COLEGIO NUEVA CONSTITUCIÓN – I.E.D. “Líderes éticos y conciliadores capaces de construir y transformar mediante una comunicación asertiva”
ÁREA TECNOLOGÍA E INFORMÁTICA DOCENTE: WILSON CASAS TEMA: ESTUDIO FOTOGRAFICO Y PLANOS FOTOGRAFICOS Para empezar a generar foto estudios, montajes y tomar capturas bajo planos fotográficos establecidos, primero debemos saber sobre la iluminación y puesta en marcha de los escenarios que se necesitan para elaborarlos, por lo tanto el taller se dividirá en dos partes, la primera que es una construcción teórica y la segunda que será el montaje y las prácticas de la teoría en donde nos daremos cuenta si lo que hicimos funciona o si falta generar algo dentro de los procesos de capturas de las tomas. FASE 1 (Dos horas) Consultar y definir las siguientes cosas que realizaremos en la segunda parte del taller, explique sus respuestas de forma puntual: •
¿Qué es un RETRATO? RTA: es una Representación de una persona o personaje en dibujo, pintura, escultura o fotografía.
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¿Qué partes se deben enfocar dentro de un retrato?
RTA: tu cámara puede ofrecerte la posibilidad de elegir entre enfoque manual y enfoque automático. Con el primero (Manual Focus), el fotógrafo ha de mover convenientemente las lentes de su objetivo para poder enfocar. Este modo es propio de cámaras réflex. El segundo (Auto Focus), es la cámara la que se encarga de ajustar las lentes del objetivo convenientemente para que el objeto quede perfectamente enfocado. Este modo sí está presente en prácticamente todo tipo de cámaras (incluidas, por supuesto, las de tipo réflex). este último modo, a su vez, se divide en 2 ó más modos, en función de si lo que tratamos de fotografiar es un objeto estático o en movimiento. •
¿Qué debe ver estar viendo el modelo y hacia qué dirección?
No dejar que la cámara o la persona que toma la foto te intimide. La mejor forma es mentalizarse en que estás solo y que nadie te observa mientras posas para la foto.
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El modelo debe evitar estar rígido y nervioso. Practica tu mejor toma facial y escoge tu mejor sonrisa, tus gestos más atrevidos y tus miradas de encanto. Trata de mantener la mirada fija en un punto, para que no se note en los ojos la clásica mirada cuando se está viendo a un frente amplio. Esto hace que la mirada no parezca enfocada y se pierde intensidad en la fotografía. Si quieres transmitir una mirada intensa, trata de mirar desde abajo con el rostro levemente inclinado y mirando a un punto fijo en la cámara. •
¿Cómo debe quedar el fondo de la imagen? RTA: Depende del tamaño de la pantalla que tengas, lo usual para pc de escritorio es de 1280X768. Puedes mirar la configuración entrando por click derecho sobre el escritorio resolución de pantalla y colocar la máxima si deseas que ocupe todo el escritorio, respecto a la calidad de la foto debe ser alta para q no se pixeles minino 6 megapíxeles
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¿El modelo debe estar en movimiento? RTA: El término postura corporal es tan amplio y ambiguo que para definirlo deberemos conocer y diferenciar tres conceptos básicos: Posición: es la relación de la totalidad del cuerpo y el medio que le rodea. Postura: etimológicamente proviene de la palabra latina positura, que significa planta, acción, figura, situación o modo en que está colocada una persona, animal o cosa. Si atendemos a criterios funcionales, podrían entenderse como la tensión que nuestro cuerpo desarrolla para conseguir la posición ideal con una eficacia máxima y un gasto energético mínimo. Actitud: es el resultado final de un complejo proceso (mental y físico) de equilibrio muscular llevado a cabo por el conjunto de posturas que adoptan todas las articulaciones del cuerpo en un momento determinado.
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MODELO POSTURAL CORRECTO. Se entiende por modelo o estándar postural correcto el equilibrio y la alineación ideal de todos los músculos, las articulaciones y los segmentos corporales en base a una serie de principios científicos y anatómicos que sirven de guía. Postura correcta: Cabeza: Se debe colocar en posición recta, en equilibrio, sin que la barbilla esté demasiado alta (cabeza hacia atrás) ni demasiado baja (cabeza hacia abajo). Hombros: Deben colocarse nivelados y, en una visión lateral, ninguno debe estar ni hacia delante ni hacia atrás. Los brazos se deben dejar relajados, colgando perpendiculares al cuerpo con las palmas mirando hacia éste. Las escápulas deben permanecer planas, sin los omóplatos demasiado hacia atrás ni demasiado separados. Pecho: Se debe colocar hacia delante y hacia arriba, y se debe mantener la espalda alineada. Como referencia, la posición debe estar entre la inspiración completa y espiración forzada. Columna y pelvis: Debe respetar las cuatro curvas naturales (cuello y lumbares hacia delante y dorsales y sacro hacia atrás) y las caderas han de estar niveladas. Influyen el lado hábil, o lateralidad, de la persona. DOCENTE WILSON CASAS
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Abdomen: Lo que más influencia tiene en esta parte del cuerpo, es la edad de la persona. En edades tempranas el abdomen es prominente en los niños mayores y los adultos es más liso. Rodillas y piernas: Deben mirar hacia delante y estar rectas de arriba hacia abajo. Si las miramos de lado, no deberá estar una más adelantada que la otra. Pies: Se deben colocar paralelos, con las puntas de los dedos hacia fuera y hacia delante y deben soportar el peso por igual.
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¿A qué nivel deben estar los ojos?
RTA: en un nivel que cuando se tome la foto salga bien que no tuerza los ojos Mire fija mente a la cámara no habrá tanto los ojos y no haga miradas rayadas solo fijas al enfoque de la cámara.
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¿SI sale el fondo, cómo debe generarse la captura? RTA: LA IMAGEN DIGITAL Vivimos una era en la que todas las formas de la información están sufriendo un proceso de digitalización. Las imágenes, por supuesto, no han podido escapar a este proceso. La fotografía, el cine, la televisión, el diseño gráfico e, incluso, el diseño industrial producen miles de imágenes digitales, que son almacenadas en algún soporte físico, enviadas por un medio de transmisión electrónico, presentadas en una pantalla o impresas en papel en algún dispositivo. Muchas personas, cuando se quieren comprar una cámara de vídeo o un escáner, escuchan atentamente los consejos del vendedor pero no entienden bien lo que les dice: “megapíxeles”, “puntos por pulgada”, “profundidad de color de 32 bit”. Vaya un lío. ¡Qué lejos están las películas fotográficas de 35 milímetros y el positivado en papel fotográfico!
