores de pelota, venir a Estados Unidos brinda una sensación de libertad que inspira creatividad. “Recientemente te has centrado más en pintar lienzos a gran escala que en espacios urbanos al aire libre. ¿Puedes hablar sobre lo que estimuló esta transición y el efecto que ha tenido en tu arte?” Mi lema de mucho tiempo es ‘Una palabra es una imagen’. En los últimos dos años he pasado de escribir a pintar. Mi trabajo anterior suele ser bastante caligráfico, en una sola capa. En estos días estoy pintando solo en lino belga y el trabajo es de varias capas, menos legible, más abstracto.
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La pieza titulada ‘Sin palabras’ se ocupa de eso. Pero definitivamente todavía disfruto haciendo grandes murales. “Su técnica de “caligrafía”, una que parece abarcar salpicaduras espontáneas, texturas y abstracciones, ha sido comparada con los trabajos gestuales de los expresionistas abstractos. ¿Es esta una descripción precisa de su trabajo y / o proceso? ¿O tus trabajos son más estudiados y calculados de lo que parecen?” La mayoría de los pintores abstractos provienen de un fondo figurativo. El mío es caligráfico. Letras y palabras en lugar de árboles y desnudos. Esa es una gran diferencia. Pero no estoy solo en esto. Mira el trabajo de Cy Twombly o Christopher Wool, por ejemplo. Básicamente me estoy moviendo hacia la abstracción porque creo que la imaginación es la clave para ... bueno, todo. Muchas de las obras en Unism juegan con binarios lingüísticos, por ejemplo, en su pieza “Titulada”, la palabra “Sin título” está pintada vívidamente. ¿Diría que se esfuerza por deshacer estas oposiciones o reforzarlas con su trabajo? No hay palabras. No hay imágenes. Solo todo en el medio. No hay verdad, solo opiniones. Todo es columpios y rotondas. La abstracción en mi trabajo no es solo visual, las palabras mismas también le hacen cosquillas. En la declaración de su artista, toca el uso de “bombas de pintura” que se oponen a los ritmos metódicos y rítmicos para formar la palabra “un”. ¿Es una forma de pintura personalmente catártica? ¿Qué mayores implicaciones temáticas tiene en su trabajo? Los mayores opuestos que he encontrado desde que los coleccioné son Order y Chaos. Los trazos repetitivos fueron originalmente para entrar en el flujo antes de comenzar una pieza. Buscando el golpe perfecto, por así decirlo. Una gran superficie llena de trazos similares da una sensación de orden agradable, pero también es un poco como una prisión. Las bombas de pintura son como una gran explosión. La libertad del caos. Las esferas explosivas (adornos navideños) en la parte superior de los trazos tratan con nada más (y nada menos) que eso. ¿Cómo se hace para que los visitantes puedan apreciar el “graffiti” en “calligraffiti” sin experimentar su trabajo en un entorno urbano?” Trato de no pensar demasiado en mi audiencia. La mayoría de sus obras contienen colores metálicos como el oro, el bronce y la plata. negro. Simplemente enfocándose en las formas de las letras, no camufladas por trozos y bobs de colores. El oro es una referencia directa a los escribas que utilizaron la iluminación para iluminar la Edad Media y, finalmente, tener un renacimiento. Los metálicos son un resultado natural de ambas ideas y son mi forma de agregar
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color. No puedo pensar en pintar pinturas multicolores brillantes. Ahora no de todos modos. En su pieza presentada en el show grupal I <3 LV, creó el trabajo en el piso de un ring de boxeo, usando una escoba, para rendir homenaje a Muhammed Ali, donde trabajó con Yasiin Bey. ¿Puedes contarnos un poco sobre esta experiencia? Louis Vuitton tuvo una campaña con Muhammad Ali, filmada por Annie Leibovitz. Su agencia de publicidad en París lanzó una idea para crear algunos videos con Yasiin Bey (Mos Def) rimando las palabras de la leyenda del boxeo, y yo pintando el título con una escoba en el lienzo de un ring de boxeo profesional. Una batalla entre la palabra hablada y la palabra escrita. No hago muchos proyectos comerciales, pero este fue una verdadera joya cuando se trata de arte y come rcio. Hicimos cinco videos en total y el lienzo del titulado ‘Word’ está en la galería. Se busca: pared interior muy grande!
