Santiago Ferreira 2016 / Portfolio by Santiago Ferreira Restrepo

04 05

MACBETH / DOS VISIONES EN UN ESCENARIO

SEIN / EL ESPACIO, OTRO MEDIO DE COMUNICACIÓN

CARNAVAL DEL DIABLO / UN MERECIDO SILENCIO

MACONDO / FERIA INTERNACIONAL DEL LIBRO DE BOGOTÁ 2015

MONSEUR PERINÉ / LANZAMIENTO DEL ÁLBUM “CAJA DE MÚSICA”

BLACK, EL PAYASO / HACER DE UN MÍSERO PAYASO

ROSAS. AMAZONAS 1900 / BOCHORNO

PSF PORTAFOLIO SANTIAGO FERREIRA

Director Santiago Ferreira Restrepo Redacción Santiago Ferreira Restrepo Corrección de Estilo Beth Johnson Diseño y Dirección de Arte PH3 ESTUDIO www.ph3estudio.com ferreira10c@gmail.com / Bogotá Colombia. 2016

Encontrarle un valor al diseño es encontrarle un valor a mi ocupación y en consecuencia, encontrar realización y éxito personal. Para mi, el diseño adquiere valor en su calidad de transmisor de símbolos e historias y en su condición de catalizador de la cultura y de la sociedad. Mi ambición es conocer nuevas esferas del universo creativo y narrativo, enriquecer mi trabajo y el de quienes me rodean, no solo contar historias sino escribirlas y continuar descubriendo y asombrándome con nuevas oportunidades y talentos… En esta edición de mi portafolio, comparto las ideas y los procesos detrás de algunos proyectos en los que he participado en los últimos dos años. Este ejercicio me sirve de reflexión y de vitrina. Aunque habrá muchos detalles que queden por fuera de los textos, espero que la presencia de imágenes y diseños faciliten la comprensión de cada proyecto, permitan entender la magnitud de cada uno y den testimonio del empeño y dedicación que ha puesto cada equipo que ha estado involucrado. Muchas gracias por recibir y revisar este material. Siéntase libre de conservar este ejemplar. A Santiago Ferreira Restrepo. Carta del director para sus lectores. Escrita el 28 de Abril de 2016.

Exteriorizar las ideas nos da perspectiva, analizar en detalle nos da panorama y aceptar el cambio con facilidad nos garantiza una mayor productividad creativa.

Ideas Sueltas

Soy diseñador por curiosidad. La curiosidad se ha convertido en mi oficio. Me apasiona contar historias. Las cuento en el idioma que me enseñó mi profesión: la narrativa visual. He descubierto el diseño como una vocación y he aprendido a explorar. Me he convencido de que la investigación es la herramienta más valiosa del diseñador y que ésta es el origen mismo de la creatividad. Exteriorizar las ideas nos da perspectiva, analizar en detalle nos da panorama y aceptar el cambio con facilidad nos garantiza una mayor productividad creativa.

Director Santiago Ferreira Restrepo Writing Santiago Ferreira Restrepo Style Correction Beth Johnson Art Direction & Design PH3 ESTUDIO www.ph3estudio.com ferreira10c@gmail.com / Bogotรก Colombia. 2016

In my opinion, design is valuable because it can be used as a message carrier and because it can act as a cultural and social catalyst. Finding these values is a joy for me as a designer, since I can relate my success and happiness to them. My ambition for the future is to discover new forms of narrative and creative work, to collaborate with other people in order to make their work and mine better, to create stories and not just to tell them and finally to keep up the spirit of adventure and learn more talents… In this portfolio edition I want to share the process and the ideas behind some of the projects I’ve been involved over the past two years.This exercise is good to showcase my work, but it´s also a good way to reflect over what I´ve done and how I´ve felt about it. Even though you may find that some details are left out, I hope that the pictures and designs attached are useful and let you get a better understanding on how each project was made, how the team developed them and what was the intention behind each design decision. Thanks for taking the time to read this material. Feel free to keep this copy.

A Santiago Ferreira Restrepo. Director’s letter to his readers Wrote on April 28th 2016.

Understanding problems and projects in detail can give us a wider view, and being receptive with change can ultimately increase our creative productivity.

Loose Ideas

I believe I´m a designer because I’m curious about the world I live in. I usually think that curiosity is my occupation. I´m passionate about telling stories but I use visual narratives to tell them. I´ve discovered design as my vocation and so I´ve learned to explore. I´m convinced that research is the most valuable tool for designers and that creativity is derived from it. Getting ideas out of our minds and putting them in front of us can give us perspective. Understanding problems and projects in detail can give us a wider view, and being receptive with change can ultimately increase our creative productivity.

PROYECTO01 - PROJECT01

Rosas Adaptaciรณn Guiรณn Bochorno

Roses Script Remake Sordid Heat

PROYECTO01 - PROJECT01

ROSAS

BOCHORNO

PROYECTO01

La actitud del director de arte debe ser propositiva y arriesgada.

Me atrevería a decir que un guionista tiene la certeza de que cualquiera de sus obras terminadas en el papel tendrá una cara completamente distinta cuando sea interpretada, adaptada y transformada en una pieza audiovisual. Sugerir cambios en un guión pareciera ser una labor que ejercen directores, productores e incluso otros escritores, pero no necesariamente un asunto del departamento de arte. Sin embargo también creo pertinente que desde el momento en que se concibe una obra, se debería recibir la retroalimentación del equipo artístico antes de empezar a desarrollar cualquier idea. Cuando el departamento de arte sugiere cambios que son respetuosos con la obra y pueden enriquecer la historia con universos más complejos, vale la pena tenerlos en cuenta.

Colaboradores: Santiago Ferreira / Fotografía Ricardo Sarmiento / Profesor y director del proyecto -

PORTAFOLIO

Daniela Álvarez / Diseño de escenografía Laura Durán / Camila Lozano Diseño conceptual y vestuario -

Esta adaptación espacio-temporal del guión “Rosas” de Vito Mantega realizada como ejercicio académico para el programa de diseño de la Universidad de los Andes, tiene como objetivo principal evidenciar ese principio. Busca poner a prueba la creatividad, obligando a los equipos de diseño a sugerir nuevas atmósferas y a crear geografías que funcionen armónicamente con la estructura narrativa de una obra terminada. Para entender la propuesta que se desarrolló como parte del ejercicio, es indispensable contextualizar al lector con el argumento original sugerido por el autor: La historia se sitúa en la sabana de Bogotá y en la actualidad. El tema gira en torno a la supervivencia y a los extremos a los que está dispuesto a llegar el ser humano para continuar con vida.

Utiliza como universo principal esos cultivos de rosas que se esparcen a lo largo de la sabana y que han sido manejados y custodiados por unos cuantos finqueros que controlan el negocio de la exportación de rosas. Entre una familia floricultora y unos ladrones motivados por la ausencia de

BOCHORNO

ROSAS

Un universo lleno de tensión que permitiera explotar los atributos de cada conjunto de personajes al límite.

PROYECTO01

recursos para tratar una enfermedad, se desarrolla un thriller que los involucra a todos en asesinatos inesperados y extorsiones arregladas. La urgencia por sobrevivir lleva a los ladrones a cometer errores que beneficiaran a la ambiciosa hija de un viejo floricultor.

PORTAFOLIO

Para nuestro equipo de dirección de arte, conformado por 4 estudiantes, era indispensable encontrar una geografía y un universo que representara la urgencia, la maldad y la necesidad; un universo lleno de tensión que permitiera explotar los atributos de cada conjunto de personajes al límite. Por estas razones y con una investigación contextual e histórica, propusimos situar la obra alrededor de 1900, durante el auge de explotación de caucho en la región amazónica y fronteriza entre Brasil, Colombia y Perú. La demanda del caucho a nivel mundial se disparó hacia 1900, impulsada en gran medida por la industria automotriz. Los colonizadores de la selva, que provenían del interior de los países en cuestión, traían los recursos necesarios para explotar el caucho y obtener riquezas apresuradamente. Este colonizador oportunista inspira (en nuestra aproximación) los personajes de Lía y Hugo, la ambiciosa hija y su padre que anda en busca de nuevos mercados. Por otra parte, con la explotación del caucho se desarrollaron velozmente algunos puertos que permitían la extracción del material hacia los océanos. Ciudades como Iquitos en Perú o Belém do Pará en Brasil, vieron la llegada del progreso a sus puertas. Sin embargo, en estas ciudades se establecieron también comunidades indígenas y afro-descendientes desplazadas, diezmadas y explotadas. Las riveras de los ríos se llenaron de viviendas informales y las ciudades portuarias se volvieron centros de invasión en los que resaltaba la pobreza y sordidez, consecuencia de la ambición de los terratenientes y patrones caucheros.

PROYECTO01

ROSAS

BOCHORNO

PORTAFOLIO

Los nativos, protegidos durante siglos por la selva, fueron entonces víctimas del sincretismo que fundía sus costumbres y creencias con las que imponían sus amos y señores. Este modelo de invasor de la ciudad fue el que inspiró los personajes de los ladrones (Matilde, Nelson y Martín). No sólo se polariza la diferencia de clases sociales entre el indígena y el patrón, sino que se refuerza la diferencia de etnias, que en la época representa una desventaja trascendental. Esta adaptación del tiempo-espacio, que modifica el universo de los personajes, nos permitió otorgarle a las locaciones y a la escenografía un contenido poético y conceptual que reforzaba los principios que quisimos comunicar. Procedimos a realizar una maqueta escala 1/10 para ejemplificar lo que en el guión original era “el apartamento de los ladrones”; nuestro concepto para el desarrollo de esta propuesta fue el “bochorno sórdido”. En el equipo, conformado por cuatro diseñadores, tuve la oportunidad de estar a cargo de los diseños de la vivienda de los ladrones, una cabaña informal construida de guadua y techos de paja ubicada en la rivera del rio Amazonas. En el diseño, se quiso acentuar el ambiente húmedo y bochornoso con el desgaste de las maderas, el exceso de moho y texturas de pintura derretida por el sofocante calor. Esto, a su vez, resaltaría el desgaste en los personajes, su enfermedad, su condición vulnerable y el hecho de estar acorralados. De igual manera, la estructura sostenida por frágiles columnas que impiden que el rio se lleve todo, enfoca esa inestabilidad de los personajes.

En la cabaña, los espacios curvos o circulares pertenecen al universo de Matilde, una especie de oráculo que se caracteriza por adorar lo mágico y lo oculto, mientras que los espacios angulares y rectos pertenecen a Nelson y a Martín, quienes representan la decadencia y la pobreza. La producción de la maqueta estuvo a cargo de todo el equipo, pero mientras unos se enfocaban en el vestuario y maquillaje de los personajes que allí interactuaban, otros dedicábamos nuestra atención a finalizar elementos de decoración y a conseguir utilería acorde a la época y a las condiciones narrativas de nuestros espacios. Junto con la maqueta, se presentó una serie fotográfica que buscaba recrear una de las escenas del guión. Para esta serie, construimos el “altar de Matilde” a escala 1/1 en una cabaña real en un bosque, y junto con vestuario, maquillaje e iluminación le dimos vida a ese universo bochornoso que era hogar de los ladrones. Desde nuestro punto de vista, la cabaña de los ladrones que hace parte de nuestra propuesta de dirección de arte, ofrece a la historia un complemento narrativo atractivo y poderoso, que no solo le da un misticismo especial a los personajes, sino que transmitirá las sensaciones y emociones de los mismos desde una aproximación estética. Finalmente, después de varios meses de investigación y producción, este trabajo fue expuesto en la feria Andando de la Universidad de los Andes en su versión 2014-1.

BOCHORNO

En esta serie, además de contribuir en la decoración del set, participé como director de fotografía.

PROYECTO01

ROSAS

PORTAFOLIO

A B C D E F G

Still/ Puesta en escena Rosas Detalle Comedor Amazono Detalle Altar general amazono Detalle vista superior Comedor Detalle Terraza Amazona Vista General Cabaña Comedor y Altar

Todos los detalles fueron extraidos de la maqueta tamaño 1/10.

ROSES

SORDID HEAT

PORTFOLIO

PROJECT01

I believe that art directors must have a very purposing attitude, and should be taking risks. Screenwriters are always making changes over their scripts. This is part of a natural writing process in which a film or a play becomes consistent. These changes are commonly made by the writer himself or suggested by the people that work with him such as directors, producers or even other writers. Although this is very common within the writing process, you wont expect the art department to suggest big plot changes after the script is finished. I believe that art directors and production designers must have a very purposing attitude, and should be taking risks in order to help the piece look better.

As designers, we understand the power of image, we know that spaces tell stories, that costumes help to guide the character´s journey, and that every object in camera or stage must be there for a reason, so its very relevant for the story to hear the ideas from us, even when it might seem late for a change.The artistic input is intended to help actors, directors and writers communicate more accurately. This re-make of Vito Mantega´s Script “Rosas” was part of a project made by a group of design students for the Universidad de Los Andes program, and its main goal is to test the capability of designers to transform a finished script without losing the main story or being disrespectful with the author´s work.

SORDID HEAT

Our adaptation of the script is set in the Amazon region that divides Colombia, Brazil and Peru and that during 1900 was the scenario for the rubber boom. During this period, lots of “wealth thirsty” settlers, turned to the jungle looking for rubber. This kind of ambitious settler suited perfectly for the evil daughter and her landlord father (Lia and Miguel). During the rubber boom, this kind of settlers were willing to do anything to get the rubber first, so the fact that they were part of this conquest of the jungle made their characters even stronger.