MÁGENES VECTORIALES Las imágenes vectoriales están compuestas por entidades geométricas simples: segmentos y polígonos básicamente (de hecho, una curva se reduce a una sucesión de segmentos). Cada una de estas entidades está definida matemáticamente por un grupo de parámetros (coordenadas inicial y final, grosor y color del contorno, color del relleno, etc.) Por compleja que pueda parecer una imagen, puede reducirse a una colección de entidades geométricas simples. La imagen siguiente es una imagen vectorial:
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IMÁGENES BITMAP Las imágenes de mapa de bits están construidas mediante una gran cantidad de cuadraditos, llamados pixel. Cada uno de estos cuadraditos está relleno de un color uniforme, pero la sensación obtenida es el resultado de integrar visualmente, en la retina, las variaciones de color y luminosidad entre píxeles vecinos.
Las imágenes bitmap no permiten el cambio de escala. Observa, en la imagen siguiente, lo que pasa al hacer zoom sobre las flores de la imagen anterior: los píxeles son evidentes y la representación es totalmente irreal. Este efecto, que se conoce con el nombre de pixelado se hace más evidente en las líneas curvas y en las zonas en las que hay cambios bruscos de luminosidad. DOCENTE WILSON CASAS
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PROFUNDIDAD DE COLOR Cada uno de los píxeles de una imagen bitmap está coloreado con un color homogéneo. Así pues, el archivo que contiene los datos de la imagen debe contener la información del color de cada uno de los píxeles. ¿Cuántos bit se emplean para albergar esta información? Eso es lo que se conoce con el término profundidad de color de una imagen. Profundidad de color es el número de bits utilizados para describir el color de cada pixel de la imagen. Es obvio que, cuanto mayor sea la profundidad de color de una imagen, más colores tendrá la paleta disponible y, por tanto, la representación de la realidad podrá hacerse con más matices, con colores más sutiles.
Y así, cuanto mayor sea la profundidad se utilizará una cantidad mayor de colores para describir la imagen. En la tabla siguiente tienes el cálculo de los colores disponibles para cada profundidad: DOCENTE WILSON CASAS
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Profundidad
Colores
1 bit
2
4 bit
16
8 bit
256
16 bit
65536
32 bit
4294967296
¿Si mira hacia algún lado la modelo en que parte debe estar dentro la foto? RTA: Parecer un modelo no implica saber posar como tal; los modelos no cobran simplemente por ser guapos y sentarse frente a una cámara sin más. El éxito que puedan lograr en el negocio dependerá de su habilidad para posar y para colaborar con el fotógrafo, proporcionando imágenes interesantes y aptas para el mercado. Tanto si quieres ser modelo como si simplemente quieres ser más fotogénico, los siguientes consejos te ayudarán a alcanzar nuevas dimensiones cuando poses frente a una cámara.
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Encórvate un poco, pero mantén la cabeza erguida. A veces tendrás que abrir los hombros para posar pero, por lo general, adoptar una postura ligeramente encorvada te ayudará a crear una imagen natural, con actitud relajada. Sin embargo, esto no significa que tengas que encorvarte por completo (a no ser que sea el efecto buscado en alguna sesión fotográfica de moda): Con "encórvarte un poco" queremos decir "sé natural". La mayoría de la gente no es consciente de que se encorva cuando lo hace, así que no exageres tu tendencia natural a cerrar los hombros y curvar la espalda. Muéstrate fuerte de la cabeza a los pies. Todo tu cuerpo debe estar despierto, con vida. Piensa en un bailarín; mientras baila, es consciente del movimiento de todas y cada una de las partes de su cuerpo, incluso cuando está parado de pie. No debes dejar que ninguna parte de ti parezca un espagueti cocido: Comienza prestando atención a la zona del abdomen y el torso (esto te ayudará a meter tripa) y, después, implica también las extremidades. Busca la asimetría. Para conseguir una imagen más interesante, asegúrate de buscar posiciones distintas a cada lado de tu cuerpo. Puedes adoptar una actitud dramática y hacer algo totalmente distinto con cada extremidad, inclinando la cabeza hacia un lado, si esto encaja con la intención del fotógrafo: Recuerda, eres parte de una fotografía. Lo importante de la fotografía no es lo increíblemente guapo que seas, sino la estética y el concepto de la imagen. Incluso con el mejor maquillaje y el mejor peinado del mundo, si no creas ángulos interesantes, la fotografía no resultará tan espectacular como podría llegar a ser. No dirijas tu nariz hacia la cámara. Mirar hacia la cámara totalmente de frente puede funcionar para obtener fotografías dramáticas, pero por lo general, es mejor colocar el rostro formando un ángulo con la cámara y dirigir la mirada hacia el objetivo desde esa posición: Aprende a distinguir qué ángulos favorecen DOCENTE WILSON CASAS
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más a tu rostro. ¿Tienes la mandíbula grande? Inclina la cabeza hacia arriba y gírala ligeramente hacia un lado. Ten en cuenta la dirección de la que procede la luz. Recuerda que la luz arroja sombras, e incluso cuando es tenue, afecta al aspecto del rostro. Si la luz sale desde arriba, inclinar la nariz hacia abajo puede hacer que la frente arroje una sombra sobre los ojos, lo cual será estupendo si quieres obtener una fotografía siniestra, pero no si quieres proyectar una imagen agradable y amistosa. Mira a todas partes. Aunque puedas obtener una fotografía interesante mirando directamente a la cámara, tendrás muchas más opciones si miras a otros puntos: Ten cuidado con la típica mirada dirigida hacia el horizonte. En el mejor de los casos, tu mirada resultará trascendental; en el peor, se notará que intentas conseguir (sin éxito) una mirada trascendental dirigiéndola hacia el horizonte. Utiliza este tipo de mirada sólo de forma muy sutil. Gírate un cuarto con respecto a la cámara. Girarte ligeramente con respecto a la cámara te ayudará a parecer lo más delgado posible: Situándote totalmente de frente a la cámara, te sentirás totalmente expuesto(a) y mostrarás tu lado más vulnerable (lo cual es aplicable a muchas situaciones de la vida real, también). Si te giras un cuarto, muestra tu mejor lado para obtener el mejor resultado posible en la fotografía. No te olvides de las manos. Posiblemente, lo más complicado de posar como modelo sea decidir qué hacer con las manos, que suelen quedarse colgando de forma incómoda: Una regla de oro consiste en mostrar el canto de la mano. De esta forma, alargarás la línea del brazo lo máximo posible. Además, evitarás el miedo a mostrar unas manos estropeadas o envejecidas y a colocarlas de forma extraña.
