Curso de Fotografia by Saul Lira

Índice

Capitulo 2: La regla de los tercios. Comenzamos con una de las más simples y antiguas reglas de la fotografía. Se puede utilizar en casi cualquier ocasión cuando no se te ocurre una manera lógica y obvia de componer una imagen, o en combinación con las otras reglas que se verán en los capítulos siguientes del curso. La regla de los tercios consiste en dividir mentalmente el área de la imagen en tercios horizontales y verticales, con dos líneas horizontales y dos verticales y componer la imagen utilizando las nuevas áreas que quedan y las cuatro intersecciones. Posicionamiento del objeto. La variante más simple es poner al objeto que se desea fotografiar cerca de una de las cuatro intersecciones, como en este ejemplo:

En este otro ejemplo podemos ver otra variante muy simple que se pueden usar a la hora de elegir donde poner el horizonte de un paisaje:

La línea de horizonte también podría haberse colocado sobre la línea horizontal inferior. Sin embargo, en este ejemplo el agua me pareció mucho más interesante que el cielo. División espacial. Otra idea es componer la imagen dentro de regiones delimitadas por las líneas, no por las líneas mismas o las intersecciones que forman las líneas:

Podría resultar útil pensar siempre en la fotografía en términos de esta simple regla ya que por lo general mejora las fotografías que se obtienen. Como dijimos al principio, también se puede combinar con las otras reglas que explicaremos en el curso y a veces… romper esta regla a propósito puede traer interesantes resultados. Sin embargo, si no se te ocurre otra manera de componer la imagen, la regla de los tercios es una buena manera de lograr un encuadre interesante, usualmente mucho mejor que simplemente poner el objetivo en el centro del encuadre al sacar la fotografía. Tarea. 1. Presentar una fotografía donde utilizas la regla de los tercios de alguna manera – sea una de las que explicamos o una que se te ocurra a ti. 2. Explicar la manera en que has usado, y porque la usaste de esa forma y no de otra.

Capitulo 3: La simplificación. El tema de este capitulo es la simplificación. En la opinión de muchos expertos es la regla fundamental de la composición de imágenes. No explicamos esta regla primero ya que para poder simplificar con 3

éxito es necesario algún tipo de marco para utilizar en la simplificación: solo enfocarse en un determinado detalle de un escenario mientras uno se olvida del resto de la composición generalmente no funciona. La regla de los tercios provee ese tipo de marco. La simplificación trata de encontrar el objeto que resalta en la imagen que se desea obtener, y posicionar la toma de manera tal que se puedan quitar los demás objetos que distraigan. Al hacer esto se logra poner ese objetivo principal en el contexto correcto. Decide que cosa en la imagen quieres que sea el punto principal de interés y construye la imagen alrededor de eso, removiendo o suprimiendo todo lo que compita por la atención con nuestro punto de interés. Llamar la atención. A la hora de seleccionar tu principal punto de interés al fotografiar utilizando la simplificación puede resultar de utilidad considerar algunas de las maneras que las personas tienen para percibir y “notar” cosas. Cualquiera de los siguientes ítems llama la atención y son aptos como punto focal de la simplificación, los mismos están ordenados por su fuerza: • • • • • • • •

Ojos. Caras. La forma humana en general. Animales. Objetos de colores claros (sobre un fondo oscuro). Objetos de colores oscuros (sobre un fondo claro). Objetos de colores calidos (sobre fondos de colores fríos o desaturados: ejemplo rojo sobre verde, rojo sobre gris). Objetos con un gran contraste.

Por “fuerza” me refiero a que un punto mas ‘fuerte’ tiende a ganar por sobre uno mas ‘débil’, en caso que los dos compitan en una misma imagen. Estos puntos de interés pueden ser combinados para obtener un interesante efecto. Por ejemplo en una fotografía de un grupo de personas vestidas con colores agrisados y mirando hacia el lado opuesto de la cámara, una persona vestida con colores claros o blanco y mirando hacia la cámara sobresaldrá. Técnicas y problemas. Hay una seria de cosas que se pueden hacer de manera práctica para simplificar una imagen, una vez que se sabe que es lo que se quiere hacer. Se puede por ejemplo: Hacer zoom (o acercarse) para quitar detalle que distraiga en la composición. • Hacer zoom out (o alejarse) para hacer que el detalle que distrae se funda en una textura mas pequeña dejando que la gran estructura de la composición se destaque. • Correr la composición hacia un costado. • Caminas hacia la derecha o izquierda, agacharse, acostarse en el suelo, escalar un objeto cercano o elevar la cámara por sobre la cabeza. • Utilizar un valor de apertura grande para tener una profundidad focal reducida. Esto hace que el fondo salga con menos foco fundiendo el objeto que distrae (esta técnica la explicaremos mejor en un capitulo posterior, sin embargo la mayoría de las cámaras digitales, por su tamaño pequeño, tienen dificultad en desenfocar el fondo).

Cosas de que cuidarse y evitar. Uniones. Tener un fondo en foco el cual se funde con el sujeto de la composición (in ejemplo obvio: las ramas de un árbol que crecen desde la cabeza de la persona fotografiada). Puntos de atención en competencia. Por ejemplo, dos personas ambas mirando a la cámara, pero posicionadas de manera que no formen una par (un solo elemento composicional). Fondos caóticos. Un fondo con demasiado detalle y contraste tienden a ‘tragar’ al sujeto (las técnicas de zoom out o profundidad focal reducida funcionan particularmente bien para esta situación). Truncar al sujeto. Personas u objetos cortados por la mitad por lo general no quedan bien. Si quieres incluir solo una parte de una persona en la composición trata de no cortarla en una de las articulaciones, cortarla por la mitad de una parte es mejor que en el tobillo o en la cadera. Algunas maneras de simplificar. Para ilustrar el principio de simplificación mostraremos un par de ejemplos. La manera más simple es elegir un objeto de la escena y componer la imagen alrededor de esta. Nótese como tanto la tabla como el muelle/horizonte cuadran con la regla de los tercios.

Esta otra imagen pertenece a una plaza caracterizada por caminos y arbustos. No es un lugar demasiado interesante y hay una gran cantidad de objetos. Esta variante consiste en encontrar un área que esta menos atestada o que presente patrones o formas interesantes, y componer la imagen alrededor de esa área, posiblemente acercándose:

Otra manera es hacer lo opuesto, alejarse. Utilizando un lente de gran angular o alej谩ndose un poco, el detalle ca贸tico se funde un poco y la gran imagen aparece, les presentamos tres tipos de toma distintas de esta variante:

Tarea: 1. Seleccionar una imagen entre las que hayas sacado recientemente. Examínala y trata de recordar esa escena. Presenta esa imagen tal cual la sacaste y: a) Recórtala de manera diferente, basándose en el principio de la simplificación (y si lo deseas cualquier otra regla). Explica por que elegiste recortarla de esa manera. No te preocupes por perder píxeles o calidad, recorta tanto como necesites para llegar a tus objetivos de composición. b) Describe alguna otra manera en la que podrías haber compuesto y sacado la imagen en el momento que la sacaste. 2. Saca una imagen aplicando el principio de simplificación. Preséntala y explica: a) Porque elegiste simplificar de la manera que lo hiciste. b) Que hiciste para hacer que la simplificación funcionara.

Capitulo 4: El sujeto falso. El tema de este capitulo lo denominaremos el sujeto falso; se trata de lograr fotografías de mayor interés al introducir un objeto que llame la atención pero a la vez no sea interesante en si mismo. Este truco funciona especialmente bien para escenas de calle y fotografías de tipo “turista” o… de arquitectura, en donde queremos fotografiar un edificio. Considera una clásica fotografía que saca un turista. Tienes en un edificio importante o interesante, generalmente en el centro de la fotografía (afortunadamente los alumnos de este curso conocen una mejor técnica). Si bien este tipo de imágenes pueden ser usadas para demostrar a terceros lo lugares o construcciones en los que uno ha estado, generalmente son muy pocos interesantes fotográficamente hablando. Son fotografías de construcciones interesantes, no fotografías interesantes de construcciones. La persona que vea la fotografía dirá wow, ¡que edificio tan impresionante!, pero no wow, ¡que linda fotografía! O ¡Qué espectacular foto! ¿Recuerdas la lista de elementos que llaman la atención del capitulo de la simplificación? Algunos elementos importantes eran: • • • •

Ojos Caras Personas Animales

La idea detrás del sujeto falso es que coloques un elemento que llame la atención en la imagen y componer la misma como si estuvieras sacando una fotografía de este elemento, mientras que en realidad tu intención es hacer una fotografía sobre el entorno – el fondo, un elemento que actué de marco, etc. El elemento que se utiliza para llamar la atención no necesita necesariamente tener algo interesante. Sin embargo, componer la imagen alrededor de este puede causar que toda la imagen encaje o agregarle interés. Aquí te mostramos una imagen sin el sujeto falso:

Y con el sujeto falso

El sujeto falso y fotografías en las calles. En muchos casos, esta es una pieza clave de fotografías hechas en la calle, en una ciudad. Las personas en la escena pueden ser muy comunes, realizando cosas comunes. El punto importante es el ambiente. La imagen es el fondo y el sujeto es incidental, pero si él la imagen podría no funcionar, no tener un balance o algo que contar. Aquí tienes una escena de calle sin sujeto falso (el cual fue movido digitalmente):

Y aquí tienes como fue sacado en realidad:

(Claro, si conoces a la o las personas en cuestión la fotografía tendrá un elemento de interés adicional, pero aunque no lo conozcas, la imagen a criterio de muchos resulta más interesante con ellos). Algunas cosas a considerar cuando uses el recurso del sujeto falso: • Cualquier elemento que llame la atención puede ser usado como un sujeto falso, pero personas, animales y flores funcionan especialmente bien. • Si tu sujeto falso es fotogénico es mucho mejor, siempre y cuando no atrape tola la atención. • Si el sujeto falso atrae demasiada atención la imagen puede parecer forzada y artificial, dando la impresión de que no forma parte del entorno y que ha su vez roba atención. Tarea Si posees los conocimientos informáticos necesarios, haz lo opuesto que a lo que se acaba de mostrar, obtén una fotografía de poco interés de una escena interesante, y luego agrega por medio de edición en la PC un objeto que llame la atención, que saques desde otra imagen. No te preocupes por el tema de la calidad del resultado, el objetivo es que la próxima vez que estés con tu cámara puedas identificar con más facilidad este tipo de elementos. Sal a tomar algunas fotos de tu ciudad. Obtén una a dos imágenes que hagan uso del principio del sujeto falso.

Capitulo 5: Geometría en la composición. 10

En los capítulos anteriores recorrimos algunos de los principios generales para la realización de fotografías. • • •

El capitulo 2, la regla de los tercios, introdujo un principio muy aplicable que ayuda a decir donde colocar el sujeto. El capitulo 3, la simplificación, trató acerca de quitar lo que no es necesario y de concentrarse en lo es importante. El capitulo 4, el sujeto falso, consistía en agregar algo a una fotografía para hacerla mas interesante o dinámica.

Los capítulos anteriores no se han concentrado sobre el objeto o interés principal de la fotografía. Este capitulo en cambio tiene por objetivo dar ideas acerca de “que fotografiar”, no en términos de que temas u objetos, sino en que buscar en estos objetos o composiciones. Miraremos a elementos geométricos y como usarlos en una composición. ¿De que sirve? Los elementos geométricos rara vez sirven como buenos objetos primarios o secundarios. En cambio sirven cumpliendo un rol auxiliar, ayudando a unir toda la imagen. Poseen al menos tres usos muy importantes: La línea guía Una línea guía hace lo que indica: guía al ojo de una parte de la imagen a otra: del primer plano al fondo, del objeto secundario al objeto principal. La línea guía agrega movimiento a una imagen que de otra manera seria mas estática y une diferentes elementos, juntándolos. Diagonales y arcos u otras curvas no cerradas son buenas líneas guías. El divisor espacial Un divisor espacial divide a la imagen en distintas áreas que trabajan juntas para armar la composición. No todas las fotografías se basan en áreas, pero a veces dos o más áreas pueden crear una fuerte composición aun en la ausencia de puntos de interés claros. Los triángulos son particularmente útiles como divisores espaciales, pero otros elementos (como diagonales y curvas) pueden cumplir el mismo rol. El elemento de marco Un elemento de marco sirve para enfocar la atención en el objeto principal. Usualmente cubre al menos dos esquinas de la imagen y puede adentrarse en esta bastante, algunas veces ocupa casi todo el espacio de la imagen. Para que esto funcione, el elemento de marco tiene que tener algunas características propias que sean interesantes: color, textura o forma. Formas fuertes, geométricas, también pueden funcionar como elementos de marco: triángulos o arcos suelen funcionar muy bien. Frecuentemente los elementos de marco deben ser mas apagados que el objeto principal ya que no tienen por objetivo distraer sino enfocar, aun cuando el punto principal de la imagen sea el elemento marco, de igual manera que lo hace el sujeto falso. ¿Pero… todo esto que significa? No es algo complicado ni se trata de matemática, los elementos geométricos son simples, formas que son fácilmente reconocibles como rectángulos, círculos, triángulos, líneas y curvas. En la composición 11

algunas formas geométricas poseen mas posibilidades que otras: cuadros y círculos, por ejemplo, son mas estáticos por lo suelen ser menos interesantes que los triángulos y curvas abiertas. Algunas formas geométricas poseen gran potencial para las composiciones: • • • •

Diagonales. Triángulos. Arcos. Curvas en forma de S.

Nos concentramos en estas formas y sus usos. La diagonal Una imagen con un elemento diagonal es casi siempre más dinámica y más fuerte que la misma imagen sin este elemento. Mientras que verticales y horizontales comúnmente dividen el espacio en áreas, las diagonales conectan. En efecto, uno e los usos más comunes y efectivos para la diagonal es la línea guía – algo que conecta un objeto principal a un objeto secundario, causando que el ojo se mueva dentro del marco. En este rol, las diagonales pueden ser componentes fuertes de perspectiva y profundidad, dando a la imagen una mayor sensación de tridimensionalidad. A continuación veamos una imagen compuesta alrededor de una diagonal usada como línea guía para acentuar la sensación de profundidad:

Seguidamente, una imagen compuesta alrededor de una diagonal usada como línea guía y divisor espacial, pero no principalmente como indicador de perspectiva:

La diagonal simple es una de las más versátiles entidades geométricas que se puedan utilizar en las composiciones. Búscalas y trata de darles el mejor uso. Sin embargo, como las diagonales son líneas que casi siempre están y salen de la imagen, es importante poner algo para que pare el ojo antes de que se vaya fuera de la imagen. Una buena manera de solucionar esto es usándola como una línea guía desde el objeto principal al secundario, o desde el fondo al primer plano. El triangulo. Llamamos triangulo a cualquier curva cerrada que incorpore al menos una diagonal. Siendo cerrada, esta no guía al ojo fuera de la imagen. Sin embargo los triángulos equiláteros son muchísimo mas estáticos que una diagonal. Por si solo, y en especial si se encuentra en el medio de la imagen, puede constituir una muy estática y aburrida composición, mientras que otras pueden imágenes poco usuales. Sin embargo es difícil encontrar triángulos reales. En vez de estar buscándolos, un triangulo puede usarse de manera mas abstracta. Una alternativa es usarlo para posicionar tus objetos principal y secundario en la composición, o usando tres puntos de interés para formar un “marco” para tu objetivo principal. Existen variantes infinitas variantes, la que veremos en la siguiente imagen utiliza dos de los lados como elementos de marco, y lo que seria la hipotenusa del triangulo es el objetivo principal, los veleros:

El arco. El arco puede se un maravilloso elemento de composici贸n. Abierto puede usarse como una l铆nea gu铆a, que puede llevar el ojo hacia el objetivo principal o actuar como divisor espacial. Cerrado puede actuar como un elemento de marco, enfocando la atenci贸n en el objeto principal como en el siguiente caso:

Especialmente si es asimétrica, puede forzar a una dinámica e interesante composición. Si vez un arco, estudia la escena cuidadosamente y busca elementos para balancear la composición creada por el arco (usualmente asimétrica) y trata de encontrar la mejor manera de utilizarlo – no solo lo incluyas, concéntrate en él y en su función en la composición: ¿es una línea guía, un conector, un divisor espacial, o un elemento de marco? La curva en forma de S La curva en forma de S es un elemento precioso en una composición. Si ves una, sabes que hay una buena foto que sacar. La curva en forma de S es la única forma geométrica que puede quedar sola como objeto principal, pero también puede usarse como línea guía, elemento de marco, o como cualquier otra cosa. Tarea Obtén tres fotografías, usando las formas geométricas descritas en este capitulo: 1. Como una línea guía. 2. Como un divisor espacial. 3. Como un elemento marco.