It was imperative to find a universe where the tension between the characters was really pronounced. PROJECT01

For our art direction team, it was imperative to find a universe where the tension between the groups of characters was really pronounced, since we saw lots of evil, urge, necessity and hierarchies in them. We needed a universe that let us explore each character´s attributes. With this in mind, we set an investigation to find a context that could fit our needs, and after looking through several options we decided to go with the following:

ROSES

To understand the universe we created is important to know a few details of the original plot. The story takes place in Bogotá, in present days. In general terms, it´s a story about survival, and how people are willing to do everything to remain alive. A Landlord´s daughter is willing to get rid of her father in order to own the flower export business, while a group of thieves plan to kidnap the same landlord in order to get money in exchange for the rescue.They acted desperately because they needed to pay for a health treatment they couldn´t afford.

PORTFOLIO

With the growth in the rubber demand, port cities located by the Amazon River started growing quickly. Entire cities of slums were built in the riverside and were populated by indigenous and African communities that were either slaved, killed or forced to leave their hometowns. Houses build with bamboo sticks and thatched roofs became the façade of a decadent and sick society. These towns, and the people who lived in them, perfectly represented what we wanted to show with the thieves (Matilde, Nelson and Martin). To show the precise feel of what we wanted this new universe to communicate, we decided to make a model in a 1/10 scale showing what in the original script was the “thieves apartment” location. Our conceptual ground for building this piece was the intention to make the audience feel the “sordid heat” that degenerates people, the humid and suffocating environment in which the thieves were submerged. And so, we started our design and production process. In the creative team, I was in charge with the main designs of the cabin. We decided to use curved spaces to show those places that belonged to Matilde, some kind of oracle that represented the convergence in believes, a magical but dark world. On the other side, we used straight edges to identify Martin´s and Nelson´s places. This helped us showing the roughness of their situation and the poverty they lived in.

PORTFOLIO PROJECT01

ROSES

SORDID HEAT

Collaborators:

ROSES

Daniela Álvarez / Scenery Design Laura Durán / Camila Lozano Concept and Costume Design Santiago Ferreira / Photographer Ricardo Sarmiento / Teacher and Project Director -

The paint and texture finishes, were intended to show the heat, the melting paint in the walls and the intense color contrasts reflected this principle. A few misplaced columns showed the fragility of the structure and the sickness of the characters. The whole cabin was designed to be dark, only the light that comes from the windows illuminated the interior, along with a couple of candles. We wanted to encourage rough shadows and a very contrasted image. This will give the place a mysterious look and it would take the audience H to a somber mood.

A B C D E F G H

Still/ Staging “Rosas” Dinner Table Detail Hut from Outside Amazon Altar Detail General Hut View Hut from Outside (Detail) Kitchen View Bedroom View

All details were extracted from the 1/10 model size.

After the final designs were finished we started building the model. All the team was involved in this process. At the beginning some of us focused on building walls and flooring. Then, some started looking for props while others worked on the finishes of the façade. After that, some of us worked on the roofs while others worked on the costume design of the characters that appeared in this location. When the cabin was finished, we decided that we needed to take the project to the next level, so we made a photo session in which we recreated one scene of the script. The scene we chose was set in Matilde´s altar, so we found a cabin in a forest and did the proper set decoration to reenact the scene. For this session, we worked hard on the light contrasts and the deep shadows that were part of the original art concept. The final group of elements that we presented as part of our art direction proposal was exhibited in the design expo “Andando” in the first semester of 2014.

PORTFOLIO

I had the opportunity to be the director of photography.

PROJECT01

PROYECTO02 - PROJECT02

Black, el Payaso Opereta Española Hacer de un mísero Payaso

Black, el Payaso Script Remake From Clown to King

PROYECTO02 - PROJECT02

HACER DE UN MÍSERO PAYASO...

PROYECTO02

BLACK, EL PAYASO

Para lograr esta hazaña, el equipo debió trabajar incansablemente realizando los largos procesos investigativos, de diseño y de producción.

PORTAFOLIO

Revivir una opereta española de mitad del siglo pasado ha sido un verdadero reto. Actualizar y re-construir una producción de este estilo ha significado una verdadera prueba para el teatro mismo, como disciplina y manifestación. Aunque en la actualidad las óperas más importantes de la historia son recreadas una y otra vez en los escenarios más relevantes del mundo, cuando se trata de una obra escrita en un periodo y contexto tan delicados y particulares, es vital ser cuidadoso con la propuesta creativa, aún más cuando se intenta recrear en una escena como la colombiana, donde el público para este tipo de espectáculos todavía no está afianzado. “Black, el Payaso”, es una opereta compuesta por Pablo Sorozábal, uno de los compositores españoles más importantes del siglo XX. La pieza, compuesta en un prólogo y tres actos, fue estrenada en Barcelona en 1942. Retrata las miserias detrás de la máscara, no solo de los payasos, sino de los aristócratas que gobiernan un país sumido en una difícil guerra civil. La historia ocurre en una Europa ficticia. El gran Ducado de Orsonia ha perdido a su gobernante en las ocurrencias de la guerra. La princesa Sofía, escondida en el exilio, confunde a su prometido, el Duque Daniel de Orsonia, con un payaso de circo. La princesa entonces convence a este payaso de gobernar su pueblo. Las verdades se van descubriendo de a

poco: los payasos regresan al circo, los rebeldes reclaman el poder y los gobernantes que se creían muertos aparecen refugiados en personajes ficticios tratando de evitar su destino. En otras palabras, Black es una reflexión sobre las verdades detrás de las fachadas que como seres humanos exhibimos ante los demás. Sin importar nuestra condición, siempre escondemos secretos que nos mortifican el alma. La apuesta que se hizo para llevar esta mega producción a Colombia, resultó de una adaptación mixta que se hizo entre “Black, El Payaso” e “I Pagliacci” en el Teatro de la Zarzuela en Madrid. Habiendo sido presentada a inicios de 2014 en Madrid, la propuesta conmocionó la esfera teatral iberoamericana y llamó la atención de los directores del Teatro Colón de Bogotá. Se invitó entonces al director de escena Ignacio García, quien había dirigido el proyecto en España, a realizar una nueva adaptación para el reconocido teatro en Bogotá. Junto con él, se incorporó a la artista Laura Villegas, quien a su vez, conformó un equipo de arte para llevar a cabo la propuesta en tiempo record. El proyecto inició a finales de Septiembre de 2014 y el estreno se llevó a cabo el 6 de Noviembre. Para lograr esta hazaña, el equipo debió trabajar incansablemente realizando los largos procesos investiga-

HACER DE UN MÍSERO PAYASO...

La escasez de tiempo, implicó un esfuerzo mayor por parte de todos los involucrados, así que tuve la oportunidad que apoyar la decoración del set, la finalización de vestuario, la construcción de elementos de utilería especiales para esta adaptación y finalmente participar como asistente de utilería en las presentaciones, preparando el escenario para cada presentación y alistando los elementos durante la función para el uso de los solistas y los miembros del coro.

en decadencia. Del mismo modo, el marco que funciona de recuadro para toda la obra, recuerda permanentemente la noción del espectáculo. La obra ocurre como si todo fuese una función del circo, las políticas exteriores de Orsonia se pactan dentro de este gran marco dorado que ilumina a los artistas permanentemente.

PROYECTO02

Ahora bien, para transformar esa carpa de circo en un palacio real, se hizo uso de grandes elementos móviles que permitían ubicar al espectador en uno u otro espacio. El palacio se adorna con un enorme espejo que entra en escena acompañado de una pila de maletas. Este gran espejo, refleja la verdadera cara de los personajes, aunque solo deja ver una imagen deformada por el cristal y el polvo que lo cubre. En En términos generales, la propuesta quiso ser un homenaje al nuestra adaptación, las maletas son un elemento constante circo, a los artistas nómadas y a las caravanas que recorrieron que se repite en la obra innumerables veces. Representan el Europa en tiempos pasados, levantando circos en tantos luga- constante movimiento del circo, el escape de los personajes, res y divirtiendo a los pobladores de tantos pueblos y ciudasu necesidad por huir y construir un nuevo destino. des. La propuesta escenográfica no se alejó de este principio y buscó dar prioridad al componente circense. El diseño La noción del palacio real estuvo reforzada mediante el uso del piso denota una carpa de circo desgastada y re-utilizada del vestuario como un complemento escenográfico. Lo que cientos de veces. Esta carpa se extiende hasta rebosar sobre el en la escena de apertura es un trapecio del circo se transfoso de la orquesta. forma en un columpio sobre el cual canta la princesa Sofía, ostentando una enorme falda que cuelga cinco metros hasta El telón de fondo es una cortina hechiza de retazos que el el piso. La magnitud del espejo estuvo equilibrada con el circo ha instalado. Permite ocultar las paredes de una ciudad majestuoso gesto de vestuario.

BLACK, EL PAYASO

tivos, de diseño y de producción en un tiempo bastante reducido. Además de asistir el diseño de escenografía, me vi involucrado en todos los procesos del departamento a lo largo del proyecto.

PORTAFOLIO

HACER DE UN Mร SERO PAYASO...

PORTAFOLIO

PROYECTO02

BLACK, EL PAYASO

La propuesta quiso ser un homenaje al circo, a los artistas nรณmadas y a las caravanas que recorrieron Europa en tiempos pasados. G

Posteriormente, las jaulas circenses que entran en el segundo acto funcionan de metáfora para describir el gobierno de los payasos. En realidad han quedado atrapados en su mentira; de alguna manera no pueden ocultar su origen, su realidad los persigue. Aunque el pueblo y la realeza los han confundido con los gobernantes caídos en combate, los payasos anhelan el circo. Mientras tanto, el numeroso coro de la ópera, en representación del pueblo, ofrece cientos de rosas a su gobernante. Miles de pétalos caen de la tramoya y los coristas arrojan rosas durante el regreso del gran Duque Daniel. El gesto se convierte en una nueva manifestación escenográfica.

BLACK, EL PAYASO

HACER DE UN MÍSERO PAYASO...

Durante la función, el escenario se transforma una y otra vez mediante la aparición de elementos móviles, que se debaten constantemente entre lo majestuoso y lo extravagante. Los corceles del reino son caballos de carrusel, las ofrendas a los reyes son globos que quedan en el suelo como escombros y los jardines de rosas terminan por ser aplastados por los rebeldes, que asaltando el palacio destruyen el telón de fondo descubriendo un mural de afiches desgarrados, sobre puestos y atiborrados. La propuesta de “Black, El Payaso” resalta la dualidad y propone un mundo deteriorado y oscuro.

PROYECTO02

Por otra parte, la dirección de los movimientos de utilería durante las funciones ha sido una experiencia gratificante. Aunque el ritmo de la función y el volumen de personas en tarima obliga a ser un poco exigente, organizar los elementos de utilería para cada movimiento fue una tarea interesante. Pude aprender a manejar y a liderar un equipo de personas, en la medida en que hubo que establecer procedimientos para la toma y entrega de objetos, al igual que tuve que ser muy organizado, con el fin de conservar hasta el más pequeño de los artículos para la siguiente función.

PORTAFOLIO

Consecuentemente, el mundo circense de Black ha permeado otros espacios. Durante las funciones, el espacio público frente al teatro Colón, una calle peatonal que se comparte con la cancillería, fue intervenido y transformado en un circo itinerante. Allí, los carteles de feria y los espectáculos callejeros se robaron la atención de los transeúntes. Las piezas gráficas y el mobiliario público que se exhibieron en esta zona fue parte de nuestro aporte desde el departamento de arte.

BLACK, EL PAYASO

HACER DE UN MÍSERO PAYASO...

PROYECTO02

Finalmente, el éxito de Black, ha obligado al Teatro Colón a programar una segunda temporada en Diciembre de 2015. El público colombiano recibió esta propuesta de la opera circense con bastante agrado. El esfuerzo de adaptar una opereta española de esta magnitud en tan corto tiempo fue satisfecho con un lleno total durante dos temporadas. Los errores que pudieron haberse quedado de la maratónica apuesta de la primera temporada, fueron ajustados y perfeccionados para la segunda. Sin embargo, la energía del circo se mantuvo desde el primer momento.

PORTAFOLIO

22 Colaboradores: Ignacio García / Dirección Escénica Ramiro Gutiérrez / Asistente escénico Bogumil Palewicz / Diseño de Iluminación Jimmy Rangel / Coreografía Laura Villegas / Dirección de arte Fundación Circo Para Todos Luis Díaz / Coro de la Ópera de Colombia

Servando Díaz / Realización de Vestuario H&G Studios / Producción de Escenografía Alejo Restrepo/ Diseño de Maquillaje Rosario Díaz / Producción de Campo Juan David Castellanos / Fotografía Alejandro Roca / Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia Ministerio de Cultura

La virtuosa ejecución de los actores y la talentosa voz de los cantantes líricos, acompañados por la Orquesta Sinfónica de Colombia, el Coro de la Ópera, y un conjunto de más de 15 artistas de circo, permitieron a los asistentes disfrutar un espectáculo que ha sentado un precedente en la escena teatral colombiana.

PORTAFOLIO

PROYECTO02

BLACK, EL PAYASO

HACER DE UN MÍSERO PAYASO...

A White y Black en el prólogo B Duo cómico frente a las maletas C Vestido de Sofía en el trapecio D La corte recibe a su nuevo Rey E Bienvenida del rey/lluvia pétalos F Vista general del escenario G Romanza de Black H El castillo de Sofía I Jaula como Trono J Himno de Orsonia K White planea la huída del palacio L Los libros del Cronicón

FROM CLOWN TO KING...

BLACK, EL PAYASO

The team had to work really hard, expediting the research, design and production processes.

PROJECT02

PORTFOLIO

Updating an old theatrical piece its always a challenge. It´s even harder when you are willing to show an important Spanish operetta in front of an audience as the Colombian that is not yet familiar with this kind of events. Even though many opera houses around the world are bringing all kind of operas back to life, when it comes to a Spanish operetta from 1942, you have to be very convincing in order to attract any audience. Additionally, the context in which the piece was written has to be somehow preserved so the audience can get the message properly. “Black, el Payaso” was composed by Pablo Sorozábal, one of the most important composers in Spanish history. The structure of the piece is divided into a prologue and three acts and it was first released in Barcelona. The story talks about the miseries of the human condition. It doesn’t matter if you are a king or a clown, you´ll always have something hidden that bothers you.