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¿La mirada proporciona espacio? RTA:
La composición es fundamental para conseguir una imagen de calidad. Una composición bien equilibrada proporciona una agradable sensación a la vista. Muchas veces observamos fotografías y no sabemos porque algunas nos merecen nuestra atención y otras pasan desapercibidas. La diferencia está en la composición. Los microprocesadores implementados en la tecnología fotográfica digital consiguen que las cámaras fotográficas proporcionen fotografías bien enfocadas y con la exposición correcta, pero la composición aun sigue siendo DOCENTE WILSON CASAS
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competencia única del cerebro humano. Para ello hay que educar nuestro cerebro de fotógrafo para que sea capaz solamente con la mirada seguir las siguientes reglas o recomendaciones para conseguir una buena composición. Las reglas son las siguientes: Sencillez La primera regla de la composición fotográfica es mantener la escena tan simple como sea posible. La fotografía tiene que centrarse en un solo elemento o motivo y hay que buscar fondos sencillos, que no destaquen del elemento o motivo principal de nuestra fotografía. La información de la fotografía tiene que ser simple y directa. Regla de los tercios El punto de interés tiene que estar situado fuera del centro de la composición. Dividimos el fotograma en dos líneas verticales y dos horizontales. El elemento que nos interesa destacar lo situaremos en uno de los puntos de intersección de estas líneas.
Líneas Las líneas ayudan a conducir la mirada hacia el motivo principal de la fotografía. Las líneas diagonales proporcionan dinamismo y conducen la visión hacia el motivo principal al mismo tiempo que sugieren continuación. La utilizaremos para resaltar motivos arquitectónicos o artificiales. Las curvas en S como un rio o camino las utilizarnos para resaltar motivos naturales, como en paisajes y panorámicas. Equilibrio o Balance: Es la disposición de las formas, colores, luces y sombras de manera que se complementen. Hay que considerar todos los recursos disponibles delante de una escena, como los objetos, las líneas o formas, los colores o texturas. La fotografía tiene que contar una historia por sí misma, aquello de que una imagen vale más que mil palabras en fotografía tiene su aplicación directa. La imagen necesita al menos mil palabras para poder expresar su contenido.
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Enmarcar: Se utilizan los elementos disponibles en la escena para enmarcar el motivo principal y resaltarlo. En una fotografía de paisaje, arquitectura o gente es útil re encuadrar la escena y buscar un objeto en el primer término que sirva de marco natural al elemento principal. Por ejemplo podemos utilizar los arcos de un edificio, una valla, una puerta, una ventana o las ramas con hojas o flores de un árbol, aunque no tienen que ser muy llamativos. De esta manera se consigue crear la profundidad de campo. Relación figura-fondo: Hay que vigilar que no se produzcan límites confusos entre el fondo y los primeros planos, tiene que haber un punto de interés claro y resaltado. Si no lo encontramos simplemente intentemos acercarnos más o utilizar un objetivo de mayor distancia focal. Lo mejor es utilizar un objetivo con una abertura grande y desenfocar el fondo. Bien, no siempre se tienen que seguir estas reglas, pero si lo hacen conseguirán más fotografía interesante y empezaran a educar el cerebro para que actué como cazador de instantáneas. •
¿Qué Características tiene el plano General? El Plano General, denominado en ingles “long shot” o toma larga suele abarcar la totalidad de un escenario natural o un decorado. La figura humana aparece en su totalidad pero sin apreciarse excesivamente sus rasgos, sirve para integrar al personaje o personajes dentro de su contexto. Suele expresar las ideas de soledad, fatalidad, impotencia, infinitud, lucha contra la naturaleza, vida salvaje.
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El plano general define todos los elementos que aparecen en una determinada escena: personaje o personajes, decorado, fondos, etc. De esta manera el espectador puede conocer en todo momento qué elementos y circunstancias cuentan en una determinada secuencia. Se trata de un plano complejo de realizar, puesto que hay que prepararlo minuciosamente para que no se escape ningún detalle. Muchas veces se utiliza como plano de transición para situar al espectador y pasar a un plano medio o primer plano. Si se pasa de un plano general a un plano más cercano, el espectador no sufrirá impacto alguno y conocerá sin confusión la posición relativa del contenido del último plano. El plano general es útil en escenas donde el personaje o personajes no tienen que hablar, sino sería difícil apreciar que personaje habla en cada momento y se perdería el ritmo de la conversación. La clasificación de planos no es una ciencia exacta y pueden confundirse algunos de ellos, según si nos centramos en el personaje o el ambiente. Jo bromeo siempre con la carrera de cuadrigas de Ben-Hur, magníficos planos generales de Stephen Boyd (Messala) y Charlton Heston (BenHur) y el doble Joe Cannutt hijo de Yakima Canutt. Este último lo conocerán por ser el indio que salta de caballo en caballo hasta acabar debajo de las ruedas de la diligencia en la película de John Ford “La diligencia”. Como curiosidad, Joe Canutt perdió el control de una cuadriga en una escena y arrolló a una cámara, destrozándola por completo. Lo peor era que era una de las tres únicas cámaras de 65 mm del mundo y todas estaban en el set de rodaje. Pues bien, como decía, los planos generales son magníficos pero son planos americanos para los caballos, están encuadrados de rodillas para arriba. También es difícil distinguir entre un plano general y un plano de conjunto cuando se hace referencia a los personajes que intervienen.
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¿Qué Características tiene el plano Americano?
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Plano americano: El Plano americano (P.A.), o también denominado 3/4, o plano medio largo, recorta la figura por la rodilla aproximadamente. Es óptimo en el caso de encuadrar a dos o tres personas que están interactuando. Recibe el nombre de "americano" debido a que este plano apareció ante la necesidad de mostrar a los personajes junto con sus revólveres en los westerns americanos.
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¿Qué Características tiene el plano Medio? Plano medio: En este se muestra al modelo desde la cabeza hasta la cintura, y también se puede emplear para fotografiar a varias personas interactuando. Se emplea con regularidad en la fotografía de moda ya que permite destacar la belleza de la persona.