Capitulo 6: La Luz. “Una fotografía es 50% el fotógrafo, 40% luz y 10% el equipo fotográfico” Fotografía significa dibujar con luz. En realidad no obtienes una imagen de algo, registras la luz emitida o reflejada de algo. Comprender la luz puede mejorar mucho las fotografías que uno saca. Este capitulo cubre un poco de teoría sobre la luz y continua con una serie de consejos prácticos sobre como actuar ante determinados tipos de iluminación. Se trata de un tema un poco mas avanzado de los anteriores, y comenzamos a mencionar características propias de las cámaras tales como exposición y balance de blancos que veremos en detalle en los siguientes capítulos. Afines de incorporar los temas que se ven en este capitulo, considera tomar un breve apunte de lo que vas viendo. Que es la luz La más importante clasificación para la luz en fotografía es la división entre luz disponible y luz artificial. Por luz disponible nos referimos a la luz que ilumina la escena en el momento que el fotógrafo quiere fotografiar algo: puede ser la luz del sol, de la luna, de las estrellas, las luces de la calle, o las luces del interior de una casa. La luz artificial (en este sentido al que nos referimos) es la luz que el fotógrafo controla para así plasmar una determinada intención en la fotografía. Un reflector esta entre medio de los dos. En un dispositivo que los fotógrafos utilizan para modificar la luz disponible. Sabiendo estas simples cosas vayamos a lo importante. ¿Qué es la luz? ¿Qué características posee? ¿Cómo llega a la cámara? Y… ¿Qué podemos hacer al respecto? Características de la luz Las tres más importantes características de la luz son luminosidad, color y temperatura. La luminosidad no necesita demasiada explicación, pero el color y la temperatura son conceptos más sutiles. La luz es la radiación electromagnética visible al ojo humano. Consta de diferentes longitudes de onda, que son percibidas como los diferentes colores. Longitudes de onda muy largas son percibidas como rojo, y longitudes muy cortas como violeta. En longitudes intermedias se encuentran el naranja, amarillo, verde, azul e índigo. Debajo del rojo se encuentra el infrarrojo, las microondas y las ondas de radio, y debajo del violeta se encuentran el ultra-violeta, los rayos X y los rayos gama. La luz que tiene un color específico es emitida en una banda de longitud de onda muy estrecha. Por ejemplo, las luces amarillentas de sodio que iluminan las calles cubren solo una longitud de onda –la que es emitida por átomos de sodio excitados. Lo mismo ocurre con la mayoría de la luz de color, como los fuegos artificiales de distintos colores utilizados en festejos, las luces de neón, las luces utilizadas en árboles de navidad, etc. La luz coloreada solo puede mostrar tonalidad (oscuro a claro) en superficies de colores que reflejan el color de esa luz.

Por ejemplo, un objeto de color azul expuesto a una lámpara de sodio aparecerá completamente negro. Verifícalo tu mismo si no lo crees. Por otros lado un objeto verde, como también refleja la luz amarilla no se vera negro – y un objeto que sea exactamente del mismo color de la lámpara de sodio se vera idéntico a un objeto de color blanco. La luz blanca es una combinación de muchas longitudes de onda. Puede mostrar tonalidades e todos los colores. Sin embargo, las longitudes de inda pueden no estar distribuidas uniformemente: la luz puede tener una tonalidad hacia un color. Por ejemplo, la luz incandescente normal utilizada en iluminación interior esta muy inclinada hacia las naranjas y rojos del espectro, y los lunes fluorescentes hacia el verde. Es aquí cuando el balance de blancos interviene: corrige por la distribución de la luz en las longitudes de ondas que se encuentran en la luz disponible, dándole al objeto su color ‘real’. ¿Sabias que el ojo humano balancea al blanco de manera automática? Es por eso que percibimos una hoja de papel blanco como de color blanco aunque este iluminada por luz incandescente (totaliza hacia el naranja)… sin embargo, si la fotografiamos con el seteo de balance de la cámara normal (para luz diurna), en la foto la hoja parecerá naranja (y si sacamos la foto bajo la luz del sol con el seteo de balances para luz incandescente… saldrá azul). El tono de color de la luz blanca puede ser expresado como temperatura, usualmente medida en la escala de Kelvin. ¿Por qué temperatura? Es un hecho científicamente comprobado que si se calienta un objeto a una determinada temperatura este comenzara a emitir luz en determinada tonalidad, sin importar de que material el objeto esté hecho. Sin embargo, esta luz sigue siendo blanca porque posee luz de todas las longitudes de inda y podría revelar tonalidades en todos los colores. Gracias a esta cualidad de la luz blanca es posible corregirle la tonalidad al hacer balance de blancos. Resumiendo…

Puedes hacer balance de blancos para corregir las tonalidades de color en la luz blanca, pero no es posible hacerlo si la luz es de único color. No es posible obtener luz de aspecto natural en una escena iluminada por las luces de sodio que ilumina las calles por que, simplemente, no hay ningún foton azul o verde para llevar esa información. Fuentes de luz. La luz siempre comienza su viaje partiendo de una fuente de luz. A los efectos de lo que tratamos a continuación, las fuentes de luz pueden clasificarse en tres tipos: directa, difusa y ambiente. Cada tipo de fuente de luz nos da una imagen de características específicas. La iluminación que normalmente se percibe como buena generalmente es un buen balance de las tres. Directa. La luz directa es emitida por una pequeña y muy luminosa fuente de luz en ‘forma de un punto’, e ilumina directamente al sujeto. Algunas fuentes de luz directa importantes son el sol, el flash y algunas luces de interiores. La luz directa causa sombras profundas, definidas de manera aguda y ‘achata’ detalles tridimensionales. Un cilindro inmerso en la luz directa se vera muy similar a un cubo que esta cerca de este: la línea que divide lo oscuro y lo claro es muy definida por lo que hay muy poco o ningún gradiente desde muy iluminado a muy ensombrecido. Múltiples luces directas vuelcan múltiples sombras lo que resulta en múltiples zonas de variable oscuridad. Difusa. La luz difusa emana de una gran superficie emisora o reflectante de luz. Causa sombras suaves y un gradiente parejo de claro a oscuro, remarcado la tridimensionalidad y las formas. Un cilindro en luz difusa se vera claramente cilíndrico, con áreas de completa sombra completamente oscuras, las áreas completamente expuestas a la luz completamente blancas, y las áreas entre medio en distintos tonos de gris. El tamaño y suavidad de las sombras dependen del tamaño y distancia de la fuente de luz: una luz difusa que este muy lejos actuara como una luz directa. Ambiente. La luz ambiente es la suma de toda la luz que se ve reflejada alrededor de la escena. Por ejemplo, siempre hay algo de luz en las sombras, incluso en los días mas despejados, debido a la reflexión desde los objetos que se encuentran cerca, la luz ambiente no arroja sombras, por el contrario las llena de luz.

Un cilindro iluminado puramente por luz ambiente (algo difícil, el cilindro debería de estar envuelto por una esfera blanca iluminada de manera pareja desde el exterior) aparecería completamente chato sin ningún detalle, lo mismo que un cubo. ¿Como se llega la luz a la cámara? Hay una serie de formas en que la luz viaja desde el punto en que es emitida al punto en que es absorbida por el sensor de la cámara o rollo de película en el caso de las cámaras tradicionales. Las tres formas más importantes son la radiación directa, por reflexión y por dispersión. La luz directa llega al sensor de manera directa, en línea recta desde el emisor. Esto ocurre cuando la fuente de luz se encuentra dentro del encuadre: el sol, la luna, las estrellas, una lámpara, una fogata, una vela… si el emisor es muy luminoso y ‘en forma de punto’ puede traer problemas: puede confundir al sistema de auto-exposición de la cámara haciendo que la imagen salga subexpuesta, o causar destellos en el lente (en ingles ‘lens flare’, la luz rebota por el interior de los lentes de la cámara causando círculos o formas poligonales). Debido a esto generalmente es mejor dejar lejos del encuadre toda luz luminosa. Las reflexiones sobre objetos que reflejan la luz actúan como luz directa, causando los mismos problemas de exposición y destellos en el lente, aunque la mayoría de los objetos reflejen la luz de manera difusa, actuando como fuentes de luz difusa. Algunas veces la luz llega desparramada o dispersa, hacia la cámara. Esto ocurre cuando la luz pasa por un medio que contiene partículas: polvo, vapor, niebla o humo por ejemplo. la luz dispersa casi siempre aparece como bruma, lo que puede ser un efecto deseado o no deseado, ya que puede crear un tipo de iluminación poco frecuente e interesante, o puede hacer que la foto se vea sucia y con poco contraste. Diferentes circunstancias, diferentes resultados. Trabajar con distintos niveles de iluminación es fácil en principio, la cámara lo hace en forma automática o solo se necesita ajustar el nivel de exposición (cambiando la apertura o la velocidad del obturador, temas que veremos un poco mas adelante en el curso). Pero en la practica, hay todo un arte alrededor de la exposición, con los principios, filosofías y métodos que utilizan los expertos (la mayoría temas muy complejos que escapan al ámbito del curso) Solo diremos que los sistemas de auto-exposición de las cámaras digitales son capaces de hacer un muy buen trabajo en los diferentes niveles de iluminación, pero llegando debajo de un cierto punto el setear la exposición manualmente o el experimentar comienza a ser necesario. ¿Cuándo hacer balance de blancos y cuando no? Es algo simple en las cámaras digitales modernas, solo se necesita pasar del modo automático al modo de ajuste de balance si la toma posee luz totalizada hacia un color, y hacer que este coincida con las temperatura de la luz (nuevamente, veremos como hacer esto cuando tratemos las características propias de las cámaras, mas adelante en el curso). Sin embargo, en la práctica puede ser un poco más complicado si no solo lo vemos como un tema técnico sino también creativo. Si balanceamos ‘correctamente’ un atardecer obtendremos una fotografía muy poco natural.

Otro ejemplo es la típica foto periodística de un drogadicto, en un baño iluminado por luz fluorescente. Será mucho más efectiva si la luz se ve de un color verde enfermizo, que si por el contrario corrigiésemos y la piel del drogadicto se viese con un rubor calido, dando un aspecto sano. En la mayoría de las situaciones, cambiar el seteo de balance es una decisión fácil y natural, salvo que se tenga una idea muy específica en la mente. El seteo de la luz diurna es el estándar (el seteo por defecto), se debe cambiar si queremos obtener fotografías en: • •

Interiores con luz artificial (fluorescente o incandescente) Luz mezclada (proveniente de distintas fuentes)

Se debería dejar en el seteo por defecto cuando se fotografié: • Salidas de sol y atardeceres • Utilizando flash

Técnicas para manejarse con luz variable. Las condiciones de luz se clasifican de acuerdo al tipo de luz dominante: directa, difusa o ambiente. Cada una posee sus dificultades y brinda sus propias oportunidades, y demandan acercarse a estas de diferente manera. La luz directa domina. Una de las situaciones más difíciles es cuando la luz directa domina. El ejemplo típico es un claro y soleado día de verano. Las sombras están perfectamente delineadas y son profundas, las formas pierden detalle ‘achatándose’ y la escena frecuentemente tiene un rango dinámico demasiado grande (rango dinámico es la diferencia que hay entre las áreas mas oscuras y las mas claras) como para que la cámara lo capte por lo se perderá todo el detalle que hay en las partes mas claras o mas oscuras de la foto. Esto último es lo más difícil, como solucionar el amplio rango dinámico. Hay tres estrategias útiles: 20

1. Iluminado por detrás. Coloca al sujeto entre la luz y tu, la luz detrás o de costado (no en el encuadre) y enfoca en las sombras que posee el sujeto, presionando el botón de disparo por la mitad. Esto hace que la cámara setee el valor de la exposición en forma automática. Luego haz el encuadre que deseas y dispara.

Esto causara que el contorno del sujeto sea marcado por la luz, y si llega a sobre exponerse no importara demasiado. La foto captara los detalles de las sombras (que son llenadas por la luz ambiente), y el contorno iluminado le dará mas contraste y vivacidad a la fotografía. Si el sujeto es una persona, su aspecto se beneficiara por no tener que entrecerrar los ojos por la luz fuerte que le llegaría si la fuente estuviera por delante de el. 2. Utilizar un reflector. Posicionar al sujeto cerca del objetivo blanco o gris neutral que este iluminado por la fuente de luz. Este funcionara como una luz difusa, resaltando la tridimensionalidad y usualmente generando una iluminación mucho más agradable. Existen reflectores comerciales que utilizan los fotógrafos profesionales, pero también se puede usar cualquier otra cosa, como una gran placa de polyfoam (también llamado tergopol o anime) como las que usamos para hacer maquetas. Uso del flash. Utiliza el flash de tu cámara, esto reducirá el contraste entre las zonas claras y oscuras, logrando un mejor balance de tonos. Sin embargo, la imagen seguirá pareciendo algo chata y bidimensional.

La luz ambiente domina Una situación típica en donde la luz ambiente domina es un día con cielo cubierto, de manera pareja. Las sombras no son muy aparentes y los objetos parecen un poco chatos. Manejar este tipo de iluminación es fácil, como hay muy poco contraste el sistema de autoexposición de la cámara obtendrá una exposición correcta siempre. Sin embargo, las imágenes frecuentemente se verán aburridas y chatas. El truco para obtener buenas imágenes en situaciones de luz ambiente es encontrar cosas que se destaquen a pesar de la luz (y no gracias a esta). En vez de tratar de conseguir un contraste reducido, deberás buscar sujetos que contraste. Busca objetos de colores fuertes, formas fuertes o con muchas áreas de sombras (como ventanas o entradas utilizar como marcos). De esta manera logras transformar a la luz ambiente en luz difusa, que usualmente es mucho más interesante. La luz difusa domina. La luz difusa es ‘buena luz’. Los niveles de contraste no son demasiado altos, la luz destaca los detalles y la tridimensionalidad, y las imágenes tienen un aspecto muy agradable de suavidad. Un fotógrafo usualmente busca la luz difusa: la ‘hora mágica’ antes del atardecer o después del amanecer es una de esas situaciones – le horizonte iluminado actúa como una enorme luz difusa, que además posee un encantador tono calido, La luz difusa funciona mejor cuando llega al sujeto desde un ángulo, no de atrás ni de adelante. En los estudios fotográficos profesionales se utiliza la luz artificial, diseñada a medida. Esta es usualmente difusa, proveniente de varias fuentes. Luz dispersa. La luz que llega en forma dispersa debido a polvo, gotas de lluvia, niebla, nubes, bruma o humo es un caso especial. Algunas veces indeseable, por ejemplo en un paisaje en una zona alta en las montañas, la bruma hace parecer a la foto sucia y chata. En este caso se pueden utilizar filtros UV y polarizadores especiales que ayudan a que la cámara no capte la bruma, haciendo la escena más clara y definida. 22

Muchos modelos de cámara digitales hogareñas permiten de manera directa o a través de un adaptador el uso de filtros y lentes para cámaras de 35 mm. Sin embargo se tratan de elementos opcionales, con un precio alto y de un uso mas avanzado. Por estos motivos no los cubriremos en este curso. Sin embargo, hay una técnica mejor que el uso de filtros… tratar de hacer de una debilidad una virtud, buscando la manera de explorar las características de la luz difusa. La luz difusa es capaz de mostrar haces de luz, crear una interesante sensación de distancia y profundidad y crear una atmósfera especial. No trates de sacar una foto a través de la niebla o la bruma: trata de sacar una fotografía de la luz fluyendo por la niebla o bruma. Conclusión. Los fotógrafos gastan mucho de su tiempo persiguiendo la ‘luz buena’. La fotografía de arquitectura y de paisaje se ven muy beneficiadas por este tipo de luz. En otros casos como en el de los fotógrafos de moda y estudios de fotografía estos crean su propia luz, mientras que los fotógrafos de periódicos utilizan lo que la escena les da en el momento, utilizando su flash solo cuando sea absolutamente necesario. Entonces ¿que es la luz buena? Una parte de la respuesta ya la dimos mas arriba, la luz difusa pero direccionada es ‘buena’: nuestra tridimensionalidad y el contraste no es demasiado amplio como para que la cámara no lo pueda captar. Sin embargo, no es el mejor tipo de luz en todos los casos: la luz es tan variada como los escenarios que uno puede fotografiar, y para cada escenario muchos tipos de luz pueden ser los adecuados. Son buenas la luz difusa dominante con suficiente luz directa como para agregar definición a una escena que de otra manera seria muy suave, la luz del atardecer para resaltar la textura en alguna foto sobre arquitectura o crear largas sombras en los paisajes… hay infinitos tipos de ‘buena luz’. Es mucho más fácil definir que es ‘mala luz’, lo que a su vez nos dice que todo lo demás es ‘bueno’. La luz directa del sol o luz ambiente chata (como en el caso del cielo muy cubierto pero sin lluvia ni bruma) son ‘malos’- no agregan nada a una escena, e incluso pueden hacer difícil la utilización de la luz artificial. Se pueden obtener buenas fotografías en ‘mala luz’- pero esto suele ser ‘a pesar de la luz’ y no debido a esta. No dejes de sacar una foto porque haya ‘mala luz’, pero considera volver al lugar cuando haya ‘mejor luz’. También esta atento si ves condiciones lumínicas especiales: el sol filtrándose por entre las nubes, o entre la niebla o la lluvia, atardeceres y amaneceres, la luz entrando a una habitación por una ventana con cortina, una fotografía nocturna con luz de luna, estrellas, o la luz de la ciudad, una escena iluminada por el reflejo del sol en una pared blanca, etc. Mantén tus ojos abiertos y tu cámara lista para aprovechar la ocasión en el momento que se te presente…y considera levantarte algún día bien temprano y ver como se ve tu barrio justo antes y después del amanecer. Y ten en mente que días lluviosos crean condiciones de luz poco comunes, y fotografías interesantes.