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SHEPARD
FAREY “Make art, not war”
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ntes de que Shepard Fairey reviviera la imagen de Andre the Giant, era solo un luchador, pero hace quince años su rostro ceñudo se convirtió en el símbolo del desafío juvenil. ¿Contra qué, preguntas? Sin duda contra todo lo que la generación anterior apreciaba. Hoy es una marca, una marca registrada de alienación, que ha sido copiada por los especialistas en marketing, pero también es la figura de artistas callejeros y artistas de la cultura en todo el mundo. En esta entrevista, Fairey analiza por qué la imagen tiene resonancia sobre la cultura global. Han pasado quince años desde que Obey The Giant llegó a las pantallas de radar y te catapultó a la notoriedad del diseño y la empresarial. ¿Podrías haber imaginado su impacto cuando comenzaste? Fairey En 1989, cuando comencé la campaña Obey Giant, que originalmente era solo una pegatina que decía “Andre the Giant tiene una Posse”, pensé que solo serían unas pocas semanas de travesuras. Al principio solo estaba pensando en la respuesta de mi grupo de amigos de la escuela de arte y el skateboard. El hecho de que un segmento más grande del público no solo notara, sino que investigara, la apariencia inexplicable de las pegatinas era algo que no había contemplado. Cuando comencé a ver reacciones y considerar las fuerzas sociológicas en el trabajo en torno al uso del espacio público y la inserción de una imagen muy llamativa pero ambigua, comencé a pensar que existía el potencial de crear un fenómeno. En ese momento pensé en todo esto en términos puramente hipotéticos porque no creía que tuviera los recursos para crear el tipo de saturación de imagen que requeriría para hacerlo realidad en cualquier lugar que
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no sea Providence, Rhode Island. Me obsesioné con la idea de difundir aún más la imagen y me sorprendió la cantidad de personas que estaban dispuestas a distribuir los stickers a otras ciudades según la plantilla establecida en Providence o una explicación del concepto. Creo que a mucha gente le gustó la idea de “follar con el programa” en una sociedad dominada por las imágenes corporativas. Las pegatinas eran una llave rebelde en los radios, una interrupción de la semiótica del consumo. Eventualmente, aproximadamente cinco años después, las calcomanías se extendieron lo suficiente como para que los medios nacionales lo noten. Pensé que el golpe fue exitoso en ese momento. Ahora que hago carteles y camisetas que están a la venta, algunas personas consideran que todo el proyecto está invalidado. No creo que mucha gente considere que cuesta mucho dinero producir carteles que se sacrifican en la calle. ¿estabas motivado políticamente cuando comenzaste a producir “Obey”? ¿Creías que esto tendría resonancia política? Fairey En realidad, al principio no vi a Obey Giant como político. En la universidad había estado produciendo algunos trabajos basados en los conceptos de abuso de autoridad, racismo y derechos de primera enmienda. Aunque estos trabajos fueron catárticos, me di cuenta de que el resultado real se limitaba a lograr un mayor estatus en el club liberal del que ya era miembro. Vi el ángulo político de Obey Giant como “el medio es el mensaje”. Cuando algo se coloca ilegalmente en el derecho de paso público, el acto mismo lo hace político. Mi esperanza era que al cuestionar de qué se trataba Obey Giant, el espectador comenzaría a cuestionar todas las imágenes con las que se enfrentaron. Dudé mucho en hacer declaraciones políticas literales con mis imágenes porque sentí que el misterio del proyecto provocó una variedad de reacciones honestas que eran un reflejo de los espectadores con el mismo espíritu que una prueba de Rorschach. También tuve y no siento que tengo todas las respuestas ... aunque tengo opiniones. Quiero que la gente cuestione todo. Parte del atractivo de “Obey” ha sido su ambigüedad. Hay una cualidad orwelliana en esta figura de hermano mayor que contrasta con el humor inherente en el rostro tonto de Andre. ¿Sientes que tal ambigüedad te ha servido bien en todo? Fairey Sí, siento que la ambigüedad de Obey me ha servido bien. Para volver a lo que estaba diciendo antes, todos mis eslóganes didácticos y retórica de izquierda solo serían aceptados por personas que compartían la
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misma opinión, y serían rechazados instantáneamente por cualquiera que lo viera emitido por el enemigo. Obey parecía meterse debajo de la piel de las personas porque no sabían qué hacer con eso. Esta ambigüedad promovió un debate sobre la intención de Obey y puso sobre la mesa muchos temas que las personas no habrían discutido si hubieran podido clasificarlo e ignorarlo de inmediato. Creo que la imagen del icono Obey encuentra un equilibrio entre tonto y espeluznante, humorístico y monolítico. Considero que la imagen es la contracultura del Gran Hermano. Me gustaría pensar que es un signo o símbolo de que la gente también está mirando a Big Brother. YO’¿Por qué te convertiste en un posterer salvaje activo (e ilegal)? Fairey Me hice activo como artista callejero porque sentí que el espacio público era la única opción para la libertad de expresión y expresión sin burocracia. Internet no se desarrolló en el momento en que comencé y aunque nivela el campo de juego para algunas cosas, todavía filtra a aquellos que no poseen una computadora. Tampoco consideraba realmente lo que estaba haciendo arte y consideraba que las galerías de arte eran demasiado elitist as de todos modos. También encontré toda la idea de que podría ser arrestado por pegarse o postearse como algo contra lo que quería rebelarme. En mi opinión, los contribuyentes son los jefes del gobierno. Soy un contribuyente ... ¿por qué puedo ‘ ¿Uso el espacio público para mis imágenes cuando las corporaciones pueden usarlo para las suyas? Me desconcertó la idea de que las compañías pudieran pegar miles de imágenes frente a las personas siempre que recibieran anuncios pagados, pero que no podía poner mi trabajo en la calle sin que me dijeran que es una monstruosidad o que crea un exceso. En su mayor parte, creo que los comerciantes y los gobiernos de las ciudades no quieren que el público se dé cuenta de que puede haber otras imágenes coexistiendo con la publicidad. Este es el ejemplo exacto que estoy tratando de proporcionar. ¿Cómo determina qué atacar con sus carteles y calcomanías, y en qué lugares aparecerán (o desfigurarán)? Fairey Yo uso el sentido común. Como contribuyente, siento que la propiedad pública es un juego justo siempre y cuando no cubra el texto en los letreros de las calles. Uso el reverso de letreros, cajas eléctricas y cajas de cruce de peatones. Intento ser lo más respetuoso posible con la propiedad privada. La mayoría de las veces solo golpeo la propiedad privada si es abandonada o tapiada. Si un edificio ya tiene muchos graffiti, entonces podría golpearlo. Desafortunadamente, las ciudades suelen ser más agresivas al enjuiciar el arte en propiedad pública que en privado, lo que a menudo empuja a los artistas de graffiti a golpear cosas como los frentes de las tiendas. No apruebo esto, pero entiendo por qué muchos artistas han sido empujados en esta dirección. Mi opinión sobre el arte callejero es la misma que la libertad de expresión ... Yo ‘ Prefiero escuchar o ver las cosas ocasionales que me ofenden que no tener el derecho de expresarme de una manera que otros puedan encontrar ofensiva. He experimentado que hay una mayoría silenciosa de personas que tienen una mentalidad más abierta sobre el arte callejero de lo que sugeriría la política pública. GUTS