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¿Qué Características tiene el plano Medio cortó? Plano medio corto: Se le puede conseguir con otros nombres como plano pecho o plano busto, aunque en lo personal me parece más profesional llamarlo plano medio corto, y consiste sencillamente en mostrar a la persona desde la cabeza hasta la mitad del pecho. La idea de este tipo de plano es enfocar la atención exclusivamente en la persona aislándola de su entorno.
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¿Qué Características tiene el Primer Plano? primer plano: Se emplea generalmente para destacar la mirada o el gesto de una persona, y el encuadre va desde la cabeza hasta los hombros. Es el más indicado para el retrato del rostro, ya que, destaca los detalles. Suelen usarse encuadres verticales, aunque esto no es una regla estricta
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¿Qué Características tiene el Primerísimo Primer Plano? Primerísimo primer plano: Este tipo de plano es mucho más agresivo e íntimo que los anteriores. Se logra encuadrando desde la cabeza (cortando por el medio o por encima de la frente) hasta la punta del mentón. Hay que cuidar mucho los detalles en este tipo de plano, controlar el enfoque y la profundidad de campo es primordial, de lo contrario se puede estropear la captura.
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¿Qué Características tiene del plano Picado? Plano picado Cuando la cámara se sitúa por encima del centro geométrico del personaje. Entonces en el encuadre el personaje se sitúa en una posición inferior, tiene que alzar la vista para observar, como si viera pasar un avión que se le viene encima. En realidad se le viene encima la cámara, de ahí el nombre de picado. Puede utilizarse para dar la impresión subjetiva de que el personaje se siente en una posición vulnerable o de inferior posición social, etc. El plano picado sirve también para cerrar la escena final de una película, como en “Casablanca”. Rick y Renault se alejan entre la niebla, mientras la cámara se mueve lentamente hasta conseguir un plano picado, la sensación es la de transmitir una sensación nostálgica y de continuidad en los personajes más allá del final de la película.
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¿Qué Características tiene el plano Contrapicado? Plano contrapicado Cuando la cámara se sitúa por debajo del centro geométrico del personaje. En este plano el personaje se sitúa en una posición superior, tiene que bajar la vista para observar. El ejemplo típico es el de un personaje situado en una ventana o balcón, cuando es observado por otro personaje desde la calle. El plano contrapicado coloca al personaje encuadrado en una situación de superioridad. Una variante del plano contrapicado es el plano cenital. En este caso la cámara se encuentra formando un ángulo de 90 grados respecto la línea de tierra. Dicho de otra manera, es un plano vertical tomado de arriba abajo. El plano cenital suele tener un fuerte impacto visual, como ocurre en Blade Runner cuando Deckard está colgado de la viga y observamos el abismo que se encuentra a sus pies.
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¿Por dónde deberán ir los cortes o bordes de la fotografía? Si usas Indesign, Corel Draw, Illustrator o freehand, en el tamaño de la página del programa ingresa la medida que te indican como final, ya que ese será el tamaño que tenga tu anuncio ya impreso (por eso le llaman medida final). Si usas Photoshop ingresa en el tamaño del archivo la medida que te indican como rebasado, ya que este programa no maneja páginas, sino imágenes a determinado tamaño. Como te menciono, la medida final se refiere al tamaño definitivo al cual quedará impreso tu anuncio, al cual ya le cortaron un poco de papel para que todas las páginas de la revista queden parejas y del mismo tamaño (a este proceso se le llama refine). Digamos que tu diseño debe llenar ésta medida porque es lo que el lector verá. Seguramente has visto anuncios en los cuales una fotografía ocupa todo el espacio de la hoja de la revista, sin margen alguno entre la imagen y la orilla del papel. Para lograr eso en el original del anuncio la fotografía en cuestión debe ser más grande que el tamaño final, debe quedar al tamaño de rebasado. Si analizas las medidas que te dieron verás que la medida de rebasado es ligeramente más grande que la medida final (generalmente entre 3 y 5 mm más por cada lado). Si no se hiciera esto, cuando la revista pase por el proceso de refine (el que te describí antes) entonces puede quedar una linea blanca entre el borde del papel y la fotografía del anuncio. Por lo anterior cualquier elemento de tu anuncio que quieras que quede hasta el borde del papel debes de “rebasarlo”, (prolongar su tamaño hasta la medida de rebase que te indicaron los de la revista). En otras palabras, el tamaño de rebasado es un margen exterior, el cual garantiza que los elementos del anuncio que deban llegar al borde del papel efectivamente lleguen. La caja es un margen interior. Si revisas las medidas que te dieron verás que es más pequeño que la medida final. Esta medida también es de protección contra la falta de exactitud del refine, me explico: como los impresores le cortan el papel sobrante a pilas formadas por bastantes revistas mediante una guillotina industrial, no es posible garantizar que el corte quede en el mismo lugar del anuncio en todos los ejemplares, lo
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cual puede llegar a cortar algún texto importante del mismo, o una imagen. La medida de caja es un margen imaginario que los diseñadores de anuncios deben respetar para evitar que se corten elementos importantes. En otras palabras: textos, logotipos, fotografías de los productos, marcas etc. deben quedar dentro de la medida de la caja o pueden quedar cortados en la revista final. En diseño editorial la medida de la caja estrictamente corresponde al espacio que ocupa el texto de párrafo, pero como mencionas que vas a hacer un anuncio, por eso te hago los comentarios anteriores y extiendo la definición de dicha medida. POSES DEL RETRATO FOTOGRAFICO •
¿Qué es perfil delantero? que es el perfil delantero Perfil Delantero Perfil delantero. En este tipo de pose el sujeto ha de situarse enfrente del fotógrafo y con los hombros alineados perpendicularmente a la línea que le une con éste. Y, a continuación, girar la cabeza de modo que muestre uno de los perfiles de su rostro. Estas tomas darán una sensación de evasión, de tranquilidad y de paz en el modelo. Aunque habrá que procurar que el sujeto relaje su rostro y mire hacia un punto en el infinito para conseguir el mejor resultado. Un gesto forzado y antinatural o una posición incómoda en su cuello evitarán lograr el resultado buscado. Por lo que se deberá aconsejar al sujeto retratado que se relaje y pose naturalmente. Como en cualquier tipo de retrato, por otra parte. En función de si su perfil es más o menos bonito (hay narices que pueden querer disimularse), se le pedirá que gire más o menos la cabeza. Pero siempre buscando la naturalidad en la pose. En cualquier caso, la mirada no deberá ir dirigida al fotógrafo, sino hacia uno de los lados. Ya que, de lo contrario, estaríamos hablando más de una pose tipo tres cuartos.
