Tradici贸n, cultura y Jap贸n: El rito de la ilustraci贸n
Ma. de la Luz T. Mayo 10 / Enero / 2013
Each time I still remember your voice Because this year again I’m standing here Borrowing your voice I won’t run away anymore You were the one Who gave me the drive to just keep on living in this place So from the bottom of my heart Thank you
Indice Prólogo Ilustración El objetivo de ilustrar
¿Quién es el ilustrador?
La ilustración en el Diseño Gráfico
Técnicas. Medios de punta. Plumones. Solventes y Solubles
Carbon y Tiza
Pastel y Grafito
Tintas de color Tinta China Acuarela Acrílicos
Indice Ilustradores Akino Kondoh
Audrey Kawasaki
Cosei Kawa
Hideaki Kawashima
Kana Ohtsuki
Kazuo Oga
Kiyo Tanaka
Naohisa Inoue
Entrevistas a ilustradores Ippei Gyoubu Conclusi贸n
Prólogo
L
a sociedad japonesa, pese a su fama de estricta y tradicionalista, sorprende porque a la vez es una de las más cambiantes, transgresoras y ricas en matices.
Esta combinación de tradición y modernidad, marca tendencias, y lleva décadas influenciando el diseño, la moda y podría decirse que hasta nuestro día a día continua haciendólo. Aún con todo esto, el arte japonés ha sido influenciado por culturas occidentales, lo cual se ha ido adaptando hasta fundirlo con su estilo tradicionalista, conservando un aspecto nostálgico, que no es solo de samuráis y geishas, sino el de llevar esta atmósfera, a un aspecto más moderno con el Japón contemporáneo.
En la presente monografía, se muestra una investigación sobre los ilustradores japoneses en la actualidad, la influenza extranjera que han tenido para y con sus trabajos, los tipos de técnicas que son empleadas para la realización de las mismas, así como algunas curiosidades que han surgido a lo largo de los años entorno a la ilustración y como han ido cambiando a este diseño tradicionalista, que día a día lucha por no perder su esencia y caracterización en medio del mundo occidental.
Ilustraci贸n
El objetivo de ilustrar
¿Quién es el ilustrador?
La Ilustración en el Diseño G.
01 El objetivo de ilustrar
El realizar la interpretación gráfica de una idea, se convierte en la función principal de una ilustración, es decir el objetivo que toda ilustración debe plantear. La idea que se quiere interpretar debe ser cuidadosamente visualizada. De esta manera es posible dar visos de realidad a una idea totalmente abstracta.
El principio de toda ilustración, es en realidad un proceso mental, realizado por alguien, un autor, un argumentista o el mismo diseñador. Se transmite a él una imagen mental, o bien, él mismo la suscita. Con su conocimiento de la forma, la luz, el color, la perspectiva, etc, habrá que realizar la interpretación.
02 ¿Quién es el ilustrador?
Es un creador innato, con capacidad de observación y memorización, pero además con la innegable posibilidad de reconstruir e interpretar la imagen, es en este sentido, a través de cierto proceso y con el manejo de un lenguaje visual amplio, un creador de imágenes creativas con un lenguaje propio.
Un ilustrador, no solo puede controlar el tiempo, sino también centrar el tema, seleccionando algunas de las características del paisaje y descartando otras, o trasladar los acontecimientos de un día a un solo dibujo, usando los apuntes o simplemente su memoria.
03 La ilustración en el Diseño Gráfico
El papel de la Ilustración es de suma importancia para el Diseño Gráfico, la ilustración nos da referencia de nuestra propia vida, de todo lo que vemos y observamos y de nuestras impresiones y experiencias del mundo que nos rodea y de nuestras propias vivencias.
La ilustración y el diseño son dos materias que en la actualidad tienen lazos muy estrechos y tradicionales que se remontan a siglos en el pasado. La ilustración ha servido como complemento narrativo en manuscritos y libros desde los documentos ilustrados antiguos.
TĂŠcnicas Medios de Punta
Plumones Disolventes y Solubles
Carbon y Tiza
Pastel Graso y Grรกfito
01 Plumones
Existen dos tipos de plumones: los elaborados con disolvente y los solubles al agua. Los hay con puntas de todas medidas y formas que producen gran variedad de líneas. Los plumones elaborados con disolvente suelen ser tóxicos, de modo que hay que trabajar en una habitación ventilada y amplia preferentemente.
