ELLAS
ÍN DI CE INTRODUCCIÓN
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ARTISTAS Sofonisba Anguisola Artemisia Gentileschi Mary Cassatt Camille Claudel Beatrix Potter Georgia O’Keeffe Tamara de Lempicka Frida Kahlo Louise Bourgeois Leonora Carrington
pág 006 pág 007 pág 008 pág 009 pág 010 pág 011 pág 012 pág 013 pág 014 pág 015
CONCLUSIÓN
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BIBLIOGRAFÍA
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INTRODUCCIÓN
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La mujer en la Historia del Arte La ausencia de mujeres artistas en los museos o en las enciclopedias de arte clásico puede dar la impresión de que el rol de las mujeres en el arte se ha limitado al de musas y modelos. Lo cierto es que las mujeres han tenido una presencia activa constante como artesanas y artistas pese a los obstáculos con los que se encontraron para dedicarse al arte en distintas épocas debido a su género.
HISTORIA, ARTE, MUJER U
nas pocas artistas incluso alcanzaron renombre internacional y una buena posición económica y social durante su tiempo y, sin embargo, la historia del arte las condenó al olvido durante siglos. Las investigaciones de antropólogos, arqueólogos y etnógrafos sugieren que la mujer prehistórica no estaba sometida al hombre. Su dios fue durante más de 20.000 años una diosa fértil sin rostro pero con atributos sexuales femeninos exagerados. Entre otras tareas, las mujeres trabajan juntas en la producción de objetos de cerámica, textiles, cestería y joyería.De las civilizaciones grecorromanas han llegado a nuestros días textos y objetos que demuestran que las mujeres participaban junto con los hombres en actividades culturales como la pintura, la poesía, la música o la producción de textiles y cerámicas. La primera obra firmada por una mujer es un manuscrito del siglo X en colaboración con otro monje varón. Los conventos en Europa fueron hasta el siglo XI lugares de aprendizaje bajo las órdenes de una abadesa, pero con la llegada de la reforma gregoriana y el feudalismo la mayoría de los conventos pasaron a ser dirigidos por hombres y las monjas perdieron poder. Mientras las monjas pintaban y copiaban manuscritos iluminados, las mujeres ricas de la aristocracia elaboraban obras textiles. Desgraciadamente apenas se han conservado en buen estado este tipo de obras por su deterioro y desgaste. En el siglo XII algunos gremios de artesanos comenzaron a admitir a las mujeres viudas capaces de cubrir el puesto de sus maridos. En la Edad Media los trabajos de los talleres no solían firmarse, pero en caso de incluirse una firma como signo distintivo de calidad del taller quien firmaba era el maestro, puesto que estaba vetado a las mujeres. Con la corriente humanista del Renacimiento, en los siglos XV y XVI, mejora el reconocimiento de las mujeres y el estatus social de los artistas individuales. Las mujeres artistas se benefician de ambas mejoras, pero aún dependen de los hombres y para dedicarse al arte han de contar con padres, esposos o mecenas que les apoyen. La mayoría de las artistas de esta época son hijas de pintores o escultores y son instruidas en los talleres familiares junto con otros alumnos. Dentro de las clases adineradas se vuelve más común que las jóvenes sean instruidas por artistas consagrados, aunque la mayoría prefiere casarse a enfocarse en una carrera artística. Algunas
artistas de éxito se convertirán en damas de la corte con reputación internacional y mantendrán contacto con otros artistas, pensadores y nobles muy influyentes en su época. Con el cambio de estatus de artesano a artista, comienza la formación reglada de saberes imprescindibles para el artista en las academias que rara vez admitirán mujeres hasta el siglo XIX. Entre esas disciplinas se incluye en dibujo del desnudo del natural al que las mujeres no tendrán acceso hasta el siglo XX. La falta de conocimientos formales de anatomía masculina les priva de los encargos más prestigiosos, pero pintan escenas con personajes femeninos más realistas y con una personalidad propia. Por otro lado se especializan en temas menores de gran éxito comercial durante el Barroco como los bodegones y retratos. Gracias a la Ilustración, en el siglo XVIII, se separa la educación de los niños según su género y un mayor número de mujeres accederá a puestos de enseñanza para niñas de familias adineradas. A finales de este siglo se abren los primeros salones no académicos. Aunque las mujeres pueden participar, no se considera que estén capacitadas para realizar las obras más valoradas con temas históricos o mitológicos por su desconocimiento de la anatomía masculina. En el siglo XIX, las mujeres van ganando derechos sociales y económicos y crece el número de mujeres artistas aunque eso suponga ir a contracorriente del modelo femenino predominante y mejor visto por la sociedad victoriana. Varias ilustradoras y fotógrafas, nuevo medio sin restricciones sexistas ni educación formal, son económicamente independientes y reconocidas por su logros profesionales. En este periodo surgen las primeras sociedades de mujeres artistas desde las que lucharán contra la discriminación de organismos oficiales como las academias. También crearán sus propios talleres y escuelas. Las vanguardias artísticas terminan de romper con las normas del academicismo y las nuevas fórmulas las del arte se exponen en salones independientes paralelos a los oficiales atrayendo a las mujeres artistas.A finales de 1960, artistas e historiadores dentro del movimiento reivindican la importancia del rol de la mujer, exploran su presencia callada del rol de la mujer, exploran su presencia callada en la historia del arte y redescubren a personajes como Artemisia Gentileschi y Frida Kahlo que se convierten en iconos del feminismo.