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¿Qué es un perfil de ¾ delantero?
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que es un perfil de 3/4 delantero El retrato de frente es aquel donde el rostro y el cuerpo de la persona retratada son paralelos al plano de la cámara. El retrato de perfil es aquel donde el rostro y el cuerpo de la persona retratada están a 90 grados del plano de la cámara. Es decir, la persona retratada está de lado y sólo se capta uno de los lados de la misma, ya sea el izquierdo o el derecho. El retrato de 3/4 es aquel donde el rostro y el cuerpo de la persona retratada están a 45 grados del plano de la cámara. Es decir, la persona retratada está girada respecto de la cámara en un posición que deja ver uno de los lados de la persona, ya sea el lado izquierdo o el derecho y parcialmente el otro.
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¿Qué es un perfil Frontal? cuando se toma la foto de frente lo que quiere decir de cara.
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¿Qué es un perfil ¾ trasero? cuando se toma la foto de espalda con una pose y mostrando la cara.
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LUZ COMO ELEMENTO CREATIVO •
¿Qué es Contraluz? que es contraluz Efecto que se obtiene de colocar las figuras de un cuadro o dibujo en tonalidades oscu ras recortadas sobre una fuente de luz pictórica. El efecto puede ser obtenido obviamente también mediante contrastes de colores. Es considerado como un recurso "efectista" dado el mal uso o abuso que de él han hecho pintores o dibujantes de escasa o ninguna significación. A pesar de ello, maestros como Duero, Rembrandt, Goya, entre muchos otros, han utilizado con sabiduría y mesura este recurso poniéndolo al servicio de fines artísticos y no como mero "trompe l'oeil" (V.) ya sea para destacar el interés en un centro pictórico o bien para enriquecer el significado mismo del tema con alto valor simbólico. (V.) Luz simbólica. Al respecto, cuando se aprecia una obra de ese carácter deben también considerarse para una acertada valoración los aspectos culturales de la época en que está inscripta aquélla; independientemente de esto último, el contraluz logra en general cierto efecto siniestro o cuando menos misterioso en el espectador, posiblemente por la falta de detalles en las superficies de las figuras iluminadas desde atrás, la clave de valor empleada, su carácter negativo y la ausencia casi total de modelado en aquéllas. Para un empleo acertado del recurso, además de lo expresado debe considerarse su inserción correcta en el plan general de la obra, integrándolo como un elemento que no se constituya en un único foco de atracción sino usándolo noblemente para reafirmar o vigorizar el contenido
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¿Qué es Luz directa?
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Luz Directa Se denomina luz directa, a la luz en la cual el rayo se dirige desde la fuente de luz hacia la superficie. Si en el rayo de luz no interfiere ningún obstáculo, al punto en la superficie se le considera iluminado
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¿Qué es Luz rebotada? luz rebotada Hay tres maneras de arrojar la luz sobre la figura. La primera es dirigir el foco directamente sobre la escena. La segunda es poner un filtro, la tercera rebotarla contra el techo u otra superficie. Son las tres maneras de iluminar: con luz directa, con luz filtrada y con luz rebotada. La luz directa es cuando apuntas el foco directamente sobre la figura. Tu foco puede ser abierto o cerrado. El foco abierto es el que no tiene ni filtro ni lente que lo tape, con lo que ten cuidado de no meter la mano que quema. El foco abierto produce sombras dobles, para quitarlas ciérralo. Ponle un filtro difusor, si no quieres que pierda mucha luz usa un filtro de tipo frost (la pérdida típica es de un cuarto de paso). Los fresnel y los PC son focos cerrados con lente, no con filtro. La luz filtrada es cuando pones un filtro algo lejos del foco. No es lo mismo que cuando lo pones en la boca para cerrarlo. Un foco filtrado suaviza la dureza pero pierde diafragma y amplía la cobertura. El filtro quita al menos dos pasos porque actúa de dos maneras: reduce la intensidad por transmisión y cambia la distribución fotométrica de la luz. Cuando rebotas la luz cambias también su distribución fotométrica y la cobertura. La luz directa es la más fácil de controlar, siempre puedes recortarla y decidir donde cae y donde no, pero te da mucha diferencia entre lo que está cerca y lo que está lejos del foco. No es una buena luz para iluminar figura y fondo a la vez.. Con la luz filtrada tienes un control medio, suavizas la luz aunque te resulta difícil de decidir donde cae. Con la luz rebotada al techo das una buena uniformidad y das una luz muy semejante a la figura y al fondo pero no te deja controlar donde cae: lo rellena todo.
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RETRATOS •
¿Qué es un Retrato comercial? retrato comercial En este tipo de retratos contretamente necesitaremos tres reflectores plateados y una ventana de luz difusa. Colocamos dos reflectores a ambos lados del sujeto. El tercero lo pondremos en 45 grados aproximadamente de abajo a arriba y de frente al sujeto. La ventana de luz principal iluminará desde arriba. La configuración Si os fijáis, lo que estamos haciendo es dirigir toda la luz hacia el sujeto buscando minimizar/suavizar el impacto de las sombras. Para la cámara y darle un toque distinto a los retratos de Peter Hurley se ha trabajado a 1/200”, f/8 e ISO 100. Cómo hacer retratos comerciales de forma fácil y económica usando reflectores Comentarios 3 Compartir en Facebook Twitter Google+ E-mail De pequeño leí una biografía del conocido inventor estadounidense de origen holandés, Thomas Alva Edison, en la que contaba que el pequeño Thomas salvó la vida de su madre gracias a luz. La cuestión fue que su madre, bastante enferma, necesitaba ser operada de urgencia y no podía moverse. Por lo cual debían operarla allí en la casa. El médico se negaba a hacerlo ante la falta de luz de aquella casa en que vivían. El joven Edison agarró todos los candelabros que encontró, los llevó a la habitación de su madre y además colocó innumerables espejos en la habitación que le habían prestado los vecinos. La habitación resplandecía. Su madre se salvó y se había puesto el germen de algo que cambiaría el destino de la humanidad: la bombilla. En realidad Edison no hizo más que concentrar la luz. Real o no, el caso es que la anécdota de Edison me recuerda que, muchas veces, no reparamos en ciertos detalles a la hora de realizar un retrato: Reconducir la luz, leerla, entenderla de nuevo. Es cierto, nos acordamos de modificarla, nos acordamos de dirigirla pero por el camino mucha luz se pierde. Mucha gente piensa, a pesar de que os recordamos lo contrario a menudo, que a más equipamiento mejor. Andan metidos en la compra y venta sistemática de sus cámaras, objetivos o flashes todo el día, agitando el mercado de la segunda mano. es cierto que un buen equipo permite hacer más cosas, pero significa que las vayas a hacer bien. Y si no las comprendes, mucho menos. Recuerdo que siempre me ha dicho la gente que, verdaderamente, sabe de esto
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que hay que leer la luz, hay que comprenderla, catch the light que dicen en EE.UU. Por eso en los retratos de hoy – headshots, primeros planos – vemos que podemos partir de una sola fuente de luz podemos multiplicar haciendo uso de reflectores para conseguir un look similar o muy parecido al del conocido retratista Peter Hurley. Por eso tampoco hace falta realizar una potente inversión de dinero en sistemas como los Kino Flo, que son usados a un alto nivel profesional.