Tarea. Fotografía una escena en tu barrio bajo condiciones de luz buena y poco frecuentes –niebla, lluvia, atardecer, amanecer, de noche, etc. Trata de hacer que la escena ‘encaje’ con el tipo de luz y explica que hiciste (luz de sol fuerte y directa, y cielo cubierto no califican para esta tarea. Fotografía una escena de tu barrio con mala luz – en un día claro y soleado o un día nublado sin lluvia ni niebla. Utiliza una técnica para mejorar la ‘mala luz’ que ilumina la escena, una de las técnicas que explicaremos en este capitulo o alguna otra que se te ocurra. Explícala en el foro.

Capitulo 7: Fotografiando a 28 mm. Introducción. Los siguientes capítulos trataran sobre la fotografía utilizando distintas distancias focales. Las distancias focal es la distancia en milímetros desde el centro del lente hasta el plano focal en donde se forma la imagen (en el sensor de la cámara), e indica cuanto de una escena abarcara nuestro encuadre, es decir que tan amplio es el ángulo de visión que tiene nuestra cámara. Si tu cámara posee zoom habrás notado que al utilizarlos el lente se mueve, alejándose de la cámara. Esto amplia la distancia focal, lo cual reduce el ángulo de visión, haciendo que menos de la escena entre en el encuadre y que los objetos que si capte salgan mas grandes. Inversamente, a menor distancia focal mayor es el ángulo de visión, por lo cual se puede abarcar más en el encuadre. Igual cantidad de milímetros indican el mismo ángulo, en todas las cámaras con lentes estándar de 35 mm, es decir, es una unidad de medición estándar en todas las cámaras. Las cámaras digitales del sector medio a económico muchas veces son más pequeñas y poseen sensores y lentes especiales de menor tamaño. Las distancias en este caso pueden ser distintas, pero se utiliza el ‘equivalente en 35 mm para indicar su capacidad en este sentido. Para una foto, si utilizas… 28mm Es el equivalente en muchas cámaras a utilizar un gran angular. Muchos modelos de cámaras admiten colocar un lente de gran angular (u otro tipo de lentes y filtros estándares para cámaras de 35 mm.) a través de un adaptador, y otras llegan a esta distancia focal por si sola (pero en su mayoría pertenece al segmento semiprofesional). 35mm Es lo que la mayoría de las cámaras digitales posee como mínima distancia focal, es el encuadre que tienes cuando no utilizas zoom. 105 mm Esta distancia focal equivalente a cuando en la cámara hacemos zoom hasta 3x (un medio mas comercial para describir cual es la intensidad del zoom es decir cuantas veces amplia la imagen – los ‘x’). El zoom se utiliza frecuentemente hoy en día, ya que la gran mayoría de las cámaras digitales posee esta característica. Sin embargo, el poder utilizar zoom no significa que convenga siempre. Este capitulo intentara mostrar las virtudes de fotografiar sin la utilización de zoom, utilizando el mayor ángulo que permita tu cámara. Describiremos los resultados que se obtendrías si utilizases una distancia de 28 mm. A 35 mm. se obtiene los mismos resultados solo que mucho mas ‘calmados’, por lo cual todo lo que explicamos se aplica aunque no poseas un gran angular o tu cámara no admita uno.

¿a que nos referimos cuando decimos que se obtendrán resultados mas ‘calmados’? veras en este capitulo que utilizamos muchos adjetivos de este tipo para describir las sensaciones que producen las fotografías obtenidas a esta distancia focal, un poco mas adelante te acostumbraras a estos. Conociendo a los 28mm. Se podría decir que las distancias focales tienen personalidades, los zoom extremos casi científicos, los zoom regulares mas ‘íntimos’, las mas calladas distancias focales normales, los mas extrovertidos grandes angulares y los intensos ‘ultra-gran angular’ llamados ‘ojo de pescado’.

Los 28mm. Tienen una fuerte y firme personalidad, que varía: puede ser tranquilo y meditativo, fundiéndose con la escena, o tratar de abrazar el mundo y ser parte de este. Puede ser graciosa, brindando una nueva perspectiva de las cosas: reordenando los elementos comunes de una escena para mostrarlos de una manera más fresca e inusual Puede ser soñadora o expresionista, causando que los edificios se inclinen en ángulos locos, que bajar una escalera parezca como una aguja que se clava en el cielo. Y puede ser directamente loca, convirtiendo a las personas en hormigas marchando en una ciudad de una escala que no parece ser para ellos, o deformándolos. Utilizar 28mm. Siempre imprimirá su personalidad en todas las fotografías en que lo uses, y la idea de es aprovechar las ventajas que esta nos da. La fuerte personalidad de los 28mm. Se manifiesta en la forma en que se trata a la perspectiva. Se dice frecuentemente que los lentes de gran angular dan una perspectiva ‘exagerada`. En cierto sentido, esto es cierto. Trata de abarcar lo máximo que puede de la escena, para lo que debe hacer que las cosas lejanas se empequeñezcan en la lejanía más rápido, lo que da mayores ángulos en las líneas que se alejan, dando una sensación de perspectiva exagerada. 26

Sin embargo, esta exageración no es linear: disminuye con la distancia. Objetos cerca del infinito de la cámara (lo que sobrepasa los 10 metros) aparecen mucho menos distorsionados que cosas cercanas. Si utilizas un gran angular para sacar un retrato de una persona, esta podría llegar a parecer como en el espejo de un parque de diversiones. Los objetos más cercanos aparecerán mucho más grandes de lo que deberían, en relación con los objetos más lejanos. En realidad hay una equivocación común sobre la perspectiva y los grandes angulares, lente no la afecta a la perspectiva. La perspectiva es determinada solo por la distancia del sujeto, un gran angular parece exagerar la perspectiva porque incluye más de la escena. Pero si se fija la cámara en un punto y se sacan dos fotografías, una con gran angular y otra con zoom, y a la de gran angular se la recorta y amplia para abarcar solo lo que la foto con zoom encuadró, la perspectiva será exactamente igual. Formas de utilizar los 28mm. Debido a la fuerza de su ‘personalidad’, hay muchas cosas que se pueden hacer con un gran angular. En pocas situaciones un gran angular evitara que obtengas buenas fotografías… pero si puede ser que sean diferentes de lo que esperes. Paisajes. La utilización de un gran angular es ideal para la fotografía de paisajes, se obtiene fotografías tranquilas y meditativas: como las formas son orgánicas y naturales hay menos pistas que indican que la perspectiva esta exagerada, y por su características de querer abarcar el mundo, puede encuadrar todo un bosque mientras que una distancia focal mayor solo captaría unos pocos árboles. Cuando se fotografíen paisajes es muy importante posicionar el horizonte con cuidado: o bien abajo para realzar el cielo, o bien arriba, para realzar las cosas que se encuentran en la tierra y como esta se va alejando hacia el horizonte. Se puede utilizar la regla de los tercios o empujar un poquito mas (haciendo que sea ¼, 1/5, etc.). Como uno de los fuertes del gran angular es representar la distancia, también es bueno prestar atención a las diferencias entre el fondo y el primer plano, para tratar de encontrar líneas guías u otras cosas que puedan ser utilizadas para indicar la profundidad.

Una fotografía de playa común, utilizando los 28mm. Y el efecto ‘vivido’ que permite esta cámara torna a la playa en algo más inusual.

Arquitecta. El segundo lugar más cómodo para usar gran angular es en la arquitectura. En este caso las líneas rectas y ángulos serán estirados y exagerados un poco, y gente en el fondo será reducida al tamaño de hormigas debido a la aparente escala sobrehumana de los edificios (ver el auto en el extremo derecho inferior de la siguiente foto). Si deseas obtener una perspectiva más natural de la arquitectura, no utilices distancias focales cortas, los 28mm. Aman a la arquitectura pero la ven de una manera especial.

Este edificio es grande, pero de ninguna manera tanto como aparenta esta imagen. Los 28mm exagera la perspectiva.

Interiores. Los interiores generalmente son espacios reducidos. En estos casos un gran angular suele ser muy útil. Puede abarcar a todas las personas del grupo o puede mostrar el diseño del lugar. Si no se coloca ningún objeto en el primer plano la perspectiva seguirá pareciendo natural, dando énfasis a la escena o al ambiente.

En espacios más grandes también es útil: puede mostrar lo suficiente de un espacio como para atraer a quien visualiza la foto a ese espacio. Nuevamente, no se siente exagerada la perspectiva.

Otros usos menos comunes. Hay algunas situaciones en las que normalmente no se consideraría trabajar con gran angular, por ejemplo en primeros planos y retratos. Cuando el sujeto se acerca mucho, el gran angular comienza a estirar y deformar al sujeto de manera muy visible. Si el sujeto tiene un buen sentido del humor la fotografía podría resultar, mostrando tanto al sujeto que aparecerá ‘exagerado’ como a su entorno cercano. Otros usos pueden ser la fotografía de fauna salvaje o actividades deportivas. Por ejemplo, en un evento deportivo lo normal seria utilizar un zoom para captar la acción, pero con gran angular se puede obtener la imagen global –el juego y los espectadores- todo en una misma fotografía.

Conclusión. 29

El gran angular tiene una fuerte personalidad, y varia mucho según que vea, captando más de lo que uno puede ver de una escena con sus ojos. Aprendiendo a ver de esta manera ayuda a ‘ver fotográficamente’, permitiendo obtener fotografías interesantes y poco comunes. El gran angular necesita experimentar, probar ideas. Sabemos que pocos cuentan con cámaras que permitan 28mm. O cuenten con grandes angulares. Con los 35mm. Que la mayoría de las cámaras posee se pueden obtener fotografías de este tipo este tipo, la única diferencia será que la perspectiva no será tan exagerada, haciendo a la imagen algo mas calma. Aún así los resultados son muy buenos, de hecho la mayoría de las imágenes que mostramos aquí fueron obtenidas a 35mm. Tarea. Esta tarea no es tanto de obtener fotografías sino sobre aprender a ver fotográficamente. Debido a esto lleva un poco mas de trabajo realizarla y es un poco mas estricta que las tareas anteriores, se busca que quien la realice trate de seguirla al pie de la letra. 1. Setear la cámara a la menor distancia focal posible, o colocar un lente gran angular si posees uno para aproximarte lo mas posible a los 28mm. 2. Define a lo que quieres llegar: visualiza una situación, una escena, un edificio, un interior, un primer plano, un paisaje natural o urbano o una historia que desees contar. 3. sal a fotografiar ese espacio que visualizaste. Obtén al menos 30 fotografías de ese espacio, ninguna igual que las otras pero todas utilizando esa única distancia focal. 4. vuelve a la PC y selecciona las 10 mejores. 5. De esas, presenta la que mas te guste o las 2 o 3 que mas te gusten.

Capitulo 8: Fotografiando a 50 mm. Los 50 mm. Pueden ser tanto los más honestos como los peores mentirosos. El ángulo de visión normal que puede aburrir pero a la vez puede llevar toda la vida dominar. La distancia focal que sugiere y susurra en vez de gritar, insistir y realzar. Hay un punto medio entre los exuberantes grandes angulares y las fotos con zoom (también llamado telefoto) en que esta el equivalente a la visión normal que poseen las personas. Este punto se encuentra entre la distancia focal que comienza por los 40 mm y la que llega a los 75 mm, este capitulo se centra en los 50 mm (milímetro mas o menos no importa) para mostrar las características únicas de esta distancia focal. El lente en escala humana. Una de las mejores cosas de los 50 mm es la forma en que manejamos la perspectiva. El mundo a 50 mm es –de una manera difícil de definir- muy cercano al mundo tal como lo vemos. Con esta distancia se obtienen fotos muy similares de lo que ve cualquier persona en cualquier momento dado. La perspectiva parece natural, las líneas verticales están bajo control y se tiene una fuerte impresión de que se esta fotografiando el mundo como en realidad es’. Para muchos, la fotografía trata mas sobre ver que sobre crear imágenes. Las mejores fotos pueden ser las que capturan algo que uno ha visto, y una buena foto a 50 mm tendrá algo que atraerá a quien la vea a la escena, como si estuviera traspasando lo que se ve en la pantalla o el papel fotográfico, llegando hasta el lugar que el fotógrafo vio.

El realismo de los 50 mm es también lo que lo hace tan buen mentiroso, la perspectiva nos dice que lo que se encuentra n la foto realmente sucedió, sin embargo esta distancia focal en si misma no tiene 31

nada que nos evite diseñar una escena al posicionar los objetos, elegir un encuadre o cualquier otra modificación que queramos realizar.

Hablar con los 50 Los 50 no están restringidos a ‘documentar’ hechos reales. Debido a su posición intermedia entre el gran angular y el zoom este posee algo de ambos. Inclina la cámara un poco hacia abajo o hacia arriba, o da un paso hacia atrás y la foto se parecerá a una sacada con gran angular. Da un paso hacia delante, haz que tu sujeto llene el encuadre y obtendrás algo que se parece mucho a una foto con zoom.

Los 50 mm no son una distancia fácil. Otras distancias imponen su carácter en las fotografías, en cierto sentido dirigiendo la composición. Los 50 mm no hacen eso: para que una composición funcione a 50 mm esta debe ser inherentemente fotográfica. Es por esto que se considera la mejor distancia para

aprender a ver fotográficamente. Con ella, la distancia entre la foto y la escena misma es la mas pequeña. Como trabajar con los 50 mm Aprendiendo a ver. El gran angular abraza escenas completas, el zoom marca detalles. Los 50 mm ‘normales’… ven. Los 50 mm. son los lentes en escala humana, así que busca mirar cosas en la escala humana, si encuentras algo con facilidad, es probable que los 50 mm. También pueda ver esto. Aprende a ver el contexto así como al centro: los 50 pueden incluir una buena parte de lo que esta alrededor. Busca puntos en contraposición e interacciones, cosas que dialoguen entre si.

Incluye al tiempo en la ecuación. Puede que veas un entorno y un evento que se esta acercando, que esta por suceder. Prepárate, anticípate, y captúralo en el momento exacto. Una toma a 28 mm no cambiara de manera dramática con pequeños eventos, a 100 mm (con zoom) o ese evento estará allí o no estará, pero una escena para los 50 mm estará viva en el tiempo, nuevamente en la escala humana.

Mira por cosas que de otra manera serian ignoradas: la luz cayendo sobre una estatua, pájaros formando un patrón, algo con cierto detalle en una bicicleta oxidada o en la vidriera de un negocio, etc. Lo cercano, o gracioso, o inusual de lo común. El gran angular puede engrandecer, ser gracioso o estrafalario, pero debido a la escala humana de los 50, nada puede comunicar las sensaciones tan bien como este. Escucha a los 50. si ves algo lindo apunta tu lente hacia eso, pero si la composición no encaja por si sola no la fuerces. Mira el entorno e incluye el contexto. No te preocupes si te perdiste de obtener fotos debido a la lejanía del sujeto, ya que las fotos que si obtengas serán mucho mejores que si hubieses utilizado el zoom. Con zoom, el instinto te hace que hagas zoom casi al máximo y te centres en el sujeto, con los 50 mm debes hacer que el contexto funcione. Con el tiempo y práctica puede llegar a ser un compañero constante, casi una extensión de tus ojos. Tarea. Esta tarea no es tanto sobre obtener fotografías sino sobre aprender a ver fotográficamente. Debido a esto lleva un poco mas de trabajo realizarla y es un poco más estricta. 1. Setear la cámara 50 mm de distancia focal. 2. define a lo que quieres llegar: visualiza una situación, una escena, un edificio, un interior, un primer plano, un paisaje natural o urbano o una historia que deseas contar. Eventos, multitudes y diversos tipos de situaciones pueden resultar muy provechosos. Momentos con iluminación especial también, pero los 50 son buenos para todo en general. 3. sal a fotografiar esa escena que visualizaste. Utiliza solo 50 mm y obten al menos 30 fotografías de ese espacio, ninguna igual que las otras pero todo utilizando esa única distancia focal. 4. vuelve a la PC y selecciona las 10 mejores. 5. De esas, presenta la que mas te guste o las 2 o 3 que mas te gusten. Para saber más o menos donde están los 50 mm. Si tu cámara tiene un zoom de 3X, esto equivale a 105 mm, y cuando no tiene zoom la cámara esta a 35mm, por lo tanto 50 mm es mas o menos a 1.4X

Capitulo 9: Los controles manuales. Comenzamos con este capitulo a ver las características mas avanzadas de las cámaras digitales. Veremos las variedades o ‘herramientas’ que estas usan para controlar como salen las imágenes. Todas las cámaras digitales son capaces de medir las características de la imagen que capta el sensor (nivel de luminosidad, foco, etc.) y ajustar estas variables de la manera más convenientes en forma automática para que la imagen salga lo mejor posible. Esto lo realizan en el par de segundos entre que uno presiona el disparador y que saca la foto (en realidad, desde que presionamos por la mitad el botón del disparo hasta que nos confirma que esta lista para disparar). Solo algunos modelos (todas las cámaras profesionales y algunas del sector medio) permiten al usuario ajustar en forma manual estas variables, y casi todas poseen unos modos preestablecidos en los cuales utilizan valores prefijados para sacar fotos de determinadas características, por ejemplo fotos de primeros planos, de paisajes, de atardecer o nocturnas, de fuegos artificiales, de deportes, etc.