Orsonia, a fictional European country is doomed into Civil War. The Duke, leader of the Orsonian people, was thought to be murdered during a rebel assault. The country was lost; the princess had to escape to Paris and the people lost their leaders. All hopes were starting to fade away. After a while, the princess attends to a circus show, where she gets convinced that one of the clowns is the dead prince. The clown, who was also in loved with the princess, claimed the Duke´s title and ruled Orsonia as the legitimate leader along with his clown comrades. At the end, all truths are reveled: the clowns return to the circus, the rebels claim the power and the dead governors come back to life in hidden personalities. In other words, Black reflects on how we always wear a mask, and how that mask is believed to be truth when we are really hiding our real feelings. The effort made to bring this huge production to Colombia was inspired by the double program event that the Teatro de

Besides helping with the stage design, I got involved in most of the tasks assigned to the art department. The lack of time taught us that we could work simultaneously in several things. In my case, the additional tasks were related to the set decoration, the costumes decoration, the prop making and finally working as a prop assistant during the entire season, setting the stage before every show and checking that every character went to stage with the correct elements. During the design process, we stated that the circus was going to be our main esthetic component. We wanted to pay a tribute to the traveling circuses of eastern Europe. For this

In order to turn this tent into a royal palace, we used some scenic elements related to the royalty (The audience had to be able to tell if the scene was taking place in a different location than the circus). A huge mirror and a pile of traveling bags and chests comes into the stage to exemplify the princess mansion. The mirror reflects a dirty and deformed image, the true image of everyone in front of it. Meanwhile, the pile of bags is reflecting the idea of escaping, of changing, of finding a different destiny. Bags are used repeatedly during the show, since this conceptual value was very important for us. In addition, to show the majestic character of the palace, we also used costume design as part of the scenography concept. A trapeze that was used by the circus during the opening scene, turns into a swing in which the princess sits wearing a 5-meter-long skirt. The size of the mirror was balanced by the length of the skirt, the composition looked beautiful.

PROJECT02

Along with him, the art director Laura Villegas and her team were called to action. The challenge was to create and develop the full show in a couple of months. The project started officially in late September 2014 and the release took place on November the 6th. To manage this test, the team had to work really hard, expediting the research, design and production processes.

reason, the empty stage was designed as an old circus tent. The floor depicted a decay red and yellow striped design referencing the traditional colors of the circus. The back curtains were ragged pieces of fabric that the circus had to set up in order to hide the city walls. An extravagant frame located in the proscenium made everything inside the stage look as part of the circus.

PORTFOLIO

la Zarzuela exposed in Madrid in April of 2014 (“Black, el Payaso” and “I Pagliacci”). Finding special interest in this event, the directives of the Teatro Colón of Bogotá called Ignacio García, the scenic director, and invited him to direct the operetta in Bogotá a few months later.

BLACK, EL PAYASO

FROM CLOWN TO KING...

BLACK, EL PAYASO

FROM CLOWN TO KING...

On the other hand, the circus cages that appeared during the second act were perfect to show how the clowns were trapped in their fake lives. They have fooled themselves by becoming governors when they really belong with the circus. Even though the people still believes that they are the real governors, the clowns are trapped in their own cages, trying to find a way out.

The stage design was really complex and filled with metaphors and hidden symbols. OperaÂ´s stories are hard to follow, the stage design for these kind of shows needs to be an aid for the audience to understand the story.

PORTFOLIO

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At the same time, the opera chorus (representing the people of Orsonia) were glad to have their prince back and received him with roses. Thousands of petals fall from the stage machinery as a tribute to their governor. This gesture becomes part of the scenography as the red petals cover the entire stage.

As weÂ´ve seen, the stage is transformed several times during the show using specific elements to describe different situations. These massive elements are always showing a majestic but extravagant character. Many examples of this can be found throughout the show. Stallions are carousel seats, backing curtains are torn down discovering a wall full of old posters, festive balloons turn into debris after the celebration and rose gardens are crushed by the rebel armies.

Even outside the theatre, the importance of stage design is vital to get the audience to focus on a specific topic.This is why we intervened the front street of the theatre and set a small circus show.The artistic elements that were located in this show were also designed and built by us. Finally, with the success of the first season, the theatre was able to schedule a second season for December 2015.The Colombian audience received Black as it was, amusing, deep, entertaining and diverse.

BLACK, EL PAYASO

FROM CLOWN TO KING...

PORTFOLIO

During the design process, we stated that the circus was going to be our main esthetic component. We wanted to pay a tribute to the traveling circuses of eastern Europe.

PROJECT02

â&#x20AC;&#x153;Black, el Payasoâ&#x20AC;? has set a precedent in the Colombian theatrical scene, and has opened many doors for a much more elaborate theatre in the country.

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BLACK, EL PAYASO

FROM CLOWN TO KING...

PORTFOLIO

28 A Luggage Kart B Carousel Horse C Decay Posters Wall D Director´s Cage E The Lion Cage / Throne F Sofia’s News G Quartet Playing “The Cronicón” H Rebels Taking Over I Prologue / Circus Show

The appearance of lyric singers, actors, the Symphonic Orchestra of Colombia and a group of circus artists made this event special and worthy. Collaborators: Ignacio García / Scenery Director Ramiro Gutiérrez / Scenery Assistant Bogumil Palewicz / Lighting Design Jimmy Rangel / Choreography Laura Villegas / Art Direction Fundación Circo Para Todos Luis Díaz / Ópera de Colombia Choir

Servando Díaz / Costume Design H&G Studios / Scenery Production Alejo Restrepo/ Makeup Design Rosario Díaz / Production Juan David Castellanos / Photographer Alejandro Roca / Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia Ministerio de Cultura

PORTFOLIO

PROJECT02

BLACK, EL PAYASO

FROM CLOWN TO KING...

PROYECTO03 - PROJECT03

Monseur Periné Lanzamiento del Álbum “Caja de Música” Algo más que un Concierto

Monseur Periné Album Release “Caja de Música” Beyond the Concert

PROYECTO03 - PROJECT03

PROYECTO03

MONSEUR PERINÉ

ALGO MÁS QUE UN CONCIERTO

PORTAFOLIO

Colaboradores: Sony Music / Producción Teatro Jorge Eliece Gaitán / Producción Laura Villegas / Dirección H&G Estudios / Producción escenográfica y decoración Alexander Gumbel / Diseño de Iluminación Jimmy Rangel / Coreografía Monsieur Periné / Artistas, músicos Árbol Naranja / Montaje y sonido Lina Botero / Santiago Ferreira Fotografía

El mercado musical ha cambiado drásticamente en la última década. El consumo de productos musicales ha migrado hacia las plataformas digitales y la facilidad de acceso a cualquier contenido musical se ha multiplicado cientos de veces. Por un lado, este fenómeno ha permitido que una cantidad mayor de artistas puedan surgir de manera independiente, ofreciendo sus productos en plataformas de mayor alcance, pero por otro lado, al haber abierto las puertas de estas nuevas plataformas, ha impedido que algunos artistas tengan la notoriedad que tendrían en un mercado más reducido. Es por esta razón que los nuevos proyectos musicales se han visto obligados a construir propuestas conceptuales que trasciendan lo musical. Un artista joven debe ofrecer toda una experiencia emocional que gire en torno a su música; los artistas se convirtieron en marcas. Independientemente de lo positivo o negativo que puedan ser estas repercusiones del cambio en el mercado musical, lo importante es que artistas como los recientes ganadores del Grammy latino, Monsieur periné, han entendido el cambio y se han adaptado rápidamente a las nuevas exigencias del público.

ALGO MÁS QUE UN CONCIERTO

Unos meses antes los productores de la banda se pusieron en contacto con la directora Laura Villegas, invitándola a dirigir conceptual y artísticamente la puesta en escena. Una vez aceptado el reto, la invitación se extendió a mi para participar como asistente de dirección, asistente de producción y diseñador.

Posteriormente, la exploración se concentró en buscar espacios y elementos que sirvieran como filtros de emociones; elementos que al estar cerrados tuvieran un carácter mucho más sobrio y más oscuro y al estar abiertos tuvieran ese carácter fantástico y excitante. Las emociones cambiarían con la narrativa del set list del concierto y por eso los elementos escenográficos no podían ser estáticos, deberían permitir, con transformaciones muy simples, pasar de un estado emocional alto a uno muy bajo. La búsqueda de estos espacios nos llevó a encontrar en las bodegas de carga un escenario perfecto. Estos centros de logística comercial tienen la particularidad de que en ellos convergen expresiones culturales de todo el mundo, y en esos guacales y contenedores, que no están allí sino transitoriamente, se esconden maravillas todavía no descubiertas.

El trabajo conceptual empezó, como suele hacerse en los proyectos creativos, con una búsqueda de referentes alineada con las ideas del cliente. En conjunto con la banda, se empezó a explorar la idea de la caja de música como un mapa que propone un recorrido o como un medio para navegar y descubrir lugares inexplorados. Esta propuesta conceptual se exploró a lo largo del proceso de diseño y sirvió como base estructural para realizar una propuesta concreta y sólida.

PROYECTO03

En un comienzo, la caja de música se concibió como un portal que remite a esos lugares inexplorados y fantásticos, que se se plasmaron con colores fluorescentes y ácidos, y hacia un universo de ficción que intentaba hacer referencia a la magia de la naturaleza, la geometría sagrada y las criaturas míticas como muestras de esos tesoros que guardan algunos lugares.

PORTAFOLIO

Ejemplo de esto, es el lanzamiento de su más reciente álbum, Caja de Música, donde han querido convertir su show musical convencional en un relato escénico con un concepto artístico acorde a su identidad musical. El tradicional teatro bogotano Jorge Eliecer Gaitán fue el escenario para esta puesta en escena que se llevó a cabo el 10 de Octubre de 2015.

MONSEUR PERINÉ

El trabajo conceptual empezó con una búsqueda de referentes, como suele hacerse en los proyectos creativos.

ALGO MÁS QUE UN CONCIERTO

Los guacales y las cajas de la bodega sirven de tarimas para los músicos y permiten esconder el universo fantástico y colorido que llevan en su interior. Estos guacales dejan ver rastros de sellos e imágenes de todos los sitios que han recorrido alrededor del mundo, sirven de postales para ejemplificar el viaje y el recorrido de la caja de música. Por su parte, la caja de música tiende a confundirse con un contenedor cualquiera, pero al abrirse se convierte en un tocadiscos humano que hace girar a la cantante en una de las escenas inaugurales y da inicio a ese recorrido mágico que inicia en la bodega.

El viaje y los tesoros de la caja de música estuvieron acompañados por el diseño de iluminación de Alexander Gümbel quien acentuó la idea de un lugar transitorio e industrial utilizando en buena medida iluminación de piso con trípodes metálicos ubicados sobre los guacales, así como el trabajo en video que utilizó elementos propios de nuestro diseño conceptual como los animales híbridos para realizar algunas animaciones.

Para quienes participamos en el diseño y la producción del evento, los detalles más imperceptibles al público fueron los que dieron coherencia al proyecto, y los que en buena Tras probar una serie de materiales y jugar con la composi- medida nos hicieron sufrir más. El detalle de los stencils ción de estos jardines de color que se ubicarían en las tapas de las cajas, el desgaste de los sellos, los tonos de color de interiores de las cajas, se logró una propuesta atractiva con las maderas de los guacales, la composición espacial y la la instalación de coloridos jardines de estructuras geomélogística para efectos especiales como la lluvia de plumas tricas en origami desarrolladas por la artista Diana Gamboa. en la canción “Turquesa Menina”, entre otros, fueron esos En este punto, el trabajo de diseño conceptual que se logros que de no haber tenido un trabajo meticuloso hurealizó previamente, nos facilitó enormemente la comunibieran desarticulado la identidad musical de la banda con la cación con la artista de origami, pues nos permitió explicar propuesta de arte. con claridad y con puntualidad las ideas y emociones que representarían esos jardines. Con un lleno total de más de 1,500 personas, el concierto de lanzamiento de Caja de Música, mas que una presentaCon las propuestas aprobadas, se procedió a construir las ción musical, fue para los visitantes una agradable sorpresa. piezas y a montar el espectáculo. En extensas jornadas duEsa apuesta que hacen bandas como Periné son las que morante más de dos semanas el equipo artístico, de productivan a un público cada vez más exigente, un público que ción y la banda estuvimos ajustando detalles en los ensayos. ya no se sorprende tan fácilmente y que al menos en esta Revisando la distribución de los elementos en el espacio, ocasión, podrá recordar esa noche como algo especial. terminando algunos detalles de decoración de los elementos de la bodega, integrando la narrativa de cada canción a una composición escénica en particular etc.

PORTAFOLIO

PROYECTO03

MONSEUR PERINÉ

La propuesta que desarrollamos, sugiere entonces una antigua bodega de carga que se encuentra en alistamiento. Los encargados de la limpieza son una pareja de enamorados que transformarán la bodega una y otra vez con una coreografía que acompaña el espectáculo de manera permanente. Esta coreografía estuvo a cargo de Jimmy Rangel.

El mundo fantástico que se descubre en el espectáculo, se esconde en los guacales de los músicos principales y en la caja de música.

PROYECTO03

MONSEUR PERINÉ

ALGO MÁS QUE UN CONCIERTO

A B C D E

Coreografía “Dejame Vivir” Vestuario con colores vivos Vista general del escenario Caja de música abierta Telón de Ciclorama

PORTAFOLIO

BEYOND THE CONCERT

36 MONSEUR PERINÉ

As any other creative process, the conceptual work started by getting the initial and necessary input from the band’s members.