006 ARTISTAS Ellas En esta selección de artistas hemos recogido a diez grandes mujeres artistas de la Historia. Esta tarea ha sido realmente complicada ya que son centenares las mujeres, desgraciadamente desconocidas para el mundo, que desarrollaron una brillante producción artística a lo largo de su vida, ya fuera escondidas detrás de su maestro o tutor, un pseudónimo masculino, unas iniciales, o abiertamente declaradas.
SOFONISBA ANGUISSOLA N
ació en Cremona (actual Italia) hacia 1535. Era la mayor de siete hermanos, seis de los cuales eran niñas. Su padre, Amilcare Anguissola, era miembro de la baja nobleza genovesa. Su madre, Bianca Ponzone, de familia influyente. Amilcare animó a sus hijas a cultivarse y perfeccionar sus talentos. Cuatro de sus hermanas también fueron pintoras, pero Sofonisba fue de lejos la que mejor lo consiguió y más renombrada. A la edad de 14 años su padre la envió, junto con su hermana Elena, a estudiar con Bernardino Campi, pintor también nacido en Cremona, un respetado autor de retratos y escenas religiosas de la escuela de Lombardía. Cuando Campi se mudó a otra ciudad, Sofonisba continuó sus estudios con el pintor Bernardino Gatti. El aprendizaje de Sofonisba con artistas locales sentó un precedente para que las mujeres fueran aceptadas como estudiantes de arte. En 1554, Sofonisba viajó a Roma, donde conoció a Miguel Ángel por mediación de otros pintores que conocían bien su obra. Este encuentro con el artista fue un gran honor para la pintora y se benefició de ser “informalmente” instruida por el gran maestro. No obstante, no lo tuvo fácil, pues a pesar de que contó con coraje y apoyo, más que el resto de las mujeres de su época, su clase social no le permitía ir más allá de los límites impuestos para su sexo. Sofonisba buscó las posibilidades para un nuevo estilo de retratos, con personajes con poses informales. Cuando ya era conocida, Sofonisba se desplazó a Milán, hacia 1558, en donde pintó al Duque de Alba, quien a su vez la recomendó al rey Felipe II de España. Al año siguiente, fue invitada a visitar la corte española, lo que representó un momento crucial en su carrera. Entonces tenía 27 años. En el invierno de 1559-1560 Sofonisba llega a Madrid para convertirse en pintora de la corte además de dama de compañía de la nueva reina Isabel de Valois, tercera esposa del rey. De vuelta en Cremona, tras su segundo matrimonio con el noble genovés Orazio Lomellino, y gracias a la fortuna de este pudo pintar y vivir libre y cómodamente. En 1623, la visitó el pintor flamenco Anton van Dyck, quien pintó varios retratos de ella a principios de 1600, e hizo bosquejos de sus visitas a Sofonisba en su cuadernos de notas. Van Dyck dijo: «Aunque su vista está debilitada, se mantiene aún muy alerta mentalmente». En contra de lo que algunos biógrafos reclaman, ella nunca se
Autorretrato, 1610
llegó a quedar ciega; quizá tuvo cataratas. Murió en Palermo en 1625. Fue internacionalmente aclamada y respetada a lo largo de su vida. Un total de 50 obras han sido atribuidas con seguridad a Sofonisba. Su obra ha tenido enorme influencia en las generaciones de artistas posteriores y tuvo varios copistas. Entre ellos se incluyen muchos de los mejores artistas del momento, como Rubens.