Otra característica primordial es que se presentan con varios tipos de punta de fieltro: plana, plana diagonal, redonda, delgada, mediana y gruesa, lo que nos permite obtener diferentes calidades de línea; aunque hay que considerar que un solo plumón nos provee de diferentes calidades de línea por sí sólo, todo depende de la práctica y el conocimiento del material que tengamos.
02 Carbon y Tiza
Los lápices de carbón, se trata de barras de carbón comprimido, recubiertos de madera o papel, para formar un lápiz. Son menos sucios y más fácil de manejar que las barras, por lo cual constituyen la forma más útil para dibujos detallados. El carbón tiene muchas características en común con las tizas. Se pueden cubrir amplias zonas aplicando el carbón y luego extendiéndolo con un difumino o
con la mano. Los tonos intermedios de gris se pueden obtener empleando palitos más duros o apretando menos con el carbón sobre la superficie granulada del papel. Las tizas naturales son sustancias minerales cortadas en la forma deseada y empleadas para dibujar. Las tizas fabricadas se hacen con pigmentos secos, pulverizados y mezclados en una pasta; son relativamente duras pero más apropiadas para dibujos a pequeña escala.
03 Pastel Graso y Gráfito
Con grafito se pueden obtener resultados inmediatos, se puede trazar, bocetar, y obtener resultados a base de línea o mancha. Se distribuyen en lo posible las masas, obteniendo calidades de blancos y una gama bastante amplia de grises casi hasta obtener el negro. Los pasteles son ideales para realizar obras expresivas y llenas de vida. Con ellos se consiguen desde colores muy
saturados hasta tonos delicados de dibujos texturados, lo que permite al ilustrador crear imágenes impactantes. El pastel es el medio más asociado a menudo con ilustraciones suaves e irreales, el pastel puede, de hecho, usarse de formas muy distintas.
Tintas de Color
Tinta China
Acuarela
AcrĂlicos
01 Tinta China
La tinta es un medio de múltiples usos que puede aplicarse con muchos instrumentos y se adapta a ala mayoría de las superficies de dibujo. Las tintas chinas de color se presentan en frascos y botellas. Algún tiempo después de pintar con ella, la tinta se vuelve resistente al agua y ya no puede ser diluida.
Las tintas de color son impermeables, no emborronan y tienen muy buenas propiedades adherentes, son un medio excelente para dibujo lineal, ilustraciones a la aguada y rotulación. Son transparentes, pueden mezclarse entre sí y superponerse para crear una infinita variedad de tonos y matices, se secan con rapidez y pueden aplicarse con pincel o con plumilla.
02 Acuarela
El método tradicional inglés consiste en superponer finos lavados de colores delicadamente mezclados hasta que se alcancen los efectos de profundidad y color deseados . Esta técnica se basa en el sistema de pigmentación por veladuras transparentes, se utiliza el blanco brillante del papel para los efectos de luz y sin intervención alguna del pigmento blanco.
El grano o textura del papel contribuye, en gran parte, a la resolución técnica y a un buen efecto. Los puntos salientes y entrantes del graneado superficial crean una buena profundidad del tono. Existen 3 presentaciones, de pastilla, de tubo y de lápices de acuarela; siempre es recomendable elegir la marca que contenga la mayor cantidad de pigmento posible.
03 Acrilicos
Los acrílicos se caracterizan porque se aglutinan en una emulsión acuosa transparente de resinas polímeras como las que se utilizan en la fabricación de plásticos transparentes. Ésta es la razón por la cual los acrílicos son tan resistentes; la resina una vez seca actúa como un recubrimiento plástico.
Como la base de estos colores es el agua, se diluyen con ella misma y pueden aplicarse en forma pastosa y gruesa, utilizarse en forma cubriente y en veladuras, así como lavarse a modo de acuarelas, es posible elaborar una infinita variedad de texturas con espátulas.
Ilustradores Japoneses
Akino Kondoh
Nació en Chiba, Japón, en 1980, es una artista conocida por sus composiciones sorprendentes y minimalistas, a menudo ejecutadas con nada más que el grafito y acuarela, utilizando el blanco y el negro roto con notas de un intenso color. Sus cuadros parecen existir en un oscuro crepúsculo, muy cerca de los sueños, donde su personaje principal es “Eiko”, la versión ideal de ella misma.
Kondoh se graduó de Tama Art University con una licenciatura en Diseño Gráfico en 2003. Ha realizado exposiciones tanto en Japón como en Estados Unidos, donde ha ganado una gran variedad de premios.
Audrey Kawasaki
De padres japoneses, Audrey nació y creció en los Estados Unidos, sin abandonar sus raíces asiáticas.