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Hablando de ambigüedad, ¿cómo concilias tu negocio, que considera a algunas grandes corporaciones como clientes, con tu desenfreno? ¿Es este el efecto Robin Hood? Fairey Sí, consideraría mi estrategia interna / externa hacia las corporaciones como un efecto de Robin Hood ... Uso su dinero, que se convierte en mi dinero, para producir calcomanías, carteles, plantillas, etc. Sin embargo, esta estrategia fue el resultado de mi aceptación de la realidad de las cosas. Una de las realizaciones más discordantes que este proyecto me ha traído es la inevitabilidad total de la economía de la oferta y la demanda en una sociedad capitalista. Explicaré, pero también debo enfatizar que creo en el capitalismo con algunos controles para relajar el elemento malvado y codicioso. El capitalismo es una forma de trabajo duro para obtener recompensas. Cuando comencé a trabajar con Obey Giant, era dueño de una tienda de serigrafía y usaba ese equipo para producir mi propio trabajo y para los clientes que pagaban. La impresión es un negocio difícil y me sentí frustrado. Trabajo como diseñador gráfico en estos días, porque el trabajo que estaba haciendo en la calle generó tanto revuelo que las empresas comenzaron a sentir que resonaría lo suficiente como para ser utilizado en marketing. Había creado una demanda para mi estilo de trabajo que significaba que si yo no se lo suministraba a las corporaciones, sería abastecido por otros diseñadores hambrientos. Decidí que al hacer diseño gráfico podría mantener mis habilida-
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des de diseño perfeccionadas y ganar suficiente dinero para bombear aún más materiales de Obey Giant en público, lo que considero realmente subversivo. Este método de financiar mi campaña también me impide tener el contenido de Obey dictado por las fuerzas del mercado de bellas artes. Además, he podido convencer a algunas de las corporaciones para que inviertan en las culturas que intentan explotar, ayudando a crear una relación más simbiótica entre los creadores y cosechadores de la cultura. No es un juego fácil,estoy haciendo lo mejor de la vida sin un fondo fiduciario. Al destetarme durante los años sesenta (lo que me convierte en un loco), he sido muy sensible a la noción de “venderse” y de “ser cooptado” por los especuladores. Al administrar su propio negocio (agencia) usted controla cuánto está siendo cooptado, pero para usted, ¿cuál es la definición, o la línea en la arena, de vender tus obras? Fairey Para mí, vender es hacer cosas por el dinero sin preocuparse por las consecuencias para la integridad. Sin embargo, seamos sinceros, el dinero es libertad. Para algunos, es la libertad de comprar cocaína y automóviles ... para mí, mis ganancias de diseño me dan libertad para producir mi trabajo de propaganda y viajar a otras ciudades para ponerlo. También me da libertad para mantener abierta una galería de arte que nunca sea rentable. La gente a menudo acusa a cualquiera que no cumple con su imagen de buen artista como mártir sufriente de ser vendido!
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NUESTROS MUROS Por: Santiago Raúl Castro.
“Pared blanca, pared de necios” El primer movimiento importante que aborda el graffiti en Bogotá, sucede en la década de los setenta, coincidencialmente después de las irregulares elecciones del 19 de abril de 1970, donde se proclamó como presidente Misael Pastrana Borrero en una fraudulenta elección frente a su contendor el General del Ejército Gustavo Rojas Pinilla. En la facultad de arte de la Universidad Nacional se gestó un movimiento en cual los artistas y colegas, pintaban murales de gran formato en donde exponían ideales políticos y estéticos en una imagen creada en el espacio público. Inspirados en las vanguardias históricas, en movimientos como el Dadaísmo y el Situacionismo, e impulsados por la fuerza irreverente que despertaron las protestas estudiantiles de Mayo de 1968, los artistas se lanzaron a intervenir su territorio, creando imágenes, juegos de palabras y graffiti con contenido satírico que ponían al espectador a crear diálogos con la calle.
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“EL GRAFFITI ES UN MEDIO PRIVILEGIADO, ES UN ARTE SIN INTERMEDIACIÓN” 34
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ada ciudad, como cada lugar en el mundo, tiene su propia historia del graffiti. Es muy difícil precisar cuál fue el inicio o que circunstancia dio pie a la construcción del graffiti en Bogotá. Las inscripciones más antiguas en los muros de la zona centro del país, son las pinturas rupestres Muiscas encontradas en el altiplano Cundi-Boyacense, en los municipios de Pandi, Tibacuy, Soacha, Sibaté, Tena, Bojacá, Zipaquirá, Chia, Cajica, Nemocón y Tabio. Armando Silva, sitúa los primeros indicios de graffiti en América Latina en la Conquista española, en donde cronistas como Bernal Díaz, narraban después de 1521 las reacciones de los capitanes españoles a los escritos que aparecían ilegalmente en las paredes como modo de protesta; Silva afirma que la respuesta de esto por los conquistadores fue la frase “pared blanca, pared de necios”, que da lugar a la frase: “ la muralla es el papel del canalla”. Si bien Silva anota esto como un posible inicio del graffiti en América, es difícil situar ese inicio con precisión en Bogotá, lo que hace muy difícil hablar sobre graffiti entre la época pre-colombina y los años setenta específicamente en Colombia. Esto se debe a que la connotación de graffiti, las inscripciones en las paredes, baños o en el espacio público eran muy coyunturales, probablemente vistas sin tanta importancia como para haberlas registrado. La documentación de lo que pasaba en la calle en cuanto a graffiti también es mínima, porque no se tenían los recursos técnicos para hacer registro de esa actividad, más que la palabra y en ocasiones la literatura.