ARTISTAS
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ARTEMISIA GENTILESCHI R
oma, 8 de julio de 1593. fue una pintora caravaggista italiana, hija del pintor toscano Orazio Gentileschi (15631639). Vivió en la primera mitad del siglo XVII. Tomó de su padre, Orazio, el límpido rigor del dibujo, y le injertó una fuerte acentuación dramática, tomada de las obras de Caravaggio. Firmó a los diecisiete años su primera obra, (aunque muchos sospecharan entonces que fue ayudada por su padre): Susana y los viejos, 1610, colección Schönborn en Pommersfelden). A los diecinueve años, dado que el acceso a la enseñanza de las academias profesionales de Bellas Artes era exclusivamente masculino, y por tanto le estaba prohibido, su padre le dio un preceptor privado, Agostino Tassi. Con él estaba trabajando en aquel tiempo Orazio. Un escándalo marcó su vida. Tassi la violó en 1612. Al principio, él prometió salvar su reputación casándose con ella, pero más tarde renegó de su promesa, pues ya estaba casado, y Orazio lo denunció ante el tribunal papal. Del proceso que siguió se conserva documentación exhaustiva, que impresiona por la crudeza del relato de Artemisia y por los métodos inquisitoriales del tribunal. Artemisia fue sometida a un humillante examen ginecológico y torturada usando un instrumento que apretaba progresivamente cuerdas en torno a los dedos — una tortura particularmente cruel para un pintor-. De esta manera se pretendía verificar la veracidad de sus acusaciones, pues se creía que si una persona dice lo mismo bajo tortura que sin ella, la historia debe ser cierta. Tassi fue condenado a un año de prisión y al exilio de los Estados Pontificios. Las actas del proceso han influido grandemente en la lectura en clave feminista, dada en la segunda mitad del siglo XX. Artemisia Gentileschi está considerada como una de los primeros pintores barrocos, de los más completos de su generación, imponiéndose por su arte en una época en la que las mujeres pintoras no eran aceptadas fácilmente. Pintó cuadros históricos y religiosos en un momento en que estos temas heroicos eran considerados inadecuados para el espíritu femenino. Retocó y modificó obras de su padre, dotándolas de un realismo que antes no tenían. Les añadió una atmósfera dramática, acentuando el claroscuro a la manera de Caravaggio, contribuyendo así a que este estilo madurase. Representa así un caravaggismo violento.
Autorretrato,.
Un ensayo de 1916 de Roberto Longhi, maestro de la crítica italiana, tuvo el mérito de llamar la atención de la crítica sobre la estatura artística de Artemisia Gentileschi en el ámbito de los caravaggistas. Longhi emite, en un tono involuntariamente misógino, el siguiente juicio: «la única mujer en Italia que alguna vez supo algo sobre pintura, colorido, empaste y otros fundamentos».
008 ARTISTAS
MARY CASSATT A
llegheny City, Pennsylvania, 22 de mayo de 1844. A pesar de no contar con la aprobación de sus padres, a la edad de quince años inició sus estudios de pintura en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania (1861-1865). En 1866, cansada de la actitud condescendiente de profesores y alumnos, así como del lento desarrollo de las enseñanzas, decidió estudiar a los maestros del arte por sí misma y se trasladó a París en compañía de su madre y algunos amigos de la familia. Dado que no era posible para las mujeres matricularse en la Escuela de Bellas Artes, siguió estudios privados con diversos artistas, y realizó mucha práctica como copista en el Museo del Louvre. A fines del verano de 1870, al iniciarse la guerra franco-prusiana, regresó a los Estados Unidos y vivió nuevamente con su familia, por entonces radicada en Altoona. Su padre aún continuaba resistiéndose a aceptar su vocación, por lo que le financiaba sólo las necesidades básicas y no los materiales artísticos, además muy difíciles de conseguir desde allí. En 1872 observamos una maduración en su estilo, debido en parte al estudio de los maestros en los más importantes museos europeos y a las indicaciones de su maestro Camille Pissarro. Ese mismo año una de sus pinturas fue aceptada por el jurado para ser expuesta en el Salon de París. Los críticos dijeron que sus colores eran muy brillantes y que sus retratos demasiado fieles para favorecer al modelo. Cassatt realizó frecuentes críticas a su vez sobre las dificultades que una mujer encontraba para que sus obras fueran aceptadas en el Salón. En 1875, después de ver una obra al pastel de Edgar Degas en el escaparate de una galería de arte, supo que no estaba sola en su rebelión. El propio Edgar Degas la invitó a exhibir su trabajo junto a los impresionistas, que tres años atrás habían comenzado a exponer sus obras de forma rebelde e independiente, lo que la llevó a participar en varias de las exposiciones impresionistas a partir de 1879. La década de 1890 fue la época más creativa de Cassatt; expuso regularmente en las galerías neoyorquinas e incluso se convirtió en modelo a seguir para jóvenes artistas norteamericanas a las que aconsejaba en sus carreras. En 1891 exhibió una serie de coloridas pinturas, cuadros inspirados en el arte japonés que fueron exhibidos en París. Fue en general hostil a los movimientos pictóricos posteriores, como el posimpresionismo, el cubismo y el fauvismo.