Contar con una cámara que posea modo manual es muy conveniente, ya que nos permitirá sacar fotos particulares, de características especiales y con la intencionalidad que deseemos. También nos permite comprender el trasfondo de la fotografía y de las cámaras, y sacar el máximo provecho a la inversión que hicimos en la cámara. Una de las variables ya la hemos visto en un capitulo anterior, el balance de blancos, que compensa por la luz totalizada hacia un color. Otra es el foco que veremos en el siguiente capitulo. En ambos casos la cámara puede ajustar estas variables en forma automática o (si lo permite) ajustarlas nosotros en forma manual, al igual que las variables que detallaremos a continuación. Hay tres variables que permiten a la cámara graduar el nivel de luminosidad con que la imagen saldrá, lo cual es extremadamente importante ya que es lo que evita que las fotos salgan sobre y/o sub expuestas. Las mismas son: • • •

La apertura del diafragma. La velocidad del obturador. La sensibilidad ISO.

La apertura. Al ver las características técnicas de una cámara digital una de las primeras que se mencionan es la apertura máxima y/o el rango de apertura. ¿Qué es la apertura, que es un buen rango de apertura y para que nos sirven estos? Que es la apertura… La principal función del lente de una cámara es de captar luz. La apertura de una lente es el diámetro del espacio por donde pasa la luz, este espacio varia y es controlado por un diafragma. Mientras mayor sea el diámetro de la apertura, mas luz llegara al sensor.

La apertura se mide en una unidad fija llamada F-stop, por ejemplo F2.8 o f/2.8. Mientras mas pequeño el valor F mas grande será la apertura, y esto es importante ya que una cámara con una mayor apertura máxima será capaz de sacar mejores fotos con niveles de luz medios o bajos, al se capaz de captar mas luz. Recuerda, los valores F mas altos indican una apertura menor, por lo tanto una buena máxima apertura será cuando menor sea el F. Los valores promedio de máxima apertura para las cámaras digitales oscilan entre F2.8 para las cámaras medias y F2.4 y F2.0 para las cámaras semiprofesionales y profesionales. En tanto existen cámaras tradicionales que llegan a los F1.4 y F1.1 en esta área a las cámaras digitales tienen mucho espacio para mejorar todavía. Un buen rango de apertura… Un excelente rango de apertura sería:

Este rango ‘nos cuenta’ que la cámara tiene un rango de apertura de F1.8 a F16; la máxima apertura es de F1.8, y la minima apertura es F16. De cada celda a la siguiente del cuadro hay un paso F más. Un gran rango de apertura es preferible a un pequeño ya que le da al dueño de la cámara más posibilidades en el tipo de fotografías que se pueden sacar. Indicamos recién que a mejor apertura la cámara se comportara mejor en condiciones de poca luz, pero también puede servir para sacar con el fondo fuera de foco (que veremos en el siguiente capitulo) o congelar la acción, tema que tiene que ver con lo siguiente que pasamos a tratar… La velocidad del obturador. 36

El obturador es una lamina que tapa al sensor en todo momento, salvo en el pequeño instante en que obtenemos una foto, dejando pasar la luz que es captada por el sensor. Este instante es llamado tiempo de exposición. El tiempo de exposición se mide en fracciones de segundos, a más tiempo que el obturador quede abierto el sensor recibirá más luz. Las velocidades altas, por ejemplo a partir de 1/250 y llegando a 1/2000 (media milésima de segundo) congelan las imágenes quitándoles la sensación de movimiento, ya que el sensor ve a la imagen por tan poco tiempo que esta no alcanza a moverse. Por ejemplo con una velocidad alta se puede congelar a un corredor o a un auto de carreras. Por el contrario con una velocidad media (por ejemplo 1:125) las piernas del corredor o el fondo detrás del auto de carreras saldrán movidos, produciendo ese contraste que dará sensación de velocidad. Utilizar velocidades bajas para objetivos en movimiento producen fotos borrosas, lo cual puede ser un efecto deseado, por ejemplo puede hacer que el agua de un río parezca espuma. Si seguimos bajando la velocidad, pasando los 1/60 o 1/50 el obturador queda abierto por tanto tiempo que la imagen puede salir movida por el simple temblor de nuestras manos, por lo que por sobre estos tiempos se recomienda que la cámara quede fija (apoyada sobre una superficie o montada sobre un trípode). Como decíamos, estas velocidades pueden desearse si queremos difuminar un objeto en movimiento, pero también son necesarias cuando la luz disponible no es suficiente para obtener una foto con un correcto valor lumínico. Para fotos con muy poca luz (por ejemplo de noche) se utilizan exposiciones prolongadas, de uno o más segundos. Esto permite a la cámara ir sumando la luz recibida en el tiempo. El tiempo de exposición y la apertura. Volviendo al tema de congelar la acción mediante un tiempo de exposición realmente corto… en este caso el sensor recibe luz por tan poco tiempo se necesita muy buenas condiciones lumínicas y una gran apertura lo mas amplia posible para que la luz llegue en suficiente cantidad en el breve tiempo de exposición. Los valores del tiempo de exposición y la apertura se combinan entre si para hacer que siempre el sensor reciba la cantidad adecuada de luz. Veamos un ejemplo: Supongamos que en un evento deportivo la cámara selecciona en forma automática los valores F4 y 1/60 segundos.

Queremos utilizar una velocidad de obturación más alta (por ejemplo 1/250 segundos) para congelar la acción, pero para que no nos quedemos sin suficiente luz debemos abrir más la apertura para permitir que entre más luz en esta menor cantidad de tiempo.

Por cada incremento de velocidad de obturación necesitamos aumentar un paso F en el valor de la apertura. De 1/60 a 1/250 hay dos pasos de incremento, por lo tanto hay que abrir la apertura en dos pasos F-stop, yendo de F4 a F1.8.

La cámara podría obtener la foto con todas estas variantes: 1/60 a F4, 1/125 a F2.8 y 1/250 a F1.8 ya que en los tres casos las combinaciones de apertura/tiempo de obturación permiten el ingreso de la misma cantidad de luz en la cámara. Colocamos la cámara en uno de los modos preestablecidos, el de Deportes (también llamado de obturación rápida), la cámara automáticamente seleccionara la velocidad de obturación más rápida que pueda según las condiciones lumínicas existentes y la apertura adecuada. Además del modo manual en el cual podemos elegir cada uno de los valores, algunas cámaras poseen dos modos llamados prioridad de obturación y prioridad de apertura en los que la cámara nos da la opción de ajustar manualmente uno de estos valores (tan alto o bajo como queramos) y la cámara seleccionara el otro valor necesario para obtener una exposición correcta. Volviendo a nuestro ejemplo anterior, supongamos que nuestra cámara solo es capaz de una apertura máxima de F2.8. Si seleccionamos 1/250 segundos (en modo de prioridad de obturación), como la cámara no será capaz de seleccionar un valor mayor a F2.8 (y nosotros necesitamos F1.8 para una exposición correcta) la cámara nos alertara que la imagen saldrá sobrexpuesta. Si continuamos y sacamos la foto, la misma estará subexpuesta por un paso F, que era lo que necesitábamos para que la foto saliera bien. De manera similar, si seleccionas una velocidad de obturación de ¼ segundos y el lente solo llega a una apertura minima de F8 (y nosotros necesitamos F16), la cámara nos alertara que la imagen saldrá sobrexpuesta. Si continuamos y sacamos la foto, la misma estará sobre expuesta por dos pasos F, que era lo que necesitábamos para que la foto saliera bien. Una minima apertura que sea baja también es importante Una minima apertura pequeña es preferible a una mayor ya que le da al fotógrafo más posibilidades en el tipo de fotos que se pueden obtener. Supongamos que queremos obtener una imagen del agua fluyendo por un río. Como mencionamos antes, nos convendría utilizar una velocidad de obturación baja para difuminar o borronear el agua ya que esto es lo que le dará más esa sensación de movimiento. Entonces, supongamos que nuestra cámara calcula que para una correcta exposición necesitamos una apertura de F8 y una velocidad de obturación de 1/125.

Si decidiéramos usar una velocidad de obturación menor (por ejemplo de 1/30) necesitaríamos compensar cerrando más la apertura, para dejar que ingrese menos luz.

¿Pero que pasa si nuestra cámara solo llega a F8? No podemos bajar de 1/125 sino nuestra foto saldrá sobrexpuesta. A 1/125 h F8 nuestra foto saldrá bien pero como 1/125 es un tiempo corto el agua quedara ‘congelada’ y no dará el efecto de fluidez que buscábamos. Si nuestra cámara llegase a F16 no tendríamos problemas. 1/125 a F8 es equivalente a 1/130 a F16, lo que significa que obtendríamos una imagen perfectamente expuesta con el efecto deseado. Nota: si nuestra cámara no llegara a F16 es posible utilizar un filtro de Densidad Neutra (ND) para reducir la cantidad de luz que ingresa por la lente, por ende permitiendo utilizar esa baja velocidad que queríamos. Hay una tercera variable que también nos permite jugar con los valores, la sensibilidad ISO, la cual reservamos para el siguiente capitulo para no continuar extendiéndonos por este capitulo el cual es uno de los mas avanzados del curso. Para finalizar te dejamos un resumen de lo que acabamos de ver: Resumen Una gran máxima apertura es algo bueno. Permite que más luz llegue al sensor, y hace que puedas utilizar una velocidad de obturación alta (que es lo mismo a un tiempo de exposición muy breve). Una velocidad de obturación alta congela la acción, y en tiempo de exposición menores 1/60 se comienza a eliminar el efecto de temblor de la cámara resultante de tenerla en nuestras manos, lo cual da como resultado fotos que no estarán movidas ni se verán borrosas. Una pequeña minima apertura es también algo bueno. Permite utilizar una velocidad de obturación muy baja en un día de mucho sol. Una velocidad de obturación baja logra plasmar el movimiento. Las mínimas y máximas aperturas también tiene otras ventajas y usos, que veremos ene el siguiente capitulo. Tarea. 1. elegir un tema a fotografiar que posea movimiento, buscamos representar la acción y congelarla. 2. Si tu cámara posee controles manuales: - Selecciona el modo de prioridad de obturación. - Saca sucesivas fotos variando el valor del tiempo de exposición, por ejemplo 1/1500, 1/150, 1/100 y 1/60. Si tu cámara no posee controles manuales: - Utiliza los modos preestablecidos que posee: El modo de deportes utiliza una velocidad de exposición alta, el modo normal un valor intermedio y el modo de obturación lenta utiliza valores bajos. - Sacar sucesivas fotos con los distintos modos. Tarea adicional optativa: si tu cámara posee controles manuales prueba sacar fotografías nocturnas utilizando tiempo de exposición muy grande (de un segundo en adelante). Lógicamente utiliza la apertura máxima posible y no modifiques el valor ISO, eso lo veremos en la clase siguiente. Asegúrate de que tu cámara esta fija (en un trípode o sobre una superficie) y si posee un modo para retrasar el disparo (timer) utilízalo a fin de minimizar las posibilidades de que la foto salga movida. 39

Capitulo 10: Los controles manuales, parte 2. La profundidad focal. La profundidad focal es la distancia desde la cámara dentro de la cual los objetos captados están en foco. Hay situaciones en las que se desea una gran profundidad focal, por ejemplo cuando quieres que estén en foco dos objetos ubicados a distancias distintas, uno que está cerca de la cámara y otro en la distancia. Esto ocurre normalmente por ejemplo cuando sacas fotografías de paisajes o de sujetos en paisajes, queriendo que tanto el sujeto como el fondo salgan en foco. También hay otras situaciones en las que se quiere aislar a nuestro sujeto, por ejemplo cuando sacamos un primer plano y queremos que mientras nuestro sujeto tenga un foco perfecto, el fondo salga fuera de foco. En este caso deseamos una profundidad focal reducida. La manera más simple que tenemos de modificar la profundidad focal es cambiando la apertura:

En la siguiente imagen te mostramos el uso de la apertura para modificar la profundidad focal: Profundidad focal reducida:

Nótese como una gran apertura deja a todo lo que esté por detrás de la flor fuera de foco. El punto del foco tiene que ser muy preciso a fin de que nuestro sujeto salga en foco. Propiedades de la imagen: • Autofocus (centrado en la flor). • Exposición de: 1/320 segundos. • Apertura: F2.8 • Modo Macro. • Se utilizo trípode. Profundidad focal amplia

Utilizando una apertura reducida la profundidad focal se extiende desde nuestro sujeto hasta el fondo. Propiedades de la imagen: • Autofocus (centrado en la flor). • Exposición de: 1/50 segundos. • Apertura: F8 • Modo Macro. • Se utilizo trípode y modo de retraso en dos segundos en el disparo. Nota: utilizamos el modo de retraso en dos segundos en el disparo ya que incluso con trípode, a velocidades bajas el simple movimiento de presionar el botón de disparo puede hacer que la foto salga movida.

La distancia focal y la profundidad focal

La profundidad focal también se ve afectada por la distancia focal. Utiliza una distancia focal pequeña para incrementar la profundidad focal, y una distancia focal más grande para obtener una profundidad focal más pequeña. Por ejemplo: si hacemos zoom, la profundidad focal aumenta. (nota: Técnicamente la distancia focal no afecta a la profundidad focal, pero da la apariencia de que si lo hace). Debido a que las cámaras digitales tienen sensores muy pequeños, poseen distancias focales reales muy pequeñas. Debido a esto con una cámara digital es difícil conseguir una profundidad focal pequeña, incluso usando una apertura grande. En el ejemplo que mostramos arriba usamos una apertura grande y una distancia focal grande (el macro) para conseguir la profundidad focal que deseábamos. Resumiendo • Además de las que comentábamos en el capitulo anterior, otra ventaja de una gran máxima apertura es que nos permite reducir la profundidad focal. Esto nos permite difuminar, sacar fuera de foco el fondo de manera que aislemos y destacamos a nuestro sujeto (lo cual es especialmente efectivo al hacer primeros planos). • Además de las que comentábamos en el capitulo anterior, otra ventaja de una pequeña mínima apertura es que aumenta la profundidad focal. una prefundid focal mayor permite sacar fotos de escenarios amplios, en donde todo lo que esta desde el primer plano hasta el horizonte sale en foco. La velocidad ISO

La sensibilidad o velocidad ISO indica la velocidad de los negativos fotográficos, es decir que tan rápido reaccionan a la luz, hasta hace poco se lo llamaba ‘ASA’. Como las cámaras digitales no utilizan negativos fotográficos sino sensores, estas tienen lo que se llama el ‘equivalente ISO’ de manera similar a los negativos, el equivalente ISO indica que tan sensible es el sensor a la cantidad de luz disponible. Mientras mas alto sea este numero, será mas sensible el sensor por lo que habrá mas posibilidades de que las fotos salgan bien en condiciones de luz poco favorables. A diferencia que las cámaras tradicionales, en donde para cambiar de velocidad ISO había que cambiar de rollo, con las cámaras digitales solo hay que seleccionar esa opción del menú. De esta manera podemos grabar imágenes a distintas velocidades ISO en la misma tarjeta de memoria. La velocidad ISO y la exposición. La velocidad ISO afecta a las combinaciones de velocidad del obturador/ apertura que podemos utilizar a fin de sacar fotos con una buena exposición. Supongamos que estamos por sacar una foto y nuestra cámara nos avisa que no hay suficiente luz. Podríamos usar el flash, pero supongamos que no se permite (como por ejemplo un museo o en un concierto).

Podríamos usar un ISO más alto. Si seteamos la cámara en modo ‘ISO automático’ esta elegiría automáticamente un ISO más alto. La otra opción que tenemos es seleccionar manualmente el siguiente ISO mayor y ver si la mayor sensibilidad permite obtener una foto correctamente expuesta. De manera similar, si nuestra cámara esta utilizando una velocidad de obturación muy lenta (1/50 o mas lenta), tendríamos problemas debido a las vibraciones de nuestra mano que sostiene la cámara, que harán que la foto salga borrosa. Si no podemos abrir más la apertura ni tenemos un trípode o un lugar para apoyar la cámara tenemos la opción de seleccionar un ISO más alto, lo que nos permitirá seleccionar una velocidad de obturación rápida. Sin embargo, los ISOS altos tienen un lado malo, hay un precio que pagar: Las imágenes saldrán con más ruido. Cuando seleccionamos un ISO alto, el sensor es capaz de registrar una ‘señal’ de luz más débil. Sin embargo, como es mas sensible también registrará ruido mas débil. Por ruido nos referimos a cualquier señal que no tiene que ver con la luz del encuadre. Los sensores son dispositivos análogos que convierten las señales lumínicas en eléctricas, que generan ruido propio. La mayor sensibilidad le permite al sensor registrar más luz y mas ruido. De manera similar a la de los negativos fotográficos, el sensor producirá fotos con ruido (comparable al ‘grano’ de las fotos tradicionales) a velocidades ISO altas. Pero a diferencia de los negativos fotográficos, en los cuales el grano puede contribuir al ambiente que deseamos crear en la foto, el ruido producido por un sensor es algo no deseado, que aparece como puntos de color en nuestras imágenes. La velocidad ISO y el tamaño del sensor. El tamaño del sensor determina que rangos ISO podrá usar una cámara sin sufrir demasiado debido al ruido. Un sensor más grande es mejor debido a que los píxeles que posee para captar la luz son más grandes, por lo que cada uno puede recibir más luz, bajando la proporción entre luz y ruido. Si tomamos dos sensores, cada uno de 4 mega píxeles pero de diferentes tamaños, el que sea más pequeño tendrá más ruido a mayores ISOs.