Los temas en la obra de Audrey son las contradicciones dentro de sí mismos. Su trabajo es a la vez inocente y erótico.
Audrey utiliza la madera como materia prima. Según declaraciones personales, la blancura de los lienzos “la intimida” y prefiere trabajar sobre bases más sobrias, texturadas y no tan brillantes. Corta y moldea los paneles de madera a mano o con láser, o trabaja directamente sobre la plancha sin alterar su forma natural.
Cada tema es atractivo pero inquietante. Las figuras que pinta son seductoras y contienen un aire de melancolía. Existen en su propio reino sensualmente esotérico, pero al mismo tiempo presenta una sensación de accesibilidad que atrae al observador.
Cosei Kawa
Kawa es una ilustradora japonesa para niños de cero a cien años., según menciona ella misma en varias de sus entrevistas. Estudió Ilustración en la University College Falmouth en el Reino Unido. Y enseña en la Universidad de Kyoto de Arte y Diseño. Sus personajes suelen estar acompañados por pequeños seres dinámicos o envueltos por flores o luces o chispas, parecen estar perdidos en alguna historia o en un planeta desconocido donde
buscan su espacio y aceptan la aventura que se les propone. Su dulzura y melancolía logran despertar la curiosidad, dejando un encanto que te hace querer entrar en su mundo y ser una fiel escudera para compartir sus aventuras.
Hideaki Kawashima
Nació en la prefectura de Aichi en 1969. Se graduó en la Universidad de Tokio Zokei en 1991. “Ha sido la creación de imágenes de los fantasmas flotantes, como las caras en lo que me centrado en los últimos años y me he referido a ellos como algo así como autorretratos. De hecho, yo era como un fantasma. Mis días eran monótonos, sin ningún tipo de fricción. Estaba un poco confuso.
Empecé a girar mis intereses hacia el exterior, con la esperanza de liberarme de la conciencia de mí mismo. Y me decidí a empezar con la pintura de algunos retratos ordinarios. Ellos no son realistas no imitan a modelos en particular, son los motivos de los actores y actrices en películas o personas familiares. Por lo tanto, pienso a menudo en otras personas mientras pinto, entonces, naturalmente, comienzo a sentir afecto por ellos”.
Kana Ohtsuki
Kana Ohtsuki es poco más que una niña. Nacida en Kyoto en 1984, donde vive, se graduó en la universidad Seian de arte y diseño en 2006 y es una ilustradora y “freelance”. Su trabajo se centra en las niñas de secundaria, que refleja con gran emotividad y fragilidad, junto a complejos paisajes. En sus pinturas el ambiente es etereo, como si este mundo y el otro se superpusieran.
Los colores de su paleta, su técnica consiguen una sensación de fragilidad, delicadeza. Es como las imágenes reflejadas en la superficie del agua, nítidas y trasparentes, aunque si los tocas se desvanecen.
Kazuo Oga
Es director de arte y fondista ilustrador de la mayoría de animes de Studio Ghibli. Publicó hace en 2007 algunos libros, como son Totoro No Mori Wo Ega, Oga Kazuo Animation Studio Ghibli Artworks I y II, con sus ilustraciones y técnicas, ha trabajado como fondista y director de arte en películas de tanto renombre como Mi vecino totoro, La princesa Mononoke, El increíble castillo vagabundo, así como en series y en muchas producciones de anime en los Studio Ghibli.
Sus ilustraciones se caracterizan por un alto grado de detalle, colorido y por demostrar un total dominio de la vegetación y ambientes rurales así como de la iluminación. Cabe destacar que realiza sus ilustraciones con técnicas totalmente artesanales.
Kiyo Tanaka
Kana Ohtsuki es poco más que una niña. Nacida en Kyoto en 1984, donde vive, se graduó en la universidad Seian de arte y diseño en 2006 y es una ilustradora y “freelance”. Su trabajo se centra en las niñas de secundaria, que refleja con gran emotividad y fragilidad, junto a complejos paisajes. En sus pinturas el ambiente es etereo, como si este mundo y el otro se superpusieran.
Los colores de su paleta, su técnica consiguen una sensación de fragilidad, delicadeza. Es como las imágenes reflejadas en la superficie del agua, nítidas y trasparentes, aunque si los tocas se desvanecen.
Naohisa Inoue
Naohisa Inoue nació en 1948 en la prefectura de Osaka. Ingresó en la Universidad de Arte de la Prefectura de Ishikawa en 1971. Después de graduarse, trabajó en una agencia de publicidad. Trabajó como diseñador, hasta 1973 para convertirse en un maestro de arte en una escuela secundaria en Osaka. Comenzó su actividad pictórica, mientras se dedicaba a la enseñanza.