PORTFOLIO

PROJECT03

BEYOND THE CONCERT

Collaborators:

MONSEUR PERINÉ

Sony Music / Production Teatro Jorge Eliece Gaitán / Production Laura Villegas / Director H&G Estudios / Scenery Design and Production Alexander Gumbel / Lighting Design Jimmy Rangel / Choreographer Monsieur Periné / Artists - Musicians Árbol Naranja / Assembly - Sound Lina Botero / Santiago Ferreira Photographers

PROJECT03

A few months prior to the show, the band’s producers got in touch with the director Laura Villegas.They wanted her to create and direct a special show, one that gave the album a special meaning, and the band means to impress the audience. Once she accepted the challenge, the invitation was extended to me to participate in the project as a direction assistant, a production assistant and as a designer.

PORTFOLIO

Undeniably, new musical projects have been making an effort The idea of the music box seen as a map or as a tool to to build an artistic concept behind their musical identity. discover un-explored places sounded plausible and entertaining. Young artists are starting to create full emotional experiences that revolve around their music, in order to captivate an auBefore coming to a definitive proposal, we explored several dience that is no longer easily impressed. Artists are turning approaches to the conceptual space by playing with the idea into brands. Arguing whether this phenomenon is good or of the music box as a portal (The music box is a container. bad is not crucial.The point is that some artists, such as Latin Inside, the music is hidden and protected. When the contaiGrammy winners Monsieur Periné, understood this change, ner is opened, the music is released and the fantastic universe and has adapted quickly to the new demands of the audience. that music brings with it, takes the listener to a complete different world). A good example of this is illustrated in their latest opening show, which was conceived from the release of their album Using bright and acid colors, we brought out the magic in “Caja de Música”. With this attempt, they are trying to this conventional object. At the same time, we started looking turn a conventional concert into a theatrical play that works for a way to control the emotions people would feel during according to their musical identity. This show took place on the show. We needed a way to manipulate the attitude to briOctober 10, 2015 in one of Bogotá´s most important plazas, ghten or dampen with few scenic elements or movements. the traditional theatre Jorge Eliecer Gaitan.

As any other creative process, the conceptual work started by getting the initial and necessary input from the band’s members and collaborators. We started with our research in order to align their ideas to our esthetic feel.This collaborative work helped us create a concept for the show. D

PORTFOLIO PROJECT03

MONSEUR PERINÃ&#x2030;

BEYOND THE CONCERT

After looking for several options, our final approach suggests an old cargo container, in which dirty wooden crates carry hidden origami gardens. These would only be visible when the crates were opened, allowing us to control the emotions of the audience. For the brighter songs, the crates would be opened and for the darker ones, closed. On the other side, the music box would also look like a regular crate, but when opened it would turn into a human scale turntable that would make the lead singer rotate inside one of these large gardens. In addition to the mythical universe, three origami hybrid animals were composed in 2D and then taken to the three dimensional space by origami artist Diana Gamboa, who was also in charge of the crate’s gardens. These origami gardens inside the crates represent a fantastic and mythical universe, whereas the wooden covers represent the journey of the music box. If you look carefully, you can see some traces of all the local stamps where these boxes have been. After finishing the designs, the production, and the decoration, the construction team started building every piece. Meanwhile, the band and the art team, along with the choreographer Jimmy Rangel, turned to the rehearsal studio to integrate the set list with the elements that would be part of the stage. After many long weeks of rehearsing the concert in extended hours, we finally got everyone to integrate properly with the space. We were able to make the fantastic world of the cargo container merge with the music concept of the band. The creative attempt that bands like Periné are making these days opens up a brand new market for stage designers and art directors, since concerts are now being conceived far beyond a simple music presentation. For now, we hope that for the 1,500+ visitors that came that night, this show was one to remember.

PORTFOLIO

PROJECT03

The fantasy world that is discovered in the show, is hidden in crates of the leading musicians and music box.

MONSEUR PERINÉ

BEYOND THE CONCERT

A B C D E F G H

Crates are also stages “Marinero Wawani´s” Choreography Show opening The band in “Mi Libertdad” Special guests invited Video brings a new dimension Audience´s view Phone Booth in “Viejos Amores”

PROYECTO04 PROJECT03 - PROJECT04

Macondo Intervención Feria Internacional del Libro Bogotá Un espacio para alimentar los Sentidos

Macondo Bogotá’s International Book Fair Intervention The Conceptual Experience

PROYECTO04 - PROJECT04

La Gallera fue un verdadero reto arquitectónico, pues su estructura no podía estar anclada a ninguna base.

PORTAFOLIO

PROYECTO04

MACONDO

UN ESPACIO PARA ALIMENTAR LOS SENTIDOS

La Feria Internacional Del Libro de Bogotá es uno de los eventos literarios más importantes del continente. Cada año, los pabellones del espacio dedicado a ferias y eventos más grande de Colombia (Corferias), se transforman en un gigantesco mercado literario, recibiendo cientos de miles de personas que se acercan a disfrutar de los eventos y a comprar todo tipo de publicaciones. En su versión de 2015, La Feria Del Libro recibió como invitado de honor a Macondo, el fantástico mundo de la obra de Gabriel García Márquez. Aunque tradicionalmente el invitado de honor ha sido uno de los países invitados, para está edición se quiso hacer un homenaje a la obra de García Márquez, conmemorando su primer año de fallecimiento. B

Para este homenaje, la Cámara Colombiana del Libro junto con la secretaría de cultura, recreación y deporte y el comité de Filbo, dedicaron un espacio de intervención artística de 3.000mt2 para recrear de diversas maneras el universo mágico de Macondo, y para llevar a cabo en él, actividades pedagógicas o eventos relacionados con la obra del nobel colombiano.

Un equipo de curadores y artistas estuvo a cargo de la concepción y la realización del espacio, delimitando el recorrido de los invitados a través de Macondo y desarrollando el contenido que se plasmaría en cada uno de los espacios. De esta manera, el espacio ferial se dividió en cinco estaciones con aproximaciones artísticas hacia la obra del escritor, un auditorio central que albergó los eventos realizados durante los días de la feria y una librería con una sección dedicada a la obra del colombiano. Como parte del equipo creativo de la feria, tuve la oportunidad de participar en la creación y el desarrollo de dos de las intervenciones artísticas, el auditorio central y en general en la diagramación y ubicación de todas las intervenciones en el espacio. Las instalaciones en las que participé como asistente de dirección de arte y asistente de producción corresponden a la instalación de Espejismos, la instalación de Los Grandes Inventos y el auditorio general, denominado La Gallera. Este último, por ser el auditorio central del pabellón, fue el elemento más complejo y elaborado, y fue concebido como la carta de presentación de esta edición de la feria. La Gallera, en palabras de Alberto Sanabria, crítico de teatro, “representa el rito de la muerte, la violencia, la festividad y el tránsito del adolescente hombre a su adultez”. Este increíble recinto circular, acorralaba a los expositores en el pequeño corral donde se enfrentan los gallos. Los expositores estaban sometidos a la vista en 360º del público y por su parte, el público tenía la potestad de mirar por encima al expositor.

UN ESPACIO PARA ALIMENTAR LOS SENTIDOS

PROYECTO04

La Gallera fue un verdadero reto arquitectónico, pues su estructura no podía estar anclada a ninguna base. El piso del pabellón lo impedía. El arquitecto Henry Alarcón, director de H&G Studios, solucionó el problema con la construcción de una estructura auto sostenible mediante practicables de madera. Sin embargo, el techo original que estaba pensado para este auditorio, una especie de tejido en mimbre de plástico, tuvo que ser remplazado por uno más liviano conformado por cientos de banderines feriales que adornaron el techo con un rojo pálido que cubrió por completo el escenario.

MACONDO

Este tipo de contratiempos, me ha demostrado que las soluciones deben encontrarse mediante decisiones determinadas y sin titubear, porque a pesar de los improvistos, las fechas deben cumplirse, y el estreno de una feria de esta envergadura, con participación del Presidente de la Republica, no puede esperar. En cierto modo, la construcción de la Gallera fue una demostración de lo que simbólicamente representaba. El público está por encima del expositor, nuestro trabajo está a su disposición para alabarlo o para juzgarlo.

Esta instalación, desde mi perspectiva, era una verdadera ventana en el tiempo, una ventana por la que los asistentes podían encontrarse con un pasado que parecía ficción, una ventana que ejemplifica la repetición como una condición propia de nuestra cultura. La forma cilíndrica estaba reforzada por otro cilindro exterior que indicaba los puntos de entrada o salida y limitaba la vista desde el exterior para invitar al público a acercarse. La forma circular del cilindro vista en planta, soporta el concepto de la repetición con el uso de una figura cíclica.

D PORTAFOLIO

Siguiendo con las demás exposiciones que hicieron parte del pabellón, es posible asegurar que una de las más interesantes para el público en general fue la instalación de Espejismos. En ella, se ejemplificaron las plantaciones de banano y la masacre de las bananeras. En un cilindro cerrado construido con paneles de madera y tapizado de espejos en su interior, se ubicó una palma de plátano. Los asistentes podían ver el efecto de la infinita repetición de la palma en los espejos a través de ventanas por las que tenían que asomarse subiendo unos escalones o agachándose a nivel del piso. En las paredes exteriores del cilindro se empotraron unos lentes de aumento que permitían ver un carrete fotográfico girando. Las imágenes, ilustraban el periodo de la bonanza hasta la masacre de las bananeras.

PORTAFOLIO

PROYECTO04

MACONDO

UN ESPACIO PARA ALIMENTAR LOS SENTIDOS

Por otra parte, la instalación ubicada en la parte opuesta del pabellón, representaba Los Grandes Inventos. Esta consistía en un un domo irregular de tela sostenido por una estructura metálica que colgaba del techo del pabellón y representaba la carpa de los gitanos. En 100 Años de Soledad, los gitanos simbolizan esa misteriosa comunidad que trajo a Macondo los inventos de la modernidad, desde el hielo hasta la cámara fotográfica, pasando por muchos otros. Los gitanos representaban la innovación y hacían deslumbrar a las gentes de Macondo con artículos que parecían traídos de otro mundo.

sobre sus plataformas, dirigir el movimiento giratorio de los objetos y dirigir la proyección de las sombras hacia el domo, entre otros. Sin embargo, también pude participar en la etapa previa al montaje, recorriendo la ciudad en búsqueda de antigüedades y recuperando objetos reales y dirigiendo el diseño de los objetos que fueron recreados como modelos o maquetas. Esta instalación tuvo un carácter particular pues terminó siendo una especie de museo o exhibición de coleccionistas donde el valor y el detalle de cada objeto era tan impactante como la instalación a nivel general.

Colaboradores:

En la instalación, los inventos fueron representados en miniaturas, como si se tratara de juguetes; la idea fue invitar a los visitantes a sentirse como niños y a recordar la inocencia de la infancia, donde el mundo resulta sorprendente en cada manifestación. Las miniaturas de los inventos fueron expuestas en plataformas giratorias. Sobre una mesa circular, cada plataforma estaba iluminada por una lámpara que proyectaba la sombra del objeto hacia el domo. La magia de los objetos girando convertía esta carpa en un inmenso telón donde se podía disfrutar una danza de sombras que por momentos permitía distinguir algún objeto, pero en ocasiones se fundía en figuras extrañas y poéticas.

La oportunidad de haber trabajado en Macondo ha representado la adquisición de una buena experiencia en el campo de los mega eventos. El éxito de nuestra propuesta se evidencia en el crecimiento de las visitas a la feria, estableciendo un record para la Fiera del Libro de más de 520,000 visitas y un aumento en las ventas de los expositores de más del 16% según Corferias.

Santiago Caicedo/ Artista de Video T310 - H&G Studios / Producción Camilo Sanabria / Compositor musical La Silueta / Diseño Gráfico

En la instalación de los inventos, tuve la oportunidad de trabajar directamente sobre los elementos terminados y colaborar en el montaje y la disposición de los inventos en el espacio real. Apuntar y fijar las lámparas, montar los objetos

Más allá de los números, creo que la intervención artística fue respetuosa con el universo de Macondo y resultó un acierto haberla dirigida hacia el público en general y no hacia una comunidad de eruditos o pensadores. Quiso ser una adaptación contemporánea que se atrevió a utilizar herramientas multimedia con la participación de diversos artistas que trabajaron desde el video hasta la programación y por nuestra parte la concepción teatral del espacio y la estimulación de los sentidos mediante elementos reales.

Piedad Bonnet / Curadora Ariel Castillo / Jaime Abello Curadores Laura Villegas / Directora de Arte Andrés Burbano / Artista Multimedia

UN ESPACIO PARA ALIMENTAR LOS SENTIDOS

PROYECTO04

MACONDO

Esta instalación, fue una verdadera ventana en el tiempo, por la que los asistentes podían encontrarse con un pasado que parecía ficción.

Cámara Colombiana del Libro Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá Corferias Filbo Rodrigo García / Fotografía Daniel Ballesteros/ Fotografía

A B C D E F G H

Proyección de sombras Ventanas para inst. Espejismos El exterior de La Gallera Iluminación directa a cada invento El interior de La Gallera Vista a través del carrete Repetición como concepto Objetos en plataformas

PORTAFOLIO

Con el Apoyo de:

MACONDO

THE CONCEPTUAL EXPERIENCE

In design terms, the “Gallera” represented a real challenge, since the structure had to stand on its own.

Bogota´s International Book Fair is one of the largest in Latin America. Each year, Corferias´s pavilions turn into a huge book market, and people from all over the world come to enjoy the events and to buy some books. All kind of editors, writers, artists and resellers show their merchandise in an expo that embellish the city for a couple of weeks. In its 2015 version, Filbo (Feria Internacional del Libro de Bogotá) received Macondo as a guest of honor. The fantastic world created by Nobel winner Gabriel García Márquez took a leap from the books to the real space and came to life in an entire pavilion. Macondo was brought to Filbo one year after García Márquez passed away, remembering his life and making a tribute to his work.