La mayoría de las cámaras del mercado comercial usan sensores de 1/1.8 de pulgada o menores, por lo que el ruido a ISOs altos es un problema. A pesar de que las cámaras nos permiten utilizar un ISO alto (como ISO400), la imagen resultante tendrá mucho ruido.

Un corte de una serie de imágenes nocturnas obtenidas a diferentes valores ISO con una cámara Canon PowerShot A70. Se realizo el recorte para no reducir la imagen y mostrarla al 100%, notando así el ruido en los píxeles de la misma:

Detalle de esa imagen, ampliada al 200% para poder apreciar mejor los píxeles:

Por el otro lado las cámaras profesionales (las digital SLR, o DSLR) usan sensores de tamaño completo (24X36) o de tamaño APS (tamaño medio). En estas el ruido es raramente un problema y el uso de ISO 400 produce imágenes donde el ruido es prácticamente imperceptible, y su rango de sensibilidad llega o supera el ISO equivalente 1600.

Entonces… • • • •

Obtendrás la mayor calidad de imagen utilizando el ISO más bajo que posea tu cámara. Si quieres estar seguro que tu cámara use siempre el ISO mas bajo ve a las opciones de configuración y cambia el valor ISO de ‘auto ISO’ al mas bajo que haya, generalmente ISO 50. Si casi siempre sacas fotos donde hay suficiente luz para una exposición correcta (por ejemplo en exteriores) al utilizar el ISO mas bajo estarás seguro que tu cámara te estará dando la mejor imagen que es capaz de producir. Si quieres sacar fotos en interiores y/o en otras situaciones, en donde la luz no es suficiente necesitas sumar más luz, sea de flash o de luces, o… utilizar un ISO mayor. Queda claro que dependiendo de las características de tu cámara esto puede significar una foto con mucho ruido. Un sensor más grande (de tamaño APS o superior) permite usar ISOs altos sin tener que preocuparte por el ruido. Esto significa que se pueden sacar fotos en situaciones de poca luz sin que estas salgan subexpuestas, y también en otras situaciones utilizar una velocidad de obturación mas alta evitando que la foto salga borrosa, todo sin nuestra intervención, casi sin darnos cuenta.

¿Y que cámaras tienen sensores grandes? Lamentablemente, casi todas las cámaras digitales para consumidores poseen sensores pequeños. Hasta que estas no comiencen a tener sensores más grandes el ruido en ISOs altos estará presente. Las cámaras para ‘prosoumers’ (más avanzadas, para gente no profesional pero muy entendida en el tema) intentan hacer de nexo entre las cámaras profesionales y las que son para consumidores. Poseen sensores un poco más grandes. Sin embargo, la carrera por más mega píxeles ha hecho que más píxeles se metan en ese mismo espacio reducido. Si antes había sensores de 2/3 pulgadas de 5 mega píxeles, ahora hay cámaras de 8 mega píxeles en sensores del mismo tamaño, empeorando así su situación. Este es uno de los motivos por el cual ‘mas mega píxeles’ no siempre significa lo mejor. Y para tener n cuenta… • • •

Un poco de ruido puede no ser un problema dependiendo del tamaño final de tus fotos impresas o el tamaño que se verán en pantalla. En impresiones de 10X15 cm. estas poseen tal resolución que el ruido no es perceptible. También es posible disimular el ruido en la post edición (tema que no cubriremos en este curso), aunque estoes un proceso que lleva tiempo: se podría utilizar en alguna foto especial pero no es práctico para utilizarlo en todas. Si las dos únicas opciones que te quedan son o sacar una foto muy subexpuesta o sufrir del ruido, utiliza un ISO alto y luego trata de disminuir el ruido en la post edición, pero en cualquier otro caso se recomienda utilizar el ISO mas bajo que posea tu cámara.

Resumen • • •

La velocidad ISO (equivalente) de una cámara digital indica la sensibilidad del sensor. La mejor calidad se obtiene con el ISO mas bajo posible. Si ajustamos la velocidad de obturación y la apertura no puedes obtener una buena exposición (usualmente en interiores), puedes seleccionar un ISO más alto. 45

• • •

Sin embargo, recuerda que un ISO más alto trae aparejado más ruido en este segmento de cámaras. Si tus fotos suelen salir con ruido verifica que tú cámara no este en modo ISO automático, y si lo está selecciona el ISO mas bajo que tu cámara posea. Si imprimes tu foto solo en tamaño 10X15 cm. por mas ruido que haya no se alcanzará a ver, aunque si ves la imagen al 100% de resolución en la pantalla.

Tarea Nota: Los ejercicios de este capitulo solo son posibles con cámaras que posean controles manuales. Ejercicio 1 1. Selecciona un tema a fotografiar en exteriores, que posea varios elementos a diferentes distancias. 2. Coloca la cámara en una posición más o menos fija, para sacar las fotografías que te pedimos a continuación cada una con el mismo encuadre. 3. Obtén una fotografía con gran profundidad de campo. 4. Obtén una fotografía con una profundidad de campo reducida, eligiendo previamente cual es nuestro sujeto principal que deseamos que salga nítido. 5. Presenta las fotografías en el foro. Ejercicio 2 1. En este ejercicio obtendremos fotografías nocturnas. Selecciona una escena y coloca tu cámara en una posición fija a fin de tomar fotografías con exposiciones prolongadas. 2. Obtén fotografías a diferentes valores ISO. 3. Recorta una misma sección de todas las fotografías y preséntalas en el foro, teniendo cuidado de no reducir el tamaño de la imagen para así poder apreciar el ruido que producen los distintos valores ISO en tu cámara.

Capitulo 11: Consejos y trucos. En este capitulo (el ultimo de la parte técnica del curso) veremos algunas técnicas mas y repasaremos algunos conceptos que ya vimos aplicándolos en situaciones que ocurren frecuentemente. Problemas comunes. Algunos problemas que se ven con frecuencia son: • Imágenes subexpuestas. • Imágenes sobrexpuestas. • Imágenes movidas. En capítulos anteriores hemos cubierto las causas técnicas de estos problemas, reveremos brevemente como resolverlos: Si tus fotografías están saliendo muy oscuras muy seguido, es que las estas subexponiendo. Recuerda, tener seteada la cámara en el modo ‘Auto’ no garantiza una exposición correcta si ignoras las señales de advertencia que te da la cámara cuando no hay suficiente luz. Necesitas aumentar el nivel de luz utilizando el flash de la cámara, o agregar una fuente de luz alternativa, o mover a tu sujeto a un área más luminosa. De no hacer esto obtendrás una foto subexpuesta. Cuando hay demasiada luz, y no puedes cerrar mas la apertura ni utilizar una velocidad de obturación mas rápida terminas con una fotografía sobrexpuesta. Por otro lado, una imagen movida se obtiene cuado estás utilizando una velocidad de obturación que es demasiado baja como para evitar que la cámara capte la leve vibración de la mano que la sostiene, o demasiado baja como para lograr ‘congelar’ el movimiento que esta captando. Si utilizamos el zoom como nuestra cámara esta captando un pequeño y lejano encuadre este efecto se verá incrementado notablemente. Una regla simple para recordar es utilizar una velocidad similar a la distancia focal equivalente que usemos, así si por ejemplo hacemos zoom hasta 125mm. Necesitaremos como mínimo una velocidad de 1/125. También se tiene que tener en cuenta que al utilizar el zoom la cámara no podrá utilizar el F mínimo del que es capaz, ya que al captar una menor porción del espacio el sensor capta menos luz. Por ende la cámara se verá forzada a utilizar un F más alto, subiendo el tiempo de exposición para compensar. Esto incrementa las posibilidades de que la velocidad no sea la suficiente para evitar captar la vibración que comentábamos. La técnica del Bracketing. En algunas ocasiones obtendrás fotografías en donde habrá áreas subexpuestas (usualmente las sombras) y algunas áreas sobrexpuestas. Si cuando realizas el enfoque (el apretar por la mitad el botón de disparo) lo haces apuntando a las sombras, estas saldrán correctamente expuestas, pero las áreas mas claras saldrán completamente sobrexpuestas. De manera inversa, si realizamos nuestro enfoque en las áreas claras, las sombras saldrán muy subexpuestas perdiendo todo el detalle que contienen.

Lo que sucede en estos casos es que el rango dinámico de la imagen es demasiado amplio como para que la chamarra lo capte, perdiéndose así la información de los extremos, como comentábamos en el capitulo 6: la luz. También hay casos en que el rango dinámico no es tan amplio, pero la cámara se puede ‘confundir’ tomando en cuenta los valores lumínicos del entorno y no de nuestro sujeto, haciendo que la foto salga correctamente expuesta en lo general pero nuestro sujeto salga subexpuesto. Una solución es utilizar una técnica llamada Bracketing. Se trata de una técnica simple que es muy utilizada entre los fotógrafos profesionales para asegurarse de obtener fotografías correctamente expuestas, en especial en condiciones lumínicas dificultosas. Esta consiste en obtener una fotografía con los niveles de exposición que selecciona automáticamente (los mas adecuados según el criterio de la cámara para las condiciones de ese encuadre), y dos fotografías mas, una un poco subexpuesta y una un poco sobrexpuesta, Esto se hace ajustando en la cámara el valor de compensación de la exposición, es un ajuste que permite hacer la mayoría de las cámaras. Un punto en la unidad EV significa un paso F mas (¿no recuerdas que es un paso F? lo explicamos en el Capitulo 9: los controles manuales) Selecciona -1/3EV para la foto que queremos que salga subexpuesta y -1/3EV para la que queremos que salga sobrexpuesta. Si el rango es demasiado amplio, con las fotos sub y sobre expuestas alcanzaremos a captar el detalle de las áreas mas oscuras y claras, y si es el caso en el cual la cámara seteó los valores de exposición para el entorno y no para nuestro sujeto, en una de esas dos fotos adicionales este estará correctamente expuesto. Algunas cámaras poseen un modo llamado ‘Auto Bracketing’, con este la cámara saca las tres fotografías en forma automática una detrás de la otra. ¿Cuándo se debería utilizar la técnica del Braketing? En cualquiera ocasión que sientas que tu encuadre tiene condiciones lumínicas desafiantes, con muchas sombras y/o zonas luminosas. Por ejemplo, los atardeceres a veces salen mejor si se subexpone un poco, por lo cual se podría usar esta técnica, o en cualquier ocasión en que quieras asegurarte de no exponer mal un encuadre que hará una magnifica foto… si sale bien. En cámaras de rollo usar esta mecánica resultaba caro, con las cámaras digitales resulta ser muy practico y sin ningún costo, la única desventaja que posee es si te queda poco espacio en la tarjeta. ¿Deberías eliminar de la cámara las fotos mal expuestas en el momento o esperar? Es mejor esperar si no tienes problemas de espacio. Guarda las tres fotos hasta llegar a casa y descargarlas en la PC. Allí podrás ver con detalle cual salio mejor. También, es posible abrirlas en tu programa de edición de imágenes favorito (el photoshop o uno similar) y combinarlas las tres en una, dejando en la imagen final solo la parte que esta correctamente expuesta. De esta manera se puede obtener una foto perfectamente expuesta, que de otra manera seria imposible. Para que esta edición resulte fácil de realizar las tres fotos deben tener exactamente el mismo encuadre, por lo cual es conveniente sacarlas con trípode.

No explicaremos como editar las imágenes combinándolas en una sola ya que escapan los alcances de este curso. Opciones del Ato Focus (AF) La mayoría de las cámaras digitales detectan la diferencia en los contrastes y lo utilizan para determinar el foco automáticamente (la llamada función auto focus o AF)

Normalmente el punto de enfoque es el rectángulo en el centro de la pantalla, aunque muchas cámaras digitales ofrecen Auto Focus Multipunto, esto es, seleccionan el punto de enfoque que crean conveniente de entre varios ubicados en distintas áreas del encuadre. El AF multipunto funciona bien la mayoría de las veces y es muy cómodo, permitiéndonos enfocar de una sola vez, sin tener que mover el encuadre ni concentrarnos en el tema del foco. Sin embargo, en algunas ocasiones este puede hacer que la foto no salga en foco.

En este ejemplo con AF multipunto el foco que decidió la cámara fue el fondo (por tener un contraste mayor), dejando a nuestro sujeto completamente fuera de foco.

Si cambiamos al modo AF de un solo punto, el foco estará en nuestro sujeto. También ten en claro que el sujeto puede no estar en el centro: si este el es caso, colocamos el sujeto en el centro de nuestro encuadre, presionando el botón de disparo por la mitad hasta escuchar el sonido de confirmación de foco, y finalmente movemos el encuadre para posicionarlo como queremos y realizamos la foto. Cambia a AF de un solo punto cuando creas que puede suceder esto, o si te resulta cómodo, utilizarlo siempre. Accesorios recomendados. Para finalizar, les comentamos un par de accesorios que todo fotógrafo digital debería tener. Mini trípode. Un trípode común resulta muy útil para ciertos tipos de fotografía, el problema de estos es que no los podemos llevar con nosotros todo el tiempo por sus dimensiones.

Los mini trípodes son compactos y muy versátiles. Se pueden llevar en un bolsillo o en el bolso de la cámara y permiten fijar la cámara, en una muy amplia variedad de situaciones. Simplemente abrimos sus piernas y lo atornillamos a la cámara (en la ranura en la cara inferior de la cámara, la mayoría de las cámaras cuentan con esta ranura). Luego posicionamos el conjunto adecuadamente para obtener nuestro encuadre. Los minis trípodes son muy livianos, pequeños y bastante económicos, unos 15 a 30 dólares. No necesitarás trípode para las fotos comunes, pero cuando nada mas funcione, el trípode puede ayudar a mucho, y es especialmente útil en el tipo de fotografías que hemos visto en los últimos capítulos, fotografías con bajas velocidades de exposición. Una aplicación interesante. Si disponemos de un mini trípode es hora de explorar las ventajas de la función timer de nuestra cámara. Ya saben esa que retrasa el disparo unos 10 segundos, dándonos tiempo de acomodarnos y salir también en la foto (¿no les pasa que son los únicos que no salen en las fotos de cumpleaños). No lleva mas de un minuto colocar y extender el trípode, y activar la función de timer. Asegurare que la cámara haga el foco en una de las personas de la composición y no en el fondo distante, y si quieres activa el flash obligatorio, para que todos salgan con una exposición correcta y pareja. Y para las otras fotos que necesitan de un trípode La otra aplicación del timer es en la fotografía nocturna. Es necesario que la cámara esté estable, pero a pesar de que este fija en n trípode o sobre una superficie con solo presionar el botón de disparo provocamos un pequeño movimiento que será captado por la cámara. Algunas cámaras poseen dos opciones de timer, el de 10 segundos y uno de dos segundos, este último está hecho especialmente para ser usado en estas situaciones. Recuerda utilizarlo. Un kit limpiador.

Los kits limpiadores no son caros, y van a resultar realmente útiles el día que se ensucie el lente de nuestra cámara.

Si intentamos limpiarla con cualquier otra cosa podríamos empeorar la situación, si tenemos cuidado no dañaremos el lente, pero quizás empeoremos la situación agregando mas suciedad. Casi todos los tipos papeles absorbentes y gamuzas deja pelusas, y pueden engrasar el lente si los hemos tocado o han tocado algo más. Los kits incluyen un líquido limpiador especial para lentes de cámara y unos papeles absorbentes que no dejan pelusa. Tarea. Saca las fotos que quieras combinando las técnicas que has aprendido a lo largo del curso y la experiencia que ya has ganado. Los temas y las técnicas a emplear son libres.

Capitulo 12: Fotografía de maquetas. En este capitulo explicaremos diversas técnicas relacionadas con la fotografía de maquetas de arquitectura, empleando conocimientos técnicos y funciones que vimos en otros capítulos del curso. La fotografía de maquetas y miniaturas se incluye dentro de lo que se conoce como macrografia, o fotografía de ampliación (tanto de objetos pequeños como de detalles de objetos mayores). Antiguamente se requería de equipos fotográficos especiales y una gama de accesorios de alto costo, además de un conocimiento amplio del tema. Hoy en día y gracias a la fotografía digital, lo único que se necesita es interés y algunos equipos de iluminaron no especiales (cosas que podemos sacar de nuestra propia casa) y… este capitulo del curso. Distintas variantes. Al fotografiar maquetas tenemos un mundo de posibilidades. Al tener estas una escala reducida, la variedad de posiciones en que podemos colocar nuestra cámara es muy amplia. Así, podemos fácilmente obtener diferentes tipos de fotos de maquetas, tales como: Aéreas. Colocando nuestra cámara directamente sobre la maqueta (algo alejada y con zoom) la foto parecerá a una foto aérea, o una vista de la planta de techos.

Axonométricas. Nuevamente nos colocamos lo más lejos posible y utilizaremos el máximo del zoom que tengamos. Con esto hacemos que los puntos de fuga de las perspectivas se alejen, haciendo las líneas mas paralelas.

