A&D by Sergio Salazar

DISTOPIAS de

HELNWEIN 14 WEART BARCELONA/MATHIEU LEHANNEUR/ WANG ZI WON/SANTIAGO GUERREO/100 Aﾃ前S SIN POSADA/RETROSPECTIVA/DOCENTES ARTE

EDITORIAL

La revista Arte & Diseño es una publicación semestral perteneciente a la Facultad de Arquitectura, Arte y Diseño de la Universidad Autónoma del Caribe y, en tanto tal, ha sido concebida como el órgano formal de divulgación del conocimiento, de la pedagogía, la enseñanza, la comunicación y la aplicación del diseño y la comprensión del entorno, tanto en el ámbito de producción de ese conocimiento al interior de la Facultad y de la Universidad, como su ámbito externo.

A partir de la Edición de Arte & Diseño correspondiente al Volumen 10 – Número 2 (Julio – Diciembre 2012), los artículos utilizarán las normas desarrolladas por la Asociación Americana de Psicología, o normas APA -por su sigla en inglés-, para establecer el contenido, estilo, edición, citación, referenciación, presentación de tablas y figuras, y demás aspectos relativos a la presentación y estructura de los artículos.

COLABORADORES

Editora Diana Fabiola Lazo Landivar (1)

Diseño y diagramación Sergio Salazar Palomino(2) Fotografía Sergio Salazar Palomino(3) Aarón Otero Sheel (4) Alejandra Naganoma (5) Cynthia Guzmán Carpio (6) María Victoria Casas Salazar (7) Lisset Tubilla (8) Editor de texto Max Gutiérrez Saavedra (9)

Redactores Jorge Luis Lazo Meza (10) Elizabeth Choquehuanca (11) Jessica Díaz (12) Rosa María Holstein Bustamante (13) Jeannet Tassara De La Cruz (14) Renán Ramírez (15) Edith Soria Valencia (16) Rosario Cordero (17) Katia Félix Ramos (18) Ricardo Bazo (19) Claudia Carcelén (20) Roxana Tenorio (21) Liz Llanos (22) Jessica Vela (23) Oscar Limache (24) Martín Olivera (25)

FACULTAD DE ARTE/10

PINTURA/14

DISEﾃ前 GRﾃ：ICO/26

GRABADO/30

DISEﾃ前 INDUSTRIAL/18

ESCULTURA/22

RETROSPECTIVA/34

DOCENTES ARTE/42

ARTE

Escrito por

CARLOS GONZALES - Pintor

Profesor de la especialidad de Pintura

WEART FESTIVAL

BARCELONA

Acción del hombre. Ansia de eternidad. Ejercicio lúdico de abandono carnal. Elevación de religión pagana. Arte y sexo son lo mismo desde el inicio de la conciencia.

Et erciam facesti demo estem faciass impore int ulpa serferitatur mi, comniet et fuga. Ciatusapere maio. Itatiis cor am ressinciant, tem non porporro consecuptae dolestis dolectur accaboreptat porrum cuptatem

WeArt Festival nace una tarde de café en el Born, barrio del casco antiguo de Barcelona de reconocida riqueza artística dónde habitan percepciones originales. Así comenzó todo, cuando decidimos comprometernos y trabajar en equipo… desde ese momento ya no éramos una, “éramos nosotras” y nombramos a nuestro proyecto WeArt Festival. De ésta forma, en un contexto económico y político depredativo de muchas iniciativas culturales, WeArt Festival surge del deseo de poner el arte contemporáneo a disposición de aquellos que estén necesitados de discursos alejados del apolillado ‘mainstream’. El proyecto, nace para dar la oportunidad de facilitar la visibilidad de artistas que trabajan con obra capaz de dialogar con sus receptores. Por lo tanto, creaciones que quepan dentro de conceptos insinuantes. El equipo está trabajando para que WeArt Festival sea sostenible y pueda plantear una cita anual. De ésta forma, sacando al escenario un concepto revoltoso una vez al año.

Gráfica para el afiche de WEART DESIGN 2012-

WeArt Festival entiende que vivimos un cambio radical de paradigma en el que asistimos a la hibridación de lo que tradicionalmente se ha delimitado en disciplinas. El proyecto, engloba las áreas de New Art Media, Street Art-Graffiti, Fotografía, Ilustración y Artes plásticas. En ésta era multi-plataforma, en la producción artística y la relación con el espectador, las preguntas y la experiencia cobra protagonismo frente al producto y su exhibición. La intención de presentar este evento multidisciplinar pasa por querer producir cultura desde una perspectiva disruptiva. Aunque Barcelona es su lugar de nacimiento y marco de su segunda edición, se proyecta que el festival pueda ser replicable a otros terrenos. Para ello, sus miembros

Secuencia de fotos de la exposición WEART DESIGN 2012.

sacrifican recursos propios con el objetivo de crear un espacio de difusión de artistas que puedan contribuir a aportar un mensaje sólido en un momento necesitado de reflexión. El equipo de WeArt Festival trabaja desde una dinámica colaborativa gracias a la potencia de la inteligencia colectiva. Su código fuente es incorruptamente transparente y está abierto a la contribución de semejantes. El colectivo WeArt nos consideramos agitadores culturales y pretendemos crear una plataforma capaz de instrumentalizar las obras ofreciendo un espacio de encuentro de saberes que posibiliten una narrativa transmediática. Creando un universo simbólico al servicio del panorama de arte contemporáneo internacional.

Revista de Arte y Diseño - Departamento de Arte PUCP

WEAR FESTIVAL 2012 Blancanieves se adentra en el bosque sintiendo cómo las ramas de los árboles van azotando suave y a veces no tan suavemente su blanca piel púber. Su ropa se desgarra ante los ojos del Lobo Feroz, cubierto sólo con una caperuza roja dios sabe sacada de qué antro de segunda mano donde seguramente cuelga aquella foto de Mapplethorpe de un sado con el ano negro visto. Desde la primera puerta del Infierno de Dante, ABANDONAD TODA ESPERANZA, siete enanos claramente surgidos del Kamasutra, ataviados como bellos visires que se acabaran de desataviar, sostienen a un marqués libidinoso que va vertiendo cera sobre la espalda de una pobre criaturita sometida. Desde el desquiciado quicio del bosque Blancanieves mira la escena, sabe lo que va a suceder y se prepara para TRASCENDER. (en el cielo que es fucsia, las tres GRACIAS han llegado por fin a entrelazar sus piernas y entonan mantras orientales mientras frotan, RESTRIEGAN, sus abiertas vulvas contra sus carnosas piernas, y son el SOL, y casi deslumbran). En el lugar donde se unen el pánico y el placer nacen sexo y arte. Sensual Pintura expuesta en WEART DESIGN 2012.

En el lugar donde se cruzan la carne más humilde y la inmortalidad absoluta arrancan a andar sexo y arte, de la mano, enredados como esos dos enanos que ahora atan sus cuerpos por la cintura con el gran pene del marqués de Sade ante la desaprobación evidente de Balthus. El cuerpo de la gorda matrona perteneciente al CLAN que acaba de erguirse para poblar la tierra es una vasija de enormes ubres que lo mismo sirve para elevarse amasando barro que penetrando carne. ¿Qué diferencia hay —se pregunta el HOMBRE antes aún de saber preguntárselo— entre recrear ese cuerpo en arcilla, ARTE, y lanzarlo al futuro, al universo, o recrear el universo en ese cuerpo, SEXO, poniéndolo a volar más allá de sí mismo, hacia el mismo futuro? Acción del hombre. Ansia de eternidad. Ejercicio lúdico de abandono carnal. Elevación de religión pagana. Arte y sexo son lo mismo desde el inicio de la conciencia. Gráfica propuesta para el WEART DESIGN 2013

The Disaster of War 19 (贸leo sobre lienzo)(2007)

PINTURA

Escrito por

CARLOS GONZALES - Pintor

Profesor de la especialidad de Pintura

Distopías de

HELNWEIN Mundos violentos e imágenes impactantes que sorprenden y aterran al espectador.

Graduado de la Universidad de Artes Plasticas en Viena, es pintor, fotógrafo y artista de performance austriaco-irlandés y maestro del reconocimiento sorpresivo. Le fue otorgado el premio de Master Class en la Universidad de Artes Plásticas en Viena, el premio Kardinal-Konig y Theodor-Korner.

Las distopías son reflejos de sociedades corrompidas en sí mismas, llenas de maldad y violencia. Estos mundos son totalmente opuestos a la definición actual de lo que podría ser considerado una sociedad ideal y por consecuencia moral en su accionar, que convive en paz y tranquilidad. Para Helnwein, reconocido pintor, fotógrafo y artista de performance, estas escenas sirven como su gran inspiración para crear imágenes con mensajes de advertencia llegando incluso a la sátira, para elaborar escenas con mensajes pos apocalípticos, que toman elementos

de un pasado que poco a poco parece desvanecerse de nuestras mentes. Gottfried Helnwein, nació en Austria el 8 de Octubre de 1948, a temprana edad fue testigo del fin de la Segunda Guerra Mundial, el pensamiento e ideales de la época, las cuales influyeron a sus padres y en especial a él: “Siempre supe que algo estaba realmente mal, pero cuando le preguntaba a mis padres nunca recibía respuesta”. Durante sus años de escuela nunca escuchó sobre lo sucedido en los años de la Alemania nazi ni la parte que jugó Austria en las construcciones y el exterminio judío.

Los Caprichos (técnica mixta) 2006

en su obra combina el sadismo con el erotismo Beautiful victim II (detalle) (acuarela) 1974

A pesar de vivir en un hogar de clase media y recibir educación estrictamente católica desertó de la escuela, inscribiéndose en el Instituto experimental para una instrucción gráfica. “Era la época de los Beatles y los Stones y todos querían tener el cabello un poco más largo, cerca de tus orejas pero sin tocarlas. Pero caminar en las calles con ese aspecto era propiciar que la gente te gritara “¡Hitler debe de volver y meterte en una cámara de gas!” Fue expulsado del instituto después de pintar un retrato de Hitler con su propia sangre, por lo que ingresó a la Academia de Arte de Viena: “La misma academia de la que Hitler fue echado tres veces, probablemente uno de los peores errores jamás cometidos, ¿Verdad?”. Curiosamente, Helnwein estudió con el único profesor en la Academia cuyo trabajo no era abstracto.

En sus épocas de estudiantes fue un alumno rebelde, que practicaba rituales al estilo performance o body art con la intención de utilizar la sangre y la violencia no sólo como protesta, tal vez recreando lo visto en sus primeros años de vida, sino con el intento de crear arte de vanguardia muy de moda en esos tiempos. Realiza su primer happening con pequeñas audiencias en las que se corta las manos y la cara con una navaja de rasurar. Participa en el incendio de la academia junto a dos compañeros, causando severos daños, por lo que es detenido y llevado por las autoridades a la investigación creyendo que el incidente tenía influencias políticas y sociales, ya que para ese entonces era sabida la admiración de Helnwein por Adolfo Hitler.

Revista de Arte y Diseño - Departamento de Arte PUCP

En 1972 recibe en premio “Kardinal König” por las primeras apariciones de Aktions, happening en el que Helnwein presentaba a niños “heridos” y torturándolos con pinzas por toda Viena en lugares públicos. Durante la exhibición de Viena “Künsterlhaus” (1974) en la cual muestra acuarelas de niños heridos se gana el rechazo de la opinión pública, por lo que varias personas ponen un manifiesto por fuera con la palabra “Entartete Kunst” (término del nazismo que significa arte degenerado) en estampas por toda la obra de Helnwein. En su apertura en la galería “D in Mödling” el alcalde de Viena confisca su obra. En 1988, para alejar en cierto modo lo manifestado en sus primeros trabajos y en algunos videos propios y entrevistas sobre su admiración a Hitler, realiza una exhibición con el tema de el recuerdo de “La Noche de los Cristales Rotos: de hace cincuenta años” para así opacar un poco su inclinación, el principio del Holocausto. Helnwein instala una exposición de cien metros en el centro de la ciudad de Colonia, entre el Museo de Ludwig y la Catedral de Colonia. Después de esto ha hecho exposiciones de gran envergadura en lugares públicos como una parte importante de su trabajo.

Gottfried Helnwein, a sus 65 años de edad, ha logrado colocar su nombre en el mundo artístico actual.

The Disasters of War 24 (técnica mixta) 2007

Escrito por

JOSÉ PEREZ - Diseñador Industrial - Profesor de la

DISENO INDUSTRIAL

especialidad de Diseño Industrial

MATHIEU LEHANNEUR La interacción entre el organismo y su medio ambiente aplicados al diseño industrial.

Egresado de ENSCI-Les Ateliers (Escuela Nacional de Diseño Industrial) en el 2001, Mathieu Lehanneur abrió ese mismo año su propio estudio dedicado al diseño industrial y la arquitectura interior. Ha trabajado para clientes como Sony, La poste, AirMineral, Cartier, Lasvit, Paco Rabanne, entre otros.

En la ùltima Feria Internacional del Mueble de Milàn, la empresa fabricante de aparatos de iluminación para hogares Fabbian Illuminazione presentó cuatro nuevas colecciones, con objetos de diseño diferentes, fabricados con cuatro materiales: madera, vidrio, policarbonato y metal, interpretadas en forma nueva y sorprendente. Se inspirarón en la biomímesis, que es la ciencia que estudia a la naturaleza como fuente de inspiración, teniendo como objetivo mejorar la calidad de vida de las personas, y teniendo en cuenta este concepto, cada vez más diseñadores están desarrollando productos para el

hogar que buscan imitar el funcionamiento o la estética del mundo natural. Tal es el caso de lámparas modernas que evocan elementos y fenómenos orgánicos, dándole al ambiente un aspecto alegre y positivo. En esta oportunidad nos enfocamos en el maravilloso trabajo de Mathieu Lehanneur, que nos muestra su último trabajo denominado Cloudy, que como su nombre lo dice está inspirada en la forma de las nubes y está disponible como lámpara colgante o de aplique tiene un difusor de cristal soplado blanco con sombra y estructuras metálicas de fundición de aluminio.

Mathieu Lehanneur contemplando su creación.

Lehanneur es un creador de objetos icónicos que resumen inmediato un tiempo, un lugar o una marca. Normalmente, cuando nos ponemos a observar las nubes se suelen buscar formas orgánicas, y las similitudes con objetos o seres vivientes. En este caso el proceso creativo se ha invertido: se trata de un objeto especial que, durante su creación, ha dejado todas sus potencialidades al descubierto. “¡Cloudy es una paradoja! – Explica el joven diseñador Mathieu Lehanneur - Esta lámpara se ha creado con moldes de acero extremadamente complejos que le han dado una ligereza casi mágica, una nube de vidrio fluctuante en el aire”.

Cloudy es un objeto - lámpara, por consiguiente, que del lápiz del diseñador hasta su ingenierización y realización se ha materializado en una nube ligera y evanescente.“Al mezclar el vidrio blanco y transparente, con LEDS de luminosidad elevada –explica Mathieu - ¡Cloudy se convierte en un rayo de luz después de la lluvia! La lámpara Cloudy encendida descubre toda la luminosidad y vuelve a evocar el resplandor de un sol radiante después de la lluvia. Esta es una lámpara de diseño que asocia un significado positivo de esperanza y optimismo. Cloudy, en la versión lámpara colgante o plafón, presenta un difusor de vidrio soplado blanco difuminado y estructuras metálicas de aluminio fundido a presión y se ilumina con luces LEDS de alta potencia. Después de ver este excelente trabajo, podemos observar que Mathieu Lehanneur que viene trabajando por 10 años para producir diseños que superan regularmente sus límites y llaman la atención de clientes de prestigio internacional, vuelve a realizar simplemente buenos y útiles objetos de diseño haciendo referencia a la historia natural más que el diseño de la historia, por lo que el usuario está por encima de todo, un cuerpo, un lugar de intercambio químico cuya fisiología es ser atendido para responder a sus necesidades, deseos o emociones.

Cloudy es un objeto-lampara muy bien realizado.

Revista de Arte y Diseño - Departamento de Arte PUCP

El material principal de Cloudy es el vidrio.

Cloudy como lampara de aplique

Cloudy como lampara colgante.

Cabe resaltar que Lehanneur abrió en el 2001 su propio estudio dedicado al diseño industrial y la arquitectura interior. Y muy pronto se ha venido desarrollando una verdadera pasión por las interacciones entre el organismo y su medio ambiente, los seres vivos y el mundo científico, todo esto inspirado por él y muchos otros diseñadores que se animarón a incursionar de esta forma. Este diseñador nos hace comprender que se trata de una exploración de las posibilidades naturales y técnicos que le permitan producir objetos que son igualmente funcionales y mágicos, así como extraños y agradables. Un reconocimiento intuitivo y muy real, a veces incluso colabora con científicos y médicos para inventar nuevas teorías ergonómicas, para cuando se enfrentan a desafíos concretos: a respirar mejor, dormir mejor, amar mejor, y vivir mejor”.

CLOUDY SE CONVIERTE EN UN RAYO DE LUZ DESPUES DE LA LLUVIA Cloudy evoca el resplandor de un sol radiante después de la lluvia.

ESCULTURA

Escrito por

MARÍA PINTO - Escultora

Profesor de la especialidad de Escultura

WANG ZI WON Escultura inspirada en la forma en la que la tecnología afecta a la existencia del hombre.

Graduado de la Universidad Anyang, Kyonggi-Do, de Artes Plasticas en Korea, es un escultor especializado en mecánica y física. En el 2005 le fue otorgado el primer premio en el Korean Art Fair.

Nosotros los humanos hemos explorado y discutido durante mucho tiempo como definir el “YO” y lo que esto significa. Esta definición y el significado del “YO” es ahora discutido intensamente dentro de la sociedad contemporánea. Investigaciones científicas en clonación, dispositivos mecánicos que se comportan como humanos, como los

cyborgs o los robots, avanzan con el desarrollo de la tecnología. Esta investigación en el desarrollo de inteligencias artificiales y tecnologías de clonación levantan controversias sobre el significado ontológico del ser humano. ¿Puede un “yo” clonado a partir de mis genes ser considerado un ser humano?, ¿Puede un cyborg poseer espiritualidad humana? De ser así ¿Como vemos el cuerpo humano? El trabajo del artista Wang

Zi Won emerge de estas cuestiones, en las que Wang ve la existencia de los humanos futuros desde una perspectiva diferente a la ansiedad y miedos de las distopías en las películas y en el arte. La obra de Wang empieza con el nacimiento de Z, un hombre mecánico. Se refiere a este hombre como una especie de post humano, apropiándose de su propio aspecto y denominándolo Z, como la primera letra de su nombre en inglés. Así surge la pregunta de si Z puede existir como ser humano, como un igual, o si se trata más bien de una maquina con el espíritu del artista separándose del cuerpo humano como un “yo” creado. Por supuesto, el artista concibe un futuro utópico en el que puede unirse a esta máquina de forma natural, pero debe ser aceptada por otros.

Itaquid ma dunte est fugiaec eribus equation.

El robot muestra un instinto humano que es difícil de aceptar entre los heterogéneos aspectos de otros, exclusividad, inclinación incestuosa y el conflicto derivado de esa disposición. A través de la experiencia, se da cuenta de que una maquina puede suplementar un cuerpo imperfecto, y existir como acompañante. En vez de realizar un alter ego con una individualidad distinta, el propio artista crea una maquina trascendental diferente de él mismo. Así, el “yo” desaparece y un nuevo “yo” se presenta. Itaquid ma dunte est fugiaec eribus equation.

Thousand hands(1998)

Revista de Arte y Diseño - Departamento de Arte PUCP

El artista considera importante escapar de la esclavitud humana para poder alcanzar armonía entre hombres y maquinas. Piensa, que esta armonía puede ser alcanzada a través de procesos religiosos y la iluminación espiritual. Arhat es un practicante espiritual del ascetismo, y Buda es un ser que alcanzó el más alto nivel de iluminación. A través de ellos, el artista pretende continuar ese camino de la iluminación, liberándose de la ansiedad, la agonía y el dolor. El artista no tiene intención de enfatizar las connotaciones religiosas a través de los iconos budistas, sino reflejar su propia o nuestra propia existencia entre utopía y distopía. Obra del Buda en movimiento.

A pesar de que el trabajo de Wang surgió de narrativas personales, ha extendido gradualmente su ámbito de trabajo hacia asuntos más serios de la existencia humana, mostrando sus interpretaciones así como una predicción de cambio en el significado ontológico humano e incluso en la actitud humana.

Wang Zi Won en su taller de escultura

El hombre maquina estaba basado en el propio Wang Zi Won, pero este “yo” no es un “yo” del pasado. Su propia existencia se desvanece, y un nuevo hombre como sujeto-maquina emerge. Z es por tanto un proceso para convertirse en el “yo” perfecto. El artista se refleja a si mismo en la maquina, transmitiendo su propia historia. A lo largo de este trabajo, Wang experiencia los límites y contradicciones del instinto humano. El futuro y completo “yo” es considerado aquí como un ser horrible. La obra va cambiando gradualmente a través de los cambios realizados en Z, que nacen de la imaginería budista que el artista presenta en: Kwanon Z, Buddha Z, y Source of Z.

en su obra combina el sadismo con el erotismo Ensamble de una de las esculturas de Wang.

DISEÑO GRÁFICO

Escrito por

PEDRO RUIZ - Diseñador Gráfico Profesor de la especialidad de Diseño Gráfico

SANTIAGO

GUERRERO Ilustración y diseño gráfico inspirados por la ciencia ficción futurista.

Estudió Diseño Gráfico e Industrial en la ciudad de Córdova en Argentina. Desde 1990, radicado en Buenos Aires, trabajó en Clarín, Editorial Perfil, Editorial Atlántida y la Asociación de Diarios del Interior (Revista Nueva).

En el reciente evento Andalaosa Diseñando realizado en la ciudad de Cordova, la exposición del diseñador e ilustrador Santiago Guerrero fue la que más capturo la atención de todos los asistentes, los cuales quedaron muy impresionados con su trabajo. Su estilo personal consiste en la utilización de elementos estéticos del retro futurismo y en emular digitalmente procedimientos técnicos de impresión propios de los años 50’s y 60’s, la intención del autor es proyectar una mirada hacia el futuro, lejos de la ciencia y del ideal imperante de evolución tecnológica. Por el contrario, se vale del absurdo, la abstracción y el ridículo para lograr una mezcla incorrecta, aparentemente incoherente de los lenguajes gráficos, que las comunicaciones visuales mas lineales, enfocadas a la venta de bienes o servicios, por lo general, no se permiten. Es a partir del 2008 que comienza a trabajar como diseñador e ilustrador free lance para varios clientes, deleitándonos con sus ilustraciones llena de colores, vibraciones y seres monstruosos.

Flyer para Casa Babylon (2008).

de chico queria ser astrunauta, viajar al infINITO EN UNA CAPSULA COMO LA DE CARL SAGAN (...) Luego de observar las ilustraciones de Guerrero, podemos entender su afición por la ciencia ficción futurista, tal como lo dice él mismo en una entrevista realizada en el 2011: “De chico quería ser astronauta, viajar al infinito en una cápsula como la de Carl Sagan, visitar a las chicas Pléyades, ajustar el cinturón de Orión y de paso enrolarme en la lucha contra las tropas imperiales o los Cylones, esos malhechores.

Afiche para Casa Babylon (2008).

Revista de Arte y Dise単o - Departamento de Arte PUCP

Programa para Casa Babylon (2009).

Portada para el diario el Clarin.

Afiche para Casa Babylon (2009).

Flyer para Casa Babylon (2009)

Escrito por

MIGUEL MARTEL - Grabado

Profesor de la especialidad de Grabado

GRABADO

100 AÑOS SIN POSADA 100 años sin posada, 100 años sin José Guadalupe Posada. La comparsa de la muerte vuelve en Aguascalientes.

El 2013 se conmemoran los 100 años de la muerte de José Guadalupe Posada, uno de los más reconocidos artistas plásticos de México. En los alrededores del Jardín del Encino se puede observar una comparsa singular, la “Catrina” vuelve a esta acompañada después de casi un siglo desde que perdió a su mayor admirador. La comparsa de la muerte vuelve a estar completa a su paso por las calles de la gobernación de Aguascalientes, México D.F., celebrando los 100 años desde el fallecimiento de José Guadalupe Posada, ilustrador, caricaturista y grabador mexicano. Su extensa producción gráfica, estimada en más de veinte mil grabados, realizados en litografía o planchas de metal, podría clasificarse como expresionista, puesto que recrea con extraordinaria imaginación, gran sentido humorístico y profunda capacidad crítica las lacras, miserias y prejuicios de la realidad social y política de su época. Su obra abarca múltiples temas, entre los que cabría destacar las célebres "calaveras" o imágenes de ultratumba; los "desastres", que comprenden catástrofes de tipo natural (inundaciones, epidemias, sucesos astronómicos, nacimientos de seres monstruosos), accidentes, hechos sobrenaturales, crímenes y suicidios; los "ejemplos" o lecciones morales que pueden extraerse ante la perversidad y bestialidad humanas; sucesos sociales y políticos, donde sobresalen las viñetas referidas a las ejecuciones y los "corridos" revolucionarios; los milagros religiosos; la serie denominada Don Chepito, que narra las desventuras de un solterón ridículo, una especie de antihéroe; así como las imágenes captadas de la vida cotidiana con inigualable precisión e intención certera.

Itaquid ma dunte est fugiaec eribus equation.

Afiche sobre la conmemoración de la muerte de Posada.

Manifestación a las afueras de Aguascalientes.

Posada fue considerado como un precursor del movimiento nacionalista en las artes plásticas por algunos de quienes lo protagonizaron: José Clemente Orozco, Diego Rivera, Francisco Díaz de León y Leopoldo Méndez. En 1933, veinte años después de su muerte, fue redescubierto por el pintor Jean Charlot, quien editó sus planchas y reveló la influencia de Posada sobre artistas de las posteriores generaciones. Gran dibujante, trabajador incansable y un gran técnico del grabado, Posada murió, tan pobre como había nacido, en Ciudad de México, en 1913. A pesar de no haber tenido el mejor de los finales ya que sus restos terminaron en una fosa común, 100 años más tarde es un artista mundialmente conocido y su obra valorada como expresión de las costumbres de un México post independencia, lleno de desigualdades y adaptaciones de la vida de los nuevos independientes y una visión curiosa de la muerte, más conocida como la “Catrina” la cual, gracias a él, se ha difundido alrededor del mundo. Por ello, al conmemorarse los 100 años de su muerte México se ha vestido de fiesta. Grabado de tecnica intaglio sobre el tema.

Entre el centenar de actividades contempladas para conmemorarlo también destacan una exposición en el Museo Nacional de Arte, una muestra en el Museo Nacional de la Estampa, un ciclo de cine, un micrositio dedicado al artista, el lanzamiento de la Primera Bienal Internacional de Grabado José Guadalupe Posada, la publicación de un sello postal y la emisión de un billete de lotería conmemorativos.

Máquinas de grabado, intaglio en Aguascalientes.

El grabador será celebrado también con muestras en el extranjero, incluyendo exposiciones en Canadá, Alemania y Estados Unidos. Posada fue un artista reconocido por sus contemporáneos y su legado artístico lo llevó a ser considerado un maestro para los muralistas José Clemente Orozco y Diego Rivera."Recoge el imaginario mexicano, el imaginario colectivo donde mezcla la fantasía y la realidad, donde

Revista de Arte y Diseño - Departamento de Arte PUCP

mezcla la vida y la muerte, donde mezcla lo cómico y lo trágico", dijo Tovar y de Teresa. "Donde de un modo genial destaca aspectos que son permanentes en la idiosincrasia mexicana y la identidad mexicana". Las celebraciones serán organizadas por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Instituto Nacional de Bellas Artes, el gobierno del estado de Aguascalientes, la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal y la Secretaría de Relaciones Exteriores.

Un siglo de su muerte, un siglo de gloria, la expresion mexicana.

Cuadro de José Guadalupe Posada.

Grabado de tecnica intaglio sobre el tema.

Afiche sobre el evento.

Grabado de tecnica intaglio sobre el tema.

RETROSPECTIVA PROYECTOS ACADÉMICOS PROYECTOS PROFESIONALES PROYECTOS DE INVESTIGACIÓN

CUBA, RAÚL

PROYECTOS ACADÉMICOS

Proyecto didáctico, integral, de video y diapositivas para el modelado de cabeza en arcilla.

El material contiene información que sirve como explicación y guía sobre estructura de la cabeza y ovoide / Modelado de cabeza en arcilla / Molde y vaciado. Resultados: esta posibilidad de lectura visual ha servido para facilitar la comprensión del estudio de modelado en arcilla y armonizar los contenidos con los profesores de Dibujo Modelado, por lo que se ha instalado la presentación en las aulas de primer año. Febrero a junio de 2008 / Marzo a junio de 2009.

ELÍAS ARCELLES, JOSÉ Aplicación de plataformas virtuales “SecondLife” y “ReactionGrid” en loscursos “Dibujo Geométrico” 1 y 2. Se enseño a los alumnos del Primer Año de Estudios Generales de la Facultad de Arte, utilizando estas plataformas virtuales, los temas: “Síntesis geométrica de cabeza”, “Perspectiva de tres puntos de fuga”, “Perspectiva aérea, con variación de la altura del observador y proporciones observadas”, “Perspectiva de tres puntos, sin ejes de H/V de referencia”, con resultados satisfactorios. Años 2008, 2009, 2010, 2011.

GARCÍA NÚÑEZ, MIGUEL “Proyecto de Investigación en el Patrimonio para el mejoramiento de la educación artística a través de la innovación en los procesos de enseñanza y aprendizaje de las artes en Colegios Secundarios de Lima Cercado” Proyecto de mejoramiento de metodologías en arte. Coordinador, Diseño y elaboración del piloto para la aplicación en el semestre 2012.2 en la ENSABAP. Resultados: descripción de indicadores de mejora de la educación artística a partir del patrimonio. Junio - Diciembre 2011.

“Proyecto de Mejoramiento Curricular y de Secuencia Didáctica descrita en las sumillas y en los sílabos de las especialidades de Pintura, Grabado, Escultura y de forma trasversal en los cursos de dibujo”. Coordinación de un equipo de trabajo conformado por Pintores, Escultores, Grabadores, Historiadores del arte y especialistas en estudios culturales. El trabajo se realizó con un enfoque interdisciplinario, con el objetivo de explicitar y describir la relación entre perfil, plan de estudios, secuencia curricular de las sumillas y sílabos del plan de estudio de las Especialidades del Programa de Arte Visuales-ENSABAP. Proyecto de mejoramiento de metodologías de investigación y producción en arte.E nero -Marzo 2012.

Revista de Arte y Diseño - Departamento de Arte PUCP

MENESES LUY, EDITH - KUKURELO DEL CORRAL Diseño del curso “Diseño e innovación de productos y servicios” Elaborado para el CIDE como parte del Diploma de especialización avanzada “Gestión de la innovación Tecnológica” en colaboración con la Arq. Edith Meneses. Curso diseñado e implementado. Alumnos sensibilizados hacia el tema del diseño como factor de innovación y mejora de la calidad de vida.Octubre – Noviembre 2010.

Diseño del Diploma de Especialización “Diseño y ambientación de espacios interiores” Investigación, Diseño y desarrollo del nuevo Diploma y el Currículo de estudios correspondiente. Coordinadora, fondo DAPE. Co investigadora. Resultados: Diseño del Programa concluido. Año 2009. Vinculación de proyectos de RSU en la formación académica, a través del curso Proyectos de Desarrollo desde el Arte y el Diseño. Resultados: - 5 proyectos de investigación, formulados por estudiantes del curso, ganadores del PAIN. -3 proyectos académicos ganadores del fondo DARS - 1 concurso de innovación artesanal promovido por estudiantes del curso. - 3 proyectos presentados por estudiantes al concurso “Iniciativas de responsabilidad social”, de la DARS. - Intervenciones de diseño participativo en las comunidades artesanales de Túcume - Lambayeque, Campiña de Moche – La Libertad, Grocio Prado - Ica, Tawaq – Ate, Yamino – Ucayali.

AXIS Taller-Laboratorio artesanal en Túcume: Creatividad, Innovación e Identidad. Encuentro de artistas, artesanos y diseñadores. Co – investigadora. Talleres de capacitación e innovación de productos y procesos. Resultados: a) Dos talleres realizados con especialistas, artesanos y estudiantes de la Facultad de Arte. b) Artesanos participantes capacitados en creatividad, innovación e identidad. Año 2010.

Tutoría de AXIS Arte a “Innovarte” para el Concurso del Encuentro entre Artistas, Diseñadores y Artesanos en Creatividad, Innovación e Identidad en artesanía Tawaq y Awaqkuna. Trabajo de estudiantes y artesanos para la innovación de productos y procesos. Resultados:

participantes estudiantes y artesanos capacitados en creatividad, innovación e identidad. Año 2010.

Encuentro entre artistas, artesanos y diseñadores: Creando desarrollo. Noviembre 2011 Este encuentro propuso un espacio participativo de diálogo e intercambio, donde, a través de la comprensión del nuevo panorama que nos muestran los negocios inclusivos, el comercio justo y la puesta en valor de la identidad como país, se discute la relevancia de las alianzas que se pueden lograr entre estas tres disciplinas, sus puntos en común y la visión hacia un mismo objetivo para crear propuestas sostenibles que generen un cambio socio-económico. Además mostrar una visión nueva y diferente, pero a la vez relevante de nuestra cultura y realidad. Este primer encuentro creó espacios de diálogo participativo en 4 mesas con 24 profesionales y representantes del Estado, la empresa y la academia. Esto se complementó con una Maratón Creativa de equipos interdisciplinarios y una Plenaria de las conclusiones. Presencialmente se tuvo más de 40 asistentes entre estudiantes, egresados PUCP e interesados, también participaron artesanos de la CIAP. Virtualmente se abrió un espacio de difusión: el blog A+A+D con registros del evento, de las obras de los participantes, y de los 12 videos de entrevistas previas a especialistas nacionales e internacionales. www.blog.pucp.edu.pe/arteartesaniadiseno

Manual interactivo web: “Fundamentos básicos del diseño” Descripción: La Guía de Fundamentos básicos del Diseño/ Manual de Diseño básico, es un material en formato multimedia que pretende aproximar al interesado a los temas del diseño, en su sentido más amplio y en sus aplicaciones más variadas. Es un recorrido por objetos, escenarios y contextos del diseño, una herramienta para explorar nuestras habilidades para el diseño e ir ampliando nuestro conocimiento sobre las posibilidades creativas para solucionar problemas cotidianos. Propone un área interactiva de juegos para familiarizarse con conceptos y temas básicos relacionados. Año 2009. Manual del Diseño en la web en: www.axisartediseno.com

PROYECTOS PROFESIONALES 38

DI GIOVANNI ABARCA, GIORGIO Exposición individual “El Caníbal” 12 pinturas de gran y mediano formato. La ejecución de las mismas llevó año y medio. Muestra en la Galería Forum - Lima, del 1 al 20 de septiembre del 2010 - www.giorgiodigiovanni.com

JAIME CARBONEL, ALEJANDRO Proyecto Rímac Iniciativa que propone el recorrido integral – a pie – del río Rímac, desde su inicio en las alturas de la quebrada Antaccassa, en Junín, hasta su desembocadura en el Océano Pacífico en el Callao, y su consiguiente registro interdisciplinario como una manera vivencial de entender la problemática que rodea su continua degradación. Proyecto Rímac busca iniciar el diálogo y la reflexión colectiva desde una perspectiva multidisciplinaria que genere una inversión desde la sociedad civil para la producción de trabajos sobre un tema que nos afecta a todos: el estado actual de nuestro río y las futuras consecuencias de nuestra pasividad. Exposición en el Centro Cultural de España en diciembre de 2008. 2008 – 2009 / www.rimac.wordpress.com

Huallaga Proyecto artístico que reflexiona en torno al río Huallaga, el cual contiene una compleja carga histórica en la historia del Perú y que termina siendo un paisaje construido en diferido por los medios de comunicación. La propuesta busca la construcción de ese paisaje a través de la experiencia. El río parece trascender a medio siglo de historia oscura y a un segmento en actual crisis, y continúa generando historias. El ciclo del río es muy posible que no sobreviva, no será el mismo, pero ya ha sobrevivido a varias culturas”. Exposición interdisciplinaria. Individual en la galería Cecilia González. 2006 – 2011.

Territorios de límite Proyecto artístico que reflexiona sobre el paisaje de las fronteras y que se genera a partir de dos residencias artísticas orientadas hacia la experiencia de territorios limítrofes específicos: Frontera Compartida (Ecuador), en la que se recorrió la línea fronteriza entre Ecuador y Perú, desde la franja costera hasta la región amazónica; y el programa del FONCA (México) con el cual se pudo concretar la experiencia del borde entre México y EE.UU. Se evidencia, en este conjunto de piezas, un interés por los accidentes geográficos en estos territorios que podrían definir naturalmente un borde fronterizo, resaltando la tensión entre las barreras naturales y las culturales, todas ellas localizadas en una gran extensión de tierras homogéneas de un lado y del otro, en donde la frontera como paisaje se encuentra cargada de una compleja construcción invisible.

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Exposición del proyecto en el CENART en la 4ta Exposición de Arte Iberoamericano, y posteriormente en el Centro Cultural de España, ambas en Ciudad de México (2011 2012).

MACHA VALVERDE, IGNACIO “Brichiando por el Cuzco”, Mejor guión Performance, realizada dentro del Primer encuentro latinoamericano de Performance en Cuzco, organizado por Epicentro Cuzco. Esta acción cuestiona el rol del turismo en la ciudad del Cuzco, y cómo sus habitantes han tomado distintas actitudes frente a este hecho social. Se tomó como actividad representativa el “bricherismo”, situación cotidiana que se da en el Cuzco entre turistas y los ciudadanos, de cómo estos se involucran a cambio de obtener algún beneficio. La performance consistía en estar vestido con un traje de Inca, elaborado de plástico y repartir volantes a las turistas mujeres, solicitándoles si deseaban contraer matrimonio con el supuesto Inca; todo esto se hacía en las calles del Cuzco y la performance concluía cuando una turista aceptaba este pedido y se tomaba una foto como “La Pareja Imperial”. Esta performance ha sido motivo de estudios en proyectos de maestría. Festival Per formático – Cuzco, febrero 2009

MENESES LUY, EDITH Casa Starks La Punta, Callao. Restauración y remodelación de vivienda. Diseño, ejecución del Proyecto y Diseño de mobiliario y equipamiento. 2009

Casa Arón El Cuadro, Chaclacayo Restauración, remodelación y ampliación. Diseño y Ejecución del Proyecto. 2009 - 2010

Casa Noriega-Valdivia La Aurora, Miraflores Remodelación de Vivienda Flat. Diseño y ejecución de remodelación de ambientes, materiales de acabados, color y texturas y de equipamiento. Mayo 2010 - Noviembre 2010

Oficinas Donofrio-Arce Zárate, San Juan de Lurigancho. Remodelación y ampliación oficinas. Diseño y Gestión de la Edificación de 4 pisos del proyecto concluido Agosto 2011 - Agosto 2012.

ELIAS ARCELLES, JOSÉ Desarrollo e investigación de videojuegos y mundos virtuales 3D desde la formación universitaria a partir de enfoque multidisciplinar. Para el Segundo Simposio Iberoamericano en Visualización Digital: SVD 2011. Mayo - Julio 2011.Resultados: selección del script y exposición del tema en Orlando, Florida, EE.UU. 21 de julio 2011.

Exploración e investigación de las posibilidades de entornos virtuales para el desarrollo y aplicación en la Educación superior.

PROYECTOS DE INVESTIGACIÓN

Uso de plataforma virtual tridimensional Second Life en la enseñanza universitaria. Años: 2008 – 2009. Selección del script y participación como ponente en Campus Technology 2009, Boston, Massachussets, EE. UU. 27-30 de julio del 2009.

GARCÍA NUÑEZ, MIGUEL Rediseño del plan curricular de Educación Artística: Junio 2010- Julio2012.

Elaboración de una propuesta de Plan de Estudio de la especialidad de Educación Artística. El proceso se inicio a partir de dos insumos: el estudio del material entregado por la anterior comisión de rediseño de la Especialidad, dirigida por M. Moebius y las exigencias de la DAA en torno al proceso de cambio curricular. El diseño de un plan de trabajo presentado y aprobado por la DAA que se describe a través del siguiente proceso “Estudio de revelamiento del perfil (para identificar demandas académicas y laborales)”.

Estudio prospectivo Elaboración del PERFIL DEL EGRESADO: a partir de describir competencias específicas y transversales. Definición de ofertas educativas propuestas: Nuevo plan de estudios.(Coordinar con el Nuevo plan de estudios de la especialidad de Primaria e inicial de la Facultad de Educación que se encuentra en proceso).

Segunda especialidad para egresados de las especialidades de pintura, Escultura y Grabado. Diplomas de estudios pedagógicos en educación artística.

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KUKURELO DEL CORRAL, PILAR Investigación aplicada: PIPEI 152 - 2010. Mejora en el servicio de turismo responsable y sostenible del hospedaje Los Horcones de Túcume. Co-investigadora en el diseño, formulación y ejecución del proyecto de innovación. Marzo 2011 – En ejecución. Proyecto ganador del concurso INNOVATE Perú – 2010, fondo FIDECOM.

Educación, patrimonio y desarrollo: ¿cómo incentivar el interés en la investigación de las formas y técnicas prehispánicas para emplearlas como insumos en emprendimientos creativos? Alianza estratégica entre los centros educativos y el museo. Co-investigadora, año 2010. El proyecto de investigación se dirige a desarrollar un nuevo campo de investigación y una nueva mirada, con el objetivo de producir diseño de nuevos productos, procesos innovadores, una nueva relación entre el Museo y las Instituciones Educativas, y la promoción de la identidad en niños y jóvenes; empleando las TIC en los aprendizajes.

Proyecto ganador del concurso DGI PUCP. Blog de difusión de resultados: http://axisarteiconografiamoche.blogspot.com/ Investigación aplicada: calidad en el producto neo artesanal peruano: establecimiento de criterios de evaluación para potenciar una producción innovadora. Co investigadora. Investigación enfocada a establecer criterios e indicadores que faciliten el proceso de evaluación de la calidad del producto artesanal y simultáneamente se convierta en una herramienta de autoevaluación y aprendizaje para los artesanos.

Proyecto Axis Colca, Talleres artesanales de Creatividad, Innovación e Identidad en el Valle del Colca. Co investigadora. Investigación aplicada con la finalidad de desarrollar de manera sostenible la oferta artesanal en un grupo piloto del Valle del Colca. Co investigadora. Fecha de inicio 2009 - 2010 Resultados: participantes artesanos capacitados en creatividad, innovación e identidad.

AXIS Huacas del Valle de MOCHE. Componente de Desarrollo Comunitario, generación de capacidades para la mejora del producto artesanal moche. Proyecto Huacas del Valle Moche. Docente investigadora. Talleres de capacitación e innovación de productos y procesos. Años 2008 - 2009. Resultados: participantes artesanos capacitados en creatividad, innovación e identidad.

MENESES LUY, EDITH Investigación aplicada: PIPEA 101-2011. Desarrollo de un modelo sostenible de mejora continua para la producción artesanal ofertada por Intercrafts Perú.

Co investigadora en el proyecto Desarrollo de un modelo sostenible de mejora continua para la producción artesanal. Ofertado por Intercrafts Perú, para adecuarse a los requerimientos del mercado de comercio justo. Un piloto de aplicación en la línea de cerámica. Mayo 2012 – En ejecución. Proyecto ganador del concurso INNOVATE Perú – 2011, fondo FIDECOM

PIPEI 152 - 2010. Mejora en el servicio de turismo responsable y sostenible del hospedaje Los Horcones de Túcume. Co-investigadora Marzo 2011 – En ejecución

Educación, patrimonio y desarrollo: ¿Cómo incentivar el interés en la investigación de las formas y técnicas prehispánicas para emplearlas como insumos en emprendimientos creativos? Alianza estratégica entre los centros educativos y el museo. Programa de Apoyo DGI PUCP, Museo Larco. Investigadora principal. 2010, 2011. http://axisarteiconografiamoche.blogspot.com/ Calidad en el producto neo - artesanal peruano: establecimiento de criterios de evaluación para potenciar una producción innovadora.

Elaboración de un instrumento de evaluación de los factores que inciden en la calidad de un producto artesanal para promover el aprendizaje y la autocrítica en los artesanos Instituciónes AXIS Arte, VRI PUCP. Investigadora principal, 2009.

Proyecto Axis Colca, Talleres artesanales de Creatividad, Innovación e Identidad en el Valle del Colca. Desarrolla de manera sostenible la oferta artesanal en un grupo piloto del Valle del Colca. Docente e investigadora. 2009, 2010. Axis Huacas del Valle de MOCHE. Componente de Desarrollo Comunitario,Talleres de capacitación a artesanos en innovación de productos y procesos. Docente investigadora. Elaboración de guías de aprendizaje, y manuales iconográficos diseñados y desarrollados. 2008, 2009.

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DOCENTES ARTE

MARIA CARIAPAZA Cargo: Profesor de Diseño Gráfico. Estudios: Diseñador Gráfico en la PUCP.

ELENA PALOMINO Cargo: Profesor de Diseño Industrial. Estudios:Diseño Industrial la PUCP.

CARLA MORIANO Cargo: Profesor de Pintura Estudios: Pintura en la PUCP.

CARLOS OLIVERA Cargo: Profesor de Diseño Industrial. Estudios: Diseño Industrial en la PUCP.

JAZMÍN JOTAPE Cargo: Profesor de Diseño Industrial. Estudios: Diseño Industrial en la PUCP.

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VICTOR OLIVERA Cargo: Profesor de Grabado. Estudios: Grabado en la PUCP.

LUIS ZAMORA Cargo: Profesor de Pintura. Estudios: Pintura en la PUCP.

DIANA LAZO Cargo: Profesor de Escultura. Estudios: Escultura en la PUCP.

LUISA PERALTA Cargo: Profesor de Pintura. Estudios: Pintura en la PUCP.

SHARÚM GONZALES Cargo: Profesor de Escultura. Estudios: Escultura en la PUCP.

OSCAR SALAZAR Cargo: Profesor de Diseño Industrial. Estudios: Diseño Industrial en la PUCP.

JOSÉ MARIA Cargo: Profesor de Pintura. Estudios: Pintura en la PUCP.

JESSICA ALFARO Cargo: Profesor de Grabado. Estudios: Grabado en la PUCP.

AARON OTERO Cargo: Profesor de Diseño Gráfico. Estudios: Diseñador Gráfico en la PUCP.

ESTEFANY PEREZ Cargo: Profesor de Diseño Industrial. Estudios: Diseño Industrial en la PUCP.

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BORIS SANCHEZ Cargo: Profesor de Diseño Industrial. Estudios: Diseño Industrial en la PUCP.

CARMEN HINOSTROZA Cargo: Profesor de Pintura. Estudios: Pintura en la PUCP.

KENNY CASTAÑEDA Cargo: Profesor de Diseño Industrial. Estudios: Diseño Industrial en la PUCP.

SHERY MANUEL Cargo: Profesor de Pintura. Estudios: Pintura en la PUCP.

YAYO JOSE MARÍA Cargo: Profesor de Pintura. Estudios: Pintura en la PUCP.

DIRECCIÓN DE LA UNIVERSIDAD: PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DEL PERÚ,AV. UNIVERSITARIA 1801, SAN MIGUEL, LIMA 32, PERÚ. TELÉFONO (511) 626 2000