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¿Qué es un Retrato Artístico? retrato artistico El género, con muy diversos estilos y finalidades, ha estado presente en casi toda la historia del arte. Hoy, este psicólogo y artista plástico nos habla del tema como camino de búsqueda espiritual y autoconocimiento. Comencé a hacer retratos en la adolescencia y con los años crecí en esta tarea. En los últimos tiempos fui prestando más atención a algo interesante que aparece en muchos retratos y al proceso que lo acompaña. Algo que se percibe más allá del parecido formal del retratado y que es su expresión, el gesto, la mirada, rasgos que corresponden a su personalidad y hasta podríamos decir al alma de esa persona. Cuando esto aparece en mis retratos confieso que es algo que me excede, que me trasciende y no depende de mí. Pienso que sólo en parte contribuye a ello mi habilidad artística y mi experiencia como psicólogo. Ocurre a veces que cuando estoy trabajando frente al modelo y reviso lo que vengo haciendo con mirada y actitud crítica e introduzco cambios como para mejorarlo, la obra no surge, o lo alcanzado hasta el momento se va perdiendo, va cayendo. Mientras que cuando me aboco humildemente al trabajo, observando el modelo, silenciando la mente y construyendo el retrato parte por parte, concentrado y sin detenerme, al cabo de un tiempo y de un avance significativo de la obra me detengo, lo contemplo en su conjunto, y entonces aparece allí ese resultado que me
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sorprende y que siento como un regalo mayor. También hay algo que siempre me ha gustado y que algunos cuestionan hoy como tarea propia del arte y es eso de la belleza, la armonía y el agrado que siento cuando trabajo en esa dirección. Considero que esa tarea que también aparece en otras actividades humanas, en el arte cobra una relevancia especial. Y me ocurre muy particularmente con el retrato pues al tener que expresar en él lo que capto de la persona, me siento atraído por la belleza que voy encontrando en ella y trabajo para exteriorizarlo así en la obra. Y resulta finalmente una confirmación positiva para la persona retratada. Siente la alegría de verse en armonía y eso promueve un buen reconocimiento y apreciación de sí misma. Esto coincide con el modo con que trabajo en el consultorio, promoviendo y ayudando a desarrollar al máximo el potencial de cada uno. Con el retrato sentí la tentación de llamarlo terapéutico pero resulta excesivo. Basta con decir que es estimulante, alentador y por supuesto verídico. Suelo decir con frecuencia y buen humor a quienes quieren retratarse y temen por algún rasgo que no les gusta, que no teman porque yo pinto el alma del retratado y que el alma siempre es bella. Y lo disfruto mucho y el retratado también. Resulta un encuentro e intercambio muy valioso. Elementos en juego Según la persona a retratar, van mejor algunas técnicas y materiales que otros. Y esa elección, cuando es posible, suele resultar acertada de un modo no muy pensado sino más bien intuitivo, incluso variándolo sobre la marcha. Así por ejemplo el cómo expresar la transparencia de una mirada, la suavidad de una piel, la firmeza de una actitud, la experiencia en un rostro mayor, la frescura de una sonrisa, la profundidad de unos ojos, el ensueño...Y así para eso disponemos por ejemplo de la transparencia de las acuarelas, la profundidad de óleo, las suavidades que permite el pastel, los trazos netos del acrílico. O los contrastes con la carbonilla y las aguadas con tinta china. Y la capacidad de los lápices para describir detalles importantes con precisión. Son todos recursos y aplicaciones para presentar en el soporte a esa persona, expresando allí su interioridad. De ahí también las posibilidades que ofrecen las técnicas mixtas con las que, apelando a diferentes recursos en una misma obra, uno va logrando progresivamente decir lo que está captando y en la forma con que lo quiere expresar. Los colores juegan también su papel fundamental, como las líneas y las formas, los planos y los claroscuros, con sus valores de luces y sombras. Todos son recursos y realidades en sí mismas con sus propias dimensiones, lenguajes y mensajes. Todo funcionando en armonía como en una orquesta. Cuando uno se da cuenta de todo esto se maravilla y está a un paso de ponerse en contacto con esa gran Obra que es la Creación del universo, con su enorme unidad y esa infinita diversidad que podemos observar en todas partes. De ahí que el camino del arte y del artista –que los somos todos de alguna forma– es también un camino hacia el Creador. Ese enorme Artista por cierto que además de su ingenio e inventiva y la amorosa bondad con que hizo y hace cosas, nos permite disfrutar de esa belleza, aprender con ella y seguir trabajando con esos valores. Arte con vida propia Viene aquí otro concepto interesante y es que la obra de arte gana en jerarquía digamos o valor en la medida que no es la representación de otra cosa sino que adquiere vida y existencia por sí misma. Es como decir, esa persona está ahí, en la obra. O en todo caso resulta su recreación artística, una profundización en la que aprovechando o atravesando los rasgos externos, a veces de superficie o anecdóticos, se cala más hondo. No quiero decir que siempre se logra esto en alto grado. Sí que es una búsqueda, una investigación en la que muchas veces se encuentran esas sorpresas que decía antes. En la tarea DOCENTE WILSON CASAS
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del retrato durante el proceso de construcción, me resulta interesante conversar con el modelo y por momentos pedirle cambios de posiciones y expresiones que pueda yo observar, lo que me va brindando datos valiosos para el trabajo. En obras elaboradas, la sucesión de innumerables pinceladas sobre la tela que resulta de esas observaciones, de un modelo en movimiento y cambios frecuentes, llega a provocar luego en el espectador la sensación de movimiento. Porque resulta que los ojos y el cerebro son hipersensibles en captar no sólo la imagen global, entera digamos, sino también los detalles que la componen y hasta en sus muy pequeñas dimensiones. Y como en la mirada del espectador los ojos recorren la obra con movimientos incesantes, posándose a cada instante en distintos lugares y percibiendo allí esas diversas pinceladas que mencionaba, las que resultaron de los distintos momentos del modelo en movimiento, pues entonces el espectador llega a experimentar frente a la obra esa sensación de movimiento y por lo tanto también de vida. Esa figura, ese rostro está ahí, vivo, animado, con alma, expresión que viene de ánima, la que anima y da vida al cuerpo. Y viene al caso con esto el poder comprender la diferencia con la fotografía convencional, donde la imagen resulta de una instantánea, una suerte de detención artificial, irreal, del movimiento. Cosa entonces que no ocurre con el retrato