PORTFOLIO

PROJECT04

For this particular homage, several government institutions related to the ministry of culture, decided to use a 3.000 square meters’ space to bring Macondo to life. They wanted people to experience different sensations related to this magical universe, but they also wanted to include conferences, talks, shows and debates around Garcia´s work.

Several artists and curators worked hard on creating this magical world, tracing a path through a bunch of installations and creating the content of each one of them. As a result, the whole space was divided into five artistic interventions, a main stage for the cultural events and a library with a special section dedicated to Gabo´s work. The installations included video art, interactive media, sound installations and theatrical interventions. As part of the creative team of the pavilion, I had the chance to participate in the conception and the development of two of the artistic installations, as well as working in the design and development of the main stage. Our design team

PROJECT04

MACONDO

THE CONCEPTUAL EXPERIENCE

Piedad Bonnet / Curator Ariel Castillo / Curator Jaime Abelló / Curator Laura Villegas / Art Director Andrés Burbano / Multimedia Artist Santiago Caicedo/ Video Artist T310 - H&G Studios / Production Camilo Sanabria / Composer La Silueta / Graphic Design

PORTFOLIO

Collaborators:

THE CONCEPTUAL EXPERIENCE

PORTFOLIO

PROJECT04

MACONDO

worked particularly on the “Espejismos” installation, the “Grandes Inventos” installation and the “Gallera”, the main stage and main attraction of the fair. For Alberto Sanabria, a theater critic, the “Gallera” “represents the ritual of death, the violence, and the end of adolescence”. In this circular stage, the audience is located over the speaker, changing the hierarchy between them. The audience is also watching the speaker in a 360º view, being able to “judge” the speaker as the show passes by. In design terms, the “Gallera” represented a real challenge, since the structure had to stand on its own. The stage had to be stable enough to support over two hundred people, but it couldn´t be anchored to the ground. The chief architect solved this problem by making structural wooden blocks and by letting the roof columns rest on the bleacher structures. Even though the structure supported everything properly, the roof had to be replaced by a lighter one. Hundreds of pennant flags were used to fill the roof, and a festive environment was created automatically. This was definitively a happy mistake. The quick reaction of the entire team, allowed us to come up with a solution out of the blue. For our relief, the roof was finished a few minutes before the fair opened. Along with the main stage, we worked on the “Espejismos” installation. Banana plantations and the banana massacre are depicted in this intervention. In the interior of a modular cylinder made out of wood planks, an infinity mirror room is built. In the middle, a banana tree is reflected hundreds of times. The audience can witness the visual effect looking through the windows located in the cylinder´s walls. The cylinder´s inner structure is equipped with a giant photo reel. Visitors on the outside can observe a series of photo montages showing the period before and after the banana massacre. In my opinion, this artistic installation is, in a conceptual level, a window through time. It’s a window in which visitors are going to live the past and where repetition is shown as an essential part of our society. The cyclical character of the installation enforces that idea. On the other hand, the “Grandes Inventos” installation was made out of a hanging tent that represented the gypsy communities that visited Macondo, and a rotating table that showcased different objects brought by them. In 100 Years of Solitude, the gypsies brought the inventions of the new world to the hidden town of Macondo. From ice to the camera, along with many others, these people used to impress locals with every visit. In our artistic approach, inventions are conceived as toys or models. We wanted people to feel as kids once again, allowing them to remember how innocent we are as youngsters and how easily we get impressed by the world that surrounds us.

This installation was a real window of time in which visitors could meet a past that seemed fiction.

In this installation I was able to help with the positioning of the objects, the lamps and the platforms. In addition, I helped looking for some objects in the field, or even checking the designs of those that we had to build. The “Grandes Inventos” installation ended being like a museum, since all the objects were displayed as wonders. The value in each article is almost as important as the entire piece together.

With the support of: Cámara Colombiana del Libro Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá Corferias Filbo Rodrigo García / Photographer Daniel Ballesteros/ Photographer

Having the opportunity to work in a project as big as this has been great for my professional development. The success of our purpose is supported by the numbers. Over 520,000 people visited Macondo setting a historical record for Filbo, and sales grew by 16% according to Corferias.

At the end, what matters the most is the fact that we made an artistic approach that respected the author´s universe and that was attainable for everyone. The variety of techniques used for every installation also enforced the idea of cultural richness. Macondo was conceived in a contemporary way that was well received by the audience. We hope that it was both fun and educational.

A B C D E

Object´s detail Reel´s viewfinder Gallera´s seats and ceiling Mirror´s installation outer view Objects were placed over rotary platforms

PORTFOLIO

Every object was placed on a rotating platform at different heights. A lamp located in the main table projected the object´s shadow into the tent. All the rotating objects then created a marvelous shadow dance that kept the visitors looking for a while.

PROJECT04

MACONDO

THE CONCEPTUAL EXPERIENCE

PROYECTO05 PROJECT03 - PROJECT05

Carnaval del Diablo Un merecido silencio

Devilâ&#x20AC;&#x2122;s Carnival An Expected Silence

PROYECTO05 - PROJECT05

PROYECTO05

CARNAVAL DEL DIABLO

UN MERECIDO SILENCIO

PORTAFOLIO

La industria del entretenimiento afecta directamente las vías de la cultura. No puede entonces pensarse un entretenimiento sin contenidos culturales o uno alejado de ellos. Es indispensable que cualquier creación encaminada hacia el ámbito escénico promueva y genere debates a nivel político o social de una u otra manera. El quehacer del diseñador escénico siempre está condicionado por este reto.

Esta respuesta del público ha sido una de las más fuertes y conmovedoras que he presenciado y compartido junto a ellos.

En estos debates, no solo se involucra a la audiencia en la obra, sino que se inmortaliza y se le da un verdadero significado a los esfuerzos creativos. Un ejemplo muy interesante sobre cómo se ha compenetrado la audiencia con la obra en un nivel trascendental es la más reciente producción de la compañía L´Explose, quien al haber ganado una beca de creación para la bienal de danza de Cali, puso en marcha la propuesta de “El Carnaval del Diablo”. La pieza, escrita por Juliana Reyes y Tino Fernández, utiliza un lenguaje visceral y gráfico de una manera contundente. Comparte con la audiencia reflexiones en forma de preguntas plasmadas con el cuerpo, permitiendo a la audiencia repensar temas sociales y adentrarse en la realidad del conflicto Colombiano. Durante las funciones promocionales, el público asistente se mostró callado e impactado. Por casi dos horas, el espectáculo mantuvo la tensión de los espectadores en lo más alto, y con la culminación de la obra no se escuchó ni un aplauso. Haber presenciado este fenómeno ha sido una de las experiencias más impactantes en mi trayectoria profesional.

UN MERECIDO SILENCIO

CARNAVAL DEL DIABLO

Esta respuesta del público ha sido una de las más fuertes y conmovedoras que he presenciado y compartido junto a ellos. Aprendí que el aplauso no es el sello de calidad de una obra, hay muchas manifestaciones valiosas que reconocen y validan positivamente la calidad de un espectáculo.

PROYECTO05

Haciendo memoria, todo empezó cuando Tino y Juliana pidieron a la directora Laura Villegas que hiciera parte del proyecto como directora de arte. Habiendo trabajado juntos en otras ocasiones, los directores quisieron delegar una difícil tarea a alguien que fuera capaz de llevar a cabo un proyecto ambicioso artísticamente pero con un presupuesto muy reducido. Dentro del equipo de Laura entré yo a participar en diversos campos; me fueron encargados los diseños de escenografía y vestuario y también tuve la oportunidad de participar en el montaje de los elementos escenográficos como coordinador del equipo de producción artística.

PORTAFOLIO

La historia detrás de “El Carnaval del Diablo” se encuentra en el carnaval que se lleva a cabo en Riosucio, Caldas y que lleva el mismo nombre. Durante años, un par de pueblos de la región crearon una rivalidad ferviente desatada por la incapacidad de establecer la pertenencia de unas tierras que ambos reclamaban como propias. Los habitantes de Quiebralomo y La Montaña se disputaron el control de la tierra hasta que en 1819 los párrocos de ambas comunidades decidieron sentarse a resolver el problema. Su propuesta consistió en crear un tercer pueblo donde todos fueran recibidos y todos pudieran convivir en paz. Este pueblo es el actual Rio Sucio. Al igual que el pueblo, el carnaval surgió de esta alianza. Su objetivo es conmemorar el perdón y la capacidad de las comunidades de superar las diferencias para convertirse en vecinos e incluso familiares. El carnaval ha evolucionado, introduciendo años después la figura del diablo como ese patrón de la fiesta y los placeres, pero ha conservado ese principio fundamental por el cual se realiza. Cada año, los habitantes de Rio Sucio recuerdan cómo se siente perdonar. El carnaval de Rio Sucio o Carnaval del Diablo, ha servido de inspiración para realizar la obra de Tino y Juliana. La pieza propone entonces una reflexión sobre las divisiones de la sociedad colombiana en la actualidad, y pregunta a D

UN MERECIDO SILENCIO

Colaboradores:

CARNAVAL DEL DIABLO

Tino Fernández / Dirección y Coreografía Juliana Reyes/ Dramaturgia Laura Villegas/ Dirección de Arte Camilo Giraldo / Composición Musical Humberto Hernández/ Diseño de Iluminación H&G Studios / Producción John Sánchez / Servando Díaz Vestuario y Utilería Carlos Lema / Santiago Ferreira Fotografía

PORTAFOLIO

PROYECTO05

la audiencia si el perdón es una herramienta legitima para resolver nuestro conflicto. Dado que se trata de una obra de danza contemporánea, la prolongada ausencia de diálogo entre los personajes nos obligó a todos a ser muy precisos y cuidadosos con el lenguaje visual. En nuestros primeros acercamientos de diseño, una mesa suspendida a unos cuantos centímetros del piso, servía tanto de metáfora para ejemplificar la inestabilidad (fragilidad) de los diálogos de paz y como herramienta de interacción para los bailarines. (diseños 01) Personalmente, creo que el diseño de escenografía siempre debe permitir un diálogo fluido entre los artistas. Debe complementar la labor narrativa por la que ellos tanto se esfuerzan. Por esta misma razón, propusimos unas columnas de vegetación que permitían a los bailarines esconderse o mostrar una sola parte de sus cuerpos. Este juego de escondidas, permitía ejemplificar una cacería, una persecución o tantas tragedias que han quedado en la impunidad por no haberse conocido (o querido conocer). Inicialmente estas columnas fueron sugeridas con una variedad de vegetación pero al cabo de un tiempo fueron remplazadas por columnas conformadas únicamente por hojas de coca y de plátano. Esta decisión se tomó para ejemplificar la forma en que nuestros recursos naturales han terminado por convertirse en nuestra perdición, y cómo siendo uno de los países más ricos a nivel de biodiversidad, nos hemos empecinado en matarnos por los recursos naturales. En una aproximación posterior, las columnas de vegetación fueron acortadas; a cada una se le asignó e instaló una lámpara de neón en la parte superior. (Diseños 03) Estas luces nos ayudaron a apartar el universo estético de la jungla. Queríamos que la audiencia se sintiera acorralada, como en

una especie de laboratorio abandonado donde la naturaleza se convierte en objeto de experimentación. Debido a la gran envergadura de las columnas de vegetación, la mesa que se contempló al inicio del proyecto debió ser removida, pues el espacio no era suficiente para albergar 10 columnas y 1 mesa. Los bailarines no hubieran tenido el espacio suficiente para desarrollar sus números. Sin embargo, la mesa se remplazó por poderosos elementos de utilería que daban testimonio de tragedias ocurridas en el país. Una réplica del cristo de la masacre de Bojayá es azotado. Un personaje se baña a si mismo en petróleo. Zapatos infantiles deshechos recuerdan la pérdida de la inocencia con el reclutamiento infantil. Los objetos y sus historias son, sin lugar a duda, lo más poderoso de esta obra. Obliga al público a desviar la mirada, pues la crudeza que comunican algunas escenas resulta casi insoportable de observar. En conclusión, esta fue una obra que realmente llevó al público a reflexionar sobre la realidad del país, fue una exposición fría y cruel de nuestra condición de víctimas y victimarios y caló en la consciencia de los asistentes. Para la audiencia colombiana esta obra resulta conmovedora y profundamente dolorosa.

El aplauso no fue necesario. El silencio fue una muestra de profundo respeto y de empatía.

A B C D E F G

PROYECTO05

CARNAVAL DEL DIABLO

UN MERECIDO SILENCIO

Ducha de petroleo Movimiento lento y cuerpos estrechados Coreografía del trio en pantaloneta Falda de bailarina con vuelos Después de los azotes los cuerpos son arrastrados Bailarines desnudan al diablo al final de la función Preparando los cuerpos como marionetas

PORTAFOLIO

AN EXPECTED SILENCE

DEVIL’S CARNIVAL

PORTFOLIO

PROJECT05

The performing arts industry is directly affecting culture. This is why the whole concept of entertainment itself must be reviewed in a critical and careful way. Entertainment must be a tool for people to debate political issues and to promote cultural values. Good entertainment cannot be vague or empty. As artists, designers or performers it’s our duty to promote this kind of thinking. It cannot be just about making cute shows.

This public response has been one of the strongest and most poignant I have witnessed and shared with them.

