Brain & Art Catalogo de arte
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Tabla de Contenido Luis Caballero | Cuadros de “La Violencia”…………....Pag 3 Vang Gohg | “Noche Estrellada”………………………...Pag 4 Eduard Munch | “El Grito”……………………………....Pag 6 Gregorio vásquez de arce y ceballos | “El Juicio”….........Pag 8 Alejandro Obregon | “El Condor”……………………....Pag 10 Fernando Botero | “Donna nel bagno”……………….....Pag 12 Álvaro Barrios | Sin Título……………………………...Pag 13 Diego Velazquez | “las Meninas”…………………….....Pag 14 Beatriz González | “Mr. American”……………………..Pag 16 Gustavo Zalamea | “Naufraguio”……………………….Pag 17 Da Vinci | “la Ultima Cena”………………………........Pag 19
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En las obras de “violencia” de Luis Caballero se puede apreciar una serie de cabalidades en las cuales a su semiotica imponen unos parametros con el el tiempo y trayedctoria pudo desarrolar por completo en su labor como artista, caballero al comenzxar a estilizar de sierta manera las obras artisiticas implemento una serie de intervalos o parametros semioticos los cuales dan alucion a su concepto es por tanto que tenemos como tal el resultado de su analisios como el siguiente sobre esta coleccion, Violencia fue uno de los mas controverciales y representativas obras de este artista puesto que en el se dennota en una primera instancia
Luis Caballero | Cuadros de “La Violencia” su tensio en el planteamiento de la grafica de su obra, con la tonalidad de colores que dramatizan sus caracteres y trasos que aluden a las posiciones de desespéracion es por tanto que el respresentaba basicamente una sintesis grafica con la que logro cometerse a si mis-
mo como un expresionista no solo de cuerpos y desnudso si no mas halla de un concepto, si se ven los cuadros se puede ver que los personajes enmarcados son de caracter dramatico y que conforman una tencion no solo por su pocicion por su trzo si no por su paleta de colores disopuesta por el artista para dejar este ambiente que tensiona a la sociedad con ver lo que quiere expresar
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Vang Gohg | “Noche Estrellada”
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ay el cielo nocturno llena de nubes con movimiento giratorio rápido, estrellas ardiendo con su propia luminosidad, y una luna creciente brilla. Aunque los rasgos son exagerados, esto es una escena podemos relatarnos, y también una que hace la mayoría de individuos se siente có-
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modo. El cielo mantiene el movimiento en los ojos de la audiencia, siguiendo las curvas y creando una imagen punto a punto con las estrellas. Este movimiento capta la audiencia mientras que los otros rasgos tienen efectos también. Abajo de las colinas onduladas del horizonte hay un pueblo pequeño. Hay una esencia tranquila circulando con fluidez de las estructuras. Quizás los colo-
res oscuros y fríos, y las ventanas ardientes provoquen memorias de nuestro niñez, llenas de la curiosidad de lo que existe en la noche y en el cielo con las estrellas. El punto central del pueblo es la aguja de la iglesia reinando principalmente sobre los edificios más pequeños. La aguja proyecta un sentido de estabilidad en el pueblo, y también crea un sentido de tamaño y aislamiento.
A la izquierda de la pintura hay una estructura enorme y oscura que desarrolla un sentido más grande de tamaño y aislamiento. Esta estructura es magnifica en comparación a la escala de otros objetos en la pintura. Las curvas de las líneas reflejan las del cielo y crean la sensación de profundidad en la pintura. Esta estructura también permite que la audiencia interpreta la pintura desde su propia perspectiva. De una montaña a un arbusto frondoso, el análisis de esta formación es ancha y llena de variedad.
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sta Pintura contempla la deseperacion de el artista con el cual se expresa abiertamente el sentimiento de angustia el cual lo refleja en la forma de trasos y el trastorno de perspectiva al cual se alude, se puede dar avidencia de esto por las sigueintes caracteristicas. En ultimo plano se tiene unas lineas las cuales aluden al cielo con forma curvas y con tonos calidos, a su ves, en el horizon-
Eduard Munch | “El Grito� te se marca la linea de horizonte valga la redundancia con esta linea se hace un agotamiento de perspectiva por parte de un enga;o al ojo en la cual el lago se fusiona en su entorno con las montanas sobre la linea de horizonte. la perspectiva se recupera de manera eficient e
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en la implementacion de el puente el cual tiene una denotativa perspectiva y en la cual se evidencia la profundidad de el cuadro a su ves tenemos el lago en el cual se ve una serie de curvas por las cuales se da el efecto de perdida de perspectiva y apesar de su intento por recuperacion en el cuadro se alude a la profundidad puesto que el perso-
naje principal borra cualquier intento por evitar la perdida de la profundidad. y por ultimo tenemos al personaje el cual conserva de igual manera el estilo curvilinea de el autor: el personaje ademas de que geometricamente cumple con pocas caracteristicas de la figura humana y su anatomia, se evidencia que es un ser humano, por cuanto da una impresion exagerada de la figura canonica de el mismo, siendo este su principal elemento.
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Gregorio vásquez de arce y ceballos | “El Juicio” Gregorio vásquez de arce y ceballos siempre pinto de manera tal que fuera ereconocible su pincelada y mas aun sus trasos, como se evidencia en esta pintura el la cual se da alucion a el juicio final y se destaca una iconografia como la siguiente.
emana la salvación y de la segunda las virtudes. Los santos fluidos del cuerpo eran fundamentales para la salvación.
3 Santo Domingo y los dos atributos que lo identifican: en sus manos sostiene el rosario que le entregará a la Virgen y la estre1 El cuerpo resucitado del Cris- lla que le apareció en la frente el to crucificado, marcado por las día de su bautizo, que significa llagas del sufrimiento en ma- la guía que ilumina las almas. nos, pies y costado, remite a las virtudes de la resignación, la paciencia y el sufrimiento. El gesto del brazo derecho de Cristo señala aprobatoriamente a los salvados. 2 La Virgen tiene desnudo el pecho derecho, lo que representa la relación entre la sangre de Cristo y la leche de la Virgen. De la primera
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4 Tres santos franciscanos, orden que encargó el cuadro: Francisco de Asís, con el estigma en el pecho; Santa Clara, con la custodia y la hostia consagrada y San Francisco de Paula con el fuego de la caridad encendido en su corazón. 5 San José, a la derecha de Cristo, con sus herramientas de car-
pintero. A su lado, San Agustín sostiene el corazón flamígero en su mano derecha, mientras Ignacio de Loyola sostiene el símbolo de su orden contra el pecho. 6 Santa Teresa sostiene la flecha que le atravesó el corazón y que representa la Transverberación y San Juan de Dios, la corona de espina sobre su pecho, suceso místico que el santo experimentó cuando la Virgen y san Juan le impusieron sus manos.
cas obras firmadas por Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos (1638 -1711), uno de los principales pintores de la Colonia neogranadina. Solo 32 pinturas de las cerca de 900 atribuidas tienen su firma.
7 El ángel sostiene un libro que dice “Juzga Señor según tu magna misericordia”, mientras que al otro lado el demonio tiene la sentencia “Juzga Señor según tu recta justicia”. Misericordia y justicia, dos calidades del Juicio Final. 8 Los cuerpos de los condenados, en siluetas negras en la extrema derecha del cuadro, teatralizan las prácticas disciplinaria del cuerpo. Las llamas purificadoras y la presencia de los demonios, cierran el círculo de la condenación eterna. 9 Una de las pocas representaciones coloniales de un espíritu o demonio súcubo, aquel que tomaba forma de mujer para tentar a los hombres. Tiene las características hermafroditas, típicas de este tipo de representación. 10 Esta es una de las muy po-
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Alejandro Obregon | “El Condor”
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bregón acentúa aún más la síntesis geometrizante en sus composiciones, bajo el decidido influjo del cubismo sintético, contemplado en especial desde la sensible mirada de Braque: talla las formas en pulidas facetas, aplana los volú-
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menes, uniformiza las parcelas cromáticas, aplica los pigmentos en capas lisas y uniformes, y termina por ensamblar, a modo de caprichosos rompecabezas geométrico-cromáticos, los cristalinos fragmentos de esos objetos estenográficos y de ese distorsionado espacio. Al yuxtaponer y solapar con firmeza estos fragmentos multicolores, el artista obtiene a la postre una
composición decorativa de sólida vertebración y vigorosa consistencia constructiva. a este autor se le puede adicionar un dato curioso como segundo lugar, desde el punto de vista del contenido, los objetos simbólicos, más o menos universales, que arrastra el artista desde Francia (flores, palomas, naipes, copas, corazones, peces,
martillos, tenazas, candados, llaves) irรกn siendo substituidos poco a poco por otras imรกgenes mรกs propias del รกmbito latinoamericano (cรณndores, barracudas, alcatraces, garzas, iguanas, volcanes, eclipses).
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Fernando Botero | “Donna nel bagno”
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e caracteriza por la interpretación que da el artista a diversas temáticas universales (el ser humano, la mujer, el hombre, sus sentimientos, pasiones, dolores, creencias, vicios, costumbres, su cotidianidad, sus relaciones interpersonales, mitos, leyendas, manifestaciones culturales, así como dramas , acontecimientos y personajes históri-
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cos, sociales y políticos, hitos del arte, hasta objetos, animales, paisajes y la naturaleza en general), con una volumetría exaltada, que impregna de un especial carácter tridimensional, así como de fuerza y sensualidad a la obra, junto a una concepción anatómica particular, una estética que cronológicamente podría encuadrarse entre los años treinta a cuarenta en occidente, en temáticas que pueden ser contemporáneas o pasadas, pero con vocación
universal, con un uso vivaz y magistral del color al estilo de la escuela veneciana renacentista y finos detalles de crítica mordaz, ironía y sutileza.
Álvaro Barrios | Sin Titulo
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na figura antropomorfa, demarcada por un trazo negro, atribuyendo diferentes valores de línea, en promedio de un gran calibre. El manejo de la gama de color, pasa principalmente por el uso de colores primarios y la presencia de uno secundario (naranja); zonas planas de color limitados por los trazos… el uso de una línea negra fuerte y marcada, y el interior de colores planos con una ligera insinuación de tramado En principio, observamos tres personajes, a la izquierda, sosteniendo lo que aparece un orinal… viste de negro, excepto el sombrero, azul de franja negra y de insignia amarilla,
se encuentra de pié frente a una puerta al parecer de vidrio que se encuentra abierta, y observa con cierta atención al personaje situado en primer plano. Este, situado no en el centro de la imagen, sino un poco hacia la derecha, viste de traje y sombrero amarillo( el cual tiene una franja negra), camisa blanca y una corbata roja de franjas negras, nuestro personaje observa y mantiene en alto, flexionado su brazo izquierdo, mientras la manga tensada, revela un dispositivo de muñeca, desde el cual nace un bocadillo de cómic, de forma irregular y fragmentada… a la derecha de nuestro personaje principal, se encuentra un tercero, vestido de la misma
forma que el primer sujeto analizado, observa en el fondo de la escena algo… por último en el borde inferior, nos es revelada la identidad del artista y el año en que se realizó la obra.
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Diego Velazquez | “las Meninas”
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n Las Meninas destaca su equilibrada composición, su orden. La mitad inferior del lienzo está llena de personajes en dinamismo contenido mientras que la mitad superior está imbuida en una progresiva penumbra de quietud. Los cuadros colgados de las paredes, el espejo, la puerta abierta del fondo son una sucesión de formas rectangulares que forman un contrapunto a los sutiles juegos de color que ocasionan las actitudes y movimientos de los personajes.43 La composición se articula repitiendo la forma y las proporciones de los dos tríos principales (Velázquez-Agustina-Margarita por un lado e Isabel-Maribarbola-Nicolasito por otro) Velázquez fue un maestro en el tratamiento de la luz. Iluminó el cuadro con tres focos luminosos independientes, sin contar el pequeño reflejo del espejo. El más importante es el que incide sobre el primer plano procedente de una ventana de nuestra dere-
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cha que no se ve, que ilumina a la Infanta y su grupo convirtiéndola a ella en el principal foco de atención. El amplio espacio que hay detrás se va diluyendo en penumbras hasta que en el fondo un nuevo y pequeño foco luminoso irrumpe desde otra ventana lateral derecha cuyo resplandor incide sobre el techo y la zona trasera de la habitación. El tercer foco luminoso es el fuerte contraluz de la puerta abierta en la parte frontal del fondo donde se recorta la figura de José Nieto y desde donde la luminosidad
se proyecta desde el fondo del cuadro hacia el espectador, formándose así una diagonal que lo atraviesa en sentido perpendicular. El entrecruzamiento de esta luz frontal de dentro a fuera y las transversales aludidas, forma distintos juegos luminosos de inclinaciones varias de arriba hacia abajo o de derecha a izquierda, creando una ilusión de planos superpuestos en profundidad de gran verosimilitud. Esta compleja trama luminosa llena el espacio de sombras y contraluces invitando al espectador a mirar cada detalle en
vaivén por todo el cuadro. Sistemáticamente Velázquez busca neutralizar los matices destacando solo algunos elementos para que la intensidad cromática no predomine en general. Así en el grupo de personajes principal, sobre una capa ocre solo destaca algunos matices grises y amarillentos en contraposición a los grises oscuros del fondo y de la zona alta del cuadro. Ligeros y expresivos toques negros y rojos más la blancura rosada de las carnaciones completan el efecto armónico. Las sombras se emplean con determinación y sin vacilar, incluyendo en ellas el negro. Esta idea de neutralizar los matices predomina en su arte, tanto al definir con pocos y precisos trazos negros el personaje a contraluz del fondo, como cuando obtiene la verdadera calidad de la madera en la puerta de cuarterones del fondo, o cuando siembra de pe-
queños trazos blancos la falda amarillenta de la Infanta o al sugerir sin ni siquiera intentar dibujarlo su ligero pelo rubio
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Beatriz González | “Mr. American”
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e esta manera estos trabajos de pequeño formato, con un trazo preciso y continuo dan cuenta de las propiedades de la línea que según la presión que ejerza la mano sobre el lápiz y el papel la hacen más ligera y delgada, o más oscura y pronunciada. Así mismo la imagen que resulta de este recorrido lineal da cuenta de la fisonomía de los personajes y
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de los hechos que sucedieron en un momento específico de nuestra propia historia. con el aplanamiento de la figura ella delimitaba categorixzalmente lo que se puede ejercer como fighuratismo geometrico siendo este una sintesis grafica de los denotadoc omo principal argumento sobre la evolucion artistica de ella, siendo este el ´principal caracter en sus pinturas en las
cuales daba una propuesta muy minimalñista para la epoca, siendo ella pionera en al que se eventualizo una serie de bases para el desarollo artistico posterior colombiano
posibilidades de juego, donde la tarea es entonces ir encontrando las conexiones precisas para hacer visibles ciertos trayectos apoyado en la sensibilidad y la fragilidad: las copias, los calcos, los esbozos, las notas, los diagramas, los bocetos de composición son mínimas huellas luminosas, testimonios de una labor cotidiana que no sólo tiene en cuenta los conocimientos ya probados, sino que incluye también nuevos ensayos e incluso experimentos infructuosos. Sin ninguna pretensión de intemporalidad, aparentemente insignificante, la letra pequeña, el vocabulario del dibujo, puede escribir también el más hondo sentido
Gustavo Zalamea | “Naufraguio”
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n él se puede apreciar una manera peculiar de dominar el espacio blanco del papel que se hizo evidente desde sus obras más tempranas. Ese dominio del plano y esa destreza mental con la línea se constituyen en los elementos que lo convierten en un gran dibujante que está presente cuando diagrama y cuando compone sus enormes pinturas con óleo sobre tela.
Le gusta pensar en el dibujo como un acto que va definiendo un territorio construido a partir de series de referencias: es decir que establece un mapa de relaciones. Decir mapa es remitirse a un ensamblaje gráfica y la grafica es para mí, en sus múltiples formas, una base fundamental del trabajo de organización y comunicación. Decir territorio es abrir un entramado vivo, inagotable en sus
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Da Vinci | “la Ultima Cena”
eseus se sitúa en el centro, hacia el que convergen todas las líneas de fuga, destacando aún más al perfilarse contra el ventanal del centro, rematado con un arco y separándolo de los apóstoles. A ambos lados de Jesucristo, aislados en forma de triángulo y destacados con colores rojo y azul, están los apóstoles, agrupados de tres en tres
el espacio del refectorio como si fuera un trampantojo salvo por la diferente altura del punto de vista y el monumental formato de las figuras. Ello se logra a través de la representación del pavimento, de la mesa, los tapices laterales, las tres ventanas del fondo o, en fin, los casetones del techo. Esta construcción en perspectiva es lo más destacado del cuadro.
La mesa con los trece personajes se enmarca en una arquitectura clásica representada con exactitud a través de la perspectiva lineal, concretamente central, de manera que parece ampliar
La escena parece estar bañada por la luz de las tres ventanas del fondo, en las que se vislumbra un cielo crepuscular, de igual manera que por la luz que entraría a través de la ventana verdadera del refectorio. Dicha luminosidad, así como el fresco colorido, han quedado resaltados a través de la última restau-
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ración. Los 12 Apóstoles están distribuidos en cuatro grupos de 3. De izquierda a derecha según las cabezas, son: Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés en el primer grupo; en el segundo Judas Iscariote con pelo y barba negra, Simón Pedro y Juan, el único imberbe del grupo; Cristo en el centro; Tomás, Santiago el Mayor y Felipe, también sin barba en el tercer grupo; Mateo, aparentemente sin barba o con barba rala, Judas Tadeo y Simón el Celote en el último.
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