Células socialistas estudiantiles posteriormente se convirtieron en grupos afiliados a las guerrillas que crearon murales y consignas escritas que ponían en la calle para trasmitir sus ideas. Desde 1970 diferentes grupos izquierdistas, guerrillas armadas y grupos armados al margen de la ley como el M-19, FARC, ELN y EPL han usado el graffiti para trasmitir ideales de sus organizaciones, marcando senderos y vehículos a lo largo y ancho del país, con el fin de hacer visible su presencia en los territorios y para hacer propaganda de sus organizaciones. Mientras que la gente afectada por el conflicto desde esa época, ha usado la escritura en la pared como un medio para empoderarse del territorio y tener propiedad sobre su medio ambiente; en ese proceso, han dispuesto en la calle mensajes que hablan sobre justicia social, paz en Colombia, denuncian la corrupción dentro del estado colombiano, así como por la educación y la minería. Toda esta actividad en el espacio público creo un movimiento muy fuerte de graffiti en Bogotá, y fue el sustrato del primer estudio sobre el país, Graffiti una Ciudad Imaginada, escrito en 1986 por Armando Silva. A principios de los ochenta, la cultura hiphop, el punk y otras subculturas, fueron tomando su forma en la capital. Muchas de estas nuevas identidades culturales en las ciudades se esparcieron a través de viajeros que traían de Estados Unidos y Europa nuevas formas de vivir en la ciudad, así como a través de distintos programas de televisión locales que presentaban videos musicales, películas y documentales. Filmes como Beat Street y Wildstyle dieron fuertes nociones sobre una estética concreta.
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Todas estas prácticas, culturas y subculturas urbanas se dieron en un caldo de cultivo muy complicado, pues Bogotá y las principales ciudades del país estaban bajo el flagelo del narcotráfico y toda la guerra que esto produjo a finales de los años ochenta y principios de los años noventa; las bombas, el sicariato, el secuestro, la inseguridad social y otros factores violentos aumentaron el miedo de estar en la calle, a vivir el espacio público. Mientras muchas ciudades de Europa y Estados Unidos estaban consolidando una escena de graffiti, viviendo un poderoso auge de prácticas como el Writing y el Arte Urbano, en Colombia el graffiti se mantenía en pequeñas células y grupos que lo mantenían vivo con pocos recursos y en la marginalidad de las calles Bogotanas. Es hasta el año 2000 que la revista Slang en su edición #1, publicó un graffiti hecho por Rick y Pin en 1987, dentro del caño de la 127 en el norte de la ciudad. En 1998, con el cultivo ciudadano gestionado por el alcalde Antanas Mockus y prolongado por Enrique Peñalosa, quienes orientaban a la ciudadanía hacia una reinvidicación del uso del espacio público, en el llamado “milagro bogotano” donde se le otorgó un rostro humano a una de las metrópolis más bruscas de Suramérica, empezó una nueva escuela del graffiti, un tipo de graffiti llamado Writing. Este graffiti redirecciona lo antes conocido como graffiti hiphop, y empieza a tener referencias muy fuertes de Estados Unidos a través de documentos como Spray Can Art. Aparecen grupos representativos como R.O.S (Represent Our Style), quienes le dieron una forma muy particular a la organización de este tipo de graffiti, como la exaltación del autor, la creación de estilo y la formación de grupos especializados en hacer graffiti por toda la ciudad. Entre 1999 y 2001 artistas de graffiti foráneos como: Beso, Esoh, How, Nosm y Alfa, provenientes de Nueva York y la costa este de Estados Unidos, intervinieron las calles de Bogotá, mostrando este arte como un oficio y una disciplina constante, con unas dinámicas y unos resultados contundentes en las artes visuales públicas de la ciudad. Después de la llegada de estos personajes y la proliferación del internet como una herramienta rápida de comunicación, el graffiti empezó a tener un crecimiento inimaginable en todo Amé rica y en el mundo, la transmisión de saberes y experiencias pasaban de un barrio a otro en minutos, al igual que de una ciudad a otra, sin pausa. En 2003, el escritor de graffiti “Ser” crea el primer foro especializado en graffiti, Escritores Urbanos, el cual registró más de ochenta mil usuarios al mes. Y permitió que
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gente de todos los rincones de Bogotá y Latinoamérica que hacía graffiti intercambiara opiniones, compartiera fotos y publicara artículos especializados sobre el tema. En este mismo año, en el seno de la Universidad Nacional Sede Bogotá, nace una nueva generación del Street art, el Grupo Excusado, quienes vieron en la calle una plataforma para mostrar imágenes por medio de la técnica del stencil. En 2005, se publica la primera revista especializada en Graffiti, Objetivo Fanzine, que nace del proceso de Escritores Urbanos; como un medio impreso que apoyará la producción de graffiti en la calle con artículos y entrevistas a los productores del graffiti en Bogotá. En 2005 también, se hace el primer festival/encuentro de graffiti en Usme, que reunía por primera vez, más de 40 personas a pintar un muro – Festival Usme 29 – gestionado por el grupo de graffiti Mientras Duermen. Es en este mismo año que el graffiti llega al Museo de Bogotá, por primera vez, amparado por el proyecto Ciudad In-visible, del colectivo Popular de Lujo. Desde 1993 hasta el 2006 se publicaron un promedio de dos artículos por año relacionados con el graffiti que incluyen en sus titulares palabras como: “lenguaje”, “arte”, “ciudad”, “urbana”, prestando especial atención al Festival Hip Hop al Parque desde el 2001. Los practicantes más radicales del graffiti han sientido un recelo a la cercanía que tiene el movimiento en estas reuniones con las instituciones de gobierno distritales. Sienten que el graffiti puede verse desempeñando un rol institucional, todo