Su obra más famosa es una colección de pinturas que representan un mundo de fantasía y magia que él llama Iblard. Sus pinturas han influido en muchos artistas y aficionados… hasta el punto que Iblard se considera una especie de utopía. Una utopía a la que se puede aprender a acceder al contemplar las obras de Naohisa Inoue.
¿Cómo empezaste a dibujar?
Entrevista a Ippe Gyoubu
Demasiado occidental para los japoneses y demasiado japonés para los occidentales. El nexo perfecto entre el mundo de los videojuegos y el de la ilustración contemporánea japonesa.
Dibujo desde que era pequeño, tengo una foto de cuando tenía dos años en la que aparezco dibujando. Cuando entré en la escuela superior, el dibujo no era ya una simple acción, sino un medio de expresión. Y empecé a pensar en cómo ganarme la vida con él.
como los samurais y las geishas. Llevo mucho cuidado con eso de las “atmósferas japonesas”, sé que el público occidental valora mucho la personalidad del artista.
¿Qué te inspira? Los cómics, las películas, el anime, los zapatos y la comida, como el takoyaki y el okonomiyaki.
¿Recuerdas tu primera ilustración, cómo era?
¿Te infuencia en algo la ciudad en la que vives?
Trabajé en una empresa desarrolladora de videojuegos cuando era joven. Me tocó encargarme del diseño de los personajes de un video juego llamado Cool Cool Toon, y esos dibujos acabaron apareciendo en carteles publicitarios.
Vivo en una ciudad tranquila, no me gustan las metrópolis ajetreadas.
¿Por qué decidiste convertirte en ilustrador profesional?
¿Y lo más fácil?
Porque me empezaron a llegar encargos tras diseñar los personajes de Cool Cool Toon.
¿Cómo escoges los colores de tus ilustraciones? Los saco de las zapatillas de deportes vintage. Las viejas zapatillas son asombrosas, combinan los colores fuertes de una manera muy elegante.
¿Cómo le defnirías tu estilo al público occidental? “Japanesque”. Pero no es algo nostálgico,
¿Qué es lo más difícil de ser ilustrador? Seguir en ello.
Empezar. De hecho, eres ilustrador desde el primer día en el que te presentas como tal.
¿Cuál es tu objetivo como ilustrador? Continuar dibujando toda mi vida.
¿Tienes algún buen consejo para aquellos jovenes que están pensando en dedicarse a la ilustración? Sí: la técnica no importa, lo que importa es hacer lo que uno quiere hacer, durante toda la vida. Si eres serio y constante, el trabajo llega.
A rose that never dies Thank you 薔薇
Conclusión
Prácticamente todas las técnicas pictóricas se pueden utilizar para la ilustración, sus materiales y procedimientos son prácticamente los mismos, pero la diferencia se da dentro de los propósitos que conforman las imágenes. El uso de las técnicas y la cercanía con los diferentes materiales nos da sensibilidad para la creación de nuevas imágenes, claro está, sin dejar de lado los materiales y herramientas electrónicas que poseemos hoy en día, se humaniza a la imagen y se dan más posibilidades de creación. Dibujar no es ilustrar e ilustrar no es dibujar.
La fuerza de la ilustración, y el número casi infinito de formas en que puede usarse, ha hecho que no desapareciera o fuera relegada a medida que las técnicas fotográficas y digitales han ido creciendo. Lo cálido y humano de la ilustración es la cualidad especial que por encima de otra cosa, siempre formará parte de las herramientas del Diseñador Gráfico.
Fuentes de Consulta - Slade, Catharine. Enciclopedia de Técnicas de ilustración. Acanto. Barcelona. 1998. - Laing, John. Materiales Gráficos y Técnicas. Thursen Hermann Blume. España. 1996. - Magnus, Gunter Hugo. Manual para dibujantes e ilustradores. Gustavo Gili, S.A. Barcelona. 1982. - Doerner , Max. Los Materiales de pintura y su empleo en el Arte. Reverté, S.A. España. 1996. - Harrison, Hazle. Enciclopedia de Técnicas de Pintura Acrílica. Acanto, S.A. España. 1995. - Técnica de la Acuarela. L.E.D.A. Barcelona.1987. - Becerra, Gonzálo. Gómez Morin, Mauricio. Ilustración en Scrath, técnicas y materiales. UAM. México. 1991