A very good example on how to set a debate over a very delicate topic can be found in a contemporary dance play made in 2015 and presented as the winner of a funding program in the dance biennial in Cali, Colombia. “El Carnaval del Diablo”, written and directed by Juliana Reyes and Tino Fernandez stated a very strong and visceral message. Powerful and meaningful objects were carefully chosen for dancers to interact with.The audience stood dazed in their chairs for the entire play and with the closing scene not even a single applause was heard. So how do you manage to do a show that won a funding program for its excellent project presentation but at the end no one is willing to applause? Tino and Juliana wanted the art director Laura Villegas to work with them in the artistic concept for this low budget but “artistically ambitious” show.They have previously worked together so they knew her work and thought it was perfect for this project too. I became part of the art directing team as an art direction assistant and designer. I had the opportunity to work in the scenography designs and in the costume designs but I was also able to help in the field, finding props and in the stage setting everything in position while coordinating the art production team. The story behind this play is the real Devil´s Carnival that takes place in Rio Sucio, a small town in the coffee region in Colombia. For many years, two native communities fought B

AN EXPECTED SILENCE

Tino Fernández / Direction & Choreography Juliana Reyes/ Dramaturgy Laura Villegas/ Art Direction Camilo Giraldo / Music Composition

Humberto Hernández/ Lighting Design H&G Studios / Production John Sánchez / Servando Díaz Costume Design & Props Carlos Lema / Santiago Ferreira Photographers

DEVIL’S CARNIVAL

Collaborators:

PROJECT05

over who owned of the lands where Rio Sucio is currently located. In 1819 the priests of each community got together hoping to find a solution for their people. After their meeting, they suggested to create a single town where everyone would be welcomed.This town became what Rio Sucio is now.The Carnival was born from this alliance and it was made as a tribute to forgiveness, teaching everyone that they could live together in peace.The tradition has been preserved throughout the years, and the people from this town still celebrate this carnival every year, remembering what forgiveness feels like. Taking this story as inspiration, the “Carnaval del Diablo” play tries to reflect on how the Colombian society is divided in present days. It certainly asks the audience if forgiveness is a legitimate way of coming out of our armed conflict.

The elements in the stage, are all referencing absurd contradictions in Colombia´s history, in our first design approaches, a suspended table in the middle of the jungle serves both as a metaphor for the unstable peace conversations and as a choreographic tool for dancers and artists to interact with. C

The applause was not needed; the complete silence was a sign that we have delivered the message properly. D

PORTFOLIO

In order to give this message to the audience, every visual aspect in the play had to express something; the silence of performers was replaced with powerful images that turned the entire stage into the story itself.

PROJECT05

DEVILâ&#x20AC;&#x2122;S CARNIVAL

AN EXPECTED SILENCE

PORTFOLIO

58 Stage design should always be able to dialogue with artists as well as the audience, so we tried to find elements that helped the dancers and the people in front of them.The columns made out of plants were allowing the dancers to hide or to show some specific part of their bodies.The initial columns we designed were made out of a variety of plants but soon we replaced them by coca leafs and banana palms only. These 2 specific elements reflect and demonstrate how our natural wealth has become part of our doom. Our natural resources have always been conflict igniters, and as a consequence, we havenâ&#x20AC;&#x2122;t been able to enjoy them properly. The plant columns were also shorten a little bit and equipped with a neon light on the top of them. The light helped us to take the visual universe out of the jungle. We wanted people to feel in some kind of a creepy abandoned laboratory, suggesting that nature is a subject of experi-

mentation. At the end, the table was removed cause we needed the space for dancers to work their magic and the plant columns were already taking a big part of the stage, but instead, we brought some props that represented several Colombian tragedies and they really changed the communication language and the tone of the whole play. I really think that props made the difference in this play, but also the interaction and the game between the stage design, the performers and the lights. This was an artistic piece that really hurt the audience, that really made them realize that we are all victims as well as victimizers, and for the Colombian audience at least, it was painful to watch the past and the tragedies of war turned into beautiful dance moves. The applause was not needed; the complete silence was a sign that we have delivered the message properly and that people was really connected with the piece.

A B C D E F

Woman being raped Human puppets The Devil is feared Puppets are victims 1 Plant columns are hiding places Puppets are victims 2

PORTFOLIO

PROJECT05

DEVILâ&#x20AC;&#x2122;S CARNIVAL

AN EXPECTED SILENCE

PROYECTO06 - PROJECT06

Sein El espacio, otro medio de comunicaciรณn

Sein Talking through Space

PROYECTO06 - PROJECT06

EL ESPACIO, OTRO MEDIO DE COMUNICACIÓN

SEIN

Bocetar un recorrido y extraer atributos del espacio para desarrollar una historia, una experiencia que estuviera ligada a las virtudes de los tratamientos. Sein es un centro de medicina estética que ofrece servicios exclusivos de tonificación, rejuvenecimiento y reafirmación de piel, entre otros. Se encuentra ubicado en el sector de Santa Bárbara Occidental en Bogotá, Colombia e intenta atraer a un público de estrato alto que pueda acceder a procedimientos costosos y a tratamientos personalizados. La adquisición de equipos de última generación motivó a sus fundadores a abrir un espacio en donde estos tratamientos pudieran ser ofrecidos a los clientes de una manera atractiva y cautivadora, y en donde se pudiera alejar el estrés de la ciudad evitando hacer referencia a un centro médico convencional donde el ambiente es tenso y poco acogedor.

Nuestra primera aproximación se enfocó en conocer la tecnología que empleaban los equipos de vanguardia que habían sido adquiridos, en entender su finalidad y sus capacidades. Esto nos permitió bocetar un recorrido y extraer unos atributos del espacio para desarrollar una historia, una experiencia que estuviera ligada a las virtudes de los tratamientos que habrían de ofrecerse. Sin embargo, la amplitud de tratamientos y servicios en contraposición a la limitación de espacio, nos obligó a ser muy recursivos, muy precisos y muy consistentes con nuestra propuesta de diseño.

PORTAFOLIO

PROYECTO06

Oswaldo Galindo y Oscar Castro, dueños y fundadores del centro medico, empezaron un proceso de creación de marca para su negocio con la agencia Lucetti Mackenzie y

posteriormente iniciaron un proceso de diseño arquitectónico y diseño de experiencia a cargo del arquitecto Juan Carlos Ardila y yo. Nuestro proceso inicio, cuando, tras haber arrendado un local de aproximadamente 150mt², los dueños quisieron poner a rodar su proyecto.

EL ESPACIO, OTRO MEDIO DE COMUNICACIÓN Colaboradores:

Para este momento, la agencia de marca había sugerido un concepto que nos permitió ahondar mucho más en la experiencia y nos dio la posibilidad de permear los espacios con esos mensajes que harían de la marca y del local una unidad coherente. La filosofía de marca de Sein propone: “Hoy seré mi mejor versión”, haciendo referencia a ese balance que debe encontrarse entre lo que proyectamos desde adentro y desde afuera (mente y cuerpo). En el espacio, ese balance se alcanzaría a través de la exploración y la concientización de los sentidos. Por lo general, nuestros sentidos actúan de manera inconsciente, pero cuando un estímulo es lo suficientemente poderoso, tomamos conciencia de cada reacción y podemos ponernos en contacto con nuestro ser interior.

SEIN

Santiago Ferreira / Dirección de Arte Juan Carlos Ardila/ Arquitecto Lucetti Mackenzie/ Agencia de Comunicación Santiago Ferreira/ Fotografía

PROYECTO06

Con estos principios en mente, definimos que nuestro diseño del espacio estaría ligado a la frescura de la tierra levemente mojada, a los aromas que ofrece el bosque después de un aguacero, al silencio y a los contrastes que ofrecen la montaña, el bosque y la lluvia. Nuestra paleta de color se acomodó en los tonos tierra acompañados de algunos tonos marinos y verdosos para transmitir frescura y serenidad. Las texturas adquirieron un valor indispensable en el lenguaje del espacio. Una pared rugosa y pesada se enfrenta a una pared plana que esconde una trampa de luz. Un acabado en ladrillo de piedra separa una cómoda ducha de un sobrio probador. Estas texturas, estos colores y una iluminación cálida y moderada hacen parte del área de tratamientos y diagnóstico, un área que fue aislada del resto de los espacios: la terraza y la recepción.

PORTAFOLIO

Ofrecer privacidad y facilitar la comodidad para los clientes fue nuestra prioridad para esta sección. Aquí es donde se desarrollaría el grueso de la actividad comercial, por lo tanto el espacio debería ser aprovechado al máximo. Encontrar una disposición adecuada para los cubículos de los tratamientos, el consultorio medico, el área de empleados y la sección del aseo fue un ejercicio de probar numerosas disposiciones. Al final, se consiguió dejar espacios prudentes para cada necesidad sin que el conjunto se sintiera hacinado. No obstante, durante el proceso de diseño de experiencia, fue indispensable permitirnos trabajar sin las dimensiones reales. Poder plasmar las ideas sin la limitación del espacio nos ayudó a encontrar el concepto de manera veloz y de manera acertada. Los diseños conceptuales iniciales plantean un espacio idílico, amplio, generoso y con atributos independientes.

PORTAFOLIO

PROYECTO06

CARNAVAL DEL DIABLO

UN MERECIDO SILENCIO

La recepción se planteó como un espacio de tránsito, con corredores amplios y una pequeña sala de espera. Al entrar, el cliente se enfrenta a una pared de madera con un mostrador donde se encuentra la recepcionista. Aquí se introduce al visitante con el concepto mediante los tonos de las paredes, el piso y los acabados. Mas adelante, una puerta corrediza divide el espacio de la recepción con el corredor principal. Este, comienza con un mueble donde se dispone una variedad de bebidas que los clientes pueden disfrutar a modo de bienvenida. Este espacio es crucial para la experiencia pues representa una especie de iniciación; un ritual donde se dispone al cuerpo para recibir todos los tratamientos a los que se dará inicio en los siguientes espacios. Más adelante se pueden encontrar la ducha y el vestier. Ambos comparten una misma entrada pero están separados por un muro que se encuentra entre los dos espacios. Por un lado, la ducha es un espacio introspectivo y de relajación. Una luz muy tenue y un espacio amplio que remite en ocasiones a una especie de cueva por las texturas de las paredes, el techo y el piso que cubren el salón, permite distraerse unos instantes antes de entrar a los procedimientos médicos. Por otro lado, el vestier se planteó como un lugar neutral donde los tonos más oscuros dan un aire de frescura, limpieza y elegancia.

En los cubículos donde se realizan los tratamientos, la intervención estuvo muy limitada por las condiciones de espacio y por las normativas de salubridad. Por un lado los equipos para realizar los tratamientos ocupan casi la totalidad del espacio disponible, y por el otro, la reglamentación obliga al uso de unas pinturas y unos acabados particulares. En estos espacios, mi aporte se concentró en el diseño de las camillas que servirían a los clientes y a los empleados para realizar los procedimientos de la manera más cómoda posible. Sin embargo, los espacios con los equipos de tratamiento más voluminosos carecen de camillas y están dedicados en su totalidad al uso de los equipos.

El caso del consultorio médico es similar pues las reglamentaciones aplican de igual manera para espacios de tratamiento y para espacios de diagnóstico.

El diseño del espacio estaría ligado a la frescura de la tierra, a los aromas que ofrece el bosque, al silencio y a los contrastes que ofrecen la montaña, el bosque y la lluvia.

La intención era reflexionar sobre las cualidades de cada uno de los espacios, proponer sus texturas, sus colores, el mobiliario.

A B C D E F

CARNAVAL DEL DIABLO

UN MERECIDO SILENCIO

Fachada interna. Bienvenida Consultorio médico. Más sobrio y limpio Puertas y techos altos para generar amplitud Espacios pequeños acogedores Entrada a zona de tratamientos Terminación de puertas con ventilación

PROYECTO06

65 E

PORTAFOLIO

El recorrido dentro de estos espacios no es lineal, ni se esperó que así lo fuera. Precisamente los clientes deberían tener la posibilidad de moverse libremente por los distintos espacios de tratamiento, sin estar expuestos al público general. En este orden de ideas, el espacio de la terraza estaba pensado inicialmente como un lugar de relajación, donde los clientes podrían entrar y salir libremente al terminar sus sesiones para re-acondicionarse al ritmo de la ciudad. Lamentablemente este espacio tuvo que ser eliminado, pues al ser una terraza interna, los escapes de ventilación de todo el edificio donde se encuentra el local generaban un volumen de contaminación auditiva que impedía su uso adecuado. En conclusión, Sein ha sido un reto por aprovechar un espacio reducido, donde cada elemento ha sido pensado para aportar en cuanto a la calidad del servicio. Es posible afirmar que cuando los espacios son coherentes con una marca, con un concepto y con una funcionalidad, el espacio mismo se transforma en un medio de comunicación. El hecho de ocupar un área reducida no significa que cada esquina no pueda estar cargada de mensajes y símbolos que estimulen los sentidos y, a fin de cuentas, sirvan para complementar los servicios que ofrece un negocio. El diseño no solo debe facilitar la navegación, sino sugerir acciones, sentimientos y comportamientos determinados.

TALKING THROUGH SPACE Sein is a medical spa and professional aesthetic center that offers non-surgical, non-chemical and non-invasive techniques that include rejuvenation, skin care, anti cellulite and hair removal procedures. It is one of the few centers in Bogotá, Colombia sponsored by the technology and equipment developers Estetique. It is oriented to high profile customers that are willing to get exclusive and personalized treatments in a controlled environment that offers a pleasant experience. But even though Sein is a medical center, the design is trying to avoid the feeling of being in a hospital, where the environment is very tense.This is a relaxation space, and the only way to get the costumers in the right mood is through the architectural and experience design.

SEIN

With this in mind, Oswaldo Galindo and Oscar Castro, Sein´s owners and founders, hired an agency to work on the brand design and the architect Juan Carlos Ardila and me to work on the designs for the 150mt² shop they´ve rented in the west Santa Barbara neighborhood in Bogotá, one of the most exclusive neighborhoods of the city. A

PROJECT06

Before we did any sketch or drew any line, we had to understand the business, the potential customers, the technology that was acquired and the expectations the owners had for their business. For this purpose, we did a research around different medical centers and spas in Bogotá and looked for references around the world. After we gathered all the information and got inspired by all the different places we visited and watched, we started writing a story. This story tells the path customers have to follow inside Sein, is the guide for employees and staff to act in a proper manner and most importantly is the tool to merge the architectural details with the identity and the experience purposed.