lo opuesto a lo que sus raíces de resistencia persiguen. Por otra parte, existen quienes creen que estas reuniones son un vehículo importante para que el oficio de hacer graffiti se quite las etiquetas de ‘crimen’, ‘vandalismo’ o ‘contaminación’, dando a conocer a las instituciones distritales de Bogotá cómo el graffiti construye paisajes y además potencia las industrias creativas de la ciudades de Colombia en la actualidad. Los practicantes más radicales del graffiti han sientido un recelo a la cercanía que tiene el movimiento en estas reuniones con las instituciones de gobierno distritales. Sienten que el graffiti puede verse desempeñando un rol institucional, todo lo opuesto a lo que sus raíces de resistencia persiguen. Por otra parte, existen quienes creen que estas reuniones son un vehículo importante para que el oficio de hacer graffiti se quite las etiquetas de ‘crimen’, ‘vandalismo’ o ‘contaminación’, dando a conocer a las instituciones distritales de Bogotá cómo el graffiti construye paisajes y potencia las industrias creativas de la ciudad.
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Foto: Women Power - 2020 | Ledania
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“Pinto metáforas y busco cambiar el día de las personas, que imaginen algo distinto”
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edania, una artista neomuralista de Bogotá, estuvo en el Exploratorio del Parque Explora (en febrero de 2019) compartiendo con sus seguidores y aficionados al grafiti parte de su experiencia y trabajo. Un encuentro en el que motivó a futuros artistas a cumplir sus metas, a valorar el trabajo propio y ajeno y a desmitificar todo lo que se dice de el grafiti únicamente como vandalismo. En conversación con este Taller público de experimentación, compartió parte de su visión sobre el arte urbano y sus apuestas como artista. En el contexto actual colombiano, ¿cuáles
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son las mayores dificultades que los grafiteros enfrentan a la hora de salir a pintar? La mayores dificultades son el clima, las alturas y los dueños de los predios, si se pinta sin permiso, pero esto esta cambiando. ¿Cómo su paso por la academia ha influido en su trabajo como artista urbana? Estudié Artes Visuales, una carrera en la que aprendí teoría del color, estética, grafismo, dibujo… Yo creo que cualquier cosa que uno pueda aprender en cuestión gráfica lo puede llevar al arte urbano, lo que estoy haciendo con el mismo y la academia es hacer exploraraciones desde la técnica y darle algún concepto a la obra misma. Teniendo en cuenta que para usted salir a pintar es un acto político, ¿qué significa, entonces, ser un artista urbano? Un artista urbano es alguien que explora la pintura o la gigantografía o cualquiera de esas
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Foto: Art Basel - 2019 | Ledania
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técnicas que se puedan poner en la urbe, para hablar libremente, sin necesidad de curaduría. Es un acto político cuando se comienza a relacionar con el medioambiente o la ciudad misma. ¿Cuáles son las razones para defender el grafiti como una profesión sin diploma? Yo no tengo por qué defender nada, yo creo que yo no defiendo el grafiti, yo solo hago grafiti y lo hago tratando de mantener una consecuencia buena y positiva, pero yo no lo defiendo como una profesión, simplemente lo expongo. Si usted indica que sale a pintar con o sin permiso, ¿salir a pintar sin "autorización" no es vandalismo o en qué momento sí lo es? ¿Por qué su lucha con que no se considere como tal? Todas las personas tienen diferentes experiencias con o sin pintar, con o sin permiso o autorización, para mí la palabra vandalismo significa mil cosas y no sé si se pueda poner en la misma faceta algo que pueda ser mucho más traumático para una sociedad. Yo no estoy luchando para que no se considere como vandalismo, nunca lo he dicho, solo estoy en pro de pintar. ¿Cuáles cree que son los avances y posibilidades del grafiti en Colombia después de 14 años de trabajo con el proyecto LEDANIA en Colombia y el mundo? Los avances y las posibilidades del Grafiti en Colombia han sido, para mí, tener acceso a mejores pinturas, a mejores procedimientos técnicos que antes no se podían encontrar. Entonces, en mi proyecto de Ledania he ido aumentando proporcionalmente las nuevas exploraciones técnicas con aerosoles más evolucionados. ¿Cómo ve el panorama del grafiti en Medellín? En Medellín está muy avanzado, desde los últimos 10 años, gracias festivales que se están haciendo, personas que han viajado para hacer varias obras en la ciudad... Yo creo que lo que antes era más una cosa de juego y de la idea de pintar en las calles, se está convirtiendo más en una profesión que se está llevando a cabo en exteriores e interiores, pienso que está mejor cada vez. ¿Cómo desde el grafiti se pueden transformar o impulsar procesos comunitarios? Cualquier acto de pintura pública se puede poner en pro del impulso de los procesos comunitarios, porque no solamente se puede cambiar el aspecto de una ciudad y de un barrio, sino que también se puede dar a entender cómo educar, cómo interactuar con las realidades que se viven en ciertas comunidades y ayudar a entender el arte desde una perspectiva positiva en pro del cambio. ¿Por qué Ledania escogió el Exploratorio del Parque Explora para presentar su charla? ¿Qué puede aportarle un espacio como este a la cultura del grafiti en la ciudad? A mí siempre me gustó el Parque Explora desde muy pequeña. Creo que no soy muy fan de las galerías o de los museos científicos de exploración donde no se puede generar una interacción con las personas y los niños y yo creo que el Parque Explora es el mejor lugar para tener esa interacción, como la que yo tuve dando la charla, porque permite un diálogo con la comunidad y se hace una interacción con los asistentes.