Autorretrato,.
En 1911 fue diagnosticada de diabetes, reumatismo, neuralgia y cataratas, a pesar de lo cual en 1915 aún tuvo fuerzas para contribuir con 18 pinturas en apoyo del movimiento sufragista. Tras 11 años de completa inactividad artística debido a su ceguera, falleció en la casa familiar en 1926. Nunca contrajo matrimonio, pues consideró que ello era incompatible con el desarrollo de su carrera.
ARTISTAS
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CAMILLE CLAUDEL F
ère-en-Tardenois, Aisne, 8 de diciembre de 1864. Fue una escultora francesa, hermana del poeta, dramaturgo y diplomático francés Paul Claudel. Desde su infancia en Champagne, Camille fue una muy apasionada de la escultura; jugaba con el barro y esculpía a las personas que la rodeaban, como a su hermano Paul y a su sirviente Hélène. En efecto, su padre fue trasladado a Nogent-sur-Seine en 1876; allí trabajaba Paul Dubois, Director de la Escuela Superior de Bellas Artes de París, y su discípulo Alfred Boucher. En 1882 llegó a ser aceptada por Paul Dubois. Llegó a París en 1883 con el fin de perfeccionar su arte e ingresa en la academia Colarussi. Tiene su primer encuentro con Auguste Rodin en 1883, cuando el célebre escultor sustituye una clase de su amigo Alfred Boucher. Al año siguiente empieza a trabajar en su taller. Camille posa para él y colabora en la realización de las figuras de la monumental La puerta del Infierno. La obra de la escultora, tiene su toque personal y femenino, sin ser nunca una copia: por eso, Octave Mirbeau proclamó su genio. Aparte de ser una de sus principales colaboradoras, fue también su amante y compañera durante algunos años; se convirtió en su modelo y su musa. A pesar de la pasión, la relación entre Rodin y Camille es complicada, conflictiva y con continuas interrupciones y crisis. Frecuentaron juntos los ambientes artísticos y culturales más importantes del París de la época, pero Rodin está unido sentimentalmente a otra mujer, a quien no tiene intención de abandonar para casarse con Camille. Esta situación será la inspiración de una de las obras más importantes de Camille: La edad madura. Una vez rota su relación con el escultor, entra en su vida Claude Debussy, pero también él está unido a otra mujer. Mientras, sus obras alcanzan cierto éxito y aparecen con frecuencia artículos sobre ella en las revistas de arte. En esta época de crisis emocional, Camille se encierra en su taller y se aleja del mundo. En diciembre de 1905, Camille realiza su última gran exposición. A partir de ahí, sufrirá sucesivas crisis nerviosas que se agudizarán cada vez más y comenzará a destruir sus obras. No tendrá apoyo familiar, ya que su madre y su hermana siguen siendo hostiles a su forma de vida y su hermano Paul está lejos. El único que apoyaba a Camille era su padre y se negó reiteradamente a internar a su hija como le pedían.
Camille Claudel, 1884
El 3 de marzo de 1913 muere su padre. El 10 de marzo la internan en el sanatorio de Ville-Evrard y en julio en Montdevergues, manicomio del cual, a pesar de su recuperación y sus lúcidos y desgarrados ruegos a su hermano Paul, nunca saldrá. Encerrada pasará los últimos treinta años de su vida. La familia prohibió que recibiera visitas solo su hermano Paul la visitó siete veces.