artístico como explicamos, con lo que éste resulta más rico, profundo y por lo tanto más real. Hablando de fotografías y videos de una persona a retratar, decimos que pueden resultar útiles para hacer su retrato artístico si reúnen algunas condiciones. Imágenes con buena definición, con tomas de diferentes ángulos y expresiones, incluyendo frente y perfil. Si son varias o muchas mejor pues permiten ir confirmando observaciones parciales. Suelo poner varias seleccionadas (y editadas previamente) en el monitor frente a mí cuando trabajo, lo que me permite ir con la mirada de una a otra estudiando las formas y rasgos de un modo en algo parecido al modelo vivo en movimiento. En caso de disponer de un video, cuando es apto para esto, resulta también interesante pues me permite observar a la persona en movimiento, en distintas posiciones y gestos. Y empleando un procesador y editor de video poder seleccionar cuadros, fotogramas de especial interés para el trabajo. Muchas veces al recibir estos materiales por Internet, sin poder disponer del modelo vivo, y sumándole información sobre su personalidad, gestos, gustos u otros datos, cuento entonces sí con un conjunto de elementos con los que puedo trabajar bien. Y luego ya con el trabajo avanzado puedo enviar la imagen al retratado y/o a quienes lo conocen, pedirles y recibir de ellos opiniones y comentarios los que me suelen servir para completar la obra. x *Psicólogo.
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¿Qué es La foto historia?
La Historia de la fotografía empieza oficialmente en el año 1839, con la divulgación mundial del primer procedimiento fotográfico: el daguerrotipo.1 Como antecedentes de la fotografía, se encuentran la cámara oscura y las investigaciones sobre las sustancias fotosensibles, especialmente el ennegrecimiento de las sales de plata. Ibn al-Haytham (Alhazen) (965 a 1040) llevó varios experimentos sobre la cámara oscura y la cámara estenopeica.2 Cronología 1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesariano, un alumno de Leonardo Da Vinci durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata, notando algunas de sus propiedades fotosensibles. 1558, Giovanni Battista della Porta, por sus publicaciones sobre el funcionamiento de la cámara oscura, se hizo popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora: un lente en la apertura de la cámara, anteriormente un simple orificio o estenopo. 1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación como tal se transforma en un instrumento portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un aparato parecido al usado en los principios de la fotografía. En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier revelaron que las sales reaccionaban con la acción de la luz. 1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn, la cámara ya estaba lista para la fotografía; pero todavía no se podían fijar las imágenes. 1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz, en latín y alemán; en 1780 en inglés, y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como Canaletto parece evidente el uso como herramienta de la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se conserva en Venecia, aunque no está confirmado que DOCENTE WILSON CASAS
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efectivamente perteneciera al artista. Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de Maximilien Robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos. La silueta, un invento derivado del teatro de sombras chinas, se empezó a usar en Francia a mediados del siglo XVIII, como método rápido, económico y automático para hacer retratos de la creciente clientela burguesa que no podía pagar los retratos tradicionales pintados, ni las miniaturas que por esa época estaban de moda entre la nobleza. La silueta era un retrato de perfil, que se hacía copiando el perímetro de la sombra de una persona sobre un papel negro, que luego se recortaba con muchísimo cuidado, para montarse finalmente en otro papel blanco. En esa misma línea evolutiva, sobre fines del siglo XVIII aparece el fisionotrazo para hacer perfiles, inventado por Gilles Louis Chretien. Estos inventos han sido denominados por Gisèle Freund como "precursores ideológicos" de la fotografía,3 en tanto representan los esfuerzos de muchos investigadores y artistas de Europa sobre fines del siglo XVIII y principios del XIX, de dar respuesta a una necesidad social en la burguesía ascendente: tener una forma de representación objetiva, mecánica, económica y rápida. El retrato de personas fue, desde entonces, el principal motor de las innovaciones técnicas que la fotografía incorporó durante todo el siglo XIX. 1801, pocos años antes de su muerte, el inglés Thomas Wedgwood hizo nuevos descubrimientos para capturar imágenes, sin lograr fijarlas adecuadamente. Inicios Vista desde la ventana en Le Gras. Debido a las 8 horas de exposición, la luz del sol ilumina los edificios de ambos lados. A principios del siglo XIX, en el año 1824, el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo unas primeras imágenes fotográficas, inéditas.3 La fotografía más antigua que se conserva es una reproducción de la imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata. Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba ocho horas de exposición, a plena luz del día, para obtener sus imágenes. En 1827, Niepce entra en contacto con Daguerre, quien se interesa por su invento e insiste en un acuerdo de trabajo para que le revele su procedimiento, el cual logra firmar con Niepce poco antes de su muerte en 1833. Desde entonces, Daguerre continúa sus experimentaciones y en 1839 hace público -con apoyo del Estado Francés y gran despliegue mediático-, su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida, a la que denominó daguerrotipo. Resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición, para hacerlo más adecuado a los fines del retrato de personas. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes, sin conocerse entre sí. El procedimiento creado por Fox Talbot obtenía negativos sobre un soporte de papel, y a partir de esos negativos reproducía copias positivas, también en papel. El procedimiento negativo-positivo de Talbot se llamó calotipo o talbotipo. Inicialmente el daguerrotipo era mucho más popular, ya que era muy útil para obtener retratos, y su calidad de imagen era muy superior al calotipo. Estos "retratos al daguerrotipo" empezaron a divulgarse entre la clase burguesa de la Revolución industrial, por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica. Innovaciones técnicas y científicas Daguerrotipo experimental de 1837. Bodegón, por Daguerre. Para captar las imágenes se empleó la cámara oscura que experimentó constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores. Los DOCENTE WILSON CASAS