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Foto: ledania color - 2018 | Santiago Reyes
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Foto: Guache - 2014 | Jessica Sánchez
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Guache “En nuestra cultura se le dice guache a una persona grosera y brusca, pero en verdad la etimología de esa palabra es “muisca” y significa varón y ‘guerrero”
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uache, es un artista urbano de la ciudad de Bogotá. Está influenciado por el muralismo político latinoamericano de la primera mitad del siglo XX, el grafiti y el arte urbano. Guache expresa a través de su obra temas de interés social que intentan reflexionar y poner de manifiesto elementos culturales relacionados con la identidad y la cultura ancestral, así como con la “descolonización de símbolos” en Colombia y Latinoamérica. Guache y su equipo de trabajo hablaron con Muro. Nos platicaron acerca del desarrollo reciente del Festival Internacional de Arte Urbano Revitalización. Guache nos envolvió en su trabajo y experiencia como productor de este festival y muralista reconocido . ¿Qué significa “Guache” y por qué te haces llamar así? Uso la palabra “Guache” porque es una palabra que juega con su significado. A nivel popular es despectiva y describe a un hombre grosero y maleducado. Pero en su origen es una palabra indígena muisca que significa varón
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y guerrero. A eso se refiere mi trabajo: es un ejercicio de “descolonización de los símbolos”. ¿Cómo relacionas tu trabajo de arte urbano con otros espacios? Por ejemplo, tu trabajo con comunidades o la organización de festivales… El camino del muralismo y del arte urbano es muy diverso y se va rei nventando cada vez más, no es algo que aprendas en una academia; no hay una escuela de arte urbano. En mi caso, soy autodidacta. Mi trabajo siempre ha estado muy relacionado con los temas sociales y con las comunidades. He podido viajar por todo el país y a otros países haciendo muralismo comunitario y talleres, dinamizando procesos de memoria histórica y de reconocimiento de comunidades. La parte que tiene que ver con algunas publicaciones y producción de festivales son una etapa que empieza por el tiempo que llevo pintando. “Con el colectivo Bogotá Street Art hemos publicado dos libros. Uno se llama “Calle esos ojos”, que muestra la
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historia de cómo empezamos a pintar en la calle y que contiene stickers y esténcil. El más reciente, “Levantar y pegar”, incluye sólo stickers. Estos libros no han sido publicados bajo ninguna editorial, ni han tenido una distribución comercial basada en grandes distribuidores; al contrario, han sido un esfuerzo de nosotros mismos, quienes lo diagramamos, producimos, imprimimos y distribuimos. En cuanto a los festivales, el año pasado tuve la oportunidad de producir un festival de arte urbano en el barrio Santa Fe de Bogota. Lo considero como otro a camino a la pintura: aunque he participado en festivales hace tiempo venía trabajando para hacer uno en Bogotá con un enfoque social. ¿Cuál es la importancia de mezclar lo social con el arte urbano y porque este tipo de enunciación? Yo creo que en mi caso se complementa mucho, ya que para mí es muy importante estar en contacto con los procesos sociales en las comunidades, que es de donde viene toda mi inspiración. Siento que el muralismo es una herramienta de trasformación social a partir de lo simbólico, porque cuando la gente se apropia del símbolo, y empieza a reconocerse a partir de la representación pictórica, se empiezan a transformar los espacios y desarrollar un ejercicio de apropiación de los espacios públicos, que es lo que nosotros hacemos con el arte urbano: un ejercicio de apropiación de manera autónoma con el que me acerco. ¿Para ti qué significa pintar en la calle y en muros de la capital? Hay dos momentos. Uno tiene que ver con la ejecución de la obra y la historia que hay mientras se pinta en la calle; el otro se da a partir de que queda la pieza en el muro. Los procesos de muralismo en comunidades son proyectos “grandes”, los cuales requieren de producción, de un gran equipo de trabajo y de logística. Además, mientras se realiza la obra siempre hay una relación con la comunidad. Cuando pintamos en comunidades indígenas o rurales se genera una relación muy interesante con el contexto y todo lo que pasa mientras uno está pintando: uno se vuelve parte del paisaje y, además, creador del mismo. Desde ahí se genera una dinámica muy rica y positiva en la que la gente se integra, hay curiosidad y, digamos, se vuelve todo un acontecimiento social local porque alteras un espacio que es cotidiano para muchas personas. Después de terminado el mural, éste empieza a hacer su propio trabajo, que es el de comunicar y transmitir mientras uno no está ahí, me gusta que las personas se pregunten y que sean parte de el. Cuéntanos del barrio Santa Fe y del Festival Revitalización, que ocurrió en diciembre del año pasado… El Festival de arte urbano Revitalización se realizó del 27 de noviembre al 5 de diciembre de 2015. Tuvo lugar en el barrio Santa Fe, un barrio en el que convergen unas dinámicas sociales muy complejas, pues es catalogado como