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ARTISTAS
BEATRIX POTTER E
scritora e ilustradora británica nacida el 28 de julio de 1866. Beatrix y su hermano Bertam fueron educados por niñeras e institutrices. Cuando creció, sus padres le encarron del hogar, dificultando su desarrollo intelectual. Un tío intentó que ingresara como estudiante en los Reales Jardines Botánicos en Kew, pero fue rechazada por ser mujer. La base para sus proyectos e historias fueron los pequeños animales que introducía furtivamente en la casa o que veía durante las vacaciones familiares en Escocia. Potter fue una de primeras personas en sugerir que los líquenes eran una relación simbiótica entre los hongos y las algas, convirtiéndose en una persona conocida y respetada en el ámbito de la Micología. Pero su único intento de publicar fue dificultado, y su tío tuvo que leer el trabajo ante la sociedad científica, ya que no se admitían mujeres. En 1997, la Sociedad Linneana de Londres editó un desagravio póstumo por la manera en que fue tratada. La animaron a publicar su relato, El cuento de Perico, el conejo travieso (The Tale of Peter Rabbit), pero tuvo que luchar para encontrar un editor hasta que por fin fue aceptado en 1902. El libro y las obras que lo siguieron fueron muy bien recibidos y ella comenzó a obtener unos ingresos propios de sus ventas. Beatrix se implicó sentimentalmente con su editor, Norman Warne, cosa que mantuvo en secreto, pues sus padres eran contrarios a que se casara con cualquiera que necesitara trabajar para vivir. Warne murió antes de que pudieran prometerse, lo que agrandó la brecha que separaba a Beatrix y sus padres. Potter escribió 23 libros. Fueron publicados en pequeño formato, fácil de manejar y leer por los niños. Dejó de escribir alrededor de 1920 debido a su mala visión, aunque su última obra, The Tale of Little Pig Robinson, se publicó en 1930. En sus últimos años se dedicó a una granja de ovejas que compró en Lake District, (Inglaterra); le gustaba el paisaje y con las seguras regalías provenientes de sus libros, junto con la herencia de sus padres, compró grandes extensiones de tierra, que después acabó heredando el National Trust. Con 47 años, Beatrix Potter se casó con su abogado, William Heelis, con quien no tuvo hijos. Murió en Sawrey, (Lancashire) el 22 de diciembre de 1943 debido a una neumonía.
Beatrix Potter, 1933
De sus cuentos ilustrados para niños se han vendido más de 40 millones de copias alrededor de todo el mundo. Beatrix comienza su carrera artística ilustrando postales de navidad. Además de los libros infantiles, las reproducciónes de sus acuarelas, dibujos y otros productos de merchandising se conviertieron en un éxito de ventas desde su lanzamiento.
ARTISTAS
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GEORGIA O’KEEFFE S
un Prairie, 1887. Fue una pintora perteneciente a la Escuela Preciosista americana. Nació en Wisconsin, en Estados Unidos, en una familia de granjeros que vivían humildemente, lo que no impidió que muy niña aún recibiera clases de dibujo y que a los veinte años ya estuviera estudiando en el Art Institut de Chicago y muy poco después en la Universidadde Virginia y en la Art Students League de Nueva York. Desde Nueva York daría el salto hasta Texas, donde se encontraría dando clases de dibujo en un pequeño pueblo. Fue a partir de entonces, hacia 1916, cuando empezaría a realizar sus primeras acuarelas abstractas, cuyos motivos se basaban en el paisaje del lugar aunque transformados por su peculiar visión pictórica. Fueron precisamente estas acuarelas las que empezarían a labrarle el camino de la fama, especialmente cuando las descubre el fotógrafo y marchante Alfred Stieglitz que las expone sin el permiso de la artista. No le importó esta negativa y continuó exponiendo las obras, iniciándose desde entonces un idilio entre ambos que acabaría en matrimonio. El apoyo de Stieglitz y la originalidad de su obra fueron multiplicando sus exposiciones y aumentando su fama. Sobre todo cuando en estos años comienza a pintar sus famosas flores, que se han convertido en su seña de identidad. Para algunos, las flores de O’Keeffe son metáforas sexuales por su sensualidad y sus formas, pero en cualquier caso, la pintura de O’Keeffe trasciende todo simbolismo y se afianza como una expresión plástica tan genuina y personal que no puede asociarse a ningún movimiento artístico. A finales de los años veinte empezarán sus problemas matrimoniales, agravados por las continuas infidelidades de su marido y por el cansancio también que éste le provocaba. Descubre entonces un nuevo entorno que la fascinará, las tierras de Nuevo México: su luz cegadora, su amplias extensión, los tonos rojizos del paisaje la encantarán lo suficiente como para quedarse a vivir allí. De esa época serán sus vastos paisajes americanos y también sus pinturas de cráneos y huesos, que junto con sus flores son la otra imagen más conocida de esta pintora. De nuevo se analizaron bajo una interpretación simbólica, entendidos como una metáfora de la desesperación y la muerte, pero también en esta ocasión es suficiente con verlo como una imagen del desierto que a ella tanto le atraía.
Georgia O’Keeffe, por Stieglitz.
Georgia O’Keeffe ha obtenido la fama como la pintora de la sexualidad femenina. A la muerte de su marido en 1946, O’Keeffe iniciaría una amplia etapa de exposiciones y retrospectivas que harían definitivamente justicia a su obra. También empezaría a viajar siendo frecuentes sus viajes a México, donde entablará amistad con Frida Kahlo y Diego Rivera. Dejará de pintar debido a la ceguera.