PORTFOLIO

By this time, the brand design agency had already suggested a concept for the brand´s identity that allowed us to deepen in the experience design as we were able to use the messages and lines that were coherent both with the brand and the physical space. Sein´s philosophy can be described with the following sentence: “Today, I´ll be the best version of myself.” With this message, Sein´s customers are invited to find a balance between their bodies and minds through the the awareness of the senses. In general terms, our senses act instinctively as they are stimulated, but what if we become aware of the reactions we have in our bodies in a conscious level? This is what will allow a harmonic balance between our bodies and minds.

66 This story tells the path customers have to follow inside Sein, and most importantly is the tool to merge the architectural details with the identity and the experience purposed.. C

PROJECT06

SEIN

TALKING THROUGH SPACE

With this goals set and these principles in mind, we defined our concept for the architectural design. Sein is linked to the forest, the mountain and the fresh air after the storm. It´s a place were an avalanche of stimuli forces you to awake a conscious reaction of your body. The silence, the contrasts and the infinite textures, scents and colors helped us to bring the awareness of the senses to the conscious level. We defined the color palette within the soil´s and ground´s range and started using different textures for the walls to create a strong contrast. A warm and soft light is suggested, so guests can easily change the fast pace form the city to the relaxed and quiet mood of the treatment area.

PORTFOLIO

TALKING THROUGH SPACE

ItÂ´s a place were an avalanche of stimuli forces you to awake a conscious reaction of your body.

PROJECT06

SEIN

PORTFOLIO

One of our main priorities was to offer privacy and comfort, since most of the treatments had to be done in underwear. A big part of the space available was designated to this treatment area, and the complementary spaces were isolated and separated from here. But since there were so many treatments and procedures available, we had to be very imaginative with the distribution of the cubicles in which guests were going to be located during treatments. Finding a good distribution for the cubicles, the consulting room, the employees area and the cleaning room was very challenging, but at the end, we managed to leave decent areas for each room and everything fitted perfectly. However, before we adjusted the designs to the real space, I made some conceptual designs without thinking about the real dimentions.This helped us to understand what we needed to communicate with each room, and to find what kind of textures, furniture, lightning and feels they should have. My first designs are just an ideal approach to what we wanted to create.The intention of this was to reflect on the attributions of each space and to get an initial visualization of each step of the experience. The reception is suggested as a transitional space. A small waiting room in turquoise colors is located right next to

the receptionÂ´s counter.The colors of the walls and the floor introduces the concept and the mood. A translucent glass door separates the reception from the main corridor, that goes inside the treatment area. Behind the door, a tea cabinet is introducing the quiet area, and is welcoming guests with a drink of their choice.This represents some kind of ritual in which guests are crossing the line between the noisy and instinctive city to the calmed and conscious relaxation. Later on the path, guests can access to the shower and the dressing room, a shared space divided in two independent rooms.The shower is a dark place finished with rock textured tiles. A small amount of light is allowing people to walk through carefully but creating a special environment (as if you were taking a bath in a cave). On the other hand, the dressing room is purposed as a neutral space.The onyx black finish creates a fresh sensation as well as an elegant and exclusive feel. After the dressing room, customers can find several cubicles that are divided depending on the size and needs of each piece of equipment. We were not able to intervene a lot in these areas in a conceptual level, since health regulations indicate specifically which materials, paints, lighting and finishes are available for places like these. In consequence, I contributed

Collaborators: Santiago Ferreira / Art Director Juan Carlos Ardila / Arquitect Lucetti Mackenzie / Advertising Agency Santiago Ferreira / Photographer

TALKING THROUGH SPACE

with the design of the beds where patients were going to be treated.There were not much else we could do in design terms for this kind of areas.

SEIN

In general terms, the idea is that customers can move freely within the treatment area without losing the privacy or being exposed to the general audience.The terrace area was first thought to be a relaxation space, where patients can go after a treatment and enjoy a few minutes resting. We realized that we had to decline on this idea since the building where Sein is located has all the air tubes and chimneys located right next to the terrace and the noise can be really loud sometimes. As a result, the terrace had to be isolated from the treatment area and it was transformed into a garden. In conclusion, Sein has been a challenge for us to get the best of every corner available.The result of making the space according to the brand´s identity and to the experience purposed is evident in the success of the business and the satisfaction of the customers. H

PROJECT06

Every space can turn into a communication media if it is conceived according to an experience. It will then talk to everyone around it and allow visitors to get something more than a simple visit. In Sein´s case, customers are not just going to a regular medical appointment, they are going to be treated as if they were outside the city, in a peaceful and comfortable spa.

PORTFOLIO

The silence, the contrasts and the infinite textures, scents and colors helped us to bring the awareness of the senses to the conscious level. A Reception´s desk B Wide and elegant stretchers C Sein’s shower sign posts D Main corridor E Business cards F Light trap G Tea cabinet (in development) H Sein´s textures I Small but comfortable I

PROYECTO07 PROJECT03 - PROJECT07

Macbeth Dos visiones en un Escenario

Macbeth Two Visions on Stage

PROYECTO07 - PROJECT07

DOS VISIONES EN UN ESCENARIO

PORTAFOLIO

PROYECTO07

MACBETH

En 2016, el teatro Colón de Bogotá inició un evento programado para el mes de Abril donde conmemoró los cuatrocientos años de muerte de Shakespeare y Cervantes. Dentro de la programación, se exhibieron espectáculos callejeros con representaciones del Quijote, banquetes que recrearon la comida de la época y a la vez se ejecutó la puesta en escena de dos versiones de Macbeth: la tragedia de Shakespeare y la ópera de Verdi. Estas dos versiones se exhibieron en paralelo, y aunque fueron dirigidas y personificadas por directores y elencos completamente distintos, compartieron un universo estético y escenográfico similar con el fin de aprovechar eficientemente el espacio en tarima. Por este motivo, la dirección de arte de ambas versiones fue encabezada por un mismo director. Dada la magnitud del proyecto y teniendo en cuenta la responsabilidad que conlleva interpretar por primera vez en Colombia una pieza trascendental como lo es la ópera de Verdi, el equipo artístico en el que participé como asistente de dirección y diseñador de vestuario comenzó una exhaustiva labor con más de seis meses de anticipación.

Mi labor se concentró en la exploración de referentes y en la creación de conjuntos de prendas y vestuario acordes al concepto. PORTAFOLIO

Un Macbeth que nunca hubiera sido:

PROYECTO07

MACBETH

DOS VISIONES EN UN ESCENARIO

Desde el inicio del proyecto, la propuesta buscó dar independencia a cada una de las versiones, pues las características particulares de cada representación nos permitían variar ciertos detalles y ofrecer diferentes matices a cada personaje. La tragedia de Shakespeare: Para la adaptación teatral se generó una atmósfera relacionada con una estética post apocalíptica y fantástica donde se cruzaron elementos contemporáneos como la luz de neón con gabardinas de cuero intervenidas de manera exagerada con taches y espinas metálicas que sirvieron para acentuar el carácter de los personajes en los momentos más críticos. Los soldados y capitanes del ejercito de Escocia visten botas largas de plástico con gabardinas de un color entre gris y verde oliva gastado que dan una impresión sombría de la guerra y de un país oscuro. Al interior, cubriendo el pecho, una malla negra sirve de protección adicional, pero el tejido

DOS VISIONES EN UN ESCENARIO

amplio genera unos espacios que ponen al desnudo a los personajes cuando las visten sin nada encima. Este juego de quitar y poner funciona perfectamente para soportar el argumento de la historia.

MACBETH

completo de taches propone la idea de que sus sentimientos son blindados, que su determinación es total, y que no teme a las consecuencias de acabar con nadie, ni si quiera el rey. Sin embargo, a medida que la obra avanza, veremos a una Lady más descubierta, con ropa de noche, un miriñaque en Por su parte, el rey se identifica con una pesada capa que lo el que solo vemos la estructura y podemos ver el interior, cubre desde el cuello hasta los talones, con algunos apliques una bata de noche, etc. Cuando ya no puede contener a su metálicos que lo identifican como comandante del ejercito esposo y sus acciones se vuelven inmanejables, su cordura pero más detallados y pulidos, como joyas de la corona. El también empieza a fallar, y comienza a tener visiones que la peso de su capa terminará más adelante aplastando a Macbe- sumen en una profunda enfermedad mental, hasta llevarla al th, como manifestación de la ambición que tanto lo aqueja. suicidio. La desprotección se manifiesta tanto en su carácter como en sus prendas. En esta adaptación en particular, los cambios de vestuario que se ejecutan a lo largo de la obra están directamente De igual manera ocurre con Macbeth, quien sube y baja ligados al viaje y a la transformación de los personajes. Una emocionalmente incontables veces. Sus transformaciones de las virtudes de la obra de Macbeth es precisamente esa tenían que ser muy rápidas, y ocurrirían casi todo el tiempo transformación por la que atraviesan todos los personajes en escena, por lo que sus prendas debían ser contundentes principales; el carácter de cada uno puede verse firme y pero fáciles de poner y quitar. Unas hombreras con amarres determinado en un momento, y al instante derrumbarse o de arnés pueden ser removidas o puestas velozmente y la titubear. Aquí es donde el reto actoral se vuelve más exigen- presencia o ausencia de su gabardina de capitán lo identifica te y por eso quisimos ayudar a los actores a entender a sus en el frente de batalla o en la intimidad. personajes a través del vestuario. En el caso de Lady Macbeth, es evidente que al principio su temple es firme. Una pieza sobre el torso cubierta por

PROYECTO07

Las mentes conflictivas y cambiantes de los personajes debían ser puestas en evidencia visualmente.

PORTAFOLIO

En contraposición, la representación que se ha hecho de las brujas resulta de la premisa de sobreponer capas. Las brujas visten tanto como esconden. Se encuentran totalmente cubiertas entre retazos de pieles y telas y sus voluptuosos peinados cubren sus caras. Estos seres nunca revelan la verdad totalmente y por eso su vestuario es voluminoso y esconde tanto. Caminan sobre unas plataformas altísimas que las separan de la tierra, las acercan a lo espectral y a lo que no está vivo. Las apariciones que las brujas hacen ver a Macbeth están cubiertas de una capa plástica que distorsiona la imagen y nubla la vista de nuestro personaje. Esta cubierta plástica renueva el sentido de la contemporaneidad pero manifiesta una idea de lo plástico como concepto, de esa textura sintética y falsa que caracteriza las acciones de Macbeth, de esa membrana que no permite el paso del aire, que no deja respirar. Finalmente, los personajes complementarios, como los nobles o los asesinos, visten prendas que están encaminadas a acentuar algunos rasgos particulares de ciertas escenas. Para ello resaltan con un color o una forma en particular, y funcionan para romper un poco la monotonía y refrescar el escenario visualmente. C

PROYECTO07

MACBETH

DOS VISIONES EN UN ESCENARIO

75 PORTAFOLIO

En esta propuesta, además de ese universo post apocalíptico, se recogen referencias de la estética de la época dorada del narcotráfico en Colombia hasta la estética punk inglesa de los 80, entre otros. E

MACBETH

DOS VISIONES EN UN ESCENARIO

PROYECTO07

La ópera de Verdi: La propuesta para la ópera ha sido saturada y recargada un poco más en comparación a la obra, que dentro de lo contemporáneo y descabellado, conserva una estética estable y “lineal”. En esta propuesta, aunque se conservan elementos de ese universo post apocalíptico, se recogen referencias de un espectro mucho más amplio que abarca desde la estética de la época dorada del narcotráfico en Colombia hasta la estética punk inglesa de los 80 y pasando por muchos otros.

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En esta representación, el numeroso coro facilita la realización de conjuntos poderosos que conceptual y visualmente impactan a los visitantes. Transformándose numerosas veces, son quienes ejemplifican la propuesta estética de la saturación y la repetición en un conglomerado que resulta en una especie de kitsch de varias tendencias. El coro femenino ejemplifica las brujas, algo así como un grupo de “cirujanos de morgue” que representan esos entes que dividen la vida de la muerte. Igualmente, ejemplifican una versión oscura de la ciencia. Con batas transparentes y plastificadas, tapabocas y guantes hasta los codos, están distanciándose de la enfermedad de los demás personajes, de su contaminación, de su suciedad interior. Pero no lo hacen por precaución o por miedo, sino como desafiando a un Macbeth que siempre puede contaminarse más, que siempre cae más ante su ambición por el poder. A B C D E F G H

El trono de Macbeth Primer encuentro con brujas Introducción (Mabeth teatro) Macbeth ante las brujas Maniquies en decoración Macbeth es condenado Macbeth y las brujas Macbeth enloquece

Estas mismas brujas son quienes controlan a los muertos, que están personificados por el cuerpo de baile. Un grupo que aparece constantemente para recordar los poderes de las brujas. Ellas pueden hablar con los muertos, reanimarlos por momentos y hacerlos sacudirse por el escenario. Los petos y capuchas plásticas de color negro contrastan con el blanco inmaculado de las brujas y conforman una composición visual interesante y llamativa.