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una zona de tolerancia en la que conviven la prostitución, la drogadicción, hay marginalidad, exclusión social, delincuencia… también llega mucha gente desplazada de todo el país. Es un barrio muy estigmatizado a nivel social y muy fácilmente la gente lo tacha como el barrio de las putas y ya. Ahí se daba un espacio para que el arte urbano entrara con todo su papel dinamizador. La idea fue sumarnos a unos ejercicios de revitalización que se habían venido realizando y que fueron iniciativa del anterior plan de la alcaldía de Bogotá. Eso ofreció la oportunidad de realizar un festival internacional de arte urbano. ¿Cómo fue la dinámica del festival? La idea fue invitar artistas urbanos reconocidos de Latinoamérica, quienes tuvieran un trabajo relacionado con lo social y la identidad. Invitamos a artistas de varios países y les hicimos una contextualización del barrio. Les comentamos las problemáticas que tenía. Se quería que con la información sobre el lugar, los artistas pudieran hacer una interpretación libre en sus muros sin ningún tipo de condicionamiento formal ni boceto. ¿Cuáles fueron los puntos positivos del festival como lo conseguiste? Lo primero fue que se produjeron más de 35 murales de gran formato, todos espectaculares y que brindaron una riqueza visual increíble al barrio. También pudimos invitar a gente de todos los estilos: desde el writing con influencia del hip hop hasta el muralismo clásico en el que se pinta con un mismo pincel, además de caligrafiti. Tuvimos propuestas abstractas, otras súper contemporáneas y sobre todo ganamos la experiencia de haber estado diez días pintando, aprendiendo y compartiendo con la gente del barrio. También se logró reivindicar y revitalizar el barrio con un trabajo simbólico a partir del grafiti, y eso ha llevado incluso a organizar tours de grafitis en el barrio y que mas jóvenes lo hagan. ¿Qué aprendizajes quedaron del desarrollo de este festival y que mensaje nos quieres dejar? Creo que hay que tener en cuenta todo lo que significa hacer una producción de este calibre. Requiere de un esfuerzo mucho mayor y de mucha energía, por lo que se necesita un equipo más grande para poder hacer una gestión más amplia y no verse cortos en producción. ¿Habrá un segundo festival Revitalización? ¿Qué planes hay para el futuro? Por ahora sigo con mi trabajo personal. Estoy preparando una exposición y desarrollando un proyecto de muralismo en mosaico. En cuanto al festival, ya está la experiencia y, aunque todavía no está planeada la fecha, seguro que habrá un Revitalización 2 en Bogotá. La idea sería efectuarlo en otro barrio que tenga características similares. Sin embargo, por ahora no quisiera estar amarrado a que el festival tenga una continuidad exacta.
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Foto: Artistas - 2018 | Santiago Reyes
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Foto: Guache - 2014 | Jessica Sรกnchez
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Foto: Guache - 2014 | Jessica Sรกnchez
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F E S T BOGOTA
“ DE PARCHE ENTRE GRAFITIS Y MURALES
A GRAN FORMATO” Por: Enka. @enkailustracion
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Foto: Ruda fest - 2018 | Santiago Reyes
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Foto: Ruda fest - 2018 | Santiago Reyes
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“La apertura de puertas de Ruda Espacio Abierto fue la excusa perfecta para que Bogotá tuviera un fin de semana cargado N.N, Type of Tape, Toofly y otros artistas”
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ntre el 4 y 5 de agosto se llevó a cabo la primera edición del Ruda Fest, un evento que convocó a diferentes creadores nacionales e internacionales y promete fortalecer el grafiti bogotano. La intervención del espacio, ubicado en la Carrera 14 con Calle 87, se hizo con motivo de la inauguración de Ruda Espacio Abierto, un lugar que irrumpe en la capital para parchar con amigos en medio de un ambiente urbano de acercamiento al arte. Artistas internacionales como Muretz de Brasil, Ben Johnston de Canadá, I am Eelco de Holanda, N.N de Chile y Toofly, de Ecuador, se sumaron al trabajo de creadores nacionales como Type of Tape, Ñero y Rendo, quien cayó al
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evento desde Medellín. “Este tipo de iniciativas traen a la escena local otras corrientes y estilos que acá no se ven cotidianamente. El otro punto positivo es que valoramos nuestra escena local y la calidad de los artistas que existen en Colombia y en Suramérica, de la destreza y creatividad que nos diferencia”, explica N.N. Cada exponente aportó lo suyo: Muretz apareció con su empeño de hacer más divertidas las ciudades a punta de spray; Ben Johnston se enfocó en el branding personalizado y la tipografía; Eelco involucró en su pieza animales y figuras geométricas; N.N demostró su virtud al realizar muros y Toofly dejó ver porque desde 1992 es una de las mujeres con más trayectoria
Foto: Ruda fest - 2018 | Santiago Reyes
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urbana en el continente. El evento inició con un conversatorio moderado por José Sarralde, director de la Fundación Cartel Urbano, en el que se discutió sobre el trabajo artístico en las calles. El fin de semana, ambientado con música y pola, continuó con una respuesta masiva por parte del público que tuvo acogida con este tipo de eventos, animado por las intervenciones artísticas.“ Tomamos un riesgo de hacer algo diferente, de proponer un evento con un formato no muy común en Colombia, creyendo que había una oportunidad para vivir una experiencia alrededor del arte y nos sorprendió positivamente la acogida y el ambiente que se logró en el momento y en el lugar “, cuenta Gerardo Aristizabal,
organizador del Ruda Fest, que también contó con la gestión de la neomuralista bogotana Ledania que aseguró que “es importante traer este tipo de eventos al país para ver cómo trabajan los artistas y ver qué técnicas utilizan”. Si no pudo ir o quedó con ganas de repetir el bote, lo dejamos con algunas de las imágenes que captamos y espera al próximo evento.