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procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron muy diversos, empezando por el daguerrotipo, y el calotipo. A partir de 1855 triunfó el sistema de los negativos de colodión húmedo, que permitían positivar muchas copias en papel a la albúmina, con gran nitidez y amplia gama de tonos. Estas copias a la albúmina fueron el tipo de papel fotográfico más empleado en la segunda mitad del siglo XIX. Todos estos sistemas se basaban en procesos artesanales, y requerían destrezas manuales significativas por parte de los fotógrafos, así como conocimientos prácticos de química y física. Después de 1880 se desarrollaron las nuevas placas secas al gelatino-bromuro, que podían ser producidas de modo industrial y comercializadas sin limitaciones. Los fotógrafos compraban cajas de placas vírgenes, ya sensibilizadas, listas para cargar en chasis y ser expuestas en la cámara. También eran placas de vidrio; pero pronto empezó a usarse el soporte flexible de película de nitrato. Tampoco deben olvidarse las aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica. A partir de 1888, Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de película enrollable, en lugar de placas planas. El sistema inventado por Kodak se complementaba además con el revelado de las tomas luego de expuestas, y la carga de la cámara con nueva película. Bajo el concepto "Ud. aprieta el botón, nosotros hacemos el resto", Kodak inauguraba la fotografía de aficionados. Procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX: Daguerrotipo Calotipo En 1851 se inventa el colodión húmedo, que reemplazó casi inmediatamente a las demás técnicas, por las mejoras introducidas en los tiempos de exposición. Con el colodión húmedo se habla por primera vez de "instantánea" fotográfica. En 1854 se patentó la ambrotipia, un proceso fotográfico que crea una imagen positiva en una placa de cristal, mediante el proceso del colodión húmedo, es una patente de James Ambrose Cutting quien utilizó el colodión húmedo para obtener una imagen positiva en lugar de un negativo. Una variante de los ambrotipos son los ferrotipos, realizados sobre una base metálica de hierro. Placas secas al gelatino-bromuro que permitían positivar muchas copias en papel a la albúmina. Desde 1888, Kodak fabrica carretes de película enrollable. En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía pueden resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne Jules Marey y Edward Muybridge. Así, muy interesante fue poder averiguar la secuencia de movimientos de las patas de un caballo al galope, que era un tema de amplio debate entre los pintores de la época. Fotografía en color Exterior del estudio fotográfico de Kimbei, en Yokohama, Japón. Vista coloreada a mano, hacia 1881. Placa autocroma Lumière, hacia 1917. Biplano francés en sus colores fotográficos. La fotografía en color fue experimentada durante el siglo XIX, pero no tuvo aplicaciones comerciales, por su dificultad e imperfección. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores quedaran fijados en la fotografía. Una primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861, realizando tres fotografías sucesivas, con la lente con un filtro diferente: rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del color del filtro que se había empleado para tomarla. A lo largo del siglo XIX, y principios del XX, algunas fotografías se coloreaban a mano, con acuarelas, óleo, anilinas, u otros pigmentos. Pero este coloreado manual era artístico y no técnicamente fotográfico. Ya en la época del daguerrotipo se empezaron a colorear los retratos, pagando un suplemento. En algunos países, como Japón, se coloreaban la mayoría de las copias a la albúmina para su venta a extranjeros, especialmente los DOCENTE WILSON CASAS
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retratos de tipos populares y las vistas de paisajes y ciudades. Kusakabe Kimbei destacó en el coloreado de fotografías, realizando verdaderas obras maestras, hasta el año 1912. La auténtica primera placa fotográfica en color, conocida comercialmente como Autochrome, fue patentada en diciembre de 1903 por los hermanos Lumière,4 pero no llegó a los mercados hasta 1907. Esas placas autocromas se fabricaban en Francia, y eran transparencias o diapositivas en soporte de vidrio. Fueron utilizadas especialmente por fotógrafos aficionados de todo el mundo. La mayor colección de placas autocromas se conserva en el Museo Albert-Kahn.5 La primera película fotográfica en color moderna, Kodachrome, fue utilizada por primera vez en 1935, y dejó de fabricarse en 2009. Eran diapositivas en color, producidas y reveladas por la compañía Eastman Kodak. Las demás películas modernas se han basado en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936. La fotografía en las artes visuales[editar] La discusión acerca del estatus artístico de las fotografías se inaugura desde su invención. Sin embargo, durante el siglo XIX serán sólo intentos aislados los que se animen a desafiar el lugar que la institución artística ha destinado para la fotografía: el de auxiliar científico a la observación de la realidad, sin ninguna posibilidad de aspirar a la categoría de obra de arte en cuanto se consideraba que era la máquina la que hacía todo el trabajo. Pictorialismo La primera iniciativa organizada de fotografía artística surge en 1890 en Europa. Un grupo de fotógrafos crea técnicas de manipulación en la toma y en el positivado, y propone que el resultante de su uso es una obra de arte fotográfico, en cuanto requieren de manipulación por parte del autor y generan obras únicas: dos de los puntos discutidos por parte de los pintores para negar la artisticidad de la fotografía.
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FASE 2 (Dos horas) Con el vestuario y elementos que trajimos vamos a utilizar los roles para el foto estudio, es decir vamos a hacer el papel de modelos y de fotógrafos para entender las dos partes, sigan los siguientes pasos: 1. Hacer el montaje del foto estudio, para esto iremos al auditorio y podremos la tela de un solo color en la parte del muro bien pegada sin arrugas, luego miraremos los puntos de iluminación que tenemos y propondremos en donde deberán ponerse las linternas para iluminar los modelos. 2. Vamos a hacer como mínimo por modelo 3 tomas en cada uno de los planos que vimos en la fase 1, también los efectos de luz u los tipos de retratos. 3. Ahora haremos el mismo ejercicio de a parejas y máximo de a tres para que siempre quede uno con el rol de fotógrafo. 4. La seriedad en el asunto hará que el ejercicio salga excelente y se puedan realizar muchos más similares en las demás asignaturas, por lo tanto el material realizado será de gran valor editable y tengan cuidado de que no se pierda ni que caiga en malas manos. 5. En la siguiente clase se deberá traer el material para aprender a realizar efectos y dar retoques profesionales a sus imágenes.
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