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ARTISTAS
TAMARA DE LEMPICKA V
arsovia, Polonia, 16 de mayo de 1898, fue una pintora polaca que destacó por la belleza de sus retratos femeninos y desnudos, de pleno estilo art decó. Nació en el seno de una familia acaudalada, siendo desde pequeña una niña autoritaria y con carácter. En 1910 pinta su primer trabajo, el retrato de su hermana. En 1911 hace con su abuela un viaje a Italia, donde descubre su pasión por el arte. En 1916 se casó en San Petersburgo con el abogado polaco Tadeusz Łempicki (1888-1951), con quien llevó una vida lujosa hasta que estalló la Revolución de octubre. Tadeusz resultó encarcelado, pero ella lo sacó de prisión y se trasladaron a Copenhague. En 1923 se mudaron a París, donde nació su única hija, Kizette. Tamara tomó clases de pintura con André Lhote. Más tarde Tamara expuso en varias galerías de París, ya en estilo art decó, como en la galería Colette Weill. En 1925 tuvo un lugar en la primera exposición art decó de París, donde se hizo un nombre como artista. Más tarde viajaría con su hija a Italia para observar de nuevo el arte italiano. En 1927, su cuadro Kizette en el balcón recibe el primer premio en la Exposición Internacional de Burdeos. En 1929 se divorcia de Tadeusz y conoce al barón húngaro Raoul Kuffner de Diószegh (1886-1961), un coleccionista de su obra. Junto a él, viaja a Estados Unidos. Allí Tamara acepta casarse con el barón aunque no oculta su orientación bisexual. Se hace famosa entre la burguesía neoyorquina y expone en varias galerías estadounidenses y europeas. En 1933 viaja temporalmente a Chicago donde trabaja con Willem de Kooning y Georgia O’Keeffe. En 1938 se van a vivir a Beverly Hills. En 1960, Tamara cambia de estilo, pasándose al abstraccionismo. En 1962, muere el barón. El 18 de marzo de 1980, Tamara de Lempicka muere en Cuernavaca (México).Tamara de Lempicka recuerda en su autorretrato de 1929 Tamara en Bugatti verde, la trágica muerte de la bailarina estadounidense Isadora Duncan que murió estrangulada en 1927, cuando su largo chal se enreda en una de las ruedas posteriores de su Bugatti. Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura art decó, pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras; son sus mejores ejemplos,
Tamara de Lempicka, 1930.
junto con los desnudos. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto. Curiosamente, Tamara empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos para representar temas actuales, donde las figuras visten ropajes y peinados de última moda. Su estética ha atraído a estrellas del espectáculo como Madonna.
ARTISTAS
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FRIDA KAHLO C
oyoacán, México, 6 de julio de 1907, fue una pintora y poetisa mexicana de ascendencia alemana y española. Frida fue la tercera hija del fotógrafo alemán, Guillermo Kahlo y su segunda esposa Matilde Calderón. La vida de Frida estuvo marcada desde muy temprana edad por el sufrimiento físico y las enfermedades que padeció. El primero de estos infortunios consistió en una poliomielitis que contrajo en 1913. Esta primera enfermedad le dejó una secuela permanente en su pierna derecha. En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México. En esta escuela conoció a futuros intelectuales y artistas mexicanos, como Salvador Novo, y formó parte de un grupo de alumnos conocidos como Los Cachuchas. Eran rebeldes, se autodefinían como un grupo crítico de la autoridad, protestaban contra las injusticias y se movilizaban por las reformas del sistema escolar. El 17 de septiembre de 1925 sufrió un grave accidente cuando el bus en que ella viajaba fue arrollado por un tranvía. Su columna vertebral quedó fracturada en tres partes, sufriendo además fracturas en dos costillas, en la clavícula y tres en el hueso púbico. Su pierna derecha se fracturó en once partes, su pie derecho se dislocó, su hombro izquierdo se descoyuntó y un pasamanos la atravesó desde la cadera izquierda hasta salir por la vagina. Al respecto, Frida comentaba que habría sido esta la forma brutal en la que había perdido su virginidad. La medicina de su tiempo la atormentó con múltiples operaciones quirúrgicas, corsés y diversos mecanismos de “estiramiento”. Durante su larga convalecencia comenzó a pintar de manera más continuada. Por esta época, Frida ya había comenzado a frecuentar ambientes políticos, artísticos e intelectuales. Frida conoció al muralista Diego Rivera en 1928. La artista contrajo matrimonio con Diego Rivera en 1929. Su relación consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio, un divorcio en 1939 y un segundo matrimonio un año después. Debido a sus lesiones, nunca llegó a tener hijos, cosa que tardó muchos años en aceptar. En 1953 en ciudad de México se organizó la única exposición individual en su país durante la vida de la artista. La exposición fue en la Galería de Arte Contemporáneo. La salud de Frida estaba muy deteriorada y los médicos le prohibieron concurrir a la misma. No obstante, llegó en una ambulancia, asistiendo a su exposición en
Frida Kahlo, 1932.
una cama de hospital. Ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección. Esto la sumió en una depresión que la llevó a intentar el suicidarse. Frida es sujeto y objeto de su pintura, sintetiza elementos expresionistas y surrealistas. Fue de las primeras pintoras que expresó en su obra su identidad femenina, convirtiéndola en símbolo feminista.
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ARTISTAS
LOUISE BOURGEOIS F
ue una artista y escultora francesa-americana nacida en 1911, es una de las artistas más importantes del Arte contemporáneo. Es reconocida como la fundadora del Arte Confessional. Bourgeois nació el 25 de diciembre de 1911 en París, Francia. Ella fue la tercera de cuatro hijos de Josephine Fauriaux y Louis Bourgeois.Sus padres eran dueños de una galería que se especializaba mayoritariamente en tapices antiguos. Su padre, un tirano mujeriego, cedía a sus deseos en un amorío con la maestra y niñera de sus hijos8 De acuerdo a Bourgeois, su madre estaba al tanto de la infidelidad de su esposos, pero le fue más fácil ignorar el asunto. Bourgeois, una pequeña niña alerta, almacenaba sus memorias en sus diarios. Ella le odiaba por su temperamento explosivo, dominancia en el hogar y por burlarse de ella enfrente de otras personas. En 1930, Bourgeois entró a Sorbonne a estudiar matemáticas y geometría, materias que ella preciaba por su estabilidad; ella decía “la única manera en la que yo obtenía paz mental era mediante el estudio de leyes que nadie podía cambiar.” Su madre murió en 1932, mientras Bourgeois estaba estudiando matemáticas. Su muerte la inspiró a dejar las matemáticas y comenzar a estudiar arte. Su padre pensaba que los artistas modernos eran derrochadores y rehusó apoyarla. Durante el tiempo que estuvo inscrita en la École des Beaux-Arts, ella utilizó las infidelidades de su padre como inspiración. Ella descubrió que su impulso creativo se encontraba dentro de sus traumas y tensiones de la infancia. Conoció a Miró en París hacia 1938, y admiró y recibió su influencia, aunque comenzaron su amistad solo cuando se encontraron en Nueva York en 1947; entonces ella apreció sus pintura, que consideraba naif, aunque no estimaba su escultura. En 1954, Bourgeois se unió al American Abstract Artists Group, con varios contemporáneos. En este tiempo ella se hizo amiga de los artistas Willem de Kooning, Mark Rothko, y Jackson Pollock. Desde 1980 contó con la colaboración del comisario artístico Jerry Gorovoy, que actuó en la práctica como su mánager. La artista se dedicó desde entonces a crear obras de creciente poder transgresor, muy influida por el feminismo y por los nuevos materiales. Consiguió por fin el reconocimiento internacional al celebrar su primera retrospectiva En el 2010, el último año de su vida, Bourgeois utilizó su arte para hablar a favor de la igualdad
Louise Bourgeois, , por Robert Mapplethorpe.
para las Lesbianas, Gays, Bisexuales y Transgénero. Creó la pieza “Acepto”, para beneficiar a la organización sin fines de lucro Freedom to Marry. Bourgeois dijo que “todos deberían tener el derecho a casarse. Hacer un compromiso de amar a alguien para siempre es algo hermoso.”Bourgeois tuvo una historia de activista a favor de la igualdad LGBT
ARTISTAS
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LEONORA CARRINGTON P
intora surrealista y escritora mexicana de origen inglés. Nació el 6 de abril de 1917 en el pueblo de Chorley, en Lancashire, Inglaterra. En el año 1936 ingresó en la acade mia Ozenfant de arte, en la ciudad de Londres. Al año siguiente conoció a quien la introdujo indirectamente en el movimiento surrealista: el pintor alemán Max Ernst, a quien volvió a encontrar en un viaje a París y con quien no tardó en establecer una relación sentimental. Durante su estancia en esa ciudad entró en contacto con el movimiento surrealista y convivió con personajes notables del movimiento como Joan Miró y André Breton, así como con otros pintores que se reunían alrededor de la mesa del Café Les Deux Magots, como por ejemplo el pintor Pablo Picasso y Salvador Dalí. En 1938 participó junto con Max Ernst en la Exposición Internacional de Surrealismo en París y Ámsterdam. Previamente a la ocupación nazi de Francia, varios de los pintores del movimiento surrealista, incluida Leonora Carrington, se volvieron colaboradores activos del Kunstler Bund, movimiento subterráneo de intelectuales antifascistas. Leonora Carrington tenía solo 20 años cuando conoció a Max Ernst en Londres. Entonces el pintor ya contaba con 47 años y con bastante fama como surrealista. La gran diferencia de edad, el hecho de que Ernst además estaba casado, así como sus posiciones surrealistas radicales hacían que esta relación no contara con la anuencia del padre de Leonora. A pesar de ello, la pareja se reencontró en París y pronto se fueron a vivir a la provincia, al poblado de Saint-Martin-d’Ardèche, en una casa de campo que adquirieron en 1938. La vida tranquila y feliz de la pareja en este sitio duró solo un año. En septiembre de 1939 Max Ernst fue declarado enemigo del régimen de Vichy. Tras la detención y prisión de Ernst, Leonora sufrió una desestabilización psíquica. Ante la inexorable invasión nazi, se vio obligada a huir a España. Por gestión de su padre fue internada en un hospital psiquiátrico de Santander. De este período la pintora guardó una marca indeleble, que afectó de manera decisiva su obra posterior. En 1941 escapó del hospital y arribó a la ciudad de Lisboa, donde encontró refugio en la embajada de México. Allí conoció al escritor Renato Leduc, quien la ayudó a emigrar. Ese mismo año contrajo matrimonio y Leonora viajó a Nueva York. En 1942 emigró a México, la pintora restableció
Leonora Carrington
restableció lazos con varios de sus colegas y amigos surrealistas en el exilio, quienes también se encontraron en ese país, tales como André Breton, Benjamin Péret y Remedios Varo, con quien mantuvo una amistad duradera. Fue ganadora del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes, otorgado por el gobierno de México en el 2005. Falleció a los 94 años en 2011.
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CONCLUSIÓN
CONCLUSIÓN
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Alza la voz Las Guerrilla Girls eran un colectivo de artistas feministas. El grupo nació en Nueva York en 1985 y se denominaron así por usar tácticas de guerrilla para promocionar la presencia de la mujer en el arte. Guerrilla Girls quiere rehabilitar la palabra con “f” (feminismo), para que la gente que cree en las ideas feministas, vuelva a llamarse a sí misma “feminista”.
GUERRILLA GIRLS
S
u primer trabajo fue desplegar posters en las calles de Nueva York para denunciar el desequilibrio de género y racial de los artistas representados en galerías y museos. A lo largo de los años, expandieron su activismo a Hollywood y la industria del cine, la cultura popular, los estereotipos de género y la corrupción en el mundo del arte. Las miembros del grupo originario siempre llevaban máscara de gorila y, ocasionalmente, minifaldas y medias de red. Ellas comentaban que nadie en su entorno (ni familias, ni compañeros, ni maridos) conocía su identidad, a excepción hecha, decían irónicamente, de sus respectivos peluqueros. Y la verdad es que, además de su misteriosa identidad, se desconoce cuántas personas formaban su grupo. De todas maneras, las Guerrilla Girls americanas tuvieron sus imitaciones y compañeras en Francia y también en Inglaterra. Las Guerrilla Girls inventaron una combi-
nación única de texto, contenido y gráfica veloz que presenta los puntos de vista feministas con un humor descarado y divertido. Como resultado,muchas personas que originalmente no están de acuerdo con las posiciones de las Guerrilla Girls son llevados por su gancho gracioso, reflexionan, y con frecuencia cambiar su modo de pensar. Artistas del diseño gráfico y del lenguaje publicitario, las Guerrilla Girls dominan el arte de estetizar las estadísticas para denunciar el sexismo y aportar al debate social lo que ellas denominan “la conciencia del mundo del arte”. Las Pussy Riot se declaran herederas de sus ideales y ahora se acercan al gran público con la ayuda de estrellas (arty) de la televisión. 30 años después, siguen siendo necesarias. Recordar que la presencia de la mujer en la exposición de arte contemporáneo Arco, que se celebra en Madrid, de 2014 ocupaba un 4’8% del total de artistas que expusieron su obra.
BIBLIO GRA FÍA Las Chicas del Óleo Isabel del Río arte.about.com blogs.elpais.com enfemenino.com maquinaomaravilloso.com m-arteculturalvisual.com wikipedia.es biografiasyvidas.com elrincondemisovarios.blogspot.es revistaenie.clarin.com uned.es sandrinne.com mujerespintoras.blogspot.es historiasdelahistoria.com
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