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Foto: Tome pa’ que pegue - 2018 | @super___freak y @cleanindumentaria
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Por: Enka. @enkailustracion
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l pasado 11 de febrero se realizó el Tome pa’ que pegue, el evento al que su Bogotá Street Art, entre otros con muchos de los artistas locales. Tome pa’ que pegue arrancó hace tres años por cuenta de Invitro Colective, un colectivo que tuvo su primera aparición en un festival de grafiti en Quito (Ecuador), junto a Don Motta. Esa vez, a todos los que se cruzaban les regalaban una calca, seguido de un “tome pa´que pegue”. Después de esta experiencia se montó una pequeña muestra en Pictopia. “Solo era una mesita con las calcas ahí regadas y enfrente de nosotros estaba Gráfica Mestiza, entonces a ellos les comentamos que queríamos hacer la expo”, recuerda Javi Sánchez sobre aquella vez en Medellín. En 2016, el artista ecuatoriano HTM les hizo la invitación al Miércoles de Fanzine, una especie de segunda edición de Tomae pa´que pegue, el cual tuvo lugar nuevamente en la capital ecuatoriana, y cuya tercera versión ya se está planeando en Guayaquil.
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Para que Bogotá no se quedara sin la experiencia de acoger este importante suceso para los amantes de las calcas, los colectivos Invitro y PSM unieron fuerzas para traer uno de los mayores tráficos e intercambios de calcas, acompañados de una muestra de artistas nacionales y latinoamericanos. La cita fue en Casa Trescruces y contó con un cartel de grandes exponentes bogotanos y extranjeros: Dj Lu, Juanito 2 es, Carsal, Chirrete Golden, HTM, entre muchos otros. Desde la publicación del evento en redes ya se esperaba una buena acogida: cerca de 2.000 personas confirmaron su asistencia, y publicaban constantemente los diseños que planeaban intercambiar durante la jornada del tome pa que pegue. Con ese presagio llegó el día del evento. La casa que lo acogió era un mar de calcas: una muñeca inflable inundada de stickers; las paredes abarrotadas de mapas en los cuales los asistentes pegaban calcas; una muestra con los stickers que se colaron en el primer Sticker Mestizo; un par de señales de tránsito repletas de pegatinas; y como cereza del pastel, un maniquí instalado por Rat Splat repleto de adhesivos. La cita fue a las tres de la tarde, pero desde media hora antes ya varios se acercaron a disfrutar de la expo y fue el punto de partida de lo inevitable: a la hora de inicio la casa estaba totalmente llena y la calle aledaña colmada de amantes de este arte callejero. Por momentos, la cuadra parecía la entrada a un concierto.
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Adentro de la casa, mientras Mugre Diamante pintaba una pieza en aerosol, las personas hacían fila para acercarse a comprar las calcas de los artistas invitados, una fila que salía de la casa y llegaba prácticamente a la esquina de la cuadra. Pero los que no lograron entrar, que fueron muchos, no se quedaron sin hacer su tráfico de calcas, pues también se apropiaron de la calle para rotarse de mano en mano stickers de todos los sustratos, tamaños, troqueles y técnicas. A la variedad de adhesivos se sumó la diversidad de asistentes: biciusuarios, estudiantes, artistas, coleccionistas, punkeros, raperos, barristas. Todos con la mejor actitud, todos amantes de las calcas que llegaron hasta este lugar con la mejor actitud. Pero ante la aglomeración de gente –se calcula que había hasta 800 asistentes- la entrada del evento colapsó y las llamadas a la policía por parte de los vecinos del sector, ubicado justo detrás de El Campín, no se hicieron esperar. Hasta el lugar llegaron varios policías motorizados, afrimando que habían recibido 50 llamadas para que evacuaran el lugar. Al final, los asistentes se movieron a la plazoleta aledaña al estadio, en donde continuaron con las tranzas. Todo en medio de un ambiente de colaboración y sin usar la fuerza, como para que no se fuera a teñir lo que fue esta fiesta de calcas, donde hasta una camioneta de la policía salió enchulada por los asistentes. Ante el éxito en la asistencia y el buen ambiente que se vivió, los organizadores ya están craneando una segunda edición en Bogotá, en un lugar que tenga las mismas dimensiones que tiene la pasión por esta forma de arte callejero.
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Foto: Tome paâ&#x20AC;&#x2122; que pegue - 2018 | @tonygrandetruandise
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Foto: Tome paâ&#x20AC;&#x2122; que pegue - 2018 | @tonygrandetruandise
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Diseño calcas: Tome pa’ que pegue - 2018 | @pozbueno
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Diseño calcas: Tome pa’ que pegue - 2018 | @byousart
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ogotá Graffiti Tour es un acontecimiento que lleva ocurriendo durante bastantes años, dos veces por día, en la ciudad de Bogotá, Colombia. Sus recorridos guiados resaltan el arte urbano callejero y los actores principales que se encuentran en este medio en la ciudad. Adicional a esto, el tour tiene un punto de encuentro, la Casa Bogotá Graffiti, en donde estos mismos artistas comparten su arte .
Diseño: Tome pa’ que pegue - 2018 | @gavilan
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