De escala peatonal. Este el es uso mas interesante de la fotografía con maquetas. Consiste en ubicar la cámara muy cerca de la maqueta, utilizando la función macro (explicaremos a continuación). Intentamos obtener un encuadre lo más parecido a la visión de una persona en esa construcción o en sus alrededores. Este es el tipo de fotografías de maquetas más complejo, y en el que nos centraremos a lo largo de este capitulo. El modo Macro. 53

El modo macro es una función de las cámaras digitales que permiten sacar fotografías con el objetivo que fotografiemos muy de cerca del lente de la cámara. Cone este modo y según las características de la cámara se pueden sacar fotos a una distancia de 5 cm. Incluso menos (algunas llegan a 1cm.). Consulta el manual de tu cámara para averiguar como activar el modo macro, en casi todas las cámaras se representa con el siguiente icono:

En encuadre que hagamos. Siempre que te sea posible intenta obtener un buen e interesante encuadre en tu maqueta. En este tipo de fotografías también se puede utilizar todas las técnicas de composición que vimos en el curso. Trata de hacer uso de estas. Nivel de foto realismo. A su vez, las fotografías de maquetas las podemos clasificar en dos tipos de variante: simples o fotorealista: podemos solo fotografiar nuestra maqueta, y puede ser ese nuestro resultado, o presentarla sobre un fondo y/o montaje algunos objetos con el de que simule con mayor precisión la realidad. Fotografías simples. La fotografía tal como la sacamos muestra solo nuestra maqueta. Puede servir para un estudio o análisis, pero probablemente no nos sea útil en una entrega de la facultad o para presentar a un cliente, ya que no muestra al edificio de una manera realista y sobre el entorno real que tendrá. En ocasiones, una fotografía simple de la maqueta puede presentarse muy bien. Depende de la calidad de la maqueta, la preparación de la escena y de la post-edición que se haga. En el siguiente caso se post-edito oscureciendo los bordes y se indicaron las distintas áreas del complejo mediante líneas y texto. La fotografía fue presentada en una entrega de facultad.

Foto-realismo y fotomontajes. Hay dos modos de colocar un fondo en nuestra foto, uno es montando la maqueta en el lugar donde tengamos detrás el fondo que queremos (sea natural o una lamina con el fondo impreso o dibujado), y el otro es editar la foto en la PC, realizando fotomontaje. Montar directamente nuestra maqueta en el fondo adecuado es complicado y nos limita mucho. Si llegas algún día a hacer esto ten en cuenta que es importante que la escala del fondo sea la adecuada, para esto hay que jugar con la distancia de la cámara a la maqueta, la distancia de la maqueta al fondo con el zoom. Al editar la foto en la PC las posibilidades son muy amplias. Podemos por ejemplo montar como fondo un cielo interesante, un fondo genérico con edificios, o incluso el entorno real de nuestro edificio. Como la postproducción y edición de imágenes no son parte de los temas que cubre este curso no nos adentramos demasiado en esta ultima técnica, aunque debemos decir que con ella se pueden obtener resultados muy buenos, y que así es posible ahorrarnos mucho tiempo en una entrega, por ejemplo evitándonos de hacer croquis a mano alzada o todo nuestro edificio 3D para obtener un par de render que muestren la volumétrica y características exteriores. A continuación detallaremos las cosas a tener en cuenta al realizar un fotomontaje, en donde fundimos la foto de la maqueta con una foto real del entorno en donde se ubicaría nuestro edificio. La posición de la cámara. Para dar la sensación de la realidad la clave es lograr un punto de vista peatonal, intentar que nuestro encuadre sea una vista posible de alguien que se encuentra en el lugar, no una fotografía tomada a 4 o 5 metros de altura. Como vamos a combinar la foto con un fondo del entorno se debe lograr que el punto de vista de ambos coincida lo más perfectamente posible. Para esto es aconsejable primero obtener la foto del entorno, y luego tratar de obtener una foto de nuestra maqueta desde ese mismo punto. Sin embargo, al sacar la foto del entorno es importante saber las capacidades de nuestra cámara para fotos macro y las condiciones de la otra fotografía que obtendremos luego. Por ejemplo, dependiendo de la escala y características de la maqueta muchas veces se hace difícil acercarse mucho con la cámara, obtener una foto a la altura adecuada (la de un peatón), o lograr que toda nuestra foto salga en foco. Es decir que estamos limitados en la cantidad de ángulos, encuadres y tipos de foto posibles, por lo que es importante saber cuales son nuestras posibilidades de antemano. Una solución a los problemas de ubicación que acabamos de plantear es colocar la cámara un poco más lejos y utilizar zoom, de esta manera nuestra cámara ya no esta sobre la maqueta por lo que nos podemos mover con mayor libertad. Cuando vayamos a fotografiar el entorno además de la posición de la cámara que debemos hacer coincidir es importante tratar de recrear el mismo ángulo de visión, recuerda que el zoom reduce el

ángulo de visión, hace que los puntos de fuga se alejen y que las distancias ‘se acorten’. Si los ángulos son muy distintos entre las dos fotos quizás salte la vista el fotomontaje, o quizás no, pero hará que se note que ‘hay algo raro’ en la foto. Posición e intensidad de la luz. Una vez obtenida la foto del entorno y estemos por sacar la foto de nuestra maqueta es importante simular condiciones de luz parecidas, y tenemos dos opciones, fotografiar en exteriores para utilizar la luz del sol (algo complicado ya que la única manera de cambiar de dirección de la luz es rotando la maqueta y moviendo la posición de la cámara), o en interiores utilizando iluminación artificial… esta es la manera recomendada, y para lograrlo estaremos creando nuestro propio e improvisado miniestudio fotográfico. Lo primero que tenemos que ver es el ángulo de la luz sea el mismo que en la foto del entorno. Luego, ver las características de la luz que necesitamos. No podremos usar el flash de la cámara por dos motivos: no coincidirá su ángulo con el que recitamos y por la cercanía de nuestra maqueta hará que la foto salga completamente sobrexpuesta. Por tanto debemos cancelar el modo de flash automático. Para simular el sol debemos utilizar luz directa, necesitaremos una lampara muy potente. Es muy importante que el nivel lumínico que obtengamos sea el suficiente, recordemos que las cámaras necesitan bastante luz, por lo que una lámpara de 100W probablemente no sea suficiente. Es cuestión de probar para ganar experiencia y así comenzar a saber lo que necesitamos. También recordemos que utilizando zoom reduciremos un poco la capacidad de captación de luz de nuestra cámara y que con modo macro y una apertura muy amplia (como cuando hay apenas la luz suficiente) nuestra profundidad focal será reducida. Así es como se obtienen las típicas fotos de maquetas en donde la maqueta se ve bien pero los arbolitos que están por delante se ven fuera de foco. Para evitarlo debemos ampliar campo focal. Como habíamos visto una manera de lograrlo es reduciendo la apertura, y esto lo logramos aumentando la luminosidad de la escena. Nuevamente, vemos que necesitamos luces potentes, y si tu cámara cuenta con la función, seleccionar el modo de prioridad de apertura y seleccionar el máximo F posible para tu cámara. La primera foto de la izquierda fue sacada con una apertura de f2.8, la segunda con una apertura de f8. Al colocar las luces ten en cuenta que mientras mas lejos estén de la maqueta menor será la luz que viertan en ella. Has distintas pruebas para ver cuanta diferencia hacen para tu cámara: presiona el botón por la mitad para ver que velocidad selecciona con la luz a distintas distancias.

Tipo de luz y balance de blancos.

Recuerda de quitar el auto balance de blancos, y selecciona el balance de blancos adecuado para los artefactos lumínicos que utilices. Contraste. Es probable que debamos sumar luz difusa y/o ambiente, para que el contraste de las zonas claras y oscuras de la maqueta no sea demasiado fuerte: no deseamos obtener solo blancos y negros sino que el contraste sea más suave para simular las condiciones de luz de la foto del entorno. Para esto podemos utilizar otras luces no apuntadas hacia la maqueta (apuntada a paredes o mejor aun, a alguna superficie reflectante que esté cercana a la maqueta), apuntadas a la maqueta desde otros ángulos y/o utilizar un reflector. Para todas las fotografías presentadas en este capitulo salvo las que se encuentran post-editadas se armó este mini estudio casero, simplemente montando una tela blanca en una mesa y tres luces: una luz de exteriores de 500w (a la derecha) como luz directa, y dos luces mas de 100w para actuar como luz ambiente y difusa con el fin de agregar mas sombras y disminuir el contraste.

Utilizar trípode. Hacer uso de un trípode nos trae varias ventajas, entre ellas destacamos: La comodidad No tener que sostener la cámara en nuestras manos y buscar una y otra vez el mismo encuadre. Posibilidad de sacar fotos con exposiciones mas largas. Si la luz no es la suficiente tenemos dos opciones: o agregamos más luz, o aumentamos el tiempo de exposición. La cámara en un trípode nos permite realizar exposiciones largas sin que nuestras fotos salgan movidas, lo que a su vez nos permite tener luces no tan fuertes. Dependiendo del tamaño de la maqueta y cercanía de la cámara, un trípode normal sea demasiado grande. Un trípode pequeño resultara útil en la mayoría de los tomas. Al sacar fotos con tiempo de exposición largos asegúrate de colocar la función de timer de 2 segundos o si tu cámara no cuenta con esta función de 2 segundos utiliza la de 10 segundos.

El fondo de la maqueta. El fondo de esta foto, es decir en donde esté apoyada la maqueta debe ser de un color neutro. Esto nos facilitara luego el recortar la foto para sobreponerla al fondo del entorno, o si la presentamos así como esta no habrá objetos que distraigan. Cantidad de fotos. Tienes una cámara digital, saca muchísimas fotos y pruebas! Luego en la PC decides cuales son útiles. Así ganaras experiencia más rápido y tendrás más posibilidades de conseguir una foto realmente adecuada. El fotomontaje. Una vez obtenidas las fotos de la maqueta y el entorno seleccionado en la PC las dos que sean más similares (en cuanto encuadre, características lumínicas. Podemos no solo superponer la maqueta al fondo, sino cambiarle el cielo, insertar personal u objetos y retocar partes de la maqueta en donde se noten imperfecciones tales como cortes o pegamento en exceso, etc. Todas estas operaciones se realizan en un programa de edición, como PhotoShop. En el siguiente fotomontaje se superpuso la maqueta al entorno real. La foto del entorno se saco en un mal día con el cielo cubierto. En el fotomontaje se reemplazo el cielo, se agregaron objetos (autos y personas) y se retocaron mucho las superficies de la maqueta, debido a que la misma estaba hecha en una escala muy pequeña (1:500) por lo que se veían claramente muchas imperfecciones.

Conclusión.

Realizar un fotomontaje nos puede llevar de media hora a unas 6 horas dependiendo de la complejidad y de la calidad del resultado al que queremos llegar. Esto puede significar un importante ahorro de tiempo, por ejemplo si una entrega nos piden una maqueta detallada y perspectivas exteriores, podemos realizar esta sesión fotográfica que acabamos de describir y unos cuantos fotomontajes todo en una tarde, mientras que otra posibilidad seria realizar un 3D completo del edificio y luego renders lo cual llevaría mucho mas tiempo. Además, si sumamos la alta resolución de las fotos con una buena edición podemos hacer fotomontajes de alta calidad que se puedan imprimir a gran escala, mostrando un gran nivel de detalle. Este ultimo ejemplo es una foto de la misma maqueta en escala 1:500, superpuesta a una foto aérea. Como verán, el nivel de detall es muy alto, a tal punto que cuesta distinguir que es lo que se fotomontó.

Esta imagen fue impresa en tamaño 1X0.70 metros. La siguiente foto corresponde al sector marcado en rojo, con la resolución final.

Tarea opcional.

Si tienes ganas de practicar busca alguna maqueta que poseas y sigue los pasos descritos en este capitulo para obtener una serie de fotografías a escala peatonal. Monta un fondo para las maquetas (puede ser una tela, una lamina, etc.) y una correcta iluminación. 1. Haz pruebas observando que velocidad de obturación utiliza la cámara. Cambia la distancia de la iluminación a la maqueta para notar como esto cambia los seteos de exposición que la cámara selecciona en forma automática. 2. Obtén dos fotos de un mismo encuadre, con distintas profundidades focales. Para esto: - Si tu cámara posee seteos manuales: selecciona el modo de prioridad de apertura, y saca una misma foto variando la apertura. - Si tu cámara no posee seteos manuales: saca una foto variando la cantidad de luz disponible (una foto con el mínimo de luz que la cámara necesita, la otra con mucha luz). Con esto harás que la cámara varíe en forma automática la apertura. Intenta que en una foto todo salga con el foco correcto, y en otra salgan los objetos más cercanos fuera de foco. 3. Prueba sacar fotos con exposiciones mas largas. Para esto monta la cámara sobre un trípode u otra superficie firme y utiliza la función timer. Observa como con exposiciones prolongadas las fotos salen mejor requiriendo menos iluminación. 4. Si tienes conocimientos de edición realiza un fotomontaje simple: - No buscamos una buena calidad en la edición, es suficiente con recortar de manera simple la maqueta y montarla sobre el fondo. - Lo que nos interesa es lograr que las dos fotos coincidan (en la posición de la cámara, iluminación, etc.). estudia las posibilidades como comentamos en el capitulo, luego saca la foto del entorno y finalmente la de la maqueta, recreando las condiciones de la primera foto.

Capitulo 13: Fotografía de Arquitectura.

Tanto para los arquitectos como para cualquier persona, al fotografiar edificios hay que tener en cuenta varios aspectos, entre ellos muchas cosas que ya hemos visto en los capítulos anteriores. En este capitulo veremos la aplicación practica de las técnicas que aprendimos juntos a algunos consejos y trucos nuevos. El sujeto y el encuadre. Lo primero de todo será definir ¿Qué nos interesa? ¿Qué nos mueve a hacer esta fotografía? Cada edificio tiene su propio carácter, algunos dan una sensación de calidez, mientras otros transmiten la solidez de la piedra o la fragilidad de una vidriera. Una vez definido que es lo que nos atrae, deberemos encontrar el punto de vista y la iluminación mas adecuada. Al buscar esto intenta aprovechar todos los elementos con los cuales dispone la escena, por ejemplo:   

La gente que pasa por el lugar añadirá movimiento y sensación de espacio, además de mostrar las dimensiones del edificio. Un callejón nos servirá de línea de guía para dirigir la vista hacia un antiguo edificio con estilo. Las flores que rodean a una estatua darán contraste y color.

Emplea todas las técnicas de composición que ya hayas visto, la regla de los tercios, la simplificación, el sujeto falso (que resulta ideal por lo que comentábamos del movimiento y escala que le da) y la geometría. Si fotografiamos un edificio de la forma más convencional, esto es de frente, muchas veces nos parecerá aburrido. Cuando te encuentres fotografiando edificios tomate el tiempo para observarlos de distintos ángulos, perspectivas y si es posible a diferentes alturas para descubrir cuales son las que mas les favorecen. Experimenta con distintos encuadres y ángulos y saca muchas fotos. Luego puedes eliminar las menos interesantes desde la cámara misma. La distancia focal. Recuerda que a través del zoom puedes aislar a un edificio del entorno o destacar un detalle arquitectónico, o con un gran angular puedes incluirlo casi en su totalidad o englobar una serie de vidrieras o puestos en la calle llenos de colorido.

En esta fotografía las personas nos sirven para dar escala a la construcción

Algo también muy importante, nunca olvides los detalles: los reflejos en una fachada o el intrincado dibujo de una estructura de hierro forjado pueden contar mucho acerca de un edificio. 61

Esta foto cuenta parte de una historia, dando pistas de si mismo y de su entorno.

Si vas a fotografiar edificios seguidamente y si tu cámara admite la incorporación de filtros y lentes puedes considerar adquirir un filtro polarizador. Los filtros polarizadores reducen los reflejos de ventanas y vidrieras y aumenta el contraste entre los colores del edificio y del cielo. En una ciudad es difícil fotografiar edificios enteros. Aunque te veas forzado a cambiar tu encuadre y ángulo (por ejemplo por no tener el espacio suficiente para sacar al edificio como originalmente querías) intenta que esto sea planificado, destacando lo mejor que las ubicaciones disponibles tengan para darnos. Por ejemplo, si estamos muy cerca deberemos inclinar la cámara hacia arriba, esto hará que la perspectiva se distorsione dando la impresión que los edificios se inclinan. Como lo veíamos en el capitulo 7 (fotografía a 28mm.), aprovechemos esto para acentuar la altura de un edificio importante y dar así mas énfasis al sujeto.

La iluminación y la exposición. Como hemos visto en el capitulo 6, la luz es uno de los factores mas importantes a tener en cuenta. 62

En estas dos fotografías se nota claramente como una iluminación adecuada puede hacer una gran diferencia. Si quieres obtener fotos realmente buenas, si la luz no es buena, considera volver al edificio en otro momento. Por otro lado, algunas de las mejores fotos pueden obtenerse de noche ya que la iluminación nocturna común de los edificios (o en edificios importantes la iluminación escenografita que poseen) crea un ambiente muy especial. Sin embargo como vimos en anteriores capítulos es necesario un trípode y retrasar el disparo unos dos segundos (o más). También la hora mágica (una hora antes de amanecer o una hora después del atardecer) se obtiene excelentes fotografías. En este horario los edificios iluminados se recortan contra un cielo coloreado y se obtiene fotos de muy buen contraste y riqueza cromática. Al variar la exposición (intencionalmente o forzado por las condiciones de luz) recuerda que puedes lograr dar un determinado énfasis a la foto, congelando el movimiento de autos, haciendo que los peatones salgan ligeramente borrosos u ocasionando que los autos aparezcan directamente como líneas de luces blancas y rojas en la oscuridad de la noche.

Edificios importantes y monumentos. En visitas a lugares famosos seguramente querremos fotografiar los monumentos más reconocidos como la Torre Eiffel en Paris o el Coliseo de Roma. Quizás nos parezca algo difícil, ya que estos edificios han sido fotografiados miles de veces. Pero si no fijamos en las postales y libros sobre la ciudad, veremos que casi todas las fotos son muy parecidas, todas son de una misma vista particular sacada desde un lugar único. No hay nada de malo en buscar ese lugar y sacar una foto similar, simplemente es que ese es el mejor ‘perfil’ de nuestro sujeto. Si quieres, intenta sacar fotos desde ese ángulo pero luego busca encuadres distintos o poco usuales que le den algo más de vida o dinamismo a la fotografía. Muchas veces la perspectiva más original se consigue acercándose mucho al edificio para fotografiarlo con 50mm. Y captar un detalle o punto de vista inusual en escala humana, o utilizar 35mm. O un gran angular para exagerar su forma. También fotografiar un edificio o monumento hay que tener en cuenta que es lo que representa y los elementos arquitectónicos que lo componen, para así luego ver el modo en que pueden ser reflejados en la imagen. A modo de ejemplo, el palacio de Kursaal de San Sebastian es un edificio cúbico, muy sólido. En cambio el museo Guggenheim de Bilbao se destaca por sus curvas sinuosas. Ambos edificios se pueden fotografiar desde varios ángulos que destaquen su geometría y aprovechar la noche para plasmar a los edificios con su iluminación escenografita especial. En el caso de la fotografía que acaba de ver, esta rompe con la imagen de postal tradicional agregándose muchos elementos que le dan riqueza y profundidad a la imagen (las distintas capas compuestas por el cielo, la torre, los pequeños edificios y la vegetación, luego el puente y finalmente el barco), además de acentuar la verticalidad, el peso, el carácter y la tri dimensionalidad de la imagen mediante el fuerte y dinámico marco que ha creado. Esta foto también usa la técnica de compresión de la perspectiva que explicaremos brevemente mas abajo en este capitulo. Y por ultimo, algunos consejos más.  En todas partes hay lugares dignos para fotografiar, incluso si prestas atención encontraras en la propia calle donde vives o trabajas detalles arquitectónicos interesantes en los que nunca te habías detenido a ver.

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Por esto, en lo posible visita más de una vez cada lugar, ya que en cada visita descubrirás detalles en los que no te habías fijado anteriormente. Si realmente quieres obtener una fotografía buena la luz debe ser la adecuada. Si no lo es planea volver a ese lugar cuando lo sea. Si estas de viaje en grupo, regresa por tu cuenta aunque sea a costa del desayuno o la cena. Aprovecha al máximo la hora mágica y las condiciones de ‘luz buena’ (cielos parcialmente nublados). Si quieres fotografiar un monumento famoso ve a primera hora de la mañana, además de tener posibilidad de aprovechar la hora mágica, a esa hora habrá menos turistas que dificulten tu tarea. Cuando veas elementos estructurales repetitivos, como columnas o ventanas prueba sacar fotos con zoom, para lograr una foto de formas geométricas interesantes. Con un zoom muy potente puedes conseguir el efecto de ‘comprimir la perspectiva’. En este un edificio situado por delante con otro mas lejano se acercan visualmente (el de atrás parece casi tan grande como el primero). Esto puede dar fotografías muy interesantes.

Conclusión. En este capitulo hemos visto la aplicación practica de casi todo lo aprendido en el curso, desde la utilización de la geometría y el empleo de un sujeto falso, a la parte técnica con la fotografía nocturna (que trataremos con mayor profundidad en el antepenúltimo capitulo) y el aprovechamiento máximo de la luz. Como te darás cuenta hay muchos trucos para obtener buenas fotografías de arquitectura, pero lo mas importantes es contar con una buena luz y aprovechar esta y las posibilidades que nos da cada situación en particular. Al igual que el resto del curso, practica estas técnicas y en poco tiempo más las incorporarás y las emplearas con total facilidad, casi sin pensar en ellas. Tarea. Obtén dos fotos interesantes de un edificio y preséntalas en el foro. Una deberá encuadrar al edificio completo casi en su totalidad, mientras que la otra se centrará en uno o más detalles arquitectónicos. A modo de ejemplo, si el tema elegido es una iglesia la primera fotografía podría consistir en la iglesia entera o una parte importante de esta, y la segunda en un primer plano de una gárgola.

Capitulo 14: Fotografía de interiores. Todos sacamos montones de fotos en interiores. Las cámaras digitales actuales, con su flash incorporado lo hacen fácil. Sin embargo en la mayoría de los casos el tema de las fotos no son los interiores, en cambio se está fotografiando a la familia o amigos, y el interior es simplemente un fondo en el cual no se pensó mucho. Las técnicas para fotografiar un interior, sea este el de una casa o un entorno comercial, es algo que solo los fotógrafos profesionales especializados en arquitectura o diseño interior practican. En este capitulo te comentaremos todas las técnicas posibles para obtener fotografías de interiores sobresalientes. Composición. Similar a lo que vimos en el capitulo anterior (fotografía de arquitectura), nuestra primer regla será preguntarnos ¿Cuál es el tema de mi fotografía? Usualmente es una persona que actué de sujeto, pero si solo fotografías una habitación, tu sujeto será una parte del interior que encuadras. Esto significa que deberás ser cuidadoso y seleccionar la parte más interesante de una habitación, ya que es imposible llegar a incluir toda la habitación en una sola foto. Nota* cabe mencionar que si hay medio para ampliar el encuadre, creando panorámicas e incluso vistas de 360º de una habitación. Esto se hace en la postproducción a través de programas de edición y es algo que trataremos en el curso de edición digital. Volviendo al tema, como decíamos lo más importante será asegurarse de fotografiar la mejor opción de ka habitación, el mejor perfil que tenga. ¿Nos gusta el mobiliario y el tapiz que hay sobre la chimenea? ¿O nos cautiva la forma en que entran los rayos de sol por la ventana? Sea lo que sea, tenemos que encontrar una manera de comunicar lo que para nosotros es tan especial.

Al igual que en una foto de arquitectura, en interiores es posible sacar fotos de detalle o de sectores.

El encuadre. Como veremos mas abajo, es altamente recomendable el uso de una gran angular para poder encuadrar una mayor superficie de la habitación. Los 38 mm de casi todas las cámaras en la mayoría de loa casos ‘alcanzan’, pero contar con 28 mm (o menos) nos ampliara mucho las posibilidades que tendremos. La luz. La luz es un factor importante. Asegúrate de no tener en el encuadre una ventana con luz exterior fuerte, la cual distraerá la vista de quien vea la foto y posiblemente cree problemas de exposición. Si estas fotografiando un interior con muchas ventanas, hazlo al atardecer en donde la iluminación será menor, o cierra las cortinas. También, la luz deberá ser la adecuada para el tipo de foto, debe ser acorde al ambiente que fotografiaremos: una fotografía de una oficina con amplios ventanales debe ser muy luminosa, una imagen de un salón de una vieja casa victoriana debe tener una atmósfera oscura y melancólica. Observa los cambios de luz que se producen a diferentes horas del día, y saca la foto cuando la luz sea la más adecuada. Y por ultimo, es posible que sea conveniente reforzar la iluminación, esto lo detallaremos mas abajo, al ver la parte técnica.

En este caso se cumple el objetivo de lograr un ambiente iluminado, sin embargo el área exterior ha salido sobreexpuesta. Si fotografiamos un interior y un ventanal esto es algo muy difícil de evitar.

Destacar el sujeto. Con la siguiente regla deberemos definir como destacar a nuestro sujeto. En fotos de exteriores una técnica es hacer que este aparezca grande en el encuadre y en primer plano. Si nuestra foto tiene un sujeto (como un hogar a leña, un cuadro antiguo o una escalera importante) asegúrate de destacarlo. Sin embargo no será posible o conveniente ponerlo en primer plano: aunque tengamos un Van Gogh detrás del sillón, deberemos mostrar también el sillón.

Hay dos maneras de destacar al sujeto, la iluminación y el color. Por ejemplo si queremos que una mesa oscura llame la atención, un florero claro sobre esta guiara nuestro ojo, o si una mesa pequeña un velador prendido arrojara luz calida que también nos llamara la atención.

En muchos casos, la iluminación y los colores han sido diseñados al detalle al momento de diseñar el edificio.

Simplificar. Con la gran cantidad de objetos que usualmente hay en los distintos espacios interiores, utilizar la regla de la simplificación es algo esencial. Esto es una de las cosas más importantes en la fotografía de interiores y es en donde la mayoría de los fotógrafos fallan. Veamos los distintos casos: Distracción uno: Muchos objetos. Un interior casi siempre tiene demasiados objetos como para que se vean bien en una foto, por lo que si es posible conviene mover algunos objetos de lugar. Deshazte de los almohadones del sofá, del cesto de basura y de los papeles que se encuentran en la mesa del escritorio. También esconde el teléfono y esas estatuitas de cerámica. Nota* Si vez una foto en una revista especializada en interiores y vez también ese mismo interior, te sorprenderías de la gran cantidad de cambios que el fotógrafo hizo, quitando objetos del área a fotografiar.

Distracción dos: Líneas horizontales o verticales que se unen. Algo que distrae mucho es cuando dos líneas que deberían ser paralelas se ven curvas o se ven inclinadas una hacia otra. Para evitar esto asegúrate de que estés fotografiando hacia tu encuadre horizontalmente, no apuntes hacia arriba o abajo. Consejo* si utilizas un gran angular cuídate de esto, los grandes angulares acentúan este efecto no deseado. Distracción tres: Mala iluminación. La peor iluminación que un interior puede tener es luz fluorescente. El efecto que imprime en las fotos, aún si se coloca el correcto balance de blancos, no es bueno. Iluminación natural desde ventanas o luz externa que nosotros pongamos beneficiara a la foto. Truco * Quizás sea demasiado para nuestras fotos, pero los profesionales no solo agregan luz extra, sino que a veces cambian las lámparas (bombillos/bulbos) poniendo otros mas fuertes en veladores y apliques de iluminación. Por último y de ser posible, no utilices flash. La habitación se vera muy extraña y se corre el riesgo de crear sombras muy fuertes. En cambio utiliza exposiciones mas largas y las otras técnicas que veremos a continuación. El área técnica. La distancia focal. La mayoría de los interiores son espacios relativamente reducidos, los cuales nos obligan a utilizar la máxima distancia focal que nuestra cámara tenga. Si vas a fotografiar interiores seguidamente aconsejamos conseguirte un gran angular (de 28 mm por ejemplo), el mismo hará una gran diferencia. Aunque poseas un gran angular, no esta recomendado siempre su uso, en especial hay que evitar resaltar mucho la actitud que tiene los 28 mm que vimos en el capitulo 7. es decir, no se aconseja no forzar la perspectiva ni fotografiar objetos muy cercanos a la cámara ya que se corre el riesgo de que la foto salga algo artificial. Siempre que se pueda se debe buscar el punto d vista mas lejano para utilizar una distancia cercana a los 35 mm. Exposición. Las condiciones de luz en interiores casi siempre suelen ser mas débiles que en exteriores, por lo que las fotos corren el riesgo de salir subexpuestas, o movidas: •

Si pones la cámara en modo auto tienes grandes posibilidades de sacar una foto mala, ya que la cámara seleccionara una exposición normal (por ejemplo 1/30 segundos y máximo F), logrando una foto subexpuesta, y posiblemente movida.

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Y si seteas manualmente una exposición larga habrá riesgo de que la foto salga movida, como dijimos esto se soluciona utilizando un trípode o asegurándose que la cámara este apoyada firmemente.

Iluminación.

Luego, puede llegar a ser necesario iluminar las zonas mas oscuras a través de alguna de las técnicas vistas en el capitulo 6 puedes utilizar la luz del flash, o paneles reflectantes (u espejos). El flash como dijimos antes no es recomendable. De utilizarlo se debe tener cuidado de que estas no sea la única fuente de luz potente, si lo es se corre el riesgo que los objetivos produzcan sombras muy fuertes y obtener una fotografía extraña. También, en ambientes de grandes dimensiones se debe que recordar que la luz del flash no puede cubrir toda la superficie, su alcance ideal es de 3 metros y el máximo de 5 metros. Nota* Siempre la luz extra que coloquemos debe ser mas baja que la iluminación natural de veladoras y lámparas de la habitación, debe ser ‘luz de relleno’. Profundidad de campo. En cámaras semiprofesionales o profesionales en donde es fácil reducir la profundidad de campo y ‘desenfocar el fondo’ hay que tener cuidado de evitar esto y lograr una foto muy nítida, para esto conviene utilizar un F grande y una exposición mas larga para asegurarse la mayor profundidad de campo posible. Autofocus. En condiciones de poca luz, las cámaras también tendrán problemas con el autofocus, asegúrate de que en donde tratas de hacer el foco sea una zona iluminada y con contraste. Si no lo es puedes enfocar a otro objeto que este mejor iluminado y tenga mas contraste. Presiona por la mitad el botón de disparo y mantenlo, la cámara enfocara. Luego cambia el encuadre y dispara. Y si no utilizas el foco manual. ISO Ora manera de mejorar las condiciones de iluminación es aumentando el ISO, pero como vimos en el capitulo 10 esto puede añadir demasiado ruido, por lo cual según las características de tu cámara puede no ser recomendable. Cámaras compactas vs. Cámaras profesionales. En estas condiciones difíciles por la poca luz, las cámaras compactas presentaran una muy menor performance que las cámaras semi profesionales y profesionales. De trabajar mucho con este tipo de fotos es recomendable contar con una cámara DSLR con un sensor grande (de tamaño APS o mayor). Tarea. 1. Haz el ejercicio que se te presenta en el tema del foro respondiendo a la pregunta que se hace. 2. Obtén dos fotos de interiores. Puede tratarse de cualquier tipo de interior y puedes utilizar cualquier técnica vista en este capitulo o en los otros del curso.

Capitulo 15: Fotografía nocturna. 70

Con la fotografía nocturna podemos producir algunas de las mejores imágenes que jamás saquemos, sin embargo es uno de los tipos de fotografía mas difíciles de aprender y dominar. Este capitulo presentará las técnicas disponibles para crear excelentes fotos nocturnas. Trucos y técnicas. Casi todas las cámaras digitales poseen un amplio rango de exposición que les permiten obtener fotografías e condiciones de poca luz. Lo único que se necesita es de cierto conocimiento en cuanto a la medición de la luz y la fotografía nocturna en si, y algún tipo de soporte para la cámara, a fin de evitar las fotos movidas. Flash apagado: Lo primero será desactivar el flash automático de la cámara, al hacer esto la cámara entiende que tiene que usar una exposición larga. La mayoría de los flashes tiene un alcance máximo de 3 a 4 metros, así que la fotografía nocturna sobreexpondrá lo que tengamos en primer plano y subexpondrá lo que tengamos en el fondo.

Con Flash

Sin Flash

Aun cuando la escena se encuentra a una distancia adecuada para el flash, no utilizarlo puede ser una buena idea, como vemos en estas imágenes

Siempre lleva un trípode: En fotografía nocturna es muy común tener exposiciones de un segundo a 10 o 15. Con exposiciones de mas de 1/40, las fotos saldrán movidas si la cámara no esta fija. 71

Recuerda también usar el retraso del disparo de 2 segundos. Con este se evitara la vibración que en una exposición de este largo haría que nuestra foto salga movida o borrosa. Hay muchos tipos de soportes y trípodes, de diferentes tamaños y características. Si piensas sacar seguido fotografías nocturnas este será un accesorio que deberás tener. Hay algunos muy pequeños, que son muy fáciles de llevar con la cámara. Compensación de la exposición: con la cámara en una posición fija puedes disparar en el modo automático o en el modo de fotografía nocturna y conseguir una buena foto. Pero no siempre es así. Comúnmente las fotografías nocturnas tienen grandes áreas en total oscuridad con ocasionales sectores iluminados, como edificios, copa de los árboles iluminados tenuemente por la luna, fuegos artificiales, carteles publicitarios de neon, etc. El sensor de nuestra cámara que mide el nivel de iluminación no esta estrenado para medir este tipo de luz por lo que es posible que necesite de nuestra ayuda. Es aquí donde las cámaras digitales presentan la mayor ventaja frente a las cámaras tradicionales: la capacidad de ver en el momento como ha salido nuestra foto, algo a veces difícil de predecir en la fotografía nocturna. Si nuestra foto se ve muy oscura, o la parte iluminada no se ve con la suficiente fuerza, simplemente ajusta manualmente la exposición utilizando el seteo de compensación. La mayoría de las cámaras lo tienen, este seteo es parte de los controles manuales: usualmente es una opción de modo semiautomático de disparo identificado como Ev ò +- 0.

Modo de medición de luz. Si tu cámara puede ajustar el modo de medición de la luz a ‘Spot’, pruébalo. Haz la medición en la parte iluminada del encuadre, y con eso lograras fotos con una buena exposición. El modo Spot hace la medición de cuanta luz hay en el ambiente tomando en cuenta solo el área central de la imagen, el modo normal (evaluativo) lo hace sacando un promedio de toda la imagen. Consulta el manual de tu cámara para saber si la misma posee este control y recuerda al final de la sesión fotográfica volverlo a poner en el modo normal. El balance de blancos. También hay que tener en cuenta el tipo de iluminación que posee la escena para setear el balance de blancos correcto, de otra manera la fotografía podría salir totalizada hacia un color. Esencialmente tenemos que distinguir entre la luz fluorescente de vidrieras y de las luces de tungsteno. Truco* Algunas cámaras permiten setear el balance de blancos tomando una medición en una área de color gris de la escena. Con este la cámara calcula la compensación exacta que se necesita. Nuevamente consulta el manual de tu cámara para saber si la misma posee este control y como utilizarlo.

Nota* En algunos casos se puede dejar el modo automático de manera deliberada, para realzar el énfasis que se le quiere dar a la toma. Por ejemplo el interior de una iglesia saldrá con colores calidos mientras que un baño publico saldrá frió o totalizado a verde. El ruido. Como ya hemos visto en muchas ocasiones, el ruido será un factor a tener en cuenta. Si el ruido es importante en tu cámara utiliza el ISO mas bajo posible. Las cámaras semiprofesionales sufren mucho menos de este problema. Si tu cámara presenta poco ruido con valores ISO altos, utilízalos. Un ISO mayor permite una exposición menor, por ejemplo ISO 100 a F8 y 2 segundos de exposición equivalen a ISO 400 con el mismo F8 y solo ½ segundo. La salida: • Planea con antelación cuando es que vas a salir a sacar fotos nocturnas. Invierte un poco de tu tiempo planeando tu ruta, los lugares que iras a fotografiar, etc. •

Puede ser una buena idea saber a que hora el sol se ocultara y a que hora la luna saldrá si queremos incluirlos en nuestro encuadre. Algunas de las mejores fotos utilizan estos dos elementos.

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También puede ser una buena idea estar al tanto del pronóstico del tiempo, ya que de noche la temperatura puede descender bruscamente. Sabrás cuanto abrigo será necesario llevar así como que tan cubierto estará el cielo.

Para áreas silvestres: • • •

si nuestro recorrido nocturno es por un área silvestre, planeemos llevar repelente de insectos. quedarse en un mismo lugar durante mucho tiempo atraerá a los insectos lo que podría convertir lo que debería se una salida divertida en algo incomodo. llevar un teléfono celular. en caso de una emergencia, o de separarte de tu grupo el teléfono será de ayuda. llevar una linterna. esta es esencial en estas áreas con prácticamente ninguna iluminación como las zonas rurales o silvestres.

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Si la cámara saca fotos algo subexpuestas, utiliza la compensación de exposición, o el modo manual de tu cámara. setear manualmente la exposición y la apertura pude ser una tarea interesante que produzca fotos únicas.

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Utiliza la técnica de braketing.

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Si la luz no es suficiente utiliza un lente ‘rapido’. como habíamos visto en la parte técnica, un gran angular (o los 35mm) captan mas luz que un teleobjetivo (zoom).

Truco. Efecto de movimiento: Puedes obtener fotos interesantes si deliberadamente seteas una exposición larga y fotografías un objeto en movimiento, o si mueves el encuadre. Experimenta con distintos tiempos de exposición y obtendrás muchas fotos interesantes y algunas sorprendentes.

En este caso se puso el tiempo de exposición mas alto que la cámara permitía (y el F e ISO adecuados para una correcta exposición) para lograr plasmar el movimiento de las nubes en la foto.

En esta otra foto se fotografío a automóviles desde un puente peatonal, también con una exposición larga.

Saca muchas fotografías, y realiza muchas pruebas. En especial prueba el modo manual y distintos tiempos de exposición. Si sacas muchas fotos aumentas las posibilidades de obtener algunas que sean realmente excelentes, y también aumentaras tu experiencia en esta área. Trata de obtener fotos cuando aun no ha anochecido completamente. Algunas veces, el que el cielo aun posea un poco de color le puede dar otra dimensión a la foto. Revisa las fotos que obtuviste, puedes eliminar en el momento las que no te gusten y si tu cámara posee la opción de ver un histograma, verifica si las fotos salieron correctamente expuestas. Tarea. Obtén varias fotos nocturnas y presenta las dos que consideres más interesantes. Cuéntanos por que y cuales fueron los seteos que utilizaste.

Capitulo 16: Retratos y primeros planos. Bienvenidos al ultimo capitulo del curso, en este veremos consejos relacionados con la fotografía a personas. Una sesión fotográfica. La relación fotógrafo – modelo Al retratar personas no alcanza el captar el aspecto físico de una persona. para que un retrato sea bueno, la fotografía también deberá mostrar algo de carácter y de la personalidad de esa persona. Conseguir esto no es fácil como parece, y solo puede lograrse estableciendo una relación de confianza con quien posa, de lo contrario la persona no se encontrara relajada y el retrato parecerá forzado y poco natural. Con los amigos y la familia normalmente no hay problema, pero con desconocidos y gente que se inhibe delante de una cámara el fotógrafo debe esforzarse para generar su confianza y lograr que aparezcan relajadas y cómodas en la foto. Hay algunos trucos para lograr esto. Si es una sesión fotográfica planificada es conveniente tener montada la cámara en un trípode en el lugar donde se van a realizar los retratos y tener todo listo y preparado antes de dar comienzo a la sesión. Luego, no hay que comenzar a disparar inmediatamente, sino lograr que el modelo se sienta como en su casa, muy cómodo. Esto se puede hacer con una charla amigable. Cuando comiences a sacar fotografías recuerda que esto interrumpa la conversación, ya que este suele ser el momento que la gente se pone más nerviosa. Consejo* Tomen un descanso de 5 minutos cada 20, y tras una hora den por concluida la sesión fotográfica. Ese tiempo debería ser más que suficiente para captar todas las fotos que requieras. La cámara. El modo semiautomático de primero planos resulta adecuado, ya que fuerza a la cámara a sacar la foto con ciertas características convenientes, por ejemplo una máxima apertura para desenfocar el fondo.

Un fondo simple y desenfocado ayuda a central la mirada en la modelo.

Se recomienda utilizar algo de zoom, (de 50mm a 85 o incluso mucho más). Esto tiene varios objetivos: • No se corre el riesgo de deformar al modelo (en el capitulo de los 28 mm contábamos como esta distancia focal deforma los objetos cercanos al lente. los 35 mm y fotografiar a corta distancia pueden lograr este efecto no deseado). • En cuancto a los modelos se inhiben, el zoom permite guardar distancia entre el fotografo y quien posa. • La perspectiva que aportan los teleobjetivos son muy buenas para los retratos. Mas abajo te explicaremos por qué. La iluminación. La luz como siempre es el factor más importante. Una luz suave y difusa es generalmente la mejor y la que más favorecerá al modelo, aunque hay ocasiones en las que una fuerte iluminación lateral dará buenos resultados. En interiores. Si as fotos son en interiores, asegúrate que la habitación se encuentre correctamente iluminada y coloca al sujeto al lado de una ventana, ya que la luz que se filtra lo favorecerá: La luz de ventana proporciona una iluminación suave, difusa y natural. El modelo puede estar de pie o sentado, pero haz que tres cuartos de su cara estén iluminados por la luz exterior. Si entra luz directa del sol esta se puede difuminar con una cortina o cualquier tela delgada. Recuerda que parte de la cara quedará en sombras, si esto no nos favorece, puedes rebotar algo de la luz mediante un reflector para suavizar las sombras. Cualquier tipo de superficie blanca servirá para reflectar la luz. Mueve el reflector hacia delante y atrás para variar la intensidad de la luz de relleno. En exteriores. Si las fotografías son al aire libre, evita que el modelos pose mirando hacia la fuente de luz para no salir con los ojos rojos entrecerrados, y evita situaciones de luz directa muy fuerte o sacar las fotos a contraluz, como explicábamos en el capitulo 6. La luz calida de la mañana o de la tarde es la mejor. Los dias parcialmente nublados también son buenos. Si no te queda otra opción que sacar las fotos a mediodia y con pleno sol, saca las fotos con luz de costado o lleva a tu modelo a un lugar con sombras, y de ser necesario utiliza el flash para disminuir las sombras fuertes, eliminar las sombras que proyectan los rasgos de la persona y para dar un atractivo brillo a la mirada, un reflector portátil y pequeño resulta ideal para reflejar la luz en la cara. También, asegúrate de que el fondo no sea demasiado brillante. Experimenta con varios tipos de luz, así experimentaras los efectos que producen. De este modo, cuando se te presente una situación particular sabrás como actuar.

Un día parcialmente nublado resulta ideal, las sombras son marcadas sin embargo no son demasiado fuertes.

Jugar con el encuadre y el fondo. Dependiendo de la composición que decidamos hacer el modelo ocupara todo el encuadre (en un primer plano) o una buena parte de este. Si se requiere hacer un primer plano nuestro sujeto debe ser lo único que llame la atención. Por esto es recomendable elegir un fondo sin nada que se destaque demasiado, o quitarle importancia sacándolo de foco, esto se hace disminuyendo la profundidad de campo, como veíamos en el capitulo 10. Nota.- Utilizar zoom ayuda a disminuir la profundidad de campo, pero tambien ‘acerca’ el fondo al modelos, haciendo mas ‘chata’ la imagen, se debe tener cuidado con esto. Ángulos. Lo mejor será observar al modelo desde varios ángulos a través del visor: de perfil, de tres cuartos, de frente, inclinando la cabeza, etc. Fijarte en como se describe la cara del sujeto en cada punto de vista y cual le favorece mas. Por ejemplo: • • • •

Una nariz prominente se alarga en una pose de tres cuartos, sobre todo con un objetivo normal o un gran angular (lo que contábamos antes de la deformación que producen). Una cara redonda puede quedar demasiado redonda en un retrato frontal. Si el sujeto tiene papada pídele que levante un poco la cabeza. Y si lleva anteojos (gafas) desactiva el flash o pídele que se las saque para evitar el reflejo en los cristales.

Con un buen dialogo el modelo cooperará, a ambos les interesa encontrar los mejores ángulos.

Retratos ambientales. En ocasiones el lugar donde una persona vive o trabaja nos puede contar mucho sobre esta. Utilizar este entorno puede resultar interesante, sumando mucho a la foto. En un retrato ambiental se trata de fotografiar a una persona en su medio, plasmando en la foto una parte de su vida. Por ejemplo, un pescador con su red, con su barco, o un piloto sentado en la cabina del avión. Por esto, este tipo de retratos no suelen ser de primer plano sino que normalmente abarcan el espacio que rodea a la persona. En este tipo de foto si se puede utilizar un gran angular. Una ventaja de este tipo de fotografías es que el modelo se sentirá más cómodo en su ambiente, haciendo más fácil obtener un retrato natural.

En este tipo de fotografías se pueden aplicar todas las reglas de composición vistas, como la regla de elemento de marco

Nota* Hay que tener en cuanta que un retrato ambiental no tiene porque ser serio. Poner algo de humor y dejar que el sujeto fotografiado haga algo inesperado puede funcionar bien. Una fotografía de acción puede ser más interesante que una estática. Retratos espontáneos Este tipo de retrato es quizás el mas fácil de tomar, por que no se requiere de ningún tipo de planificación. Todo lo que se requiere es tener la cámara en mano y los ojos abiertos, estar a la caza de una imagen interesante y actuar con rapidez cuando esta aparezca. Las fotos con espontaneidad sueles producir imágenes mucho más reveladoras o naturales que las que se consiguen con retratos tradicionales. Como las personas no saben que van hacer retratadas se comportan con total naturalidad.

Para practicar la fotografía espontánea busca lugares llenos de gente diversa, como una calle transitada, una fiesta o cualquier tipo de acontecimiento social. Pero no se trata de rodearte de la multitud y comenzar a sacar fotos y fotos, sino esperar el momento más oportuno, aguardar a que el sujeto elegido se encuentre en la postura adecuada. Además, el sujeto no se debe dar cuenta que es fotografiado. Para practicar comienza con amigos o familiares, tratando de que se den cuenta que son fotografiados. Averigua con cuanta frecuencia logras tomar una foto sin ser descubierto. En este tipo de fotos un zoom muy alto te resultara muy cómodo. De esta manera no hay necesidad de acercarse a los sujetos ni de desplazarse mucho. Ten en cuenta que si las condiciones lumínicas no son muy buenas, el zoom podría hacer que la fotografía salga subexpuesta. Truco* Las cámaras digitales son lentas en realizar el enfoque, haciendo foco manual con un foco de 5 metros lograras que todo lo que esté por sobre 5 metros salga en foco, reduciendo al mínimo el retraso entre el disparo y la realización de la fotografía. Pruébalo. Niños. Por último los niños, que constituyen en si un tipo de fotografía diferente. Los niños pequeños están acostumbrados a que les tomen fotos y son totalmente espontáneos. Su repertorio es interminable, cambiando de expresión en muy poco tiempo: en un momento un niño estará sonriente, al siguiente estará pensativo y un minuto después tal vez empiece a llorar. No hay que esperar demasiado para conseguir una foto estupenda, simplemente obsérvalo mientras juega y estate listo para cuando la oportunidad se presente.

En vez de estar de pie lo mejor es ponerse a su altura, las fotos salen mejor y se evita que el niño tenga que mirar hacia arriba. Nota* A los niños les es difícil mantener la concentración, así que no pretendas que estos posen durante mas de un minuto, ya que comenzarán a mostrarse inquietos o aburridos. Lo mejor es dejarles hacer lo que quieran y esperar el momento adecuado. Tarea. Practica la fotografía a personas, obtén fotografías del tipo que quieras (primeros planos, retratos ambientales, espontáneos o a niños). Saca varias fotografías. Selecciona las dos mejores.

Anexo 1: Construcción de un reflector portátil. Este es un pequeño invento que he realizado. En el capitulo 6. La luz vimos que había tres maneras de evitar en días muy soleados que nuestras fotos salgan con grandes contrastes entre las zonas claras y oscuras, o directamente sub. y/o sobre expuestas: Posicionando al sol de costado, utilizando un reflector o el flash de la cámara. Conseguir un reflector es muy fácil, cualquier superficie blanca que refleja la luz, es cuestión de posicionar esta superficie en forma de que refleje la luz hacia el sujeto. Esto funcionara como una luz difusa, resaltando la tridimensionalidad y usualmente generando una iluminación mucho más agradable. El problema es que uno nunca cuenta con reflector cuando lo necesitaría, no es posible llevar una plancha de polyfoam (también llamado tergopol o anime, como las que se usan para hacer maquetas) junto con la cámara cuando uno sale. Quería tener mi propio reflector, algo lo suficientemente pequeño y cómodo como para que sea practico llevarlo en todo momento con mi cámara, a la vez suficientemente grande como para reflejar suficiente luz. Existen reflectores comerciales, pero su precio parte de los 100 dólares, también quería algo económico… entonces se me ocurrió fabricar mi propio reflector plegable: Algo que al estar plegado mide unos 20 cm. de diámetro y solo unos mm. de ancho, con lo cual entra cómodamente en mi mochilita:

Se despliega solo, como si fuese un resorte:

Quedando un disco plateado de 52 cm. De diámetro.

Suficiente tamaño para reflejar abundante luz (no para iluminar una casa o automóvil, pero si a una persona o un objeto de menor tamaño). Los materiales y el costo. Muy económico, ya verán:

Bolso porta ropa, lo venden plegado (de ahí saque la idea… y el material principal) Costo: 2 dólares

Tela plateada y tela de color blanco. Costo. 3 dólares Costo total del reflector: 5 dólares. Preparación. Desarme el canasto, tiene 4 aros metálicos que le dan forma. Utilizo uno, quedándome los otros tres para algún reflector futuro.

El aro tiene secci贸n rectangular, es lo que le permite plegarse y a la vez mantener su forma:

Cortamos las telas a la medida del aro (mas 1.5 cm. Mas a fin de coserlo)

Se cose, y listo! Aqu铆 esta junto al cesto de ropa (compre otro para reemplazar el que asesine)

El reflector es de un lado plateado y del otro de tela blanca, esta también sirve pero de menor intensidad, con luz mas difusa. Solo hice una prueba, mas adelante haré algunas más: La siguiente foto es de una planta, sacada en modo automático en un día soleado. Las áreas oscuras están bastante oscuras.

Utilizando el reflector la imagen sale menos contrastada que la primera, y mantiene la sensación de tridimensionalidad y realismo. 85

Esta es la misma foto pero con la utilización del flash, las áreas oscuras salen mas claras pero la imagen pierde la sensación de tridimensionalidad y realismo.

Por ultimo, existen muchas otras variantes. Esta resulto muy económica y fácil de armar, pero por ejemplo se pueden utilizar los parabrisas que se ponen en los autos a fin de que no se calienten, hay algunos plateados y que se pliegan de manera similar a este invento casero. Introducción.