Por otro lado, el coro masculino interpreta varios papeles que se manifiestan con cambios sutiles pero contundentes. Cuando hacen el papel de mensajeros, los cantantes visten una capa verde a cuadros con un patrón escoses que los cubre del cuello a las botas. Cuando se transforman en soldados, la capa desaparece para descubrir un uniforme conformado por un buzo de cuadros rojos y negros cubierto por un arnés de cuero con algunos taches y una falda negra que se corta debajo de la rodilla donde se descubren unas botas plásticas altas y deterioradas. En su cinturón todos cargan un arma semi-automática. Estos soldados hacen parte del ejercito de Duncan que comanda el mismo Macbeth. Posteriormente, el coro masculino se transforma en lo que en esta versión se concibe como los sicarios. Ellos son los enviados por Macbeth para matar a Banquo. La transformación consiste en la adición al uniforme de una máscara de tela con cuadros grises y negros cubierta de espinas metálicas y un fusil de asalto. Los sicarios empiezan a descubrir la propuesta que se plantea desde el arte de un Macbeth mafioso, nuevo rico y sanguinario. En ese sentido, Macbeth, quien en principio se diferencia de sus soldados por portar unas hombreras negras y un arnés más voluptuoso, comienza a destapar su ambición con extravagancia. Cuando es coronado rey, aparenta su posición con un abrigo de pieles de zebra y un cinturón de tulle que usa sobre la falda de guerrero. La propuesta para la corte de Macbeth es precisamente esta extravagancia. El kitsch de las pieles y patrones de animales sobre los uniformes a cuadros de soldado, raya casi en el mal gusto para evidenciar las tentaciones de un personaje enceguecido y codicioso.

DOS VISIONES EN UN ESCENARIO

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Por su parte, los otros capitanes del ejercito, se distinguen en escena por llevar otros colores en sus buzos. Macduff y Banquo se reconocen por vestir amarillo y gris respectivamente. Esta decisión intenta hacer referencia a esa identificación de clanes y familias que se hacía con los nombres, los títulos y las tierras, pero sobretodo, para alejarlos de esa paleta de color que acapara Macbeth y que es tan contagiosa.

Camilo Sanabria / Composición Musical Obra Jimmy Rangel / Coreografía Servando Díaz / Diseño de Maquillaje Rosario Díaz / Producción de Campo Pedro Nel López / Realizador de Vestuario Juan David Padilla / Andrés Gómez Producción de Campo Coro de la ópera de Colombia Orquesta Sinfónica de Colombia -

MACBETH

Ignacio García / Dirección Escénica Ópera Pietro Rizzo / Dirección Musical Ópera Bogumil Palewicz / Diseño de Iluminación H&G Studios / Producción Artística Laura Villegas / Dirección de arte Teatro Colón / Producción General Pedro Salazar / Dirección Escénica Obra Rosario Díaz / Producción de Campo

PROYECTO07

Fuera del ejercito y en última instancia encontramos a Lady Macbeth en quien se destaca el vestuario donde habla sonámbula frente al médico y a su criada. Una bata blanca que cubre todo su cuerpo y se extiende 18 metros para ocupar todo el escenario, se transforma en un gesto escénico que funciona independientemente. Sus múltiples pases a través del escenario van descubriendo una bata cada vez más manchada con la sangre de los muertos de su esposo. Esto la llevará a cometer suicidio cuando salga arrastrando la cola de su bata por última vez. Mas allá de la función:

Macbeth se logró con un esfuerzo físico y logístico fenomenal, al igual que un equipo comprometido y apasionado, conformado por más de 150 personas. Participar en proyectos de tan alta calidad y tal envergadura me ha fortalecido y me ha enseñado que siempre se puede dar un poco más de sí mismo para lograr las metas. Las interminables jornadas y los grandes sacrificios han dado su fruto en un evento que conmocionó a los asistentes de la obra e intrigó a muchos a visitar por primera vez la ópera. Sin embargo, el éxito de esta producción no ha sido la asistencia del público (que, por su puesto también lo fue), sino lograr concebir dos visiones de una misma obra en un mismo escenario y en simultaneo.

PORTAFOLIO

Mi participación como diseñador en Macbeth no se limitó al diseño de vestuario; aunque tuve la oportunidad de participar por primera vez con este departamento en donde mis apreciaciones fueron tenidas en cuenta para tomar decisiones conceptuales y estéticas también tuve la oportunidad de participar en el diseño de la intervención de la fachada del Teatro Colón (en donde se realizaron más de 100 piezas únicas promocionando el evento), en el diseño para los detalles de decoración de la escenografía como los contenedores, los maniquíes, los marcos de luz y las camillas, así como en la asistencia tras escena como parte del equipo de utilería.

TWO VISIONS ON STAGE

MACBETH

It was very hard for me to adjust to this change, but it became a nice learning experience as I had the chance to understand the importance of costume for the story. A

A show that would´ve never made it:

PORTFOLIO

PROJECT07

2016 is marked as a year when the whole world commemorates the 400th anniversary of William Shakespeare´s and Miguel de Cervantes´s death. The Teatro Colón of Bogotá paid tribute to these marvelous authors by celebrating an event that took place on April of the same year and included street theatre, concerts, food stalls and also two versions of Macbeth: Shakespeare´s tragedy and Verdi´s opera.

Both plays were exhibited at the same time and shared similar esthetic concepts, but neither the cast nor the general direction were the same. The similarities were intended to make the space available efficient, but the main challenge was to allow them to look independent and original. The challenge then became even bigger for the art team as it had to create and produce two different shows at the same time. To make it even worst, the job had to be done extremely carefully, since this was going to be the first time Verdi was staged in Colombia. As part of this team, I can assure that the pressure on us was huge, and that every one was looking carefully after our job. Luckily I had to work with people I knew from previous jobs, so we already knew how to work together, but in this case, and for the first time, I worked on the costume design instead of the stage design. At the beginning, it was very hard for me to adjust to this change, but it became a nice experience as I had the chance to understand the importance of costume for the story. We started planning and researching as fast as we could. I focused on finding references and esthetic trends to create costume elements for both the opera and the play. After several weeks of research and sketching this is what we got for each project: Shakespeare´s tragedy: For the theatrical adaptation we started turning our proposal over a post apocalyptical kind of look. The main idea was to merge different trends, to be disruptive, aggressive and ruthless. We crossed contemporary elements like plastic and neon lights with traditional Scottish patterns and other looks. Many elements we chose were intended to help the characters to accentuate a particular feeling or giving them a more powerful appearance.

PROJECT07

MACBETH

TWO VISIONS ON STAGE

Soldiers and captains of the Scottish army wore long plastic boots with grey decayed coats that showed a somber country and a dark army. Beneath the coat, a black mail barely covered the chest making soldiers vulnerable or “naked”. This game of covering or being vulnerable fitted perfectly with the story; the conflictive and changing minds of the characters had to be represented in some visual way. Our attempt was to engage the audience with the character´s emotions through some costume´s elements that worked their way unconsciously. Additionally, every soldier carried chest and shoulder straps with metal spikes that varied in size according to their ranks. On top of that, the king´s cloak was conceived to be heavy, representing that the position he was holding was hard to keep and even dangerous to carry. The weight of the cloak is eventually going to be too heavy for Macbeth to carry it. D

In this particular adaptation, every outfit change is linked to the character’s personality transformation. In fact, one of Macbeth´s virtues are the multiple transformations of the characters.Their journeys are tricky and filled with riddles, so their costumes had to be filled with symbols and messages. In Lady Macbeth´s case, we can clearly see a determined woman at the beginning of the journey. Her upper body is covered with metal rivets to enforce this feeling.

PORTFOLIO

MACBETH

TWO VISIONS ON STAGE

Her attitude is like an armor, rock solid, cold and heavy. She´s not afraid of the consequences of killing the king. Nevertheless, as the play goes on, we will be able to see a much more helpless Lady, wearing just bed clothes or light suits where we can see her interior and her fears. During her visions, we´ll see her wearing only the structure of a crinoline and a black blouse. She will be completely discovered, helpless and lost. In summary, when she´s being evil and dark she wears more clothes, but when she´s showing her weakness she uncovers. With Macbeth, the situation was quite similar. His emotions are constantly going up and down. He´s even making transformations in seconds on set, so we had to help him to show or hide his emotions quickly. A shoulder piece with straps can be removed in seconds and the presence or absence of his coat made him stronger or weaker.You could easily tell if he was in the intimacy or in the battle field.

magic and all the mystery. In the story, they only tell partial truths, or confusing words, and that´s why their outfits and their hair is covering their bodies and faces. Banquo has to look carefully at them to realize what they really are, and that is in part because they are hidden in their own dirty rags. These ragged witches also show Macbeth a series of apparitions. In our approach, these hallucinations are black suited men wearing a plastic coat over their heads and a barbed wire crown that is holding the coat still. This transparent coat, distorts the image, blurring the identity of the men behind. With these apparitions, the plastic turns into a concept itself, since it speaks of a fake and synthetic texture, a thick membrane where air doesn’t flow, suffocating our main character slowly.

PORTFOLIO

PROJECT07

All the complementary character´s outfits are intended to highlight a main character´s feature; their intention is to make them stand out in a specific scene or relate to them But if the premise for these two characters was a quick trans- if needed. For example: the murderers are wearing spikes almost identical as the ones in Macbeth´s uniform. This kind formation, the premise for the witches was a heavy layered dress. Their outfits were made out of tons of layers of leather of tricks are made to help the audience link some characters and fur that represented all the secrets they kept, all the to others.

TWO VISIONS ON STAGE

PROJECT07 PORTFOLIO

Ignacio García / Opera Scenery Director Pietro Rizzo / Ópera Music Design Bogumil Palewicz / Lighting Design H&G Studios / Artistic Production Laura Villegas / Art Direction Teatro Colón / General Production Pedro Salazar / Scenery Director Camilo Sanabria / Composer Jimmy Rangel / Choreography Servando Díaz / Costume Design Rosario Díaz / Field Producer Pedro Nel López / Costume Design Camilo Sanabria / Composer Ópera de Colombia Choir Colombia Philarmonic Juan D. Padilla / Andrés Gómez Photographers

MACBETH

Collaborators:

Inspiration came from the golden age of Colombian mafia, the English punk movement from the 80´s and from contemporary Scottish patterns of high couture and runways.

SHAKESPEARE´S TRAGEDY

MACBETH

Verdi´s opera: The artistic proposal for the opera is even more flamboyant than the one for the play. While keeping some details from the post apocalyptical universe, the costumes for the opera are inspired in a wider range of references. Inspiration came from the golden age of Colombian mafia, the English punk movement from the 80´s and from contemporary Scottish patterns of high couture and runways.

PROJECT07

One of the main elements we were trying to emphasize was the repetition and the uniformity as a tool for making groups look stronger and bigger. The choir was the perfect subject to work on this as we made each singer look intimidating and consistent. The female choir brings Macbeth´s witches to life. They are depicted as some kind of morgue surgeons that represent those entities that are deciding over who crosses the line between life and death. In addition, they are showing a dark side of science. With plastic transparent aprons, white coats and black boots and gloves, they are protected from the sickness of the rest of the characters, of their temptations and their madness. But this protective outfit is not worn by them because they´re afraid. It´s a challenge to Macbeth´s sanity, it´s allowing them to observe him closely and witness his madness.

PORTFOLIO

The witches are also controlling the death, that are brought to life by the dancing crew. These dead bodies are constantly being manipulated by the witches, they stand defiant when they control them. Their black plastic aprons and their black hoodie coats work beautifully with the white of the witches, creating a very interesting composition. On the other hand, the masculine choir plays several parts. Their outfit transformations are made possible by big or drastic elements. When they´re playing the messengers, they cover their uniforms with a green coat, but when they appear as soldiers, they take their coats out.Their uniform is made out of black tights, black plastic boots, a black kilt, a red shirt with black squares and a chest strap with some rivets. In addition, every soldier carries a 9mm gun attached to a waist belt.This army uses the colors of Duncan´s kingdom. However, In order to kill Banquo, Macbeth hires a group of “hitmen” that are depicted as soldiers wearing a black and grey mask filled with metal spikes and assault rifles. These simple elements add an aggressive look to the outfit and turn simple soldiers into murderers. The look on these characters is intended to show how Macbeth will become later on: evil, crazy and greedy.

SHAKESPEARE´S TRAGEDY

Beyond the stage:

Macbeth is the result of the hard work from over 150 people. Being able to participate in such a huge project has made me stronger and has thought me that you can always push yourself a little more, specially when the goal is a Finally, we can highlight Lady Macbeth´s visions scene. In here, she´s wearing a 18mt long veil that crosses the stage as beautiful show. The long days and hours we spent inside the she walks by. No other scenic element is needed while she´s theatre solving problems and rehearsing are just incentives walking with this piece since the costume transforms in the to keep working hard and bringing new shows alive. The success of this production, beyond the fact of a good attenstage design itself. Every time she crosses, a red light starts covering her dress slowly. The red lighting takes the story to dance, is the satisfaction of having created two similar but the climax when she leaves the stage and the veil is dragged independent shows in a single stage at the same time.

MACBETH

As an art director assistant and designer, my contributions to the project went beyond the costume design only. I also had the opportunity to design more than 50 posters located in a public space intervention promoting the event, to work in the scenography decoration department designing the finished looks for the containers, the stretchers, the light truss and the mannequins and finally, I got the chance to help back stage with the prop´s management and the logistics.

A Lady Macduff and Ross B Lady Macbeth in her balcony C Macbeth upon the witches D The king is dead E Macbeth´s banquet (theatre) F Banquo and the messengers G Lady Macbeth in her room H Opera´s witches I Containers during the second act

PROJECT07

In contrast, Macduff and Banquo can be recognized by the yellow and white of their shirts. It was necessary that the audience knew who each character was by identifying the colors of their shirts. The dialogues in opera are hard to understand and even more when it comes to an Italian opera presented in front of a Latin American audience.

very slowly out of scene. The game between lighting and costume is definitive for the story, because they guide the scene and turn a simple action into a wonderful moment.

PORTFOLIO

For Macbeth´s costumes, the starting point was also the soldier´s uniform, as he is a commander in Duncan´s army. The difference between him and a regular soldier is that his chest straps are bigger and are more decorated in the top. When he is crowned as king, his ambition and bad taste are depicted in a flamboyant coat with animal prints. He wants to show off his titles, so his clothes start to disharmonize with the traditional square patterns used in the army. An additional belt with a tulle skirt is used by him over the regular kilt to complete this saturated composition.

PORTAFOLIO DISEÃ&#x2018;ADO POR: