Revista HUUF by Shipsharon

editorial

Cuando nos preguntamos que tematica de revista faltaba en Chile, se nos vino a la mente altiro la ilustracion , porque estan importante y tan poco valorada aca.. Necesitabamos mostrar algo que para muchos es desconocidos, mostrar artistas de gran talento, sus ilustraciones, sus trabajos,su historia.. HUUF quiere darle un gran enfasis a los autores, creadores ,artistas o un sinfin de nombres que se les puede llamar a estos grandes realizadores de obras de artes tanto en ilustracion digital , como en creaciones de personajes o simplemente ocuparcomo plataforma las paredes de nuestra ciudad..

Tanto chileno como extranjero todos tienen un gran talento y estilo que los hace unicos entre miles y si nos ponemos a buscarcuanto ilustrador bueno existe no terminariamos nunca, pero mostramos a los que de verdad quisieron destacarse y crear una tendencia entre la gente.. Esta será una re ista que los hara conocer a grandes artistas y a decubrir que la ilustracion en realidad se puede encontrar en el lugar menos pensado. Disfruten Carlos y Sharon

DESTACADO

Editores Carlos Chavez Sharon Gálvez Diagramación Carlos Chavez Sharon Gálvez Diseño Carlos Chavez Sharon Gálvez Asesoria Gráfica Josefina Meneses Portada Mike Giant 4

“Comencé a mirar tatuaje moderno diseña así como los logotipos corporativos y de la banda como” jeroglíficos modernos “I. pensado mucho acerca de cómo los símbolos de nuestro tiempo se traducirían objetivamente por las generaciones futuras. Y en vez de tratar de explicarlo, hice dibujos de codificar el lenguaje simbólico de nuestro tiempo a los observadores futuros de traducir para ellos mismos” nos cuenta el gran Mike Giant , nuestro artista destacado de esta edición de HUUF.

Talento chileno: Reportaje a ilustradores chilenos. Pablo de la Fuente Diablo Rojo Grafika

Entrevista: Al reconocido ilustrador Mike Giant

Reportaje: Un poco de la historia de Tokidoki

Ilus-datos: Todos los datos relacionados a la ilustracion Arte Urbano: Ilustracion callejera

Columna opinion

talento chileno

Pablo de la Fuente Pablo de la Fuente Gálvez es diseñador grafico de profesion pero hace ya un tiempo su gran pasion es la ilustracion . Conocido por su trabajo en la agencia diablo rojo grafica ha sabido ser reconocido por su gran trabajo en afiches y carátulas de bandas nacionales.

irector de diseño en la patriotico interesante y diseñador integral en Grafica Diablo Rojo. Diseñador con amplia experiencia en Teatro, en el ámbito de la escenografía, vestuario e iluminación. En diseño gráfico: en carteles, afiches y discos de bandas nacionales y teatro. Ilustrador. Ha trabajado en diversos proyectos artísticos, con un acento en la ilustración y la gráfica popular latinoamericana.

Ha diseñado para (entre otras bandas) Juana fé, Banda Conmoción, La Mano Ajena, Tizana, Evelyn Cornejo, Los Pata e Cumbia. Diseño de discos La makinita / Juanafe Pateando craneos / 2x La lucha continua / Los pata e cumbia, Evelyn Cornejo, El enganche, La sangre / Tizana Diseños escénicos de recitales para Juana fe cierre afrorumba chilenera,Mano ajena radio galena, fiestas Banda Conmoción También es diseñador del teatro La resentida Realizacion serie propaganda gráfika resiste! terroristas.

entrevista

n una tarde de 1989, uno de estos híbridos contemporáneos nacido en Nueva York y criado en Nuevo México se cayó de la tabla y retumbó contra el duro pavimento. Uno de sus amigos le dijo: “caíste como un gigante (giant)” y, sin ser consciente de ello, bautizó al que sería uno de los íconos del arte callejero y el tatuaje durante las próximas décadas: Mike Giant. Ya sea en papel, cemento o piel, la gráfica de este artista norteamericano siempre se ha caracterizado por mezclar estéticas folklóricas mexicanas y algunos aspectos propios de la ilustración japonesa. Las culturas latinas juegan un papel fundamental a la hora de plasmar líneas y personajes que adoptan características ya clásicas de la movida pop de finales de los 70s, y que tienen que ver con ese ideal poco conceptualizado de multi-cultura. No importa de dónde sea ni de qué época, lo visualmente valioso trasciende todo ello y se expresa a través de cualquier medio accesible. Es por ello quizás que el trabajo de Giant ha sido tan prolífico y versátil a lo largo de los años. Grafiti, tatuajes, ilustración, fotografía, diseño textil. En todos ellos se aprecia una firma personal que lo cruza todo y que lo hace reconocible a los ojos del público. Las siluetas y tipografías exhiben no sólo la variedad de influencias a las que el artista se ha expuesto, sino también un nivel de profundidad que se alcanza cuando realmente se vive lo que se predica. Lo que dibuja es lo que es. A los 22 años dejó Nuevo México y se radicó en San Francisco para intentar una carrera en la industria del skate. Trabajó hasta 1997 en Think Skateboards y se dedicó por 10 años al tatuaje. Entre medio fue empleado de una cadena de comida rápida, una carnicería, una tienda de skates, una librería para adultos y un estudio de animación. Más importante aún, se inició también en los principios budistas que han marcado su estilo de vida y su arte desde entonces.

En los últimos años, su trabajo trascendió la escena alternativa y captó el interés de galerías de arte internacionales. De esa forma ha expuesto en Nueva York, Tokio, Vancouver, Bologna, San Francisco y Los Ángeles. Incluso ha hecho un par de colaboraciones con Shepard Fairey (Joia_10), en un proyecto titulado Giant v/s Giant. Cómo fue que te iniciaste en el grafiti y los tatuajes? Siendo skater y ciclista, crecí usando las calles como si fueran patios de juego, así es que mi interés por el grafiti no es ninguna sorpresa. Y el mismo tipo que raya paredes, usualmente tiene unos pocos tatuajes. Considero a los gafiteros tatuados como mi tribu. Nuestras lealtades son bien conocidas. Háblame de tus influencias, no sólo en términos visuales, sino filosóficas o lo que sea. Lo principal es el budismo. He seguido el camino budista por varios años y eso ha modelado mi percepción en un gran nivel. Intento vivir día y noche en un estado de plena conciencia y atención. He descubierto grandes beneficios en esta práctica. Y debo decir que la música es otra poderosa influencia… el arte, en todos sus medios, tiempos y lugares. Me encanta experimentar la expresión humana positiva; alimenta mi alma, es esencial. Qué es el skate para ti? Es una gran parte de mi identidad. Hice skate todos los días por 13 años, y luego continué practicándolo por otros 10 antes de dejarlo. Todavía me gusta la cultura que se arma alrededor y aún disfruto mucho dibujando gráfica para las tablas.

Qué proyectos tienes en mente? Estoy trabajando en algunos proyectos de bicicletas con Cinelli en Italia. Siempre estoy haciendo cosas para lo nuevo de REBEL8 y ahora estoy con algunos trabajos editoriales para The Skullzz Press. Háblame de REBEL8. Por qué decidiste crear una línea de ropa? ?Qué posibilidades creativas ves en ella? Trabajé como artista free lance para varias marcas de moda desde principios de los 90. En 2003, mi amigo Joshy D

me preguntó si estaba interesado en crear una marca para mostrar mis diseños de forma exclusiva. Me emocionó mucho la posibilidad de tener mi propia línea y la verdad es que todo ha resultado ser mucho mejor de lo que esperaba.

El diseño de ropa exclusiva y urbana es una de las tantas disciplinas que han emergido de la escena underground. Cuál es el poder que tienen estas expresiones?

Cómo es tu relación con las galerías de arte y el circuito “formal” en general?

Me gusta pensar que las culturas subterráneas punk y del hip-hop tienen el poder de cambiar el mundo para mejor. En muchos niveles, la Revolución Industrial arruinó a la humanidad y espero que todo lo bueno del underground agarre a la juventud para que puedan salvar nuestro futuro.

Nunca le he pedido a ninguna galería hacer una exposición. Ellas siempre han venido a mí. Así es que para mí, lo de las galerías siempre ha sido un “extra”. Raramente vale la pena el esfuerzo y después de un tiempo me terminaron cansando. Nunca vi que las galerías merecieran el 50% que cobran de comisión, así es que pensé que era mucho mejor vender directamente a los coleccionistas, lo cual ha sido cierto.

Cada día los tatuajes se están poniendo más “mainstream” y han perdido esa cualidad romántica de rebeldía que tenían. Qué futuro le ves a eso?

Y cómo ves el arte contemporáneo, tomando cuenta que ha ido adoptando cada vez más estas nuevas disciplinas provenientes del underground?

Evolución continua, abstracción y crecimiento. Estas son disciplinas artísticas vivenciales y se desarrollan de forma orgánica. Tratar de predecir la dirección en que van a fluir es inútil. Es más importante poner atención a lo que está pasando aquí y ahora. Estar en el flujo más que observarlo.

El grafiti es el único medio de arte contemporáneo que vale la pena mencionar de esta generación. Los tatuajes ya son antiguos; sólo el hip-hop es realmente nuevo. Es el único medio creado por niños. ¡El único! Piensa un momento en eso…

Y por qué crees que los tatuajes se han puesto tan de moda en los últimos años? ¡Los tatuajes son cool! Eso es todo. Es divertido tener dibujos en todo el cuerpo. ?Por qué no hacerlo? Hoy más que nunca los jóvenes tienen que luchar para encontrar una identidad que los diferencie. Quizás es por ello que se interesan tanto por el piercing, el tatuaje y la ropa exclusiva, a veces olvidando que aquellas son expresiones y no medios. ?Estás de acuerdo? Cuál es tu opinión en este tema? Estoy de acuerdo en cierto nivel. Las personas siempre se han visto atraídas por cosas nuevas en un ámbito superficial, y luego desarrollan una comprensión a lo largo del tiempo. Sin embargo, al final son tus acciones las que te convierten en hombre, no tu puta tenida o el tatuaje que tienes en el cuello.

Rebel 8 marca de ropa de Mike Giant

Tokidoki

Reportaje

imone Legno es el director creativo y co -fundador de tokidoki . Nacido en Roma , Italia, Legno , dibujó incesantemente como un niño. Las cajas de masticado , lápices rotos y sin punta que adoraba cuando era niño eran los inicios de una pasión por el arte que llevó a la eventual creación de tokidoki.it , portafolio en línea de Legno que se convirtió rápidamente en una marca distribuida a nivel mundial . tokidoki significa “a veces” en japonés. Legno , que siempre ha tenido un profundo amor por Japón y la fascinación por las culturas del mundo , eligió la palabra porque se siente “ todo el mundo espera para momentos que cambian el destino de uno, por casualidad o por conocer a una nueva persona “ . Momento especial de Simone llegó cuando sus diseños llamaron la atención de los empresarios Pooneh Mohajer e Ivan Arnold , quien vio el arte en su página web personal y lo convenció de mudarse a Los Ángeles para poner en marcha una nueva asociación dinámica con ellos. Simone ha sido un codiciado orador en todo el mundo en museos, universidades y conferencias , de MOCA ( Museo de la Geffen -Los Ángeles) en la conferencia Adobe MAX , UCLA, USC , el Festival de Cine de Flash en San Francisco, el Istituto Europeo di Design en Roma, Grafika Manila y muchos otros. “ Tokidoki es la esperanza , la energía oculta que todo el mundo tiene en su interior , lo que nos da la fuerza para enfrentar un nuevo día y soñar con algo positivo y la esperanza de que algo mágico va a pasar con nosotros. “ - Simone Legno

okidoki (“a veces” en japonés) es la marca de estilo de vida de inspiración japonesa creada en 2005 por el artista italiano Simone Legno y sus socios de negocios Pooneh Mohajer e Ivan Arnold. Producen ropa, calzado, accesorios y otros productos que utilizan el arte, personajes icónicos y el logotipo de tokidoki diseñada por Simone Legno.

Una simple oportunidad de encontrar a alguien nuevo. Tokidoki es el deseo, la fuerza oculta que todos tenemos dentro y que nos da fuerzas para encarar un nuevo día y soñar en positivo, soñar que algo mágico nos ocurrirá hoy.” Simone Legno, Roma. Simone Legno es un niño prodigio del diseño. Desde muy joven montó junto a unos amigos una empresa de diseño gráfico y trabajó para firmas

Tokidoki ha colaborado con varias industrias tales como Levi, Skull Candy, Nueva Era, Mikasa, Fujitsu, Be @ rbrick, paseo Snowboards, ASICS Onitsuka Tiger, Hello Kitty, Smashbox, Barbie LeSportsac, Ju-Ju-Be y FlowPlay. En abril de 2005, el co-fundador de la compañía de cosméticos Hard Candy, Pooneh Mohajer, y su marido Ivan Arnold, vio website cartera personal de Simone Legno, que tenía algo de popularidad, está catalogado como uno de los diez mejores “sitios web del The Independent de la semana “. [1] posteriormente, dispuestos a reunirse con él, y Simone se unieron a ellos en Los Angeles. Simone ha convertido en un fijo reciente en el Comic Con de San Diego y hace apariciones en varios lugares de todo el mundo para fichajes y promociones. Simone también ha hecho una aparición especial en Extreme Makeover: Home Edition. El bien y el mal van cogidos de la mano en diseños sobre chicas de corte sexy. Un ejemplo característico de lo que supone esta nueva marca lo encontramos en su propio logo, que es un corazón con dos huesos cruzados, y todo esto con un toque oriental.

Tan importantes como Toyota o Sony. Tras muchas peticiones, Simone recibió una oferta para convertir a Tokidoki en una marca mundialmente conocida por sus diseños gracias a su potencial comercial. Hoy en día Simone vive en Los Ángeles trabajando en sus diseños. Tokidoki empezó como un proyecto de fabricación y distrubución de camisetas para chico y chica con mucho éxito, y posteriormente continuó con la comercialización de bolsos casual con la reconocida empresa LeSportSac .

Simone Legno ha tratado de crear un mundo de fantasía lleno de kawaii (japonés para “ lindo “) personajes que son a la vez lúdico y provocativo . Algunos de sus personajes están vestidos “para señalar de manera simbólica las cosas malas de la mundo en que vivimos “ [ Obras como las Moofia y Cactus Friends ilustran la combinación de elementos de protección y personajes vulnerables. [Estos personajes adorablemente desconcertantes conducen al espectador a preguntarse cómo la violenc i a se ha convertido en una parte tan integral de nuestra sociedad. . Sus pinturas también tienen una sugerencia de observación social: la que ofrece mujeres cosmopolitas medio vestidos - en los entornos urbanos , todo parece hermoso hasta que uno toma en la ciudad en llamas , los esqueletos danzantes , o las otras alusiones a la muerte y la destrucción. Tokidoki , la marca oficial de Legno , recibe su nombre de la palabra japonesa para “a veces” , que Legno eligió porque, como él dijo en una entrevista con Katie Maltby : “ todo el mundo espera para momentos que cambian de un destino ... por casualidad o por el cumplimiento de una nueva persona ... tokidoki es la esperanza , la energía oculta que todo el mundo tiene en su interior , que nos da la fuerza para afrontar un nuevo día y soñar con algo positivo [y] que algo mágico va a pasar con nosotros “ . Por esta explicación , cumple tokidoki su propósito al acoger personajes dulces y inspiradoras llenas de energía , misterio , esperanza y humor.

ilus datos CONOCE EL TRABAJO DE FRANNERD

COMO SOBREVIVIR A LA COMIC CON

Francisca Meneses, más conocida como Frannerd es una talentosa y joven ilustradora chilena que de a poco ha ido sonando más y más en los círculos del arte gráfico nacional.

Comic Con Chile es la convención de fanáticos que se realiza desde 2011 y que convoca a grupos, tiendas y empresas que se relacionan con el entretenimiento y la industria de la ciencia ficción y la fantasía. En este evento puedes encontrar tiendas de comics, películas, juguetes, entre otros. Además de stands de grupos de fanáticos de diversos tipos: de películas, libros, series, etc.; estos grupos exponen variados artículos y mercadotecnia relativa. En este evento además encontraremos invitados a los cuales hay que cancelar un valor aparte de la entrada para poder acceder a fotografías y autografos. Todo lo que tienes que saber a grandes rasgos en esta pequeña pero precisa guía de supervivencia, esta vez con la Comic Con Chile 2014.

Taller de Ilustración: La memoria dibujada

Donde: Estación Mapocho, Metro Cal y Canto.

Somos ese dibujo en la memoria.Y si pudiéramos conversar con nosotros ¿qué nos diríamos?

Cuando: Viernes 30 de mayo, sábado 31 de mayo y domingo 1° de Junio.

Profesor: Gabriel Pacheco (México) Numero de sesiones: 4 (16 horas en total). Fechas: 3, 4, 5 y 6 de junio de 2014. Horario: 18:30 a 22:30 horas

Horarios: Viernes: 15:00 Hrs a 20:00 Hrs continuadas.(Por confirmar) y Sábado y Domingo: 10:00 Hrs a 20:00 Hrs continuadas.

Objetivos: Acercarse a lo incierto y su poética a través de ejercicios de apropiación. Construir nexos mediante la intervención para apuntalar metáforas e hilos narrativos que nos ayuden a profundizar los mensajes de la ilustración. Contenidos: El eje del taller es un ejercicio de intervención fotográfica para abordar otra forma de creación y encontrar distintos caminos de profundización de nuestra ilustración. Valor: $120.000 Incluye: - Certificado de participación. - 10% de descuento en todo PLOP! Galería. (válido por la duración del taller). Inscripciones: talleres@plopgaleria.com

Frannerd creció entre papeles y colores ya que su padre era arquitecto y su pasión era la pintura. Por eso no es de extrañar que la diseñadora dibujara ya desde muy pequeña. Estudió diseño gráfico en la Universidad Diego Portales y en su tercer año decidió buscar y desarrollar un estilo propio, uno en el que pudiera identificarse más. Según Frannerd, aprendió a ilustrar de manera autodidáctica mientras cursaba sus estudios de diseño gráfico. Si quieres conocer mas sobre el trabajo de frannerd puedes visitar su blog personal. sandianerd.blogspot.com.es/

columna de opinion

La actual ilustracion Chilena Por Sol Díaz

eía el otro día un programa que se llama Trazo, que es muy bueno, de entrevistas, y entrevistaban al ilustrador Félix Vega, hijo del también ilustrador Óscar Vega. Él hablaba de los que hacían ‘el dibujo serio’, que era el dibujo más realista, y de hecho si uno ve las revistas de los años 50 y hasta bien entrados los 80, la ilustración estaba confinada a eso. Y de pronto aparece Internet, que permite ver esa posibilidad que decía Hernán, y se empieza a usar la ilustración para representar temas que no eran accesibles por fotografía (…). Yo creo que el mérito de Siete Rayas… y, de hecho, es súper divertido porque ahora se lo puedo decir de frente a la Paloma (risas), es que yo recuerdo que siempre se diferenciaba la ilustración del dibujante que hacía historietas para diarios o revistas, pero nunca se había demostrado que el ilustrador se podía salir de los libros infantiles y que podía graficar temas económicos, por ejemplo. Como el Pancho Olea, que es muy versátil en ese sentido. Y se empezó a atraer, a través de ese canal, a otros ilustradores que tenían esa inquietud”. ¿Cómo crees que ha evolucionado la ilustración en estas últimas dos décadas? en base a ello nos respondieron lo siguiente: Cardemil “Pasó de ser un oficio desconocido a un ser taquilla total”, Diaz “A evolucionado, ahora esta la Galería Plop, antes nada. Está el internet y como que está de moda ser ilustrador, además que se ha metido harto el diseñador con conocimiento de producto en la ilustración, ya no sólo es “monito” , Corvalán “

Es impresionante, antes no existía una galería destinada a la ilustración, los colectivos que existen ahora, los proyectos, es impresionante la efervescencia de la ilustración acá, se vende merchandising de ilustración. El movimiento está en los jóvenes, la calidad no sé como será, lo que vi era mucha copia , hace 5 años,ahora la gente ha tomado más caminos personales” Silva “ Empezó a aparecer la Plop, Ají color, taller de los 1000 y un ojos, Colectivo 7 rayas y mucho más como Mono con pincel o la Minga…Empezó a haber gente a manifestar interés, porque yo creo que en el fondo todos queríamos probar donde era que podíamos caber, porque los otros huecos como el mercurio y otras cosas ya estaban tomados. Hay mucha gente provenientes de carreras diferentes a la de Ilustración que empiezan a tomar Talleres, empiezan a haber muchos talleres de ilustración porque alguna vez fueron alumnos ahora también querían enseñar, me imagino que también tiene que ver con un tema económico. Ya no eran el mono con los cachetitos y que era lo tierno, súper infantil como de preescolar, no, es que había algo mucho más interesante y que no se estaba tomando. Personajes importantes como Olea ya estaba publicando en las revistas del Mercurio y en el Mercurio, Montt comenzó con las Dosis diarias y empezó a viralizarse así como una explosión de la ilustración. [...]Los de la plop tomaron la iniciativa de hacer el catálogo de ilustradores que lo publicaron este año pero llevaban desde principios del año pasado en el fondo juntando las personas.

Empezaron con el Festilus que a sido súper bueno, porque en el fondo a profesionalizado mucho el asunto” , Calvo “ durante los ochenta o noventa diría que esa gráfica era hecho por muy poca gente [...] hubo un auge de nose, los banco de fotos, el diseño […] si tu echas la historia atrás y empiezas a mirar revistas de ese tiempo hasta ahora tu dices “esta cuestión era horriblemente fome” osea, estábamos viviendo dictadura pero también la dictadura estaba en tu cerebro y los medios estaban controlados por gente,[...]empezó como realmente fuerte como del 2003 para adelante, para mi gusto antes de eso, yo creo que por la fundación por un grupo que se llamaba 7 rayas [...]yo creo que por primera vez creo que la gente los entendió que había algo, algo…independiente de que siempre había habido un montón como de cultura cómic [...] yo diría que del 2013 para adelante, antes Chile así como se empieza a usar el término, es una apreciación para mi en el ambiente”. En base a la siguiente pregunta ¿Qué cambios importantes crees que han impulsado la ilustración para estar donde está hoy? explican : Cardemil “La información de internet se me hace un factor importante. La ilustración ya no es la hermana menor de la pintura”, Díaz ”Internet, la utilización de blog que permite subir tus trabajos, esto produjo que la ilustración fuera moda, por lo menos ya se entiende que es lo que hace un ilustrador”, Ives “Conexión a internet y una generación más visual, menos lectora de texto”, Silva que menciona al internet y la realización de talleres y colectivos como elementos claves que permitieron el impulso de la ilustración en nuestro país y Calvo “ yo creo que de un momento a otro hubo un montón de gente tuvo no sé si las ansias o empezó a ver o empezó a hacer un montón de información como nunca antes…imagínate que a ver, hablando de internet [...], entonces empieza a llegar una cantidad de información que antes no llegaba y dentro de eso creo que hubo un monton de gente que accedió a esa información [...] hay tendencias muy fuertes [...] el mismo mono lo están haciendo en Alemania o en Japón o en México”.

Arte urbano Inti Castro es un grafitero de Valparaíso que lleva desde los 14 años con un spray en la mano, su pasión por el color le ha ido haciendo evolucionar desde sus primeras rayas en las paredes hasta los impresionantes murales que pinta hoy en día. Inti, se ha dejado influenciar por la iconografía originaria latinoamericana y clásica del graffiti, desarrollando con esto un trabajo con una fuerte personalidad propia alejándose de lo que hasta ese momento existía en las calles de Chile. El estilo que lo ha hecho reconocible es una mezcla de influencias andinas, pasando por el kusillo, un personaje del festival de oruro, en Bolivia, el ekeko, dios altiplánico de la abundancia, las calaveras mexicanas y las arpilleras de Violeta Parra.